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El mundo del cine es cuando menos curioso. Durante décadas Tony Scott (1944-2012), hermano menor de Ridley Scott, estuvo planeando como llevar al cine una novela que tenía como punto de partido el secuestro en Roma de un adolescente. El film no terminaba de ser levantado y fue desde finales de los ochenta hasta el año 2004 que no logró concretarse, cuando lo hizo, ya no estaba ambientada en Roma, sino en México, el adolescente se había convertido en una niña, y el protagonista había pasado de ser Robert De Niro a Denzel Washington. La película en cuestión era El fuego de la venganza (Man On Fire, 2004). Para cerrar el círculo, A.J. Quinnell, autor de la novela que dio pie a Bala blindada (Élie Chouraqui, 1987) y luego a El fuego de la venganza, dijo haberse inspirado en el secuestro que sufrió uno de los nietos del magnate del petróleo J.P. Getty, y como Getty pensó en solucionar aquel secuestro primando sus propios intereses económicos.

Entre mayo y agosto de 2017 comenzó el rodaje de All the Money in the World con guión de David Scarpa desde la novela de John Pearson y bajo las órdenes de Ridley Scott. El papel principal del octogenario Getty fue a parar a manos de Kevin Spacey, luego de ser considerado Christopher Plummer. Spacey sólo tenía 58 años, por los 88 de Plummer –en el momento de la gestación y rodaje del film- pero aún así, Scott eligió al primero, que se sometió a una tremenda transformación física para el rol. Una vez rodada, Todo el dinero del mundo estableció su estreno en USA para el último fin de semana de 2017 (29-12). Su objetivo, ser una fuerte competidora en los Oscar´s de 2018. La campaña de lanzamiento de la cinta se basaba principalmente en el nombre –y respeto que genera- Ridley Scott, en los hechos reales que narraba, la tremenda ambientación en los años sesenta y setenta, y en Kevin Spacey como candidato a ser nominado por tercera vez a los Oscar´s –ganador de dos estatuillas en 1996 y 2000 por Sospechosos habituales (Brian Singer, 1995) y American Beauty (Sam Mendes, 1999)-. Hasta que a finales de octubre de 2017 saltaba una noticia que conmocionó a Hollywood en medio del movimiento #MeToo y el huracán Harvey Weinstein. Kevin Spacey era acusado por un actor de haber intentado violarle cuando éste era menor de edad (14 años por los 26 de Spacey) mientras Spacey se encontraba en estado de embriaguez. La premiere de la cinta fue cancelada de inmediato. Sony y Ridley Scott –en su crédito de productor- se reunieron de urgencia. Mientras Spacey hizo pública una carta de disculpa por los hechos que afirmaba no recordar, al mismo tiempo fue empujado de forma grotesca a confesar su homosexualidad. No hubo ningún juicio que no fuera el público, no se aportaron pruebas más allá de la declaración de Anthony Rapp y la carta de disculpa de Spacey. A partir de aquello, una marea inaudita sacudió Hollywood. Netflix canceló la serie House of Cards (2013-2018) que Spacey protagonizaba y que había ganado dos globos de oro y cuatro premios Emmy. 

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No solo eso, Netflix emitió un comunicado anunciando que Spacey no volvería a a participar en producción alguna de la compañía. La CNN sin dar nombres ni hechos claros, publicó que hasta ocho trabajadores de la serie denunciaban abusos y comportamientos inadecuados de Spacey contra ellos. No se aportó prueba alguna más allá de las declaraciones a cara tapada. Al mismo tiempo Sony evaluaba su campaña de marketing y el que hacer con una producción de 50 millones de dólares protagonizada por una actor señalado como pedófilo, homosexual y acosador. No tardaron nada más que días en emitir un comunicado, tanto la productora/distribuidora como el director se negaban a comprometer la calidad de su película por el escándalo relacionado con unos de sus colaboradores. Su decisión era inamovible: Kevin Spacey sería borrado de la película, sus escenas volverían a rodarse, con un coste extra de 10 millones de $ -un total de 22 escenas del film- y su papel sería retomado por Christopher Plummer. La fecha de estreno no se movería. Sony quería evitar un boicot por parte del publico, pero eso no era políticamente correcto decirlo, y en su lugar alegaron que no querían que la calidad del film fuera juzgada por ellos ajenos a la producción por parte de uno de sus integrantes.

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Todo el dinero del mundo, en la versión con Christopher Plummer, comenzó su andadura comercial entrando al número 7 en la semana de su estreno. En EEUU nadie acudió en masa al cine para ver el film, Sony prefirió eliminar el morbo de ver en pantalla a Spacey, a favor de la “integridad artística” del film. Su balance monetario fue de 25 millones de $ en USA, para un total de 56 a nivel mundial. El film fracasó y la versión con Kevin Spacey nunca vio la luz. Fue nominada al Oscar por el papel de Getty para Plummer y a tres globos de oro (mejor actor secundario, mejor actriz y mejor director). No ganó ninguno de los cuatro. Directamente no ganó ningún premio. Pocas intrahistorias han sido más seguidas y con tanto interés como la que envolvió a Todo el dinero del mundo, un film que ya había sido juzgado antes de ver la luz, y qué ni siquiera pudo ser salvado por el rodaje de escenas extras. Ridley Scott entrega un film correcto en muchos aspectos, notable en otros y rutinario en su devenir. Es correcto en su ritmo, en la trama que plantea y en los temas a tratar. Es notable en su ambientación y recreación de los años setenta y de la opulencia y poder que despierta el personaje de J.P. Getty y también en las interpretaciones sentidas de Michelle Williams (Gail) -sobre todo en sus escenas en solitario o al teléfono- y magnéticas de Christopher Plummer. Pero es rutinario en el resto, en su balance final. Mark Wahlberg parece pasar por allí y creer que solo con sus trajes ya tiene el papel ganado, solo lo vemos mostrar algo de sentimiento y fuerza en un encuentro con Getty ya muy avanzado el film. Además sus escenas nuevas dan mucho el cante, ya que se ve su pérdida de peso, sobre todo a nivel de rostro con respecto al resto de escenas del film que fueron rodadas antes. 

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Es rutinario también en lo que tiene que ver con el supuesto infierno que vive Paul Getty, salvo el determinado y escalofriante momento que tiene que ver con un médico y una incisión auricular. Y es rutinaria en que no termina de levantar su ritmo a pesar de prometerlo durante largo tiempo, no hay nada nuevo en Todo el dinero del mundo qué ya no fuera narrado mejor en cintas como Rescate (Ron Howard, 1996), Prueba de vida (Taylor Hackford, 2000) o la ya citada El fuego de la venganza, no en términos de acción, sino en las relaciones entre secuestradores y secuestrado, en el infierno que estos viven en su cautiverio, y en las formas en las que se encara un rapto y se hace frente a un chantaje desde la familia afectada y desde los propios raptores y como ambos conviven con la presión. Al final, Todo el dinero del mundo, presenta interesantes apuntes, la gran mayoría los que se ciernen sobre la figura de J.P. Getty, su concepto de propiedad, de fortuna, de dinero, de poder. Es este personaje el más interesante, y la forma en que Plummer encara su papel lo hace aún más fascinante, pero claro, a su personaje poco a poco se le van cayendo las capas, y termina totalmente desnudo y retratado en su miseria interior al final. Eso sí, al mismo tiempo, Scott, añade un último plano que resume la película, su pozo, y su verdadero significado: la sombra de un nombre y de un hombre –un apellido, un imperio, un legado-, con ese busto entre generales que cierra la cinta. Antes de esto, 132 minutos de altos y bajos, en una película que en su balance se queda como un proyecto que no terminó de encontrar su punch. Para la historia siempre será la película maldita de Kevin Spacey. Ni Todo el dinero del mundo pudo lograr que no fuera borrado del montaje y de Hollywood.

todo-el-dinero-del-mundo

Título original: All the Money in the World.

Director: Ridley Scott.

Intérpretes: Christopher Plummer, Michelle Williams, Mark Wahlberg, Charlie Plummer, Romain Durois, Timothy Hutton, Andrew Buchan, Marco Leonardi, Stacy Martin.

Trailer:





B.S.O.:



Reseña escrita por Jonathan Glez

TODO EL DINERO DEL MUNDO (2017) (Secuestrado) de vacaciones en Roma.

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El mundo del cine es cuando menos curioso. Durante décadas Tony Scott (1944-2012), hermano menor de Ridley Scott, estuvo planeando como llevar al cine una novela que tenía como punto de partido el secuestro en Roma de un adolescente. El film no terminaba de ser levantado y fue desde finales de los ochenta hasta el año 2004 que no logró concretarse, cuando lo hizo, ya no estaba ambientada en Roma, sino en México, el adolescente se había convertido en una niña, y el protagonista había pasado de ser Robert De Niro a Denzel Washington. La película en cuestión era El fuego de la venganza (Man On Fire, 2004). Para cerrar el círculo, A.J. Quinnell, autor de la novela que dio pie a Bala blindada (Élie Chouraqui, 1987) y luego a El fuego de la venganza, dijo haberse inspirado en el secuestro que sufrió uno de los nietos del magnate del petróleo J.P. Getty, y como Getty pensó en solucionar aquel secuestro primando sus propios intereses económicos.

Entre mayo y agosto de 2017 comenzó el rodaje de All the Money in the World con guión de David Scarpa desde la novela de John Pearson y bajo las órdenes de Ridley Scott. El papel principal del octogenario Getty fue a parar a manos de Kevin Spacey, luego de ser considerado Christopher Plummer. Spacey sólo tenía 58 años, por los 88 de Plummer –en el momento de la gestación y rodaje del film- pero aún así, Scott eligió al primero, que se sometió a una tremenda transformación física para el rol. Una vez rodada, Todo el dinero del mundo estableció su estreno en USA para el último fin de semana de 2017 (29-12). Su objetivo, ser una fuerte competidora en los Oscar´s de 2018. La campaña de lanzamiento de la cinta se basaba principalmente en el nombre –y respeto que genera- Ridley Scott, en los hechos reales que narraba, la tremenda ambientación en los años sesenta y setenta, y en Kevin Spacey como candidato a ser nominado por tercera vez a los Oscar´s –ganador de dos estatuillas en 1996 y 2000 por Sospechosos habituales (Brian Singer, 1995) y American Beauty (Sam Mendes, 1999)-. Hasta que a finales de octubre de 2017 saltaba una noticia que conmocionó a Hollywood en medio del movimiento #MeToo y el huracán Harvey Weinstein. Kevin Spacey era acusado por un actor de haber intentado violarle cuando éste era menor de edad (14 años por los 26 de Spacey) mientras Spacey se encontraba en estado de embriaguez. La premiere de la cinta fue cancelada de inmediato. Sony y Ridley Scott –en su crédito de productor- se reunieron de urgencia. Mientras Spacey hizo pública una carta de disculpa por los hechos que afirmaba no recordar, al mismo tiempo fue empujado de forma grotesca a confesar su homosexualidad. No hubo ningún juicio que no fuera el público, no se aportaron pruebas más allá de la declaración de Anthony Rapp y la carta de disculpa de Spacey. A partir de aquello, una marea inaudita sacudió Hollywood. Netflix canceló la serie House of Cards (2013-2018) que Spacey protagonizaba y que había ganado dos globos de oro y cuatro premios Emmy. 

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No solo eso, Netflix emitió un comunicado anunciando que Spacey no volvería a a participar en producción alguna de la compañía. La CNN sin dar nombres ni hechos claros, publicó que hasta ocho trabajadores de la serie denunciaban abusos y comportamientos inadecuados de Spacey contra ellos. No se aportó prueba alguna más allá de las declaraciones a cara tapada. Al mismo tiempo Sony evaluaba su campaña de marketing y el que hacer con una producción de 50 millones de dólares protagonizada por una actor señalado como pedófilo, homosexual y acosador. No tardaron nada más que días en emitir un comunicado, tanto la productora/distribuidora como el director se negaban a comprometer la calidad de su película por el escándalo relacionado con unos de sus colaboradores. Su decisión era inamovible: Kevin Spacey sería borrado de la película, sus escenas volverían a rodarse, con un coste extra de 10 millones de $ -un total de 22 escenas del film- y su papel sería retomado por Christopher Plummer. La fecha de estreno no se movería. Sony quería evitar un boicot por parte del publico, pero eso no era políticamente correcto decirlo, y en su lugar alegaron que no querían que la calidad del film fuera juzgada por ellos ajenos a la producción por parte de uno de sus integrantes.

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Todo el dinero del mundo, en la versión con Christopher Plummer, comenzó su andadura comercial entrando al número 7 en la semana de su estreno. En EEUU nadie acudió en masa al cine para ver el film, Sony prefirió eliminar el morbo de ver en pantalla a Spacey, a favor de la “integridad artística” del film. Su balance monetario fue de 25 millones de $ en USA, para un total de 56 a nivel mundial. El film fracasó y la versión con Kevin Spacey nunca vio la luz. Fue nominada al Oscar por el papel de Getty para Plummer y a tres globos de oro (mejor actor secundario, mejor actriz y mejor director). No ganó ninguno de los cuatro. Directamente no ganó ningún premio. Pocas intrahistorias han sido más seguidas y con tanto interés como la que envolvió a Todo el dinero del mundo, un film que ya había sido juzgado antes de ver la luz, y qué ni siquiera pudo ser salvado por el rodaje de escenas extras. Ridley Scott entrega un film correcto en muchos aspectos, notable en otros y rutinario en su devenir. Es correcto en su ritmo, en la trama que plantea y en los temas a tratar. Es notable en su ambientación y recreación de los años setenta y de la opulencia y poder que despierta el personaje de J.P. Getty y también en las interpretaciones sentidas de Michelle Williams (Gail) -sobre todo en sus escenas en solitario o al teléfono- y magnéticas de Christopher Plummer. Pero es rutinario en el resto, en su balance final. Mark Wahlberg parece pasar por allí y creer que solo con sus trajes ya tiene el papel ganado, solo lo vemos mostrar algo de sentimiento y fuerza en un encuentro con Getty ya muy avanzado el film. Además sus escenas nuevas dan mucho el cante, ya que se ve su pérdida de peso, sobre todo a nivel de rostro con respecto al resto de escenas del film que fueron rodadas antes. 

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Es rutinario también en lo que tiene que ver con el supuesto infierno que vive Paul Getty, salvo el determinado y escalofriante momento que tiene que ver con un médico y una incisión auricular. Y es rutinaria en que no termina de levantar su ritmo a pesar de prometerlo durante largo tiempo, no hay nada nuevo en Todo el dinero del mundo qué ya no fuera narrado mejor en cintas como Rescate (Ron Howard, 1996), Prueba de vida (Taylor Hackford, 2000) o la ya citada El fuego de la venganza, no en términos de acción, sino en las relaciones entre secuestradores y secuestrado, en el infierno que estos viven en su cautiverio, y en las formas en las que se encara un rapto y se hace frente a un chantaje desde la familia afectada y desde los propios raptores y como ambos conviven con la presión. Al final, Todo el dinero del mundo, presenta interesantes apuntes, la gran mayoría los que se ciernen sobre la figura de J.P. Getty, su concepto de propiedad, de fortuna, de dinero, de poder. Es este personaje el más interesante, y la forma en que Plummer encara su papel lo hace aún más fascinante, pero claro, a su personaje poco a poco se le van cayendo las capas, y termina totalmente desnudo y retratado en su miseria interior al final. Eso sí, al mismo tiempo, Scott, añade un último plano que resume la película, su pozo, y su verdadero significado: la sombra de un nombre y de un hombre –un apellido, un imperio, un legado-, con ese busto entre generales que cierra la cinta. Antes de esto, 132 minutos de altos y bajos, en una película que en su balance se queda como un proyecto que no terminó de encontrar su punch. Para la historia siempre será la película maldita de Kevin Spacey. Ni Todo el dinero del mundo pudo lograr que no fuera borrado del montaje y de Hollywood.

todo-el-dinero-del-mundo

Título original: All the Money in the World.

Director: Ridley Scott.

Intérpretes: Christopher Plummer, Michelle Williams, Mark Wahlberg, Charlie Plummer, Romain Durois, Timothy Hutton, Andrew Buchan, Marco Leonardi, Stacy Martin.

Trailer:





B.S.O.:



Reseña escrita por Jonathan Glez

la-costa-de-los-mosquitos
Allie Fox es un inquieto inventor que un día decide cambiar el rumbo de la vida de su familia. Vende su casa, compra un terreno virgen en Centroamérica y se desplaza con su mujer y sus hijos para empezar de cero en un entorno natural. Que podría salir mal?

A priori, la siempre loable intención de introducir un cambio que se pretende mejor nos parece razonable, máxime cuando la verborrea del protagonista (Harrison Ford en su posiblemente mejor trabajo) es capaz de fulminar de un plumazo las dudas sobre la viabilidad del proyecto que va a cambiar para siempre la vida de una familia. Allie Fox destila seguridad, solvencia y tenacidad suficiente para que su esposa e hijos, aún con expresión sorprendida pero alegre, hagan las maletas y le acompañen en una aventura que no por incierta parece menos atractiva. Su liderazgo como "Padre de Familia" no se cuestiona y desde luego, no es el temor lo que mueve a esta familia a dejarlo todo. Padre sabe lo que hace. Padre tiene una misión. Padre no deja que todo quede en palabras farfulladas tras unos canutos oyendo música New Age.

Pero cuando desembarcamos como polizones invisibles que acompañan a Allie y su familia en la jungla, nos vamos percatando poco a poco, no solo de las dificultades medio ambientales que encierra este nuevo entorno y sus habitantes sino también de que este es un viaje de solo ida para Allie, dispuesto-que digo-obsesionado con que la Aventura, su Aventura,funcione. Y mientras sus escrupulosos planes se van desmoronando por obra de prójimos malvados o desastres naturales, crece su obsesión en no ser derrotado en sus creencias y la familia empieza a ver un nuevo rostro en él. Este rostro no es agradable y llegará un momento en el que se convertirá en el rostro del Enemigo.


la-costa-de-los-mosquitos

Con un magnífico guión de Paul Schrader basado en la novela de Paul Theroux, Weir factura una áspera película en la que a partir de la narración de uno de los hijos (River Phoenix) asistimos al derrumbe de la figura paterna y sus sueños. Secundado por la brillante interpretación de Ford, el citado derrumbe solo se produce a los ojos de la Esposa (Hellen Mirren) y los hijos ya que el Padre, abatido pero no vencido, se empeña una y otra vez en tours de force cada vez mas desesperados e inconexos. Todo ello nos da, por acumulación, una película desilusionada, bella y sombría en la que se plantea abiertamente la delgada línea que separa la obsesión con la demencia.

Este plato amargo que cuestiona tanto la figura de liderazgo del Padre como la inmersión descontrolada en entornos extremos no sentó bien en su momento a los paladares de la crítica y el público en general. Ha hecho falta el paso de unos cuantos años para que The mosquito coas haya sido progresivamente revalorizada.

"Es la única película que he hecho en la que se ha perdido dinero. Sigo contento de haberla hecho. Puestos a sacar un defecto a la película , quizás no conseguimos atrapar el lenguaje de la novela. Podría haber sido mas literaria en vez de cinematográfica. Pero creo que está llena de poderosas emociones." Harrison Ford en 1992.


la-costa-de-los-mosquitos

Título original: 
The Mosquito Coast.

Intérpretes: Peter Weir

Trailer: Harrison Ford, River Phoenix, Helen Mirren, Andre Gregory, Martha Plimpton,Jadrien Steele, Hilary Gordon, Rebecca Gordon, Jason Alexander, Dick O'NeillAlice Sneed.



Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por George Suckelectronic

LA COSTA DE LOS MOSQUITOS (1986). Alejados de la civilización.

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Allie Fox es un inquieto inventor que un día decide cambiar el rumbo de la vida de su familia. Vende su casa, compra un terreno virgen en Centroamérica y se desplaza con su mujer y sus hijos para empezar de cero en un entorno natural. Que podría salir mal?

A priori, la siempre loable intención de introducir un cambio que se pretende mejor nos parece razonable, máxime cuando la verborrea del protagonista (Harrison Ford en su posiblemente mejor trabajo) es capaz de fulminar de un plumazo las dudas sobre la viabilidad del proyecto que va a cambiar para siempre la vida de una familia. Allie Fox destila seguridad, solvencia y tenacidad suficiente para que su esposa e hijos, aún con expresión sorprendida pero alegre, hagan las maletas y le acompañen en una aventura que no por incierta parece menos atractiva. Su liderazgo como "Padre de Familia" no se cuestiona y desde luego, no es el temor lo que mueve a esta familia a dejarlo todo. Padre sabe lo que hace. Padre tiene una misión. Padre no deja que todo quede en palabras farfulladas tras unos canutos oyendo música New Age.

Pero cuando desembarcamos como polizones invisibles que acompañan a Allie y su familia en la jungla, nos vamos percatando poco a poco, no solo de las dificultades medio ambientales que encierra este nuevo entorno y sus habitantes sino también de que este es un viaje de solo ida para Allie, dispuesto-que digo-obsesionado con que la Aventura, su Aventura,funcione. Y mientras sus escrupulosos planes se van desmoronando por obra de prójimos malvados o desastres naturales, crece su obsesión en no ser derrotado en sus creencias y la familia empieza a ver un nuevo rostro en él. Este rostro no es agradable y llegará un momento en el que se convertirá en el rostro del Enemigo.


la-costa-de-los-mosquitos

Con un magnífico guión de Paul Schrader basado en la novela de Paul Theroux, Weir factura una áspera película en la que a partir de la narración de uno de los hijos (River Phoenix) asistimos al derrumbe de la figura paterna y sus sueños. Secundado por la brillante interpretación de Ford, el citado derrumbe solo se produce a los ojos de la Esposa (Hellen Mirren) y los hijos ya que el Padre, abatido pero no vencido, se empeña una y otra vez en tours de force cada vez mas desesperados e inconexos. Todo ello nos da, por acumulación, una película desilusionada, bella y sombría en la que se plantea abiertamente la delgada línea que separa la obsesión con la demencia.

Este plato amargo que cuestiona tanto la figura de liderazgo del Padre como la inmersión descontrolada en entornos extremos no sentó bien en su momento a los paladares de la crítica y el público en general. Ha hecho falta el paso de unos cuantos años para que The mosquito coas haya sido progresivamente revalorizada.

"Es la única película que he hecho en la que se ha perdido dinero. Sigo contento de haberla hecho. Puestos a sacar un defecto a la película , quizás no conseguimos atrapar el lenguaje de la novela. Podría haber sido mas literaria en vez de cinematográfica. Pero creo que está llena de poderosas emociones." Harrison Ford en 1992.


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Título original: 
The Mosquito Coast.

Intérpretes: Peter Weir

Trailer: Harrison Ford, River Phoenix, Helen Mirren, Andre Gregory, Martha Plimpton,Jadrien Steele, Hilary Gordon, Rebecca Gordon, Jason Alexander, Dick O'NeillAlice Sneed.



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Reseña escrita por George Suckelectronic

los-girasoles
La película es una historia de amor ambientada en tiempos de guerra y representa la tercera de las películas dirigida por Vitorio De Sica que cuenta con la pareja protagonista formada por Sofía Loren y Marcello MastroianniUna coproducción Italia-Francia- Unión Soviética que tiene la particularidad  de ser probablemente la primera cinta occidental que se rodaba en tierras rusas. Todo el film está rodado en auténticos exteriores, tanto de Italia como de Rusia, gracias la fotografía de Giuseppe Rotunno que colaboró estrechamente para los planos rusos con su colega el director de fotografía David VinitskijFue una de las grandes producciones de Carlo Ponti donde Sophia adquiere el principal papel como vector transmisor de las intensas emociones del film, acompañada de la magnética presencia del gran Marcello.

De Sica abandona el neorrealismo para presentarnos una película emotiva, sentimental y nostálgica que profundiza en los sentimientos humanos bajo el amparo de un guion muy cuidado, elaborado por Tonino Guerra, Giorgi Mdivani y Cesare ZavattiniAdemás, el director se decanta por un technicolor que realza la belleza de los paisajes y que enfatiza uno de los tramos de la batalla en el frente. Se trata de la historia de amor de un soldado italiano de Milán, Antonio (Mastroianni), que se enamora de Giovanna (Sophia Loren), una recia mujer napolitana. La guerra, será el tercer protagonista de esta historia, elemento clave que interferirá como obstáculo entre dos jóvenes enamorados.

los-girasoles

Vittorio de Sicca ambienta este relato amoroso en plena Guerra Mundial para mostrarnos los horrores del conflicto desde una perspectiva diferente a las películas bélicas. La acción no se centra en el campo de batalla, sino en el terreno de la retaguardia, donde tantas familias quedaron destrozadas por la pérdida de sus seres queridos. El director enfatiza la presencia italiana en la batalla del frente ruso, tan pocas veces representada en pantalla, ya que la mayoría de los relatos solo reflejan la confrontación ruso-alemana.

La película comienza con la visión de un campo de girasoles, cuyo significado metafórico se descubrirá a través del relato. Inmediatamente después, aparece en escena la gran Sophia Loren vestida de negro, triste pero con una presencia intensa y luchadora que reclama el paradero de su marido desaparecido en combate. Giovanna, es una mujer de fuerte temperamento que no duda en exigir a todos los estamentos que le pongan fin a su eterna espera y que descubran por fin si su marido ha muerto en el frente o por el contrario, sigue con vida. Vestida de negro, acompañada de su suegra, llora impotente la ausencia de su marido, y sentada en la casa que compartieron comienza el primer flash back de una narración que su director sabiamente fragmenta en diferentes épocas temporales a modo de capítulos, como si de una novela se tratara.

Este primer recuerdo de Giovanna se centra en la época en la que se conocieron Antonio y ella, viviendo un intenso y breve romance. Por aquel entonces La II Guerra Mundial estaba en pleno desarrollo y la pareja decide casarse para que Antonio, ya reclutado como soldado y pendiente de marchar a África, pueda disfrutar de un permiso por matrimonio. Al final de su luna de miel, están tan enamorados que intentan urdir un engaño para evitar el frente. Pero su torpeza de enamorados hará que los descubran, obligando entonces a que Antonio marche como voluntario al frente ruso. Durante la Segunda Guerra Mundial, habiéndose aliado Italia con Alemania, realizan conjuntamente un ataque a Rusia, que como por todos es sabido, supuso una gran derrota para el Eje Nazi que finalizó con una gran masacre en un territorio infernal, vapuleados por los rusos conocedores de su clima y su territorio. Con una emotiva escena de despedida en la estación finaliza este primer capítulo del film.

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De vuelta al presente, Giovanna continúa esperando porque tiene la intuición de que su marido sigue vivo. El día que se anuncia el final de la guerra, Giovanna acude como tantas otras familias con la foto de Antonio en la mano a la misma estación de tren donde se despidieron. Ahora, ya sí son visibles los efectos de la guerra, miles de familiares, al igual que nuestra protagonista, muestran fotos de soldados que partieron para el frente ruso, desesperados buscando entre hombres harapientos a los suyos. Los combatientes regresan del frente ruso, pero sigue sin encontrar a Antonio. Uno de los soldados que vuelve parece reconocer la foto de su marido y se abre otro flash back para contar la experiencia que vivió con Antonio como camarada en el frente ruso.

En este tramo, se suman la narración contada en primera persona por un soldado que vivió un verdadero infierno blanco, congelados por el frío y la nieve; y, derrotados por los rusos, con imágenes insertadas a modo de recreación de la batalla en mitad del gran manto siberiano. Heridos, hambrientos y casi muertos de congelación las tropas italianas y alemanas intentan la retirada. Bastan un par de escenas en el frente para comprender el gran sufrimiento de estos hombres. El soldado cuenta que intentó ayudar a Antonio, herido en una pierna, sin apenas poder andar ni tener un lugar donde refugiarse tuvo que abandonarlo en la nieve, donde ve cómo los cadáveres de los soldados salpican la blanca llanura. Allí, Antonio fue abandonado a una muerte segura. Sin embargo, Giovanna se niega a aceptar la muerte de su marido y decide volver a Rusia en su busca.

Dura epopeya la de una mujer valiente y fiel a su amor que al final del viaje hará un descubrimiento que romperá todos sus cimientos. De nuevo, una estación de tren sirve de marco a una escena demoledora, donde Giovanna descubre la otra vida de su enamorado. La Loren, que se luce en el papel de la recia y determinada italiana capaz de cruzar miles de kilómetros para buscar a su esposo, encontrará una sorpresa que pondrá fin a su felicidad. Mastroianni también ofrece una actuación destacable, aunque en un papel mucho más introspectivo, e igualmente intenso en emociones.

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De Sica traslada el relato desde Nápoles, momentos en que todo era felicidad para una joven pareja, como bello escenario introductorio de una historia que nos conduce hasta una Rusia representada tanto en el campo de batalla como en la postguerra, tras la muerte de Stalin. El último tramo de la historia, donde se vuelve al entorno italiano, pasados los años y cambiados los protagonistas, nos dejan un intenso final para el recuerdo:

-Antonio: No puedo explicarlo, pensé que podía contártelo, pero no sé cómo. La guerra cambia a las personas, cambia los sentimientos…no puedo explicar lo que viví allí.

La cámara por lo general se mantiene parsimoniosa, sin excesivos adornos ni movimientos. Destacan los grandes planos y los planos medios salpicados de ocasionales primeros planos que se fusionan con los más vividos momentos de sufrimientos en los personajes.

Los elementos clave para ganarse el corazón del espectador en este filme, son por un lado la excelente música de Mancini (una preciosa banda sonora de piano que marca el ritmo y la evolución emocional de sus protagonistas con serie de notas tristes y evocadoras) y la firme interpretación de dos de los grandes del cine italiano de todos los tiempos, una visceral Sophia Loren en su papel de mujer napolitana de carácter indómito, muy alejada de los papeles de sex symbol y Mastroianni, siempre tan camaleónico en sus emociones, en un ejercicio de interpretación de hombre humilde , cariñoso y jovial, que sufre la experiencia de una guerra para madurar de golpe e impregnarse del halo nostálgico con el que sobrecoge en la segunda parte de la película.

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Título original: I Girasoli.

Director: Vittorio De Sica.

Intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Saveleva, Galina Andreyeva,Anna Carena, Germano Longo, Silvano Tranquilli, Glauco Onorato, Marisa Traversi.


Trailer:


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Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

LOS GIRASOLES (1970). Historia de amor en época de guerra.

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La película es una historia de amor ambientada en tiempos de guerra y representa la tercera de las películas dirigida por Vitorio De Sica que cuenta con la pareja protagonista formada por Sofía Loren y Marcello MastroianniUna coproducción Italia-Francia- Unión Soviética que tiene la particularidad  de ser probablemente la primera cinta occidental que se rodaba en tierras rusas. Todo el film está rodado en auténticos exteriores, tanto de Italia como de Rusia, gracias la fotografía de Giuseppe Rotunno que colaboró estrechamente para los planos rusos con su colega el director de fotografía David VinitskijFue una de las grandes producciones de Carlo Ponti donde Sophia adquiere el principal papel como vector transmisor de las intensas emociones del film, acompañada de la magnética presencia del gran Marcello.

De Sica abandona el neorrealismo para presentarnos una película emotiva, sentimental y nostálgica que profundiza en los sentimientos humanos bajo el amparo de un guion muy cuidado, elaborado por Tonino Guerra, Giorgi Mdivani y Cesare ZavattiniAdemás, el director se decanta por un technicolor que realza la belleza de los paisajes y que enfatiza uno de los tramos de la batalla en el frente. Se trata de la historia de amor de un soldado italiano de Milán, Antonio (Mastroianni), que se enamora de Giovanna (Sophia Loren), una recia mujer napolitana. La guerra, será el tercer protagonista de esta historia, elemento clave que interferirá como obstáculo entre dos jóvenes enamorados.

los-girasoles

Vittorio de Sicca ambienta este relato amoroso en plena Guerra Mundial para mostrarnos los horrores del conflicto desde una perspectiva diferente a las películas bélicas. La acción no se centra en el campo de batalla, sino en el terreno de la retaguardia, donde tantas familias quedaron destrozadas por la pérdida de sus seres queridos. El director enfatiza la presencia italiana en la batalla del frente ruso, tan pocas veces representada en pantalla, ya que la mayoría de los relatos solo reflejan la confrontación ruso-alemana.

La película comienza con la visión de un campo de girasoles, cuyo significado metafórico se descubrirá a través del relato. Inmediatamente después, aparece en escena la gran Sophia Loren vestida de negro, triste pero con una presencia intensa y luchadora que reclama el paradero de su marido desaparecido en combate. Giovanna, es una mujer de fuerte temperamento que no duda en exigir a todos los estamentos que le pongan fin a su eterna espera y que descubran por fin si su marido ha muerto en el frente o por el contrario, sigue con vida. Vestida de negro, acompañada de su suegra, llora impotente la ausencia de su marido, y sentada en la casa que compartieron comienza el primer flash back de una narración que su director sabiamente fragmenta en diferentes épocas temporales a modo de capítulos, como si de una novela se tratara.

Este primer recuerdo de Giovanna se centra en la época en la que se conocieron Antonio y ella, viviendo un intenso y breve romance. Por aquel entonces La II Guerra Mundial estaba en pleno desarrollo y la pareja decide casarse para que Antonio, ya reclutado como soldado y pendiente de marchar a África, pueda disfrutar de un permiso por matrimonio. Al final de su luna de miel, están tan enamorados que intentan urdir un engaño para evitar el frente. Pero su torpeza de enamorados hará que los descubran, obligando entonces a que Antonio marche como voluntario al frente ruso. Durante la Segunda Guerra Mundial, habiéndose aliado Italia con Alemania, realizan conjuntamente un ataque a Rusia, que como por todos es sabido, supuso una gran derrota para el Eje Nazi que finalizó con una gran masacre en un territorio infernal, vapuleados por los rusos conocedores de su clima y su territorio. Con una emotiva escena de despedida en la estación finaliza este primer capítulo del film.

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De vuelta al presente, Giovanna continúa esperando porque tiene la intuición de que su marido sigue vivo. El día que se anuncia el final de la guerra, Giovanna acude como tantas otras familias con la foto de Antonio en la mano a la misma estación de tren donde se despidieron. Ahora, ya sí son visibles los efectos de la guerra, miles de familiares, al igual que nuestra protagonista, muestran fotos de soldados que partieron para el frente ruso, desesperados buscando entre hombres harapientos a los suyos. Los combatientes regresan del frente ruso, pero sigue sin encontrar a Antonio. Uno de los soldados que vuelve parece reconocer la foto de su marido y se abre otro flash back para contar la experiencia que vivió con Antonio como camarada en el frente ruso.

En este tramo, se suman la narración contada en primera persona por un soldado que vivió un verdadero infierno blanco, congelados por el frío y la nieve; y, derrotados por los rusos, con imágenes insertadas a modo de recreación de la batalla en mitad del gran manto siberiano. Heridos, hambrientos y casi muertos de congelación las tropas italianas y alemanas intentan la retirada. Bastan un par de escenas en el frente para comprender el gran sufrimiento de estos hombres. El soldado cuenta que intentó ayudar a Antonio, herido en una pierna, sin apenas poder andar ni tener un lugar donde refugiarse tuvo que abandonarlo en la nieve, donde ve cómo los cadáveres de los soldados salpican la blanca llanura. Allí, Antonio fue abandonado a una muerte segura. Sin embargo, Giovanna se niega a aceptar la muerte de su marido y decide volver a Rusia en su busca.

Dura epopeya la de una mujer valiente y fiel a su amor que al final del viaje hará un descubrimiento que romperá todos sus cimientos. De nuevo, una estación de tren sirve de marco a una escena demoledora, donde Giovanna descubre la otra vida de su enamorado. La Loren, que se luce en el papel de la recia y determinada italiana capaz de cruzar miles de kilómetros para buscar a su esposo, encontrará una sorpresa que pondrá fin a su felicidad. Mastroianni también ofrece una actuación destacable, aunque en un papel mucho más introspectivo, e igualmente intenso en emociones.

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De Sica traslada el relato desde Nápoles, momentos en que todo era felicidad para una joven pareja, como bello escenario introductorio de una historia que nos conduce hasta una Rusia representada tanto en el campo de batalla como en la postguerra, tras la muerte de Stalin. El último tramo de la historia, donde se vuelve al entorno italiano, pasados los años y cambiados los protagonistas, nos dejan un intenso final para el recuerdo:

-Antonio: No puedo explicarlo, pensé que podía contártelo, pero no sé cómo. La guerra cambia a las personas, cambia los sentimientos…no puedo explicar lo que viví allí.

La cámara por lo general se mantiene parsimoniosa, sin excesivos adornos ni movimientos. Destacan los grandes planos y los planos medios salpicados de ocasionales primeros planos que se fusionan con los más vividos momentos de sufrimientos en los personajes.

Los elementos clave para ganarse el corazón del espectador en este filme, son por un lado la excelente música de Mancini (una preciosa banda sonora de piano que marca el ritmo y la evolución emocional de sus protagonistas con serie de notas tristes y evocadoras) y la firme interpretación de dos de los grandes del cine italiano de todos los tiempos, una visceral Sophia Loren en su papel de mujer napolitana de carácter indómito, muy alejada de los papeles de sex symbol y Mastroianni, siempre tan camaleónico en sus emociones, en un ejercicio de interpretación de hombre humilde , cariñoso y jovial, que sufre la experiencia de una guerra para madurar de golpe e impregnarse del halo nostálgico con el que sobrecoge en la segunda parte de la película.

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Título original: I Girasoli.

Director: Vittorio De Sica.

Intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Saveleva, Galina Andreyeva,Anna Carena, Germano Longo, Silvano Tranquilli, Glauco Onorato, Marisa Traversi.


Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

la-guerra-de-los-rose
"Una vez en la vida llega una película que hace que te vuelvas a enamorar. Esta no es esa película."
Así rezaba el cartel publicitario de esta adaptación de una novela de Warren Adler (1981), que curiosamente tomaba este nombre en referencia a la guerra medieval entre las casas Lancaster y York por el trono de Inglaterra. Aquí el trono es la casa, vivienda que construyó el matrimonio Rose y que ninguno de los dos pretende abandonar.
La historia comienza cuando los jóvenes Oliver y Bárbara se conocen en la isla de Nantucket durante una subasta y ambos pujan por una figura, esa pequeña rivalidad hace que se acerquen y una cosa lleva a otra y terminan apasionadamente revolcados y convenciéndose que están hechos el uno para el otro, la historia más romántica de sus vidas.

El director Danny De Vito, se une a sus amigotes Michael Douglas y KathleenTurner en una fórmula ganadora que ya había dado resultado en el "Tras el corazón verde (1984)" (Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida, en Latinoamérica) y su secuela, "La Joya del Nilo (1985)", otorgándose el papel de un abogado, socio de Oliver, que al inicio del film se encuentra atendiendo a un cliente que viene a pedir asesoría para su divorcio, pero éste antes de aceptar el caso, como si la vida de aquel le importara, decide contarle la historia de los Rose, una relación con mucho amor que termina en el más horrendo de los desastres.

la-guerra-de-los-rose

Habíamos dejado a Bárbara y Oliver enamorados, apasionados y encantados. No me dijiste que eras multiorgásmica dice él, no lo sabía, acota ella. Se matrimonian y mientras él continúa arduamente sus estudios de derecho ella asume el rol de ama de casa postergando sus sueños. La felicidad se nota en el hogar y una navidad ella le regala un auto Morgan que atesorará con la mayor ilusión. Cuando él ya puede ejercer y las cosas van bien compran una casa que a los dos les fascina, la adornarán con sus gustos y será su nidito de amor donde criarán a sus dos hijos y a un gato y un perro.
Pero la crítica al sueño americano de felicidad y prosperidad se ha ido deslizando subterráneamente, esperando salir a la superficie, porque Oliver se ha vuelto un pedante nuevo rico, que descalifica a todos, incluyendo a su bella esposa que parece comenzar a cabrearse con cada comentario, con cada acción, con tener que soportarlo en su cama, en su vida y el estallido se da cuando Oliver es llevado a emergencias víctima de lo que supone es un infarto pero no, es una indigestión apenas, sin embargo Bárbara no llega al Hospital a verlo, de hecho llega tarde a casa cuando él ha regresado y con una mirada dura y convencida de lo que va decir le espeta a la cara que pensó mucho en su eventual muerte y que no hubo pena sino más bien alivio. Quiero el divorcio.

la-guerra-de-los-rose

Y donde hubo amor y se pensaba que todo se podría se pudrió. Comienzan las rencillas y el rencor, las malinterpretaciones, el no ceder, la violencia verbal y física (que curiosamente va de mano femenina más que del hombre) y la inminente destrucción porque la casa de sus sueños se torna en el escenario de la peor pesadilla, una guerra sin cuartel que es retratada por De Vito con toda la mala leche pero con una ironía y sarcasmo que nos sorprende porque posiblemente más de uno pasó por un episodio similar y a lo mejor lo resolvió por las buenas, solo que aquí las cosas se van de las manos y las consecuencias son catastróficas. Y divertidísimas.

Humor negrísimo que no deja títere sin cabeza. Te amaré hasta que la muerte nos separe dijimos. Nunca pensamos que nosotros y nuestra estupidez nos llevarían a ella.

la-guerra-de-los-rose

Título original: The War of the Roses.

Director: Danny De Vito.

Intérpretes: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Marianne Sägebrecht,G.D. Spradlin, Sean Astin, Peter Donat.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

LA GUERRA DE LOS ROSE (1989). Descomposición de un matrimonio idílico.

la-guerra-de-los-rose
"Una vez en la vida llega una película que hace que te vuelvas a enamorar. Esta no es esa película."
Así rezaba el cartel publicitario de esta adaptación de una novela de Warren Adler (1981), que curiosamente tomaba este nombre en referencia a la guerra medieval entre las casas Lancaster y York por el trono de Inglaterra. Aquí el trono es la casa, vivienda que construyó el matrimonio Rose y que ninguno de los dos pretende abandonar.
La historia comienza cuando los jóvenes Oliver y Bárbara se conocen en la isla de Nantucket durante una subasta y ambos pujan por una figura, esa pequeña rivalidad hace que se acerquen y una cosa lleva a otra y terminan apasionadamente revolcados y convenciéndose que están hechos el uno para el otro, la historia más romántica de sus vidas.

El director Danny De Vito, se une a sus amigotes Michael Douglas y KathleenTurner en una fórmula ganadora que ya había dado resultado en el "Tras el corazón verde (1984)" (Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida, en Latinoamérica) y su secuela, "La Joya del Nilo (1985)", otorgándose el papel de un abogado, socio de Oliver, que al inicio del film se encuentra atendiendo a un cliente que viene a pedir asesoría para su divorcio, pero éste antes de aceptar el caso, como si la vida de aquel le importara, decide contarle la historia de los Rose, una relación con mucho amor que termina en el más horrendo de los desastres.

la-guerra-de-los-rose

Habíamos dejado a Bárbara y Oliver enamorados, apasionados y encantados. No me dijiste que eras multiorgásmica dice él, no lo sabía, acota ella. Se matrimonian y mientras él continúa arduamente sus estudios de derecho ella asume el rol de ama de casa postergando sus sueños. La felicidad se nota en el hogar y una navidad ella le regala un auto Morgan que atesorará con la mayor ilusión. Cuando él ya puede ejercer y las cosas van bien compran una casa que a los dos les fascina, la adornarán con sus gustos y será su nidito de amor donde criarán a sus dos hijos y a un gato y un perro.
Pero la crítica al sueño americano de felicidad y prosperidad se ha ido deslizando subterráneamente, esperando salir a la superficie, porque Oliver se ha vuelto un pedante nuevo rico, que descalifica a todos, incluyendo a su bella esposa que parece comenzar a cabrearse con cada comentario, con cada acción, con tener que soportarlo en su cama, en su vida y el estallido se da cuando Oliver es llevado a emergencias víctima de lo que supone es un infarto pero no, es una indigestión apenas, sin embargo Bárbara no llega al Hospital a verlo, de hecho llega tarde a casa cuando él ha regresado y con una mirada dura y convencida de lo que va decir le espeta a la cara que pensó mucho en su eventual muerte y que no hubo pena sino más bien alivio. Quiero el divorcio.

la-guerra-de-los-rose

Y donde hubo amor y se pensaba que todo se podría se pudrió. Comienzan las rencillas y el rencor, las malinterpretaciones, el no ceder, la violencia verbal y física (que curiosamente va de mano femenina más que del hombre) y la inminente destrucción porque la casa de sus sueños se torna en el escenario de la peor pesadilla, una guerra sin cuartel que es retratada por De Vito con toda la mala leche pero con una ironía y sarcasmo que nos sorprende porque posiblemente más de uno pasó por un episodio similar y a lo mejor lo resolvió por las buenas, solo que aquí las cosas se van de las manos y las consecuencias son catastróficas. Y divertidísimas.

Humor negrísimo que no deja títere sin cabeza. Te amaré hasta que la muerte nos separe dijimos. Nunca pensamos que nosotros y nuestra estupidez nos llevarían a ella.

la-guerra-de-los-rose

Título original: The War of the Roses.

Director: Danny De Vito.

Intérpretes: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Marianne Sägebrecht,G.D. Spradlin, Sean Astin, Peter Donat.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

dark-star
Resulta extraño, cuando menos, que el debut de John Carpenter no goce del culto ni del prestigio, de sobra merecido, de sus primeros films durante finales de los setenta y principios de los ochenta, algunos de ellos auténticos hitos de la serie B: "Asalto a la comisaríadel distrito 13 (1976)"; excelente thriller de acción levemente inspirado en el argumento del western "Río bravo (1959)" de Howard Hawks, "La noche de Halloween (1978)"; película que popularizó el subgénero slasher y sin duda la mejor de la larga serie que el propio Carpenter y Debrah Hill crearon mediante un guión original, "1997: Rescate en Nueva York (1981)"; interesante distopía apocalíptica con aires de western (Lee Van Cleef incluido en el reparto) y sobre todo "La cosa (El enigmade otro mundo) (1982)"; posiblemente su obra maestra, un remake bastante mejorado de "The Thing from Another World (Christian Nyby / Howard Hawks, 1951)"; popular film de culto de ciencia ficción de los cincuenta que no llegaba a explotar las magníficas posibilidades de la novela corta "Who Goes There?" de John W. Campbell en la que se basaba.

Si de entrada se conoce el dato de que Carpenter realizó "Dark star (1974)" como una producción de estudiante mientras estaba en la USC (Universidad del Sur de California) y que su presupuesto final fue de 60.000 dólares, es muy probable que el impacto al ver esta disparatada comedia de ciencia ficción sea mucho menor, no obstante, en su filmografía oficial aparece como su primera película. Rodada en 16mm y con una duración inicial de 45 minutos en su fase de producción estudiantil, al film se le añadió metraje para su estreno en cines hasta llegar a los 83 minutos. Al igual que en alguno de sus mejores trabajos, Carpenter se encarga aquí de la música y de la dirección, además del guión, escrito entre él y su compañero de clase Dan O'Bannon, -otro ilustre del fantástico moderno, responsable de por ejemplo el guión de "Alien (Ridley Scott, 1979)" y "Desafío total  (Paul Verhoeven,1990)- quien se responsabiliza a su vez del montaje de la cinta, efectos especiales y de uno de los papeles protagonistas, el Sargento Pinback.


dark-star

La nave "Dark Star" lleva veinte años en órbita, en una misión para destruir "planetas inestables" que podrían amenazar su futura colonización. Después de tan largo trayecto son múltiples las averías que sufre el aparato: la carga de bombas inteligentes que descienden de su interior sin una orden para hacerlo, su computadora de proceso de alimentos; que solo fabrica comidas líquidas con sabor a pollo, una explosión que ha destruido todos los dormitorios... Si a todo ello le sumamos la desafortunada muerte del oficial al mando, el Comandante Powell, debido a una propulsión al espacio desde su asiento, provocada por un cortocircuito, es lógico que la tripulación se encuentre desanimada y al borde de perder su salud mental; dedicando su tiempo a extraños pasatiempos como construir un órgano musical con botellas de cristal recicladas -como hace el surfista Doolitle (Brian Narelle) en uno de los momentos más originales de la película- o hacer blanco por los pasillos con una pistola láser, peligroso hobbie que practica Boiler (Cal Kuniholm).


dark-star

La película viene a ser prácticamente una parodia de "2001: Una odisea delespacio (Stanley Kubrick, 1968)", con guiños puntuales en el desenlace del film a "Kaleidoscope", una de las historias que se incluyen en "El hombre ilustrado (1951)", un libro de cuentos de Ray Bradbury, del que Dan O'Bannon reconoció haber copiado algunos detalles. No les pudo salir mejor la jugada a Carpenter y O'Bannon, bajo mi punto de vista, ya que con tan inverosímil argumento y tan ajustado presupuesto no se podía hacer otra cosa que tomarse con humor el asunto; a pesar de lo cutre del diseño de la nave, los diálogos imposibles, el film tiene momentos muy divertidos que se convierten en su mejor baza: inolvidable la larguísima secuencia en la que Pinback persigue a la mascota alienígena de la nave; que no es más que una pelota de playa con patas, literalmente. A destacar también las conversaciones que los tripulantes mantienen con la bomba, o mejor dicho con la voz que el sistema le otorga al dispositivo de lanzamiento, que se empeña una y otra en ser disparado sin recibir una orden previa, anécdota que posiblemente nos remita a otro film de Kubrick como es "¿Teléfonorojo? Volamos hacia Moscú (1964)".


dark-star

Título original: Dark star.

Director: John Carpenter.

Intérpretes: Dan O'Bannon, Brian Narelle, Cal Kuniholm, Dre Pahich, Nick Castle, Miles WatkinsJoe Saunders.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

ESTRELLA OSCURA (1974). El debut de John Carpenter y Dan O'Bannon.

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Resulta extraño, cuando menos, que el debut de John Carpenter no goce del culto ni del prestigio, de sobra merecido, de sus primeros films durante finales de los setenta y principios de los ochenta, algunos de ellos auténticos hitos de la serie B: "Asalto a la comisaríadel distrito 13 (1976)"; excelente thriller de acción levemente inspirado en el argumento del western "Río bravo (1959)" de Howard Hawks, "La noche de Halloween (1978)"; película que popularizó el subgénero slasher y sin duda la mejor de la larga serie que el propio Carpenter y Debrah Hill crearon mediante un guión original, "1997: Rescate en Nueva York (1981)"; interesante distopía apocalíptica con aires de western (Lee Van Cleef incluido en el reparto) y sobre todo "La cosa (El enigmade otro mundo) (1982)"; posiblemente su obra maestra, un remake bastante mejorado de "The Thing from Another World (Christian Nyby / Howard Hawks, 1951)"; popular film de culto de ciencia ficción de los cincuenta que no llegaba a explotar las magníficas posibilidades de la novela corta "Who Goes There?" de John W. Campbell en la que se basaba.

Si de entrada se conoce el dato de que Carpenter realizó "Dark star (1974)" como una producción de estudiante mientras estaba en la USC (Universidad del Sur de California) y que su presupuesto final fue de 60.000 dólares, es muy probable que el impacto al ver esta disparatada comedia de ciencia ficción sea mucho menor, no obstante, en su filmografía oficial aparece como su primera película. Rodada en 16mm y con una duración inicial de 45 minutos en su fase de producción estudiantil, al film se le añadió metraje para su estreno en cines hasta llegar a los 83 minutos. Al igual que en alguno de sus mejores trabajos, Carpenter se encarga aquí de la música y de la dirección, además del guión, escrito entre él y su compañero de clase Dan O'Bannon, -otro ilustre del fantástico moderno, responsable de por ejemplo el guión de "Alien (Ridley Scott, 1979)" y "Desafío total  (Paul Verhoeven,1990)- quien se responsabiliza a su vez del montaje de la cinta, efectos especiales y de uno de los papeles protagonistas, el Sargento Pinback.


dark-star

La nave "Dark Star" lleva veinte años en órbita, en una misión para destruir "planetas inestables" que podrían amenazar su futura colonización. Después de tan largo trayecto son múltiples las averías que sufre el aparato: la carga de bombas inteligentes que descienden de su interior sin una orden para hacerlo, su computadora de proceso de alimentos; que solo fabrica comidas líquidas con sabor a pollo, una explosión que ha destruido todos los dormitorios... Si a todo ello le sumamos la desafortunada muerte del oficial al mando, el Comandante Powell, debido a una propulsión al espacio desde su asiento, provocada por un cortocircuito, es lógico que la tripulación se encuentre desanimada y al borde de perder su salud mental; dedicando su tiempo a extraños pasatiempos como construir un órgano musical con botellas de cristal recicladas -como hace el surfista Doolitle (Brian Narelle) en uno de los momentos más originales de la película- o hacer blanco por los pasillos con una pistola láser, peligroso hobbie que practica Boiler (Cal Kuniholm).


dark-star

La película viene a ser prácticamente una parodia de "2001: Una odisea delespacio (Stanley Kubrick, 1968)", con guiños puntuales en el desenlace del film a "Kaleidoscope", una de las historias que se incluyen en "El hombre ilustrado (1951)", un libro de cuentos de Ray Bradbury, del que Dan O'Bannon reconoció haber copiado algunos detalles. No les pudo salir mejor la jugada a Carpenter y O'Bannon, bajo mi punto de vista, ya que con tan inverosímil argumento y tan ajustado presupuesto no se podía hacer otra cosa que tomarse con humor el asunto; a pesar de lo cutre del diseño de la nave, los diálogos imposibles, el film tiene momentos muy divertidos que se convierten en su mejor baza: inolvidable la larguísima secuencia en la que Pinback persigue a la mascota alienígena de la nave; que no es más que una pelota de playa con patas, literalmente. A destacar también las conversaciones que los tripulantes mantienen con la bomba, o mejor dicho con la voz que el sistema le otorga al dispositivo de lanzamiento, que se empeña una y otra en ser disparado sin recibir una orden previa, anécdota que posiblemente nos remita a otro film de Kubrick como es "¿Teléfonorojo? Volamos hacia Moscú (1964)".


dark-star

Título original: Dark star.

Director: John Carpenter.

Intérpretes: Dan O'Bannon, Brian Narelle, Cal Kuniholm, Dre Pahich, Nick Castle, Miles WatkinsJoe Saunders.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

grita-libertad
Grita libertad narra la tragedia del líder carismático de la "conciencia negra" en Sudáfrica, Steve Biko (Denzel Washington), de 30 años de edad, y del periodista liberal y director del East London Daily Dispatch, Donald Woods (Kevin Kline) firme opositor al régimen que imperó en Sudáfrica desde 1948 a 1994; al tiempo que documenta la odisea de Woods cuando, tras reclamar una investigación fiable de su amigo asesinado en la prisión, se ve como él, condenado a confinamiento domiciliario escapa con su mujer y cinco hijos, abandonad un país donde su familia vivió durante varias generaciones. Huido a Europa y sin un céntimo, logra publicar la biografía de Biko que evoca el relato.

La cinta representa un importante documento de denuncia, de injusticia, de crueldad entre los hombres, pero también de amistad entre dos hombres de diferente raza; a la par que ampliamente discutido, sobre todo, por sus errores históricos, sobre el apartheid sudafricano, que pone en la picota el régimen segregacionista de Pretoria. Narrada con gran fuerza dramático-sentimental, combina el estilo del típico documental de reconstitución histórica, con el film-espectáculo y de género biográfico, que es tan característico del actor y director Richard Attenborough. Así, el filme se desarrolla con un estilo cuasi documental, antes de la muerte de Biko, para centrarse en la parte más de thriller de la huida de Woods en su segunda mitad.

grita-libertad

Con guión de John Briley, basado en los libros "Biko y Asking for Troubles", de Donald Woods, Attenborough, sir, inglés, liberal e idealista comprometido, vuelve a demostrar su capacidad artístico y creadora, el sentido de la medida, su sobriedad, puesto que solo se extralimita levemente en el drama de la familia del periodista, así como es posible realizar cine comercial digno al servicio de la actualidad sociopolítica sin apenas manipular al espectador.

En el film se reconstruyen con sentido y ánimo acusador dos incidentes famosos: la brutal evacuación de Crossroads, un barrio de chabolas de las afueras de Ciudad del Cabo, en 1975; y la matanza atroz de niños escolares, que se manifestaban en Soweto el 16 de junio de 1976 debido a que en 1974 el gobierno emitió una ley que obligaba el uso del idioma Afrikaans en todas las escuelas, incluyendo las de los negros. Esta medida fue muy impopular pues se consideraba como el idioma de la opresión. El 30 de abril de 1976 las escuelas de Soweto se declararon en rebeldía. Aunque en la película se indica que fueron 700, el diario Le Monde informó que ese día hubo 25 víctimas, dos de las cuales eran blancos linchados por los manifestantes negros.

grita-libertad

El pulso cinematográfico de Attenborough es notable, así como su espléndida dirección de actores, especialmente Kevin Kline y de los movimientos de masas. Las interpretaciones son notables con un Kevin Kline muy creíble, así como un Denzel Washington comedido y austero. Rodada en Zaire, debido a la prohibición del anterior Gobierno sudafricano, Grita libertad tuvo graves problemas de exhibición y, finalmente, logró impactar y sensibilizar al gran público mundial sobre una problemática humana que ha iniciado las primeras vías de solución. Si tiene algún punto en contra es quizá, el excesivo metraje para contar la historia.

El film concluye con una larga lista de nombres de detenidos políticos, fallecidos mientras se hallaban bajo custodia de la policía sudafricana, seguidos de la causa oficial de la muerte. A mitad de esa engañosa relación, puede leerse: "Septiembre 12, 1977, Steve Biko, Huelga de Hambre". Quizá esta película, haya contribuido al difícil cambio político del país.


Como curiosidad y a modo de conclusión, decir que Peter Gabriel dedicó a Biko en 1.980, un tema interpretado en el concierto final de la gira Conspiracy of Hope organizada por Amnistía Internacional en 1.986.

grita-libertad

Frase para recordar: "¿Por qué se hacen llamar «negros»? Parecen más marrones que negros.
¿Por qué ustedes se hacen llamar blancos?. Parecen más rosados que blancos".

Título original: Cry Freedom.

Director: Richard Attenborough.

Intérpretes: Kevin Kline, Penelope Wilton, Denzel Washington, John Hargreaves, Zakes MokaeIan Richardson, Alec McCowen, Kevin McNally.
Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

GRITA LIBERTAD (1987). El drama racial de Richard Attenborough.

grita-libertad
Grita libertad narra la tragedia del líder carismático de la "conciencia negra" en Sudáfrica, Steve Biko (Denzel Washington), de 30 años de edad, y del periodista liberal y director del East London Daily Dispatch, Donald Woods (Kevin Kline) firme opositor al régimen que imperó en Sudáfrica desde 1948 a 1994; al tiempo que documenta la odisea de Woods cuando, tras reclamar una investigación fiable de su amigo asesinado en la prisión, se ve como él, condenado a confinamiento domiciliario escapa con su mujer y cinco hijos, abandonad un país donde su familia vivió durante varias generaciones. Huido a Europa y sin un céntimo, logra publicar la biografía de Biko que evoca el relato.

La cinta representa un importante documento de denuncia, de injusticia, de crueldad entre los hombres, pero también de amistad entre dos hombres de diferente raza; a la par que ampliamente discutido, sobre todo, por sus errores históricos, sobre el apartheid sudafricano, que pone en la picota el régimen segregacionista de Pretoria. Narrada con gran fuerza dramático-sentimental, combina el estilo del típico documental de reconstitución histórica, con el film-espectáculo y de género biográfico, que es tan característico del actor y director Richard Attenborough. Así, el filme se desarrolla con un estilo cuasi documental, antes de la muerte de Biko, para centrarse en la parte más de thriller de la huida de Woods en su segunda mitad.

grita-libertad

Con guión de John Briley, basado en los libros "Biko y Asking for Troubles", de Donald Woods, Attenborough, sir, inglés, liberal e idealista comprometido, vuelve a demostrar su capacidad artístico y creadora, el sentido de la medida, su sobriedad, puesto que solo se extralimita levemente en el drama de la familia del periodista, así como es posible realizar cine comercial digno al servicio de la actualidad sociopolítica sin apenas manipular al espectador.

En el film se reconstruyen con sentido y ánimo acusador dos incidentes famosos: la brutal evacuación de Crossroads, un barrio de chabolas de las afueras de Ciudad del Cabo, en 1975; y la matanza atroz de niños escolares, que se manifestaban en Soweto el 16 de junio de 1976 debido a que en 1974 el gobierno emitió una ley que obligaba el uso del idioma Afrikaans en todas las escuelas, incluyendo las de los negros. Esta medida fue muy impopular pues se consideraba como el idioma de la opresión. El 30 de abril de 1976 las escuelas de Soweto se declararon en rebeldía. Aunque en la película se indica que fueron 700, el diario Le Monde informó que ese día hubo 25 víctimas, dos de las cuales eran blancos linchados por los manifestantes negros.

grita-libertad

El pulso cinematográfico de Attenborough es notable, así como su espléndida dirección de actores, especialmente Kevin Kline y de los movimientos de masas. Las interpretaciones son notables con un Kevin Kline muy creíble, así como un Denzel Washington comedido y austero. Rodada en Zaire, debido a la prohibición del anterior Gobierno sudafricano, Grita libertad tuvo graves problemas de exhibición y, finalmente, logró impactar y sensibilizar al gran público mundial sobre una problemática humana que ha iniciado las primeras vías de solución. Si tiene algún punto en contra es quizá, el excesivo metraje para contar la historia.

El film concluye con una larga lista de nombres de detenidos políticos, fallecidos mientras se hallaban bajo custodia de la policía sudafricana, seguidos de la causa oficial de la muerte. A mitad de esa engañosa relación, puede leerse: "Septiembre 12, 1977, Steve Biko, Huelga de Hambre". Quizá esta película, haya contribuido al difícil cambio político del país.


Como curiosidad y a modo de conclusión, decir que Peter Gabriel dedicó a Biko en 1.980, un tema interpretado en el concierto final de la gira Conspiracy of Hope organizada por Amnistía Internacional en 1.986.

grita-libertad

Frase para recordar: "¿Por qué se hacen llamar «negros»? Parecen más marrones que negros.
¿Por qué ustedes se hacen llamar blancos?. Parecen más rosados que blancos".

Título original: Cry Freedom.

Director: Richard Attenborough.

Intérpretes: Kevin Kline, Penelope Wilton, Denzel Washington, John Hargreaves, Zakes MokaeIan Richardson, Alec McCowen, Kevin McNally.
Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

carga-maldita
Tenía 11 años cuando escuché en las noticias que un tal William Friedkin había venido a Ecuador para filmar una película. Y quién es ese, pues el que hizo El exorcista, y que no iba a rodar sino a buscar escenarios porque esta se desarrollaba en la jungla. ¿El diablo de la selva?
Friedkin no solo visitó mi país buscando locaciones sino también aprovechó para ver la forma tercermundista cómo funcionaban las empresas petroleras aquí y cuentan que fue mirando unos camiones destartalados que servían para transporte de materiales a los cuales se acostumbraba poner nombre para "dar suerte" que se le ocurrió bautizar a uno de ellos con Lazaro, por aquel traído desde los muertos, y al otro lo llamó Sorcerer, hechicero.
Filmada finalmente en República Dominicana y México por cuestión de presupuesto y porque los actores previstos no tenían idea de dónde estaba Ecuador y temían qué pestes iban a contagiarse se rodó en Centroamérica durante 11 meses en condiciones catastróficas por lo que Friedkin la llamaría posteriormente su Apocalypse Now personal.
La historia de 4 parias en un país imaginario de Latinoamérica contratados para llevar nitroglicerina y apagar un incendio en un pozo petrolero ya fue llevada con anterioridad al cine de la mano de Georges Clouzot en 1953 siendo considerada una obra maestra por todos aunque dicen las malas lenguas que el escritor Georges Arnoud, autor de la novela en la que se inspira, no quedó muy satisfecho.

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Friedkin comenzó este proyecto como uno secundario y de bajo presupuesto pues su sueño era llevar a la pantalla otro titulado El triangulo del diablo que iba ser su obra mayor, pero al parecer el financiamiento de Encuentros en tercera fase de Spielberg hizo que La Universal cancelara su proyecto, Y Friedkin volcara toda su creación y frustración a esta obra que fue creciendo no solo en presupuesto sino en la determinación de ser la obra por la que pasaría a la posteridad más allá de niñas poseídas y tráfico de drogas provenientes del otro lado del charco.
Comenzó comprando los derechos de la novela que no pertenecían a Clouzot sino a su padre literario Arnaud. Quiso fichar a Steve McQueen como protagonista pero éste quiso que su esposa de aquel entonces, Ali McGraw tuviera papel y fuera productora ejecutiva, lo que cabreó a Billy y buscó una segunda opción en Robert Mitchum pero cara de lagartija no quiso saber nada de filmar en Sudamérica y ni Warren Oates ni Nicholson ni Eastwood tampoco quisieron y fue la Universal la que impuso a Roy Scheider como protagonista, y aunque Roy y William ya habían trabajado antes, ahora la relación se había deteriorado y con el clima y las circunstancias adversas se llevaron tan mal que apenas se dirigían la palabra. Mastroianni iba a hacer la parte que realizó Rabal pero Marcello se desdijo a último momento y Paco cumplió su sueño de trabajar en una producción de Hollywood de la cual después renegaría. Lino Venura fue sustituido por Bruno Cremer y el único que quedó fichado desde el principio fue Amidou, como el fugitivo terrorista palestino.
Friedkin argumentó que no quería hacer un remake sino un enfoque diferente a la historia y en el proceso rechazó diálogos que no llevaban a ninguna parte haciendo primar la acción y el aspecto visual pues aquí el simbolismo debería ser expresado por la lucha del hombre contra la naturaleza y eso se conseguía con lenguaje corporal y mediante el ojo de la cámara. Resultado de eso son esas imágenes inolvidables de los camiones surcando peligros y caminos imposibles.

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Al inicio de la película hay un prólogo divido en 4 partes, donde se nos narra la historia de cada uno de los participantes en esta odisea: El primero es Nilo, un asesino a sueldo que mata a un sujeto en Veracruz (México), el segundo es Kaseem, un terrorista árabe sobreviviente de un atentado en Jerusalem, el tercero es Víctor, metido en negocios sucios en París cuyo socio se suicida, y el último es Jackie Scanlon asimismo sobreviviente de una matanza en la que muere el hermano de un mafioso quien lo manda a cazar y dar muerte.
Los 4 serán escogidos para llevar el explosivo a través de una ruta suicida de 320 kilómetros pues este combustible es altamente inestable y en cualquier momento puede estallar. Hay la promesa de dinero y nacionalización en Porvenir, país ficticio como mencionamos, al que han llegado huyendo de su pasado, a pesar de tener pinta de extranjeros por todo lado, han asumido apellidos latinos, sobreviven con lo que hay, víctimas incluso de autoridades corruptas que para hacerse de la vista gorda reciben un porcentaje de lo que ganan. Se les ha presentado esta oportunidad y se ofrecen voluntariamente para un trabajo que ningún local se atrevería pero el destino es inexorable y cuando a los seres humanos se les olvida que la unión hace la fuerza, la falta de cooperación los convertirá en animales salvajes y solo uno de ellos podrá llegar a su meta.
Sorcerer quiere decir hechicero, nombre revelado a Friedkin mientras escuchaba un disco de Miles Davis, hace referencia al destino, en palabras suyas esta película no habla de héroes o antihéroes sino de cómo la suerte puede cambiar de un momento a otro por situaciones que se nos escapan.

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El destino también jugó su mano en esta producción que quedó relegada a la ignorancia del público. Era el año de Star Wars y nadie se percató en una película cínica y oscura acerca de personajes con un pasado maldito en busca no de redención sino de supervivencia.
Roy Scheider venía de Tiburón (1975) y Marathon Man (1976) luego de varios años de secundario y abordó su personaje de Jackie Scanlon (Juan Domínguez) inspirándose en el Bogard de El tesoro de Sierra Madre. Como el film pocos lo vieron, retomó el papel del jefe Brody y continuó matando escualos en Tiburon II en el 78 hasta cuando le vino su consagración definitiva con All that jazz. Excelente actor de carácter con el sueño de ser un nuevo Spencer Tracy.
La música estuvo a cargo de Tangerine Dream en su primera incursión holliwoodsense. Hipnótica.
Eviten la versión en VHS o DVD porque conservan el formato 4:3, pues el mismo Friedkin se encaprichó durante un tiempo en que la única forma de apreciarla era en la tv, sin embargo en 2014 su remasterización en Bluray nos ha devuelto esta magnífica obra en todo su esplendor.
Una de las pocas por las que pongo la mano en el fuego. Y lo dice un cincuentón que recuerda todavía al muchachito que especulaba que si la película iba a filmarse en la selva de su país a lo mejor se trataba de una del demonio en el Amazonas.

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Título original: Sorcerer.

Director: William Friedkin.

Intérpretes: Roy Scheider, Bruno Cremer, Francisco Rabal, Amidou, Ramon Bieri, Peter CapellFriedrich von Ledebur.

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quesada

CARGA MALDITA (1977). Transporte peligroso.

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Tenía 11 años cuando escuché en las noticias que un tal William Friedkin había venido a Ecuador para filmar una película. Y quién es ese, pues el que hizo El exorcista, y que no iba a rodar sino a buscar escenarios porque esta se desarrollaba en la jungla. ¿El diablo de la selva?
Friedkin no solo visitó mi país buscando locaciones sino también aprovechó para ver la forma tercermundista cómo funcionaban las empresas petroleras aquí y cuentan que fue mirando unos camiones destartalados que servían para transporte de materiales a los cuales se acostumbraba poner nombre para "dar suerte" que se le ocurrió bautizar a uno de ellos con Lazaro, por aquel traído desde los muertos, y al otro lo llamó Sorcerer, hechicero.
Filmada finalmente en República Dominicana y México por cuestión de presupuesto y porque los actores previstos no tenían idea de dónde estaba Ecuador y temían qué pestes iban a contagiarse se rodó en Centroamérica durante 11 meses en condiciones catastróficas por lo que Friedkin la llamaría posteriormente su Apocalypse Now personal.
La historia de 4 parias en un país imaginario de Latinoamérica contratados para llevar nitroglicerina y apagar un incendio en un pozo petrolero ya fue llevada con anterioridad al cine de la mano de Georges Clouzot en 1953 siendo considerada una obra maestra por todos aunque dicen las malas lenguas que el escritor Georges Arnoud, autor de la novela en la que se inspira, no quedó muy satisfecho.

carga-maldita

Friedkin comenzó este proyecto como uno secundario y de bajo presupuesto pues su sueño era llevar a la pantalla otro titulado El triangulo del diablo que iba ser su obra mayor, pero al parecer el financiamiento de Encuentros en tercera fase de Spielberg hizo que La Universal cancelara su proyecto, Y Friedkin volcara toda su creación y frustración a esta obra que fue creciendo no solo en presupuesto sino en la determinación de ser la obra por la que pasaría a la posteridad más allá de niñas poseídas y tráfico de drogas provenientes del otro lado del charco.
Comenzó comprando los derechos de la novela que no pertenecían a Clouzot sino a su padre literario Arnaud. Quiso fichar a Steve McQueen como protagonista pero éste quiso que su esposa de aquel entonces, Ali McGraw tuviera papel y fuera productora ejecutiva, lo que cabreó a Billy y buscó una segunda opción en Robert Mitchum pero cara de lagartija no quiso saber nada de filmar en Sudamérica y ni Warren Oates ni Nicholson ni Eastwood tampoco quisieron y fue la Universal la que impuso a Roy Scheider como protagonista, y aunque Roy y William ya habían trabajado antes, ahora la relación se había deteriorado y con el clima y las circunstancias adversas se llevaron tan mal que apenas se dirigían la palabra. Mastroianni iba a hacer la parte que realizó Rabal pero Marcello se desdijo a último momento y Paco cumplió su sueño de trabajar en una producción de Hollywood de la cual después renegaría. Lino Venura fue sustituido por Bruno Cremer y el único que quedó fichado desde el principio fue Amidou, como el fugitivo terrorista palestino.
Friedkin argumentó que no quería hacer un remake sino un enfoque diferente a la historia y en el proceso rechazó diálogos que no llevaban a ninguna parte haciendo primar la acción y el aspecto visual pues aquí el simbolismo debería ser expresado por la lucha del hombre contra la naturaleza y eso se conseguía con lenguaje corporal y mediante el ojo de la cámara. Resultado de eso son esas imágenes inolvidables de los camiones surcando peligros y caminos imposibles.

carga-maldita

Al inicio de la película hay un prólogo divido en 4 partes, donde se nos narra la historia de cada uno de los participantes en esta odisea: El primero es Nilo, un asesino a sueldo que mata a un sujeto en Veracruz (México), el segundo es Kaseem, un terrorista árabe sobreviviente de un atentado en Jerusalem, el tercero es Víctor, metido en negocios sucios en París cuyo socio se suicida, y el último es Jackie Scanlon asimismo sobreviviente de una matanza en la que muere el hermano de un mafioso quien lo manda a cazar y dar muerte.
Los 4 serán escogidos para llevar el explosivo a través de una ruta suicida de 320 kilómetros pues este combustible es altamente inestable y en cualquier momento puede estallar. Hay la promesa de dinero y nacionalización en Porvenir, país ficticio como mencionamos, al que han llegado huyendo de su pasado, a pesar de tener pinta de extranjeros por todo lado, han asumido apellidos latinos, sobreviven con lo que hay, víctimas incluso de autoridades corruptas que para hacerse de la vista gorda reciben un porcentaje de lo que ganan. Se les ha presentado esta oportunidad y se ofrecen voluntariamente para un trabajo que ningún local se atrevería pero el destino es inexorable y cuando a los seres humanos se les olvida que la unión hace la fuerza, la falta de cooperación los convertirá en animales salvajes y solo uno de ellos podrá llegar a su meta.
Sorcerer quiere decir hechicero, nombre revelado a Friedkin mientras escuchaba un disco de Miles Davis, hace referencia al destino, en palabras suyas esta película no habla de héroes o antihéroes sino de cómo la suerte puede cambiar de un momento a otro por situaciones que se nos escapan.

carga-maldita

El destino también jugó su mano en esta producción que quedó relegada a la ignorancia del público. Era el año de Star Wars y nadie se percató en una película cínica y oscura acerca de personajes con un pasado maldito en busca no de redención sino de supervivencia.
Roy Scheider venía de Tiburón (1975) y Marathon Man (1976) luego de varios años de secundario y abordó su personaje de Jackie Scanlon (Juan Domínguez) inspirándose en el Bogard de El tesoro de Sierra Madre. Como el film pocos lo vieron, retomó el papel del jefe Brody y continuó matando escualos en Tiburon II en el 78 hasta cuando le vino su consagración definitiva con All that jazz. Excelente actor de carácter con el sueño de ser un nuevo Spencer Tracy.
La música estuvo a cargo de Tangerine Dream en su primera incursión holliwoodsense. Hipnótica.
Eviten la versión en VHS o DVD porque conservan el formato 4:3, pues el mismo Friedkin se encaprichó durante un tiempo en que la única forma de apreciarla era en la tv, sin embargo en 2014 su remasterización en Bluray nos ha devuelto esta magnífica obra en todo su esplendor.
Una de las pocas por las que pongo la mano en el fuego. Y lo dice un cincuentón que recuerda todavía al muchachito que especulaba que si la película iba a filmarse en la selva de su país a lo mejor se trataba de una del demonio en el Amazonas.

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Título original: Sorcerer.

Director: William Friedkin.

Intérpretes: Roy Scheider, Bruno Cremer, Francisco Rabal, Amidou, Ramon Bieri, Peter CapellFriedrich von Ledebur.

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quesada

manchester-frente-al-mar
Lee Chandler (Casey Affleck) es un hombre de unos cuarenta años que trabaja realizando tareas de mantenimiento en una serie de edificios de Boston. Así, le vemos arreglando duchas, sanitarios, tuberías atascadas, sacando la basura o vaciando de nieve las entradas de las casas. Lee es un hombre taciturno, atormentado y silencioso; un hombre de pocas palabras y mantiene una relación distante y hasta hostil con los clientes, hecho que produce hasta alguna que otra queja de alguna clienta insatisfecha a su jefe. Lee, por las noches ahoga sus penas en alcohol en el bar de turno y no vacila en descargar su amargura con quien sea menester y meterse en peleas con o sin motivo. A juzgar por su comportamiento, sabemos que a Lee le ocurre o le ha ocurrido algo grave en el pasado o quizás, en un presente reciente. Lee es un tipo misterioso que sin duda alberga un pasado oscuro.

Los Chandler, son una familia de clase obrera afincada en Massachusetts. Tras recibir una llamada telefónica comunicándole el fallecimiento repentino de Joe (Kyle Chandler), el hermano mayor de Lee, y por voluntad de éste, pasa a conviertirse en el tutor legal de su sobrino de dieciséis años (Lucas Hedges). Este acontecimiento trágico hará que Lee deba trasladarse y enfrentarse a un pasado trágico que desconocemos y que le llevó a separarse de su esposa Randi (Michelle Williams) y de la ciudad en la que nació y creció. En el trayecto de Boston a Manchester, y a través de flashbacks, Lee rememora su vida anterior en su ciudad, mostrando una vida feliz en la pequeña localidad costera; las salidas al mar en su barca, compartidas con su sobrino.

manchester-frente-al-mar

La llegada de Lee a su ciudad natal y de la actitud para con él que muestran algunos de sus miembros, sigue siendo un misterio para el espectador. Lee deberá organizar el funeral de su hermano y cumplir sus últimas voluntades. Tío y sobrino llevan tiempo sin relacionarse, por lo que el encuentro no será cálido entre los dos, porque a ninguno de los dos le apetece acatar el mandato del fallecido. Lee quiere llevárselo a su casa de Boston, Patrick, lógicamente no quiere abandonar su barrio ni sus amigos y emprender una nueva vida lejos de casa.

Manchester frente al mar es un brutal retrato sobre el dolor y la pérdida, pero sobre todo, lo es de la culpa. Algunos filósofos relacionaban la culpa con la imperfección humana. En el sentido teológico, la culpa es la transgresión voluntaria de la ley de Dios, ya sea con el pensamiento, con la obra o con la omisión. En sentido civil, es la falta o delito que provoca un perjuicio o daño a alguien; toda culpa exige reparación o perdón, de otra manera obstaculiza el comportamiento y la vivencia y hace que la vida sea bastante insoportable. De ahí la actitud de Lee, muerto en vida, porque para él, su acción y omisión, no existe redención posible.

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El sentimiento de culpa baja la autoestima y desarrolla odio a uno mismo. Este odio se proyecta en forma de violencia hacia los otros y Lee lo proyecta cada noche en el escenario del bar, testigo de su desesperación y amargura. El remordimiento, por ser un sentimiento ligado inherentemente a nuestras propias responsabilidades, provoca un estado tal de la conciencia que, al margen del dolor interior que produce, a consecuencia del amor a la persona dañada, deriva en la necesidad de compensar el caos o el daño, y si no se puede, uno tiene que cumplir con la pena y penitencia; cargar con ella. La culpa es una dimensión ética, porque yo no cumplí mi deber. Ser responsable es responder por el daño ocasionado, ser culpable es ser la causa de ese daño. Y hay cosas en la vida que son difíciles de superar. El dolor que nos causa la pérdida de un ser querido es una de ellas.

Kenneth Lonegan, autor también del sólido guión, nos va dosificando poco a poco los elementos de la historia, los va cocinando a fuego lento, mientras asistimos sin pestañear y encogidos a una dimensión desgarradora del dolor del protagonista, a través de sus planos, de una parte, fríos como la nieve de Boston; de otra, serenos y tranquilos como el mar de la ciudad frente al mar. Las localizaciones de esos planos toman vital importancia ¿Y qué vemos en ellos? la soledad del pescador, el silencio del océano y el vacío, como el estado emocional de Lee. De tanto en tanto, el guión se impregna de gotas de humor negro en alguna situación, aunque no para suavizar la narración, ya que las mismas no mejoran el ánimo.

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Pérdida y culpa van de la mano de Lee y sin soltarlo, hasta desembocar en la rabia. Y Casey Afleck materializa impecablemente su estado tortuoso y sin tregua, a través de un trabajo de absoluta contención y miradas que pasea durante toda la cinta. La aparición de MIchels Williams, breve, pero contundente, ayuda a agravar más, si cabe, su estado y nos ayuda a comprender.

Manchester frente al mar es un film pequeño, emotivo y seco a la vez, a la par que brutalmente desgarrador y, a mi juicio, una de las mejores películas del año.

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Frase para recordar: "Mi corazón estaba roto. Siempre va a estar roto. Pero sé que el tuyo también lo está".

Título original: Manchester by the Sea.

Director: Kenneth Lonergan.

Intérpretes: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan,Erica McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

MANCHESTER FRENTE AL MAR (2017) El drama familiar de Casey Affleck.

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Lee Chandler (Casey Affleck) es un hombre de unos cuarenta años que trabaja realizando tareas de mantenimiento en una serie de edificios de Boston. Así, le vemos arreglando duchas, sanitarios, tuberías atascadas, sacando la basura o vaciando de nieve las entradas de las casas. Lee es un hombre taciturno, atormentado y silencioso; un hombre de pocas palabras y mantiene una relación distante y hasta hostil con los clientes, hecho que produce hasta alguna que otra queja de alguna clienta insatisfecha a su jefe. Lee, por las noches ahoga sus penas en alcohol en el bar de turno y no vacila en descargar su amargura con quien sea menester y meterse en peleas con o sin motivo. A juzgar por su comportamiento, sabemos que a Lee le ocurre o le ha ocurrido algo grave en el pasado o quizás, en un presente reciente. Lee es un tipo misterioso que sin duda alberga un pasado oscuro.

Los Chandler, son una familia de clase obrera afincada en Massachusetts. Tras recibir una llamada telefónica comunicándole el fallecimiento repentino de Joe (Kyle Chandler), el hermano mayor de Lee, y por voluntad de éste, pasa a conviertirse en el tutor legal de su sobrino de dieciséis años (Lucas Hedges). Este acontecimiento trágico hará que Lee deba trasladarse y enfrentarse a un pasado trágico que desconocemos y que le llevó a separarse de su esposa Randi (Michelle Williams) y de la ciudad en la que nació y creció. En el trayecto de Boston a Manchester, y a través de flashbacks, Lee rememora su vida anterior en su ciudad, mostrando una vida feliz en la pequeña localidad costera; las salidas al mar en su barca, compartidas con su sobrino.

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La llegada de Lee a su ciudad natal y de la actitud para con él que muestran algunos de sus miembros, sigue siendo un misterio para el espectador. Lee deberá organizar el funeral de su hermano y cumplir sus últimas voluntades. Tío y sobrino llevan tiempo sin relacionarse, por lo que el encuentro no será cálido entre los dos, porque a ninguno de los dos le apetece acatar el mandato del fallecido. Lee quiere llevárselo a su casa de Boston, Patrick, lógicamente no quiere abandonar su barrio ni sus amigos y emprender una nueva vida lejos de casa.

Manchester frente al mar es un brutal retrato sobre el dolor y la pérdida, pero sobre todo, lo es de la culpa. Algunos filósofos relacionaban la culpa con la imperfección humana. En el sentido teológico, la culpa es la transgresión voluntaria de la ley de Dios, ya sea con el pensamiento, con la obra o con la omisión. En sentido civil, es la falta o delito que provoca un perjuicio o daño a alguien; toda culpa exige reparación o perdón, de otra manera obstaculiza el comportamiento y la vivencia y hace que la vida sea bastante insoportable. De ahí la actitud de Lee, muerto en vida, porque para él, su acción y omisión, no existe redención posible.

manchester-frente-al-mar

El sentimiento de culpa baja la autoestima y desarrolla odio a uno mismo. Este odio se proyecta en forma de violencia hacia los otros y Lee lo proyecta cada noche en el escenario del bar, testigo de su desesperación y amargura. El remordimiento, por ser un sentimiento ligado inherentemente a nuestras propias responsabilidades, provoca un estado tal de la conciencia que, al margen del dolor interior que produce, a consecuencia del amor a la persona dañada, deriva en la necesidad de compensar el caos o el daño, y si no se puede, uno tiene que cumplir con la pena y penitencia; cargar con ella. La culpa es una dimensión ética, porque yo no cumplí mi deber. Ser responsable es responder por el daño ocasionado, ser culpable es ser la causa de ese daño. Y hay cosas en la vida que son difíciles de superar. El dolor que nos causa la pérdida de un ser querido es una de ellas.

Kenneth Lonegan, autor también del sólido guión, nos va dosificando poco a poco los elementos de la historia, los va cocinando a fuego lento, mientras asistimos sin pestañear y encogidos a una dimensión desgarradora del dolor del protagonista, a través de sus planos, de una parte, fríos como la nieve de Boston; de otra, serenos y tranquilos como el mar de la ciudad frente al mar. Las localizaciones de esos planos toman vital importancia ¿Y qué vemos en ellos? la soledad del pescador, el silencio del océano y el vacío, como el estado emocional de Lee. De tanto en tanto, el guión se impregna de gotas de humor negro en alguna situación, aunque no para suavizar la narración, ya que las mismas no mejoran el ánimo.

manchester-frente-al-mar

Pérdida y culpa van de la mano de Lee y sin soltarlo, hasta desembocar en la rabia. Y Casey Afleck materializa impecablemente su estado tortuoso y sin tregua, a través de un trabajo de absoluta contención y miradas que pasea durante toda la cinta. La aparición de MIchels Williams, breve, pero contundente, ayuda a agravar más, si cabe, su estado y nos ayuda a comprender.

Manchester frente al mar es un film pequeño, emotivo y seco a la vez, a la par que brutalmente desgarrador y, a mi juicio, una de las mejores películas del año.

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Frase para recordar: "Mi corazón estaba roto. Siempre va a estar roto. Pero sé que el tuyo también lo está".

Título original: Manchester by the Sea.

Director: Kenneth Lonergan.

Intérpretes: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan,Erica McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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