LAS MEJORES PELÍCULAS DE LA HISTORIA DEL CINE: Esmond Knight

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"Peeping Tom" (Tom el mirón) es el nombre de un personaje de "Lady Godiva"; leyenda anglosajona en la que se cuenta como un hombre no podía resistir la tentación de espiar a su ama por un agujero. Seguramente estemos mas familiarizados con el término "Peep Show", cuyos orígenes son muy antiguos y que a partir del siglo XX los sex-shops se encargaron de popularizar y rentabilizar mediante espectáculos de contenido sexual donde los clientes tienen acceso, previo pago, para observar a través de un cristal. En el argot psiquiátrico se conoce como escoptofilia o voyeurismo al trastorno de inclinaciones sexuales caracterizado por la obsesión recurrente de mirar a personas que están en situaciones íntimas.

El maestro Michael Powell tuvo muy presente todo lo anteriormente mencionado a la hora de realizar esta obra de culto del thriller británico, muy polémica y odiada en su momento pero enormemente reconocida años después, en parte gracias a la labor de difusión y recuperación llevada a cabo por gente como Martin Scorsese, gran admirador del film. Más que por sus escenas de violencia, muy puntuales y rodadas por Powell con su habitual elegancia, la dureza de "El fotógrafo del pánico" tiene más que ver con la torturada psicología de su protagonista, Mark Lewis (Carl Boehm), objeto durante su niñez de filmaciones para captar sus reacciones ante el miedo por parte de su padre. Ya en su edad adulta se convertirá en un solitario psicópata obsesionado con filmar la muerte de sus víctimas para después proyectarlas y deleitarse con sus reacciones ante el miedo.

Aún más interesante es la relación que Michael Powell establece entre el voyeurismo y el cine, de hecho su protagonista trabaja como operador de cámara en rodajes de películas, además de fotógrafo ocasional, siempre como excusa para atraer a sus víctimas, a las que obliga a visionar su propia muerte en el acto mediante un espejo que adapta al objetivo de su cámara de 16 mm. Por si todas estas referencias cinematográficas fuesen pocas el propio Powell se encarga de asignarse a sí mismo el papel del padre del asesino, al que solo vemos durante las grabaciones caseras que éste proyecta, y curiosamente el personaje de Mark durante su infancia está interpretado por su propio hijo en la vida real; Columba Powell. La película es un continuo juego de miradas, enfoques y puntos de vista donde precisamente la primera persona en darse cuenta del secreto que guarda Mark es su vecina ciega, la señora Stephens (Maxine Audley), madre de Helen (Anna Massey), la joven que se enamora de Mark a pesar de su oscura personalidad.

Se podría considerar como una precursora de las "Snuff Movies", ya que es una de las primeras películas narradas desde el punto de vista del asesino y aunque Michael Powell aquí ya firma en solitario sin su habitual colaborador Emeric Pressburger, la excelente fotografía con una gama de colores muy fuertes y vivos no dista mucho de anteriores obras maestras del dúo como "Narciso negro (1947)" o "Las zapatillas rojas (1948)"; sin ir más lejos Moira Shearer, la bailarina de ballet de este último film aparece en "El fotógrafo del pánico"; precisamente protagonizando otro baile, mas siniestro para la ocasión y que se encargará de filmar Mark Lewis justo antes de asesinarla.

Título original: Peeping Tom.

Director: Michael Powell.

Intérpretes: Karlheinz Böhm, Moira Shearer, Anna Massey, Maxine Audley, Esmond Knight,Michael Goodlife, Shirley Anne Field.

Trailer:

Escena:

Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

EL FOTÓGRAFO DEL PÁNICO (1960). La muerte en imágenes.

Título original: Peeping Tom.

Director: Michael Powell.

Intérpretes: Karlheinz Böhm, Moira Shearer, Anna Massey, Maxine Audley, Esmond Knight,Michael Goodlife, Shirley Anne Field.

Trailer:

Escena:

Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

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Fue la primera película en color de Jean Renoir y fue rodada íntegramente en la India. La idea surgió a raíz de una reseña publicada en la prensa sobre la novela de Rumer Godden, a pesar de la oposición de los estudios ya que, en dicha novela, no se hacía mención de cacerías, ni de elefantes, ni de tigres. El tópico de aquella época en el cine. La historia nos traslada a la vida de una joven británica (Patricia Walters) que reside en la India junto a sus padres, sus cuatro hermanas y su aventurado hermano pequeño. Su vida se verá agitada por la llegada del capitán John (Arthur Shields), un militar mutilado de guerra que viene a pasar una temporada en casa de un amigo de la familia durante su período de convalecencia. Con su llegada, la joven descubrirá sus sentimientos más románticos al sentirse muy atraída hacia él. Jean Renoir (1894-1979) era hijo de Pierre-Auguste Renoir, el célebre pintor impresionista. En su juventud se alistó en el ejército y participó en la I Guerra Mundial, donde sufrió una herida en la pierna (curiosamente, lo que le ocurre al capitán John en "El Río"). Debutó como director en 1924 con "La hija del agua", una obra con un claro tinte impresionista (su cine siempre estuvo claramente influenciado por su padre) que, a su pesar, no impresionó mucho a la crítica de la época. Sin embargo, no se amedrentó por esto y, para mayor gloria del séptimo arte, continuó dirigiendo. Con lo cual, pasado el tiempo, nos brindó algunas maravillosas obras maestras como: "Los bajos fondos (1936)", "La gran ilusión (1937)", "La marsellesa (1938)", "La bestia humana (1938)", "La regla del juego (1939)" o "Esta tierra es mía (1943)".

Todo el transcurso de El Río es como un cuento en el que todo está armonizado, como el fluir de un río que baja pausado a través de campos y valles, dotando de paz a ese entorno en el que se integra. Y lo vemos reflejado en el personaje del niño (interpretado por Claude Renoir, sobrino del director). Un niño cuyo comportamiento fluye como ese río, armonizado, sin prejuicios, inocente a la vez que travieso, despreocupado de los problemas de los mayores e interesado en las cosas de su entorno. De ese entorno cargado de sentimientos, valores, aventuras e, incluso, nostalgia. El movimiento de cámara ayuda (más bien el no movimiento, ya que se hizo uso de cámara estática) a crear esa atmósfera de calma, de paz, de tranquilidad. Nada más comenzar, la película nos da una ligera pista de lo que vamos encontrar, con ese simbólico círculo que nos indica como vamos a sumergirnos en un relato que encarna el simple transcurso de la vida, como si de un río se tratase.

Con su nacimiento, su fluir, su desembocadura y vuelta a empezar. Es un canto poético al devenir humano, al descubrimiento del amor, al descubrimiento del dolor o a la pérdida de la inocencia para entrar en la edad adulta. Es un canto a los niños, entre los que no existen prejuicios, sólo personas, compañeros. En definitiva, El Río es una película tremendamente humana que debería poder ver cualquiera y, a ser posible, acompañados de los niños de la familia. Es un filme para descubrir un país que fascina a su director por la riqueza de sus tradiciones y de sus costumbres ancestrales. A pesar de que el neorrealismo había convulsionado la estética del cine y también la de Renoir, como se pudo ver en La marsellesa, no es, sin embargo, una película neorrealista, aunque sí un filme que atiende en primer lugar el decorado real en que habitan los personajes. Podría decirse que El río es un documental ataviado con tres historias de amor. Cuando Renoir decidió rodar en la India ya sabía que la fuerte impresión de aquel país debía plasmarse en imágenes que respondieran a la realidad antes que al tópico. Los productores pretendían una obra con cacerías de elefantes y tigres porque entendían que la India sin eso, no era la India. Por supuesto, Renoir se negó no sólo a ese tópico, sino también a mostrar el de la miseria y el hambre.

Por tanto, se puede considerar que El Río es una película del Neorrealismo trascendido, ya que Jean trasciende lo evidente para dejarse seducir por toda esa forma de vida de la India y contrastándola con las costumbres occidentales. La película debe poco a sus intérpretes, aunque todos responden muy bien a las exigencias de sus personajes. Viendo el transcurso de esta reseña, podemos adivinar que hubo múltiples anécdotas que rodearon el rodaje de la misma. Por ejemplo, que se dice que durante el rodaje, Renoir conoció a Satyayit Ray, incluso, se rumorea que este colaboró como asistente de Renoir. Se sabe también, que Jean Renoir puso cuatro condiciones para llevar a cabo el rodaje: que le financiaran un viaje a la India (quería conocer el terreno), escribir el guión junto a la novelista, tener el derecho "irrenunciable" al final cut y, ¿no lo adivinan?, nada de cacerías de elefantes o tigres. Otra anécdota destacable es que el productor era un florista de Beverly Hills y, después de El río, jamás volvió a producir. Para el papel masculino pensó en contratar a Marlon Brando, pero superó pronto esa tentación y eligió en su lugar a Tom Breen, modesto actor que había perdido, efectivamente, una pierna en la reciente guerra, ya que Brando hubiera condicionado demasiado esa narrativa dulce y sencilla con la que Renoir nos dio una lección de cine.

Premios:

- Venecia (1951): Premio internacional.

- Círculo de críticos de Nueva York (1951): Nominada a la mejor película.

- Premios BAFTA (1952): Nominada a la mejor película.

Frase para recordar: "Brindo por los niños. Deberíamos celebrar que un niño muera como niño, que un niño haya escapado. Los encerramos en nuestras escuelas, les inculcamos nuestros estúpidos tabúes, los enredamos en nuestras guerras, y no lo pueden resistir. No tienen armaduras, así que los matamos. Masacramos a los inocentes, y el mundo es de los niños, el mundo real. Trepan a los árboles y se revuelcan en la hierba. Son parecidos a las hormigas y libres como pájaros. Son como los animales, no se avergüenzan. Saben lo que es importante: que ha nacido un ratón o que una hoja cae en el estanque. Si el mundo estuviera hecho de niños...".