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marnie-la-ladrona
Marnie (Tippi Hedren) es una embaucadora y atractiva joven que se sirve de su físico y su trabajo como secretaria en diferentes empresas para perpetrar sus robos. Va cambiando de aspecto y de ciudad. Tras adquirir una nueva identidad, consigue trabajo en oficinas donde sea fácil cautivar a sus jefes y distraerlos mientras ella prepara un calculado plan para vaciar cajas fuertes. Su impecable y calculada rutina cambia el día en que un joven empresario, Mark Rutland (Sean Connery) queda completamente cautivado por ella. Accidentalmente, descubre sus hábitos delictivos, y pese a ello, se siente irremediablemente atraído por ella. Mark toma la extraña decisión de casarse con ella y tomarse como un reto personal resolver el enigma que esconde el cerebro de tan bella y extraña mujer. Asume un papel que oscila según el momento del metraje entre marido protector de una mujer con problemas y un individuo que se plantea descifrar un enigma.
De esta forma Alfred Hitchcock hace participar al espectador, identificándose con la figura del joven empresario, como si de un detective se tratara para intentar resolver el más complejo de los casos: lo que reside en el interior de una mente femenina tan fría y calculadora.

marnie-la-ladrona

El guión, escrito por Jay Presson está basado en la novela de Winston Graham, un afamado escritor británico responsable de más de 40 novelas, entre las que se encuentran las doce de la saga de los Poldark. Graham comenzó a escribir en la década de los 40 y fue un consumado autor de novelas de suspense, algunas de ellas llevadas al cine.

En este film el suspense no está basado en descifrar cuáles serán las piezas de un atraco, o si los ladrones conseguirán llevarse el botín. La trama se sustenta en un intento, tanto por parte del autor de la novela como por el propio Hitch, de investigar en el oscuro pasado, en posibles traumas de la infancia que nos descifren el origen de la conducta delictiva.

Parece que tras el éxito conseguido tras filmar "Psicosis (1960)" Alfred Hitchcock quiso mantener ese estilo cercano a la corriente psicoanalítica para conseguir sorprendernos desvelando oscuros secretos. El Maestro ya había hecho algún intento de adentrarse en la parte más explotada o conocida de una versión cuasipsicoanalítica en su film "Recuerda (1945)". En aquel film el interés radicaba en saber si el protagonista se mantenía en su sano juicio y solo una mujer enamorada sería la encargada de rescatarlo.

marnie-la-ladrona

Por el contrario, aquí será un varón el que represente de forma contradictoria, y por diferentes motivos, la figura de salvador. Se consigue así establecer un doble juego: Intentar esclarecer si realmente es amor lo que Mark siente por Marnie, o simple atracción física por un lado, y por otro, intentar descubrir si Marnie es sólo una joven fría y calculadora o una mujer torturada por su pasado. Al igual que en sus dos obras anteriores, las relaciones maternofiliales tienen una poderosa presencia en el relato. En "Marnie, la ladrona" da una vuelta de tuerca más, y sin tratar de ser profundo en los aspectos psicoanalíticos, algo que muchos han visto como un defecto, Hitchcock vuelve a demostrar su dominio de la cámara, de la imagen y, especialmente, del uso del color que asume un papel protagonista en la historia.

Para mí, este film, considerado incompleto por el mismo Hitchcock e infravalorado por la mayoría, adquiere gran relevancia por el uso magistral de un lenguaje visual muy elaborado.

La descripción inicial del personaje, sin necesidad de una sola palabra me parece descomunal. La secuencia de apertura donde se tardan bastantes minutos en mostrarnos la verdadera cara de la protagonista tras habernos mostrado su magnífico cuerpo, sus largas piernas, sus impecables ademanes y una elegante vestimenta me parece genial. Sabemos mucho de la protagonista antes incluso de conseguir ver su rostro saliendo de ese charco negro de agua, de donde surge una mujer rubia.

marnie-la-ladrona

Las escenas en campo abierto montando acaballo, saber resaltar con planos detalle elementos como el color que son piezas clave o presentarnos a los protagonistas en diferentes ángulos que revelan su estado anímico sin palabras son una delicia. Al igual que ese magnífico primer plano donde Mark intenta vencer la fobia al contacto de una mujer que lo rechaza sexualmente en repetidas ocasiones y finalmente consigue arrancarle un beso.

En definitiva, una película que juega con las percepciones visuales del espectador para establecer alegorías, para incitar a deducir e interpretar sin necesidad de diálogos. Imágenes con mucho contenido emocional, ya sea entre los actores o con los animales, utilizando la forma que tiene la protagonista de relacionarse con los caballos, sus recuerdos de la infancia y los filtros de color en determinadas escenas clave.

marnie-la-ladrona

Robert Burks, como responsable de fotografía, vuelve a bañar de luminosidad la obra de Hitchcock, con decisiones tan efectivas como sencillas, como el viraje de color cuando Marnie ve el color rojo. Ayudado por el montaje de George Tomasini, que fallecería ese mismo año, hay instantes milimétricamente medidos como el del interrogatorio/terapia por parte de Mark a Marnie en el camarote del barco. Una vez más el lenguaje cinematográfico demostrando la vital importancia de la narración fílmica por encima de cualquier línea de diálogo.

"Marnie, la ladrona" supuso la última colaboración entre el maestro y uno de sus colaboradores habituales, el insigne Bernard Herrmann, el compositor por excelencia de la música cinematográfica. Su banda sonora ocupa parte de la trama del film y es la responsable de vestir adecuadamente los momentos culminantes de la trama.

También fue la última colaboración de Tippi Hedren con Alfred Hitchcock. No sabemos si porque el papel le cayó de rebote o por otros asuntos pendientes, pero su relación terminó abruptamente. Se comenta que la relación entre ellos empeoró tanto y de forma tan manifiesta durante el rodaje que, en los últimos días del mismo Hitchcock acabó por darle instrucciones a través de intermediarios, a pesar de que Hedren ha negado en su biografía que tal cosa llegara a suceder. Sin ser de las mejores del maestro, sigue siendo una gran película.

marnie-la-ladrona

Título original: Marnie.

Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Tippi Hedren, Sean Connery, Diane Baker, Martin Gabel, Louise Latham, Alan Napier, Bruce Dern. 

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

MARNIE LA LADRONA (1964). Los robos de Tippi Hedren.

marnie-la-ladrona
Marnie (Tippi Hedren) es una embaucadora y atractiva joven que se sirve de su físico y su trabajo como secretaria en diferentes empresas para perpetrar sus robos. Va cambiando de aspecto y de ciudad. Tras adquirir una nueva identidad, consigue trabajo en oficinas donde sea fácil cautivar a sus jefes y distraerlos mientras ella prepara un calculado plan para vaciar cajas fuertes. Su impecable y calculada rutina cambia el día en que un joven empresario, Mark Rutland (Sean Connery) queda completamente cautivado por ella. Accidentalmente, descubre sus hábitos delictivos, y pese a ello, se siente irremediablemente atraído por ella. Mark toma la extraña decisión de casarse con ella y tomarse como un reto personal resolver el enigma que esconde el cerebro de tan bella y extraña mujer. Asume un papel que oscila según el momento del metraje entre marido protector de una mujer con problemas y un individuo que se plantea descifrar un enigma.
De esta forma Alfred Hitchcock hace participar al espectador, identificándose con la figura del joven empresario, como si de un detective se tratara para intentar resolver el más complejo de los casos: lo que reside en el interior de una mente femenina tan fría y calculadora.

marnie-la-ladrona

El guión, escrito por Jay Presson está basado en la novela de Winston Graham, un afamado escritor británico responsable de más de 40 novelas, entre las que se encuentran las doce de la saga de los Poldark. Graham comenzó a escribir en la década de los 40 y fue un consumado autor de novelas de suspense, algunas de ellas llevadas al cine.

En este film el suspense no está basado en descifrar cuáles serán las piezas de un atraco, o si los ladrones conseguirán llevarse el botín. La trama se sustenta en un intento, tanto por parte del autor de la novela como por el propio Hitch, de investigar en el oscuro pasado, en posibles traumas de la infancia que nos descifren el origen de la conducta delictiva.

Parece que tras el éxito conseguido tras filmar "Psicosis (1960)" Alfred Hitchcock quiso mantener ese estilo cercano a la corriente psicoanalítica para conseguir sorprendernos desvelando oscuros secretos. El Maestro ya había hecho algún intento de adentrarse en la parte más explotada o conocida de una versión cuasipsicoanalítica en su film "Recuerda (1945)". En aquel film el interés radicaba en saber si el protagonista se mantenía en su sano juicio y solo una mujer enamorada sería la encargada de rescatarlo.

marnie-la-ladrona

Por el contrario, aquí será un varón el que represente de forma contradictoria, y por diferentes motivos, la figura de salvador. Se consigue así establecer un doble juego: Intentar esclarecer si realmente es amor lo que Mark siente por Marnie, o simple atracción física por un lado, y por otro, intentar descubrir si Marnie es sólo una joven fría y calculadora o una mujer torturada por su pasado. Al igual que en sus dos obras anteriores, las relaciones maternofiliales tienen una poderosa presencia en el relato. En "Marnie, la ladrona" da una vuelta de tuerca más, y sin tratar de ser profundo en los aspectos psicoanalíticos, algo que muchos han visto como un defecto, Hitchcock vuelve a demostrar su dominio de la cámara, de la imagen y, especialmente, del uso del color que asume un papel protagonista en la historia.

Para mí, este film, considerado incompleto por el mismo Hitchcock e infravalorado por la mayoría, adquiere gran relevancia por el uso magistral de un lenguaje visual muy elaborado.

La descripción inicial del personaje, sin necesidad de una sola palabra me parece descomunal. La secuencia de apertura donde se tardan bastantes minutos en mostrarnos la verdadera cara de la protagonista tras habernos mostrado su magnífico cuerpo, sus largas piernas, sus impecables ademanes y una elegante vestimenta me parece genial. Sabemos mucho de la protagonista antes incluso de conseguir ver su rostro saliendo de ese charco negro de agua, de donde surge una mujer rubia.

marnie-la-ladrona

Las escenas en campo abierto montando acaballo, saber resaltar con planos detalle elementos como el color que son piezas clave o presentarnos a los protagonistas en diferentes ángulos que revelan su estado anímico sin palabras son una delicia. Al igual que ese magnífico primer plano donde Mark intenta vencer la fobia al contacto de una mujer que lo rechaza sexualmente en repetidas ocasiones y finalmente consigue arrancarle un beso.

En definitiva, una película que juega con las percepciones visuales del espectador para establecer alegorías, para incitar a deducir e interpretar sin necesidad de diálogos. Imágenes con mucho contenido emocional, ya sea entre los actores o con los animales, utilizando la forma que tiene la protagonista de relacionarse con los caballos, sus recuerdos de la infancia y los filtros de color en determinadas escenas clave.

marnie-la-ladrona

Robert Burks, como responsable de fotografía, vuelve a bañar de luminosidad la obra de Hitchcock, con decisiones tan efectivas como sencillas, como el viraje de color cuando Marnie ve el color rojo. Ayudado por el montaje de George Tomasini, que fallecería ese mismo año, hay instantes milimétricamente medidos como el del interrogatorio/terapia por parte de Mark a Marnie en el camarote del barco. Una vez más el lenguaje cinematográfico demostrando la vital importancia de la narración fílmica por encima de cualquier línea de diálogo.

"Marnie, la ladrona" supuso la última colaboración entre el maestro y uno de sus colaboradores habituales, el insigne Bernard Herrmann, el compositor por excelencia de la música cinematográfica. Su banda sonora ocupa parte de la trama del film y es la responsable de vestir adecuadamente los momentos culminantes de la trama.

También fue la última colaboración de Tippi Hedren con Alfred Hitchcock. No sabemos si porque el papel le cayó de rebote o por otros asuntos pendientes, pero su relación terminó abruptamente. Se comenta que la relación entre ellos empeoró tanto y de forma tan manifiesta durante el rodaje que, en los últimos días del mismo Hitchcock acabó por darle instrucciones a través de intermediarios, a pesar de que Hedren ha negado en su biografía que tal cosa llegara a suceder. Sin ser de las mejores del maestro, sigue siendo una gran película.

marnie-la-ladrona

Título original: Marnie.

Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Tippi Hedren, Sean Connery, Diane Baker, Martin Gabel, Louise Latham, Alan Napier, Bruce Dern. 

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard


ghost
¿En serio que uno de los creadores de "Aterriza como puedas (1980)" y "Top Secret (1984)", es el director de "Ghost"?...Pues sí, lo es. 4 años después de la comedia "¡Por favor, maten a mi mujer! (1986)", interpretada por Danny De Vitto, Jerry Zucker debutó en un cine de mayor calado dramático, mezclando la fantasía y el género romántico.

El desaparecido Patrick Swayze posiblemente realizó el mejor trabajo de su carrera al interpretar a un enamoradísimo hombre de negocios, feliz con su pareja (Demi Moore) y acompañado del "amigo" de la pareja (Tony Goldwyn), llevando una vida de éxito que se verá truncada por su asesinato, un asesinato que, en lo que parece un simple atraco derivado en homicidio, hay mucho más... por lo que el alma en pena de Swayze queda en el limbo, esperando poder resolver quién se esconde detrás de su asesino y dar paz a su enamorada traumatizada por la pérdida.

2 Oscar recibió esta sentimental tragicomedia de fantasía, al mejor guión original y a la mejor actriz secundaria para Whoppi Goldberg, que como curiosidad parecía predestinada para este papel de pitonisa que habla con los muertos, puesto que ella misma antes de dedicarse al mundo de la interpretación, tenía como oficio maquillar muertos para una funeraria (sorprendente), por lo que a Goldberg el trato con los difuntos al parecer, nunca se le ha dado mal, viéndose obligada a ayudar al fantasma de Swayze, para resolver lo que le mantiene entre el mundo de los vivos y muertos.


ghost

Para el recuerdo de todo aficionado al cine de los 90’s son las imágenes de Swayze y Moore moldeando el barro con un torno, y por supuestísimo la banda sonora con la música de "Unchained Melody", 35 años después de su creación para "Ghost", poniéndose de nuevo de moda para la generación de los 90’s y posteriormente, tras haberse compuesto en 1955, teniendo 4 versiones diferentes que se colocaron en el top 30 de la lista de éxitos de Gran Bretaña y entrando en el libro récord de los Guinnes.

Pero a mí una de las escenas que me llama poderosamente la atención, es el encuentro con el fantasma de Vincent Schiavelli (otro magnífico actor ya fallecido), que enseñará al enamorado fantasma a focalizar su energía para poder llegar a tocar objetos y mover elementos en el mundo de los vivos, dejando claro Schiavelli su buen corazón detrás de esa furia que aparenta, sacando a relucir la posible causa de su muerte que queda pendiente como incógnita en el filme.


ghost

"Ghost" es pues una agradable e icónica película de los años 90, dirigida por alguien que que me resulta extraño dado su mano para la comedia alocada y descacharrante como Jerry Zucker, que sin embargo arroja su buen hacer para dejar un poso sentimental bienintencionado, lacrimógeno y cargado de buenos sentimientos.

Ni que decir tiene que Whoppi Goldberg está sembrada de ironía, y que Moore y Swayze componen una de las parejas más trágicas y románticas del cine. Como curiosidades, el año del estreno de "Ghost" fue también el de "Pretty Woman (1990)", teniendo que competir con ésta, y ganando "Ghost" la competición con más de 500 millones de dólares en la taquilla internacional, además de que para mi sorpresa existe un remake oriental de "Ghost" que se realizó en 2010. 


ghost

Director: Jerry Zucker.

Intérpretes: Demi Moore, Patrick Swayze, Whoopi Goldberg, Tony Goldwyn, Rick Aviles, Vincent Schiavelli.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

GHOST (1990). Amores desde el más allá.


ghost
¿En serio que uno de los creadores de "Aterriza como puedas (1980)" y "Top Secret (1984)", es el director de "Ghost"?...Pues sí, lo es. 4 años después de la comedia "¡Por favor, maten a mi mujer! (1986)", interpretada por Danny De Vitto, Jerry Zucker debutó en un cine de mayor calado dramático, mezclando la fantasía y el género romántico.

El desaparecido Patrick Swayze posiblemente realizó el mejor trabajo de su carrera al interpretar a un enamoradísimo hombre de negocios, feliz con su pareja (Demi Moore) y acompañado del "amigo" de la pareja (Tony Goldwyn), llevando una vida de éxito que se verá truncada por su asesinato, un asesinato que, en lo que parece un simple atraco derivado en homicidio, hay mucho más... por lo que el alma en pena de Swayze queda en el limbo, esperando poder resolver quién se esconde detrás de su asesino y dar paz a su enamorada traumatizada por la pérdida.

2 Oscar recibió esta sentimental tragicomedia de fantasía, al mejor guión original y a la mejor actriz secundaria para Whoppi Goldberg, que como curiosidad parecía predestinada para este papel de pitonisa que habla con los muertos, puesto que ella misma antes de dedicarse al mundo de la interpretación, tenía como oficio maquillar muertos para una funeraria (sorprendente), por lo que a Goldberg el trato con los difuntos al parecer, nunca se le ha dado mal, viéndose obligada a ayudar al fantasma de Swayze, para resolver lo que le mantiene entre el mundo de los vivos y muertos.


ghost

Para el recuerdo de todo aficionado al cine de los 90’s son las imágenes de Swayze y Moore moldeando el barro con un torno, y por supuestísimo la banda sonora con la música de "Unchained Melody", 35 años después de su creación para "Ghost", poniéndose de nuevo de moda para la generación de los 90’s y posteriormente, tras haberse compuesto en 1955, teniendo 4 versiones diferentes que se colocaron en el top 30 de la lista de éxitos de Gran Bretaña y entrando en el libro récord de los Guinnes.

Pero a mí una de las escenas que me llama poderosamente la atención, es el encuentro con el fantasma de Vincent Schiavelli (otro magnífico actor ya fallecido), que enseñará al enamorado fantasma a focalizar su energía para poder llegar a tocar objetos y mover elementos en el mundo de los vivos, dejando claro Schiavelli su buen corazón detrás de esa furia que aparenta, sacando a relucir la posible causa de su muerte que queda pendiente como incógnita en el filme.


ghost

"Ghost" es pues una agradable e icónica película de los años 90, dirigida por alguien que que me resulta extraño dado su mano para la comedia alocada y descacharrante como Jerry Zucker, que sin embargo arroja su buen hacer para dejar un poso sentimental bienintencionado, lacrimógeno y cargado de buenos sentimientos.

Ni que decir tiene que Whoppi Goldberg está sembrada de ironía, y que Moore y Swayze componen una de las parejas más trágicas y románticas del cine. Como curiosidades, el año del estreno de "Ghost" fue también el de "Pretty Woman (1990)", teniendo que competir con ésta, y ganando "Ghost" la competición con más de 500 millones de dólares en la taquilla internacional, además de que para mi sorpresa existe un remake oriental de "Ghost" que se realizó en 2010. 


ghost

Director: Jerry Zucker.

Intérpretes: Demi Moore, Patrick Swayze, Whoopi Goldberg, Tony Goldwyn, Rick Aviles, Vincent Schiavelli.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

danger-diabolik
De todos es conocido la faceta del realizador italiano dentro del fantastique y del giallo , y muchas son las películas que nos identifican con su obra ("La máscara del Demonio (1960)", "Bahía de sangre (1971)", "Terror en el espacio (1965)" y tantas otras), pero ya no tantos conocen esta particularísima y estrafalaria realización del maestro de San Remo , que tras más de 50 títulos en su haber fue el escogido por Dino de Laurentis para realizar esta adaptación del comic a la gran pantalla .
Escrita, dirigida y fotografiada por Mario Bava (que cuenta además con la colaboración de su hijo Lamberto en la dirección) la película está basada en las famosas viñetas de cómic italianas de los 60 de las hermanas Giusanni (y que hoy aun en día siguen publicándose con éxito), Bava nos cuenta la historia de un ladrón altamente seductor, astuto e ingenioso que se las apaña de mil maneras para robarle al corrupto estado y a los adinerados gangsters, otra especie de Robin Hood moderno que roba a los ricos pero no precisamente para dárselo a los pobres sino que roba por placer para gastárselo con su rubia amiguita.

Pero lo que realmente importa del film no es su sencilla historia, sino su llamativo estilo, donde un Bava en plena forma consigue con éxito mezclar el encanto de los seriales de la época, y las viñetas del cómic con un estimulante y particular estilo Kitsch tan extravagante y tan en auge en la década de los 60 para brindarnos un film delirante como pocos, y hasta alucinógeno por momentos, de puro entretenimiento, divertida ,y que para entendernos mezcla el Batman de los 60 con el estilo visual de la célebre (e infinitamente inferior) "Barbarella (1968)" de Roger Vadim y con los films de Bond.

danger-diabolik

Psicodelia a mansalva, chicas bonitas con cortos vestidos, villanos de cómic, música psicodélica, sufridos colores, lujo, robos, explosiones, y diversión a raudales en esta película que parece incluso en determinadas escenas estar filmada bajo alguna que otra sustancia prohibida.

Llena de guiños cinéfilos, la cinta se permite homenajear principalmente a los primeros films de Bond, ya no sólo por su estilo visual sino por la presencia de la rubia de turno, el típico coche del ladrón sofisticado que sustituye el legendario Aston Martin por un Jaguar negro, vehículos submarinos, un villano al más puro estilo 007 (de hecho el villano es Adolfo Celi, el mismo de "Operación trueno (1965)") y hasta una guarida subterránea como si de la cueva de Batman o de la base secreta del típico villano de Bond se tratara.

La personalísima y fascinante puesta en escena con el particular e inconfundible sello del maestro italiano son una de sus principales bazas y otra prueba más ya no sólo de lo excelente realizador que era, sino también como un excelente creador de efectos especiales sin necesidad de tecnología con una brillante capacidad de inventiva dignas de admiración y sobre todo del magnífico director de fotografía que fue. Un genio Don Mario.

danger-diabolik

Otro de las virtudes de Don Mario en esta película es su particular forma de planificar, unos planos que le sirven al cineasta para representar sus propias viñetas de cómic con unos encuadres trazados por rectángulos que le dan más sensación de historieta aun si cabe y encuadrando a los personajes de una forma muy peculiar mediante recuadros y formas geométricas que aparte de ese toque de cómic visual tan acertado ( simulando viñetas), aprovecha para darle énfasis a las emociones, a lo que sufre el personaje, una absoluta genialidad.

Diabolik, la creación de un personaje muy vivo, inteligente, seductor, altamente eficaz y con una risa terrorífica inconfundible, interpretada magistralmente por John Phillip Law que le da al personaje el carisma deseado para un héroe de comic . Un personaje principal con aspecto de superhéroe que en verdad no lo es, es más bien la perfecta representación de un anti-héroe, un criminal anarquista con aires revolucionarios que roba por placer pero contra la corrupción política, o más bien un terrorista, eso sí, un terrorista que solo hace explotar edificios como la Seguridad Social o Hacienda, sencillamente genial (ya podrías existir hoy ya), un sentimiento que hoy en día obviamente no encajaría pero que en los 60 estaba en perfecta sintonía con la contracultura de la época.

danger-diabolik

Le acompaña la despampanante rubia Marisa Mell como su chica y ambos forman una pareja protagonista que desprende una fascinante sexualidad. Michel Piccoli como jefe de policía intentando dar caza a nuestro seductor ladrón completan el reparto.

Ameniza la función una psicodélica y alucinante BSO del maestro Ennio Morricone en su estado puro que enfatiza lo absurdo de las situaciones de la peli y le otorga esa música tan de cómic.

Una película muy estimulante y sensual ,muy divertida , fascinante y delirante como pocas, con su extravagante y estrafalario estilo y con una belleza de lo más peculiar ,única en su especie, y que con el paso de los años se ha hecho un hueco en la cultura pop de forma más que merecida, un film que por desgracia pocos conocen pero que sin duda constituye una de las mejores representaciones de ese espíritu libre y revolucionario sesentero y probablemente sea una de las mejores adaptaciones del cómic llevadas a la gran pantalla que la han elevado a la categoría de lo que es: Un film de culto.

danger-diabolik


Director: Mario Bava.

Intérpretes: John Phillip Law, Marisa Mell, Michel Piccoli, Adolfo Celi, Claudio Gora, Mario Donen, Renzo Palmer.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Mestanza Foyé

DANGER: DIABOLIK (1968). El film de culto de Mario Bava.

danger-diabolik
De todos es conocido la faceta del realizador italiano dentro del fantastique y del giallo , y muchas son las películas que nos identifican con su obra ("La máscara del Demonio (1960)", "Bahía de sangre (1971)", "Terror en el espacio (1965)" y tantas otras), pero ya no tantos conocen esta particularísima y estrafalaria realización del maestro de San Remo , que tras más de 50 títulos en su haber fue el escogido por Dino de Laurentis para realizar esta adaptación del comic a la gran pantalla .
Escrita, dirigida y fotografiada por Mario Bava (que cuenta además con la colaboración de su hijo Lamberto en la dirección) la película está basada en las famosas viñetas de cómic italianas de los 60 de las hermanas Giusanni (y que hoy aun en día siguen publicándose con éxito), Bava nos cuenta la historia de un ladrón altamente seductor, astuto e ingenioso que se las apaña de mil maneras para robarle al corrupto estado y a los adinerados gangsters, otra especie de Robin Hood moderno que roba a los ricos pero no precisamente para dárselo a los pobres sino que roba por placer para gastárselo con su rubia amiguita.

Pero lo que realmente importa del film no es su sencilla historia, sino su llamativo estilo, donde un Bava en plena forma consigue con éxito mezclar el encanto de los seriales de la época, y las viñetas del cómic con un estimulante y particular estilo Kitsch tan extravagante y tan en auge en la década de los 60 para brindarnos un film delirante como pocos, y hasta alucinógeno por momentos, de puro entretenimiento, divertida ,y que para entendernos mezcla el Batman de los 60 con el estilo visual de la célebre (e infinitamente inferior) "Barbarella (1968)" de Roger Vadim y con los films de Bond.

danger-diabolik

Psicodelia a mansalva, chicas bonitas con cortos vestidos, villanos de cómic, música psicodélica, sufridos colores, lujo, robos, explosiones, y diversión a raudales en esta película que parece incluso en determinadas escenas estar filmada bajo alguna que otra sustancia prohibida.

Llena de guiños cinéfilos, la cinta se permite homenajear principalmente a los primeros films de Bond, ya no sólo por su estilo visual sino por la presencia de la rubia de turno, el típico coche del ladrón sofisticado que sustituye el legendario Aston Martin por un Jaguar negro, vehículos submarinos, un villano al más puro estilo 007 (de hecho el villano es Adolfo Celi, el mismo de "Operación trueno (1965)") y hasta una guarida subterránea como si de la cueva de Batman o de la base secreta del típico villano de Bond se tratara.

La personalísima y fascinante puesta en escena con el particular e inconfundible sello del maestro italiano son una de sus principales bazas y otra prueba más ya no sólo de lo excelente realizador que era, sino también como un excelente creador de efectos especiales sin necesidad de tecnología con una brillante capacidad de inventiva dignas de admiración y sobre todo del magnífico director de fotografía que fue. Un genio Don Mario.

danger-diabolik

Otro de las virtudes de Don Mario en esta película es su particular forma de planificar, unos planos que le sirven al cineasta para representar sus propias viñetas de cómic con unos encuadres trazados por rectángulos que le dan más sensación de historieta aun si cabe y encuadrando a los personajes de una forma muy peculiar mediante recuadros y formas geométricas que aparte de ese toque de cómic visual tan acertado ( simulando viñetas), aprovecha para darle énfasis a las emociones, a lo que sufre el personaje, una absoluta genialidad.

Diabolik, la creación de un personaje muy vivo, inteligente, seductor, altamente eficaz y con una risa terrorífica inconfundible, interpretada magistralmente por John Phillip Law que le da al personaje el carisma deseado para un héroe de comic . Un personaje principal con aspecto de superhéroe que en verdad no lo es, es más bien la perfecta representación de un anti-héroe, un criminal anarquista con aires revolucionarios que roba por placer pero contra la corrupción política, o más bien un terrorista, eso sí, un terrorista que solo hace explotar edificios como la Seguridad Social o Hacienda, sencillamente genial (ya podrías existir hoy ya), un sentimiento que hoy en día obviamente no encajaría pero que en los 60 estaba en perfecta sintonía con la contracultura de la época.

danger-diabolik

Le acompaña la despampanante rubia Marisa Mell como su chica y ambos forman una pareja protagonista que desprende una fascinante sexualidad. Michel Piccoli como jefe de policía intentando dar caza a nuestro seductor ladrón completan el reparto.

Ameniza la función una psicodélica y alucinante BSO del maestro Ennio Morricone en su estado puro que enfatiza lo absurdo de las situaciones de la peli y le otorga esa música tan de cómic.

Una película muy estimulante y sensual ,muy divertida , fascinante y delirante como pocas, con su extravagante y estrafalario estilo y con una belleza de lo más peculiar ,única en su especie, y que con el paso de los años se ha hecho un hueco en la cultura pop de forma más que merecida, un film que por desgracia pocos conocen pero que sin duda constituye una de las mejores representaciones de ese espíritu libre y revolucionario sesentero y probablemente sea una de las mejores adaptaciones del cómic llevadas a la gran pantalla que la han elevado a la categoría de lo que es: Un film de culto.

danger-diabolik


Director: Mario Bava.

Intérpretes: John Phillip Law, Marisa Mell, Michel Piccoli, Adolfo Celi, Claudio Gora, Mario Donen, Renzo Palmer.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Mestanza Foyé

los-jueves-milagro
Fuentecilla, un pueblo que vivió tiempos de esplendor coincidiendo con el auge de su balneario, sobrevive a duras penas gracias al campo y a un limitadísimo turismo que apenas deja beneficios. Su empobrecimiento es tal que ya ni el tren para en la estación. Don Ramón, el dueño del balneario, harto de su escasa y poco aristocrática clientela, en connivencia con el alcalde, el maestro, el barbero, el dueño del hotel y don José, un acaudalado propietario del lugar, urde un plan: organizar una "aparición mariana", como la de Lourdes, que atraiga al turismo y a los devotos. Tras mucho cavilar, se dan cuenta del extraordinario parecido que hay entre Don José y una vieja talla de San Dimas, el buen ladrón. Así es como la noche de cada jueves tiene lugar la aparición de San Dimás.

Desde ya, digo que esta película no esta a la altura de "El verdugo (1963)", "Bienvenido Mr. Marshall (1952)" o "Placido (1961)", o que se echa de menos la pluma de Rafael Azcona, pero Berlanga es mucho Berlanga y esta película como casi todos sus filmes es un divertimento de primer orden. Sobre todo el tramo inicial realizado con un montaje y una puesta en escena admirable donde deslumbran el gran Pepe Isbert en su performance de San Dimas y un Manuel Alexandre, ojiplático y absolutamente feliz como único espectador de esta. También destacaría el pequeño papel como sacerdote arisco de José Luis López Vázquez, precisamente el cura es el mas incrédulo. Pero a partir de que Isbert abandona el protagonismo, el guión se desliza hacia una muy previsible fábula moral.


los-jueves-milagro

Quinto largo de Berlanga cuya idea original surgió de unas supuestas apariciones de la Virgen en un pueblo de la provincia de Castellón llamado Cuevas de Vinromá que realiza una crítica social, crítica religiosa, humor negro, neorrealismo a la ibérica incluso, pero sobre todo, una auténtica burla hacia las fuerzas vivas que hacían funcionar el franquismo en las zonas rurales (el maestro, el alcalde, el boticario o el empresario, entre otros). Los poderosos haciendo beneficio propio de la ingenuidad de los débiles a costa de la fe.

No olvidemos que por retratar un tema considerablemente delicado por aquel entonces como es la fe, las supuestas apariciones de santos y el uso por puro interés monetario de la religión y las creencias de la gente de a pie, muchas fueron las intervenciones de manos ajenas en el desarrollo de la película, entre ellas:

- La fuerte participación en el guion del sacerdote y censor padre Garau, impuesto por los productores y a quien Berlanga pretendía situar en los créditos como verdadero responsable de la historia.

- Las numerosas mutilaciones exigidas por la Junta de Censura del remontaje que los productores hacen a su aire.

- Las secuencias adicionales que rueda Jorge Grau a instancias de los nuevos dueños de la empresa cuando el Opus Dei se hace cargo de ésta.


los-jueves-milagro

Tantas fueron estas intervenciones que hizo que tuviera un mensaje lo suficientemente ambiguo como para suscitar críticas entre los sectores más tradicionales y también los más izquierdistas de la sociedad.

Uno de los casos cinematográficos más claros de lo que pudo ser y no fue. Indudablemente y con esta temática Los Jueves, Milagro pudo haber sido la película más grande, crítica y lacerante de Luis García Berlanga… o que mejor que explicado por él mismo:
"Yo siempre decía que la primera mitad de "Los jueves, milagro" era mi mejor realización, donde había armonizado mejor el texto con la imagen y donde me había encontrado más cómodo rodando. Ahora, al volver a verla, he confirmado que es una de mis películas con mayor fluidez narrativa. Pero también estoy convencido de que las imposiciones de censura arruinaron el final de la película."

A pesar de que no tuvo mucho éxito entonces ni el suficiente reconocimiento después o de resultar menguada en su causticidad por la censura de la época en su último tramo, "Los jueves, milagro" es una obra cómica de calado social muy divertida. Poco después un genio de las letras llamado Rafael Azcona se cruzaría en su vida, ambos cambiarían para siempre el cine español.


los-jueves-milagro

Director: Luis García Berlanga.

Intérpretes: José Isbert, Richard Basehart, Paolo Stoppa, Alberto Romea, Juan Calvo, José Luis López Vázquez.


Escena:


Reseña escrita por Pepe Mata

LOS JUEVES, MILAGRO (1957). La fábula moral de Luis García Berlanga.

los-jueves-milagro
Fuentecilla, un pueblo que vivió tiempos de esplendor coincidiendo con el auge de su balneario, sobrevive a duras penas gracias al campo y a un limitadísimo turismo que apenas deja beneficios. Su empobrecimiento es tal que ya ni el tren para en la estación. Don Ramón, el dueño del balneario, harto de su escasa y poco aristocrática clientela, en connivencia con el alcalde, el maestro, el barbero, el dueño del hotel y don José, un acaudalado propietario del lugar, urde un plan: organizar una "aparición mariana", como la de Lourdes, que atraiga al turismo y a los devotos. Tras mucho cavilar, se dan cuenta del extraordinario parecido que hay entre Don José y una vieja talla de San Dimas, el buen ladrón. Así es como la noche de cada jueves tiene lugar la aparición de San Dimás.

Desde ya, digo que esta película no esta a la altura de "El verdugo (1963)", "Bienvenido Mr. Marshall (1952)" o "Placido (1961)", o que se echa de menos la pluma de Rafael Azcona, pero Berlanga es mucho Berlanga y esta película como casi todos sus filmes es un divertimento de primer orden. Sobre todo el tramo inicial realizado con un montaje y una puesta en escena admirable donde deslumbran el gran Pepe Isbert en su performance de San Dimas y un Manuel Alexandre, ojiplático y absolutamente feliz como único espectador de esta. También destacaría el pequeño papel como sacerdote arisco de José Luis López Vázquez, precisamente el cura es el mas incrédulo. Pero a partir de que Isbert abandona el protagonismo, el guión se desliza hacia una muy previsible fábula moral.


los-jueves-milagro

Quinto largo de Berlanga cuya idea original surgió de unas supuestas apariciones de la Virgen en un pueblo de la provincia de Castellón llamado Cuevas de Vinromá que realiza una crítica social, crítica religiosa, humor negro, neorrealismo a la ibérica incluso, pero sobre todo, una auténtica burla hacia las fuerzas vivas que hacían funcionar el franquismo en las zonas rurales (el maestro, el alcalde, el boticario o el empresario, entre otros). Los poderosos haciendo beneficio propio de la ingenuidad de los débiles a costa de la fe.

No olvidemos que por retratar un tema considerablemente delicado por aquel entonces como es la fe, las supuestas apariciones de santos y el uso por puro interés monetario de la religión y las creencias de la gente de a pie, muchas fueron las intervenciones de manos ajenas en el desarrollo de la película, entre ellas:

- La fuerte participación en el guion del sacerdote y censor padre Garau, impuesto por los productores y a quien Berlanga pretendía situar en los créditos como verdadero responsable de la historia.

- Las numerosas mutilaciones exigidas por la Junta de Censura del remontaje que los productores hacen a su aire.

- Las secuencias adicionales que rueda Jorge Grau a instancias de los nuevos dueños de la empresa cuando el Opus Dei se hace cargo de ésta.


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Tantas fueron estas intervenciones que hizo que tuviera un mensaje lo suficientemente ambiguo como para suscitar críticas entre los sectores más tradicionales y también los más izquierdistas de la sociedad.

Uno de los casos cinematográficos más claros de lo que pudo ser y no fue. Indudablemente y con esta temática Los Jueves, Milagro pudo haber sido la película más grande, crítica y lacerante de Luis García Berlanga… o que mejor que explicado por él mismo:
"Yo siempre decía que la primera mitad de "Los jueves, milagro" era mi mejor realización, donde había armonizado mejor el texto con la imagen y donde me había encontrado más cómodo rodando. Ahora, al volver a verla, he confirmado que es una de mis películas con mayor fluidez narrativa. Pero también estoy convencido de que las imposiciones de censura arruinaron el final de la película."

A pesar de que no tuvo mucho éxito entonces ni el suficiente reconocimiento después o de resultar menguada en su causticidad por la censura de la época en su último tramo, "Los jueves, milagro" es una obra cómica de calado social muy divertida. Poco después un genio de las letras llamado Rafael Azcona se cruzaría en su vida, ambos cambiarían para siempre el cine español.


los-jueves-milagro

Director: Luis García Berlanga.

Intérpretes: José Isbert, Richard Basehart, Paolo Stoppa, Alberto Romea, Juan Calvo, José Luis López Vázquez.


Escena:


Reseña escrita por Pepe Mata

dillinger
Si de ladrones y robos va la cuestión la cultura popular americana se ha encargado de dejarnos nombres tan ilustres como Bonnie y Clyde, Baby Face Nelson o John Dillinger. Todos ellos coexistieron durante la Gran Depresión y dirigieron sus asaltos criminales contra los bancos, precisamente los responsables de que mucha gente trabajadora perdiera los ahorros de toda una vida debido a la crisis y quiebra de los mismos. La inestabilidad económica motivó la desconfianza en las entidades financieras y la figura del gangster proliferó a partir de ese momento. Si a todo esto le sumamos la influencia de los medios de comunicación que con los actos delictivos de estos malhechores tenían material efervescente de primer orden no es de extrañar que hoy en día estemos hablando de verdaderos iconos de la cultura popular.

John Milius, amigo y compañero de estudios cinematográficos de George Lucas, Steven Spielberg o Martin Scorsese se había ganado una gran reputación como guionista al participar en las dos primeras partes de Harry el sucio ; Dirty Harry (1971) y Magnum force(1973) además de en grandes éxitos de crítica y público como Jeremiah Johnson (1972) o el western El juez de la horca (1972) aunque su libreto mas aclamado tardaría aún unos años hasta Apocalypse Now (1979) de Francis Ford Coppola. Debuta como director con Dillinger en 1973 en el seno de la compañía de Serie B American International Pictures comandada entre otros por Roger Corman, responsable asimismo de los debuts de Coppola (Dementia 13), Scorsese (Boxcar Bertha) o Peter Bogdanovich (Targets) faceta muy a tener en cuenta como descubridor de grandes talentos.

dillinger

Dillinger es una producción modesta, de hecho John Milius declaró años mas tarde que a pesar de no disponer de mucho tiempo y dinero, ni grúas ni nada por el estilo, las escenas de los tiroteos se rodaron de manera muy simple y aún así el resultado final le parecía ambicioso para el momento. A pesar de las limitaciones si pudo contar con un gran elenco de actores tales como Warren Oates en el papel de Dillinger, Ben Johnson como el agente del FBI Melvin Purvis, Richard Dreyfuss como Baby Face Nelson o Harry Dean Stanton como miembro de la banda de Dillinger. Se trata de un relato crudo exento de romanticismo del que Milius también declaró; "Lo que me interesa es la leyenda, no es un estudio de personajes o un análisis freudiano, se trata de un cuento popular de América ". La película incluye imágenes documentales y filmaciones de la época y el guión es obra del propio John Milius como no podía ser de otra forma en ese momento,y accedió a venderlo por un tercio de sus honorarios habituales si le dejaban dirigirla.

Para alimentar mas aún la leyenda de Dillinger, su muerte se produjo a la salida de un cine acompañado de su novia cuando fue tiroteado por Melvin Purvis por orden expreso de J. Edgar Hoover. Curiosamente salían de ver "El enemigo público número uno (1934)" de W.S. Van Dyke y George Cukor, film de intriga criminal pre-código Hays del que se rumoreaba estaba basado en la vida de Dillinger. Seguramente no estamos ante un film tan popular y redondo como Bonnie and Clyde (1967) de Arthur Penn pero su factura lograda con pocos medios,su guión y digno reparto hacen del debut de John Milius un producto muy disfrutable de este polémico director republicano y aficionado a las armas mas conocido por la excelente "El viento y el león (1975)" o "Conan El Bárbaro (1982)".

dillinger

Director: John Milius.

Intérpretes: Warren Oates, Ben Johnson, Cloris Leachman, Michelle Phillips, Richard Dreyfuss, Harry Dean Stanton.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

DILLINGER (1973). Los peligrosos años 30.

dillinger
Si de ladrones y robos va la cuestión la cultura popular americana se ha encargado de dejarnos nombres tan ilustres como Bonnie y Clyde, Baby Face Nelson o John Dillinger. Todos ellos coexistieron durante la Gran Depresión y dirigieron sus asaltos criminales contra los bancos, precisamente los responsables de que mucha gente trabajadora perdiera los ahorros de toda una vida debido a la crisis y quiebra de los mismos. La inestabilidad económica motivó la desconfianza en las entidades financieras y la figura del gangster proliferó a partir de ese momento. Si a todo esto le sumamos la influencia de los medios de comunicación que con los actos delictivos de estos malhechores tenían material efervescente de primer orden no es de extrañar que hoy en día estemos hablando de verdaderos iconos de la cultura popular.

John Milius, amigo y compañero de estudios cinematográficos de George Lucas, Steven Spielberg o Martin Scorsese se había ganado una gran reputación como guionista al participar en las dos primeras partes de Harry el sucio ; Dirty Harry (1971) y Magnum force(1973) además de en grandes éxitos de crítica y público como Jeremiah Johnson (1972) o el western El juez de la horca (1972) aunque su libreto mas aclamado tardaría aún unos años hasta Apocalypse Now (1979) de Francis Ford Coppola. Debuta como director con Dillinger en 1973 en el seno de la compañía de Serie B American International Pictures comandada entre otros por Roger Corman, responsable asimismo de los debuts de Coppola (Dementia 13), Scorsese (Boxcar Bertha) o Peter Bogdanovich (Targets) faceta muy a tener en cuenta como descubridor de grandes talentos.

dillinger

Dillinger es una producción modesta, de hecho John Milius declaró años mas tarde que a pesar de no disponer de mucho tiempo y dinero, ni grúas ni nada por el estilo, las escenas de los tiroteos se rodaron de manera muy simple y aún así el resultado final le parecía ambicioso para el momento. A pesar de las limitaciones si pudo contar con un gran elenco de actores tales como Warren Oates en el papel de Dillinger, Ben Johnson como el agente del FBI Melvin Purvis, Richard Dreyfuss como Baby Face Nelson o Harry Dean Stanton como miembro de la banda de Dillinger. Se trata de un relato crudo exento de romanticismo del que Milius también declaró; "Lo que me interesa es la leyenda, no es un estudio de personajes o un análisis freudiano, se trata de un cuento popular de América ". La película incluye imágenes documentales y filmaciones de la época y el guión es obra del propio John Milius como no podía ser de otra forma en ese momento,y accedió a venderlo por un tercio de sus honorarios habituales si le dejaban dirigirla.

Para alimentar mas aún la leyenda de Dillinger, su muerte se produjo a la salida de un cine acompañado de su novia cuando fue tiroteado por Melvin Purvis por orden expreso de J. Edgar Hoover. Curiosamente salían de ver "El enemigo público número uno (1934)" de W.S. Van Dyke y George Cukor, film de intriga criminal pre-código Hays del que se rumoreaba estaba basado en la vida de Dillinger. Seguramente no estamos ante un film tan popular y redondo como Bonnie and Clyde (1967) de Arthur Penn pero su factura lograda con pocos medios,su guión y digno reparto hacen del debut de John Milius un producto muy disfrutable de este polémico director republicano y aficionado a las armas mas conocido por la excelente "El viento y el león (1975)" o "Conan El Bárbaro (1982)".

dillinger

Director: John Milius.

Intérpretes: Warren Oates, Ben Johnson, Cloris Leachman, Michelle Phillips, Richard Dreyfuss, Harry Dean Stanton.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

muerte-entre-las-flores
Si "El Padrino (1972)" es considerada la obra maestra del crimen organizado para Coppola, "Uno de los nuestros (1990)" para Scorsese y "El precio del poder (1983)" para De Palma, los Coen no se quedan a la zaga con esta increíble, rocambolesca, complicada y deslumbrante "Muerte entre las flores" a través de un despliegue técnico genial en el que colaboró el director de fotografía Barry Sonnefield ("La familia Addams (1991)") y la fugaz aparición a modo de 'cameo' de Sam Raimi ("Spiderman (2002)"). La bicefálea de los Coen como ha definido alguno de sus actores fetiche que han sido dirigidos por ellos, nos lleva a la famosa ley seca de los años 20 y 30 mediante una historia que en todo momento huele a cine negro. Un cine añejo y clásico con mujer fatal (Marcia Gay Harden), su hermano chivato y pendenciero al que da vida John Turturro, un secuaz o lacayo inteligente que se convierte en víctima y verdugo, según la situación que se le presente al que interpreta un Gabriel Byrne, disciplinado y servicial socio del gángster jefe, que en este caso se presta con el carácter, fuerza y estilo de un Albert Finney absolutamente fantástico sucedáneo de "padrino".

muerte-entre-las-flores

En "Muerte entre las flores" destacan secuencias geniales como el intento de asesinato de Finney y posterior escarmiento a base de metralleta Thompson, el tiroteo de la policía delante de el club irlandés y cómo no, el caminar entre la sombra de los árboles de un Turturro cobarde incapaz de serenarse ante su más que posible muerte que precisamente es la portada de la película. Un filme merecedor por méritos propios, tanto por sus ricos personajes como por su originalidad , complejidad y despliegue artístico, un lugar privilegiado en este tipo de cine ..Otra maravilla más de los Coen que junto a "Fargo (1996)", "El gran Lebowsky (1998)", "Arizona Baby (1987)", "No es país para viejos (2007)" y "Oh Brother! (2000)" convierten a los Coen en imprescindibles del buen cine actual.. Como anécdota, esta película fue el debut del director Barry Sonnenfield fuera del cine porno como director de fotografía, harto ya de tanta "viscosa salpicadura", que cambió por la de la sangre ficticia derramada por la mafia.

muerte-entre-las-flores

Título original: Miller´s Crossing.

Directores: Joel y Ethan Coen.

Intérpretes: Gabriel Byrne, John Tuturro, Albert Finney, Marcia Gay Harden.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

MUERTE ENTRE LAS FLORES (1990). Los gangsters de los hermanos Coen

muerte-entre-las-flores
Si "El Padrino (1972)" es considerada la obra maestra del crimen organizado para Coppola, "Uno de los nuestros (1990)" para Scorsese y "El precio del poder (1983)" para De Palma, los Coen no se quedan a la zaga con esta increíble, rocambolesca, complicada y deslumbrante "Muerte entre las flores" a través de un despliegue técnico genial en el que colaboró el director de fotografía Barry Sonnefield ("La familia Addams (1991)") y la fugaz aparición a modo de 'cameo' de Sam Raimi ("Spiderman (2002)"). La bicefálea de los Coen como ha definido alguno de sus actores fetiche que han sido dirigidos por ellos, nos lleva a la famosa ley seca de los años 20 y 30 mediante una historia que en todo momento huele a cine negro. Un cine añejo y clásico con mujer fatal (Marcia Gay Harden), su hermano chivato y pendenciero al que da vida John Turturro, un secuaz o lacayo inteligente que se convierte en víctima y verdugo, según la situación que se le presente al que interpreta un Gabriel Byrne, disciplinado y servicial socio del gángster jefe, que en este caso se presta con el carácter, fuerza y estilo de un Albert Finney absolutamente fantástico sucedáneo de "padrino".

muerte-entre-las-flores

En "Muerte entre las flores" destacan secuencias geniales como el intento de asesinato de Finney y posterior escarmiento a base de metralleta Thompson, el tiroteo de la policía delante de el club irlandés y cómo no, el caminar entre la sombra de los árboles de un Turturro cobarde incapaz de serenarse ante su más que posible muerte que precisamente es la portada de la película. Un filme merecedor por méritos propios, tanto por sus ricos personajes como por su originalidad , complejidad y despliegue artístico, un lugar privilegiado en este tipo de cine ..Otra maravilla más de los Coen que junto a "Fargo (1996)", "El gran Lebowsky (1998)", "Arizona Baby (1987)", "No es país para viejos (2007)" y "Oh Brother! (2000)" convierten a los Coen en imprescindibles del buen cine actual.. Como anécdota, esta película fue el debut del director Barry Sonnenfield fuera del cine porno como director de fotografía, harto ya de tanta "viscosa salpicadura", que cambió por la de la sangre ficticia derramada por la mafia.

muerte-entre-las-flores

Título original: Miller´s Crossing.

Directores: Joel y Ethan Coen.

Intérpretes: Gabriel Byrne, John Tuturro, Albert Finney, Marcia Gay Harden.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal
John Kelso (John Cusack), es un joven escritor que solo ha conseguido publicar un libro. Convertido obligatoriamente en reportero para poder sobrevivir, es enviado por la revista para la que trabaja en New York a Savannah para describir uno de los acontecimientos sociales del año: la famosa fiesta de Navidad que organizada anualmente el excéntrico Jim Williams (Kevin Spacey), un famoso millonario coleccionista de arte y anticuario. Un miembro respetable de la sociedad sureña que mantiene su faceta de vividor nocturno en la clandestinidad.

Es el propio Jim Williams el que desea que sea un escritor como Kelso el que este año haga su crónica social. A dicha fiesta acuden cada año los personajes más influyentes de la economía, la política y, en general, todo aquel que es alguien de prestigio representativo del lugar. Pese a las iniciales reticencias de Kelso por encargarse de cubrir una vulgar crónica de sociedad, desde su llegada a Savannah, queda completamente seducido por el lugar y por el amplio abanico de diferentes personajes que encuentra.

Especialmente interesante le resulta la figura del millonario de gustos refinados, gran conocedor y coleccionista de arte. Es un personaje respetado, con muchas amistades influyentes y adineradas a la par que convencionales. Kelso queda gratamente sorprendido por la personalidad de Williams. Le intriga cómo un personaje tan popular en una comunidad tan convencional como la sureña, puede mantener un amante secreto, Billy Hanson (Jude Law), un joven atractivo y vividor que se dedica a la prostitución y amigo de drag-queens.

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal

La misma noche de la llegada de Kelso, Billy aparece asesinado en el despacho del millonario Jim Williams. Atraído tanto por los personajes implicados como por intentar desvelar las circunstancias que expliquen este acontecimiento, Kelso decide quedarse, investigar y hacer algo más que un simple reportaje, intentará escribir un buen libro. Y es así como va conociendo a toda una galería de enigmáticos personajes, que viven en el submundo que se esconde bajo la gran fachada de ricos y convencionales miembros de la perfecta sociedad sureña, entre los que se encuentran: Chablis Deveau (Lady Chablis), una drag queen, Sonny Seiler (Jack Thompson), el abogado de Williams, y Minerva (Irma P. Hall), una médium. Kelso se verá envuelto en un ambiente extravagante que no esperaba encontrar, intentando resolver el asesinato de Billy dentro de una vorágine de acontecimientos opuestos al tranquilo escenario de Savannah, sin apenas un minuto de descanso. De esta manera, el lugar donde transcurre la acción se convierte en otro personaje más de la trama.

La fotografía de Jack N. Green y la dirección artística consiguen una excelente puesta en escena tanto del interior de la lujosa mansión de Jim Williams, de los bellísimos jardines, como del inframundo paralelo que convive fusionado en el mismo lugar.

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal

"Medianoche en el jardín del bien y el mal", es la adaptación del best-seller de John Berendt que se publicó en 1994. El libro trata sobre el viaje que Berendt realizó a principios de la década de 1980 a Savannah, en Georgia. Allí conoció a muchos de personajes famosos, desde los aristócratas, como James Williams, a la gente de menor importancia social, como Joe Odom, pasando por cantantes, pianistas, chaperos, sacerdotisas vudú y drags Queen como Lady Chablis.

El propio Berendt afirmó que el libro mezclaba a partes iguales realidad y ciertos toques o licencias artísticas, pero en líneas generales, Berendt relató lo más fielmente posible las notas que iba tomando y los recuerdos que tenía de cada personaje que conoció.

Clint Eastwood sería el encargado de llevar este libro a la pantalla grande con bastante acierto, consiguiendo una ambientación, una puesta en escena, un ritmo narrativo y una dirección de actores muy notable, con un relato que consigue indagar en las profundidades de una sociedad que vive de sus buenas apariencias. La adaptación del guión fue realizada por John Lee Hankock, director y guionista estadounidense.

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal

Eastwood nos muestra un thriller de gran intensidad narrativa al mismo tiempo que es capaz de presentar a cada uno de los personajes con una gran profundidad y riqueza de matices. Describe a sus personajes dentro de una sociedad tan pomposa como decadente e introduce al espectador en una compleja trama de suspense.


Además, la obra cuenta con un elenco actoral magnífico donde Kevin Spacey borda su personaje de excéntrico millonario de doble moral y oscuros secretos. John Cusack, sin ser tan brillante como su oponente, consigue darle una buena réplica en el duelo actoral. Otro gran acierto es el personaje de un jovencísimo Jude Law interpretando al amante-chapero, vividor y drogadicto de Jim Williams, en lo que sería el comienzo de su imparable carrera en el cine americano.

Aunque el gran descubrimiento de "Medianoche en el jardín del bien y el mal" fue Lady Chablis. Eastwood contactó con la propia Lady Chablis del libro (ya que era un personaje real) y le ofreció la posibilidad de interpretarse a sí misma, consiguiendo los momentos más hilarantes del film, cuando se presenta en el baile de las debutantes. Esta Drag Queen es una celebridad en Savannah desde la publicación del libro de Berendt.

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal

Título original: Midnight in the Garden of Good and Evil.

Director: Clint Eastwood.

Intérpretes: John Cusack, Kevin Spacey, Jude Law, Irma P. Hall, Lady Chablis, Alison Eastwood, Paul Hipp, Jack Thompson.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

MEDIANOCHE EN EL JARDÍN DEL BIEN Y DEL MAL (1997). Eastwood adapta el best-seller de John Berendt.

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal
John Kelso (John Cusack), es un joven escritor que solo ha conseguido publicar un libro. Convertido obligatoriamente en reportero para poder sobrevivir, es enviado por la revista para la que trabaja en New York a Savannah para describir uno de los acontecimientos sociales del año: la famosa fiesta de Navidad que organizada anualmente el excéntrico Jim Williams (Kevin Spacey), un famoso millonario coleccionista de arte y anticuario. Un miembro respetable de la sociedad sureña que mantiene su faceta de vividor nocturno en la clandestinidad.

Es el propio Jim Williams el que desea que sea un escritor como Kelso el que este año haga su crónica social. A dicha fiesta acuden cada año los personajes más influyentes de la economía, la política y, en general, todo aquel que es alguien de prestigio representativo del lugar. Pese a las iniciales reticencias de Kelso por encargarse de cubrir una vulgar crónica de sociedad, desde su llegada a Savannah, queda completamente seducido por el lugar y por el amplio abanico de diferentes personajes que encuentra.

Especialmente interesante le resulta la figura del millonario de gustos refinados, gran conocedor y coleccionista de arte. Es un personaje respetado, con muchas amistades influyentes y adineradas a la par que convencionales. Kelso queda gratamente sorprendido por la personalidad de Williams. Le intriga cómo un personaje tan popular en una comunidad tan convencional como la sureña, puede mantener un amante secreto, Billy Hanson (Jude Law), un joven atractivo y vividor que se dedica a la prostitución y amigo de drag-queens.

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal

La misma noche de la llegada de Kelso, Billy aparece asesinado en el despacho del millonario Jim Williams. Atraído tanto por los personajes implicados como por intentar desvelar las circunstancias que expliquen este acontecimiento, Kelso decide quedarse, investigar y hacer algo más que un simple reportaje, intentará escribir un buen libro. Y es así como va conociendo a toda una galería de enigmáticos personajes, que viven en el submundo que se esconde bajo la gran fachada de ricos y convencionales miembros de la perfecta sociedad sureña, entre los que se encuentran: Chablis Deveau (Lady Chablis), una drag queen, Sonny Seiler (Jack Thompson), el abogado de Williams, y Minerva (Irma P. Hall), una médium. Kelso se verá envuelto en un ambiente extravagante que no esperaba encontrar, intentando resolver el asesinato de Billy dentro de una vorágine de acontecimientos opuestos al tranquilo escenario de Savannah, sin apenas un minuto de descanso. De esta manera, el lugar donde transcurre la acción se convierte en otro personaje más de la trama.

La fotografía de Jack N. Green y la dirección artística consiguen una excelente puesta en escena tanto del interior de la lujosa mansión de Jim Williams, de los bellísimos jardines, como del inframundo paralelo que convive fusionado en el mismo lugar.

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal

"Medianoche en el jardín del bien y el mal", es la adaptación del best-seller de John Berendt que se publicó en 1994. El libro trata sobre el viaje que Berendt realizó a principios de la década de 1980 a Savannah, en Georgia. Allí conoció a muchos de personajes famosos, desde los aristócratas, como James Williams, a la gente de menor importancia social, como Joe Odom, pasando por cantantes, pianistas, chaperos, sacerdotisas vudú y drags Queen como Lady Chablis.

El propio Berendt afirmó que el libro mezclaba a partes iguales realidad y ciertos toques o licencias artísticas, pero en líneas generales, Berendt relató lo más fielmente posible las notas que iba tomando y los recuerdos que tenía de cada personaje que conoció.

Clint Eastwood sería el encargado de llevar este libro a la pantalla grande con bastante acierto, consiguiendo una ambientación, una puesta en escena, un ritmo narrativo y una dirección de actores muy notable, con un relato que consigue indagar en las profundidades de una sociedad que vive de sus buenas apariencias. La adaptación del guión fue realizada por John Lee Hankock, director y guionista estadounidense.

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal

Eastwood nos muestra un thriller de gran intensidad narrativa al mismo tiempo que es capaz de presentar a cada uno de los personajes con una gran profundidad y riqueza de matices. Describe a sus personajes dentro de una sociedad tan pomposa como decadente e introduce al espectador en una compleja trama de suspense.


Además, la obra cuenta con un elenco actoral magnífico donde Kevin Spacey borda su personaje de excéntrico millonario de doble moral y oscuros secretos. John Cusack, sin ser tan brillante como su oponente, consigue darle una buena réplica en el duelo actoral. Otro gran acierto es el personaje de un jovencísimo Jude Law interpretando al amante-chapero, vividor y drogadicto de Jim Williams, en lo que sería el comienzo de su imparable carrera en el cine americano.

Aunque el gran descubrimiento de "Medianoche en el jardín del bien y el mal" fue Lady Chablis. Eastwood contactó con la propia Lady Chablis del libro (ya que era un personaje real) y le ofreció la posibilidad de interpretarse a sí misma, consiguiendo los momentos más hilarantes del film, cuando se presenta en el baile de las debutantes. Esta Drag Queen es una celebridad en Savannah desde la publicación del libro de Berendt.

medianoche-en-el-jardín-del-bien-y-del-mal

Título original: Midnight in the Garden of Good and Evil.

Director: Clint Eastwood.

Intérpretes: John Cusack, Kevin Spacey, Jude Law, Irma P. Hall, Lady Chablis, Alison Eastwood, Paul Hipp, Jack Thompson.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

horizonte-final
La mayoría de la filmografía de Paul W.S. Anderson podría resumirse en "Mortal Kombat (1995)", "Resident Evil (2002)", "Alien vs Predator (2004)", "La carrera de la muerte (2008)", y experimentos de este tipo con videojuegos, monstruos, etc, pero si soy capaz de sacar los defectos del marido de Milla Jovovich, también de comentar su única virtud cinematográfica a mi juicio, que es sin duda alguna "Horizonte Final"(Event Horizon), mezclando de una manera diferente y original referentes de la ciencia ficción y el terror como "Alien" y "Hellraiser".

"Event Horizon" salpicada de un gótico diseño de producción, tiene en la nave misteriosa, de estética inspirada en la basílica de Notre Damme, el decorado pesadillesco donde acontecen los hechos. Los acontecimientos de "Horizonte Final" son utilizados como amenaza para apropiarse del alma humana allí donde ésta es incapaz de comprender…

Una frase en latín "Liberate me ex in feris" será la clave para disipar el misterio, con imágenes horribles en las que se aprecian escenas dantescas: Canibalismo, vejaciones sexuales, miembros cercenados y torturas extremas, dando una sensación de nerviosísmo que realmente produce terror.


horizonte-final

Asistiremos como espectadores al avance científico del personaje Sam Neill, que ha sido capaz de diseñar una nave espacial que revoluciona la teoría de la relatividad de Einstein, viajando por las estrellas y ampliando el conocimiento del universo, creando un agujero negro que lleva hasta límites insospechados para la naturaleza humana.

En el viaje espacial la nave "Horizonte Final" se pierde en el tiempo y el espacio hasta que regresa obligando a un equipo de rescate a descubrir qué es lo que ha ocurrido. El equipo capitaneado por Laurence Fisburne descubrirá el horror, la locura y el miedo de todo aquel que se introduzca en los oscuros pasillos de esta catedral tecnológica.

Un edificio horizontal que ha viajado al infierno. Infierno que según declara el arquitecto científico reconvertido, es solo una palabra. La realidad del infierno mostrada por este intenso y vibrante film nos hace viajar a un concepto del mal tan enfermizo como atrayente. Algo así como el viaje al universo Lovercraft mezclado con Dante y el literato-cineasta Clive Barker. Lo mejor de Anderson es más que palabras. Lástima que el cineasta no salga todavía de la basura infernal en la que anda metido con las soporíferas secuelas de "Resident Evil" o el descalabro irrisorio de "Los tres mosqueteros (2011)".

horizonte-final

Título original: Even horizont.

Director: Paul W.S. Anderson.

Intérpretes: Laurence Fishburne, Sam Neill, Kathleen Quinlan, Joely Richardson, Jason Isaacs, Peter Marinker, Jack Noseworthy, Richard T. Jones.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

HORIZONTE FINAL (1997). Terror en el espacio.

horizonte-final
La mayoría de la filmografía de Paul W.S. Anderson podría resumirse en "Mortal Kombat (1995)", "Resident Evil (2002)", "Alien vs Predator (2004)", "La carrera de la muerte (2008)", y experimentos de este tipo con videojuegos, monstruos, etc, pero si soy capaz de sacar los defectos del marido de Milla Jovovich, también de comentar su única virtud cinematográfica a mi juicio, que es sin duda alguna "Horizonte Final"(Event Horizon), mezclando de una manera diferente y original referentes de la ciencia ficción y el terror como "Alien" y "Hellraiser".

"Event Horizon" salpicada de un gótico diseño de producción, tiene en la nave misteriosa, de estética inspirada en la basílica de Notre Damme, el decorado pesadillesco donde acontecen los hechos. Los acontecimientos de "Horizonte Final" son utilizados como amenaza para apropiarse del alma humana allí donde ésta es incapaz de comprender…

Una frase en latín "Liberate me ex in feris" será la clave para disipar el misterio, con imágenes horribles en las que se aprecian escenas dantescas: Canibalismo, vejaciones sexuales, miembros cercenados y torturas extremas, dando una sensación de nerviosísmo que realmente produce terror.


horizonte-final

Asistiremos como espectadores al avance científico del personaje Sam Neill, que ha sido capaz de diseñar una nave espacial que revoluciona la teoría de la relatividad de Einstein, viajando por las estrellas y ampliando el conocimiento del universo, creando un agujero negro que lleva hasta límites insospechados para la naturaleza humana.

En el viaje espacial la nave "Horizonte Final" se pierde en el tiempo y el espacio hasta que regresa obligando a un equipo de rescate a descubrir qué es lo que ha ocurrido. El equipo capitaneado por Laurence Fisburne descubrirá el horror, la locura y el miedo de todo aquel que se introduzca en los oscuros pasillos de esta catedral tecnológica.

Un edificio horizontal que ha viajado al infierno. Infierno que según declara el arquitecto científico reconvertido, es solo una palabra. La realidad del infierno mostrada por este intenso y vibrante film nos hace viajar a un concepto del mal tan enfermizo como atrayente. Algo así como el viaje al universo Lovercraft mezclado con Dante y el literato-cineasta Clive Barker. Lo mejor de Anderson es más que palabras. Lástima que el cineasta no salga todavía de la basura infernal en la que anda metido con las soporíferas secuelas de "Resident Evil" o el descalabro irrisorio de "Los tres mosqueteros (2011)".

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Título original: Even horizont.

Director: Paul W.S. Anderson.

Intérpretes: Laurence Fishburne, Sam Neill, Kathleen Quinlan, Joely Richardson, Jason Isaacs, Peter Marinker, Jack Noseworthy, Richard T. Jones.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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Después de ver "Capitán América: Civil War" no hay duda de que se trata de una secuela de "Los Vengadores (2012)", eso si, bastante más equilibrada que la oficial, "Los vengadores: La era de Ultrón (2015)". No hay que olvidar, no obstante, que pese a los numerosos cambios introducidos en el guión su referente está en el cómic "Civil War", que es una historia en forma de crossover, escrita por el guionista Mark Millar y dibujada por Steve McNiven. Fue publicada originalmente en los Estados Unidos en 2006 por la editorial Marvel Cómics, del que conserva muchos elementos, además del arco argumental principal. Y comento que se trata de un film de "Los Vengadores" más equilibrado porque además de la acción por la acción, hay desarrollo, y porque los personajes respiran y no se limitan a darse de tortas. 

Es cierto que en el film de Whedon también había algo de eso, pero con una estructura mucho más artificial y forzada, en bloques, que no ayudaba a la cohesión de la peli. Sigo pensando que a pesar de lo que opina la mayoría de la crítica especializada, "Civil War" no es hasta la fecha el mejor film del universo cinemático de Marvel para Disney, honor que en mi criterio conserva "Capitán América: Soldadode Invierno (2014)", pero si el mejor escrito, si bien no el mejor rodado, al menos en las escenas de acción. Destacar que llega también poco después de "Batman v. Superman: Dawn of Justice (2016)", un film tan empeñado en ser oscuro, dramático y forzadamente épico, y que además debía erigirse en el trampolín de lanzamiento del Universo cinemático DC, que se resiente en la coherencia de su estructura. Demasiadas expectativas por cumplir. Snyder no supo estar a la altura, pero me pregunto si cualquier otro director no hubiese sucumbido a tal nivel de presión. 

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Pese a todo considero injusto una vez valorado el resultado final el linchamiento del film por parte de la crítica especializada. Es cierto que los mecanismos utilizados en ambas pelis son similares, ambas tienen como referentes dos obras cubre del cómic, pero los Russo no han tenido que soportar la presión y la responsabilidad de servir de plataforma de lanzamiento de todo el Universo DC que ha tenido que sufrir Snyder, razón por la que creo que los primeros han sabido utilizar mejor sus herramientas, disfrutando con sus héroes, jugando con ellos,sin perjuicio de que se pongan serios cuando toca. "Capitán América: Civil War" hace bien muchas cosas, destacando un guión excelente, en el que todos los personajes salen bien parados, incluso los que peor tratamiento presentan como "Máquina de Guerra" y "Ojo de Halcón". Todos tienen un desarrollo palpable y equilibrado. Es verdad que la presentación en sociedad de "Spiderman" está algo forzada pero aún así esperaba apenas un cameo, y mi sorpresa ha sido satisfactoria al comprobar que si bien se trata del "Spiderman Ultimate" (adolescente) y no el Peter Parker adulto que participaba en el cómic "Civil War", Holland ha agarrado con fuerza al personaje, lo que dice bastante de la alianza Sony/Disney en cuanto a resultados. 

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Destaca también la fisicidad de los combates, que es muy superior a las del film mentado de Snyder, hasta el punto de que aquí incluso sangran y hay consecuencias físicas. Esto ya lo vimos en "Capitán América: Soldado de Invierno", que ya presentaba algunas coreografías espectaculares, secas y bien medidas. Aquí ocurre lo mismo,si bien los movimientos de cámara temblorosa de los Russo presenta una acción mucho más confusa que en el film precedente, quizás una pega que es necesario atribuir a ambos realizadores. La película no profundiza en el conflicto, ni nos presenta alguna baja de entidad, a diferencia del cómic, que en mi opinión el crescendo dramático del film demandaba, pues en todo conflicto bélico se producen, sin perjuicio de la "no baja" de "Maquina de Guerra". Aún así funciona correctamente para llevarnos a ese combate que define el rumbo de la franquicia. Es vedad que la dimensión social o política ya estaba sobre la mesa desde los "X-Men (2000)" de Bryan Singer, que ya exponía la necesidad de registrar a los mutantes para controlar el riesgo que representan sus poderes. "Capitán América: Civil War" no cambia el concepto que tenemos sobre el cine de superhéroes, pero es una más que notable secuela de "Los Vengadores", interesada en juguetear con sus personajes sin destrozarlos, eludiendo meterlos en un pozo de oscuridad forzada.

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Título original: Captain America: Civil War

Directores: Anthony Russo y Joe Russo.

Intérpretes: Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Don Cheadle, Jeremy Renner, Chadwick Boseman, Paul Bettany,Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Emily VanCamp

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Juan Gerardo Rodríguez Martín

CAPITÁN AMÉRICA: CIVIL WAR (2016). ¿De qué bando eres?

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Después de ver "Capitán América: Civil War" no hay duda de que se trata de una secuela de "Los Vengadores (2012)", eso si, bastante más equilibrada que la oficial, "Los vengadores: La era de Ultrón (2015)". No hay que olvidar, no obstante, que pese a los numerosos cambios introducidos en el guión su referente está en el cómic "Civil War", que es una historia en forma de crossover, escrita por el guionista Mark Millar y dibujada por Steve McNiven. Fue publicada originalmente en los Estados Unidos en 2006 por la editorial Marvel Cómics, del que conserva muchos elementos, además del arco argumental principal. Y comento que se trata de un film de "Los Vengadores" más equilibrado porque además de la acción por la acción, hay desarrollo, y porque los personajes respiran y no se limitan a darse de tortas. 

Es cierto que en el film de Whedon también había algo de eso, pero con una estructura mucho más artificial y forzada, en bloques, que no ayudaba a la cohesión de la peli. Sigo pensando que a pesar de lo que opina la mayoría de la crítica especializada, "Civil War" no es hasta la fecha el mejor film del universo cinemático de Marvel para Disney, honor que en mi criterio conserva "Capitán América: Soldadode Invierno (2014)", pero si el mejor escrito, si bien no el mejor rodado, al menos en las escenas de acción. Destacar que llega también poco después de "Batman v. Superman: Dawn of Justice (2016)", un film tan empeñado en ser oscuro, dramático y forzadamente épico, y que además debía erigirse en el trampolín de lanzamiento del Universo cinemático DC, que se resiente en la coherencia de su estructura. Demasiadas expectativas por cumplir. Snyder no supo estar a la altura, pero me pregunto si cualquier otro director no hubiese sucumbido a tal nivel de presión. 

capitán-américa-civil-war

Pese a todo considero injusto una vez valorado el resultado final el linchamiento del film por parte de la crítica especializada. Es cierto que los mecanismos utilizados en ambas pelis son similares, ambas tienen como referentes dos obras cubre del cómic, pero los Russo no han tenido que soportar la presión y la responsabilidad de servir de plataforma de lanzamiento de todo el Universo DC que ha tenido que sufrir Snyder, razón por la que creo que los primeros han sabido utilizar mejor sus herramientas, disfrutando con sus héroes, jugando con ellos,sin perjuicio de que se pongan serios cuando toca. "Capitán América: Civil War" hace bien muchas cosas, destacando un guión excelente, en el que todos los personajes salen bien parados, incluso los que peor tratamiento presentan como "Máquina de Guerra" y "Ojo de Halcón". Todos tienen un desarrollo palpable y equilibrado. Es verdad que la presentación en sociedad de "Spiderman" está algo forzada pero aún así esperaba apenas un cameo, y mi sorpresa ha sido satisfactoria al comprobar que si bien se trata del "Spiderman Ultimate" (adolescente) y no el Peter Parker adulto que participaba en el cómic "Civil War", Holland ha agarrado con fuerza al personaje, lo que dice bastante de la alianza Sony/Disney en cuanto a resultados. 

capitán-américa-civil-war

Destaca también la fisicidad de los combates, que es muy superior a las del film mentado de Snyder, hasta el punto de que aquí incluso sangran y hay consecuencias físicas. Esto ya lo vimos en "Capitán América: Soldado de Invierno", que ya presentaba algunas coreografías espectaculares, secas y bien medidas. Aquí ocurre lo mismo,si bien los movimientos de cámara temblorosa de los Russo presenta una acción mucho más confusa que en el film precedente, quizás una pega que es necesario atribuir a ambos realizadores. La película no profundiza en el conflicto, ni nos presenta alguna baja de entidad, a diferencia del cómic, que en mi opinión el crescendo dramático del film demandaba, pues en todo conflicto bélico se producen, sin perjuicio de la "no baja" de "Maquina de Guerra". Aún así funciona correctamente para llevarnos a ese combate que define el rumbo de la franquicia. Es vedad que la dimensión social o política ya estaba sobre la mesa desde los "X-Men (2000)" de Bryan Singer, que ya exponía la necesidad de registrar a los mutantes para controlar el riesgo que representan sus poderes. "Capitán América: Civil War" no cambia el concepto que tenemos sobre el cine de superhéroes, pero es una más que notable secuela de "Los Vengadores", interesada en juguetear con sus personajes sin destrozarlos, eludiendo meterlos en un pozo de oscuridad forzada.

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Título original: Captain America: Civil War

Directores: Anthony Russo y Joe Russo.

Intérpretes: Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Don Cheadle, Jeremy Renner, Chadwick Boseman, Paul Bettany,Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Emily VanCamp

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Juan Gerardo Rodríguez Martín

el-extraño-viaje
Fernando Fernán Gómez es una figura clave para entender la historia y evolución del cine español. Desde sus inicios en los años 50 hasta su fallecimiento en 2007, nos encontramos ante una extensa trayectoria no exenta de altibajos, éxitos y fracasos que sin embargo nunca le mantuvieron inactivo, debido a su espíritu inquieto que le llevó a alternar su carrera como actor y director de cine, teatro y televisión con la literatura, vocación algo mas tardía y que le sirvió por ejemplo como base para el guión de "El viaje a ninguna parte (1986)", una de sus mejores películas como director y adaptación de su propia novela o "Las bicicletas son para el verano", su pieza teatral mas exitosa llevada magistralmente al cine por Jaime Chávarri en 1984.

En 1964 su carrera se encontraba en un mal momento, como él mismo declaraba sus servicios como actor eran escasamente reclamados y como director, a pesar de haber realizado recientemente una de su películas con mayor éxito de crítica, "El mundo sigue (1963)" o la que nos ocupa "El extraño viaje", para mi sin duda una de las obras cumbres del cine español, su suerte en taquilla fue en ambos casos mas que nefasta. Si a ello le sumamos el trabajo de la omnipresente censura franquista, especialmente dura con "El extraño viaje" que no tuvo estreno en cines en su momento y estuvo seis años olvidada hasta que la productora responsable decidió reestrenarla. Nos encontramos ante una etapa de Fernán Gómez realmente inspirada pero que sin embargo solo encontraba hostilidad a su alrededor.

el-extraño-viaje

La mezcla de cine de suspense, humor negro y costumbrismo nos ofrece un producto único,todo un rara avis para la época y que posiblemente sea el motivo para que la valía de este film permanezca intacta incluso a día de hoy. Todo empieza con la idea que tuvo Luis García Berlanga de llevar a la pantalla un suceso real, conocido como "El crimen de Mazarrón", de hecho éste iba a ser el título de la película pero a la censura no le pareció muy apropiado. El crimen nunca fue resuelto y la idea de Berlanga era concederle un desenlace, idea que fue llevada a cabo en forma de modélico guión por Manuel Ruiz Castillo y Pedro Beltrán de manera brillante. El opresivo ambiente de los pequeños pueblos en la dictadura franquista es el eje del relato, de marcado carácter teatral al estilo de los sainetes de Valle-Inclán, pero con el añadido de una estructura narrativa no lineal, repleta de flash-backs y repetición de escenas desde los diferentes puntos de vista de varios personajes mas propias del cine de misterio y suspense.

el-extraño-viaje

Los otros pilares básicos de la cinta serian por un lado la acertada ambientación de Fernán Gómez pródiga en claroscuros y planos largos en momentos de penumbra (tormentas,cortes de electricidad, pasos que se oyen en un pasillo por la noche,..) acompañada en todo momento por una siniestra fotografía de José F. Aguayo, y su magnífico plantel de actores: Carlos Larrañaga en su habitual papel de galán pero muy atípico en ésta ocasión, Tota Alba como la oscura y dominante Ignacia y sobre todo la pareja de inocentes pero entrañables hermanos Paquita y Venancio, interpretados de manera magistral por Rafaela Aparicio y Jesús Franco, sí, el mítico Tío Jess, leyenda del terror fantástico español y cuya faceta como actor y ayudante de dirección de gente como Juan Antonio Bardem en el principio de su carrera es muy poco conocida para la mayoría del público. Así mismo "El extraño viaje" como relato del ambiente en un pequeño pueblo es una película coral que cuenta con amplio elenco de inolvidables personajes que representan a cada uno de sus habitantes y cuyos mordaces diálogos quedarán para la posteridad como un gran ejemplo de sátira esperpéntica atemporal.

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Director: Fernando Fernán Gómez.

Intérpretes: Carlos Larrañaga, Tota Alba, Lina Canalejas, Jesús Franco, Rafaela Aparicio, Sara Lezana.

Escena:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

EL EXTRAÑO VIAJE (1964). La película de culto de Fernando Fernán Gómez.

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Fernando Fernán Gómez es una figura clave para entender la historia y evolución del cine español. Desde sus inicios en los años 50 hasta su fallecimiento en 2007, nos encontramos ante una extensa trayectoria no exenta de altibajos, éxitos y fracasos que sin embargo nunca le mantuvieron inactivo, debido a su espíritu inquieto que le llevó a alternar su carrera como actor y director de cine, teatro y televisión con la literatura, vocación algo mas tardía y que le sirvió por ejemplo como base para el guión de "El viaje a ninguna parte (1986)", una de sus mejores películas como director y adaptación de su propia novela o "Las bicicletas son para el verano", su pieza teatral mas exitosa llevada magistralmente al cine por Jaime Chávarri en 1984.

En 1964 su carrera se encontraba en un mal momento, como él mismo declaraba sus servicios como actor eran escasamente reclamados y como director, a pesar de haber realizado recientemente una de su películas con mayor éxito de crítica, "El mundo sigue (1963)" o la que nos ocupa "El extraño viaje", para mi sin duda una de las obras cumbres del cine español, su suerte en taquilla fue en ambos casos mas que nefasta. Si a ello le sumamos el trabajo de la omnipresente censura franquista, especialmente dura con "El extraño viaje" que no tuvo estreno en cines en su momento y estuvo seis años olvidada hasta que la productora responsable decidió reestrenarla. Nos encontramos ante una etapa de Fernán Gómez realmente inspirada pero que sin embargo solo encontraba hostilidad a su alrededor.

el-extraño-viaje

La mezcla de cine de suspense, humor negro y costumbrismo nos ofrece un producto único,todo un rara avis para la época y que posiblemente sea el motivo para que la valía de este film permanezca intacta incluso a día de hoy. Todo empieza con la idea que tuvo Luis García Berlanga de llevar a la pantalla un suceso real, conocido como "El crimen de Mazarrón", de hecho éste iba a ser el título de la película pero a la censura no le pareció muy apropiado. El crimen nunca fue resuelto y la idea de Berlanga era concederle un desenlace, idea que fue llevada a cabo en forma de modélico guión por Manuel Ruiz Castillo y Pedro Beltrán de manera brillante. El opresivo ambiente de los pequeños pueblos en la dictadura franquista es el eje del relato, de marcado carácter teatral al estilo de los sainetes de Valle-Inclán, pero con el añadido de una estructura narrativa no lineal, repleta de flash-backs y repetición de escenas desde los diferentes puntos de vista de varios personajes mas propias del cine de misterio y suspense.

el-extraño-viaje

Los otros pilares básicos de la cinta serian por un lado la acertada ambientación de Fernán Gómez pródiga en claroscuros y planos largos en momentos de penumbra (tormentas,cortes de electricidad, pasos que se oyen en un pasillo por la noche,..) acompañada en todo momento por una siniestra fotografía de José F. Aguayo, y su magnífico plantel de actores: Carlos Larrañaga en su habitual papel de galán pero muy atípico en ésta ocasión, Tota Alba como la oscura y dominante Ignacia y sobre todo la pareja de inocentes pero entrañables hermanos Paquita y Venancio, interpretados de manera magistral por Rafaela Aparicio y Jesús Franco, sí, el mítico Tío Jess, leyenda del terror fantástico español y cuya faceta como actor y ayudante de dirección de gente como Juan Antonio Bardem en el principio de su carrera es muy poco conocida para la mayoría del público. Así mismo "El extraño viaje" como relato del ambiente en un pequeño pueblo es una película coral que cuenta con amplio elenco de inolvidables personajes que representan a cada uno de sus habitantes y cuyos mordaces diálogos quedarán para la posteridad como un gran ejemplo de sátira esperpéntica atemporal.

el-extraño-viaje

Director: Fernando Fernán Gómez.

Intérpretes: Carlos Larrañaga, Tota Alba, Lina Canalejas, Jesús Franco, Rafaela Aparicio, Sara Lezana.

Escena:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

NOS MENCIONAN EN ANTENA 3

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.015

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.014

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