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Se trata de un relato encargado de recrear el período histórico que aconteció a principios del siglo XVII y que protagonizaron los colonos al desembarcar en un Continente recientemente descubierto para los europeos. Inspirado en la leyenda de John Smith y Pocahontas, Terrence Malick se encarga de reflejar en la gran pantalla mediante su particular lenguaje cinematográfico, la aventura épica que acontece entre dos culturas enfrentadas, representadas por esta pareja de personajes mítico-legendarios y que sirve para mostrar las características y el choque brutal que aconteció entre colonos y nativos durante la fundación de la colonia de Jamestown (Virginia) en 1607.

Aquel año de 1607 la "London Virginia Company" británica fletó tres barcos con el objetivo de buscar tesoros en los nuevos territorios de América. Allí, a orillas del río James, los colonos formarán Jamestown.

Con una minuciosa y preciosista puesta en escena, Los tres Navíos: "Susan Constant", "Godspeed" y "Discovery" que atracaron en estas marismas con 104 colonos a bordo, se construyeron a modo de réplica exacta de los modelos que el Museo de Historia de Jamestown exhibe al público.


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Es también una película de época donde el afán perfeccionista de Malick deja su huella hasta en los mínimos detalles. Una excelente dirección artística de la mano de David Crank nos permite contemplar a los soldados perfectamente pertrechados de morriones, celadas, coseletes, corazas, floretes, mosquetes y con la pica en astillero, con un réplica de época excelente.

La fidelidad histórica del relato también abarca la dudosa moral de estos expedicionarios, la mayoría de los cuales son mostrados como supervivientes pícaros y matarifes de baja estofa que han huido del Viejo Continente para dejar atrás sus cuentas pendientes con la justicia.

El propio Capitán Smith, (Colin Farrell), tan intrépido y valiente, viajaba encadenado bajo cubierta para ser condenado a la horca por insubordinación. Veterano de numerosas guerras europeas, Smith es un joven soldado buscador de fortuna. Pero su carisma y popularidad entre los soldados hacen que al llegar a tierra firme el Capitán encargado de la expedición, Christopher Newport (Christopher Plummer), lo libere de su condena a cambio de los servicios que pueda prestar en la formación de una nueva comunidad.


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Lo que desconoce Newport y el nuevo grupo de colonos es que han llegado hasta los dominios de un desarrollado imperio cuyo rey es el poderoso jefe Powhatan (August Schellenberg). La ineptitud de los nuevos colonizadores en una Tierra para ellos extraña y hostil les dificulta su propia supervivencia.

Smith es encargado de la apremiante búsqueda de víveres. El capitán John Smith organiza una expedición en busca de comida a través del río Chickahominy. Sin embargo, la expedición es atacada por los indígenas powhatan, que asesinan a todos los miembros de la expedición excepto a el propio John Smith, que es conducido prisionero a la aldea. Allí conoce a la joven princesa hija del Jefe Powhatan, apodada como Pocahontas, (Q’Orianka Kilcher) que significa "juguetona". Es una joven con inquietudes, terca y algo rebelde, pero aun así, es la favorita del Jefe Powhatan. En poco tiempo surgirá un vínculo tan fuerte entre Smith y Pocahontas que trasciende la amistad e incluso el romance. Es ella la que logra convencer a su padre de que Smith es un hombre de buenas intenciones, salvándolo de la muerte.

El capitán queda en calidad de cautivo, pero con libertad para moverse y conocer el nuevo poblado, sus gentes y sus costumbres. Pero Smith debe volver con alimentos y pacta quedarse tan solo hasta la primavera. Tras una larga estancia en el poblado indígena de vida idílica, apacible y en perfecta comunión con la naturaleza y la Madre Tierra regresará a Jamestown. Su regreso, tras sus preciosas vivencias experimentadas, a la cruda realidad del asentamiento colonial, resulta del todo demoledor. En Jamestown, el invierno resultó fatal para unos habitantes no adaptados al nuevo territorio. La empalizada levantada a orillas del río es presentada en toda su miseria, como una cloaca hedionda donde las muertes por inanición se suceden a un ritmo vertiginoso, y donde los habitantes se preocupan más por buscar oro que por hallar un sustento a sus vidas. Y desde este momento crucial del relato es donde podemos apreciar en toda su magnitud el brutal enfrentamiento entre ambas culturas debido a los acontecimientos que le suceden.


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La idílica historia de amor entre Smith y Pocahontas tan sólo le acarrea desgracias a esta última, la cual hace gala de su generosidad y elegancia evitando que los colonos mueran de inanición. Pero este acto le conduce a ser expulsada de entre su propia tribu y a perder sus privilegios. Ella intenta reunirse y escapar con Smith, pero éste se marcha a Terranova. Abandonada a su suerte, pobre y desolada es recogida por una mujer que se encarga de cuidarla. Otro de los pioneros que más tarde arribarán en aquel asentamiento, John Rolfe (Christian Bale) se enamorará y casará con ella, formando una familia que vuelve a Inglaterra.

Se podría establecer un paralelismo entre la historia de amor entre los protagonistas, idílica en su comienzo pero abocada al desastre por la mezquindad y egoísmo, con la propia fusión entre culturas que aconteció en aquellas tierras.

A Malick, escritor también del guión, parece interesarle más que una simple descripción histórica de la conquista de América, indagar en lo que supone el descubrimiento del Paraíso y la pérdida de la inocencia, dos de los temas capitales de su filmografía. Los indios powhatan viven en comunión con la Naturaleza, confundiéndose con los demás animales de la Creación cuyas formas imita, para divertir a su hermano, la princesa Pocahontas. Los nativos son presentados como unas criaturas sin maldad, que no conocen la envidia ni saben lo que es la propiedad. El polo opuesto está representado por los colonos británicos, con su afán de lucro y sus rudos modales, son crueles entre ellos y terminan por destruir todo o que tocan.


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"El nuevo mundo" resulta ser todo un ejercicio de estilo que deslumbra por el preciosismo de sus fotogramas. El máximo responsable de este delirio estético es el camarógrafo mexicano Emmanuel Lubezki. Para sacar el mayor partido de la tierra salvaje de Virginia, con sus serpenteantes y caudalosos ríos James y Chickahominy, se filmó en 65 mm, un formato que no se usaba desde hace diez años, con el "Hamlet (1996)" de Kenneth Branagh. Lubezki tuvo que plegarse a los deseos de Malick de rodar casi íntegramente con luz natural, en la llamada hora mágica, que es la que precede a la puesta y a la salida del Sol y usar la steadicam en muchos de sus planos.

Desde el punto de vista narrativo, Malick supedita siempre la imagen y la música frente a los diálogos entre actores que quedan reducidos a la mínima expresión, ya que se vale de recurso de la "voz en off" durante la mayoría del metraje para que el paisaje cobre protagonismo en todo su esplendor. Es un recurso narrativo que permite a su vez ser el vehículo de los pensamientos de cada uno de los protagonistas. En determinados momentos de la película, la voz interior de un personaje responde a la pregunta de otro, de tal manera que se produce el milagro de no saber bien si es un diálogo o un soliloquio.

En el cine de Terrence Malick los silencios expresan más que las palabras, así como los ojos hablan más que las bocas, esa es la base de su lenguaje cinematográfico. De hecho, su narrativa casi podría considerarse un retorno a los orígenes del cine en su etapa de cine silente, el cual intentaba transmitir emociones valiéndose tan sólo de las imágenes y caracterizado por los gestos de sus protagonistas, que luego serán engarzados en un particular montaje para que el relato alcance grandes cotas de lirismo poético, impregnado por el particular sello de este singular director.


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Haciendo honor a su exquisito gusto en sus elecciones musicales, utiliza el Adagio del "Concierto para piano No.23" de Mozart como soplo de aire que mece a los amantes durante su encuentro amoroso. Para la solemnidad del descubrimiento del Nuevo Mundo, en la grandiosa escena del acercamiento a las costas, emplea el Preludio de "Das Rheingold", de Wagner. Estas dos piezas son las que más se repiten, pero también pueden oírse las composiciones originales de James Horner, cuyo trabajo fue recortado en la sala de montaje, una práctica en la que el director acumula gran experiencia.

En conjunto, estamos ante un film de delicioso lenguaje poético, enmarcado en un ambiente histórico y épico determinado, con una cuidadísima puesta en escena y un lenguaje visual propio cargado de simbolismo y metáforas que nos permiten no sólo deleitarnos desde el punto de vista artístico, sino establecer nuestra propia reflexión de lo que supuso el descubrimiento del Nuevo Mundo por el llamado Viejo Continente.


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Título original: The New World.

Director: Terrence Malick.

Intérpretes: Colin Farrell, Q'orianka Kilcher, Christian Bale, Christopher Plummer, Yorick van Wageningen, David Thewlis, August Schellenberg.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

EL NUEVO MUNDO (2005). La leyenda de John Smith y Pocahontas.

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Se trata de un relato encargado de recrear el período histórico que aconteció a principios del siglo XVII y que protagonizaron los colonos al desembarcar en un Continente recientemente descubierto para los europeos. Inspirado en la leyenda de John Smith y Pocahontas, Terrence Malick se encarga de reflejar en la gran pantalla mediante su particular lenguaje cinematográfico, la aventura épica que acontece entre dos culturas enfrentadas, representadas por esta pareja de personajes mítico-legendarios y que sirve para mostrar las características y el choque brutal que aconteció entre colonos y nativos durante la fundación de la colonia de Jamestown (Virginia) en 1607.

Aquel año de 1607 la "London Virginia Company" británica fletó tres barcos con el objetivo de buscar tesoros en los nuevos territorios de América. Allí, a orillas del río James, los colonos formarán Jamestown.

Con una minuciosa y preciosista puesta en escena, Los tres Navíos: "Susan Constant", "Godspeed" y "Discovery" que atracaron en estas marismas con 104 colonos a bordo, se construyeron a modo de réplica exacta de los modelos que el Museo de Historia de Jamestown exhibe al público.


el-nuevo-mundo

Es también una película de época donde el afán perfeccionista de Malick deja su huella hasta en los mínimos detalles. Una excelente dirección artística de la mano de David Crank nos permite contemplar a los soldados perfectamente pertrechados de morriones, celadas, coseletes, corazas, floretes, mosquetes y con la pica en astillero, con un réplica de época excelente.

La fidelidad histórica del relato también abarca la dudosa moral de estos expedicionarios, la mayoría de los cuales son mostrados como supervivientes pícaros y matarifes de baja estofa que han huido del Viejo Continente para dejar atrás sus cuentas pendientes con la justicia.

El propio Capitán Smith, (Colin Farrell), tan intrépido y valiente, viajaba encadenado bajo cubierta para ser condenado a la horca por insubordinación. Veterano de numerosas guerras europeas, Smith es un joven soldado buscador de fortuna. Pero su carisma y popularidad entre los soldados hacen que al llegar a tierra firme el Capitán encargado de la expedición, Christopher Newport (Christopher Plummer), lo libere de su condena a cambio de los servicios que pueda prestar en la formación de una nueva comunidad.


el-nuevo-mundo

Lo que desconoce Newport y el nuevo grupo de colonos es que han llegado hasta los dominios de un desarrollado imperio cuyo rey es el poderoso jefe Powhatan (August Schellenberg). La ineptitud de los nuevos colonizadores en una Tierra para ellos extraña y hostil les dificulta su propia supervivencia.

Smith es encargado de la apremiante búsqueda de víveres. El capitán John Smith organiza una expedición en busca de comida a través del río Chickahominy. Sin embargo, la expedición es atacada por los indígenas powhatan, que asesinan a todos los miembros de la expedición excepto a el propio John Smith, que es conducido prisionero a la aldea. Allí conoce a la joven princesa hija del Jefe Powhatan, apodada como Pocahontas, (Q’Orianka Kilcher) que significa "juguetona". Es una joven con inquietudes, terca y algo rebelde, pero aun así, es la favorita del Jefe Powhatan. En poco tiempo surgirá un vínculo tan fuerte entre Smith y Pocahontas que trasciende la amistad e incluso el romance. Es ella la que logra convencer a su padre de que Smith es un hombre de buenas intenciones, salvándolo de la muerte.

El capitán queda en calidad de cautivo, pero con libertad para moverse y conocer el nuevo poblado, sus gentes y sus costumbres. Pero Smith debe volver con alimentos y pacta quedarse tan solo hasta la primavera. Tras una larga estancia en el poblado indígena de vida idílica, apacible y en perfecta comunión con la naturaleza y la Madre Tierra regresará a Jamestown. Su regreso, tras sus preciosas vivencias experimentadas, a la cruda realidad del asentamiento colonial, resulta del todo demoledor. En Jamestown, el invierno resultó fatal para unos habitantes no adaptados al nuevo territorio. La empalizada levantada a orillas del río es presentada en toda su miseria, como una cloaca hedionda donde las muertes por inanición se suceden a un ritmo vertiginoso, y donde los habitantes se preocupan más por buscar oro que por hallar un sustento a sus vidas. Y desde este momento crucial del relato es donde podemos apreciar en toda su magnitud el brutal enfrentamiento entre ambas culturas debido a los acontecimientos que le suceden.


el-nuevo-mundo

La idílica historia de amor entre Smith y Pocahontas tan sólo le acarrea desgracias a esta última, la cual hace gala de su generosidad y elegancia evitando que los colonos mueran de inanición. Pero este acto le conduce a ser expulsada de entre su propia tribu y a perder sus privilegios. Ella intenta reunirse y escapar con Smith, pero éste se marcha a Terranova. Abandonada a su suerte, pobre y desolada es recogida por una mujer que se encarga de cuidarla. Otro de los pioneros que más tarde arribarán en aquel asentamiento, John Rolfe (Christian Bale) se enamorará y casará con ella, formando una familia que vuelve a Inglaterra.

Se podría establecer un paralelismo entre la historia de amor entre los protagonistas, idílica en su comienzo pero abocada al desastre por la mezquindad y egoísmo, con la propia fusión entre culturas que aconteció en aquellas tierras.

A Malick, escritor también del guión, parece interesarle más que una simple descripción histórica de la conquista de América, indagar en lo que supone el descubrimiento del Paraíso y la pérdida de la inocencia, dos de los temas capitales de su filmografía. Los indios powhatan viven en comunión con la Naturaleza, confundiéndose con los demás animales de la Creación cuyas formas imita, para divertir a su hermano, la princesa Pocahontas. Los nativos son presentados como unas criaturas sin maldad, que no conocen la envidia ni saben lo que es la propiedad. El polo opuesto está representado por los colonos británicos, con su afán de lucro y sus rudos modales, son crueles entre ellos y terminan por destruir todo o que tocan.


el-nuevo-mundo

"El nuevo mundo" resulta ser todo un ejercicio de estilo que deslumbra por el preciosismo de sus fotogramas. El máximo responsable de este delirio estético es el camarógrafo mexicano Emmanuel Lubezki. Para sacar el mayor partido de la tierra salvaje de Virginia, con sus serpenteantes y caudalosos ríos James y Chickahominy, se filmó en 65 mm, un formato que no se usaba desde hace diez años, con el "Hamlet (1996)" de Kenneth Branagh. Lubezki tuvo que plegarse a los deseos de Malick de rodar casi íntegramente con luz natural, en la llamada hora mágica, que es la que precede a la puesta y a la salida del Sol y usar la steadicam en muchos de sus planos.

Desde el punto de vista narrativo, Malick supedita siempre la imagen y la música frente a los diálogos entre actores que quedan reducidos a la mínima expresión, ya que se vale de recurso de la "voz en off" durante la mayoría del metraje para que el paisaje cobre protagonismo en todo su esplendor. Es un recurso narrativo que permite a su vez ser el vehículo de los pensamientos de cada uno de los protagonistas. En determinados momentos de la película, la voz interior de un personaje responde a la pregunta de otro, de tal manera que se produce el milagro de no saber bien si es un diálogo o un soliloquio.

En el cine de Terrence Malick los silencios expresan más que las palabras, así como los ojos hablan más que las bocas, esa es la base de su lenguaje cinematográfico. De hecho, su narrativa casi podría considerarse un retorno a los orígenes del cine en su etapa de cine silente, el cual intentaba transmitir emociones valiéndose tan sólo de las imágenes y caracterizado por los gestos de sus protagonistas, que luego serán engarzados en un particular montaje para que el relato alcance grandes cotas de lirismo poético, impregnado por el particular sello de este singular director.


el-nuevo-mundo

Haciendo honor a su exquisito gusto en sus elecciones musicales, utiliza el Adagio del "Concierto para piano No.23" de Mozart como soplo de aire que mece a los amantes durante su encuentro amoroso. Para la solemnidad del descubrimiento del Nuevo Mundo, en la grandiosa escena del acercamiento a las costas, emplea el Preludio de "Das Rheingold", de Wagner. Estas dos piezas son las que más se repiten, pero también pueden oírse las composiciones originales de James Horner, cuyo trabajo fue recortado en la sala de montaje, una práctica en la que el director acumula gran experiencia.

En conjunto, estamos ante un film de delicioso lenguaje poético, enmarcado en un ambiente histórico y épico determinado, con una cuidadísima puesta en escena y un lenguaje visual propio cargado de simbolismo y metáforas que nos permiten no sólo deleitarnos desde el punto de vista artístico, sino establecer nuestra propia reflexión de lo que supuso el descubrimiento del Nuevo Mundo por el llamado Viejo Continente.


el-nuevo-mundo

Título original: The New World.

Director: Terrence Malick.

Intérpretes: Colin Farrell, Q'orianka Kilcher, Christian Bale, Christopher Plummer, Yorick van Wageningen, David Thewlis, August Schellenberg.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

mr-turner
Joseph Mallord William Turner (Timothy Spall) precursor del impresionismo y considerado "el pintor de la luz" es un pintor de renombre que disfruta del reconocimiento de sus compañeros y de las instituciones académicas de la Inglaterra de principios del siglo XIX. Vive en la capital británica con su padre (Paul Jesson) y una asistenta (Dorothy Atkinson) que a la vez es amante ocasional; ocupa las horas pintando y haciendo viajes por Europa en busca de inspiración. Entre estas idílicas escapadas pictóricas acabará encontrando a su segunda esposa (Marion Bailey) y el maestro Turner deberá mostrar su cara más romántica y amable. Su carácter provocativo y su peculiar modo de ver el mundo y la pintura, conformarán un personaje lleno de matices y con una personalidad carismática que cautivará a seguidores y detractores de su obra. La intuición y las reflexiones que hace Turner sobre los inicios de la fotografía son dignos de admirar; otra confirmación de que era un visionario.

mr-turner

El Turner que nos presenta Mike Leigh, en una época de profundos cambios (se inventa la fotografía con la repercusión que tendrá sobre la pintura, y el director lo visualiza en una divertida secuencia en la que el pintor acepta ser fotografiado) es un personaje desalmado que nunca quiso a su familia (muere una de sus hijas y ni siquiera se digna ir al entierro) desprecia a su fallecida madre que acabó en un psiquiátrico y le importa un rábano la frágil salud de su padre, que le ayudó y fue su compañero fiel durante muchos años. La única amante de Turner será la pintura, la búsqueda de la luz, el dios sol, según palabras suyas, en lo que empeña su vida. Mike Leigh recrea a conciencia la época contando con una dirección artística espléndida, clona en sus fotogramas la visión que Turner tiene del mar, e ironiza sobre los colegas coetáneos en la reunión que estos tienen con sus obras en la Real Academia del Arte (se burla de Gainsborough introduciendo un bermellón chocante en uno de sus lienzos que luego transforma en boya con un salivazo y el pulgar). Turner, que empezó siendo figurativo y brillante exponente de la pintura romántica, derivó hacia un impresionismo radical, siendo uno de sus precursores, y finalmente sus cuadros se convirtieron simplemente en luces, en nubes, humaredas o nieblas traspasadas por el sol.

mr-turner

La película no sería lo que es si no contara con un actor excepcional, Timothy Spall (obtuvo por su interpretación el premio al mejor actor en el último festival de Cannes) al que hemos visto muchas veces de secundario de lujo en todo tipo de films, también en los de Mike Leigh, del que es interprete habitual y que aquí es el protagonista absoluto, un viejo gruñón sin apenas sentimientos, que dice de sí mismo que tiene cara de gárgola, trata a su devota y enamorada doncella (Dorothy Atkinson) como objeto de usar y tirar, y acaba sus días en un pueblo de la costa, en Chelsea, junto a la dueña de una posada (Marion Bailey), seguramente porque desde su ventana puede ver el primer rayo de sol que ilumina Gran Bretaña. En Mr. Turner hay belleza, pero también fealdad y enfermedad. Se muestran escenas de la cotidianidad de la época tan curiosas como la tienda de pinturas y pigmentos, el mercado lleno de cabezas de cerdo o la llegada de las primeras tiendas de fotografía. Todo ello mostrado con un lujo de detalles asombroso.

mr-turner

"Mr. Turner" no es un biopic cualquiera. Mike Leigh se toma muy en serio el oficio de "artista" y la película está por encima de pretensiones monetarias o adulaciones gratuitas. El director no está dispuesto a convertir al pintor británico J.M.W Turner en un santo, ni su obra en una película comercial más. Sus 149 minutos de duración así lo dictaminan, y para bien o para mal del espectador, esos minutos son requeridos para que la película cuente lo que quiere contar. He dejado para el final la labor poderosísima del director de fotografía Dick Pope, que consigue recrear con absoluta maestría la luz de los cuadros de Turner en planos de una belleza como hacia tiempo no se veía en una pantalla, un trabajo asombroso y que eleva a este operador en mi particular altar de los mejores directores de fotografía actuales.

"Mr Turner" no es una película perfecta, quizás no merezca estar entre las mejores de Leigh (aunque en mi modesta opinión si lo está) pero para mi ha sido una de las mas gratas sorpresas de finales del 2014, una película bellísima y nada complaciente, que con sus imperfecciones que las tiene, se ha convertido en una de mis favoritas de este año.


Director: Mike Leigh.

Intérpretes: Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Paul Jesson, Martin Savage, Lesley Manville.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Ramón Abelló Miñano

MR. TURNER (2014). El pintor de la luz.

mr-turner
Joseph Mallord William Turner (Timothy Spall) precursor del impresionismo y considerado "el pintor de la luz" es un pintor de renombre que disfruta del reconocimiento de sus compañeros y de las instituciones académicas de la Inglaterra de principios del siglo XIX. Vive en la capital británica con su padre (Paul Jesson) y una asistenta (Dorothy Atkinson) que a la vez es amante ocasional; ocupa las horas pintando y haciendo viajes por Europa en busca de inspiración. Entre estas idílicas escapadas pictóricas acabará encontrando a su segunda esposa (Marion Bailey) y el maestro Turner deberá mostrar su cara más romántica y amable. Su carácter provocativo y su peculiar modo de ver el mundo y la pintura, conformarán un personaje lleno de matices y con una personalidad carismática que cautivará a seguidores y detractores de su obra. La intuición y las reflexiones que hace Turner sobre los inicios de la fotografía son dignos de admirar; otra confirmación de que era un visionario.

mr-turner

El Turner que nos presenta Mike Leigh, en una época de profundos cambios (se inventa la fotografía con la repercusión que tendrá sobre la pintura, y el director lo visualiza en una divertida secuencia en la que el pintor acepta ser fotografiado) es un personaje desalmado que nunca quiso a su familia (muere una de sus hijas y ni siquiera se digna ir al entierro) desprecia a su fallecida madre que acabó en un psiquiátrico y le importa un rábano la frágil salud de su padre, que le ayudó y fue su compañero fiel durante muchos años. La única amante de Turner será la pintura, la búsqueda de la luz, el dios sol, según palabras suyas, en lo que empeña su vida. Mike Leigh recrea a conciencia la época contando con una dirección artística espléndida, clona en sus fotogramas la visión que Turner tiene del mar, e ironiza sobre los colegas coetáneos en la reunión que estos tienen con sus obras en la Real Academia del Arte (se burla de Gainsborough introduciendo un bermellón chocante en uno de sus lienzos que luego transforma en boya con un salivazo y el pulgar). Turner, que empezó siendo figurativo y brillante exponente de la pintura romántica, derivó hacia un impresionismo radical, siendo uno de sus precursores, y finalmente sus cuadros se convirtieron simplemente en luces, en nubes, humaredas o nieblas traspasadas por el sol.

mr-turner

La película no sería lo que es si no contara con un actor excepcional, Timothy Spall (obtuvo por su interpretación el premio al mejor actor en el último festival de Cannes) al que hemos visto muchas veces de secundario de lujo en todo tipo de films, también en los de Mike Leigh, del que es interprete habitual y que aquí es el protagonista absoluto, un viejo gruñón sin apenas sentimientos, que dice de sí mismo que tiene cara de gárgola, trata a su devota y enamorada doncella (Dorothy Atkinson) como objeto de usar y tirar, y acaba sus días en un pueblo de la costa, en Chelsea, junto a la dueña de una posada (Marion Bailey), seguramente porque desde su ventana puede ver el primer rayo de sol que ilumina Gran Bretaña. En Mr. Turner hay belleza, pero también fealdad y enfermedad. Se muestran escenas de la cotidianidad de la época tan curiosas como la tienda de pinturas y pigmentos, el mercado lleno de cabezas de cerdo o la llegada de las primeras tiendas de fotografía. Todo ello mostrado con un lujo de detalles asombroso.

mr-turner

"Mr. Turner" no es un biopic cualquiera. Mike Leigh se toma muy en serio el oficio de "artista" y la película está por encima de pretensiones monetarias o adulaciones gratuitas. El director no está dispuesto a convertir al pintor británico J.M.W Turner en un santo, ni su obra en una película comercial más. Sus 149 minutos de duración así lo dictaminan, y para bien o para mal del espectador, esos minutos son requeridos para que la película cuente lo que quiere contar. He dejado para el final la labor poderosísima del director de fotografía Dick Pope, que consigue recrear con absoluta maestría la luz de los cuadros de Turner en planos de una belleza como hacia tiempo no se veía en una pantalla, un trabajo asombroso y que eleva a este operador en mi particular altar de los mejores directores de fotografía actuales.

"Mr Turner" no es una película perfecta, quizás no merezca estar entre las mejores de Leigh (aunque en mi modesta opinión si lo está) pero para mi ha sido una de las mas gratas sorpresas de finales del 2014, una película bellísima y nada complaciente, que con sus imperfecciones que las tiene, se ha convertido en una de mis favoritas de este año.


Director: Mike Leigh.

Intérpretes: Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Paul Jesson, Martin Savage, Lesley Manville.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Ramón Abelló Miñano

la-última-tentación-de-cristo
Basada en la novela del mismo nombre de Nikos Kazantzakis publicada en la década del 50, que le valió la excomunión al escritor griego, tanto ésta como aquella advierten que son una visión novelada y como tal provistas de licencias relacionadas con la vida de Jesús de Nazareth.

Jesús es un carpintero que fabrica cruces para los romanos aunque esto le ocasiona el repudio de los demás judíos. Sucede que se le ha revelado que él es el Mesías y aquella carga le resulta insostenible de tal forma que quiere provocar la ira de Dios, no obstante a pesar de ello en una visión le comanda a cumplir su misión. Los zelotes, una organización de fanáticos político-religiosos encomiendan a Judas Iscariote que se infiltre entre sus discípulos pero en contra de sus intenciones originales termina convirtiéndose en su mejor amigo y confidente del plan divino.

Una vez que se cumple la crucifixión de Jesús, éste tiene una nueva visión donde un ángel le dice que baje de la cruz, que ya está hecho, que él no era el mesías, que siga su vida como una persona más. El observa que la gente en el Gólgota está todavía contemplando su ejecución mientras se aleja, llega a la casa de María Magdalena, su novia prometida reducida a prostituta por haber sido rechazada, le pide perdón y se casa con ella aunque eso desatará la ira del Dios Padre que la fulminará con un haz de luz.

la-última-tentación-de-cristo

Años más tarde, casado con Marta, la hermana de Lázaro, descubre a Saulo de Tarso (Pablo) predicando una nueva religión que se sustenta en la resurrección de Jesús, éste le dice que está vivo que nunca murió en la cruz y el predicador le argumenta que para los fines pertinentes a ellos les conviene que esté muerto y callado.

Posiblemente es una de la películas más incomprendidas de la historia del cine y que provocó una intolerancia desproporcionada por parte de los sectores más conservadores llevando a la prohibición de su exhibición en muchos países y la reacción fanática de determinados grupos como los ocurridos en París a fines de septiembre de 1988 cuando fueron incendiados al menos 3 salas donde la proyectaban.

la-última-tentación-de-cristo

Lo más absurdo de la historia es que el alboroto se suscitó y fue motivado por personas que ni siquiera habían visto todavía la cinta y peor leído el libro. La figura "divina" de Jesús debía ser defendida y el fanatismo ciego no escuchó razones (Bueno, cuándo lo hace?).

Ahora años después podemos dimensionar la obra de Martin Scorsese en su real magnitud. Película valiente e inspirada donde Marty expuso su fe, recordemos que iba para seminarista, y tanto él como Nikos fueron contra el dogmatismo intentando contarnos un punto de vista distinto, aquí Jesús duda y tiene miedo, su primer predica es un desastre, es más bien Judas quien lo alienta y asume que la única forma de que cumplan las profecías es traicionando a su amigo. Es extremendamente irritante la posición de Pablo a quien no le importan los hechos sino la finalidad política de los mismos, había que competir con otras religiones y sectas entonces debían ofrecer un mejor producto. Al final cuando Jesús acepta su condición de Cristo reivindica la extraordinaria misión de aceptar su destino.

la-última-tentación-de-cristo

Título original; The Last Temptation of Christ.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Willem Dafoe, Harvey Keitel, Barbara Hershey, Victor Argo, Juliette Caton, Verna Bloom, Harry Dean Stanton, Randy Danson, 

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

LA ÚLTIMA TENTACIÓN DE CRISTO (1988). El polémico film de Martin Scorsese.

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Basada en la novela del mismo nombre de Nikos Kazantzakis publicada en la década del 50, que le valió la excomunión al escritor griego, tanto ésta como aquella advierten que son una visión novelada y como tal provistas de licencias relacionadas con la vida de Jesús de Nazareth.

Jesús es un carpintero que fabrica cruces para los romanos aunque esto le ocasiona el repudio de los demás judíos. Sucede que se le ha revelado que él es el Mesías y aquella carga le resulta insostenible de tal forma que quiere provocar la ira de Dios, no obstante a pesar de ello en una visión le comanda a cumplir su misión. Los zelotes, una organización de fanáticos político-religiosos encomiendan a Judas Iscariote que se infiltre entre sus discípulos pero en contra de sus intenciones originales termina convirtiéndose en su mejor amigo y confidente del plan divino.

Una vez que se cumple la crucifixión de Jesús, éste tiene una nueva visión donde un ángel le dice que baje de la cruz, que ya está hecho, que él no era el mesías, que siga su vida como una persona más. El observa que la gente en el Gólgota está todavía contemplando su ejecución mientras se aleja, llega a la casa de María Magdalena, su novia prometida reducida a prostituta por haber sido rechazada, le pide perdón y se casa con ella aunque eso desatará la ira del Dios Padre que la fulminará con un haz de luz.

la-última-tentación-de-cristo

Años más tarde, casado con Marta, la hermana de Lázaro, descubre a Saulo de Tarso (Pablo) predicando una nueva religión que se sustenta en la resurrección de Jesús, éste le dice que está vivo que nunca murió en la cruz y el predicador le argumenta que para los fines pertinentes a ellos les conviene que esté muerto y callado.

Posiblemente es una de la películas más incomprendidas de la historia del cine y que provocó una intolerancia desproporcionada por parte de los sectores más conservadores llevando a la prohibición de su exhibición en muchos países y la reacción fanática de determinados grupos como los ocurridos en París a fines de septiembre de 1988 cuando fueron incendiados al menos 3 salas donde la proyectaban.

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Lo más absurdo de la historia es que el alboroto se suscitó y fue motivado por personas que ni siquiera habían visto todavía la cinta y peor leído el libro. La figura "divina" de Jesús debía ser defendida y el fanatismo ciego no escuchó razones (Bueno, cuándo lo hace?).

Ahora años después podemos dimensionar la obra de Martin Scorsese en su real magnitud. Película valiente e inspirada donde Marty expuso su fe, recordemos que iba para seminarista, y tanto él como Nikos fueron contra el dogmatismo intentando contarnos un punto de vista distinto, aquí Jesús duda y tiene miedo, su primer predica es un desastre, es más bien Judas quien lo alienta y asume que la única forma de que cumplan las profecías es traicionando a su amigo. Es extremendamente irritante la posición de Pablo a quien no le importan los hechos sino la finalidad política de los mismos, había que competir con otras religiones y sectas entonces debían ofrecer un mejor producto. Al final cuando Jesús acepta su condición de Cristo reivindica la extraordinaria misión de aceptar su destino.

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Título original; The Last Temptation of Christ.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Willem Dafoe, Harvey Keitel, Barbara Hershey, Victor Argo, Juliette Caton, Verna Bloom, Harry Dean Stanton, Randy Danson, 

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

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"¿Amas la vida? Entonces no malgastes el tiempo, porque ese es el material de que está hecha la vida. Benjamín Franklin".

Keiichi Hara uno de los directores de la serie Shin Chan y director de películas como "Shin chan: en busca de las bolas perdidas", "Shin Chan: Operación rescate", "Shin Chan: El pequeño samurái" o "Shin Chan y el chuletón imposible" de repente un día le da por ponerse serio y nos deja un no perfecto pero bastante notable: "El verano de Coo (2007)". Un relato que sorprende por su franqueza, transparente en intenciones y con la amistad verdadera como piedra angular. Cuando vi este film me hice una pregunta ¿Pero por qué este hombre no deja de hacer cine para niños y sigue por este camino? La respuesta vino tres años después con esta gran cinta de animación, basada en la novela homónima juvenil de Mori Eto, llamada aquí en España "Flipando en colores".Titulo, debido a la afición del protagonista por la pintura, de un libro que habla a los adolescentes de tú a tú y que no los trata como retrasados, como algunos de la literatura occidental.

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Todo comienza cuando el alma de una persona que acaba de morir y que no recuerda nada de su pasado llega al purgatorio. Se prepara para el tránsito hacia el más allá, pero una especie de ángel con cuerpo de niño llamado Purapura (ni Poroporo, ni Perapera) le dará la bienvenida, "¡Felicidades, te ha tocado la lotería! ¡Has muerto en pecado, pero te vamos a dar una segunda oportunidad!" así de esta guisa le anuncia que tendrá una segunda oportunidad para poder limpiar aquel pecado que lleva consigo mismo para poder entrar en la lista de "resucitados". Pero esta oportunidad no será nada fácil ya que tendrá que pasar una prueba si quiere continuar en el mundo de los vivos: reencarnarse en el cuerpo de Makoto Kobayashi, un adolescente de catorce años que acaba de suicidarse, descubrir por qué se suicidó este joven y solucionar todo aquello por lo que huyó. De no cumplir alguno de los dos requisitos (encajar con su nueva familia o recordar su crimen), el alma deberá abandonar el cuerpo de Makoto y morirá para siempre, eliminando cualquier posibilidad de volver a la vida. Así de primeras se puede apreciar que el punto de partida no es demasiado original, esa fue mi primera impresión, pero esta fue cambiando a medida que avanzaba el film.

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La evolución del protagonista es gradual, ira pasando por diferentes etapas, aunque comience de manera egoísta considerando que él merece una segunda oportunidad pero es demasiado orgulloso como para concederle el mismo trato a sus semejantes y familiares, al final acaba empatizando y sintiendo lástima por este individuo al que encarna que, a fin de cuentas, ha sido víctima de una sociedad que no le ha aceptado y que no le ha dejado integrarse con el paso de los años. No todas las personas son tan ruines ni todos sus pecados tan malos como parecían en un principio. Poco a poco, con Purapura que hará las veces de guía y a partir de las relaciones que tiene con su familia y compañeros de instituto, irá descubriendo cuales fueron los motivos que encontró Makoto para suicidarse, así como empezar a entender un poco la situación en la que se encuentra, llevándonos hasta la gran revelación final. Sin ninguna duda para mi lo mejor del film es el mensaje que transmite y el trasfondo del que este proviene.

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"Colorful" me parece una apuesta valiente, más teniendo en cuenta que el libro en el que se basa es literatura juvenil, tratando temas tan delicados como el suicidio, la prostitución juvenil o el adulterio, el acoso escolar, las drogas, o la amistad, desde un punto de vista realista y crudo, tratando mas las consecuencias psicológicas que provocan que los actos en si, y sin caer en el saco del sensacionalismo, la ñoñeria o el recurso fácil. Mientras tanto aquí en occidente sagas como Harry Petas o Crepúsculo dicen mucho de nuestra juventud.

A nivel técnico como viene siendo lo habitual en el país nipón, la película disfruta de un dibujo agradable (los paisajes de fondo de 10) con una animación fluida y trabajada.

Si sois de los que piensan que el cine animado debe estar lleno de aventuras y situaciones de humor, huid de este, pues os resultara bastante aburrido, pero para las personas -en las cuales me incluyo- que ven en la animación solo un medio mas para contar una historia, se encontraran con un drama bastante humano, lleno de esos grises tan comunes en nuestras vidas, a los que intentamos llenar de color cada día. Como dice Purapura: "Nuestras vidas no son blancas o negras, tenemos todo tipo de colores, colores hermosos y colores horribles."

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Director: Keiichi Hara.

Trailer:


Reseña escrita por Pepe Mata

COLORFUL de Keiichi Hara (2010). El cine de animación de Keiichi Hara.

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"¿Amas la vida? Entonces no malgastes el tiempo, porque ese es el material de que está hecha la vida. Benjamín Franklin".

Keiichi Hara uno de los directores de la serie Shin Chan y director de películas como "Shin chan: en busca de las bolas perdidas", "Shin Chan: Operación rescate", "Shin Chan: El pequeño samurái" o "Shin Chan y el chuletón imposible" de repente un día le da por ponerse serio y nos deja un no perfecto pero bastante notable: "El verano de Coo (2007)". Un relato que sorprende por su franqueza, transparente en intenciones y con la amistad verdadera como piedra angular. Cuando vi este film me hice una pregunta ¿Pero por qué este hombre no deja de hacer cine para niños y sigue por este camino? La respuesta vino tres años después con esta gran cinta de animación, basada en la novela homónima juvenil de Mori Eto, llamada aquí en España "Flipando en colores".Titulo, debido a la afición del protagonista por la pintura, de un libro que habla a los adolescentes de tú a tú y que no los trata como retrasados, como algunos de la literatura occidental.

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Todo comienza cuando el alma de una persona que acaba de morir y que no recuerda nada de su pasado llega al purgatorio. Se prepara para el tránsito hacia el más allá, pero una especie de ángel con cuerpo de niño llamado Purapura (ni Poroporo, ni Perapera) le dará la bienvenida, "¡Felicidades, te ha tocado la lotería! ¡Has muerto en pecado, pero te vamos a dar una segunda oportunidad!" así de esta guisa le anuncia que tendrá una segunda oportunidad para poder limpiar aquel pecado que lleva consigo mismo para poder entrar en la lista de "resucitados". Pero esta oportunidad no será nada fácil ya que tendrá que pasar una prueba si quiere continuar en el mundo de los vivos: reencarnarse en el cuerpo de Makoto Kobayashi, un adolescente de catorce años que acaba de suicidarse, descubrir por qué se suicidó este joven y solucionar todo aquello por lo que huyó. De no cumplir alguno de los dos requisitos (encajar con su nueva familia o recordar su crimen), el alma deberá abandonar el cuerpo de Makoto y morirá para siempre, eliminando cualquier posibilidad de volver a la vida. Así de primeras se puede apreciar que el punto de partida no es demasiado original, esa fue mi primera impresión, pero esta fue cambiando a medida que avanzaba el film.

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La evolución del protagonista es gradual, ira pasando por diferentes etapas, aunque comience de manera egoísta considerando que él merece una segunda oportunidad pero es demasiado orgulloso como para concederle el mismo trato a sus semejantes y familiares, al final acaba empatizando y sintiendo lástima por este individuo al que encarna que, a fin de cuentas, ha sido víctima de una sociedad que no le ha aceptado y que no le ha dejado integrarse con el paso de los años. No todas las personas son tan ruines ni todos sus pecados tan malos como parecían en un principio. Poco a poco, con Purapura que hará las veces de guía y a partir de las relaciones que tiene con su familia y compañeros de instituto, irá descubriendo cuales fueron los motivos que encontró Makoto para suicidarse, así como empezar a entender un poco la situación en la que se encuentra, llevándonos hasta la gran revelación final. Sin ninguna duda para mi lo mejor del film es el mensaje que transmite y el trasfondo del que este proviene.

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"Colorful" me parece una apuesta valiente, más teniendo en cuenta que el libro en el que se basa es literatura juvenil, tratando temas tan delicados como el suicidio, la prostitución juvenil o el adulterio, el acoso escolar, las drogas, o la amistad, desde un punto de vista realista y crudo, tratando mas las consecuencias psicológicas que provocan que los actos en si, y sin caer en el saco del sensacionalismo, la ñoñeria o el recurso fácil. Mientras tanto aquí en occidente sagas como Harry Petas o Crepúsculo dicen mucho de nuestra juventud.

A nivel técnico como viene siendo lo habitual en el país nipón, la película disfruta de un dibujo agradable (los paisajes de fondo de 10) con una animación fluida y trabajada.

Si sois de los que piensan que el cine animado debe estar lleno de aventuras y situaciones de humor, huid de este, pues os resultara bastante aburrido, pero para las personas -en las cuales me incluyo- que ven en la animación solo un medio mas para contar una historia, se encontraran con un drama bastante humano, lleno de esos grises tan comunes en nuestras vidas, a los que intentamos llenar de color cada día. Como dice Purapura: "Nuestras vidas no son blancas o negras, tenemos todo tipo de colores, colores hermosos y colores horribles."

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Director: Keiichi Hara.

Trailer:


Reseña escrita por Pepe Mata

premios-20-blogs


Comienza la edición número 10 de los Premios  20 Blogs organizados por el periódico 20 minutos. Un concurso donde se eligen a los mejores blogs del año. Desde el día 12 de Febrero hasta el 02 de marzo pueden votar a aquellos blogs que consideren que han sido los mejores. "Las mejores películas de la historia del cine" vuelve a presentarse este año en las categoría de mejor blog de cine y tv y mejor espacio de redes sociales. Es por ello que nos gustaría que nos apoyaran, siempre que consideran que nos lo merecemos, con su voto.

Los pasos para realizar el voto son los siguientes:



Les saldrá una página como ésta:

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En la parte superior de la página tienes que iniciar la sesión (si ya estas registrado de otros años, con pinchar la opción "Conectar facebook" ya te dirige a la página de votar) o bien registrarte (lo puedes realizar por facebook, twitter o por correo electrónico). (Pincha aquí)

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Una vez dentro de la sesión, simplemente tienes que darle a votar. (Tienes que darle en el votar que te sale dentro del recuadro amarillo, donde pone en azul "Vota a este blog". (Como aparece en la imagen).

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Una vez votado el recuadro de color azul pasa a color verde con "voto recibido" como puedes ver en la imagen siguiente:

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Y de esta manera el voto esta realizado.


Para también votarnos en la categoría de mejor espacio de red social, es exactamente igual pero pinchando este enlace:

http://lablogoteca.20minutos.es/las-mejores-peliculas-de-la-historia-del-cine-47248/0/


Les agradecemos mucho vuestro apoyo a este espacio de cine. ¡¡Mil gracias!!

Las mejores películas de la historia del cine se presenta a la X edición de los Premios 20 Blogs.

premios-20-blogs


Comienza la edición número 10 de los Premios  20 Blogs organizados por el periódico 20 minutos. Un concurso donde se eligen a los mejores blogs del año. Desde el día 12 de Febrero hasta el 02 de marzo pueden votar a aquellos blogs que consideren que han sido los mejores. "Las mejores películas de la historia del cine" vuelve a presentarse este año en las categoría de mejor blog de cine y tv y mejor espacio de redes sociales. Es por ello que nos gustaría que nos apoyaran, siempre que consideran que nos lo merecemos, con su voto.

Los pasos para realizar el voto son los siguientes:



Les saldrá una página como ésta:

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En la parte superior de la página tienes que iniciar la sesión (si ya estas registrado de otros años, con pinchar la opción "Conectar facebook" ya te dirige a la página de votar) o bien registrarte (lo puedes realizar por facebook, twitter o por correo electrónico). (Pincha aquí)

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Una vez dentro de la sesión, simplemente tienes que darle a votar. (Tienes que darle en el votar que te sale dentro del recuadro amarillo, donde pone en azul "Vota a este blog". (Como aparece en la imagen).

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Una vez votado el recuadro de color azul pasa a color verde con "voto recibido" como puedes ver en la imagen siguiente:

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Y de esta manera el voto esta realizado.


Para también votarnos en la categoría de mejor espacio de red social, es exactamente igual pero pinchando este enlace:

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Les agradecemos mucho vuestro apoyo a este espacio de cine. ¡¡Mil gracias!!

doctor-cíclope
El Doctor Alexander Thorkel tras asesinar a su discípulo, pide ayuda a un pequeño grupo de científicos para aclarar algunas dudas en el experimento que está realizando en una zona remota de la jungla. Después, intenta zafarse de ellos y al no conseguirlo, los reduce de tamaño. Pero pronto descubrirá que no hay enemigo pequeño.

Ernest B. Schoedsack esta vez en solitario, toma las riendas de esta modesta pero estimulante película filmada en glorioso Tecnicolor para retomar algunos de sus temas favoritos: la indefensión frente a un ser de proporciones gigantescas y la caza humana. Quizás por razones presupuestarias casi toda la acción se circunscribe a la choza-laboratorio del Doctor y sus alrededores pero precisamente eso potencia la sensación de encierro de los diminutos cautivos . Eso y la imponente presencia de Albert Dekker rapado al cero, corpulento, sudoroso, sucio y extremadamente amenazador con sus gruesos anteojos que mas adelante se revelarán como su talón de Aquiles.

Como es habitual en el cine de Schoedsack, bromas las justas. El peligro tiene una base real y ahí está el asesinato a sangre fría de uno de los científicos realizado con unas pinzas y un pedazo de algodón para recordárnoslo y que sirve como detonante para que el resto de prisioneros decida, en vez de huir, ajustar cuentas con su captor. Para ello, harán una ventaja de su pequeño tamaño y trabajarán en grupo para intentar triunfar en este duelo a muerte.

doctor-cíclope

Al igual que en "El increíble hombre menguante (1957)"de Jack Arnold muy pronto nos familiarizamos con el entorno de muebles gigantescos y potenciales amenazas (temible la gata Satana) que pueblan la choza-laboratorio. En muchas ocasiones sólo nos acompaña la extraordinaria partitura de Gerard Carbonara, Albert Hay Malotte y Ernst Toch para contemplar las evoluciones casi de dibujo animado que realizan los protagonistas trepando hacia las puertas a base de acumular libros o escondiéndose en diminutos y aparentemente inalcanzables rincones, mientras la Bestia, esto es el Doctor Cyclops los busca frenéticamente para aniquilarlos. Schoedsack nos lo cuenta todo en 75 minutos sin desperdiciar ni un diálogo ni un plano. Fiel a su estilo y anticipando los vientos de guerra que comenzaban a circular por Estados unidos con el look "japonizado" del Malvado y las constantes referencias al potencial de la radioactividad.

Mención aparte merecen los artesanales pero efectivos efectos especiales que consiguieron una nominación de la Academia en este apartado. El inteligente juego de planos, las superposiciones de imagen apoyadas por elementos en movimiento como esa mano que avanza por la mesa mientras vemos la cara gigantesca del Doctor sonriendo todavía nos sorprenden y atemorizan. Y lo que es mas importante, nos devuelven al cine mas puro de entretenimiento realizado con la seriedad y solvencia que el Maestro Schoedsack nos tenía acostumbrados.

doctor-cíclope

Título original: Dr. Cyclops.

Director: Ernest B. Schoedsack.

Intérpretes: Albert Dekker, Thomas Coley, Janice Logan, Charles Halton, Victor Kilian, Frank Yaconelli, Paul Fix, Frank Reicher.

Trailer:


Reseña escrita por George Suckelectronic

DOCTOR CÍCLOPE (1940). El clásico de ciencia ficción de Ernest B. Schoedsack.

doctor-cíclope
El Doctor Alexander Thorkel tras asesinar a su discípulo, pide ayuda a un pequeño grupo de científicos para aclarar algunas dudas en el experimento que está realizando en una zona remota de la jungla. Después, intenta zafarse de ellos y al no conseguirlo, los reduce de tamaño. Pero pronto descubrirá que no hay enemigo pequeño.

Ernest B. Schoedsack esta vez en solitario, toma las riendas de esta modesta pero estimulante película filmada en glorioso Tecnicolor para retomar algunos de sus temas favoritos: la indefensión frente a un ser de proporciones gigantescas y la caza humana. Quizás por razones presupuestarias casi toda la acción se circunscribe a la choza-laboratorio del Doctor y sus alrededores pero precisamente eso potencia la sensación de encierro de los diminutos cautivos . Eso y la imponente presencia de Albert Dekker rapado al cero, corpulento, sudoroso, sucio y extremadamente amenazador con sus gruesos anteojos que mas adelante se revelarán como su talón de Aquiles.

Como es habitual en el cine de Schoedsack, bromas las justas. El peligro tiene una base real y ahí está el asesinato a sangre fría de uno de los científicos realizado con unas pinzas y un pedazo de algodón para recordárnoslo y que sirve como detonante para que el resto de prisioneros decida, en vez de huir, ajustar cuentas con su captor. Para ello, harán una ventaja de su pequeño tamaño y trabajarán en grupo para intentar triunfar en este duelo a muerte.

doctor-cíclope

Al igual que en "El increíble hombre menguante (1957)"de Jack Arnold muy pronto nos familiarizamos con el entorno de muebles gigantescos y potenciales amenazas (temible la gata Satana) que pueblan la choza-laboratorio. En muchas ocasiones sólo nos acompaña la extraordinaria partitura de Gerard Carbonara, Albert Hay Malotte y Ernst Toch para contemplar las evoluciones casi de dibujo animado que realizan los protagonistas trepando hacia las puertas a base de acumular libros o escondiéndose en diminutos y aparentemente inalcanzables rincones, mientras la Bestia, esto es el Doctor Cyclops los busca frenéticamente para aniquilarlos. Schoedsack nos lo cuenta todo en 75 minutos sin desperdiciar ni un diálogo ni un plano. Fiel a su estilo y anticipando los vientos de guerra que comenzaban a circular por Estados unidos con el look "japonizado" del Malvado y las constantes referencias al potencial de la radioactividad.

Mención aparte merecen los artesanales pero efectivos efectos especiales que consiguieron una nominación de la Academia en este apartado. El inteligente juego de planos, las superposiciones de imagen apoyadas por elementos en movimiento como esa mano que avanza por la mesa mientras vemos la cara gigantesca del Doctor sonriendo todavía nos sorprenden y atemorizan. Y lo que es mas importante, nos devuelven al cine mas puro de entretenimiento realizado con la seriedad y solvencia que el Maestro Schoedsack nos tenía acostumbrados.

doctor-cíclope

Título original: Dr. Cyclops.

Director: Ernest B. Schoedsack.

Intérpretes: Albert Dekker, Thomas Coley, Janice Logan, Charles Halton, Victor Kilian, Frank Yaconelli, Paul Fix, Frank Reicher.

Trailer:


Reseña escrita por George Suckelectronic

rubber
Estamos en pleno desierto californiano,y en un camino de tierra vemos que hay varias sillas colocadas de manera aleatoria. A lo lejos vemos llegar un coche que una a una va derribando todas las sillas con complicadas maniobras. Una vez conseguida la proeza, el vehículo se detiene, pero su conductor permanece dentro. Para nuestra sorpresa, es la puerta del maletero la que se abre y de él sale un oficial de policía con cierta dificultad. Sin saber muy bien a quién se dirige pronuncia el siguiente discurso :

“En la película de Steven Spielberg  E.T., ¿por qué el extraterrestre es marrón? por ninguna razón. En LoveStory, ¿por qué los dos protagonistas se enamoran perdidamente? por ninguna razón. En J.F.K. de Oliver Stone, ¿por qué el presidente es asesinado de repente por un desconocido? por ninguna razón. En la excelente  La Matanza de Texas de Tobe Hooper, ¿por qué no vemos nunca a los personajes ir al baño? por ninguna razón en absoluto. Peor,en El Pianista de Polanski, ¿cómo es que este tío tiene que esconderse y vivir como un vagabundo si toca tan bien el piano? una vez mas la respuesta es por ninguna razón. Podría seguir durante horas con más ejemplos,la lista no tiene fin. Probablemente nunca lo habían pensado pero todas las grandes películas contienen un importante elemento de  sin razón.¿Y saben por qué? por que la vida misma está llena de sin razones. Damas y caballeros, la película que van a ver hoy es un homenaje a la sin razón, el más poderoso elemento de estilo."

rubber

Acto seguido derrama en el suelo un vaso de agua que ha llevado en la mano durante su discurso y se marcha. El misterioso oficial de policía es el Teniente Chad (Stephen Spinella) como sabremos más tarde e investiga unos asesinatos cuyos cadáveres aparecen sin cabeza. El homenaje a la sin razón al que aludía Chad en su discurso posiblemente sea el descubrir justo al principio del film que éstos asesinatos han sido cometidos por un neumático que ha cobrado vida y que mediante poderes telepáticos consigue hacer explotar la cabeza de sus víctimas.

Con esta delirante premisa el realizador y músico francés Quentin Dupieux (más conocido como Mr. Oizo) nos presenta Rubber, una divertida e inverosímil comedia con tintes gore sobre una rueda asesina (de ahí el homenaje a la sin razón) pero con un desarrollo muy interesante y elementos  de cine dentro del cine. Por ejemplo el discurso del Teniente Chad en el principio iba dirigido no solo  a los espectadores del film,en la propia película hay una serie de personajes que son los espectadores del film. Se encuentran en el desierto,muy cerca de donde la rueda asesina realiza sus tropelías, siguiendo toda la acción a través de los prismáticos que previamente les ha entregado un enigmático acomodador (Jack Plotnick). Estos personajes al igual que si estuvieran en el patio de butacas de un cine van comentando la película e incluso sugiriendo ideas a los actores. Las lógicas dudas que se nos presentan al ver un neumático que cobra vida y va avanzando por la carretera, matando animales y personas, entrando en una habitación de hotel y dándose una ducha o viendo la televisión, incluso enamorándose de una joven muchacha (Roxane Mesquida), son las mismas que tienen los espectadores del desierto y sus comentarios, críticas e ideas son las mismas que se nos plantean a nosotros mientras estamos viendo la película en el cine.

Sin duda es una cinta para verla sin complejos, un homenaje a la sin razón (o creatividad sin límites) y al cine de Serie B pero aludiendo a la parte inteligente de ese tipo de cine, así como un interesante enfoque sobre como justificar ciertas ideas que se llevan a la pantalla.

rubber

Director: Quentin Dupieux.

Intérpretes: Stephen Spinella, Jack Plotnick, Wings Hauser, Roxane Mesquida, Ethan Cohn, Charley Koontz, Daniel Quinn, Devin Brochu.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

RUBBER (2010). La rueda asesina.

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Estamos en pleno desierto californiano,y en un camino de tierra vemos que hay varias sillas colocadas de manera aleatoria. A lo lejos vemos llegar un coche que una a una va derribando todas las sillas con complicadas maniobras. Una vez conseguida la proeza, el vehículo se detiene, pero su conductor permanece dentro. Para nuestra sorpresa, es la puerta del maletero la que se abre y de él sale un oficial de policía con cierta dificultad. Sin saber muy bien a quién se dirige pronuncia el siguiente discurso :

“En la película de Steven Spielberg  E.T., ¿por qué el extraterrestre es marrón? por ninguna razón. En LoveStory, ¿por qué los dos protagonistas se enamoran perdidamente? por ninguna razón. En J.F.K. de Oliver Stone, ¿por qué el presidente es asesinado de repente por un desconocido? por ninguna razón. En la excelente  La Matanza de Texas de Tobe Hooper, ¿por qué no vemos nunca a los personajes ir al baño? por ninguna razón en absoluto. Peor,en El Pianista de Polanski, ¿cómo es que este tío tiene que esconderse y vivir como un vagabundo si toca tan bien el piano? una vez mas la respuesta es por ninguna razón. Podría seguir durante horas con más ejemplos,la lista no tiene fin. Probablemente nunca lo habían pensado pero todas las grandes películas contienen un importante elemento de  sin razón.¿Y saben por qué? por que la vida misma está llena de sin razones. Damas y caballeros, la película que van a ver hoy es un homenaje a la sin razón, el más poderoso elemento de estilo."

rubber

Acto seguido derrama en el suelo un vaso de agua que ha llevado en la mano durante su discurso y se marcha. El misterioso oficial de policía es el Teniente Chad (Stephen Spinella) como sabremos más tarde e investiga unos asesinatos cuyos cadáveres aparecen sin cabeza. El homenaje a la sin razón al que aludía Chad en su discurso posiblemente sea el descubrir justo al principio del film que éstos asesinatos han sido cometidos por un neumático que ha cobrado vida y que mediante poderes telepáticos consigue hacer explotar la cabeza de sus víctimas.

Con esta delirante premisa el realizador y músico francés Quentin Dupieux (más conocido como Mr. Oizo) nos presenta Rubber, una divertida e inverosímil comedia con tintes gore sobre una rueda asesina (de ahí el homenaje a la sin razón) pero con un desarrollo muy interesante y elementos  de cine dentro del cine. Por ejemplo el discurso del Teniente Chad en el principio iba dirigido no solo  a los espectadores del film,en la propia película hay una serie de personajes que son los espectadores del film. Se encuentran en el desierto,muy cerca de donde la rueda asesina realiza sus tropelías, siguiendo toda la acción a través de los prismáticos que previamente les ha entregado un enigmático acomodador (Jack Plotnick). Estos personajes al igual que si estuvieran en el patio de butacas de un cine van comentando la película e incluso sugiriendo ideas a los actores. Las lógicas dudas que se nos presentan al ver un neumático que cobra vida y va avanzando por la carretera, matando animales y personas, entrando en una habitación de hotel y dándose una ducha o viendo la televisión, incluso enamorándose de una joven muchacha (Roxane Mesquida), son las mismas que tienen los espectadores del desierto y sus comentarios, críticas e ideas son las mismas que se nos plantean a nosotros mientras estamos viendo la película en el cine.

Sin duda es una cinta para verla sin complejos, un homenaje a la sin razón (o creatividad sin límites) y al cine de Serie B pero aludiendo a la parte inteligente de ese tipo de cine, así como un interesante enfoque sobre como justificar ciertas ideas que se llevan a la pantalla.

rubber

Director: Quentin Dupieux.

Intérpretes: Stephen Spinella, Jack Plotnick, Wings Hauser, Roxane Mesquida, Ethan Cohn, Charley Koontz, Daniel Quinn, Devin Brochu.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

american-splendor
American Splendor relata la vida de Harvey Pekar (1939-2010) guionista de cómic estadounidense, pionero desde Cleveland, del cómic alternativo en su país, prolífico crítico de libros y Jazz reflejando las peculiaridades del personaje, desde su reconocida adicción al coleccionismo de historietas y vinilos, mostrando como punto de partida su estilo de vida, sus recorridos por las ferias de discos de segunda mano y rastros en busca de alguna joya que sacie su curiosidad. Impregnado de la cultura popular americana y mostrando arraigo a un cierto reflejo folk, 

Harvey aparece acertadamente encarnado, en algunas partes de la cinta por (Paul Giamatti). Este filme independiente es un drama contado en tono cómico que señala la singularidad y condiciones diferentes de Harvey desde su niñez, caminando por las calles de su barrio, súbitamente salta en el tiempo hasta adulto bajo la misma dinámica para dar sensación de rutina, de que todo sigue igual, al cabo de los años, para algunos. Aparece entre los créditos, ilustrados en forma de viñeta y se abre así un comienzo que nos hará partícipes de todos los secretos de su vida, personalidad y maneras poco ortodoxas de comunicarse, guiado por el tema del gran Joe Maneri: Paniots Nine de fondo. 

american-splendor

Shari Springer y Robert Pulcini, una joven pareja cinematográfica especializada en el documental dirigen su primera película ficticia, detallando la cotidianidad de la clase media mediante la vida de Pekar. El filme consta de tres partes diferenciadas, que a veces, sutilmente se mezclan: una ficcionada que está protagonizada por Giamatti, la segunda con un Harvey dibujado mediante animación tradicional, y en la tercera, así como en el inicio veremos al verdadero, Harvey Pekar, en retazos de pequeñas entrevistas en el estudio de rodaje para finalizar con vídeos de archivo no muy antiguos de intervenciones en televisión. Durante el metraje podemos conocer a Pekar, personaje infeliz, obsesivo-compulsivo y pesimista hasta la médula, melómano, desde muy joven y apasionado de las historietas desde el inicio de los 60, hasta los 80, el salto a los cómics lo dió en el 75, de una manera muy genuina. 

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Sitúese a Pekar, todo lo entusiasmado que su rostro puede mostrar que está, en una feria de discos, con un doce pulgadas en la mano de Jay Mcshann, cuándo de repente en pleno "diggin" aparece Robert Crumb, afamado "historietista" interesado en el mismo disco, compartiendo las mismas inquietudes, por afinidad entablaran amistad llegando a cuadrar una especie de proyecto surgido de manera natural, en el que Crumb ilustrará la vida de Pekar, guionizada por el propio protagonista a modo de ejercicio purificador. De esta manera nacería American Splendor, su obra autobiográfica. En tono underground, sus historias escritas pasarían a ser dibujadas por diferentes autores, siendo Crumb el que iniciaría la obra como dibujante. Esta serie de cómic, documentará a sus vecinos, compañeros, nueva esposa y detalles sobre la verdadera esencia de Cleveland, como crítica social es sincera con un punto potente de humor negro, sarcasmo bastante ácido y deprimente, en conjunto, resulta contundente. 

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El estilo de Pekar es totalmente representativo del lema en jerga: “you can dig it,but not find it”, y en ese "rebuscar", surge la conexión con su tercera esposa, la escritora Joyce Brabner, interpretada por Molly Shannon, declarada fan de las historietas de American Splendor y tendera de cómics, con quién inicia una historia de amor que acabaría en la monotonía pero con pinceladas de autenticidad, saltándose los preliminares, el cortejo y yendo directos al tema fundamental, como Pekar haría al guinozar los cómics de su vida. Cuenta con ella como colaboradora e influencia en casi toda su obra concretamente en Our Cancer Year la obra que nuevamente le serviría de ejercicio personal catártico para superar el linfoma que se le diagnosticó, finalmente, surgiran numerosas intervenciones en algún programa "de entretenimiento", que lo ridiculizarán y no le harán justicia, evidentemente, los responsables de dicho programa son unos incompetentes que dan un empuje fuerte a Harvey, hasta la oportunidad del rodaje de la adaptación cinematográfica de su obra, American Splendor: our movie year.

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 La obra, es un retrato fiel de la clase media americana, posee el punto extremo a veces de la "estética sucia" y de haber caído en manos de otros directores no habría sido un magnífico ejercicio autoreflexivo como el que es carente del punto peyorativo de toque "White trash", debido al éxito de las obras del protagonista. El compendio de cultura y saber de Pekar, así como de la gente que suele acompañarlo, es bastante potente y valioso, entonces el resultado al contar directamente con el autor, de manera tan fiel, convierte la obra en una cinta deliciosa que merece la pena conocer, máxime si te apasionan la música y la lectura, pretendiendo destacar la vida y dificultades de un grande, sin recurrir a demasiadas excentricidades, siendo honesta la obra, a las realidades que lo acompañaron con buenas interpretaciones, curioso guión e interesante fotografía de la mano de Terry Stacey, aderezada con una bso también, de gran altura.


Frase para recordar: “Entonces este tipo, es nuestro hombre, ya crecidito y sin muchos logros, siempre un tipo bastante erudito que nunca tuvo una educación formal, gran parte de su vida vivió en barrios bajos, tuvo trabajos bajos y ahora está metido en un segundo matrimonio desastroso, así que si eres de aquellos que buscan romance o un escapismo,o algún personaje de fantasía para salvar el día,¿adivina qué?, estás mirando la película equivocada.”

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Directores: Robert Pulcini, Shari Springer Berman. 

Intérpretes: Paul Giamatti, Hope Davis, Harvey Pekar, Shari Springer Berman, Earl Billings, James Urbaniak, Judah Friedlander.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Car Tor

AMERICAN SPLENDOR (2003). La vida de Harvey Pekar.

american-splendor
American Splendor relata la vida de Harvey Pekar (1939-2010) guionista de cómic estadounidense, pionero desde Cleveland, del cómic alternativo en su país, prolífico crítico de libros y Jazz reflejando las peculiaridades del personaje, desde su reconocida adicción al coleccionismo de historietas y vinilos, mostrando como punto de partida su estilo de vida, sus recorridos por las ferias de discos de segunda mano y rastros en busca de alguna joya que sacie su curiosidad. Impregnado de la cultura popular americana y mostrando arraigo a un cierto reflejo folk, 

Harvey aparece acertadamente encarnado, en algunas partes de la cinta por (Paul Giamatti). Este filme independiente es un drama contado en tono cómico que señala la singularidad y condiciones diferentes de Harvey desde su niñez, caminando por las calles de su barrio, súbitamente salta en el tiempo hasta adulto bajo la misma dinámica para dar sensación de rutina, de que todo sigue igual, al cabo de los años, para algunos. Aparece entre los créditos, ilustrados en forma de viñeta y se abre así un comienzo que nos hará partícipes de todos los secretos de su vida, personalidad y maneras poco ortodoxas de comunicarse, guiado por el tema del gran Joe Maneri: Paniots Nine de fondo. 

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Shari Springer y Robert Pulcini, una joven pareja cinematográfica especializada en el documental dirigen su primera película ficticia, detallando la cotidianidad de la clase media mediante la vida de Pekar. El filme consta de tres partes diferenciadas, que a veces, sutilmente se mezclan: una ficcionada que está protagonizada por Giamatti, la segunda con un Harvey dibujado mediante animación tradicional, y en la tercera, así como en el inicio veremos al verdadero, Harvey Pekar, en retazos de pequeñas entrevistas en el estudio de rodaje para finalizar con vídeos de archivo no muy antiguos de intervenciones en televisión. Durante el metraje podemos conocer a Pekar, personaje infeliz, obsesivo-compulsivo y pesimista hasta la médula, melómano, desde muy joven y apasionado de las historietas desde el inicio de los 60, hasta los 80, el salto a los cómics lo dió en el 75, de una manera muy genuina. 

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Sitúese a Pekar, todo lo entusiasmado que su rostro puede mostrar que está, en una feria de discos, con un doce pulgadas en la mano de Jay Mcshann, cuándo de repente en pleno "diggin" aparece Robert Crumb, afamado "historietista" interesado en el mismo disco, compartiendo las mismas inquietudes, por afinidad entablaran amistad llegando a cuadrar una especie de proyecto surgido de manera natural, en el que Crumb ilustrará la vida de Pekar, guionizada por el propio protagonista a modo de ejercicio purificador. De esta manera nacería American Splendor, su obra autobiográfica. En tono underground, sus historias escritas pasarían a ser dibujadas por diferentes autores, siendo Crumb el que iniciaría la obra como dibujante. Esta serie de cómic, documentará a sus vecinos, compañeros, nueva esposa y detalles sobre la verdadera esencia de Cleveland, como crítica social es sincera con un punto potente de humor negro, sarcasmo bastante ácido y deprimente, en conjunto, resulta contundente. 

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El estilo de Pekar es totalmente representativo del lema en jerga: “you can dig it,but not find it”, y en ese "rebuscar", surge la conexión con su tercera esposa, la escritora Joyce Brabner, interpretada por Molly Shannon, declarada fan de las historietas de American Splendor y tendera de cómics, con quién inicia una historia de amor que acabaría en la monotonía pero con pinceladas de autenticidad, saltándose los preliminares, el cortejo y yendo directos al tema fundamental, como Pekar haría al guinozar los cómics de su vida. Cuenta con ella como colaboradora e influencia en casi toda su obra concretamente en Our Cancer Year la obra que nuevamente le serviría de ejercicio personal catártico para superar el linfoma que se le diagnosticó, finalmente, surgiran numerosas intervenciones en algún programa "de entretenimiento", que lo ridiculizarán y no le harán justicia, evidentemente, los responsables de dicho programa son unos incompetentes que dan un empuje fuerte a Harvey, hasta la oportunidad del rodaje de la adaptación cinematográfica de su obra, American Splendor: our movie year.

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 La obra, es un retrato fiel de la clase media americana, posee el punto extremo a veces de la "estética sucia" y de haber caído en manos de otros directores no habría sido un magnífico ejercicio autoreflexivo como el que es carente del punto peyorativo de toque "White trash", debido al éxito de las obras del protagonista. El compendio de cultura y saber de Pekar, así como de la gente que suele acompañarlo, es bastante potente y valioso, entonces el resultado al contar directamente con el autor, de manera tan fiel, convierte la obra en una cinta deliciosa que merece la pena conocer, máxime si te apasionan la música y la lectura, pretendiendo destacar la vida y dificultades de un grande, sin recurrir a demasiadas excentricidades, siendo honesta la obra, a las realidades que lo acompañaron con buenas interpretaciones, curioso guión e interesante fotografía de la mano de Terry Stacey, aderezada con una bso también, de gran altura.


Frase para recordar: “Entonces este tipo, es nuestro hombre, ya crecidito y sin muchos logros, siempre un tipo bastante erudito que nunca tuvo una educación formal, gran parte de su vida vivió en barrios bajos, tuvo trabajos bajos y ahora está metido en un segundo matrimonio desastroso, así que si eres de aquellos que buscan romance o un escapismo,o algún personaje de fantasía para salvar el día,¿adivina qué?, estás mirando la película equivocada.”

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Directores: Robert Pulcini, Shari Springer Berman. 

Intérpretes: Paul Giamatti, Hope Davis, Harvey Pekar, Shari Springer Berman, Earl Billings, James Urbaniak, Judah Friedlander.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Car Tor

éxodo
En la postguerra, una inevitable corriente de piedad hacia los supervivientes del holocausto facilitará las cosas al movimiento sionista. Además, durante el conflicto hubo momentos de colaboración anti alemana, entre los grupos armados sionistas y los británicos, enturbiados por el hostigamiento de las fuerzas de ocupación. La solución judía no habría de llegar antes de crueles enfrentamientos con los británicos, la radicalización de la resistencia anticolonial y graves atentados como el del hotel Rey David en Jerusalén. Desde entonces la situación colonial evolucionó rápidamente hacia el descompromiso británico. Una mezcla de presiones públicas, estrategias militares, influencias sionistas y norteamericana, hizo posible, la retirada inglesa. El mutis británico hubo de ser suplido por la recién creada ONU que, en 1947, aprobaba una resolución proponiendo un reparto del territorio, con la creación de dos Estados y una unión económica. El plan fue aceptado por los judíos y rechazado por los árabes. Con la proclamación del Estado de Israel, concluía provisionalmente el penoso recorrido del judío errante. Así, se cerraba en falso una gran batalla política y se abría uno de los más delicados y penosos capítulos de la historia actual.

En 1947, 611 judíos que han sobrevivido al holocausto de la Segunda Guerra Mundial, y que han huido de Europa, se embarcan en el paquebote carguero Exodus, un barco que zarpa hacia Chipre para poder eludir el bloqueo británico y llegar a Haifa. Inglaterra les niega la entrada en Palestina. Realizan una huelga de hambre durante cien horas en protesta por el impedimento de los destructores ingleses, amenazando con inmolarse, en caso de invasión del ejército británico.

éxodo

El objetivo de estos refugiados es desembarcar en Palestina, en las costas de Galilea, y fundar el Estado de Israel, aunque sea recurriendo a terrorismo. El relato se centra, principalmente, en el ataque a la prisión de San Juan de Acre, que conduciría a la proclamación de la independencia por parte del Irgoun (organización terrorista) y la Hagannah (la resistencia judía de Palestina), dos organizaciones secretas.

Personajes de ficción, como Ari ben Canaan (Paul Newman) y la enfermera Kitty Fremont (Eva Marie Saint), quien presta su profesión al servicio de los refugiados, desarrollan una historia dramatizada y de amor, que describe el nacimiento de la nueva nación, en 1948, con fragmentos de discursos de Ben Gurion, hasta la consolidación del Estado judío, en 1949.Será a través del personaje de Kitty donde se verá reflejado los conflictos internos por los cuales los judíos están divididos. Barak (Lee J. Cobb), el padre de Ari ben y él mismo son defensores dela Hagannah, resistencia que trata de evitar cualquier acto de violencia, en la medida que sea posible; y los miembros de Irgun, representado en la cinta por un preso de Auschwitz (Sal Mineo).

éxodo

En plena coherencia con la importancia que los judíos jugaron en el desarrollo de Hollywood como la primera capital cinematográfica mundial, la United Artist correspondió con la adaptación de Éxodo, una monumental novela de León Uris. Inicialmente, este proyecto había estado encargado a Joseph Voguel, presidente de la MGM, pero conscientes de que la producción de su adaptación a la pantalla implicaría un boicot del mundo árabe a todos sus productos, cedieron los derechos a Otto Preminger como productor independiente.

Se trata de una de las más célebres obras de Leon Uris llevadas a la pantalla con precisión por Otto Preminger , autor de obras como "Laura (1944)", "Anatomía de un asesinato (1959)", "El hombre del brazo de oro (1955)", nada más y nada menos…Con guion del defenestrado Dalton Trumbo, la espléndida ambientación y creación de tipos hacen de Éxodo una obra de categoría, que con el tiempo ha devenido en un sólido film de reconstitución histórica, con la recreación del estado de Israel en 1947, realizada dentro de los cánones del cine-espectáculo made in Hollywood con una cuidada selección de actores y cientos de extras. Cuenta con los títulos de crédito de Saul Bass y una banda sonora mítica de la mano de Ernest Gold.

éxodo

Con todo, la puesta en escena de Preminger no gustaría ni a unos ni a otros. Por un lado, los árabes e ingleses no salen bien parados. Pero también protestaron en su día los miembros del Partido Laborista Israelí, desde Ben Gurion, a Moshe Dayan o Golda Meir., por el excesivo protagonismo que el relato da a las acciones terroristas del grupo Irgoun; mientras que Menahen Begin se quejó por la marginación que se hace en el film de los grupos de oposición.

El film cuenta con buenas escenas, tales como el encuentro en prisión, tras años de separación, de dos hermanos, el emotivo discurso final de Ari o el atentado al hotel Rey David y a la glamurosa pareja protagonista hay nombres como los de John Derek, Peter Lawford, Lee J. Cobb y Sal Mineo.

Puede que el film tenga un envoltorio eminentemente sentimental, adaptar la extensa obra de Uris, no es fácil, la película es larga, pero no hay que olvidar que Preminger, ya se sabe, era judío y aborda el movimiento de independencia en su conjunto, refleja las distintas facciones que intervinieron en la pugna, así como los intentos de los judíos de Palestina por conseguir la participación del país y la oposición de los árabes a que esto se produjera.

éxodo

Título original: Exodus.

Director: Otto Preminger.

Intérpretes: Paul Newman, Eva Marie Saint, Ralph Richardson, Peter Lawford, Lee J. Cobb, Sal Mineo, John Derek, Hugh Griffith, 

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

ÉXODO (1960). El drama épico de Otto Preminger.

éxodo
En la postguerra, una inevitable corriente de piedad hacia los supervivientes del holocausto facilitará las cosas al movimiento sionista. Además, durante el conflicto hubo momentos de colaboración anti alemana, entre los grupos armados sionistas y los británicos, enturbiados por el hostigamiento de las fuerzas de ocupación. La solución judía no habría de llegar antes de crueles enfrentamientos con los británicos, la radicalización de la resistencia anticolonial y graves atentados como el del hotel Rey David en Jerusalén. Desde entonces la situación colonial evolucionó rápidamente hacia el descompromiso británico. Una mezcla de presiones públicas, estrategias militares, influencias sionistas y norteamericana, hizo posible, la retirada inglesa. El mutis británico hubo de ser suplido por la recién creada ONU que, en 1947, aprobaba una resolución proponiendo un reparto del territorio, con la creación de dos Estados y una unión económica. El plan fue aceptado por los judíos y rechazado por los árabes. Con la proclamación del Estado de Israel, concluía provisionalmente el penoso recorrido del judío errante. Así, se cerraba en falso una gran batalla política y se abría uno de los más delicados y penosos capítulos de la historia actual.

En 1947, 611 judíos que han sobrevivido al holocausto de la Segunda Guerra Mundial, y que han huido de Europa, se embarcan en el paquebote carguero Exodus, un barco que zarpa hacia Chipre para poder eludir el bloqueo británico y llegar a Haifa. Inglaterra les niega la entrada en Palestina. Realizan una huelga de hambre durante cien horas en protesta por el impedimento de los destructores ingleses, amenazando con inmolarse, en caso de invasión del ejército británico.

éxodo

El objetivo de estos refugiados es desembarcar en Palestina, en las costas de Galilea, y fundar el Estado de Israel, aunque sea recurriendo a terrorismo. El relato se centra, principalmente, en el ataque a la prisión de San Juan de Acre, que conduciría a la proclamación de la independencia por parte del Irgoun (organización terrorista) y la Hagannah (la resistencia judía de Palestina), dos organizaciones secretas.

Personajes de ficción, como Ari ben Canaan (Paul Newman) y la enfermera Kitty Fremont (Eva Marie Saint), quien presta su profesión al servicio de los refugiados, desarrollan una historia dramatizada y de amor, que describe el nacimiento de la nueva nación, en 1948, con fragmentos de discursos de Ben Gurion, hasta la consolidación del Estado judío, en 1949.Será a través del personaje de Kitty donde se verá reflejado los conflictos internos por los cuales los judíos están divididos. Barak (Lee J. Cobb), el padre de Ari ben y él mismo son defensores dela Hagannah, resistencia que trata de evitar cualquier acto de violencia, en la medida que sea posible; y los miembros de Irgun, representado en la cinta por un preso de Auschwitz (Sal Mineo).

éxodo

En plena coherencia con la importancia que los judíos jugaron en el desarrollo de Hollywood como la primera capital cinematográfica mundial, la United Artist correspondió con la adaptación de Éxodo, una monumental novela de León Uris. Inicialmente, este proyecto había estado encargado a Joseph Voguel, presidente de la MGM, pero conscientes de que la producción de su adaptación a la pantalla implicaría un boicot del mundo árabe a todos sus productos, cedieron los derechos a Otto Preminger como productor independiente.

Se trata de una de las más célebres obras de Leon Uris llevadas a la pantalla con precisión por Otto Preminger , autor de obras como "Laura (1944)", "Anatomía de un asesinato (1959)", "El hombre del brazo de oro (1955)", nada más y nada menos…Con guion del defenestrado Dalton Trumbo, la espléndida ambientación y creación de tipos hacen de Éxodo una obra de categoría, que con el tiempo ha devenido en un sólido film de reconstitución histórica, con la recreación del estado de Israel en 1947, realizada dentro de los cánones del cine-espectáculo made in Hollywood con una cuidada selección de actores y cientos de extras. Cuenta con los títulos de crédito de Saul Bass y una banda sonora mítica de la mano de Ernest Gold.

éxodo

Con todo, la puesta en escena de Preminger no gustaría ni a unos ni a otros. Por un lado, los árabes e ingleses no salen bien parados. Pero también protestaron en su día los miembros del Partido Laborista Israelí, desde Ben Gurion, a Moshe Dayan o Golda Meir., por el excesivo protagonismo que el relato da a las acciones terroristas del grupo Irgoun; mientras que Menahen Begin se quejó por la marginación que se hace en el film de los grupos de oposición.

El film cuenta con buenas escenas, tales como el encuentro en prisión, tras años de separación, de dos hermanos, el emotivo discurso final de Ari o el atentado al hotel Rey David y a la glamurosa pareja protagonista hay nombres como los de John Derek, Peter Lawford, Lee J. Cobb y Sal Mineo.

Puede que el film tenga un envoltorio eminentemente sentimental, adaptar la extensa obra de Uris, no es fácil, la película es larga, pero no hay que olvidar que Preminger, ya se sabe, era judío y aborda el movimiento de independencia en su conjunto, refleja las distintas facciones que intervinieron en la pugna, así como los intentos de los judíos de Palestina por conseguir la participación del país y la oposición de los árabes a que esto se produjera.

éxodo

Título original: Exodus.

Director: Otto Preminger.

Intérpretes: Paul Newman, Eva Marie Saint, Ralph Richardson, Peter Lawford, Lee J. Cobb, Sal Mineo, John Derek, Hugh Griffith, 

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

el-renacido
Sobrevivir. El ser humano desde tiempos inmemoriables ha estado capacitado para superar y sobreponerse a todo tipo de adversidades, las naturales y las personales. Al parecer Hugh Glass, un trampero que existió realmente, y que anteriormente había sido pirata antes que cazador de pieles en pleno siglo XIX, es el centro de la historia que dirige Alejandro González Inárritu para "su renacido".

Leonardo Di Caprio tanto a nivel físico como mental ha debido de pasar por situaciones realmente adversas para ponerse en la piel de Glass, tanto es así que "El Renacido" ya se ha comparado con el complicadísimo rodaje de "Apocalypse Now", pero creo que ésta era la única manera de encarar su personaje, de manera cruda y descarnada para ajustarse a su papel, resultando lo más verosímil posible.

El entorno natural y salvaje de la América todavía sin colonizarse del todo, es el enmarco histórico en el que el personaje de Di Caprio debe actuar sino quiere ser víctima de los nativos indios indomables, que atacan y matan tramperos para robarles las cotizadas pieles como moneda de cambio para el sustento, pero no es el único desafío, hay más…evitar ser devorado por los hostiles animales con los que hay que lidiar, no cayendo bajo las afiladas fauces de lobos y osos que acechan.

el-renacido

Di Caprio-Glass, deberá afrontar el reto no sólo de animales e indios, también la lucha personal contra un rival (Tom Hardy), que amenazará al protagonista y a su hijo, a raíz de la envidia y competencia para su propia supervivencia.

Alejandro González Inárritu asombra con su cambio de registro, alejándose de sus anteriores trabajos tales como "21 gramos (2003)" y "Babel (2006)", apartándose además de su oscarizada "Birdman (2014)". En "El Renacido" no hay ningún puzzle narrativo, ni análisis de las complejidades psicológicas, aquí todo es visceral, dañino, doloroso, amenazante, teniendo a la naturaleza como principal escollo, que una vez superado aspira a convertirse en una venganza personal que mantiene a Hugh Glass vivo, con la única finalidad de buscar, encontrar y matar a su némesis, a modo de justicia de ley del Talión.

el-renacido

"El Renacido" asombra por su crudeza, por su impactante fuerza visual, pero no considero que sus virtudes, que no son pocas, sean dignas del mérito oscarizable para Leonardo Di Caprio. No estoy diciendo que Leo, no merezca el Oscar, acumulando 5 nominaciones, pero no por la película de la que hablo en estas líneas. A mi entender si Di Caprio ganara por "The Revenant", le habría ocurrido lo mismo que a Al Pacino, ganando la estatuilla por "Esencia de Mujer (1992)", cuando sin embargo, debería habérsele concedido por trabajos anteriores.

"El Renacido" es una historia de supervivencia apabullante, con una peligrosidad palpable, que sin embargo no me resulta novedosa, teniendo en cuenta obras de cineastas como Werner Herzog, Terrence Malick e influencias visuales de Tartovsky, con comparaciones con la obra de Sidney Pollack "Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972)". El director de "Amores perros (2000)" da un elogioso paso en su cine, que lo convierte con "El Renacido" en una figura a seguir en el s.XXI.

"The Revenant" gracias a su poderío lacerante es una cinta que no deja indiferente, pero que a causa de su larga duración y escaso diálogo, quizá no sería merecedora del tan anunciado galardón para el protagonista de "El Aviador (2004)", aunque a modo de homenaje sería un más que merecido premio para un Di Caprio al que ya le toca, aunque no le haga falta. Leo es un "renacido" y un superviviente que por méritos propios es un actor de Oscar, incluso sin haber sido Hugh Glass.

el-renacido

Título original: The Revenant.

Director: Alejandro González Iñárritu.

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Paul Anderson, Kristoffer Joner,

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

EL RENACIDO (2015). Lucha por la supervivencia.

el-renacido
Sobrevivir. El ser humano desde tiempos inmemoriables ha estado capacitado para superar y sobreponerse a todo tipo de adversidades, las naturales y las personales. Al parecer Hugh Glass, un trampero que existió realmente, y que anteriormente había sido pirata antes que cazador de pieles en pleno siglo XIX, es el centro de la historia que dirige Alejandro González Inárritu para "su renacido".

Leonardo Di Caprio tanto a nivel físico como mental ha debido de pasar por situaciones realmente adversas para ponerse en la piel de Glass, tanto es así que "El Renacido" ya se ha comparado con el complicadísimo rodaje de "Apocalypse Now", pero creo que ésta era la única manera de encarar su personaje, de manera cruda y descarnada para ajustarse a su papel, resultando lo más verosímil posible.

El entorno natural y salvaje de la América todavía sin colonizarse del todo, es el enmarco histórico en el que el personaje de Di Caprio debe actuar sino quiere ser víctima de los nativos indios indomables, que atacan y matan tramperos para robarles las cotizadas pieles como moneda de cambio para el sustento, pero no es el único desafío, hay más…evitar ser devorado por los hostiles animales con los que hay que lidiar, no cayendo bajo las afiladas fauces de lobos y osos que acechan.

el-renacido

Di Caprio-Glass, deberá afrontar el reto no sólo de animales e indios, también la lucha personal contra un rival (Tom Hardy), que amenazará al protagonista y a su hijo, a raíz de la envidia y competencia para su propia supervivencia.

Alejandro González Inárritu asombra con su cambio de registro, alejándose de sus anteriores trabajos tales como "21 gramos (2003)" y "Babel (2006)", apartándose además de su oscarizada "Birdman (2014)". En "El Renacido" no hay ningún puzzle narrativo, ni análisis de las complejidades psicológicas, aquí todo es visceral, dañino, doloroso, amenazante, teniendo a la naturaleza como principal escollo, que una vez superado aspira a convertirse en una venganza personal que mantiene a Hugh Glass vivo, con la única finalidad de buscar, encontrar y matar a su némesis, a modo de justicia de ley del Talión.

el-renacido

"El Renacido" asombra por su crudeza, por su impactante fuerza visual, pero no considero que sus virtudes, que no son pocas, sean dignas del mérito oscarizable para Leonardo Di Caprio. No estoy diciendo que Leo, no merezca el Oscar, acumulando 5 nominaciones, pero no por la película de la que hablo en estas líneas. A mi entender si Di Caprio ganara por "The Revenant", le habría ocurrido lo mismo que a Al Pacino, ganando la estatuilla por "Esencia de Mujer (1992)", cuando sin embargo, debería habérsele concedido por trabajos anteriores.

"El Renacido" es una historia de supervivencia apabullante, con una peligrosidad palpable, que sin embargo no me resulta novedosa, teniendo en cuenta obras de cineastas como Werner Herzog, Terrence Malick e influencias visuales de Tartovsky, con comparaciones con la obra de Sidney Pollack "Las aventuras de Jeremiah Johnson (1972)". El director de "Amores perros (2000)" da un elogioso paso en su cine, que lo convierte con "El Renacido" en una figura a seguir en el s.XXI.

"The Revenant" gracias a su poderío lacerante es una cinta que no deja indiferente, pero que a causa de su larga duración y escaso diálogo, quizá no sería merecedora del tan anunciado galardón para el protagonista de "El Aviador (2004)", aunque a modo de homenaje sería un más que merecido premio para un Di Caprio al que ya le toca, aunque no le haga falta. Leo es un "renacido" y un superviviente que por méritos propios es un actor de Oscar, incluso sin haber sido Hugh Glass.

el-renacido

Título original: The Revenant.

Director: Alejandro González Iñárritu.

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Paul Anderson, Kristoffer Joner,

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

NOS MENCIONAN EN ANTENA 3

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.015

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.014

FINALISTAS EN LOS PREMIOS BITÁCORAS 2.012

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