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el-precio-del-poder
Remake de un clásico de 50 años antes: Caracortada, terror del hampa (1932), dirigido por Howard Hawks y escrito por Ben Hetch, inspirado en la vida del mafioso Al Capone, película que también provocó protestas por su violencia implícita y, curiosamente, algún crítico asalariado del capo la tildó como "una versión distorsionada de los valores empresariales de América" o algo así.

En 1983, escrita por Oliver Stone, nuestro viejo amigo Brian de Palma, actualizaba el tema del ascenso de un delincuente de poca monta que se convertía en un auténtico rey del crimen organizado, esta vez venía de Cuba, durante el éxodo de 125000 isleños cuando Fidel Castro permitió que desde el puerto de Mariel salieran opositores al régimen y de paso, purificó sus cárceles, pues una quinta parte eran individuos con antecedentes criminales. Así llega Tony Montana a Florida acompañado de su fiel amigo Manny Rivera y desde el comienzo sabemos que este angelito llegará lejos en el submundo del hampa.

Caracortada, obvio apodo para un sujeto con una cicatriz en el lado izquierdo del rostro, cuya maldad le facilitará el camino desde sicario a segundo de un mafioso local y posteriormente, al traicionarlo, a hampón mayor y zar del narcotráfico. Precisamente el vicio hacia la cocaína tanto suyo como de su esposa marcarán su declive, sumados a su comportamiento totalmente antisocial, su amor evidentemente incestuoso hacia su hermana y su gusto por las armas, confluyendo en un sangriento desenlace.


el-precio-del-poder

Tony Montana es una caracterización brutal de Al Pacino que nos hace olvidar que ya había interpretado otros personajes. El contenido Michael Corleone se psicopatiza en un repulsivo ser hiperquinético que no mide obstáculos hasta llegar a su objetivo, aunque tiene sus principios: ¡Todo lo que tengo son mis bolas y mi palabra y no las romperé por nadie!, así como tampoco se mete con mujeres (a menos que quiera algo de ellas) y niños. Pero Pacino le brinda también simpatía al tipo pues siendo otro quisiéramos que ya sea baleado a los 20 minutos de la película, sino que estupefactos admiramos su recorrido hacia la cúspide. ¿Qué quieres? Le pregunta su amigo Manny. Quiero el mundo y todo lo que hay en él, le responderá, y justamente eso tendrá al final en forma de un enorme globo terráqueo colgando sobre su cadáver: The world is yours.

Como su mano derecha está Steven Bauer, un cubano (el único cubano de la película) nacionalizado americano que comenzó llamándose Esteban "Ricky" Echeverría y que de una serie divertida llamada Que pasa USA saltó a la fama con este personaje que también será víctima de la paranoia de su amigazo solo por el pecado de enamorarse de la hermana del psicótico (spoiler que seguramente todo el mundo sabe) y que contribuye al desastre total que está por venir.

En papeles secundarios aparecen Michelle Pfeiffer recién salidita de Grease 2, luciendo una belleza condenada a la destrucción, primero amante del criminal Frank López (Robert Loggia) y luego mujer de Montana. Mary Elizabeth Mastrantonio encarna a Gina, la fraternal carne del deseo. Y en papeles mucho menos importantes reconocemos a Gregg Henry, Harris Yulin, Paul Shenar (Alejandro Sosa, rey de la coca boliviano) y a un tal F. Murray Abraham.


el-precio-del-poder

Brian de Palma de una manera vertiginosa, quizá para subliminalmente hablarnos del efecto del polvo blanco, dirige esta explosiva, sangrienta (aunque la verdad, se sugiere más de lo que se muestra), ochentera (música disco y sintetizadores) película , criticada por el exceso de lenguaje obsceno (hay fucks por doquier), que llevó a la ejecución de 2 versiones, la una para cine y otra descafeinada para la tv. Brian sustituyó a Sidney Lumet, que fuera el elegido por Martin Bregman y quien sugirió los cambios de localidad (Chicago por Miami) y el tipo de droga (alcohol por coca), pero un desacuerdo con el guión lo dejó fuera. Guión escrito por Oliver Stone que necesitaba reivindicarse del fracaso del filme de terror La mano (1981) (remake de Las manos de Orlac) donde ejerció de director. Con eso la carga política y crítica al sistema ya iba por buen camino, recordemos que se iniciaba la era Reagan, capitalismo en estado puro. La música trepidante estuvo a cargo de Giorgio Moroder. Push it to the limit, daba el pincelazo adecuado para retratar el ambiente de la época.

El apoteósico final con un alucinante Tony, hiperexcitado con la coca y la adrenalina, metralleta en mano (say hello to my Little friend) llevándose a más de una veintena de sicarios cual Rambo forma parte de la historia del cine. En la versión de los 30, Caracortada cae bajo el fuego de los hombres de la ley. Aquí, no pudiendo ser de otra manera pues su destino está ya escrito, son los suyos, los narcos, quienes le dan fin.


el-precio-del-poder

Título original: Scarface.

Director: Brian De Palma.

Intérpretes: Al PacinoSteven BauerMichelle PfeifferMary Elizabeth MastrantonioRobert LoggiaMiriam ColonF. Murray Abraham.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

EL PRECIO DEL PODER (1983). Al Pacino es Tony Montana.

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Remake de un clásico de 50 años antes: Caracortada, terror del hampa (1932), dirigido por Howard Hawks y escrito por Ben Hetch, inspirado en la vida del mafioso Al Capone, película que también provocó protestas por su violencia implícita y, curiosamente, algún crítico asalariado del capo la tildó como "una versión distorsionada de los valores empresariales de América" o algo así.

En 1983, escrita por Oliver Stone, nuestro viejo amigo Brian de Palma, actualizaba el tema del ascenso de un delincuente de poca monta que se convertía en un auténtico rey del crimen organizado, esta vez venía de Cuba, durante el éxodo de 125000 isleños cuando Fidel Castro permitió que desde el puerto de Mariel salieran opositores al régimen y de paso, purificó sus cárceles, pues una quinta parte eran individuos con antecedentes criminales. Así llega Tony Montana a Florida acompañado de su fiel amigo Manny Rivera y desde el comienzo sabemos que este angelito llegará lejos en el submundo del hampa.

Caracortada, obvio apodo para un sujeto con una cicatriz en el lado izquierdo del rostro, cuya maldad le facilitará el camino desde sicario a segundo de un mafioso local y posteriormente, al traicionarlo, a hampón mayor y zar del narcotráfico. Precisamente el vicio hacia la cocaína tanto suyo como de su esposa marcarán su declive, sumados a su comportamiento totalmente antisocial, su amor evidentemente incestuoso hacia su hermana y su gusto por las armas, confluyendo en un sangriento desenlace.


el-precio-del-poder

Tony Montana es una caracterización brutal de Al Pacino que nos hace olvidar que ya había interpretado otros personajes. El contenido Michael Corleone se psicopatiza en un repulsivo ser hiperquinético que no mide obstáculos hasta llegar a su objetivo, aunque tiene sus principios: ¡Todo lo que tengo son mis bolas y mi palabra y no las romperé por nadie!, así como tampoco se mete con mujeres (a menos que quiera algo de ellas) y niños. Pero Pacino le brinda también simpatía al tipo pues siendo otro quisiéramos que ya sea baleado a los 20 minutos de la película, sino que estupefactos admiramos su recorrido hacia la cúspide. ¿Qué quieres? Le pregunta su amigo Manny. Quiero el mundo y todo lo que hay en él, le responderá, y justamente eso tendrá al final en forma de un enorme globo terráqueo colgando sobre su cadáver: The world is yours.

Como su mano derecha está Steven Bauer, un cubano (el único cubano de la película) nacionalizado americano que comenzó llamándose Esteban "Ricky" Echeverría y que de una serie divertida llamada Que pasa USA saltó a la fama con este personaje que también será víctima de la paranoia de su amigazo solo por el pecado de enamorarse de la hermana del psicótico (spoiler que seguramente todo el mundo sabe) y que contribuye al desastre total que está por venir.

En papeles secundarios aparecen Michelle Pfeiffer recién salidita de Grease 2, luciendo una belleza condenada a la destrucción, primero amante del criminal Frank López (Robert Loggia) y luego mujer de Montana. Mary Elizabeth Mastrantonio encarna a Gina, la fraternal carne del deseo. Y en papeles mucho menos importantes reconocemos a Gregg Henry, Harris Yulin, Paul Shenar (Alejandro Sosa, rey de la coca boliviano) y a un tal F. Murray Abraham.


el-precio-del-poder

Brian de Palma de una manera vertiginosa, quizá para subliminalmente hablarnos del efecto del polvo blanco, dirige esta explosiva, sangrienta (aunque la verdad, se sugiere más de lo que se muestra), ochentera (música disco y sintetizadores) película , criticada por el exceso de lenguaje obsceno (hay fucks por doquier), que llevó a la ejecución de 2 versiones, la una para cine y otra descafeinada para la tv. Brian sustituyó a Sidney Lumet, que fuera el elegido por Martin Bregman y quien sugirió los cambios de localidad (Chicago por Miami) y el tipo de droga (alcohol por coca), pero un desacuerdo con el guión lo dejó fuera. Guión escrito por Oliver Stone que necesitaba reivindicarse del fracaso del filme de terror La mano (1981) (remake de Las manos de Orlac) donde ejerció de director. Con eso la carga política y crítica al sistema ya iba por buen camino, recordemos que se iniciaba la era Reagan, capitalismo en estado puro. La música trepidante estuvo a cargo de Giorgio Moroder. Push it to the limit, daba el pincelazo adecuado para retratar el ambiente de la época.

El apoteósico final con un alucinante Tony, hiperexcitado con la coca y la adrenalina, metralleta en mano (say hello to my Little friend) llevándose a más de una veintena de sicarios cual Rambo forma parte de la historia del cine. En la versión de los 30, Caracortada cae bajo el fuego de los hombres de la ley. Aquí, no pudiendo ser de otra manera pues su destino está ya escrito, son los suyos, los narcos, quienes le dan fin.


el-precio-del-poder

Título original: Scarface.

Director: Brian De Palma.

Intérpretes: Al PacinoSteven BauerMichelle PfeifferMary Elizabeth MastrantonioRobert LoggiaMiriam ColonF. Murray Abraham.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

legionario
El pasado jueves 16 de febrero tuvo lugar el preestreno del film "Legionario" en los Multicines Tenerife. Un evento organizado por Charlas de Cine y que estuvo amenizado por la proyección de dicho film y una posterior charla compuesta por el director, actor principal y productora de la película. En ella pudimos disfrutar de sus vivencias en el rodaje, contándonos anécdotas durante la realización de la película, todo ello en un ambiente distendido donde el público pudo expresar sus impresiones del largometraje en cuestión.

Legionario supone el debut detrás de las cámaras del mexicano Eduardo H. Garza, también encargado de la fotografía y la escritura del guión. En su primera película Garza nos narra la historia de Santos, un soldado que tras participar en una misión en Afganistan regresa a casa para encontrarse con su novia. Su felicidad durará poco después de asistir a una fiesta de bienvenida organizado por sus amigos y despertarse acostado al lado del cadáver de una mujer.

 Con un bajo presupuesto (aunque no lo parezca al ver sus escenas bélicas y de acción) la películas tardaría 5 años en ver la luz debido a  los escasos medios que disponían para llevarla a cabo y sus problemas de conseguir un distribuidor.  El film, que combina el género bélico con el thriller psicológico, sería rodado en su totalidad en la Comunidad de Madrid, incluso las escenas de Afganistan donde harían uso de un campo de paintball situado en Boadilla del Monte para mostrarnos las escenas de guerra. 


legionario

A pesar de que a simple vista pueda parecernos un film que busca transmitir un mensaje antibelicista, el propósito del realizador no fue otro que expresar lo que se siente al perder a un ser querido, como el amor puede desatar ira y locura cuando esa persona que quieres desaparece de tu vida. 

La película, realizada la mayor parte del tiempo con largos planos secuencias y de movimientos de cámara en primera persona, se caracteriza por mantenerlos en vilo los escasos 80 minutos de duración. Haciendo uso de giros narrativos que nos hace confundir hasta la conclusión de la misma con un final sorprendente y a la vez impactante.

Destaca la actuación de Raúl Tejón que lleva gran parte del peso del film, con un personaje complejo de realizar pero que el actor lo lleva a cabo de manera notable, sin desentonar en ningún momento, mostrando su desparpajo delante de las cámaras y que le deparará, sin lugar a dudas, un gran futuro en el mundo del cine.

Acompañando al protagonista podemos encontrarnos con la actriz Diana Palazón, que al igual que Raúl es conocida por participar en series televisivas a pesar de también contar con pequeños papeles en películas como "Planta 4º" o "Gente Pez".

Cabe resaltar el apartado musical compuesto por Eduardo Ardibe, autor de la partitura de "El bola".


legionario

Director: Eduardo H. Garza.

Intérpretes: Raúl TejónDiana PalazónLuis MottolaJuanjo SanjoséMarta CanaldaCamilo VásquezNacho FresnedaArturo de la TorreElio Godino.

Trailer:


Instantes del preestreno y la charla organizada al final de la proyección (Fotos a cargo de Dolores Portero):










Reseña escrita por Jesús Fariña

LEGIONARIO (2017). La ópera prima de Eduardo H. Garza.

legionario
El pasado jueves 16 de febrero tuvo lugar el preestreno del film "Legionario" en los Multicines Tenerife. Un evento organizado por Charlas de Cine y que estuvo amenizado por la proyección de dicho film y una posterior charla compuesta por el director, actor principal y productora de la película. En ella pudimos disfrutar de sus vivencias en el rodaje, contándonos anécdotas durante la realización de la película, todo ello en un ambiente distendido donde el público pudo expresar sus impresiones del largometraje en cuestión.

Legionario supone el debut detrás de las cámaras del mexicano Eduardo H. Garza, también encargado de la fotografía y la escritura del guión. En su primera película Garza nos narra la historia de Santos, un soldado que tras participar en una misión en Afganistan regresa a casa para encontrarse con su novia. Su felicidad durará poco después de asistir a una fiesta de bienvenida organizado por sus amigos y despertarse acostado al lado del cadáver de una mujer.

 Con un bajo presupuesto (aunque no lo parezca al ver sus escenas bélicas y de acción) la películas tardaría 5 años en ver la luz debido a  los escasos medios que disponían para llevarla a cabo y sus problemas de conseguir un distribuidor.  El film, que combina el género bélico con el thriller psicológico, sería rodado en su totalidad en la Comunidad de Madrid, incluso las escenas de Afganistan donde harían uso de un campo de paintball situado en Boadilla del Monte para mostrarnos las escenas de guerra. 


legionario

A pesar de que a simple vista pueda parecernos un film que busca transmitir un mensaje antibelicista, el propósito del realizador no fue otro que expresar lo que se siente al perder a un ser querido, como el amor puede desatar ira y locura cuando esa persona que quieres desaparece de tu vida. 

La película, realizada la mayor parte del tiempo con largos planos secuencias y de movimientos de cámara en primera persona, se caracteriza por mantenerlos en vilo los escasos 80 minutos de duración. Haciendo uso de giros narrativos que nos hace confundir hasta la conclusión de la misma con un final sorprendente y a la vez impactante.

Destaca la actuación de Raúl Tejón que lleva gran parte del peso del film, con un personaje complejo de realizar pero que el actor lo lleva a cabo de manera notable, sin desentonar en ningún momento, mostrando su desparpajo delante de las cámaras y que le deparará, sin lugar a dudas, un gran futuro en el mundo del cine.

Acompañando al protagonista podemos encontrarnos con la actriz Diana Palazón, que al igual que Raúl es conocida por participar en series televisivas a pesar de también contar con pequeños papeles en películas como "Planta 4º" o "Gente Pez".

Cabe resaltar el apartado musical compuesto por Eduardo Ardibe, autor de la partitura de "El bola".


legionario

Director: Eduardo H. Garza.

Intérpretes: Raúl TejónDiana PalazónLuis MottolaJuanjo SanjoséMarta CanaldaCamilo VásquezNacho FresnedaArturo de la TorreElio Godino.

Trailer:


Instantes del preestreno y la charla organizada al final de la proyección (Fotos a cargo de Dolores Portero):










Reseña escrita por Jesús Fariña

gentleman-jim
"Gentleman Jim" es una original película del maestro Raoul Walsh basada en las memorias de James J. Corbett, uno de los pioneros en desarrollar el deporte del boxeo tal y como lo conocemos hoy en día. Se trata de un relato atípico de boxeo, un deporte que el cine ha sabido retratar desde diferentes perspectivas que abarcan desde el Cine Noir hasta el cine de denuncia social, pasando por épicas autobiografías o relatos de visceral violencia con especial intensidad física.

En este caso Walsh, el gran narrador de relatos, cineasta por excelencia que supo cultivar todo tipo de géneros y sus intersecciones, nos deleita con una obra tan original como inclasificable, ya que no se trata de un film oscuro o especialmente violento, sino de una aguda mezcla entre comedia, sátira social y cine de acción.

Durante el metraje predomina un ritmo sobresaliente, una descripción precisa del entorno social de finales del S. XIX y una muy certera aproximación a esa transición entre peleas callejeras de fortachones casi salvajes y la creación de una verdadera disciplina deportiva. Ambientado en San Francisco, el relato toma como eje central el período en el que Corbett se convirtió en el primer campeón del mundo de los pesos pesados, hacia 1892, cuando derrotó a John L. Sullivan, tras la entrada en vigor de las llamadas reglas de Queensberry, que exigían la utilización de unos guantes hinchados para proteger los nudillos, un cuadrilátero con unas medidas determinadas y establecían la duración del combate.


gentleman-jim

"Voy a traer al entrenador del príncipe de Inglaterra. Si no puedes convertir a los boxeadores en caballeros, habrá que convertir a los caballeros en boxeadores".

Con este párrafo se define la mayor parte del mensaje del film. El boxeo es mucho más que una salvaje demostración de fuerza física, es un deporte y como tal debe ser considerado.

Raoul Walsh con el guión elaborado por Vincent Lawrence y Horace McCoy, rescata del recuerdo la figura y las memorias de todo un personaje que él mismo conoció en vida. Y para representarlo qué mejor elección que la de uno de sus actores con fama de elegante vividor que además había practicado el boxeo durante su juventud: Errol Flynn, quien supo darle el carisma y la picaresca que requería el protagonista.

Mucho se ha escrito sobre Errol, si bien es cierto que Raoul Walsh supo sacarle el máximo partido como actor en las siete colaboraciones que hicieron juntos, y este film es buena prueba de ello.Por todos es conocido que Errol era amigo de las juergas, las dos grandes aficiones del actor fueron la bebida y el sexo:

"Me gusta el whisky viejo y las mujeres jóvenes".


gentleman-jim

Probó el opio, la marihuana y todo tipo de afrodisiacos, "en especial la cocaína untada en la punta del pene". En cuanto al alcohol llegó a inyectar vodka en naranjas para consumirlo en el plató sin que pudieran recriminarle su adicción. Pero lo que más le destrozó anímicamente fue que lo rechazaran como "no apto" para combatir en la Segunda Guerra Mundial por problemas de salud, lo cual, conociendo sus excesos, no parece nada raro. Al salir esto a la luz, afectó muy negativamente a su imagen de héroe imbatible. Tan duramente estaba herido su ego, que al rodar este film casi sufre un ataque al corazón por empeñarse en rodar él mismo las escenas del combate.

Como resultado de esta gran colaboración entre un genio del cine y un carismático protagonista nos queda una deliciosa obra sobre el deporte del boxeo, donde destaca la maestría de un gran narrador de relatos que nos acerca a una época histórica de grandes cambios con un ritmo vibrante muy cercano al cine de acción, con unos diálogos chispeantes característicos de una buena comedia y una ambientación y puesta en escena donde se perciben atisbos de un cine social. Todo ello envuelto por la característica lucidez, vitalidad y entusiasmo viril del gran Raoul Walsh.


gentleman-jim

Director: Raoul Walsh.

Intérpretes: Errol FlynnAlexis SmithJack CarsonAlan HaleJohn LoderWilliam FrawleyMinor WatsonWard BondMadeleine LeBeau.

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

GENTLEMAN JIM (1942). Errol Flynn es el boxeador James Corbett.

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"Gentleman Jim" es una original película del maestro Raoul Walsh basada en las memorias de James J. Corbett, uno de los pioneros en desarrollar el deporte del boxeo tal y como lo conocemos hoy en día. Se trata de un relato atípico de boxeo, un deporte que el cine ha sabido retratar desde diferentes perspectivas que abarcan desde el Cine Noir hasta el cine de denuncia social, pasando por épicas autobiografías o relatos de visceral violencia con especial intensidad física.

En este caso Walsh, el gran narrador de relatos, cineasta por excelencia que supo cultivar todo tipo de géneros y sus intersecciones, nos deleita con una obra tan original como inclasificable, ya que no se trata de un film oscuro o especialmente violento, sino de una aguda mezcla entre comedia, sátira social y cine de acción.

Durante el metraje predomina un ritmo sobresaliente, una descripción precisa del entorno social de finales del S. XIX y una muy certera aproximación a esa transición entre peleas callejeras de fortachones casi salvajes y la creación de una verdadera disciplina deportiva. Ambientado en San Francisco, el relato toma como eje central el período en el que Corbett se convirtió en el primer campeón del mundo de los pesos pesados, hacia 1892, cuando derrotó a John L. Sullivan, tras la entrada en vigor de las llamadas reglas de Queensberry, que exigían la utilización de unos guantes hinchados para proteger los nudillos, un cuadrilátero con unas medidas determinadas y establecían la duración del combate.


gentleman-jim

"Voy a traer al entrenador del príncipe de Inglaterra. Si no puedes convertir a los boxeadores en caballeros, habrá que convertir a los caballeros en boxeadores".

Con este párrafo se define la mayor parte del mensaje del film. El boxeo es mucho más que una salvaje demostración de fuerza física, es un deporte y como tal debe ser considerado.

Raoul Walsh con el guión elaborado por Vincent Lawrence y Horace McCoy, rescata del recuerdo la figura y las memorias de todo un personaje que él mismo conoció en vida. Y para representarlo qué mejor elección que la de uno de sus actores con fama de elegante vividor que además había practicado el boxeo durante su juventud: Errol Flynn, quien supo darle el carisma y la picaresca que requería el protagonista.

Mucho se ha escrito sobre Errol, si bien es cierto que Raoul Walsh supo sacarle el máximo partido como actor en las siete colaboraciones que hicieron juntos, y este film es buena prueba de ello.Por todos es conocido que Errol era amigo de las juergas, las dos grandes aficiones del actor fueron la bebida y el sexo:

"Me gusta el whisky viejo y las mujeres jóvenes".


gentleman-jim

Probó el opio, la marihuana y todo tipo de afrodisiacos, "en especial la cocaína untada en la punta del pene". En cuanto al alcohol llegó a inyectar vodka en naranjas para consumirlo en el plató sin que pudieran recriminarle su adicción. Pero lo que más le destrozó anímicamente fue que lo rechazaran como "no apto" para combatir en la Segunda Guerra Mundial por problemas de salud, lo cual, conociendo sus excesos, no parece nada raro. Al salir esto a la luz, afectó muy negativamente a su imagen de héroe imbatible. Tan duramente estaba herido su ego, que al rodar este film casi sufre un ataque al corazón por empeñarse en rodar él mismo las escenas del combate.

Como resultado de esta gran colaboración entre un genio del cine y un carismático protagonista nos queda una deliciosa obra sobre el deporte del boxeo, donde destaca la maestría de un gran narrador de relatos que nos acerca a una época histórica de grandes cambios con un ritmo vibrante muy cercano al cine de acción, con unos diálogos chispeantes característicos de una buena comedia y una ambientación y puesta en escena donde se perciben atisbos de un cine social. Todo ello envuelto por la característica lucidez, vitalidad y entusiasmo viril del gran Raoul Walsh.


gentleman-jim

Director: Raoul Walsh.

Intérpretes: Errol FlynnAlexis SmithJack CarsonAlan HaleJohn LoderWilliam FrawleyMinor WatsonWard BondMadeleine LeBeau.

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

comanchería
Aunque desconozco totalmente la filmografía de David Mackenzie anterior a "Hell or high water", el suyo será un nombre muy a tener en cuenta a partir de ahora a tenor del magnífico resultado obtenido en esta película que se mueve hábilmente dentro del noir rural, con pinceladas de western, así como dentro del género de robos y atracos.

Aunque como casi siempre el título comercial español no sea del todo acertado tiene bastante que ver con alguno de los temas que trata el film. Toby Howard (Chris Pine) y su hermano Tanner (Ben Foster), recién salido de la cárcel, se proponen reunir la cantidad de dinero necesario para pagar la hipoteca inversa que mediante cláusulas abusivas le impuso un banco a su anciana madre justo antes de morir. Apenas disponen de unos días para pagar si no quieren perder el rancho familiar, donde además se puede extraer petróleo de sus terrenos y así asegurar su futuro. Deciden obtener el dinero robando el Texas Midlands Bank, el mismo banco con el que tienen la deuda, mediante diferentes hurtos en distintas sucursales y a primera hora de la mañana para intentar que nadie resulte herido y solo hasta reunir la cantidad necesaria. Toby no tiene antecedentes ni instinto criminal, por lo tanto no estará dispuesto a correr riesgos durante la operación; su objetivo es pagar la hipoteca y poner a sus hijos como titulares del rancho, para así romper la tradición de pobreza que arrastra su familia. Tanner sin embargo parece disfrutar con los robos y no dudará en asesinar a quien le cause problemas, pero está decidido a ayudar a su hermano hasta el final. Los Rangers de Texas, Marcus Hamilton (Jeff Bridges) y Alberto Parker les siguen la pista y poco a poco irán descifrando el extraño modus operandi de los ladrones, ya que los indicios no se asemejan a ningún otro robo habitual.

comanchería

Su título original se podría traducir como "contra viento y marea" o "a cualquier precio", pero resulta que también es una cláusula habitual de los contratos bancarios: "... por medio de la cual la parte obligada debe continuar pagando hasta que se complete el plazo, independientemente de las dificultades que puedan surgir... ". Por lo tanto el significado de "Hell or high water" es  más adecuado y rico en matices que "Comanchería" a pesar de que hay un momento en la película donde un indio americano de etnia comanche le dice a Tanner durante una discusión en un casino que el significado de esa palabra es "el enemigo de todos"; o el discurso del Ranger Alberto, de origen comanche y mexicano, a su compañero Marcus contándole que los terrenos de Texas y Nuevo México primero pertenecieron a sus antepasados comanches, después se los arrebataron los americanos y por último los bancos se los están quitando a ellos.

comanchería

Con guión de Taylor Sheridan, autor del libreto de otro de los thrillers mas interesantes del pasado año; "Sicario" de Denis Villeneuve y una excelente banda sonora  de Nick Cave y Warren Ellis (cuyo tema de apertura lleva el título de "Comanchería"), así como de varios artistas de ese country-folk que tan bien evoca el paisaje de Texas y su particular idiosincrasia perfectamente descrita por David Mackenzie mediante un elenco de personajes rudos, racistas y violentos; después del robo a un banco por parte de Toby y Tanner, la gente del pueblo les persigue, armados y disparándoles incluso antes de que lleguen los Rangers. Pero también hay lugar para momentos más poéticos y sosegados donde la cámara nos muestra con detalle las inmensas llanuras e idílicos escenarios naturales del territorio, donde Mackenzie nos brinda unas panorámicas muy bellas del paisaje utilizando con maestría la profundidad de campo.


Thriller policiaco de robos y atracos bajo los códigos del western; bien podría ser un reprimido duelo  ese tenso encuentro final entre Marcus y Toby en el porche de su rancho, interrumpido por la mujer de este último, y en la que ambos acuerdan "finalizar la conversación en otro momento", o la secuencia del incendio en una carretera secundaria donde se ven atrapados los Rangers Marcus y Alberto y un grupo de cowboys que no pueden cruzar con su ganado, recriminando a los agentes que en pleno siglo XXI nadie acuda en su ayuda para sofocar el fuego, a lo que Marcus, el personaje interpretado por Jeff Bridges no le queda más remedio que callar y reconocer que los vaqueros, al igual que sus antepasados, se encuentran completamente solos.

comanchería

Título original: Hell or High Water.

Director: David Mackenzie.

Intérpretes: Jeff BridgesChris PineBen FosterGil BirminghamKaty MixonDale DickeyKevin RankinMelanie Papalia.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

COMANCHERÍA (2016). Robos en Texas.

comanchería
Aunque desconozco totalmente la filmografía de David Mackenzie anterior a "Hell or high water", el suyo será un nombre muy a tener en cuenta a partir de ahora a tenor del magnífico resultado obtenido en esta película que se mueve hábilmente dentro del noir rural, con pinceladas de western, así como dentro del género de robos y atracos.

Aunque como casi siempre el título comercial español no sea del todo acertado tiene bastante que ver con alguno de los temas que trata el film. Toby Howard (Chris Pine) y su hermano Tanner (Ben Foster), recién salido de la cárcel, se proponen reunir la cantidad de dinero necesario para pagar la hipoteca inversa que mediante cláusulas abusivas le impuso un banco a su anciana madre justo antes de morir. Apenas disponen de unos días para pagar si no quieren perder el rancho familiar, donde además se puede extraer petróleo de sus terrenos y así asegurar su futuro. Deciden obtener el dinero robando el Texas Midlands Bank, el mismo banco con el que tienen la deuda, mediante diferentes hurtos en distintas sucursales y a primera hora de la mañana para intentar que nadie resulte herido y solo hasta reunir la cantidad necesaria. Toby no tiene antecedentes ni instinto criminal, por lo tanto no estará dispuesto a correr riesgos durante la operación; su objetivo es pagar la hipoteca y poner a sus hijos como titulares del rancho, para así romper la tradición de pobreza que arrastra su familia. Tanner sin embargo parece disfrutar con los robos y no dudará en asesinar a quien le cause problemas, pero está decidido a ayudar a su hermano hasta el final. Los Rangers de Texas, Marcus Hamilton (Jeff Bridges) y Alberto Parker les siguen la pista y poco a poco irán descifrando el extraño modus operandi de los ladrones, ya que los indicios no se asemejan a ningún otro robo habitual.

comanchería

Su título original se podría traducir como "contra viento y marea" o "a cualquier precio", pero resulta que también es una cláusula habitual de los contratos bancarios: "... por medio de la cual la parte obligada debe continuar pagando hasta que se complete el plazo, independientemente de las dificultades que puedan surgir... ". Por lo tanto el significado de "Hell or high water" es  más adecuado y rico en matices que "Comanchería" a pesar de que hay un momento en la película donde un indio americano de etnia comanche le dice a Tanner durante una discusión en un casino que el significado de esa palabra es "el enemigo de todos"; o el discurso del Ranger Alberto, de origen comanche y mexicano, a su compañero Marcus contándole que los terrenos de Texas y Nuevo México primero pertenecieron a sus antepasados comanches, después se los arrebataron los americanos y por último los bancos se los están quitando a ellos.

comanchería

Con guión de Taylor Sheridan, autor del libreto de otro de los thrillers mas interesantes del pasado año; "Sicario" de Denis Villeneuve y una excelente banda sonora  de Nick Cave y Warren Ellis (cuyo tema de apertura lleva el título de "Comanchería"), así como de varios artistas de ese country-folk que tan bien evoca el paisaje de Texas y su particular idiosincrasia perfectamente descrita por David Mackenzie mediante un elenco de personajes rudos, racistas y violentos; después del robo a un banco por parte de Toby y Tanner, la gente del pueblo les persigue, armados y disparándoles incluso antes de que lleguen los Rangers. Pero también hay lugar para momentos más poéticos y sosegados donde la cámara nos muestra con detalle las inmensas llanuras e idílicos escenarios naturales del territorio, donde Mackenzie nos brinda unas panorámicas muy bellas del paisaje utilizando con maestría la profundidad de campo.


Thriller policiaco de robos y atracos bajo los códigos del western; bien podría ser un reprimido duelo  ese tenso encuentro final entre Marcus y Toby en el porche de su rancho, interrumpido por la mujer de este último, y en la que ambos acuerdan "finalizar la conversación en otro momento", o la secuencia del incendio en una carretera secundaria donde se ven atrapados los Rangers Marcus y Alberto y un grupo de cowboys que no pueden cruzar con su ganado, recriminando a los agentes que en pleno siglo XXI nadie acuda en su ayuda para sofocar el fuego, a lo que Marcus, el personaje interpretado por Jeff Bridges no le queda más remedio que callar y reconocer que los vaqueros, al igual que sus antepasados, se encuentran completamente solos.

comanchería

Título original: Hell or High Water.

Director: David Mackenzie.

Intérpretes: Jeff BridgesChris PineBen FosterGil BirminghamKaty MixonDale DickeyKevin RankinMelanie Papalia.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

westernworld
Me van a disculpar pero si hablamos de viajes en el tiempo ya sea por máquinas, autohipnosis o fenómenos atmosféricos o por intervenciones extraterrenales, por qué no lo podemos hacer a través de la ilusión. Sí, si nos venden un paquete turístico para trasladarnos a la Roma Antigua, a la Edad Media o al Lejano Oeste y no como en Total Recall, unas vacaciones de mentiritas, metidas en nuestro cerebro mediante una droga sino en un auténtico parque de diversiones preparado para la ocasión donde podemos entregarnos a las orgías, a los torneos y justas o al salvaje y polvoriento Oeste a cabalgar, beber como condenados y pelearnos en bares, follar a las chicas de salones y coronar el pastel enfrentándonos en duelo con peligrosos pistoleros según venga la predilección y el parque temático escogido.

Delos nos ofrece 3 escenarios a solo 1000 dólares diarios de aquella época (más de $5000 en la actualidad) y durante una quincena podremos hacer lo que nos venga en gana pues para ello cada localidad está preparada para darnos la ilusión de realidad y los habitantes son nada menos que unos robots humanoides indistinguibles de los humanos, bueno, tienen un defecto en las manos, pero no hay que ser tan quisquillosos.

westernworld

Peter y John son dos amigos que han escogido Westworld como destino para sus vacaciones. John ya ha venido antes y se las da de experto en el asunto pues qué mejor para liquidar el estrés que unos tragos y la adrenalina de una pelea de cantina y dispararle a cualquiera sin que la ley intervenga. Tú puedes sacar tu pistola y llenarle de plomo al androide porque para mañana ya estará como nuevo buscando otra bronca pero ellos no pueden hacerte daño pues sus armas tienen sensores que impiden cualquier herida mayor a los huéspedes de tan exclusivo lugar.

Pero algo empieza a fallar y entre los operarios del parque no pueden entender por qué una serpiente cascabel muerde a uno de los clientes o una sirviente se niega a las insinuaciones sexuales de otro en el mundo medieval. Y la cosa se pone peor cuando se dan cuenta que los autómatas han escapado de su control y empiezan a comportarse como verdaderos seres humanos con más defectos que virtudes. Y si el caballero negro lleno de celos se enfrenta en un duelo a muerte contra un gordo sujeto que quiere darle una mordida a su pierna de pollo y los esclavos de Roma se revelan matando cuanto patricio se encuentran en el camino, por qué no el asesino que imita al calvo de los 7 magníficos quiera dar bala a los listillos que ya por 2 veces le mandaron al cuarto de reparaciones.

Escrita y dirigida en 1973 por Michael Crichton, futuro autor de best sellers con base científica aunque para ser justos ya había escrito La amenaza de Andromeda, una fantástica novela que inspiraría una película de igual nombre que no tuvo la suficiente suerte que se merecía. Estaba protagonizada por Richard Benjamin como el nervioso Peter, cuya transformación en un hijodeputa sin conciencia porque sabe que está en un mundo falso es bastante creíble; y por James Brolin como John, su compinche, que hace de guapito chulo. Sin embargo Yul Bryner está sorprendente como el aterrador pistolero negro sin alma que empieza una tenaz persecución contra Peter. Decía que su autoparodia del personaje que hizo en la película de Sturges es colosal y aunque se le note ya la panza, su presencia como el malo se gana nuestras simpatías.

westernworld

Filmada en formato anamórfico por Gene Polito nos brindaba unas espectaculares escenas panorámicas y la música de Fred Karlin acompañaban magistralmente a la cacería final.

La visión del androide interpretado por Bryner fue generada por un procedimiento en computadora en 2 dimensiones, siendo esta la primera película en incorporarlos. Su secuela, Futureworld, de 1976, daba un paso más adelante creando una visión en 3 dimensiones. Y ya que hablamos de Futureworld, está fue exhibida 3 años más tarde con Yul retomando su papel enfrentándose esta vez a Peter Fonda, bajo la dirección de Richard T. Heffron, con una trama bastante menos verosímil.

Jonathan Nolan (hermano de Christopher) ha creado para la televisión una serie de 10 episodios basándose en el film de 1973. Anthony Hopkins, Evan Rachel Wood, James Mardsen y Thandie Newton entre sus protagonistas, opacados por Ed Harris en una nueva versión del pistolero.

westernworld

Director: Michael Crichton.

Intérpretes: Yul Brynner, Richard Benjamin, James Brolin, Norman Bartold, Alan Oppenheimer, Victoria Shaw.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quesada

WESTWORLD (1973). El parque de atracciones liderado por Yul Brynner.

westernworld
Me van a disculpar pero si hablamos de viajes en el tiempo ya sea por máquinas, autohipnosis o fenómenos atmosféricos o por intervenciones extraterrenales, por qué no lo podemos hacer a través de la ilusión. Sí, si nos venden un paquete turístico para trasladarnos a la Roma Antigua, a la Edad Media o al Lejano Oeste y no como en Total Recall, unas vacaciones de mentiritas, metidas en nuestro cerebro mediante una droga sino en un auténtico parque de diversiones preparado para la ocasión donde podemos entregarnos a las orgías, a los torneos y justas o al salvaje y polvoriento Oeste a cabalgar, beber como condenados y pelearnos en bares, follar a las chicas de salones y coronar el pastel enfrentándonos en duelo con peligrosos pistoleros según venga la predilección y el parque temático escogido.

Delos nos ofrece 3 escenarios a solo 1000 dólares diarios de aquella época (más de $5000 en la actualidad) y durante una quincena podremos hacer lo que nos venga en gana pues para ello cada localidad está preparada para darnos la ilusión de realidad y los habitantes son nada menos que unos robots humanoides indistinguibles de los humanos, bueno, tienen un defecto en las manos, pero no hay que ser tan quisquillosos.

westernworld

Peter y John son dos amigos que han escogido Westworld como destino para sus vacaciones. John ya ha venido antes y se las da de experto en el asunto pues qué mejor para liquidar el estrés que unos tragos y la adrenalina de una pelea de cantina y dispararle a cualquiera sin que la ley intervenga. Tú puedes sacar tu pistola y llenarle de plomo al androide porque para mañana ya estará como nuevo buscando otra bronca pero ellos no pueden hacerte daño pues sus armas tienen sensores que impiden cualquier herida mayor a los huéspedes de tan exclusivo lugar.

Pero algo empieza a fallar y entre los operarios del parque no pueden entender por qué una serpiente cascabel muerde a uno de los clientes o una sirviente se niega a las insinuaciones sexuales de otro en el mundo medieval. Y la cosa se pone peor cuando se dan cuenta que los autómatas han escapado de su control y empiezan a comportarse como verdaderos seres humanos con más defectos que virtudes. Y si el caballero negro lleno de celos se enfrenta en un duelo a muerte contra un gordo sujeto que quiere darle una mordida a su pierna de pollo y los esclavos de Roma se revelan matando cuanto patricio se encuentran en el camino, por qué no el asesino que imita al calvo de los 7 magníficos quiera dar bala a los listillos que ya por 2 veces le mandaron al cuarto de reparaciones.

Escrita y dirigida en 1973 por Michael Crichton, futuro autor de best sellers con base científica aunque para ser justos ya había escrito La amenaza de Andromeda, una fantástica novela que inspiraría una película de igual nombre que no tuvo la suficiente suerte que se merecía. Estaba protagonizada por Richard Benjamin como el nervioso Peter, cuya transformación en un hijodeputa sin conciencia porque sabe que está en un mundo falso es bastante creíble; y por James Brolin como John, su compinche, que hace de guapito chulo. Sin embargo Yul Bryner está sorprendente como el aterrador pistolero negro sin alma que empieza una tenaz persecución contra Peter. Decía que su autoparodia del personaje que hizo en la película de Sturges es colosal y aunque se le note ya la panza, su presencia como el malo se gana nuestras simpatías.

westernworld

Filmada en formato anamórfico por Gene Polito nos brindaba unas espectaculares escenas panorámicas y la música de Fred Karlin acompañaban magistralmente a la cacería final.

La visión del androide interpretado por Bryner fue generada por un procedimiento en computadora en 2 dimensiones, siendo esta la primera película en incorporarlos. Su secuela, Futureworld, de 1976, daba un paso más adelante creando una visión en 3 dimensiones. Y ya que hablamos de Futureworld, está fue exhibida 3 años más tarde con Yul retomando su papel enfrentándose esta vez a Peter Fonda, bajo la dirección de Richard T. Heffron, con una trama bastante menos verosímil.

Jonathan Nolan (hermano de Christopher) ha creado para la televisión una serie de 10 episodios basándose en el film de 1973. Anthony Hopkins, Evan Rachel Wood, James Mardsen y Thandie Newton entre sus protagonistas, opacados por Ed Harris en una nueva versión del pistolero.

westernworld

Director: Michael Crichton.

Intérpretes: Yul Brynner, Richard Benjamin, James Brolin, Norman Bartold, Alan Oppenheimer, Victoria Shaw.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quesada

el-orgullo-de-los-yanquis
El orgullo de los yanquis es un biopic sobre el legendario jugador profesional de béisbol norteamericano Lou Gehrig. La cinta se centra en la carrera profesional de la estrella del béisbol en el equipo de los Yankess de Nueva York en la época de crisis del crack bursátil del 29.

Con guión de Paul Gallico, adaptado por Herman J. Swerling y J. Mankiewcz, (coguionista de "Ciudadano Kane (1941)") y con la figura de Samuel Goldwin como productor, la cinta nos cuenta como desde la infancia, Gehring, nacido en 1903 en el seno de una familia modesta de inmigrantes alemanes, hijo de una cocinera en una residencia de la Universidad de Columbia, la cual pretende que estudie ingeniería, sueña con convertirse en jugador profesional de béisbol, mientras trabaja como camarero. Juega como defensa y pitcher en el equipo de fútbol y béisbol de la Universidad con muy buenos resultados. Será un seguidor y crítico deportivo, Sam Blake, quien ve en Lou un futuro prometedor como bateador, consiguiéndole una entrevista con el entrenador del mítico equipo.

A pesar de la oposición materna, Lou se iniciará en el deporte, teniendo como maestro a la estrella consagrada del béisbol, Babe Ruth. Lou se convertirá en una estrella y figura mítica en el Club de los Yankees, interviniendo en más de dos mil partidos, hasta que el diagnostico de Esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una enfermedad degenerativa, desconocida en ese momento, lo apartó del campo de juego. El jugador empezó a sentir los síntomas de la enfermedad a la edad de 30 años, pero a medida que la enfermedad iba avanzando, su rendimiento físico disminuyó debido a la debilidad muscular propia de la enfermedad.

el-orgullo-de-los-yanquis

El orgullo de los yanquis es un magnífico e intenso film, un drama magníficamente fotografiado por Rudolph Maté. Rodada en plena Segunda Guerra Mundial , la cinta ensalza la figura del héroe patriótico, tan característico del cine de Hollywood de la época, puesto que los EEUU se habían incorporado recientemente a la guerra, en este caso, una figura deportiva y el valor de superación ante la enfermedad que alcanzó fama, gloria y probó las mieles del éxito en vida, y que alcanza su zénit más dramático en el homenaje multitudinario que se le tributó como uno de los mejores jugadores de la historia con el número cuatro en su camiseta, en 1939 en el Yankee Stadium y momento final del film. Gehring, conocido como "el caballero de hierro, teniendo en su haber 2.130 partidos disputados consecutivamente, este ídolo de masas" se retiró en 1938, fue relevado por otro jugador mítico, Joe DiMaggio, el cual continuó llevando al equipo al éxito. Murió en 1941. La cinta se rodó tan solo un año después de su fallecimiento.

el-orgullo-de-los-yanquis

Sam Wood, autor de obras como "Una noche en la Ópera (1935)", "Un día en las carreras (1937)" "Adiós, Mister Chips (1939)" o "¿Por quién doblan las campanas? (1943)" y a partir de 1944 detentó la presidencia de la ultraconservadora Alianza Cinematográfica para la Preservación de los Ideales Americanos, dirige en esta notable película, ágil y dramática, pero no exenta de escenas de humor, y con excelente montaje a cargo de de Daniel Mandell ("Los mejores años de nuestra vida, 1946)") a Gary Cooper, el galán prototipo y actor ideal para encarnar el orgullo y valores norteamericanos, es Lou Gehring; le acompañan en el elenco, Teresa Wrigt que encarna a Ellie, la amorosa y entregada esposa de Lou, y Walter Brenan como el periodista deportivo Sam Blake. La película tuvo diez nominaciones a los Óscars, obteniendo el premio al mejor montaje de Daniel Mandell.

el-orgullo-de-los-yanquis

Frase para recordar: "Hoy me considero el hombre más afortunado en la faz de la tierra".

Título original: The Pride of the Yankees.

Director: Sam Wood.

Intérpretes: Gary CooperTeresa WrightBabe RuthWalter BrennanDan DuryeaElsa JanssenLudwig StösselVirginia Gilmore.

Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

EL ORGULLO DE LOS YANQUIS (1942). El biopic de Lou Gehrig.

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El orgullo de los yanquis es un biopic sobre el legendario jugador profesional de béisbol norteamericano Lou Gehrig. La cinta se centra en la carrera profesional de la estrella del béisbol en el equipo de los Yankess de Nueva York en la época de crisis del crack bursátil del 29.

Con guión de Paul Gallico, adaptado por Herman J. Swerling y J. Mankiewcz, (coguionista de "Ciudadano Kane (1941)") y con la figura de Samuel Goldwin como productor, la cinta nos cuenta como desde la infancia, Gehring, nacido en 1903 en el seno de una familia modesta de inmigrantes alemanes, hijo de una cocinera en una residencia de la Universidad de Columbia, la cual pretende que estudie ingeniería, sueña con convertirse en jugador profesional de béisbol, mientras trabaja como camarero. Juega como defensa y pitcher en el equipo de fútbol y béisbol de la Universidad con muy buenos resultados. Será un seguidor y crítico deportivo, Sam Blake, quien ve en Lou un futuro prometedor como bateador, consiguiéndole una entrevista con el entrenador del mítico equipo.

A pesar de la oposición materna, Lou se iniciará en el deporte, teniendo como maestro a la estrella consagrada del béisbol, Babe Ruth. Lou se convertirá en una estrella y figura mítica en el Club de los Yankees, interviniendo en más de dos mil partidos, hasta que el diagnostico de Esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una enfermedad degenerativa, desconocida en ese momento, lo apartó del campo de juego. El jugador empezó a sentir los síntomas de la enfermedad a la edad de 30 años, pero a medida que la enfermedad iba avanzando, su rendimiento físico disminuyó debido a la debilidad muscular propia de la enfermedad.

el-orgullo-de-los-yanquis

El orgullo de los yanquis es un magnífico e intenso film, un drama magníficamente fotografiado por Rudolph Maté. Rodada en plena Segunda Guerra Mundial , la cinta ensalza la figura del héroe patriótico, tan característico del cine de Hollywood de la época, puesto que los EEUU se habían incorporado recientemente a la guerra, en este caso, una figura deportiva y el valor de superación ante la enfermedad que alcanzó fama, gloria y probó las mieles del éxito en vida, y que alcanza su zénit más dramático en el homenaje multitudinario que se le tributó como uno de los mejores jugadores de la historia con el número cuatro en su camiseta, en 1939 en el Yankee Stadium y momento final del film. Gehring, conocido como "el caballero de hierro, teniendo en su haber 2.130 partidos disputados consecutivamente, este ídolo de masas" se retiró en 1938, fue relevado por otro jugador mítico, Joe DiMaggio, el cual continuó llevando al equipo al éxito. Murió en 1941. La cinta se rodó tan solo un año después de su fallecimiento.

el-orgullo-de-los-yanquis

Sam Wood, autor de obras como "Una noche en la Ópera (1935)", "Un día en las carreras (1937)" "Adiós, Mister Chips (1939)" o "¿Por quién doblan las campanas? (1943)" y a partir de 1944 detentó la presidencia de la ultraconservadora Alianza Cinematográfica para la Preservación de los Ideales Americanos, dirige en esta notable película, ágil y dramática, pero no exenta de escenas de humor, y con excelente montaje a cargo de de Daniel Mandell ("Los mejores años de nuestra vida, 1946)") a Gary Cooper, el galán prototipo y actor ideal para encarnar el orgullo y valores norteamericanos, es Lou Gehring; le acompañan en el elenco, Teresa Wrigt que encarna a Ellie, la amorosa y entregada esposa de Lou, y Walter Brenan como el periodista deportivo Sam Blake. La película tuvo diez nominaciones a los Óscars, obteniendo el premio al mejor montaje de Daniel Mandell.

el-orgullo-de-los-yanquis

Frase para recordar: "Hoy me considero el hombre más afortunado en la faz de la tierra".

Título original: The Pride of the Yankees.

Director: Sam Wood.

Intérpretes: Gary CooperTeresa WrightBabe RuthWalter BrennanDan DuryeaElsa JanssenLudwig StösselVirginia Gilmore.

Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

el-puente-de-waterloo
"El puente de Waterloo" es una gran pieza de cine basada en la obra de teatro homónima. Se trata de un relato estructurado como un intenso melodrama en base a las excelentes actuaciones de sus protagonistas, la colosal fotografía en B&N de Joseph Ruttenberg y el buen hacer de un director que sabe transmitir con sus magníficos planos y encuadres grandes emociones.

 "Waterloo Bridge" de Mervyn LeRoy es una excelente versión que revisa el film que ya hiciera James Whale en 1931, el cual a su vez, fue una adaptación de una obra de teatro de 1930 del dramaturgo norteamericano Robert Emmet Sherwood.

Ambientada en la ciudad de Londres durante las dos grandes Guerras, toma como eje de referencia el emblemático Puente de Waterloo, curiosamente destruido durante la segunda Guerra mundial, para mostrar un complejo relato de verdadero amor entre dos personajes que se enfrentan a sus circunstancias para poder estar juntos.

La estructura narrativa que consiguió el equipo de guionistas: Behrman, Hans Ramaue, George Froeschel es magnífica. Utiliza como recurso inicial el flashback para proseguir con un relato lleno de elipsis bien empleadas que consiguen agilizar la trama, visualizar el paso del tiempo y de las dificultades que afrontan los protagonistas, resaltando los elementos clave para entender el cambio progresivo en el carácter de los personajes.

el-puente-de-waterloo

Para destapar el baúl de los recuerdos, el relato utiliza a modo de palabra mágica la mención del Puente de Waterloo. Es allí donde todo cobra sentido, donde todo empieza y donde todo termina, donde se fragua una historia y se cierra un círculo que atrapa una juventud perdida. Al atravesar el puente, un envejecido oficial británico, Roy Cronin, (Robert Taylor) que se dirige hacia el frente en 1939, decide detenerse y sujetar en su mano un pequeño amuleto.

Se abre así una gran flashback que nos remonta al mismo lugar varios años antes, también durante otra guerra, esta vez en 1917. El mismo sonido de alarmas y el mismo lugar. Por aquel entonces, el joven Roy Cronin iba corriendo por el Puente de Waterloo hacia un refugio cuando tropieza accidentalmente con la bella y jovencísima, Myra Lester (Vivien Leigh) que casi pierde su bolso y su amuleto de la suerte por el golpe.

El encuentro entre ambos se prolonga y se convierte en un flechazo a primera vista durante el bombardeo de la ciudad de Londres, mientras permanecen en el refugio. Él es un oficial que al día siguiente partirá hacia el frente y ella una jovencísima bailarina de ballet que vive dedicada a la férrea disciplina de su compañía de danza.

el-puente-de-waterloo

Ambos exponen su perspectiva de la Guerra. Él es un joven oficial, aventurero y romántico, optimista ante la vida. Ella es una joven frágil y temerosa. La postura que ofrecen ambos ante la vida es un fiel reflejo del ambiente donde ha transcurrido la primera parte de sus vidas. Mientras que él es un brillante oficial de una rica familia sureña, ella es huérfana, ha conocido las penurias desde su infancia y su ballet es lo único que la mantiene a salvo. Su historia de amor, pura y verdadera, se tropezará con las dificultades de una Guerra y de una sociedad que todavía vive anclada en antiguos prejuicios. Ambos jóvenes sufrirán experiencias dolorosas, ya sea en el frente luchando o en una retaguardia asediada por la miseria. Cada uno realizará un viaje personal que lo separará del otro pese a no desearlo.

El viraje de los caracteres está brillantemente representado por ambos actores y cuidadosamente retratado por su director, el cual con un gran cuidado artesanal sabe centrar el relato en las miradas y en los rostros de esta gran pareja de actores para lograr emocionar al espectador.


Vivien realiza un cambio colosal dentro de su personaje, su Myra del principio es inexperta, inocente y dulce, pero con los golpes de la vida se endurece, su mirada cambia y su rostro se oscurece.
Tan sólo vuelve a brillar con el espejismo de una vida que ella misma no se permite disfrutar por llevar la pesada carga de sus pecados. Por su parte, Robert Taylor, se mantiene casi todo el relato con el ímpetu y el encanto que le caracterizan.

El otro gran personaje de este relato, la fotografía, es pura delicia. El encuadre de los personajes y los juegos de luces son espectaculares, así como el retrato del puente sobre el que gira todo el relato.
Un melodrama perfectamente dirigido y ejecutado, convertido ya en todo un clásico del cine.

el-puente-de-waterloo

Título original: Waterloo Bridge.

Director: Mervyn LeRoy.

Intérpretes: Robert TaylorVivien LeighLucile WatsonVirginia FieldMaria OuspenskayaC. Aubrey Smith.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

EL PUENTE DE WATERLOO (1940). Romance en época de guerra.

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"El puente de Waterloo" es una gran pieza de cine basada en la obra de teatro homónima. Se trata de un relato estructurado como un intenso melodrama en base a las excelentes actuaciones de sus protagonistas, la colosal fotografía en B&N de Joseph Ruttenberg y el buen hacer de un director que sabe transmitir con sus magníficos planos y encuadres grandes emociones.

 "Waterloo Bridge" de Mervyn LeRoy es una excelente versión que revisa el film que ya hiciera James Whale en 1931, el cual a su vez, fue una adaptación de una obra de teatro de 1930 del dramaturgo norteamericano Robert Emmet Sherwood.

Ambientada en la ciudad de Londres durante las dos grandes Guerras, toma como eje de referencia el emblemático Puente de Waterloo, curiosamente destruido durante la segunda Guerra mundial, para mostrar un complejo relato de verdadero amor entre dos personajes que se enfrentan a sus circunstancias para poder estar juntos.

La estructura narrativa que consiguió el equipo de guionistas: Behrman, Hans Ramaue, George Froeschel es magnífica. Utiliza como recurso inicial el flashback para proseguir con un relato lleno de elipsis bien empleadas que consiguen agilizar la trama, visualizar el paso del tiempo y de las dificultades que afrontan los protagonistas, resaltando los elementos clave para entender el cambio progresivo en el carácter de los personajes.

el-puente-de-waterloo

Para destapar el baúl de los recuerdos, el relato utiliza a modo de palabra mágica la mención del Puente de Waterloo. Es allí donde todo cobra sentido, donde todo empieza y donde todo termina, donde se fragua una historia y se cierra un círculo que atrapa una juventud perdida. Al atravesar el puente, un envejecido oficial británico, Roy Cronin, (Robert Taylor) que se dirige hacia el frente en 1939, decide detenerse y sujetar en su mano un pequeño amuleto.

Se abre así una gran flashback que nos remonta al mismo lugar varios años antes, también durante otra guerra, esta vez en 1917. El mismo sonido de alarmas y el mismo lugar. Por aquel entonces, el joven Roy Cronin iba corriendo por el Puente de Waterloo hacia un refugio cuando tropieza accidentalmente con la bella y jovencísima, Myra Lester (Vivien Leigh) que casi pierde su bolso y su amuleto de la suerte por el golpe.

El encuentro entre ambos se prolonga y se convierte en un flechazo a primera vista durante el bombardeo de la ciudad de Londres, mientras permanecen en el refugio. Él es un oficial que al día siguiente partirá hacia el frente y ella una jovencísima bailarina de ballet que vive dedicada a la férrea disciplina de su compañía de danza.

el-puente-de-waterloo

Ambos exponen su perspectiva de la Guerra. Él es un joven oficial, aventurero y romántico, optimista ante la vida. Ella es una joven frágil y temerosa. La postura que ofrecen ambos ante la vida es un fiel reflejo del ambiente donde ha transcurrido la primera parte de sus vidas. Mientras que él es un brillante oficial de una rica familia sureña, ella es huérfana, ha conocido las penurias desde su infancia y su ballet es lo único que la mantiene a salvo. Su historia de amor, pura y verdadera, se tropezará con las dificultades de una Guerra y de una sociedad que todavía vive anclada en antiguos prejuicios. Ambos jóvenes sufrirán experiencias dolorosas, ya sea en el frente luchando o en una retaguardia asediada por la miseria. Cada uno realizará un viaje personal que lo separará del otro pese a no desearlo.

El viraje de los caracteres está brillantemente representado por ambos actores y cuidadosamente retratado por su director, el cual con un gran cuidado artesanal sabe centrar el relato en las miradas y en los rostros de esta gran pareja de actores para lograr emocionar al espectador.


Vivien realiza un cambio colosal dentro de su personaje, su Myra del principio es inexperta, inocente y dulce, pero con los golpes de la vida se endurece, su mirada cambia y su rostro se oscurece.
Tan sólo vuelve a brillar con el espejismo de una vida que ella misma no se permite disfrutar por llevar la pesada carga de sus pecados. Por su parte, Robert Taylor, se mantiene casi todo el relato con el ímpetu y el encanto que le caracterizan.

El otro gran personaje de este relato, la fotografía, es pura delicia. El encuadre de los personajes y los juegos de luces son espectaculares, así como el retrato del puente sobre el que gira todo el relato.
Un melodrama perfectamente dirigido y ejecutado, convertido ya en todo un clásico del cine.

el-puente-de-waterloo

Título original: Waterloo Bridge.

Director: Mervyn LeRoy.

Intérpretes: Robert TaylorVivien LeighLucile WatsonVirginia FieldMaria OuspenskayaC. Aubrey Smith.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

animales-nocturnos
Amy Adams es sin duda una de las actrices mas interesantes del actual panorama cinematográfico estadounidense y además sabe involucrarse en proyectos de envergadura que suelen obtener resultados satisfactorios, como por ejemplo "La gran estafa americana" (American Hustle, 2013), gran revisión del cine policíaco de los setenta por parte de David O. Russell, o su protagonismo en uno de los títulos más acertados de la última etapa de Tim Burton, "Big Eyes (2014)". 2016 ha sido muy fructífero en su carrera, ya que ha participado en dos películas que a mi parecer se incluyen entre las mas destacadas del año; "La llegada" (The Arrival, Denis Villeneuve) y la que nos ocupa, "Animales Nocturnos" (Nocturnal Animals, Tom Ford), donde su presencia llena la pantalla con unos primeros planos muy intimistas, acordes con el tono del relato, donde realidad y ficción se confunden a la par que se complementan a la perfección.

Tom Ford escribe y dirige su segundo largometraje tomando la novela "Tres noches" (Tony & Susan) de Austin Wright como base para el guión y consiguiendo un film bastante más logrado que su debut "Un hombre soltero" (A single man, 2009), donde también ejercía de guionista y ya se podía apreciar su personal estilo, visualmente muy atractivo, poético y melodramático con gran protagonismo de la música de Abel Korzeniowski en ambas películas.

animales-nocturnos

Nos encontramos ante una historia dentro de otra historia o una película dentro de otra película ya que por un lado tenemos a Susan Morrow (Amy Adams), artista conceptual casada con el empresario Hutton Morrow (Armie Hammer), cuyo matrimonio se encuentra en horas bajas debido a las continuas infidelidades de su marido y al hastío de una vida acomodada pero exenta de pasión ; Susan llega a afirmar que el arte no le importa para nada, a pesar de regentar una famosa galería, por otro lado se ha convertido en una mujer extremadamente pragmática y realista como su conservadora madre, la antítesis de su juventud, cuando el arte significaba mucho para ella y mantenía una relación ideal con su primer marido, Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), novelista de profesión, que aunque inseguro respecto a la calidad de su obra no está dispuesto a rendirse a la comercialidad o al éxito fácil. Aunque Susan detesta a su madre y odia que la comparen con ella, con el tiempo se convertirá en su fiel reflejo hasta el punto de abandonar a Edward debido a la insistencia de su progenitora para que que encuentre un hombre que le ofrezca más estabilidad económica.

Susan padece insomnio y sus noches se hacen cada vez más solitarias debido a los continuos viajes de su marido para encubrir sus infidelidades, aunque a partir de recibir un manuscrito que contiene la primera novela de su ex-marido Edward poco a poco se irá adentrando en un mundo de ficción que sin embargo tiene una estrecha relación con la realidad hasta el punto de poder desvelarle las causas de su vacío sentimental. La novela de Edward narra una historia violenta, con la venganza como leit motiv, donde un matrimonio y su hija adolescente viajan en coche por una carretera secundaria de Texas y son asaltados por tres delincuentes en la oscuridad de la noche.

animales-nocturnos

La lectura de la novela por parte de Susan sirve como excusa a Tom Ford para desarrollar otra película totalmente distinta; usar otros decorados, una iluminación muy distinta (gran trabajo fotográfico de Seamus McGarvey), aunque curiosamente Jake Gyllenhaal interpreta con gran acierto  tanto al primer marido de Susan como al protagonista de la novela, Tony Hastings, un hombre que sufre una brutal agresión a su familia por parte de unos malhechores capitaneados por el violento Ray Marcus (Aaron Taylor-Johnson). La actriz que interpreta a la mujer agredida de Tony, Laura Hastings (Isla Fisher), guarda gran parecido físico con Amy Adams, lo cual nos da algunas pistas sobre la estrecha relación entre realidad y ficción dentro de la película.

Sería complicado seguir desgranando la trama sin desvelar  claves importantes dentro de la ya de por sí compleja historia pero Tom Ford con la ayuda de unos actores que nos entregan grandes momentos ; los ya citados Adams y Gyllenhaal, pero también Michael Shannon que interpreta al rudo detective tejano Bobby Andes que investiga el caso y ayuda a Tony a encontrar a los agresores de su familia, y sobre todo haciendo uso de un montaje prodigioso que en todo momento relaciona en sus elipsis ambas historias, real y ficticia, mediante planos casi simétricos que aportan una gran simbología a la narración.

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Título original: Nocturnal Animals.

Director: Tom Ford.

Intérpretes: Amy AdamsJake GyllenhaalAaron Taylor-JohnsonMichael ShannonArmie HammerIsla FisherMichael Sheen.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

ANIMALES NOCTURNOS (2016). El segundo largometraje de Tom Ford.

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Amy Adams es sin duda una de las actrices mas interesantes del actual panorama cinematográfico estadounidense y además sabe involucrarse en proyectos de envergadura que suelen obtener resultados satisfactorios, como por ejemplo "La gran estafa americana" (American Hustle, 2013), gran revisión del cine policíaco de los setenta por parte de David O. Russell, o su protagonismo en uno de los títulos más acertados de la última etapa de Tim Burton, "Big Eyes (2014)". 2016 ha sido muy fructífero en su carrera, ya que ha participado en dos películas que a mi parecer se incluyen entre las mas destacadas del año; "La llegada" (The Arrival, Denis Villeneuve) y la que nos ocupa, "Animales Nocturnos" (Nocturnal Animals, Tom Ford), donde su presencia llena la pantalla con unos primeros planos muy intimistas, acordes con el tono del relato, donde realidad y ficción se confunden a la par que se complementan a la perfección.

Tom Ford escribe y dirige su segundo largometraje tomando la novela "Tres noches" (Tony & Susan) de Austin Wright como base para el guión y consiguiendo un film bastante más logrado que su debut "Un hombre soltero" (A single man, 2009), donde también ejercía de guionista y ya se podía apreciar su personal estilo, visualmente muy atractivo, poético y melodramático con gran protagonismo de la música de Abel Korzeniowski en ambas películas.

animales-nocturnos

Nos encontramos ante una historia dentro de otra historia o una película dentro de otra película ya que por un lado tenemos a Susan Morrow (Amy Adams), artista conceptual casada con el empresario Hutton Morrow (Armie Hammer), cuyo matrimonio se encuentra en horas bajas debido a las continuas infidelidades de su marido y al hastío de una vida acomodada pero exenta de pasión ; Susan llega a afirmar que el arte no le importa para nada, a pesar de regentar una famosa galería, por otro lado se ha convertido en una mujer extremadamente pragmática y realista como su conservadora madre, la antítesis de su juventud, cuando el arte significaba mucho para ella y mantenía una relación ideal con su primer marido, Edward Sheffield (Jake Gyllenhaal), novelista de profesión, que aunque inseguro respecto a la calidad de su obra no está dispuesto a rendirse a la comercialidad o al éxito fácil. Aunque Susan detesta a su madre y odia que la comparen con ella, con el tiempo se convertirá en su fiel reflejo hasta el punto de abandonar a Edward debido a la insistencia de su progenitora para que que encuentre un hombre que le ofrezca más estabilidad económica.

Susan padece insomnio y sus noches se hacen cada vez más solitarias debido a los continuos viajes de su marido para encubrir sus infidelidades, aunque a partir de recibir un manuscrito que contiene la primera novela de su ex-marido Edward poco a poco se irá adentrando en un mundo de ficción que sin embargo tiene una estrecha relación con la realidad hasta el punto de poder desvelarle las causas de su vacío sentimental. La novela de Edward narra una historia violenta, con la venganza como leit motiv, donde un matrimonio y su hija adolescente viajan en coche por una carretera secundaria de Texas y son asaltados por tres delincuentes en la oscuridad de la noche.

animales-nocturnos

La lectura de la novela por parte de Susan sirve como excusa a Tom Ford para desarrollar otra película totalmente distinta; usar otros decorados, una iluminación muy distinta (gran trabajo fotográfico de Seamus McGarvey), aunque curiosamente Jake Gyllenhaal interpreta con gran acierto  tanto al primer marido de Susan como al protagonista de la novela, Tony Hastings, un hombre que sufre una brutal agresión a su familia por parte de unos malhechores capitaneados por el violento Ray Marcus (Aaron Taylor-Johnson). La actriz que interpreta a la mujer agredida de Tony, Laura Hastings (Isla Fisher), guarda gran parecido físico con Amy Adams, lo cual nos da algunas pistas sobre la estrecha relación entre realidad y ficción dentro de la película.

Sería complicado seguir desgranando la trama sin desvelar  claves importantes dentro de la ya de por sí compleja historia pero Tom Ford con la ayuda de unos actores que nos entregan grandes momentos ; los ya citados Adams y Gyllenhaal, pero también Michael Shannon que interpreta al rudo detective tejano Bobby Andes que investiga el caso y ayuda a Tony a encontrar a los agresores de su familia, y sobre todo haciendo uso de un montaje prodigioso que en todo momento relaciona en sus elipsis ambas historias, real y ficticia, mediante planos casi simétricos que aportan una gran simbología a la narración.

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Título original: Nocturnal Animals.

Director: Tom Ford.

Intérpretes: Amy AdamsJake GyllenhaalAaron Taylor-JohnsonMichael ShannonArmie HammerIsla FisherMichael Sheen.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

que-dios-nos-perdone
El 2016 sin ninguna duda ha sido el año del thriller policial ibérico, demostrando que España puede codearse sin tapujos con el cine de Hollywood, sumido hasta las trancas en una crisis de ideas y de valentía. Grandes Señores de Hollywood, Arévalo, Sorogoyen y Alberto Rodríguez lo han hecho, os han dado en la cara…pocos medios, pero mucho talento. Porque ese es el ingrediente principal para hacer buen cine, talento. Ahora solo falta que la gran masa de españoles salga de ese bucle colectivo en el que anda sumido y disfrute sin reservas de nuestro cine patrio.

Segundo trabajo de Rodrigo Sorogoyen después de la muy apreciada e hipnótica Stockholm (2013). Un thriller ambientado en Madrid, verano de 2011. Crisis económica, Movimiento 15-M y millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso, violento y caótico que nunca. En este contexto, una pareja de inspectores de policía Alfaro (Roberto Álamo) y Velarde (Antonio de la Torre) deben encontrar al que parece ser un asesino en serie obsesionado con mujeres de avanzada edad cuanto antes y sin hacer ruido.

que-dios-nos-perdone

El film desde su comienzo consigue que te sumerjas dentro de la historia de tal forma que te sientes participe de la investigación criminal que se nos cuenta y hace que sientas la obligación de resolver el caso al igual que la pareja protagonista. Esto se traduce a estar con el culo apretado en la butaca durante las dos horas que dura la cinta y creerme cuando digo que es algo muy difícil de conseguir. Todo esto lo logra gracias al magnifico pulso con que está realizada, una estupenda producción y un bien construido guion de Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, plagado de diálogos certeros y turbadores. En él no sólo hay acción, también hay una digna construcción de personajes, de la pareja protagonista interpretada por dos actores en estado de gracia. Dos personajes que no distan mucho del asesino al que persiguen, solitarios, carentes de afecto, en permanente conflicto consigo mismos, que cargan con la culpa a cuestas de sus propios pecados, ellos lo saben e intentaran redimir sus demonios en una caza a contrarreloj. Magnífico trabajo de Roberto Álamo en su personaje de pulsión violenta y Antonio de la Torre…de este hombre poco que decir que no se haya dicho ya.

que-dios-nos-perdone

Yo como madrileño que soy y que viví aquel verano en 1ª persona me ha encantado como Sorogoyen retrata la sociedad circundante de aquel año del 2011 llena de supuesta paz y amor alternadas con violencia y saña. También me ha fascinado como describe aquel verano como un auténtico infierno ante la inminente llegada del embajador de Dios en la tierra... ¿violador? ¿qué violador? ¿asesino en serie? que asesino en serie ni que leches, aquí solo se habla de la JMJ del 2011, y de celebrar los triunfos del amor y la convivencia… todo está bien, la vida es así y no se puede cambiar…tenemos que callar la boca y seguir con nuestra vida…perfecta descripción del andamiaje social.

A destacar la escena de Alfaro borracho donde Roberto Álamo se chispó de verdad, conmovedora como pocas… y que no se me olvide, la aparición por comisaria de nuestro compañero Jesús Fariña que me hizo soltar en mitad del cine un ¡Coño!¡El Fariña!

que-dios-nos-perdone
Director: Rodrigo Sorogoyen.

Intérpretes: Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Javier Pereira, Luis Zahera, José Luis García Pérez, Mónica López, María Ballesteros.

Trailer:


Reseña escrita por Pepe Mata

QUE DIOS NOS PERDONE (2016). Asesino de ancianas.

que-dios-nos-perdone
El 2016 sin ninguna duda ha sido el año del thriller policial ibérico, demostrando que España puede codearse sin tapujos con el cine de Hollywood, sumido hasta las trancas en una crisis de ideas y de valentía. Grandes Señores de Hollywood, Arévalo, Sorogoyen y Alberto Rodríguez lo han hecho, os han dado en la cara…pocos medios, pero mucho talento. Porque ese es el ingrediente principal para hacer buen cine, talento. Ahora solo falta que la gran masa de españoles salga de ese bucle colectivo en el que anda sumido y disfrute sin reservas de nuestro cine patrio.

Segundo trabajo de Rodrigo Sorogoyen después de la muy apreciada e hipnótica Stockholm (2013). Un thriller ambientado en Madrid, verano de 2011. Crisis económica, Movimiento 15-M y millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso, violento y caótico que nunca. En este contexto, una pareja de inspectores de policía Alfaro (Roberto Álamo) y Velarde (Antonio de la Torre) deben encontrar al que parece ser un asesino en serie obsesionado con mujeres de avanzada edad cuanto antes y sin hacer ruido.

que-dios-nos-perdone

El film desde su comienzo consigue que te sumerjas dentro de la historia de tal forma que te sientes participe de la investigación criminal que se nos cuenta y hace que sientas la obligación de resolver el caso al igual que la pareja protagonista. Esto se traduce a estar con el culo apretado en la butaca durante las dos horas que dura la cinta y creerme cuando digo que es algo muy difícil de conseguir. Todo esto lo logra gracias al magnifico pulso con que está realizada, una estupenda producción y un bien construido guion de Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, plagado de diálogos certeros y turbadores. En él no sólo hay acción, también hay una digna construcción de personajes, de la pareja protagonista interpretada por dos actores en estado de gracia. Dos personajes que no distan mucho del asesino al que persiguen, solitarios, carentes de afecto, en permanente conflicto consigo mismos, que cargan con la culpa a cuestas de sus propios pecados, ellos lo saben e intentaran redimir sus demonios en una caza a contrarreloj. Magnífico trabajo de Roberto Álamo en su personaje de pulsión violenta y Antonio de la Torre…de este hombre poco que decir que no se haya dicho ya.

que-dios-nos-perdone

Yo como madrileño que soy y que viví aquel verano en 1ª persona me ha encantado como Sorogoyen retrata la sociedad circundante de aquel año del 2011 llena de supuesta paz y amor alternadas con violencia y saña. También me ha fascinado como describe aquel verano como un auténtico infierno ante la inminente llegada del embajador de Dios en la tierra... ¿violador? ¿qué violador? ¿asesino en serie? que asesino en serie ni que leches, aquí solo se habla de la JMJ del 2011, y de celebrar los triunfos del amor y la convivencia… todo está bien, la vida es así y no se puede cambiar…tenemos que callar la boca y seguir con nuestra vida…perfecta descripción del andamiaje social.

A destacar la escena de Alfaro borracho donde Roberto Álamo se chispó de verdad, conmovedora como pocas… y que no se me olvide, la aparición por comisaria de nuestro compañero Jesús Fariña que me hizo soltar en mitad del cine un ¡Coño!¡El Fariña!

que-dios-nos-perdone
Director: Rodrigo Sorogoyen.

Intérpretes: Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Javier Pereira, Luis Zahera, José Luis García Pérez, Mónica López, María Ballesteros.

Trailer:


Reseña escrita por Pepe Mata

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