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gremlins
El rey Midas del cine Spielberg confió en la carrera de Joe Dante, director de "Aullidos (1981)" y "Piraña (1978)" para delegarle la tarea de reproducir de un modo peculiar, las leyendas tradicionales de los "Gremlins". Al parecer en La Segunda Guerra Mundial se propagó la descabellada idea de que algunos aviones ingleses y americanos fallaban y caían debido a unas pequeñas criaturas muy arraigadas al folklore oriental, que provocaban muchísimas bajas humanas y tecnológicas en el armamento de guerra en el bando de los aliados occidentales. Además como referente del llamado Gremlin en pantalla, existe un capítulo en "The Twilight Zone" en el que el personaje de John Lightgow sufre una crisis nerviosa como pasajero al tener la visión a través de la ventanilla del avión de la criatura, haciendo trizas el transporte en el que viaja. Joe Dante afrontó con gracia, gamberrismo y muchísima imaginación a estos "Gremlins" en el que el animalito Guizmo (algo así como una mezcla de conejillo de indias con apariencia de mono adorable y orejas enormes) resultaba tan adorable como peligroso. Y aquí es donde vienen los "detalles". Spielberg tocó con su cetro mágico el legendario mito del Gremlin para convertir a una amorosa mascota en esos seres que todos conocemos si no se respetaban las tres famosas reglas si se quería conservar en buenas condiciones a Guizmo: 

1. Especial cuidado con la luz (en especial la del sol).

2. Evitar por todos los medios el contacto con el agua (los resultados son tan sorprendentes como inesperados).

 3. Y sobretodo prohibir la alimentación del Mowai después de pasar la medianoche para evitar algo tan destructivo como letal.....

"Gremlis" se convierte por arte de magia y buen hacer cinematográfico en un espectáculo tan divertido como espectacular. La película obligó a innovar en todo tipo de campos y más en concreto en el de los efectos especiales, en los que se llegó a barajar la posibilidad de reproducir a las famosísimas criaturas con monos adiestrados con caretas, fracasando estrepitosamente en las pruebas. 

gremlins

También utilizaron marionetas manipuladas que destilaban un tufo a chapucero siendo también desechadas, hasta que al final las técnicas del "stop motion" y el "animatronic" deshicieron el entuerto y solucionaron mediante la innovación de manera efectiva, la difícil tarea de hacer verosímiles a las revoltosas y repulsivas criaturas. El film se rodó en tres fases (solo con actores), (actores interactuando con criaturas) y (solo criaturas). La transgresora película resultó ser todo una sorpresa, divertidamente descarada y sinvergüenza dado que el libertinaje de estos mostruitos con sus maneras violentas y deshinibidas, provocó simpatías entre el público de todas las edades en el año 1984. Los "Gremlins" devoraron las taquillas de todo el mundo además de los corazones de los seguidores a base de mezclar el cuento de hadas con las "monster movies" de los años 50's y 60's y el poso mágico dejado por el cine los 80's, apadrinado por Spielberg. 30 años después estos bichejos gamberros y destructivos no han perdido ni un ápice de popularidad que descansa en la nostalgia de un cine espectáculo-cómico tan descarado como atractivamente socarrón....-Guizmo Kaka- "Strike".

gremlins


Director: Joe Dante.

Intérpretes: Zach Galligan, Phoebe Cates, Hoyt Axton, Frances Lee McCain, Dick Miller, Polly Holliday.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

GREMLINS (1984). Las gamberras criaturas de Joe Dante.

gremlins
El rey Midas del cine Spielberg confió en la carrera de Joe Dante, director de "Aullidos (1981)" y "Piraña (1978)" para delegarle la tarea de reproducir de un modo peculiar, las leyendas tradicionales de los "Gremlins". Al parecer en La Segunda Guerra Mundial se propagó la descabellada idea de que algunos aviones ingleses y americanos fallaban y caían debido a unas pequeñas criaturas muy arraigadas al folklore oriental, que provocaban muchísimas bajas humanas y tecnológicas en el armamento de guerra en el bando de los aliados occidentales. Además como referente del llamado Gremlin en pantalla, existe un capítulo en "The Twilight Zone" en el que el personaje de John Lightgow sufre una crisis nerviosa como pasajero al tener la visión a través de la ventanilla del avión de la criatura, haciendo trizas el transporte en el que viaja. Joe Dante afrontó con gracia, gamberrismo y muchísima imaginación a estos "Gremlins" en el que el animalito Guizmo (algo así como una mezcla de conejillo de indias con apariencia de mono adorable y orejas enormes) resultaba tan adorable como peligroso. Y aquí es donde vienen los "detalles". Spielberg tocó con su cetro mágico el legendario mito del Gremlin para convertir a una amorosa mascota en esos seres que todos conocemos si no se respetaban las tres famosas reglas si se quería conservar en buenas condiciones a Guizmo: 

1. Especial cuidado con la luz (en especial la del sol).

2. Evitar por todos los medios el contacto con el agua (los resultados son tan sorprendentes como inesperados).

 3. Y sobretodo prohibir la alimentación del Mowai después de pasar la medianoche para evitar algo tan destructivo como letal.....

"Gremlis" se convierte por arte de magia y buen hacer cinematográfico en un espectáculo tan divertido como espectacular. La película obligó a innovar en todo tipo de campos y más en concreto en el de los efectos especiales, en los que se llegó a barajar la posibilidad de reproducir a las famosísimas criaturas con monos adiestrados con caretas, fracasando estrepitosamente en las pruebas. 

gremlins

También utilizaron marionetas manipuladas que destilaban un tufo a chapucero siendo también desechadas, hasta que al final las técnicas del "stop motion" y el "animatronic" deshicieron el entuerto y solucionaron mediante la innovación de manera efectiva, la difícil tarea de hacer verosímiles a las revoltosas y repulsivas criaturas. El film se rodó en tres fases (solo con actores), (actores interactuando con criaturas) y (solo criaturas). La transgresora película resultó ser todo una sorpresa, divertidamente descarada y sinvergüenza dado que el libertinaje de estos mostruitos con sus maneras violentas y deshinibidas, provocó simpatías entre el público de todas las edades en el año 1984. Los "Gremlins" devoraron las taquillas de todo el mundo además de los corazones de los seguidores a base de mezclar el cuento de hadas con las "monster movies" de los años 50's y 60's y el poso mágico dejado por el cine los 80's, apadrinado por Spielberg. 30 años después estos bichejos gamberros y destructivos no han perdido ni un ápice de popularidad que descansa en la nostalgia de un cine espectáculo-cómico tan descarado como atractivamente socarrón....-Guizmo Kaka- "Strike".

gremlins


Director: Joe Dante.

Intérpretes: Zach Galligan, Phoebe Cates, Hoyt Axton, Frances Lee McCain, Dick Miller, Polly Holliday.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

yo anduve con un zombie
Los zombies o los muertos vivientes, como mejor queramos mencionarlos, han sido y son un elemento clave en la historia del cine de terror. Aunque principalmente los conozcamos como criaturas sin alma con gran afición a alimentarse de carne humana gracias, en gran medida, al realizador George A. Romero con su saga de películas iniciada a finales de los años 60 con "La noche de los muertos vivientes (1968)" y continuada con títulos como "Zombie(1979)", "El día de los muertos (1985)", "La tierra de los muertos vivientes (2005)", "El diario de los muertos (2007)" y "La resistencia de los muertos (2009)", no siempre fue así, a principios de los años 30, este género estuvo influenciado por las historias relacionadas con la magia negra procedente de la cultura haitiana. Por aquella época los zombies fueron representados en la gran pantalla como unos personajes afectados por la maldición de una religión vudú donde un sacerdote esclavizaba a las personas después de su muerte manejándolas a su antojo. La primera película en la historia del cine que trataba esta temática fue "La legión de los hombres sin alma (1932)", un film dirigido por Victor Halperin (realizador que en el año 1936 volvería a tocar este género con  "La rebelión de los zombies") y que iba a tener al mítico Bela Lugosi en sus filas como el sacerdote manipulador de los muertos. A pesar de las malas críticas recibidas en la fecha de su estreno, este título pionero del género se ha convertido con el paso de los años en una obra de culto para los seguidores del cine de zombies.

yo anduve con un zombie

Una película donde la banda de rock liderada por Rob Zombie utilizaría su titulo (mencionar que en su versión original se tituló "White zombie") para dar nombre a su grupo. Después del film de Victor Halperin el cine sobre muertos vivientes seguiría con "Los muertos andan (1936)" de Michael Curtis, la mencionada "La rebelión de los zombies" y "Ouanga (1936)" de George Terwilliger hasta que en la década de los años 40 Jacques Tourneur realizaría "Yo anduve con un zombie (1943)", sin dudas la película más destacable de esta "primera étapa" del cine de género zombie. Con una producción de Val Lewton, (personaje clave en el cine de terror de la serie B de la RKO Picture de la década de los años 40) y con guión de Curt Siodmak y Ardel Wray basándose en un relato de Inez Wallace, "Yo anduve con un zombie" nos narraría las vivencias de Betsy Connell, una enfermera que viaja a la costa del Caribe para cuidar a la esposa (Jessica Holland) de un rico terrateniente (Paul Holland), una mujer aquejada de una extraña enfermedad y que esconde un oscuro pasado. Betsy en su estancia indagará en los misterios que envuelven a esta mujer al mismo tiempo que descubre la cultura indígena de los habitantes de la zona.

yo anduve con un zombie

"Yo anduve con un zombie" es un inolvidable clásico de Jacques Tourneur, que después de dejarnos con muy buen sabor de boca con "La mujer pantera (1942)" (film que también tuvo la producción de Val Lewton) volvería a ponerse detrás de las cámaras para dirigir este gran film que combina magistralmente suspense, romanticismo y poesía. Quizás pueda decepcionar a los seguidores de la etapa más visceral del cine de zombies ya que la película no nos muestra ni una gota de sangre (por parte entendible por el año que fue realizada), pero es que esa carencia es compensada por el buen hacer de Jacques Tourneur, capaz de sacar partido de los pocos medios que poseía, sólo con el buen uso de luces y sombras fue suficiente para envolvernos en una halo de misterio y de una atmósfera fantasmal que muchas películas actuales de enorme presupuesto les gustaría transmitir hoy en día. Con la utilización de una voz en "off" el realizador indaga en el pasado de los personajes, destripando los trapos sucios que esconden la familia Holland, un detalle fundamental para que nos metamos de lleno en los sentimientos de cada uno de los personajes que componen en el film.

yo anduve con un zombie

Entre sus escenas cabe destacar las secuencias de los rituales indígenas y ese largo paseo a media noche de la enfermera y la esposa de Paul Holland, una escena que es culminada con la hipnotizante presencia de un zombie negro de ojos saltones llamado Carre Four (no confundir con el supermercado). Dicho personaje fue interpretado por el actor de color Darby Jones, principalmente visto en muchas películas de Tarzan pero sin que su nombre fuera acreditado y que hizo con su inquietante papel en "Yo anduve con un zombie" el más recordado de su carrera profesional. También nos encontraríamos en el reparto con Frances Dee ("La feria de la vanidad (1935)") en el rol de la enfermera Betsy Connell, Christine Gordon como Jessica, la guapa mujer que esta atrapada por el hechizo y Tom Conway ("Dos en la oscuridad (1945)") como el marido de ésta última, Paul Holland. Si "La legión de los hombres sin alma" sirvió de inspiración para la banda liderada por Rob Zombie, el film de Jacques Tourneur no iba a ser menos ya que iba a ser homenajeado por el grupo de rock Wednesday 13 con el tema "I walked with a zombie".Un tema que recomiendo escuchar y si es posible ver su videoclip, todo un tributo al cine de terror clásico de la serie B.

yo anduve con un zombie

Frase para recordar: "Aquí no existe la belleza, sólo muerte y decadencia".

Título original: I walked with a zombie.

Director: Jacques Tourneur.

Intérpretes: James Ellison, Frances Dee, Tom Conway, Edith Barrett, Christine Gordon, James Bell, Richard Abrams.

Trailer:


Escena:



Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria:  
Jacques Tourneur

YO ANDUVE CON UN ZOMBIE (1943). Magia negra, vudú y muertos vivientes.

yo anduve con un zombie
Los zombies o los muertos vivientes, como mejor queramos mencionarlos, han sido y son un elemento clave en la historia del cine de terror. Aunque principalmente los conozcamos como criaturas sin alma con gran afición a alimentarse de carne humana gracias, en gran medida, al realizador George A. Romero con su saga de películas iniciada a finales de los años 60 con "La noche de los muertos vivientes (1968)" y continuada con títulos como "Zombie(1979)", "El día de los muertos (1985)", "La tierra de los muertos vivientes (2005)", "El diario de los muertos (2007)" y "La resistencia de los muertos (2009)", no siempre fue así, a principios de los años 30, este género estuvo influenciado por las historias relacionadas con la magia negra procedente de la cultura haitiana. Por aquella época los zombies fueron representados en la gran pantalla como unos personajes afectados por la maldición de una religión vudú donde un sacerdote esclavizaba a las personas después de su muerte manejándolas a su antojo. La primera película en la historia del cine que trataba esta temática fue "La legión de los hombres sin alma (1932)", un film dirigido por Victor Halperin (realizador que en el año 1936 volvería a tocar este género con  "La rebelión de los zombies") y que iba a tener al mítico Bela Lugosi en sus filas como el sacerdote manipulador de los muertos. A pesar de las malas críticas recibidas en la fecha de su estreno, este título pionero del género se ha convertido con el paso de los años en una obra de culto para los seguidores del cine de zombies.

yo anduve con un zombie

Una película donde la banda de rock liderada por Rob Zombie utilizaría su titulo (mencionar que en su versión original se tituló "White zombie") para dar nombre a su grupo. Después del film de Victor Halperin el cine sobre muertos vivientes seguiría con "Los muertos andan (1936)" de Michael Curtis, la mencionada "La rebelión de los zombies" y "Ouanga (1936)" de George Terwilliger hasta que en la década de los años 40 Jacques Tourneur realizaría "Yo anduve con un zombie (1943)", sin dudas la película más destacable de esta "primera étapa" del cine de género zombie. Con una producción de Val Lewton, (personaje clave en el cine de terror de la serie B de la RKO Picture de la década de los años 40) y con guión de Curt Siodmak y Ardel Wray basándose en un relato de Inez Wallace, "Yo anduve con un zombie" nos narraría las vivencias de Betsy Connell, una enfermera que viaja a la costa del Caribe para cuidar a la esposa (Jessica Holland) de un rico terrateniente (Paul Holland), una mujer aquejada de una extraña enfermedad y que esconde un oscuro pasado. Betsy en su estancia indagará en los misterios que envuelven a esta mujer al mismo tiempo que descubre la cultura indígena de los habitantes de la zona.

yo anduve con un zombie

"Yo anduve con un zombie" es un inolvidable clásico de Jacques Tourneur, que después de dejarnos con muy buen sabor de boca con "La mujer pantera (1942)" (film que también tuvo la producción de Val Lewton) volvería a ponerse detrás de las cámaras para dirigir este gran film que combina magistralmente suspense, romanticismo y poesía. Quizás pueda decepcionar a los seguidores de la etapa más visceral del cine de zombies ya que la película no nos muestra ni una gota de sangre (por parte entendible por el año que fue realizada), pero es que esa carencia es compensada por el buen hacer de Jacques Tourneur, capaz de sacar partido de los pocos medios que poseía, sólo con el buen uso de luces y sombras fue suficiente para envolvernos en una halo de misterio y de una atmósfera fantasmal que muchas películas actuales de enorme presupuesto les gustaría transmitir hoy en día. Con la utilización de una voz en "off" el realizador indaga en el pasado de los personajes, destripando los trapos sucios que esconden la familia Holland, un detalle fundamental para que nos metamos de lleno en los sentimientos de cada uno de los personajes que componen en el film.

yo anduve con un zombie

Entre sus escenas cabe destacar las secuencias de los rituales indígenas y ese largo paseo a media noche de la enfermera y la esposa de Paul Holland, una escena que es culminada con la hipnotizante presencia de un zombie negro de ojos saltones llamado Carre Four (no confundir con el supermercado). Dicho personaje fue interpretado por el actor de color Darby Jones, principalmente visto en muchas películas de Tarzan pero sin que su nombre fuera acreditado y que hizo con su inquietante papel en "Yo anduve con un zombie" el más recordado de su carrera profesional. También nos encontraríamos en el reparto con Frances Dee ("La feria de la vanidad (1935)") en el rol de la enfermera Betsy Connell, Christine Gordon como Jessica, la guapa mujer que esta atrapada por el hechizo y Tom Conway ("Dos en la oscuridad (1945)") como el marido de ésta última, Paul Holland. Si "La legión de los hombres sin alma" sirvió de inspiración para la banda liderada por Rob Zombie, el film de Jacques Tourneur no iba a ser menos ya que iba a ser homenajeado por el grupo de rock Wednesday 13 con el tema "I walked with a zombie".Un tema que recomiendo escuchar y si es posible ver su videoclip, todo un tributo al cine de terror clásico de la serie B.

yo anduve con un zombie

Frase para recordar: "Aquí no existe la belleza, sólo muerte y decadencia".

Título original: I walked with a zombie.

Director: Jacques Tourneur.

Intérpretes: James Ellison, Frances Dee, Tom Conway, Edith Barrett, Christine Gordon, James Bell, Richard Abrams.

Trailer:


Escena:



Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria:  
Jacques Tourneur

fresas salvajes
Una de las obras más conocidas de Ingmar Bergman incluída dentro de sus mejores películas, caracterizada por ser de las más aceptadas entre el público dentro de su extensa y prolífica obra, ya que Bergman era un trabajador incansable tanto de cine como de teatro.La película cuenta la historia de Isak Borg (Victor Sjöström), un hombre de 78 años, viudo, que ha dedicado su vida a la ciencia de la medicina y que va a recibir un premio honorífico a toda su carrera en la Universidad de Lund. La noche antes del viaje que debe realizar para recoger su premio sufre una curiosa pesadilla que le hace cambiar de opinión. En vez de viajar en avión, como había sido planeado, conducirá su propio coche durante varias horas para llegar a su destino. Con el inicio de una voz en off, él mismo se define como particularmente ordenado y algo difícil para la convivencia. Su ama de llaves, Agda (Jullan Kindahl), es la primera que le reprocha su caprichosa conducta. Inesperadamente su nuera, Marianne (Ingrid Thulin), esposa de su único hijo Evald (Gunnar Fischer) y que llevaba unas semanas viviendo con él, decide acompañarle en su viaje por carretera. Intercalando situaciones reales, recuerdos de su infancia y algún que otro sueño se nos irá revelando la vida de este ilustre hombre, que tras varios reproches iniciales realizados por su ama de llaves y su nuera, irá ganando progresivamente en humanidad conforme avanza el metraje. Él mismo realizará su propio viaje interior, por donde circulan sus  miedos, sus pesadillas más complejas y sus principales recuerdos infantiles.  Las situaciones y las personas que se irán sucediendo en la realidad que está viviendo en su trayecto por carretera, constituirán el punto de partida o desencadenante de otras escenas oníricas, pertenecientes al mundo de los recuerdos unas y de los sueños otras. 

fresas salvajes

Progresivamente, irá desgranando y enlazando elementos planteados en su pesadilla inicial con cuestiones de su pasado familiar que creía olvidadas. De este modo, analizando su propio pasado, ése tan escondido que en ocasiones lo atormenta, será capaz de darse cuenta de su comportamiento, su actitud y los sentimientos que despierta en los demás. Progresará como persona al avanzar en el entendimiento de sí mismo y de los que le rodean, especialmente motivado por los problemas de su hijo Evald, principal representante de la vertiente más existencialista de la historia. Un relato muy intimista, humano y analista que sin abandonar los principios existencialistas de Bergman, al menos es de sus obras más esperanzadoras. Esta vez el maestro de fotografía fue Gunnar Fischer, con un excelente trabajo en blanco y negro, aunque más tarde sería Sven Nykvist, su gran amigo y colaborador, el fotógrafo que lo acompañaría en su pequeño equipo, con el que siempre le gustaba trabajar a Bergman. En el conjunto de actores también podemos ver a algunos de los habituales de este director, destacando especialmente la colaboración como protagonista de Victor Sjöström, gran maestro del cine silente, creador de "La carreta fantasma (1921)" y figura inspiradora del director. Aunque hubo algunas dificultades atribuídas a la edad de Victor y a sus hábitos de conducta, su actuación resulta de lo más creíble y natural, siendo capaz de atravesar diferentes niveles emocionales con gran sutileza. De hecho estuvo nominado por su papel en los premios BAFTA. Ésta sería su última aparición en cine. Como curiosidad, Bergman elaboró este guión después de caer enfermo por agotamiento, stress y ciertos problemas de estómago una vez estrenado "El séptimo sello (1957)". 

fresas salvajes

Este guión fue realizado durante los dos meses que duró su ingreso en una clínica de reposo, en contacto con psiquiatras. Quizás de ahí venga esa clara influencia por analizar los sueños y los principales miedos de su protagonista. Una cinta que goza de una gran originalidad y sencillez, que se caracteriza por ser de las más optimistas otorgando una posibilidad de cambio en vez de un fatal destino. Sin caer en excesos de dramatismo, la narración es muy descriptiva utilizando como recursos la voz en off, el flashback, imágenes oníricas y surrealistas, intercaladas con escenas de sus recuerdos familiares. Y todo ello enmarcado a su vez por un relato en presente que hoy denominaríamos como "Road Movie". Un excelente montaje donde las piezas son engarzadas con gran habilidad sin perder el ritmo, capaz de mantener la atención del espectador con ciertos elementos de una trama de intriga. Aunque la película se realizó en 1957, no fue nominada hasta 1959, en la categoría "mejor guión original", siendo la primera vez que la academia reconocía el talento de este genial cineasta. Aunque aquel año se vendría de vacío, en los dos años siguientes, Bergman recibió dos Oscar consecutivos en la categoría de mejor película extranjera con "El manantial de la Doncella (1960)" y "Como en un espejo (1961)". Luego en 1984 vendría su Oscar por "Fanny y Alexander".


fresas salvajes


Frase de Ingmar Bergman sobre la película: 

Se me ocurrió así: ¿Podrías hacer una película en la que camines de manera real y que al abrir una puerta vuelvas a tu infancia y que al abrir otra vuelvas a la realidad y luego girar en una esquina de la calle y llegar a otro periodo de tu existencia? Esa era en realidad la idea tras Smultronstället.”. 

Título original: Smultronstället.

Director: Ingmar Bergman.

Intérpretes: Victor Sjöström, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Folke Sundquist, Björn Bjelvenstam, Naima Wifstrand.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

Información complementaria:

FRESAS SALVAJES (1957). Un clásico de Ingmar Bergman.

fresas salvajes
Una de las obras más conocidas de Ingmar Bergman incluída dentro de sus mejores películas, caracterizada por ser de las más aceptadas entre el público dentro de su extensa y prolífica obra, ya que Bergman era un trabajador incansable tanto de cine como de teatro.La película cuenta la historia de Isak Borg (Victor Sjöström), un hombre de 78 años, viudo, que ha dedicado su vida a la ciencia de la medicina y que va a recibir un premio honorífico a toda su carrera en la Universidad de Lund. La noche antes del viaje que debe realizar para recoger su premio sufre una curiosa pesadilla que le hace cambiar de opinión. En vez de viajar en avión, como había sido planeado, conducirá su propio coche durante varias horas para llegar a su destino. Con el inicio de una voz en off, él mismo se define como particularmente ordenado y algo difícil para la convivencia. Su ama de llaves, Agda (Jullan Kindahl), es la primera que le reprocha su caprichosa conducta. Inesperadamente su nuera, Marianne (Ingrid Thulin), esposa de su único hijo Evald (Gunnar Fischer) y que llevaba unas semanas viviendo con él, decide acompañarle en su viaje por carretera. Intercalando situaciones reales, recuerdos de su infancia y algún que otro sueño se nos irá revelando la vida de este ilustre hombre, que tras varios reproches iniciales realizados por su ama de llaves y su nuera, irá ganando progresivamente en humanidad conforme avanza el metraje. Él mismo realizará su propio viaje interior, por donde circulan sus  miedos, sus pesadillas más complejas y sus principales recuerdos infantiles.  Las situaciones y las personas que se irán sucediendo en la realidad que está viviendo en su trayecto por carretera, constituirán el punto de partida o desencadenante de otras escenas oníricas, pertenecientes al mundo de los recuerdos unas y de los sueños otras. 

fresas salvajes

Progresivamente, irá desgranando y enlazando elementos planteados en su pesadilla inicial con cuestiones de su pasado familiar que creía olvidadas. De este modo, analizando su propio pasado, ése tan escondido que en ocasiones lo atormenta, será capaz de darse cuenta de su comportamiento, su actitud y los sentimientos que despierta en los demás. Progresará como persona al avanzar en el entendimiento de sí mismo y de los que le rodean, especialmente motivado por los problemas de su hijo Evald, principal representante de la vertiente más existencialista de la historia. Un relato muy intimista, humano y analista que sin abandonar los principios existencialistas de Bergman, al menos es de sus obras más esperanzadoras. Esta vez el maestro de fotografía fue Gunnar Fischer, con un excelente trabajo en blanco y negro, aunque más tarde sería Sven Nykvist, su gran amigo y colaborador, el fotógrafo que lo acompañaría en su pequeño equipo, con el que siempre le gustaba trabajar a Bergman. En el conjunto de actores también podemos ver a algunos de los habituales de este director, destacando especialmente la colaboración como protagonista de Victor Sjöström, gran maestro del cine silente, creador de "La carreta fantasma (1921)" y figura inspiradora del director. Aunque hubo algunas dificultades atribuídas a la edad de Victor y a sus hábitos de conducta, su actuación resulta de lo más creíble y natural, siendo capaz de atravesar diferentes niveles emocionales con gran sutileza. De hecho estuvo nominado por su papel en los premios BAFTA. Ésta sería su última aparición en cine. Como curiosidad, Bergman elaboró este guión después de caer enfermo por agotamiento, stress y ciertos problemas de estómago una vez estrenado "El séptimo sello (1957)". 

fresas salvajes

Este guión fue realizado durante los dos meses que duró su ingreso en una clínica de reposo, en contacto con psiquiatras. Quizás de ahí venga esa clara influencia por analizar los sueños y los principales miedos de su protagonista. Una cinta que goza de una gran originalidad y sencillez, que se caracteriza por ser de las más optimistas otorgando una posibilidad de cambio en vez de un fatal destino. Sin caer en excesos de dramatismo, la narración es muy descriptiva utilizando como recursos la voz en off, el flashback, imágenes oníricas y surrealistas, intercaladas con escenas de sus recuerdos familiares. Y todo ello enmarcado a su vez por un relato en presente que hoy denominaríamos como "Road Movie". Un excelente montaje donde las piezas son engarzadas con gran habilidad sin perder el ritmo, capaz de mantener la atención del espectador con ciertos elementos de una trama de intriga. Aunque la película se realizó en 1957, no fue nominada hasta 1959, en la categoría "mejor guión original", siendo la primera vez que la academia reconocía el talento de este genial cineasta. Aunque aquel año se vendría de vacío, en los dos años siguientes, Bergman recibió dos Oscar consecutivos en la categoría de mejor película extranjera con "El manantial de la Doncella (1960)" y "Como en un espejo (1961)". Luego en 1984 vendría su Oscar por "Fanny y Alexander".


fresas salvajes


Frase de Ingmar Bergman sobre la película: 

Se me ocurrió así: ¿Podrías hacer una película en la que camines de manera real y que al abrir una puerta vuelvas a tu infancia y que al abrir otra vuelvas a la realidad y luego girar en una esquina de la calle y llegar a otro periodo de tu existencia? Esa era en realidad la idea tras Smultronstället.”. 

Título original: Smultronstället.

Director: Ingmar Bergman.

Intérpretes: Victor Sjöström, Bibi Andersson, Ingrid Thulin, Gunnar Björnstrand, Folke Sundquist, Björn Bjelvenstam, Naima Wifstrand.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

Información complementaria:

el intendente sansho
Japón, finales de la Era Heian en el siglo XII, el gobernador de un pueblo es enviado por sus superiores al exilio, castigado al destierro por ser compasivo con los campesinos. A pesar de que su familia emprende la marcha para reunirse con él, ninguno podrá acompañarle, pues, engañados por una vieja que se hace pasar por sacerdotisa, los hermanos Zushio y Anju son vendidos por unos delincuentes como esclavos por separado: la madre por un lado y los hijos por otro. Los hermanos serán recluidos como esclavos en un campo de trabajo bajo el mando del cruel intendente Sansho soportando unas condiciones infrahumanas. Ninguno de los hermanos sabrá, en principio, el destino de su madre, así como la madre tampoco sabrá de sus hijos. Ganadora del León de Plata en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 1954, "El intendente Sansho" es una de las películas más tristes, bellas y conmovedoras del cineasta japonés. Ya desde el inicio de la cinta percibimos que el dolor va a ser un compañero de viaje durante todo el metraje. Obra maestra de Mizoguchi, "El intendente Sansho" está impregnada de aspectos muy personales de los vividos por el propio director en su infancia. Cabe recordar que creció en la pobreza, con un padre duro y cruel y que vivió la venta de su hermana mayor como geisha para poder sobrevivir la familia. A los dieciséis años de edad se marchó a vivir con su hermana atraído por la tradición y costumbre de las cortesanas. Así, no es de extrañar que  la cinta resulte un doloroso y conmovedor retrato sobre la crueldad y el progresivo deterioro de la condición humana

el intendente sansho

Mizoguchi con su habitual colaborador y director de fotografía Kazuo Miyagawa nos ofrece unas imágenes en blanco y negro de una belleza y lirismo sin igual; en ocasiones, lúgubre y oscura, como las escenas rodadas en el bosque. La música está insertada de forma puntual con empleo de la flauta Shakuhachi, no abunda en exceso, aparece sin condicionar el hilo narrativo, ya por sí solo lírico y explícito y repleto de elocuentes silencios y de largas tomas. Nuevamente, y como seña de identidad, Mizoguchi, el humanista y baluarte de la igualdad de derechos, fija su mirada en la figura femenina, una figura femenina insertada en la machista sociedad japonesa. Oprimida, pero más fuerte emocionalmente que el hombre, mujeres que hacen lo que creen correcto a pesar de que esto les suponga su absoluta caída al abismo  Él, a pesar de la degradación total de la condición humana a que expone a sus personajes, como consecuencia de la situación de esclavitud, de la deshumanización de la sociedad, del férreo apego a las tradiciones feudales, y la total privación de derechos, siempre abre un pequeño resquicio de esperanza, de luz, o salvación, tal vez. Kenji Mizoguchi, qué se puede decir de este realizador, ampliamente reconocido y admirado; sus obras hablan por sí mismas, nos legó más de ochenta magníficas obras, a pesar de su prematura muerte a los cincuenta y ocho años de edad y desgraciadamente, un bueno número de sus películas desparecieron en la Segunda Guerra Mundial. Únicamente decir que junto a Akira Kurosawa,Yasujirô Ozu y Kobayashi nos han legado las más bellas, poéticas y dolorosas obras del cine nipón,  un cine, al que le tengo una grandísima estima.

el intendente sansho

Título original: Sansho Dayu.

Director: Kenzi Mizoguchi.

Intérpretes: Kinuyo Tanaka, Yoshiaki Hanayaki, Kyoko Kagawa, Eitaro Shindo, Akitate Kono, Masao Shimizu, Ken Mitsuda, Kazukimi Okuni.

Escena:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

Información complementaria:
Kenzi Mizoguchi

EL INTENDENTE SANSHO (1954). El drama rural de Kenzi Mizoguchi.

el intendente sansho
Japón, finales de la Era Heian en el siglo XII, el gobernador de un pueblo es enviado por sus superiores al exilio, castigado al destierro por ser compasivo con los campesinos. A pesar de que su familia emprende la marcha para reunirse con él, ninguno podrá acompañarle, pues, engañados por una vieja que se hace pasar por sacerdotisa, los hermanos Zushio y Anju son vendidos por unos delincuentes como esclavos por separado: la madre por un lado y los hijos por otro. Los hermanos serán recluidos como esclavos en un campo de trabajo bajo el mando del cruel intendente Sansho soportando unas condiciones infrahumanas. Ninguno de los hermanos sabrá, en principio, el destino de su madre, así como la madre tampoco sabrá de sus hijos. Ganadora del León de Plata en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 1954, "El intendente Sansho" es una de las películas más tristes, bellas y conmovedoras del cineasta japonés. Ya desde el inicio de la cinta percibimos que el dolor va a ser un compañero de viaje durante todo el metraje. Obra maestra de Mizoguchi, "El intendente Sansho" está impregnada de aspectos muy personales de los vividos por el propio director en su infancia. Cabe recordar que creció en la pobreza, con un padre duro y cruel y que vivió la venta de su hermana mayor como geisha para poder sobrevivir la familia. A los dieciséis años de edad se marchó a vivir con su hermana atraído por la tradición y costumbre de las cortesanas. Así, no es de extrañar que  la cinta resulte un doloroso y conmovedor retrato sobre la crueldad y el progresivo deterioro de la condición humana

el intendente sansho

Mizoguchi con su habitual colaborador y director de fotografía Kazuo Miyagawa nos ofrece unas imágenes en blanco y negro de una belleza y lirismo sin igual; en ocasiones, lúgubre y oscura, como las escenas rodadas en el bosque. La música está insertada de forma puntual con empleo de la flauta Shakuhachi, no abunda en exceso, aparece sin condicionar el hilo narrativo, ya por sí solo lírico y explícito y repleto de elocuentes silencios y de largas tomas. Nuevamente, y como seña de identidad, Mizoguchi, el humanista y baluarte de la igualdad de derechos, fija su mirada en la figura femenina, una figura femenina insertada en la machista sociedad japonesa. Oprimida, pero más fuerte emocionalmente que el hombre, mujeres que hacen lo que creen correcto a pesar de que esto les suponga su absoluta caída al abismo  Él, a pesar de la degradación total de la condición humana a que expone a sus personajes, como consecuencia de la situación de esclavitud, de la deshumanización de la sociedad, del férreo apego a las tradiciones feudales, y la total privación de derechos, siempre abre un pequeño resquicio de esperanza, de luz, o salvación, tal vez. Kenji Mizoguchi, qué se puede decir de este realizador, ampliamente reconocido y admirado; sus obras hablan por sí mismas, nos legó más de ochenta magníficas obras, a pesar de su prematura muerte a los cincuenta y ocho años de edad y desgraciadamente, un bueno número de sus películas desparecieron en la Segunda Guerra Mundial. Únicamente decir que junto a Akira Kurosawa,Yasujirô Ozu y Kobayashi nos han legado las más bellas, poéticas y dolorosas obras del cine nipón,  un cine, al que le tengo una grandísima estima.

el intendente sansho

Título original: Sansho Dayu.

Director: Kenzi Mizoguchi.

Intérpretes: Kinuyo Tanaka, Yoshiaki Hanayaki, Kyoko Kagawa, Eitaro Shindo, Akitate Kono, Masao Shimizu, Ken Mitsuda, Kazukimi Okuni.

Escena:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

Información complementaria:
Kenzi Mizoguchi

terminator
Hace ahora 30 años, 1984 un aficionado a la ciencia ficción salido de la factoria del director Roger Corman despuntó lo suficiente para querer dejar su imaginación plasmada en celuloide. En una rocambolesca pesadilla acontecida en la ciudad de Roma, James Cameron visionó a una pareja que huía de una columna de fuego de la que surgía lo que parecía ser una máquina con el aspecto de un esqueleto humano. Esta es la génesis de Terminator...Lo que nadie esperaba, es que 30 años después de la amenazante visión, la barbarie tecnológica que vaticinaba el film de Cameron se acercaría tanto a la realidad. Fíjense en la información que Kyle Reese (Michael Bienh) transmite a una atónita Sarah Connor (Linda Hamilton). Máquinas con sistemas operativos perfectos, aviones sin piloto (drones), superordenadores que son capaces de decidir nuestro destino en un microsegundo. Obviamente no se ha producido ninguna catástrofe tecnológica que haya llevado al ser humano al borde de la extinción (por ahora), pero no hay más que ver a todas las personas que nos rodean para cerciorarse de que las máquinas de un modo u otro ya nos tienen controlados. Jóvenes, niños y mayores utilizan móviles, tablets, ordenadores, E-Phones y todo tipo de tecnología que les tiene ensimismados y de los que no son capaces de separse ni un momento. En poco más de 30 años desde los años 80's los grandes ordenadores se han reducido al tamaño de una tarjeta de crédito y casi todo ser humano tiene uno, la tecnología hace avanzar al hombre en todo tipo de ámbitos imaginables e inimaginables y haciendo una reflexión no veo descabellado que a la velocidad con la que avanzan y evolucionan las máquinas pueda crearse al atemorizador "Skynet" al que hace mención James Cameron en su film, que puede hacer que el ser humano desaparezca en favor de complejos e inertes chips de ordenador evolucionados hacia una especie superior al Homo Sapines Sapiens. 

terminator

Las grandes empresas armamentísticas ya no se conciben sin enormes cerebros electrónicos, el simple toque de un dedo puede arrasar el planeta entero, drones y satélites espían y vulneran cualquier tipo de actividad e intimidad humana, la ciencia se pone al servicio de armas de destrucción masiva, partes del cuerpo humano pueden intercambiarse por prótesis inducidas por un ordenador, etc, etc.. Incluso veo Terminators por las calles de cualquier ciudad a diario, personas que no muestran ni sentimientos, ni remordimientos y que aparentemente no experimentan dolor por el sufrimiento que les rodea. La interpretación de Arnold Schwarzenegger como esqueleto metálico recubierto de tejido vivo y gobernado por órdenes de inteligencia artificial de eficiencia incuestionable, disciplina milimétrica y de objetivos irreflenables son el sueño de todo científico, el poseer dicha tecología sin tener en cuenta las impredecibles y apocalípticas consecuencias de aquello que se puede crear y todo aquello que se puede destruir. De este modo Cyberdine Systems en la ficción puede equipararse a los creadores de la bomba atómica poniendo en peligro a toda la humanidad. Una humanidad que ha perdido en general cualquier atisbo de sensibilidad en favor de cables y conexiones, un ser humano que ya no lo es tanto, seres vivos conectados y dependientes de botones, pantallas, hidraúlica, enchufes y baterías. 

terminator

James Cameron profetizó en el cine igualándose a Julio Verne e Isaac Asimov en la literatuta entre otros visionarios, una sociedad cuya tecnología puede terminar con la civilización conocida. Echando una mirada atrás dudo que los artífices de Terminator fueran capaces de imaginar el fenómeno que habían creado con rudimentarios elementos de serie B que catapultaron las carreras de James Cameron, Stan Winston, Gale Anne Hurd, Schwarzenegger, Linda Hamilton, Michael Bienh, Lance Henriksen y otros. Terminator siendo una película de bajo presupuesto que mezclaba la ciencia ficción, el terror, la acción y el romance con la originalidad y la inventiva como mayor logro consiguió lo inaudito. Casi puedo imaginar a Stan Winston con los bocetos que Cameron había perpetrado para las diversas máquinas futuristas dotándolos de vida propia a base de controles remoto, maquetas y elementos que hacían de la imaginación el máximo valedor por encima del presupuesto. Incluso algunos efectos especiales se hicieron con lo elemental de la iluminación de diodos Led, utilización de papel de aluminio y humo de cigarrillos, y otros de la peligrosidad y la primaria valentía de mezclar ácido sulfúrico en la ropa de Arnold para fingir quemaduras. El Futuro no está establecido, solo existe el que nosotros hacemos. James Cameron se labró su propio futuro, y con él su propia profecía...¿Se cumplirá?

terminator


Título original: The Terminator.

Director: James Cameron.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Michael Biehn, Paul Winfield, Lance Henriksen, Rick Rossovich, Bess Motta, Earl Boen, Dick Miller, Bill Paxton.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Michael Biehn

TERMINATOR (1984). 30 años del estreno del clásico de James Cameron.

terminator
Hace ahora 30 años, 1984 un aficionado a la ciencia ficción salido de la factoria del director Roger Corman despuntó lo suficiente para querer dejar su imaginación plasmada en celuloide. En una rocambolesca pesadilla acontecida en la ciudad de Roma, James Cameron visionó a una pareja que huía de una columna de fuego de la que surgía lo que parecía ser una máquina con el aspecto de un esqueleto humano. Esta es la génesis de Terminator...Lo que nadie esperaba, es que 30 años después de la amenazante visión, la barbarie tecnológica que vaticinaba el film de Cameron se acercaría tanto a la realidad. Fíjense en la información que Kyle Reese (Michael Bienh) transmite a una atónita Sarah Connor (Linda Hamilton). Máquinas con sistemas operativos perfectos, aviones sin piloto (drones), superordenadores que son capaces de decidir nuestro destino en un microsegundo. Obviamente no se ha producido ninguna catástrofe tecnológica que haya llevado al ser humano al borde de la extinción (por ahora), pero no hay más que ver a todas las personas que nos rodean para cerciorarse de que las máquinas de un modo u otro ya nos tienen controlados. Jóvenes, niños y mayores utilizan móviles, tablets, ordenadores, E-Phones y todo tipo de tecnología que les tiene ensimismados y de los que no son capaces de separse ni un momento. En poco más de 30 años desde los años 80's los grandes ordenadores se han reducido al tamaño de una tarjeta de crédito y casi todo ser humano tiene uno, la tecnología hace avanzar al hombre en todo tipo de ámbitos imaginables e inimaginables y haciendo una reflexión no veo descabellado que a la velocidad con la que avanzan y evolucionan las máquinas pueda crearse al atemorizador "Skynet" al que hace mención James Cameron en su film, que puede hacer que el ser humano desaparezca en favor de complejos e inertes chips de ordenador evolucionados hacia una especie superior al Homo Sapines Sapiens. 

terminator

Las grandes empresas armamentísticas ya no se conciben sin enormes cerebros electrónicos, el simple toque de un dedo puede arrasar el planeta entero, drones y satélites espían y vulneran cualquier tipo de actividad e intimidad humana, la ciencia se pone al servicio de armas de destrucción masiva, partes del cuerpo humano pueden intercambiarse por prótesis inducidas por un ordenador, etc, etc.. Incluso veo Terminators por las calles de cualquier ciudad a diario, personas que no muestran ni sentimientos, ni remordimientos y que aparentemente no experimentan dolor por el sufrimiento que les rodea. La interpretación de Arnold Schwarzenegger como esqueleto metálico recubierto de tejido vivo y gobernado por órdenes de inteligencia artificial de eficiencia incuestionable, disciplina milimétrica y de objetivos irreflenables son el sueño de todo científico, el poseer dicha tecología sin tener en cuenta las impredecibles y apocalípticas consecuencias de aquello que se puede crear y todo aquello que se puede destruir. De este modo Cyberdine Systems en la ficción puede equipararse a los creadores de la bomba atómica poniendo en peligro a toda la humanidad. Una humanidad que ha perdido en general cualquier atisbo de sensibilidad en favor de cables y conexiones, un ser humano que ya no lo es tanto, seres vivos conectados y dependientes de botones, pantallas, hidraúlica, enchufes y baterías. 

terminator

James Cameron profetizó en el cine igualándose a Julio Verne e Isaac Asimov en la literatuta entre otros visionarios, una sociedad cuya tecnología puede terminar con la civilización conocida. Echando una mirada atrás dudo que los artífices de Terminator fueran capaces de imaginar el fenómeno que habían creado con rudimentarios elementos de serie B que catapultaron las carreras de James Cameron, Stan Winston, Gale Anne Hurd, Schwarzenegger, Linda Hamilton, Michael Bienh, Lance Henriksen y otros. Terminator siendo una película de bajo presupuesto que mezclaba la ciencia ficción, el terror, la acción y el romance con la originalidad y la inventiva como mayor logro consiguió lo inaudito. Casi puedo imaginar a Stan Winston con los bocetos que Cameron había perpetrado para las diversas máquinas futuristas dotándolos de vida propia a base de controles remoto, maquetas y elementos que hacían de la imaginación el máximo valedor por encima del presupuesto. Incluso algunos efectos especiales se hicieron con lo elemental de la iluminación de diodos Led, utilización de papel de aluminio y humo de cigarrillos, y otros de la peligrosidad y la primaria valentía de mezclar ácido sulfúrico en la ropa de Arnold para fingir quemaduras. El Futuro no está establecido, solo existe el que nosotros hacemos. James Cameron se labró su propio futuro, y con él su propia profecía...¿Se cumplirá?

terminator


Título original: The Terminator.

Director: James Cameron.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Michael Biehn, Paul Winfield, Lance Henriksen, Rick Rossovich, Bess Motta, Earl Boen, Dick Miller, Bill Paxton.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Michael Biehn

noche en la ciudad
Harry Fabian (Richard Widmark) es un joven delincuente que se gana la vida en las calles de Londres. Es ambicioso y no le importan los métodos para ganar dinero. Sin ningún escrúpulo manipula y le roba dinero a su novia Mary (Gene Tierney), una cantante del sórdido club nocturno Silver Fox, de propiedad de Phil Nosseross (Francis L. Sullivan). Harry trabaja como gancho de clientes para el club. En algún momento se da cuenta de las posibilidades de ganar dinero en el ambiente de la lucha libre profesional, y decide quitarle el control al promotor y delincuente del bajo mundo, Kristo (Herbert Lom), a través de manipular al padre de Kristo, el ex luchador Gregorius. Jules Dassin tuvo que exiliarse a Europa tras ser acusado de comunista por su compañero de profesión Edward Dmytrik y para no tener que arrodillarse ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas, con la que el "capital" trató de neutralizar los avances organizativos y culturales de la izquierda en los tiempos del "New Deal", y restringió los límites democráticos inyectando un profundo anticomunismo en los Estados Unidos. "Noche en la Ciudad" es la última película que Jules Dassin realiza en EEUU antes de un largo exilio que se prolongará 18 años (no volverá a realizar un largometraje en EEUU hasta 1968). El rodaje de "Noche en la ciudad" debe llevarse a cabo en Londres durante unos meses en los que su nombre sonaba insistentemente entre los investigados por el macartismo. Darril F. Zanuck, entonces principal productor del estudio, decide que Dassin se traslade a Londres para adaptar la novela del escritor británico Gerald Kersh "Night and the City (1938)" con un guion de Jo Eisinger (Gilda). Pretende de esta forma proteger a la película de las injerencias del Comité de Actividades Antiamericanas, el cual entre otros objetivos pretendía investigar a aquellos directores, guionistas o escritores miembros del Partido Comunista o sospechosos de su entorno, y rastrear los posibles mensajes o propaganda del Partido que pudieran dejar entrever en sus películas. 

noche en la ciudad

"Noche en la Ciudad" esconde algunas de las inquietudes y rasgos de identidad de Dassin, y sin duda refleja la presión y las difíciles circunstancias a las que se veía sometido durante el rodaje. El film le permite articular un poderoso testimonio personal, a través de un relato que se sustenta en una sucesión de traiciones entre sus personajes. No es extraño que pudiese sentirse identificado con un personaje principal que parece destinado a huir, un buscavidas que retrata con todas sus debilidades y bajezas, perosobre el que despliega una gran comprensión. Finalmente, el devenir de este personaje le permite plasmar el desazonador estado que genera la certeza de una constante persecución. Estas connotaciones personales, junto al hecho de tratarse de un film de Cine Negro ambientado en Londres, pero realizado bajo la mirada de un cineasta americano que se había distinguido por una visión realista de las ciudades, influyeron poderosamente en los resultados de la película, tanto en su extraño y sugestivo poder visual, como en el palpable desaliento en el trasfondo del relato. La película comienza y finaliza con una persecución, la del protagonista del relato Harry Fabian (Richard Widmark), una especie de pequeño estafador con multitud de planes y escasos recursos. Dassin construye una estructura circular de la huida, una espiral en la que se encuentra sumido Fabian, y que parece incapaz de romper. 


noche en la ciudad


El film sigue sus incursiones por los bajos fondos londinenses, donde se mueve con evidente facilidad ocupándose de algunos encargos para los dueños de un club nocturno. Todos sus esfuerzos se dirigen a tratar de "triunfar" en su ambiente, dar el gran salto con negocios que parecen condenados desde el principio al fracaso. Por fin cree encontrar su gran oportunidad, con la que llegar a controlar el negocio de la lucha libre en Londres, y que precipitará su trágico final. Presenta a Fabian como un astuto timador que no duda en utilizar su encanto o mentir a todos los que tiene a su alrededor, y robar para salir de apuros, incluida a su novia Mary (Gene Tierney). Alguien que nació y morirá siendo un perdedor, como en cierto momento alguien le predice. Sin tratar de ocultar sus vilezas, al mismo tiempo nos revela un soñador que desborda entusiasmo con susproyectos, un personaje en continuo movimiento, con una energía y determinación similar a la que transmite Dassin en sus películas. Fabian forma parte activa de la cadena de traiciones del relato, pero también él será traicionado, sufrirá la delación, y Dassin le permite una redención final. Richard Widmark, da vida a Fabian de forma extraordinaria. El actor se encontraba en los primeros años de su carrera, y evoluciona respecto a anteriores filmes como "El beso de la muerte (1947)" de Henry Hathaway, 1947) o "Cielo amarillo (1948)" de William A. Wellman en los que había encarnado a malvados de una pieza. 

noche en la ciudad

Su composición de Fabian logra generar sentimientos contradictorios, gracias a su aspecto al mismo tiempo fuerte y vulnerable, una falsa elegancia en la que no falta un continuo clavel en la solapa, y una sucesión de primeros planos que reflejan tanto la astucia de su helada sonrisa, como su desilusión y amargura. Uno de los aspectos más sugerentes de "Noche en la Ciudad" es el hecho de ver reflejada en la pantalla una ciudad como Londres a través de los ojos ajenos de un director americano especialista en el Noir, que parece desenvolverse en las calles de sus locales nocturnos, muelles y sórdidas márgenes del río, con la misma precisión que si se encontrase rodando en Nueva York. De esta forma lo demuestra la primera secuencia en la que nos introduce en el submundo en el que se mueve Fabian, mediante un estupendo travelling que recoge su avance por el callejón del club donde trabaja, mientras va reconociendo y saludando a sus habituales. Esta aproximación a la realidad confluye en el film con unas imágenes que descubren ecos expresionistas, obra del director de fotografía Max Greene, y que muestran la influencia de la época del cine mudo alemán. Existen dos versiones de esta película: la "británica" (más larga y, quizás por ello, algo más coherente) y la "norteamericana", cada una de ellas adaptada a su correspondiente mercado. Estas dos versiones poseen notables diferencias, la más destacada es la de su banda sonora. Franz Waxman se encargó del score de la versión USA (empleando una gran y melodramática orquesta) y Benjamin Frankel de la correspondiente para el estreno en UK.

noche en la ciudad

Título original: Night and the city.

Director: Jules Dassin.

Intérpretes: Richard Widmark, Gene Tierney, Googie Withers, Hugh Marlowe, Francis L. Sullivan, Herbert Lom, Stanislaus Zbyszko.

Trailer: 


Escena:


Reseña escrita por Ramón Abello Miñano

Información complementaria:

NOCHE EN LA CIUDAD (1950). Un clásico de cine negro de Jules Dassin.

noche en la ciudad
Harry Fabian (Richard Widmark) es un joven delincuente que se gana la vida en las calles de Londres. Es ambicioso y no le importan los métodos para ganar dinero. Sin ningún escrúpulo manipula y le roba dinero a su novia Mary (Gene Tierney), una cantante del sórdido club nocturno Silver Fox, de propiedad de Phil Nosseross (Francis L. Sullivan). Harry trabaja como gancho de clientes para el club. En algún momento se da cuenta de las posibilidades de ganar dinero en el ambiente de la lucha libre profesional, y decide quitarle el control al promotor y delincuente del bajo mundo, Kristo (Herbert Lom), a través de manipular al padre de Kristo, el ex luchador Gregorius. Jules Dassin tuvo que exiliarse a Europa tras ser acusado de comunista por su compañero de profesión Edward Dmytrik y para no tener que arrodillarse ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas, con la que el "capital" trató de neutralizar los avances organizativos y culturales de la izquierda en los tiempos del "New Deal", y restringió los límites democráticos inyectando un profundo anticomunismo en los Estados Unidos. "Noche en la Ciudad" es la última película que Jules Dassin realiza en EEUU antes de un largo exilio que se prolongará 18 años (no volverá a realizar un largometraje en EEUU hasta 1968). El rodaje de "Noche en la ciudad" debe llevarse a cabo en Londres durante unos meses en los que su nombre sonaba insistentemente entre los investigados por el macartismo. Darril F. Zanuck, entonces principal productor del estudio, decide que Dassin se traslade a Londres para adaptar la novela del escritor británico Gerald Kersh "Night and the City (1938)" con un guion de Jo Eisinger (Gilda). Pretende de esta forma proteger a la película de las injerencias del Comité de Actividades Antiamericanas, el cual entre otros objetivos pretendía investigar a aquellos directores, guionistas o escritores miembros del Partido Comunista o sospechosos de su entorno, y rastrear los posibles mensajes o propaganda del Partido que pudieran dejar entrever en sus películas. 

noche en la ciudad

"Noche en la Ciudad" esconde algunas de las inquietudes y rasgos de identidad de Dassin, y sin duda refleja la presión y las difíciles circunstancias a las que se veía sometido durante el rodaje. El film le permite articular un poderoso testimonio personal, a través de un relato que se sustenta en una sucesión de traiciones entre sus personajes. No es extraño que pudiese sentirse identificado con un personaje principal que parece destinado a huir, un buscavidas que retrata con todas sus debilidades y bajezas, perosobre el que despliega una gran comprensión. Finalmente, el devenir de este personaje le permite plasmar el desazonador estado que genera la certeza de una constante persecución. Estas connotaciones personales, junto al hecho de tratarse de un film de Cine Negro ambientado en Londres, pero realizado bajo la mirada de un cineasta americano que se había distinguido por una visión realista de las ciudades, influyeron poderosamente en los resultados de la película, tanto en su extraño y sugestivo poder visual, como en el palpable desaliento en el trasfondo del relato. La película comienza y finaliza con una persecución, la del protagonista del relato Harry Fabian (Richard Widmark), una especie de pequeño estafador con multitud de planes y escasos recursos. Dassin construye una estructura circular de la huida, una espiral en la que se encuentra sumido Fabian, y que parece incapaz de romper. 


noche en la ciudad


El film sigue sus incursiones por los bajos fondos londinenses, donde se mueve con evidente facilidad ocupándose de algunos encargos para los dueños de un club nocturno. Todos sus esfuerzos se dirigen a tratar de "triunfar" en su ambiente, dar el gran salto con negocios que parecen condenados desde el principio al fracaso. Por fin cree encontrar su gran oportunidad, con la que llegar a controlar el negocio de la lucha libre en Londres, y que precipitará su trágico final. Presenta a Fabian como un astuto timador que no duda en utilizar su encanto o mentir a todos los que tiene a su alrededor, y robar para salir de apuros, incluida a su novia Mary (Gene Tierney). Alguien que nació y morirá siendo un perdedor, como en cierto momento alguien le predice. Sin tratar de ocultar sus vilezas, al mismo tiempo nos revela un soñador que desborda entusiasmo con susproyectos, un personaje en continuo movimiento, con una energía y determinación similar a la que transmite Dassin en sus películas. Fabian forma parte activa de la cadena de traiciones del relato, pero también él será traicionado, sufrirá la delación, y Dassin le permite una redención final. Richard Widmark, da vida a Fabian de forma extraordinaria. El actor se encontraba en los primeros años de su carrera, y evoluciona respecto a anteriores filmes como "El beso de la muerte (1947)" de Henry Hathaway, 1947) o "Cielo amarillo (1948)" de William A. Wellman en los que había encarnado a malvados de una pieza. 

noche en la ciudad

Su composición de Fabian logra generar sentimientos contradictorios, gracias a su aspecto al mismo tiempo fuerte y vulnerable, una falsa elegancia en la que no falta un continuo clavel en la solapa, y una sucesión de primeros planos que reflejan tanto la astucia de su helada sonrisa, como su desilusión y amargura. Uno de los aspectos más sugerentes de "Noche en la Ciudad" es el hecho de ver reflejada en la pantalla una ciudad como Londres a través de los ojos ajenos de un director americano especialista en el Noir, que parece desenvolverse en las calles de sus locales nocturnos, muelles y sórdidas márgenes del río, con la misma precisión que si se encontrase rodando en Nueva York. De esta forma lo demuestra la primera secuencia en la que nos introduce en el submundo en el que se mueve Fabian, mediante un estupendo travelling que recoge su avance por el callejón del club donde trabaja, mientras va reconociendo y saludando a sus habituales. Esta aproximación a la realidad confluye en el film con unas imágenes que descubren ecos expresionistas, obra del director de fotografía Max Greene, y que muestran la influencia de la época del cine mudo alemán. Existen dos versiones de esta película: la "británica" (más larga y, quizás por ello, algo más coherente) y la "norteamericana", cada una de ellas adaptada a su correspondiente mercado. Estas dos versiones poseen notables diferencias, la más destacada es la de su banda sonora. Franz Waxman se encargó del score de la versión USA (empleando una gran y melodramática orquesta) y Benjamin Frankel de la correspondiente para el estreno en UK.

noche en la ciudad

Título original: Night and the city.

Director: Jules Dassin.

Intérpretes: Richard Widmark, Gene Tierney, Googie Withers, Hugh Marlowe, Francis L. Sullivan, Herbert Lom, Stanislaus Zbyszko.

Trailer: 


Escena:


Reseña escrita por Ramón Abello Miñano

Información complementaria:

sin perdón
El guión de "Sin Perdón" de David Weeb Peoples fue comprado por un ávido Eastwood y guardado durante casi 20 años en un cajón cerrado con llave para llevarlo al cine cuando el gran Clint tuviera la edad necesaria para interpretarlo y dirigirlo. A sus 62 años el curtido maestro desempolvó el libreto de "Sin Perdón" para adaptarlo con el protagonismo de un hombre mayor viudo, al que su mujer cambió de tal manera que pasó de ser un asesino, despiadado y forajido a un hombre familiar, casado, católico y con 2 hijos. William Munny se esfuerza en su granja de cerdos por sacar adelante a sus hijos no siendo capaz de mantenerlos adecuadamente y obligado a aceptar un trabajo que le llevará de nuevo a matar por una recompensa ofrecida por unas prostitutas que han visto como una de sus compañeras ha sido ultrajada y maltratada por unos ganaderos. "Munny" se acompañará de un inexperto y joven parlanchín que alardea de sus fechorías y de un experimentado compañero de sus años jóvenes como malechor, un Morgan Freeman que acepta emprender el viaje para ayudar a matar a los ganaderos y cobrar la recompensa. El viaje de estos 3 jinetes llevará a William Munny a deshumanizarse de nuevo, dejando atrás todos los esfuerzos de su mujer fallecida para llevar una vida digna y decente, mediante un último trabajo que tiene que llevar a un viejo reinsertado a cometer asesinatos para llevar el sustento a sus hijos...Unos asesinatos que en su pasado no hubiera dudado en aceptar, pero que ahora (ya mayor) remuerden su conciencia levantando viejos demonios de su pasado como despiadado asesino. 

sin perdón

Por otro lado, en la búsqueda de los ganaderos maltratadores Munny, Ned y el joven Schofield se las verán con un sheriff "Little Bill" despiadado, cruel y pésimo carpintero con el rostro de Gene Hackman (ganador del Óscar por este film), que intentará por todos los medios implantar su propia ley con sus incisivas maneras para evitar que los tres empleados de las prostitutas cobren su recompensa. Little Bill (Hackman) en las escenas con Richard Harris "Bob" (un pistolero inglés obsesionado con la monarquía y la nobleza) refleja la violencia y la mordacidad de un agente de la ley sin escrúpulos, magullando y avergonzando a Harris para llamar la atención y mostrar lo que les pasará a todos aquellos que intenten conseguír el dinero que ofrecen "las rameras". Eastwood asimiló el western icónico y sucio que aprendió con Sergio Leone mezclado con la humanidad, el desgarro y la dualidad que tenían algunos de los personajes de Don Siegel para dar el paso de reinventar el western con una estética oscura, húmeda y desmoralizadora. Un western mítico que refleja la miseria humana y la dificultad que entraña empuñar un arma para matar: -Matar a un hombre es algo muy duro, le quitas todo lo que tiene..Y todo lo que pudiera tener-. 

sin perdón

Munny es empujado a matar por la necesidad de alimentar a su familia y por las ampollas levantadas por Little Bill con sus violentas formas, lo que implica un viaje a sus infiernos personales del pasado para recoger su inhumanidad, su insensibilidad y su crudeza para matar a todos aquellos que merecen el castigo en la ciudad de Big Whisky. Un castigo del que será testigo un escritor que empieza a escribir los exagerados relatos de Bob (el inglés), que posteriormente se quedará con Little Bill dada su violenta manera de provocar y desterrar al británico cazarrecompensas, viendo posibilidades de escribir historias sobre el violento oeste contadas por el bravucón sheriff y que al final como biógrafo, será el único ser vivo que vea la crudeza, violencia y contundentes formas reales de William Munny para matar a todos, amenazando a todo vaquero viviente con una frase memorable: -Soy William Munny, he matado hombres, mujeres y niños, he matado a todo aquello que tuviera piernas y se moviera ..Y esta noche he venido a matarte a tí-. (Dirigiéndose a Bill antes de acabar con todos y pegarle un tiro en la cabeza con su escopeta). Un western duro, oscuro, que es una obra maestra indiscutible en el género, desmitificándolo por completo. Solo Clint-Munny es capaz de infundir miedo y respeto con una simple frase: ¿Quién es el dueño de esta pocilga?

sin perdón

Título original: Unforgiven.

Director: Clint Eastwood.

Intérpretes: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris, Jaimz Woolvett, Saul Rubinek, Frances Fisher.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

SIN PERDÓN (1992). El último gran western de Clint Eastwood.

sin perdón
El guión de "Sin Perdón" de David Weeb Peoples fue comprado por un ávido Eastwood y guardado durante casi 20 años en un cajón cerrado con llave para llevarlo al cine cuando el gran Clint tuviera la edad necesaria para interpretarlo y dirigirlo. A sus 62 años el curtido maestro desempolvó el libreto de "Sin Perdón" para adaptarlo con el protagonismo de un hombre mayor viudo, al que su mujer cambió de tal manera que pasó de ser un asesino, despiadado y forajido a un hombre familiar, casado, católico y con 2 hijos. William Munny se esfuerza en su granja de cerdos por sacar adelante a sus hijos no siendo capaz de mantenerlos adecuadamente y obligado a aceptar un trabajo que le llevará de nuevo a matar por una recompensa ofrecida por unas prostitutas que han visto como una de sus compañeras ha sido ultrajada y maltratada por unos ganaderos. "Munny" se acompañará de un inexperto y joven parlanchín que alardea de sus fechorías y de un experimentado compañero de sus años jóvenes como malechor, un Morgan Freeman que acepta emprender el viaje para ayudar a matar a los ganaderos y cobrar la recompensa. El viaje de estos 3 jinetes llevará a William Munny a deshumanizarse de nuevo, dejando atrás todos los esfuerzos de su mujer fallecida para llevar una vida digna y decente, mediante un último trabajo que tiene que llevar a un viejo reinsertado a cometer asesinatos para llevar el sustento a sus hijos...Unos asesinatos que en su pasado no hubiera dudado en aceptar, pero que ahora (ya mayor) remuerden su conciencia levantando viejos demonios de su pasado como despiadado asesino. 

sin perdón

Por otro lado, en la búsqueda de los ganaderos maltratadores Munny, Ned y el joven Schofield se las verán con un sheriff "Little Bill" despiadado, cruel y pésimo carpintero con el rostro de Gene Hackman (ganador del Óscar por este film), que intentará por todos los medios implantar su propia ley con sus incisivas maneras para evitar que los tres empleados de las prostitutas cobren su recompensa. Little Bill (Hackman) en las escenas con Richard Harris "Bob" (un pistolero inglés obsesionado con la monarquía y la nobleza) refleja la violencia y la mordacidad de un agente de la ley sin escrúpulos, magullando y avergonzando a Harris para llamar la atención y mostrar lo que les pasará a todos aquellos que intenten conseguír el dinero que ofrecen "las rameras". Eastwood asimiló el western icónico y sucio que aprendió con Sergio Leone mezclado con la humanidad, el desgarro y la dualidad que tenían algunos de los personajes de Don Siegel para dar el paso de reinventar el western con una estética oscura, húmeda y desmoralizadora. Un western mítico que refleja la miseria humana y la dificultad que entraña empuñar un arma para matar: -Matar a un hombre es algo muy duro, le quitas todo lo que tiene..Y todo lo que pudiera tener-. 

sin perdón

Munny es empujado a matar por la necesidad de alimentar a su familia y por las ampollas levantadas por Little Bill con sus violentas formas, lo que implica un viaje a sus infiernos personales del pasado para recoger su inhumanidad, su insensibilidad y su crudeza para matar a todos aquellos que merecen el castigo en la ciudad de Big Whisky. Un castigo del que será testigo un escritor que empieza a escribir los exagerados relatos de Bob (el inglés), que posteriormente se quedará con Little Bill dada su violenta manera de provocar y desterrar al británico cazarrecompensas, viendo posibilidades de escribir historias sobre el violento oeste contadas por el bravucón sheriff y que al final como biógrafo, será el único ser vivo que vea la crudeza, violencia y contundentes formas reales de William Munny para matar a todos, amenazando a todo vaquero viviente con una frase memorable: -Soy William Munny, he matado hombres, mujeres y niños, he matado a todo aquello que tuviera piernas y se moviera ..Y esta noche he venido a matarte a tí-. (Dirigiéndose a Bill antes de acabar con todos y pegarle un tiro en la cabeza con su escopeta). Un western duro, oscuro, que es una obra maestra indiscutible en el género, desmitificándolo por completo. Solo Clint-Munny es capaz de infundir miedo y respeto con una simple frase: ¿Quién es el dueño de esta pocilga?

sin perdón

Título original: Unforgiven.

Director: Clint Eastwood.

Intérpretes: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris, Jaimz Woolvett, Saul Rubinek, Frances Fisher.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

pulp fiction
Me he propuesto, dado que se cumplen 20 años del estreno de la segunda película del gran, transgresor y popular Quentin Tarantino, recordar la que todavía es considerada su mejor película "Pulp Fiction". Cuando la película empezó a popularizarse, muchos sintieron que les había gustado tanto el film que compraron la camiseta "merchandising" para poder decir: -Yo he visto "Pulp Fiction" si no la has visto es que no estás a la moda-. Y es que el film del bueno de Quentin rompió esquemas en el cine de tal manera como lo hizo en su tiempo Andy Warhol en la pintura y la publicidad con las sopas Campbell mediante el "pop-art". "Pulp Fiction" hace referencia a pequeñas narraciones en forma de folletín en los años 40 y 50 con historias de interés popular en la época, tales como el erotismo, la violencia, la ciencia ficción, misterio, gangsters etc.. Todas ellas con pequeñas ilustraciones, que al parecer fomentaron la imaginería cinéfila tan variada y reconocida de Tarantino mientras trabajó en el videoclub como dependiente. Un resurgido John Travolta comenzó con las "resurreciones" que el director de "Reservoig Dogs (1992)" programaría en sus películas, con muchos actores/ices que habían pasado épocas mejores y a los que se les ofrecía "una segunda oportunidad": El mencionado Travolta y Eric Stoltz en "Pulp Fiction", Robert Foster y Pam Grier en "Jackie Brown", David Carradine y Daryl Hannah en "Kill Bill" y Don Johnson en "Django" por poner algunos ejemplos, a la vez que daba a conocer a magníficos actores noveles (ahí está el posteriormente oscarizado Cristoph Waltz) y Samuel L. Jackson, que a partir de su colaboración con Tarantino no han bajado en ningún momento del éxito Hollywoodiense. 

pulp fiction

"Pulp Fiction" a base de unos diálogos alocados, rápidos y vulgares (hablando por ejemplo de hamburguesas y sexo) todos llenos de insultos y tacos, son capaces de llamar la atención del espectador en una época en la que resultaron chocantes y reaccionarios pero que indudablemente surtieron el efecto esperado. Todas las subtramas de Pulp Fiction se entrecruzan entre violencia, humor, sangre, drogas, disparos, vulgaridades y gangsters, pero con un estilo visual tan novedoso como atractivo, lo cual generó el éxito de la película. Secuencias que han entrado a formar parte de la historia del cine y del recuerdo del aficionado cinéfilo plagan el film número 2 de Tarantino: El baile que se marcan Travolta y Thurman tan repetido y aclamado, el sermón bíblico de L.Jackson, la aparición de "El sr. Lobo" (un genial y sorprendente Harvey Keitel), la escena en el sótano con el boxeador Bruce Willis y el mafioso de Ving Rhames vejados y ultrajados, el despertar de una drogada Uma Thurman con la jeringuilla en el pecho y más...

pulp fiction

Toda la película es conducida por los secuaces de "Marsellus Wallace" (Julius y Vincent) con otras historias escondidas en la trama por personajes tan ricos en matices que merecerían su propio "spin off". A modo de curiosidades, comentar que los nombres que tienen Travolta y Jackson son debidos a los nombres que tuvieron Schwarzenegger' y Danny de Vitto en "Los gemelos golpean 2 veces (1988)" (dato reconocído por Tarantino), y que Bruce Willis tuvo que suplicar para encarnar a este boxeador reflexivo, bajando enormemente su sueldo hasta límites insospechados para que le dieran el papel. "Pulp Fiction" es un fílm que entra en la historia del cine por su capacidad para darle "aires nuevos" y todo un símbolo en la cultura popular en los años 90's...¡Ah!..Se me olvidaba, nunca se sabrá lo que contenía la misteriosa maleta...Tarantino dice que lo que el espectador quiera...

pulp fiction
  
Director: Quentin Tarantino.

Intérpretes: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Eric Stoltz.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria: 
Pulp Fiction (1994). Obra magna de Quentin Tarantino

PULP FICTION (1994). 20 años del estreno del clásico de Tarantino.

pulp fiction
Me he propuesto, dado que se cumplen 20 años del estreno de la segunda película del gran, transgresor y popular Quentin Tarantino, recordar la que todavía es considerada su mejor película "Pulp Fiction". Cuando la película empezó a popularizarse, muchos sintieron que les había gustado tanto el film que compraron la camiseta "merchandising" para poder decir: -Yo he visto "Pulp Fiction" si no la has visto es que no estás a la moda-. Y es que el film del bueno de Quentin rompió esquemas en el cine de tal manera como lo hizo en su tiempo Andy Warhol en la pintura y la publicidad con las sopas Campbell mediante el "pop-art". "Pulp Fiction" hace referencia a pequeñas narraciones en forma de folletín en los años 40 y 50 con historias de interés popular en la época, tales como el erotismo, la violencia, la ciencia ficción, misterio, gangsters etc.. Todas ellas con pequeñas ilustraciones, que al parecer fomentaron la imaginería cinéfila tan variada y reconocida de Tarantino mientras trabajó en el videoclub como dependiente. Un resurgido John Travolta comenzó con las "resurreciones" que el director de "Reservoig Dogs (1992)" programaría en sus películas, con muchos actores/ices que habían pasado épocas mejores y a los que se les ofrecía "una segunda oportunidad": El mencionado Travolta y Eric Stoltz en "Pulp Fiction", Robert Foster y Pam Grier en "Jackie Brown", David Carradine y Daryl Hannah en "Kill Bill" y Don Johnson en "Django" por poner algunos ejemplos, a la vez que daba a conocer a magníficos actores noveles (ahí está el posteriormente oscarizado Cristoph Waltz) y Samuel L. Jackson, que a partir de su colaboración con Tarantino no han bajado en ningún momento del éxito Hollywoodiense. 

pulp fiction

"Pulp Fiction" a base de unos diálogos alocados, rápidos y vulgares (hablando por ejemplo de hamburguesas y sexo) todos llenos de insultos y tacos, son capaces de llamar la atención del espectador en una época en la que resultaron chocantes y reaccionarios pero que indudablemente surtieron el efecto esperado. Todas las subtramas de Pulp Fiction se entrecruzan entre violencia, humor, sangre, drogas, disparos, vulgaridades y gangsters, pero con un estilo visual tan novedoso como atractivo, lo cual generó el éxito de la película. Secuencias que han entrado a formar parte de la historia del cine y del recuerdo del aficionado cinéfilo plagan el film número 2 de Tarantino: El baile que se marcan Travolta y Thurman tan repetido y aclamado, el sermón bíblico de L.Jackson, la aparición de "El sr. Lobo" (un genial y sorprendente Harvey Keitel), la escena en el sótano con el boxeador Bruce Willis y el mafioso de Ving Rhames vejados y ultrajados, el despertar de una drogada Uma Thurman con la jeringuilla en el pecho y más...

pulp fiction

Toda la película es conducida por los secuaces de "Marsellus Wallace" (Julius y Vincent) con otras historias escondidas en la trama por personajes tan ricos en matices que merecerían su propio "spin off". A modo de curiosidades, comentar que los nombres que tienen Travolta y Jackson son debidos a los nombres que tuvieron Schwarzenegger' y Danny de Vitto en "Los gemelos golpean 2 veces (1988)" (dato reconocído por Tarantino), y que Bruce Willis tuvo que suplicar para encarnar a este boxeador reflexivo, bajando enormemente su sueldo hasta límites insospechados para que le dieran el papel. "Pulp Fiction" es un fílm que entra en la historia del cine por su capacidad para darle "aires nuevos" y todo un símbolo en la cultura popular en los años 90's...¡Ah!..Se me olvidaba, nunca se sabrá lo que contenía la misteriosa maleta...Tarantino dice que lo que el espectador quiera...

pulp fiction
  
Director: Quentin Tarantino.

Intérpretes: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Eric Stoltz.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria: 
Pulp Fiction (1994). Obra magna de Quentin Tarantino

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