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la-guerra-de-los-rose
"Una vez en la vida llega una película que hace que te vuelvas a enamorar. Esta no es esa película."
Así rezaba el cartel publicitario de esta adaptación de una novela de Warren Adler (1981), que curiosamente tomaba este nombre en referencia a la guerra medieval entre las casas Lancaster y York por el trono de Inglaterra. Aquí el trono es la casa, vivienda que construyó el matrimonio Rose y que ninguno de los dos pretende abandonar.
La historia comienza cuando los jóvenes Oliver y Bárbara se conocen en la isla de Nantucket durante una subasta y ambos pujan por una figura, esa pequeña rivalidad hace que se acerquen y una cosa lleva a otra y terminan apasionadamente revolcados y convenciéndose que están hechos el uno para el otro, la historia más romántica de sus vidas.

El director Danny De Vito, se une a sus amigotes Michael Douglas y KathleenTurner en una fórmula ganadora que ya había dado resultado en el "Tras el corazón verde (1984)" (Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida, en Latinoamérica) y su secuela, "La Joya del Nilo (1985)", otorgándose el papel de un abogado, socio de Oliver, que al inicio del film se encuentra atendiendo a un cliente que viene a pedir asesoría para su divorcio, pero éste antes de aceptar el caso, como si la vida de aquel le importara, decide contarle la historia de los Rose, una relación con mucho amor que termina en el más horrendo de los desastres.

la-guerra-de-los-rose

Habíamos dejado a Bárbara y Oliver enamorados, apasionados y encantados. No me dijiste que eras multiorgásmica dice él, no lo sabía, acota ella. Se matrimonian y mientras él continúa arduamente sus estudios de derecho ella asume el rol de ama de casa postergando sus sueños. La felicidad se nota en el hogar y una navidad ella le regala un auto Morgan que atesorará con la mayor ilusión. Cuando él ya puede ejercer y las cosas van bien compran una casa que a los dos les fascina, la adornarán con sus gustos y será su nidito de amor donde criarán a sus dos hijos y a un gato y un perro.
Pero la crítica al sueño americano de felicidad y prosperidad se ha ido deslizando subterráneamente, esperando salir a la superficie, porque Oliver se ha vuelto un pedante nuevo rico, que descalifica a todos, incluyendo a su bella esposa que parece comenzar a cabrearse con cada comentario, con cada acción, con tener que soportarlo en su cama, en su vida y el estallido se da cuando Oliver es llevado a emergencias víctima de lo que supone es un infarto pero no, es una indigestión apenas, sin embargo Bárbara no llega al Hospital a verlo, de hecho llega tarde a casa cuando él ha regresado y con una mirada dura y convencida de lo que va decir le espeta a la cara que pensó mucho en su eventual muerte y que no hubo pena sino más bien alivio. Quiero el divorcio.

la-guerra-de-los-rose

Y donde hubo amor y se pensaba que todo se podría se pudrió. Comienzan las rencillas y el rencor, las malinterpretaciones, el no ceder, la violencia verbal y física (que curiosamente va de mano femenina más que del hombre) y la inminente destrucción porque la casa de sus sueños se torna en el escenario de la peor pesadilla, una guerra sin cuartel que es retratada por De Vito con toda la mala leche pero con una ironía y sarcasmo que nos sorprende porque posiblemente más de uno pasó por un episodio similar y a lo mejor lo resolvió por las buenas, solo que aquí las cosas se van de las manos y las consecuencias son catastróficas. Y divertidísimas.

Humor negrísimo que no deja títere sin cabeza. Te amaré hasta que la muerte nos separe dijimos. Nunca pensamos que nosotros y nuestra estupidez nos llevarían a ella.

la-guerra-de-los-rose

Título original: The War of the Roses.

Director: Danny De Vito.

Intérpretes: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Marianne Sägebrecht,G.D. Spradlin, Sean Astin, Peter Donat.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

LA GUERRA DE LOS ROSE (1989). Descomposición de un matrimonio idílico.

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"Una vez en la vida llega una película que hace que te vuelvas a enamorar. Esta no es esa película."
Así rezaba el cartel publicitario de esta adaptación de una novela de Warren Adler (1981), que curiosamente tomaba este nombre en referencia a la guerra medieval entre las casas Lancaster y York por el trono de Inglaterra. Aquí el trono es la casa, vivienda que construyó el matrimonio Rose y que ninguno de los dos pretende abandonar.
La historia comienza cuando los jóvenes Oliver y Bárbara se conocen en la isla de Nantucket durante una subasta y ambos pujan por una figura, esa pequeña rivalidad hace que se acerquen y una cosa lleva a otra y terminan apasionadamente revolcados y convenciéndose que están hechos el uno para el otro, la historia más romántica de sus vidas.

El director Danny De Vito, se une a sus amigotes Michael Douglas y KathleenTurner en una fórmula ganadora que ya había dado resultado en el "Tras el corazón verde (1984)" (Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida, en Latinoamérica) y su secuela, "La Joya del Nilo (1985)", otorgándose el papel de un abogado, socio de Oliver, que al inicio del film se encuentra atendiendo a un cliente que viene a pedir asesoría para su divorcio, pero éste antes de aceptar el caso, como si la vida de aquel le importara, decide contarle la historia de los Rose, una relación con mucho amor que termina en el más horrendo de los desastres.

la-guerra-de-los-rose

Habíamos dejado a Bárbara y Oliver enamorados, apasionados y encantados. No me dijiste que eras multiorgásmica dice él, no lo sabía, acota ella. Se matrimonian y mientras él continúa arduamente sus estudios de derecho ella asume el rol de ama de casa postergando sus sueños. La felicidad se nota en el hogar y una navidad ella le regala un auto Morgan que atesorará con la mayor ilusión. Cuando él ya puede ejercer y las cosas van bien compran una casa que a los dos les fascina, la adornarán con sus gustos y será su nidito de amor donde criarán a sus dos hijos y a un gato y un perro.
Pero la crítica al sueño americano de felicidad y prosperidad se ha ido deslizando subterráneamente, esperando salir a la superficie, porque Oliver se ha vuelto un pedante nuevo rico, que descalifica a todos, incluyendo a su bella esposa que parece comenzar a cabrearse con cada comentario, con cada acción, con tener que soportarlo en su cama, en su vida y el estallido se da cuando Oliver es llevado a emergencias víctima de lo que supone es un infarto pero no, es una indigestión apenas, sin embargo Bárbara no llega al Hospital a verlo, de hecho llega tarde a casa cuando él ha regresado y con una mirada dura y convencida de lo que va decir le espeta a la cara que pensó mucho en su eventual muerte y que no hubo pena sino más bien alivio. Quiero el divorcio.

la-guerra-de-los-rose

Y donde hubo amor y se pensaba que todo se podría se pudrió. Comienzan las rencillas y el rencor, las malinterpretaciones, el no ceder, la violencia verbal y física (que curiosamente va de mano femenina más que del hombre) y la inminente destrucción porque la casa de sus sueños se torna en el escenario de la peor pesadilla, una guerra sin cuartel que es retratada por De Vito con toda la mala leche pero con una ironía y sarcasmo que nos sorprende porque posiblemente más de uno pasó por un episodio similar y a lo mejor lo resolvió por las buenas, solo que aquí las cosas se van de las manos y las consecuencias son catastróficas. Y divertidísimas.

Humor negrísimo que no deja títere sin cabeza. Te amaré hasta que la muerte nos separe dijimos. Nunca pensamos que nosotros y nuestra estupidez nos llevarían a ella.

la-guerra-de-los-rose

Título original: The War of the Roses.

Director: Danny De Vito.

Intérpretes: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Marianne Sägebrecht,G.D. Spradlin, Sean Astin, Peter Donat.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

dark-star
Resulta extraño, cuando menos, que el debut de John Carpenter no goce del culto ni del prestigio, de sobra merecido, de sus primeros films durante finales de los setenta y principios de los ochenta, algunos de ellos auténticos hitos de la serie B: "Asalto a la comisaríadel distrito 13 (1976)"; excelente thriller de acción levemente inspirado en el argumento del western "Río bravo (1959)" de Howard Hawks, "La noche de Halloween (1978)"; película que popularizó el subgénero slasher y sin duda la mejor de la larga serie que el propio Carpenter y Debrah Hill crearon mediante un guión original, "1997: Rescate en Nueva York (1981)"; interesante distopía apocalíptica con aires de western (Lee Van Cleef incluido en el reparto) y sobre todo "La cosa (El enigmade otro mundo) (1982)"; posiblemente su obra maestra, un remake bastante mejorado de "The Thing from Another World (Christian Nyby / Howard Hawks, 1951)"; popular film de culto de ciencia ficción de los cincuenta que no llegaba a explotar las magníficas posibilidades de la novela corta "Who Goes There?" de John W. Campbell en la que se basaba.

Si de entrada se conoce el dato de que Carpenter realizó "Dark star (1974)" como una producción de estudiante mientras estaba en la USC (Universidad del Sur de California) y que su presupuesto final fue de 60.000 dólares, es muy probable que el impacto al ver esta disparatada comedia de ciencia ficción sea mucho menor, no obstante, en su filmografía oficial aparece como su primera película. Rodada en 16mm y con una duración inicial de 45 minutos en su fase de producción estudiantil, al film se le añadió metraje para su estreno en cines hasta llegar a los 83 minutos. Al igual que en alguno de sus mejores trabajos, Carpenter se encarga aquí de la música y de la dirección, además del guión, escrito entre él y su compañero de clase Dan O'Bannon, -otro ilustre del fantástico moderno, responsable de por ejemplo el guión de "Alien (Ridley Scott, 1979)" y "Desafío total  (Paul Verhoeven,1990)- quien se responsabiliza a su vez del montaje de la cinta, efectos especiales y de uno de los papeles protagonistas, el Sargento Pinback.


dark-star

La nave "Dark Star" lleva veinte años en órbita, en una misión para destruir "planetas inestables" que podrían amenazar su futura colonización. Después de tan largo trayecto son múltiples las averías que sufre el aparato: la carga de bombas inteligentes que descienden de su interior sin una orden para hacerlo, su computadora de proceso de alimentos; que solo fabrica comidas líquidas con sabor a pollo, una explosión que ha destruido todos los dormitorios... Si a todo ello le sumamos la desafortunada muerte del oficial al mando, el Comandante Powell, debido a una propulsión al espacio desde su asiento, provocada por un cortocircuito, es lógico que la tripulación se encuentre desanimada y al borde de perder su salud mental; dedicando su tiempo a extraños pasatiempos como construir un órgano musical con botellas de cristal recicladas -como hace el surfista Doolitle (Brian Narelle) en uno de los momentos más originales de la película- o hacer blanco por los pasillos con una pistola láser, peligroso hobbie que practica Boiler (Cal Kuniholm).


dark-star

La película viene a ser prácticamente una parodia de "2001: Una odisea delespacio (Stanley Kubrick, 1968)", con guiños puntuales en el desenlace del film a "Kaleidoscope", una de las historias que se incluyen en "El hombre ilustrado (1951)", un libro de cuentos de Ray Bradbury, del que Dan O'Bannon reconoció haber copiado algunos detalles. No les pudo salir mejor la jugada a Carpenter y O'Bannon, bajo mi punto de vista, ya que con tan inverosímil argumento y tan ajustado presupuesto no se podía hacer otra cosa que tomarse con humor el asunto; a pesar de lo cutre del diseño de la nave, los diálogos imposibles, el film tiene momentos muy divertidos que se convierten en su mejor baza: inolvidable la larguísima secuencia en la que Pinback persigue a la mascota alienígena de la nave; que no es más que una pelota de playa con patas, literalmente. A destacar también las conversaciones que los tripulantes mantienen con la bomba, o mejor dicho con la voz que el sistema le otorga al dispositivo de lanzamiento, que se empeña una y otra en ser disparado sin recibir una orden previa, anécdota que posiblemente nos remita a otro film de Kubrick como es "¿Teléfonorojo? Volamos hacia Moscú (1964)".


dark-star

Título original: Dark star.

Director: John Carpenter.

Intérpretes: Dan O'Bannon, Brian Narelle, Cal Kuniholm, Dre Pahich, Nick Castle, Miles WatkinsJoe Saunders.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

ESTRELLA OSCURA (1974). El debut de John Carpenter y Dan O'Bannon.

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Resulta extraño, cuando menos, que el debut de John Carpenter no goce del culto ni del prestigio, de sobra merecido, de sus primeros films durante finales de los setenta y principios de los ochenta, algunos de ellos auténticos hitos de la serie B: "Asalto a la comisaríadel distrito 13 (1976)"; excelente thriller de acción levemente inspirado en el argumento del western "Río bravo (1959)" de Howard Hawks, "La noche de Halloween (1978)"; película que popularizó el subgénero slasher y sin duda la mejor de la larga serie que el propio Carpenter y Debrah Hill crearon mediante un guión original, "1997: Rescate en Nueva York (1981)"; interesante distopía apocalíptica con aires de western (Lee Van Cleef incluido en el reparto) y sobre todo "La cosa (El enigmade otro mundo) (1982)"; posiblemente su obra maestra, un remake bastante mejorado de "The Thing from Another World (Christian Nyby / Howard Hawks, 1951)"; popular film de culto de ciencia ficción de los cincuenta que no llegaba a explotar las magníficas posibilidades de la novela corta "Who Goes There?" de John W. Campbell en la que se basaba.

Si de entrada se conoce el dato de que Carpenter realizó "Dark star (1974)" como una producción de estudiante mientras estaba en la USC (Universidad del Sur de California) y que su presupuesto final fue de 60.000 dólares, es muy probable que el impacto al ver esta disparatada comedia de ciencia ficción sea mucho menor, no obstante, en su filmografía oficial aparece como su primera película. Rodada en 16mm y con una duración inicial de 45 minutos en su fase de producción estudiantil, al film se le añadió metraje para su estreno en cines hasta llegar a los 83 minutos. Al igual que en alguno de sus mejores trabajos, Carpenter se encarga aquí de la música y de la dirección, además del guión, escrito entre él y su compañero de clase Dan O'Bannon, -otro ilustre del fantástico moderno, responsable de por ejemplo el guión de "Alien (Ridley Scott, 1979)" y "Desafío total  (Paul Verhoeven,1990)- quien se responsabiliza a su vez del montaje de la cinta, efectos especiales y de uno de los papeles protagonistas, el Sargento Pinback.


dark-star

La nave "Dark Star" lleva veinte años en órbita, en una misión para destruir "planetas inestables" que podrían amenazar su futura colonización. Después de tan largo trayecto son múltiples las averías que sufre el aparato: la carga de bombas inteligentes que descienden de su interior sin una orden para hacerlo, su computadora de proceso de alimentos; que solo fabrica comidas líquidas con sabor a pollo, una explosión que ha destruido todos los dormitorios... Si a todo ello le sumamos la desafortunada muerte del oficial al mando, el Comandante Powell, debido a una propulsión al espacio desde su asiento, provocada por un cortocircuito, es lógico que la tripulación se encuentre desanimada y al borde de perder su salud mental; dedicando su tiempo a extraños pasatiempos como construir un órgano musical con botellas de cristal recicladas -como hace el surfista Doolitle (Brian Narelle) en uno de los momentos más originales de la película- o hacer blanco por los pasillos con una pistola láser, peligroso hobbie que practica Boiler (Cal Kuniholm).


dark-star

La película viene a ser prácticamente una parodia de "2001: Una odisea delespacio (Stanley Kubrick, 1968)", con guiños puntuales en el desenlace del film a "Kaleidoscope", una de las historias que se incluyen en "El hombre ilustrado (1951)", un libro de cuentos de Ray Bradbury, del que Dan O'Bannon reconoció haber copiado algunos detalles. No les pudo salir mejor la jugada a Carpenter y O'Bannon, bajo mi punto de vista, ya que con tan inverosímil argumento y tan ajustado presupuesto no se podía hacer otra cosa que tomarse con humor el asunto; a pesar de lo cutre del diseño de la nave, los diálogos imposibles, el film tiene momentos muy divertidos que se convierten en su mejor baza: inolvidable la larguísima secuencia en la que Pinback persigue a la mascota alienígena de la nave; que no es más que una pelota de playa con patas, literalmente. A destacar también las conversaciones que los tripulantes mantienen con la bomba, o mejor dicho con la voz que el sistema le otorga al dispositivo de lanzamiento, que se empeña una y otra en ser disparado sin recibir una orden previa, anécdota que posiblemente nos remita a otro film de Kubrick como es "¿Teléfonorojo? Volamos hacia Moscú (1964)".


dark-star

Título original: Dark star.

Director: John Carpenter.

Intérpretes: Dan O'Bannon, Brian Narelle, Cal Kuniholm, Dre Pahich, Nick Castle, Miles WatkinsJoe Saunders.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

grita-libertad
Grita libertad narra la tragedia del líder carismático de la "conciencia negra" en Sudáfrica, Steve Biko (Denzel Washington), de 30 años de edad, y del periodista liberal y director del East London Daily Dispatch, Donald Woods (Kevin Kline) firme opositor al régimen que imperó en Sudáfrica desde 1948 a 1994; al tiempo que documenta la odisea de Woods cuando, tras reclamar una investigación fiable de su amigo asesinado en la prisión, se ve como él, condenado a confinamiento domiciliario escapa con su mujer y cinco hijos, abandonad un país donde su familia vivió durante varias generaciones. Huido a Europa y sin un céntimo, logra publicar la biografía de Biko que evoca el relato.

La cinta representa un importante documento de denuncia, de injusticia, de crueldad entre los hombres, pero también de amistad entre dos hombres de diferente raza; a la par que ampliamente discutido, sobre todo, por sus errores históricos, sobre el apartheid sudafricano, que pone en la picota el régimen segregacionista de Pretoria. Narrada con gran fuerza dramático-sentimental, combina el estilo del típico documental de reconstitución histórica, con el film-espectáculo y de género biográfico, que es tan característico del actor y director Richard Attenborough. Así, el filme se desarrolla con un estilo cuasi documental, antes de la muerte de Biko, para centrarse en la parte más de thriller de la huida de Woods en su segunda mitad.

grita-libertad

Con guión de John Briley, basado en los libros "Biko y Asking for Troubles", de Donald Woods, Attenborough, sir, inglés, liberal e idealista comprometido, vuelve a demostrar su capacidad artístico y creadora, el sentido de la medida, su sobriedad, puesto que solo se extralimita levemente en el drama de la familia del periodista, así como es posible realizar cine comercial digno al servicio de la actualidad sociopolítica sin apenas manipular al espectador.

En el film se reconstruyen con sentido y ánimo acusador dos incidentes famosos: la brutal evacuación de Crossroads, un barrio de chabolas de las afueras de Ciudad del Cabo, en 1975; y la matanza atroz de niños escolares, que se manifestaban en Soweto el 16 de junio de 1976 debido a que en 1974 el gobierno emitió una ley que obligaba el uso del idioma Afrikaans en todas las escuelas, incluyendo las de los negros. Esta medida fue muy impopular pues se consideraba como el idioma de la opresión. El 30 de abril de 1976 las escuelas de Soweto se declararon en rebeldía. Aunque en la película se indica que fueron 700, el diario Le Monde informó que ese día hubo 25 víctimas, dos de las cuales eran blancos linchados por los manifestantes negros.

grita-libertad

El pulso cinematográfico de Attenborough es notable, así como su espléndida dirección de actores, especialmente Kevin Kline y de los movimientos de masas. Las interpretaciones son notables con un Kevin Kline muy creíble, así como un Denzel Washington comedido y austero. Rodada en Zaire, debido a la prohibición del anterior Gobierno sudafricano, Grita libertad tuvo graves problemas de exhibición y, finalmente, logró impactar y sensibilizar al gran público mundial sobre una problemática humana que ha iniciado las primeras vías de solución. Si tiene algún punto en contra es quizá, el excesivo metraje para contar la historia.

El film concluye con una larga lista de nombres de detenidos políticos, fallecidos mientras se hallaban bajo custodia de la policía sudafricana, seguidos de la causa oficial de la muerte. A mitad de esa engañosa relación, puede leerse: "Septiembre 12, 1977, Steve Biko, Huelga de Hambre". Quizá esta película, haya contribuido al difícil cambio político del país.


Como curiosidad y a modo de conclusión, decir que Peter Gabriel dedicó a Biko en 1.980, un tema interpretado en el concierto final de la gira Conspiracy of Hope organizada por Amnistía Internacional en 1.986.

grita-libertad

Frase para recordar: "¿Por qué se hacen llamar «negros»? Parecen más marrones que negros.
¿Por qué ustedes se hacen llamar blancos?. Parecen más rosados que blancos".

Título original: Cry Freedom.

Director: Richard Attenborough.

Intérpretes: Kevin Kline, Penelope Wilton, Denzel Washington, John Hargreaves, Zakes MokaeIan Richardson, Alec McCowen, Kevin McNally.
Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

GRITA LIBERTAD (1987). El drama racial de Richard Attenborough.

grita-libertad
Grita libertad narra la tragedia del líder carismático de la "conciencia negra" en Sudáfrica, Steve Biko (Denzel Washington), de 30 años de edad, y del periodista liberal y director del East London Daily Dispatch, Donald Woods (Kevin Kline) firme opositor al régimen que imperó en Sudáfrica desde 1948 a 1994; al tiempo que documenta la odisea de Woods cuando, tras reclamar una investigación fiable de su amigo asesinado en la prisión, se ve como él, condenado a confinamiento domiciliario escapa con su mujer y cinco hijos, abandonad un país donde su familia vivió durante varias generaciones. Huido a Europa y sin un céntimo, logra publicar la biografía de Biko que evoca el relato.

La cinta representa un importante documento de denuncia, de injusticia, de crueldad entre los hombres, pero también de amistad entre dos hombres de diferente raza; a la par que ampliamente discutido, sobre todo, por sus errores históricos, sobre el apartheid sudafricano, que pone en la picota el régimen segregacionista de Pretoria. Narrada con gran fuerza dramático-sentimental, combina el estilo del típico documental de reconstitución histórica, con el film-espectáculo y de género biográfico, que es tan característico del actor y director Richard Attenborough. Así, el filme se desarrolla con un estilo cuasi documental, antes de la muerte de Biko, para centrarse en la parte más de thriller de la huida de Woods en su segunda mitad.

grita-libertad

Con guión de John Briley, basado en los libros "Biko y Asking for Troubles", de Donald Woods, Attenborough, sir, inglés, liberal e idealista comprometido, vuelve a demostrar su capacidad artístico y creadora, el sentido de la medida, su sobriedad, puesto que solo se extralimita levemente en el drama de la familia del periodista, así como es posible realizar cine comercial digno al servicio de la actualidad sociopolítica sin apenas manipular al espectador.

En el film se reconstruyen con sentido y ánimo acusador dos incidentes famosos: la brutal evacuación de Crossroads, un barrio de chabolas de las afueras de Ciudad del Cabo, en 1975; y la matanza atroz de niños escolares, que se manifestaban en Soweto el 16 de junio de 1976 debido a que en 1974 el gobierno emitió una ley que obligaba el uso del idioma Afrikaans en todas las escuelas, incluyendo las de los negros. Esta medida fue muy impopular pues se consideraba como el idioma de la opresión. El 30 de abril de 1976 las escuelas de Soweto se declararon en rebeldía. Aunque en la película se indica que fueron 700, el diario Le Monde informó que ese día hubo 25 víctimas, dos de las cuales eran blancos linchados por los manifestantes negros.

grita-libertad

El pulso cinematográfico de Attenborough es notable, así como su espléndida dirección de actores, especialmente Kevin Kline y de los movimientos de masas. Las interpretaciones son notables con un Kevin Kline muy creíble, así como un Denzel Washington comedido y austero. Rodada en Zaire, debido a la prohibición del anterior Gobierno sudafricano, Grita libertad tuvo graves problemas de exhibición y, finalmente, logró impactar y sensibilizar al gran público mundial sobre una problemática humana que ha iniciado las primeras vías de solución. Si tiene algún punto en contra es quizá, el excesivo metraje para contar la historia.

El film concluye con una larga lista de nombres de detenidos políticos, fallecidos mientras se hallaban bajo custodia de la policía sudafricana, seguidos de la causa oficial de la muerte. A mitad de esa engañosa relación, puede leerse: "Septiembre 12, 1977, Steve Biko, Huelga de Hambre". Quizá esta película, haya contribuido al difícil cambio político del país.


Como curiosidad y a modo de conclusión, decir que Peter Gabriel dedicó a Biko en 1.980, un tema interpretado en el concierto final de la gira Conspiracy of Hope organizada por Amnistía Internacional en 1.986.

grita-libertad

Frase para recordar: "¿Por qué se hacen llamar «negros»? Parecen más marrones que negros.
¿Por qué ustedes se hacen llamar blancos?. Parecen más rosados que blancos".

Título original: Cry Freedom.

Director: Richard Attenborough.

Intérpretes: Kevin Kline, Penelope Wilton, Denzel Washington, John Hargreaves, Zakes MokaeIan Richardson, Alec McCowen, Kevin McNally.
Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

carga-maldita
Tenía 11 años cuando escuché en las noticias que un tal William Friedkin había venido a Ecuador para filmar una película. Y quién es ese, pues el que hizo El exorcista, y que no iba a rodar sino a buscar escenarios porque esta se desarrollaba en la jungla. ¿El diablo de la selva?
Friedkin no solo visitó mi país buscando locaciones sino también aprovechó para ver la forma tercermundista cómo funcionaban las empresas petroleras aquí y cuentan que fue mirando unos camiones destartalados que servían para transporte de materiales a los cuales se acostumbraba poner nombre para "dar suerte" que se le ocurrió bautizar a uno de ellos con Lazaro, por aquel traído desde los muertos, y al otro lo llamó Sorcerer, hechicero.
Filmada finalmente en República Dominicana y México por cuestión de presupuesto y porque los actores previstos no tenían idea de dónde estaba Ecuador y temían qué pestes iban a contagiarse se rodó en Centroamérica durante 11 meses en condiciones catastróficas por lo que Friedkin la llamaría posteriormente su Apocalypse Now personal.
La historia de 4 parias en un país imaginario de Latinoamérica contratados para llevar nitroglicerina y apagar un incendio en un pozo petrolero ya fue llevada con anterioridad al cine de la mano de Georges Clouzot en 1953 siendo considerada una obra maestra por todos aunque dicen las malas lenguas que el escritor Georges Arnoud, autor de la novela en la que se inspira, no quedó muy satisfecho.

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Friedkin comenzó este proyecto como uno secundario y de bajo presupuesto pues su sueño era llevar a la pantalla otro titulado El triangulo del diablo que iba ser su obra mayor, pero al parecer el financiamiento de Encuentros en tercera fase de Spielberg hizo que La Universal cancelara su proyecto, Y Friedkin volcara toda su creación y frustración a esta obra que fue creciendo no solo en presupuesto sino en la determinación de ser la obra por la que pasaría a la posteridad más allá de niñas poseídas y tráfico de drogas provenientes del otro lado del charco.
Comenzó comprando los derechos de la novela que no pertenecían a Clouzot sino a su padre literario Arnaud. Quiso fichar a Steve McQueen como protagonista pero éste quiso que su esposa de aquel entonces, Ali McGraw tuviera papel y fuera productora ejecutiva, lo que cabreó a Billy y buscó una segunda opción en Robert Mitchum pero cara de lagartija no quiso saber nada de filmar en Sudamérica y ni Warren Oates ni Nicholson ni Eastwood tampoco quisieron y fue la Universal la que impuso a Roy Scheider como protagonista, y aunque Roy y William ya habían trabajado antes, ahora la relación se había deteriorado y con el clima y las circunstancias adversas se llevaron tan mal que apenas se dirigían la palabra. Mastroianni iba a hacer la parte que realizó Rabal pero Marcello se desdijo a último momento y Paco cumplió su sueño de trabajar en una producción de Hollywood de la cual después renegaría. Lino Venura fue sustituido por Bruno Cremer y el único que quedó fichado desde el principio fue Amidou, como el fugitivo terrorista palestino.
Friedkin argumentó que no quería hacer un remake sino un enfoque diferente a la historia y en el proceso rechazó diálogos que no llevaban a ninguna parte haciendo primar la acción y el aspecto visual pues aquí el simbolismo debería ser expresado por la lucha del hombre contra la naturaleza y eso se conseguía con lenguaje corporal y mediante el ojo de la cámara. Resultado de eso son esas imágenes inolvidables de los camiones surcando peligros y caminos imposibles.

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Al inicio de la película hay un prólogo divido en 4 partes, donde se nos narra la historia de cada uno de los participantes en esta odisea: El primero es Nilo, un asesino a sueldo que mata a un sujeto en Veracruz (México), el segundo es Kaseem, un terrorista árabe sobreviviente de un atentado en Jerusalem, el tercero es Víctor, metido en negocios sucios en París cuyo socio se suicida, y el último es Jackie Scanlon asimismo sobreviviente de una matanza en la que muere el hermano de un mafioso quien lo manda a cazar y dar muerte.
Los 4 serán escogidos para llevar el explosivo a través de una ruta suicida de 320 kilómetros pues este combustible es altamente inestable y en cualquier momento puede estallar. Hay la promesa de dinero y nacionalización en Porvenir, país ficticio como mencionamos, al que han llegado huyendo de su pasado, a pesar de tener pinta de extranjeros por todo lado, han asumido apellidos latinos, sobreviven con lo que hay, víctimas incluso de autoridades corruptas que para hacerse de la vista gorda reciben un porcentaje de lo que ganan. Se les ha presentado esta oportunidad y se ofrecen voluntariamente para un trabajo que ningún local se atrevería pero el destino es inexorable y cuando a los seres humanos se les olvida que la unión hace la fuerza, la falta de cooperación los convertirá en animales salvajes y solo uno de ellos podrá llegar a su meta.
Sorcerer quiere decir hechicero, nombre revelado a Friedkin mientras escuchaba un disco de Miles Davis, hace referencia al destino, en palabras suyas esta película no habla de héroes o antihéroes sino de cómo la suerte puede cambiar de un momento a otro por situaciones que se nos escapan.

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El destino también jugó su mano en esta producción que quedó relegada a la ignorancia del público. Era el año de Star Wars y nadie se percató en una película cínica y oscura acerca de personajes con un pasado maldito en busca no de redención sino de supervivencia.
Roy Scheider venía de Tiburón (1975) y Marathon Man (1976) luego de varios años de secundario y abordó su personaje de Jackie Scanlon (Juan Domínguez) inspirándose en el Bogard de El tesoro de Sierra Madre. Como el film pocos lo vieron, retomó el papel del jefe Brody y continuó matando escualos en Tiburon II en el 78 hasta cuando le vino su consagración definitiva con All that jazz. Excelente actor de carácter con el sueño de ser un nuevo Spencer Tracy.
La música estuvo a cargo de Tangerine Dream en su primera incursión holliwoodsense. Hipnótica.
Eviten la versión en VHS o DVD porque conservan el formato 4:3, pues el mismo Friedkin se encaprichó durante un tiempo en que la única forma de apreciarla era en la tv, sin embargo en 2014 su remasterización en Bluray nos ha devuelto esta magnífica obra en todo su esplendor.
Una de las pocas por las que pongo la mano en el fuego. Y lo dice un cincuentón que recuerda todavía al muchachito que especulaba que si la película iba a filmarse en la selva de su país a lo mejor se trataba de una del demonio en el Amazonas.

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Título original: Sorcerer.

Director: William Friedkin.

Intérpretes: Roy Scheider, Bruno Cremer, Francisco Rabal, Amidou, Ramon Bieri, Peter CapellFriedrich von Ledebur.

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quesada

CARGA MALDITA (1977). Transporte peligroso.

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Tenía 11 años cuando escuché en las noticias que un tal William Friedkin había venido a Ecuador para filmar una película. Y quién es ese, pues el que hizo El exorcista, y que no iba a rodar sino a buscar escenarios porque esta se desarrollaba en la jungla. ¿El diablo de la selva?
Friedkin no solo visitó mi país buscando locaciones sino también aprovechó para ver la forma tercermundista cómo funcionaban las empresas petroleras aquí y cuentan que fue mirando unos camiones destartalados que servían para transporte de materiales a los cuales se acostumbraba poner nombre para "dar suerte" que se le ocurrió bautizar a uno de ellos con Lazaro, por aquel traído desde los muertos, y al otro lo llamó Sorcerer, hechicero.
Filmada finalmente en República Dominicana y México por cuestión de presupuesto y porque los actores previstos no tenían idea de dónde estaba Ecuador y temían qué pestes iban a contagiarse se rodó en Centroamérica durante 11 meses en condiciones catastróficas por lo que Friedkin la llamaría posteriormente su Apocalypse Now personal.
La historia de 4 parias en un país imaginario de Latinoamérica contratados para llevar nitroglicerina y apagar un incendio en un pozo petrolero ya fue llevada con anterioridad al cine de la mano de Georges Clouzot en 1953 siendo considerada una obra maestra por todos aunque dicen las malas lenguas que el escritor Georges Arnoud, autor de la novela en la que se inspira, no quedó muy satisfecho.

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Friedkin comenzó este proyecto como uno secundario y de bajo presupuesto pues su sueño era llevar a la pantalla otro titulado El triangulo del diablo que iba ser su obra mayor, pero al parecer el financiamiento de Encuentros en tercera fase de Spielberg hizo que La Universal cancelara su proyecto, Y Friedkin volcara toda su creación y frustración a esta obra que fue creciendo no solo en presupuesto sino en la determinación de ser la obra por la que pasaría a la posteridad más allá de niñas poseídas y tráfico de drogas provenientes del otro lado del charco.
Comenzó comprando los derechos de la novela que no pertenecían a Clouzot sino a su padre literario Arnaud. Quiso fichar a Steve McQueen como protagonista pero éste quiso que su esposa de aquel entonces, Ali McGraw tuviera papel y fuera productora ejecutiva, lo que cabreó a Billy y buscó una segunda opción en Robert Mitchum pero cara de lagartija no quiso saber nada de filmar en Sudamérica y ni Warren Oates ni Nicholson ni Eastwood tampoco quisieron y fue la Universal la que impuso a Roy Scheider como protagonista, y aunque Roy y William ya habían trabajado antes, ahora la relación se había deteriorado y con el clima y las circunstancias adversas se llevaron tan mal que apenas se dirigían la palabra. Mastroianni iba a hacer la parte que realizó Rabal pero Marcello se desdijo a último momento y Paco cumplió su sueño de trabajar en una producción de Hollywood de la cual después renegaría. Lino Venura fue sustituido por Bruno Cremer y el único que quedó fichado desde el principio fue Amidou, como el fugitivo terrorista palestino.
Friedkin argumentó que no quería hacer un remake sino un enfoque diferente a la historia y en el proceso rechazó diálogos que no llevaban a ninguna parte haciendo primar la acción y el aspecto visual pues aquí el simbolismo debería ser expresado por la lucha del hombre contra la naturaleza y eso se conseguía con lenguaje corporal y mediante el ojo de la cámara. Resultado de eso son esas imágenes inolvidables de los camiones surcando peligros y caminos imposibles.

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Al inicio de la película hay un prólogo divido en 4 partes, donde se nos narra la historia de cada uno de los participantes en esta odisea: El primero es Nilo, un asesino a sueldo que mata a un sujeto en Veracruz (México), el segundo es Kaseem, un terrorista árabe sobreviviente de un atentado en Jerusalem, el tercero es Víctor, metido en negocios sucios en París cuyo socio se suicida, y el último es Jackie Scanlon asimismo sobreviviente de una matanza en la que muere el hermano de un mafioso quien lo manda a cazar y dar muerte.
Los 4 serán escogidos para llevar el explosivo a través de una ruta suicida de 320 kilómetros pues este combustible es altamente inestable y en cualquier momento puede estallar. Hay la promesa de dinero y nacionalización en Porvenir, país ficticio como mencionamos, al que han llegado huyendo de su pasado, a pesar de tener pinta de extranjeros por todo lado, han asumido apellidos latinos, sobreviven con lo que hay, víctimas incluso de autoridades corruptas que para hacerse de la vista gorda reciben un porcentaje de lo que ganan. Se les ha presentado esta oportunidad y se ofrecen voluntariamente para un trabajo que ningún local se atrevería pero el destino es inexorable y cuando a los seres humanos se les olvida que la unión hace la fuerza, la falta de cooperación los convertirá en animales salvajes y solo uno de ellos podrá llegar a su meta.
Sorcerer quiere decir hechicero, nombre revelado a Friedkin mientras escuchaba un disco de Miles Davis, hace referencia al destino, en palabras suyas esta película no habla de héroes o antihéroes sino de cómo la suerte puede cambiar de un momento a otro por situaciones que se nos escapan.

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El destino también jugó su mano en esta producción que quedó relegada a la ignorancia del público. Era el año de Star Wars y nadie se percató en una película cínica y oscura acerca de personajes con un pasado maldito en busca no de redención sino de supervivencia.
Roy Scheider venía de Tiburón (1975) y Marathon Man (1976) luego de varios años de secundario y abordó su personaje de Jackie Scanlon (Juan Domínguez) inspirándose en el Bogard de El tesoro de Sierra Madre. Como el film pocos lo vieron, retomó el papel del jefe Brody y continuó matando escualos en Tiburon II en el 78 hasta cuando le vino su consagración definitiva con All that jazz. Excelente actor de carácter con el sueño de ser un nuevo Spencer Tracy.
La música estuvo a cargo de Tangerine Dream en su primera incursión holliwoodsense. Hipnótica.
Eviten la versión en VHS o DVD porque conservan el formato 4:3, pues el mismo Friedkin se encaprichó durante un tiempo en que la única forma de apreciarla era en la tv, sin embargo en 2014 su remasterización en Bluray nos ha devuelto esta magnífica obra en todo su esplendor.
Una de las pocas por las que pongo la mano en el fuego. Y lo dice un cincuentón que recuerda todavía al muchachito que especulaba que si la película iba a filmarse en la selva de su país a lo mejor se trataba de una del demonio en el Amazonas.

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Título original: Sorcerer.

Director: William Friedkin.

Intérpretes: Roy Scheider, Bruno Cremer, Francisco Rabal, Amidou, Ramon Bieri, Peter CapellFriedrich von Ledebur.

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quesada

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Lee Chandler (Casey Affleck) es un hombre de unos cuarenta años que trabaja realizando tareas de mantenimiento en una serie de edificios de Boston. Así, le vemos arreglando duchas, sanitarios, tuberías atascadas, sacando la basura o vaciando de nieve las entradas de las casas. Lee es un hombre taciturno, atormentado y silencioso; un hombre de pocas palabras y mantiene una relación distante y hasta hostil con los clientes, hecho que produce hasta alguna que otra queja de alguna clienta insatisfecha a su jefe. Lee, por las noches ahoga sus penas en alcohol en el bar de turno y no vacila en descargar su amargura con quien sea menester y meterse en peleas con o sin motivo. A juzgar por su comportamiento, sabemos que a Lee le ocurre o le ha ocurrido algo grave en el pasado o quizás, en un presente reciente. Lee es un tipo misterioso que sin duda alberga un pasado oscuro.

Los Chandler, son una familia de clase obrera afincada en Massachusetts. Tras recibir una llamada telefónica comunicándole el fallecimiento repentino de Joe (Kyle Chandler), el hermano mayor de Lee, y por voluntad de éste, pasa a conviertirse en el tutor legal de su sobrino de dieciséis años (Lucas Hedges). Este acontecimiento trágico hará que Lee deba trasladarse y enfrentarse a un pasado trágico que desconocemos y que le llevó a separarse de su esposa Randi (Michelle Williams) y de la ciudad en la que nació y creció. En el trayecto de Boston a Manchester, y a través de flashbacks, Lee rememora su vida anterior en su ciudad, mostrando una vida feliz en la pequeña localidad costera; las salidas al mar en su barca, compartidas con su sobrino.

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La llegada de Lee a su ciudad natal y de la actitud para con él que muestran algunos de sus miembros, sigue siendo un misterio para el espectador. Lee deberá organizar el funeral de su hermano y cumplir sus últimas voluntades. Tío y sobrino llevan tiempo sin relacionarse, por lo que el encuentro no será cálido entre los dos, porque a ninguno de los dos le apetece acatar el mandato del fallecido. Lee quiere llevárselo a su casa de Boston, Patrick, lógicamente no quiere abandonar su barrio ni sus amigos y emprender una nueva vida lejos de casa.

Manchester frente al mar es un brutal retrato sobre el dolor y la pérdida, pero sobre todo, lo es de la culpa. Algunos filósofos relacionaban la culpa con la imperfección humana. En el sentido teológico, la culpa es la transgresión voluntaria de la ley de Dios, ya sea con el pensamiento, con la obra o con la omisión. En sentido civil, es la falta o delito que provoca un perjuicio o daño a alguien; toda culpa exige reparación o perdón, de otra manera obstaculiza el comportamiento y la vivencia y hace que la vida sea bastante insoportable. De ahí la actitud de Lee, muerto en vida, porque para él, su acción y omisión, no existe redención posible.

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El sentimiento de culpa baja la autoestima y desarrolla odio a uno mismo. Este odio se proyecta en forma de violencia hacia los otros y Lee lo proyecta cada noche en el escenario del bar, testigo de su desesperación y amargura. El remordimiento, por ser un sentimiento ligado inherentemente a nuestras propias responsabilidades, provoca un estado tal de la conciencia que, al margen del dolor interior que produce, a consecuencia del amor a la persona dañada, deriva en la necesidad de compensar el caos o el daño, y si no se puede, uno tiene que cumplir con la pena y penitencia; cargar con ella. La culpa es una dimensión ética, porque yo no cumplí mi deber. Ser responsable es responder por el daño ocasionado, ser culpable es ser la causa de ese daño. Y hay cosas en la vida que son difíciles de superar. El dolor que nos causa la pérdida de un ser querido es una de ellas.

Kenneth Lonegan, autor también del sólido guión, nos va dosificando poco a poco los elementos de la historia, los va cocinando a fuego lento, mientras asistimos sin pestañear y encogidos a una dimensión desgarradora del dolor del protagonista, a través de sus planos, de una parte, fríos como la nieve de Boston; de otra, serenos y tranquilos como el mar de la ciudad frente al mar. Las localizaciones de esos planos toman vital importancia ¿Y qué vemos en ellos? la soledad del pescador, el silencio del océano y el vacío, como el estado emocional de Lee. De tanto en tanto, el guión se impregna de gotas de humor negro en alguna situación, aunque no para suavizar la narración, ya que las mismas no mejoran el ánimo.

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Pérdida y culpa van de la mano de Lee y sin soltarlo, hasta desembocar en la rabia. Y Casey Afleck materializa impecablemente su estado tortuoso y sin tregua, a través de un trabajo de absoluta contención y miradas que pasea durante toda la cinta. La aparición de MIchels Williams, breve, pero contundente, ayuda a agravar más, si cabe, su estado y nos ayuda a comprender.

Manchester frente al mar es un film pequeño, emotivo y seco a la vez, a la par que brutalmente desgarrador y, a mi juicio, una de las mejores películas del año.

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Frase para recordar: "Mi corazón estaba roto. Siempre va a estar roto. Pero sé que el tuyo también lo está".

Título original: Manchester by the Sea.

Director: Kenneth Lonergan.

Intérpretes: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan,Erica McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

MANCHESTER FRENTE AL MAR (2017) El drama familiar de Casey Affleck.

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Lee Chandler (Casey Affleck) es un hombre de unos cuarenta años que trabaja realizando tareas de mantenimiento en una serie de edificios de Boston. Así, le vemos arreglando duchas, sanitarios, tuberías atascadas, sacando la basura o vaciando de nieve las entradas de las casas. Lee es un hombre taciturno, atormentado y silencioso; un hombre de pocas palabras y mantiene una relación distante y hasta hostil con los clientes, hecho que produce hasta alguna que otra queja de alguna clienta insatisfecha a su jefe. Lee, por las noches ahoga sus penas en alcohol en el bar de turno y no vacila en descargar su amargura con quien sea menester y meterse en peleas con o sin motivo. A juzgar por su comportamiento, sabemos que a Lee le ocurre o le ha ocurrido algo grave en el pasado o quizás, en un presente reciente. Lee es un tipo misterioso que sin duda alberga un pasado oscuro.

Los Chandler, son una familia de clase obrera afincada en Massachusetts. Tras recibir una llamada telefónica comunicándole el fallecimiento repentino de Joe (Kyle Chandler), el hermano mayor de Lee, y por voluntad de éste, pasa a conviertirse en el tutor legal de su sobrino de dieciséis años (Lucas Hedges). Este acontecimiento trágico hará que Lee deba trasladarse y enfrentarse a un pasado trágico que desconocemos y que le llevó a separarse de su esposa Randi (Michelle Williams) y de la ciudad en la que nació y creció. En el trayecto de Boston a Manchester, y a través de flashbacks, Lee rememora su vida anterior en su ciudad, mostrando una vida feliz en la pequeña localidad costera; las salidas al mar en su barca, compartidas con su sobrino.

manchester-frente-al-mar

La llegada de Lee a su ciudad natal y de la actitud para con él que muestran algunos de sus miembros, sigue siendo un misterio para el espectador. Lee deberá organizar el funeral de su hermano y cumplir sus últimas voluntades. Tío y sobrino llevan tiempo sin relacionarse, por lo que el encuentro no será cálido entre los dos, porque a ninguno de los dos le apetece acatar el mandato del fallecido. Lee quiere llevárselo a su casa de Boston, Patrick, lógicamente no quiere abandonar su barrio ni sus amigos y emprender una nueva vida lejos de casa.

Manchester frente al mar es un brutal retrato sobre el dolor y la pérdida, pero sobre todo, lo es de la culpa. Algunos filósofos relacionaban la culpa con la imperfección humana. En el sentido teológico, la culpa es la transgresión voluntaria de la ley de Dios, ya sea con el pensamiento, con la obra o con la omisión. En sentido civil, es la falta o delito que provoca un perjuicio o daño a alguien; toda culpa exige reparación o perdón, de otra manera obstaculiza el comportamiento y la vivencia y hace que la vida sea bastante insoportable. De ahí la actitud de Lee, muerto en vida, porque para él, su acción y omisión, no existe redención posible.

manchester-frente-al-mar

El sentimiento de culpa baja la autoestima y desarrolla odio a uno mismo. Este odio se proyecta en forma de violencia hacia los otros y Lee lo proyecta cada noche en el escenario del bar, testigo de su desesperación y amargura. El remordimiento, por ser un sentimiento ligado inherentemente a nuestras propias responsabilidades, provoca un estado tal de la conciencia que, al margen del dolor interior que produce, a consecuencia del amor a la persona dañada, deriva en la necesidad de compensar el caos o el daño, y si no se puede, uno tiene que cumplir con la pena y penitencia; cargar con ella. La culpa es una dimensión ética, porque yo no cumplí mi deber. Ser responsable es responder por el daño ocasionado, ser culpable es ser la causa de ese daño. Y hay cosas en la vida que son difíciles de superar. El dolor que nos causa la pérdida de un ser querido es una de ellas.

Kenneth Lonegan, autor también del sólido guión, nos va dosificando poco a poco los elementos de la historia, los va cocinando a fuego lento, mientras asistimos sin pestañear y encogidos a una dimensión desgarradora del dolor del protagonista, a través de sus planos, de una parte, fríos como la nieve de Boston; de otra, serenos y tranquilos como el mar de la ciudad frente al mar. Las localizaciones de esos planos toman vital importancia ¿Y qué vemos en ellos? la soledad del pescador, el silencio del océano y el vacío, como el estado emocional de Lee. De tanto en tanto, el guión se impregna de gotas de humor negro en alguna situación, aunque no para suavizar la narración, ya que las mismas no mejoran el ánimo.

manchester-frente-al-mar

Pérdida y culpa van de la mano de Lee y sin soltarlo, hasta desembocar en la rabia. Y Casey Afleck materializa impecablemente su estado tortuoso y sin tregua, a través de un trabajo de absoluta contención y miradas que pasea durante toda la cinta. La aparición de MIchels Williams, breve, pero contundente, ayuda a agravar más, si cabe, su estado y nos ayuda a comprender.

Manchester frente al mar es un film pequeño, emotivo y seco a la vez, a la par que brutalmente desgarrador y, a mi juicio, una de las mejores películas del año.

manchester-frente-al-mar

Frase para recordar: "Mi corazón estaba roto. Siempre va a estar roto. Pero sé que el tuyo también lo está".

Título original: Manchester by the Sea.

Director: Kenneth Lonergan.

Intérpretes: Casey Affleck, Michelle Williams, Kyle Chandler, Lucas Hedges, Tate Donovan,Erica McDermott, Matthew Broderick, Gretchen Mol.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez


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Vivimos en un tiempo en la que el Cine de los 80's es continuamente homenajeado, recordado, remakeado y plagiado. Spielberg ha recogido el material del libro escrito por Ernest Cline para volver con "Ready Player One" a un tiempo en el que fue encumbrado como ídolo del séptimo arte, dirigiendo films tales como "Tiburón", "Encuentros en la tercera fase", "E.T" e "Indiana Jones", entre otros muchos, además de producir a directores como Joe Dante "Gremlins" y Robert Zemeckis "Regreso al Futuro" , en una época dorada que difícilmente será superada. Spielberg utilizando el sistema de captura de movimiento que ya utilizó en "Tintín" y "Mi amigo el gigante", toma el testigo de su amigo Robert Zemeckis, que hace no tantos años innovó con "Beowulf", "Polar Express" y "Cuento de Navidad", no teniendo el éxito esperado, pero dejando claro que tal tecnología es una perfecta herramienta para plasmar a la perfección la imaginería de su poderío narrativo, poderío que queda patente en "Ready Player One". "Regreso al futuro", "Gremlins", "Los Goonies", "Superman", "Excalibur", "Robocop", "Pesadilla en Elm Street", "Alien", incluso "El muñeco diabólico", el Batman ochentero y el de la serie de t.v de los 60's, "El coche fantástico", "El superhéroe americano", "Mortal Kombat", las criaturas de Ray Harryhausen y muchísimos más hitos de Cine, Televisión, cómic y Videojuegos caben en una película que de algún modo hace lo mismo que hizo Wes Craven con "Scream", pero aquí jugando con los 80´s y 90's. Spielberg a base de persecuciones, batallas, peleas, explosiones y mucha, mucha espectacularidad nos lleva a un mundo infográfico, en el que un videojuego es la única válvula de escape para un ser humano que ha perdido la esencia de la realidad, debido a que la población mundial vive enganchada a lo virtual, sabiendo que en cuanto te desconectas vuelves al aburrimiento, el desastre y la miseria del mundo futuro. 

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Un ritmo frenético estupendamente rodado sin perder de vista los homenajes continuos, hacen de "Ready Player One" una vuelta a la niñez, remarcando que el cine palomitero de entonces tenía tanta capacidad de entretenimiento para hacer soñar y divertirse, que fue y debería ser una fuente de inspiración para el cine que se hace hoy, y que lamentablemente no se hace. Los momentos que hacen referencia a la película de su amigo íntimo "Stanley Kubrick" con "El Resplandor", llegan a conmover y promover una satisfacción indescriptiblemente satisfactoria para todo aficionado al séptimo arte. La última película de Spielberg le devuelve a la maravilla, al olimpo del entertainment sin alcanzar lo que fue, pero acercándole mediante el recuerdo al espectáculo que él junto a otros cineastas conviertieron los 80's y el principio de los 90's en algo inolvidable. La Música, la Televisión, los Videojuegos, la Novela gráfica y sobretodo el Cine de aquella época hace que "Ready Player One" sea una disfrutable y entusiasta forma de ver que los niños y adolescentes de aquella época mediante la ficción, hicieron mejor la realidad de aquellos maravillosos años.

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Director: Steven Spielberg.

Intérpretes: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Simon PeggT.J. Miller, Hannah John-Kamen, Win Morisaki, Philip Zhao.

Trailer:



B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

READY PLAYER ONE (2018). El viaje nostálgico de Steven Spielberg.


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Vivimos en un tiempo en la que el Cine de los 80's es continuamente homenajeado, recordado, remakeado y plagiado. Spielberg ha recogido el material del libro escrito por Ernest Cline para volver con "Ready Player One" a un tiempo en el que fue encumbrado como ídolo del séptimo arte, dirigiendo films tales como "Tiburón", "Encuentros en la tercera fase", "E.T" e "Indiana Jones", entre otros muchos, además de producir a directores como Joe Dante "Gremlins" y Robert Zemeckis "Regreso al Futuro" , en una época dorada que difícilmente será superada. Spielberg utilizando el sistema de captura de movimiento que ya utilizó en "Tintín" y "Mi amigo el gigante", toma el testigo de su amigo Robert Zemeckis, que hace no tantos años innovó con "Beowulf", "Polar Express" y "Cuento de Navidad", no teniendo el éxito esperado, pero dejando claro que tal tecnología es una perfecta herramienta para plasmar a la perfección la imaginería de su poderío narrativo, poderío que queda patente en "Ready Player One". "Regreso al futuro", "Gremlins", "Los Goonies", "Superman", "Excalibur", "Robocop", "Pesadilla en Elm Street", "Alien", incluso "El muñeco diabólico", el Batman ochentero y el de la serie de t.v de los 60's, "El coche fantástico", "El superhéroe americano", "Mortal Kombat", las criaturas de Ray Harryhausen y muchísimos más hitos de Cine, Televisión, cómic y Videojuegos caben en una película que de algún modo hace lo mismo que hizo Wes Craven con "Scream", pero aquí jugando con los 80´s y 90's. Spielberg a base de persecuciones, batallas, peleas, explosiones y mucha, mucha espectacularidad nos lleva a un mundo infográfico, en el que un videojuego es la única válvula de escape para un ser humano que ha perdido la esencia de la realidad, debido a que la población mundial vive enganchada a lo virtual, sabiendo que en cuanto te desconectas vuelves al aburrimiento, el desastre y la miseria del mundo futuro. 

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Un ritmo frenético estupendamente rodado sin perder de vista los homenajes continuos, hacen de "Ready Player One" una vuelta a la niñez, remarcando que el cine palomitero de entonces tenía tanta capacidad de entretenimiento para hacer soñar y divertirse, que fue y debería ser una fuente de inspiración para el cine que se hace hoy, y que lamentablemente no se hace. Los momentos que hacen referencia a la película de su amigo íntimo "Stanley Kubrick" con "El Resplandor", llegan a conmover y promover una satisfacción indescriptiblemente satisfactoria para todo aficionado al séptimo arte. La última película de Spielberg le devuelve a la maravilla, al olimpo del entertainment sin alcanzar lo que fue, pero acercándole mediante el recuerdo al espectáculo que él junto a otros cineastas conviertieron los 80's y el principio de los 90's en algo inolvidable. La Música, la Televisión, los Videojuegos, la Novela gráfica y sobretodo el Cine de aquella época hace que "Ready Player One" sea una disfrutable y entusiasta forma de ver que los niños y adolescentes de aquella época mediante la ficción, hicieron mejor la realidad de aquellos maravillosos años.

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Director: Steven Spielberg.

Intérpretes: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Simon PeggT.J. Miller, Hannah John-Kamen, Win Morisaki, Philip Zhao.

Trailer:



B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

viviendo-el-pasado
Única película dirigida por el actor Martin Gabel, habitual secundario en films tan populares como Marnie, la ladrona (Marnie, Alfred Hitchcock, 1964) o Primera plana (The Front Page, Billy Wilder, 1974), y un caso muy parecido al de Charles Laughton con La noche del cazador (The night of the hunter, 1955) por varios motivos: en ambos casos se trata de una ópera prima resuelta con maestría pero sin contar las respectivas carreras de sus realizadores con continuidad en el tiempo debido al mal funcionamiento en taquilla. Al igual que en el mítico film de Laughton, aunque nos encontremos ante un drama, la atmósfera fantástica se apodera del relato mediante un uso de luces y sombras casi expresionista, en este caso gracias a la sugerente fotografía en blanco y negro de Hal Mohr.

Basada en la novela corta de Henry James "Los papeles de Aspern" (The Aspern Papers, 1889), la película de Martin Gabel supone un precedente de The Innocents (Jack Clayton, 1961), no solo por la base literaria de una obra de Henry James en ambos films, sino por el protagonismo de una lóbrega mansión que ejerce un extaño magnetismo en sus moradores, tal y como le sucedía al personaje de Deborah Kerr en la magnífica película de Clayton.


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Un joven editor, Lewis Venable (Robert Cummings), viaja de Nueva York a Venecia al enterarse gracias a Charles Russell (John Archer), un poeta en decadencia, de que Juliana Bordereau (Agnes Moorehead), la amada del famoso poeta Jeffrey Ashton, sigue aún con vida aunque cuenta con ciento cinco años y se encuentra en un delicado estado de salud. Lewis es un amante de la literatura antigua y el motivo de su viaje no es otro que encontrar las cartas que el poeta escribió a Juliana en su juventud, ya que gracias a ello puede obtener un sonado éxito editorial. Para no levantar sospechas, solicita hospedarse en la mansión de Juliana bajo un nombre falso y el pretexto de encontrar un sitio tranquilo donde poder terminar su próxima novela. A pesar de no contar con el visto bueno de Tina Bordereau (Susan Hayward), la apática sobrina de Juliana, y de tener que pagar un alto precio por los meses de hospedaje (además de un intento de soborno por parte de Charles), Lewis acepta el trato, guiado por el interés en las cartas y haciendo caso omiso a los consejos del párroco del lugar, el Padre Rinaldo (Eduardo Ciannelli), quien le advierte de que su presencia en la casa puede alterar "el universo propio" que han creado tía y sobrina.


Tan evocadora premisa parte de una historia real, ya que la novela "Los papeles de Aspern" de Henry James recoge una anécdota que llegó a oídos del autor: en 1887 James había conocido en Florencia a la condesa Gamba, último romance de Lord Byron, que conservaba unas cartas de amor del poeta. James mostró interés por conocer el contenido de estas cartas, pero la condesa se negó a permitirle leerlas. Aproximadamente por la misma época tuvo noticias de la historia de un bostoniano llamado Silsbee, apasionado admirador del poeta romántico Percy B. Shelley, que se hospedó en casa de la anciana Claire Clairmont, también amante de Byron, con la esperanza de apoderarse de cartas de Shelley y de Byron.


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Todo ese oscuro mundo del Romanticismo inglés está perfectamente retratado en Viviendo el pasado, donde destaca el carácter gótico de su escenografía; la inmensa mansión de las Bordereau, de amplias estancias, interminables escaleras y pasillos repletos de telarañas que los hábiles movimientos de cámara nos muestran en todo momento, mediante un exacto seguimiento de los personajes al ambular de una habitación a otra; la confusión entre pasado y presente, que escenifican la anciana Juliana y la joven Tina, que tal y como asevera Lewis Venable en un momento de la película: "Debe de haber varias generaciones entre ustedes, es un caso muy extraño para ser tía y sobrina".


Se trata de una producción de Walter Wanger (1) para Universal, muy en la línea de otros films fantásticos de los años cuarenta como El fantasma y la señora Muir (The Ghost and Mrs. Muir, Joseph L. Mankiewicz, 1947) o Jennie (Portrait of Jennie, William Dieterle,1948), y por supuesto muy cercana en espíritu al ciclo de Serie B de Jacques Tourneur y Val Lewton para la RKO, pero por desgracia mucho más desconocida y olvidada (2), aún teniendo una calidad similar a todos los magníficos films antes citados. Destaca el trabajo de maquillaje para "envejecer" a Agnes Moorehead en su rol de Juliana Bordereau, creando un enigmático personaje que la cámara apenas nos muestra con claridad, casi siempre mediante travellings laterales , muy pocos primeros planos, pero sin embargo con un destacado trabajo de modulación de su voz por parte de la actriz. La música, muy envolvente, firmada por Daniele Amfitheatrof conecta con el protagonista y su fascinación por el pasado, al declarar el joven editor cuando escucha a Tina tocando el piano a lo lejos: "Parecía música sacada de otro siglo".


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Narrada en flashback por Lewis Venable mediante una elegante evocación literaria, por medio de una romántica escenografía y los movimientos de cámara; el film se abre con un suntuoso travelling por la biblioteca del editor hasta detenerse en un hueco entre la bibliografía de Jeffrey Ashton, de algún modo incompleta hasta que se logren editar sus cartas de amor. La fascinación por la literatura del poeta y todo lo que tenga que ver con su vida, está en el centro de las acciones de Venable; desde sus conversaciones y transacciones monetarias con la anciana Juliana, hasta su enamoramiento con Tina, quien no deja de ser un trasunto de Juliana durante su juventud. Dos historias de amor en distintos espacios temporales: con final feliz la que se desarrolla en el presente, y con final trágico y misterioso la que nos descubre ese oscuro pasado que parece no haber abandonado nunca la mansión, incluído el jardín, donde no crece la hierba por algún extraño fenómeno. Aunque no estemos del todo ante una película sobre casas encantadas, el palacio de las Bordereau se convierte en absoluto protagonista, con un delicado gusto por la decoración escenográfica que no anda muy lejos del Max Ophüls de Carta de una desconocida (Letter from an Unknown Woman, 1948), otro clásico del cine de los años cuarenta. 


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Título original: The Lost Moment.

Director: Martin Gabel.

Intérpretes: Robert Cummings, Susan Hayward, Agnes Moorehead, Joan Lorring,Eduardo Ciannelli, John Archer, Frank Puglia, Minerva Urecal, William Edmunds.


Trailer:



Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

(1) Los escasos pero magníficos decorados, así como la modesta recreación de Venecia y sus canales, nos sugieren que, aunque distribuido por Universal, este film de Walter Wanger Pictures se trate de una producción de división B, tan en boga por aquellos años. Walter Wanger fue productor en títulos importantes como La Diligencia de John Ford (Stagecoach, 1939), Perversidad de Fritz Lang (Scarlet Street, 1945), La invasión de los ladrones de cuerpos de Don Siegel (Invasion of the Body Snatchers, 1956) o Cleopatra (Joseph L. Mankiewicz, 1963), entre muchos otros.

(2) Concretamente en España se ha podido ver en la 2 de TVE y como casi siempre, la revista Dirigido se ha encargado de recordarla en varias ocasiones, concretamente en el número 279 con un artículo firmado por Jose María Latorre y en el número 404 con el especial "Rare Cult Movies", con un artículo firmado por Juan Carlos Vizcaíno Martínez.

VIVIENDO EL PASADO (1947) La primera y única película de Martin Gabel.

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Única película dirigida por el actor Martin Gabel, habitual secundario en films tan populares como Marnie, la ladrona (Marnie, Alfred Hitchcock, 1964) o Primera plana (The Front Page, Billy Wilder, 1974), y un caso muy parecido al de Charles Laughton con La noche del cazador (The night of the hunter, 1955) por varios motivos: en ambos casos se trata de una ópera prima resuelta con maestría pero sin contar las respectivas carreras de sus realizadores con continuidad en el tiempo debido al mal funcionamiento en taquilla. Al igual que en el mítico film de Laughton, aunque nos encontremos ante un drama, la atmósfera fantástica se apodera del relato mediante un uso de luces y sombras casi expresionista, en este caso gracias a la sugerente fotografía en blanco y negro de Hal Mohr.

Basada en la novela corta de Henry James "Los papeles de Aspern" (The Aspern Papers, 1889), la película de Martin Gabel supone un precedente de The Innocents (Jack Clayton, 1961), no solo por la base literaria de una obra de Henry James en ambos films, sino por el protagonismo de una lóbrega mansión que ejerce un extaño magnetismo en sus moradores, tal y como le sucedía al personaje de Deborah Kerr en la magnífica película de Clayton.


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Un joven editor, Lewis Venable (Robert Cummings), viaja de Nueva York a Venecia al enterarse gracias a Charles Russell (John Archer), un poeta en decadencia, de que Juliana Bordereau (Agnes Moorehead), la amada del famoso poeta Jeffrey Ashton, sigue aún con vida aunque cuenta con ciento cinco años y se encuentra en un delicado estado de salud. Lewis es un amante de la literatura antigua y el motivo de su viaje no es otro que encontrar las cartas que el poeta escribió a Juliana en su juventud, ya que gracias a ello puede obtener un sonado éxito editorial. Para no levantar sospechas, solicita hospedarse en la mansión de Juliana bajo un nombre falso y el pretexto de encontrar un sitio tranquilo donde poder terminar su próxima novela. A pesar de no contar con el visto bueno de Tina Bordereau (Susan Hayward), la apática sobrina de Juliana, y de tener que pagar un alto precio por los meses de hospedaje (además de un intento de soborno por parte de Charles), Lewis acepta el trato, guiado por el interés en las cartas y haciendo caso omiso a los consejos del párroco del lugar, el Padre Rinaldo (Eduardo Ciannelli), quien le advierte de que su presencia en la casa puede alterar "el universo propio" que han creado tía y sobrina.


Tan evocadora premisa parte de una historia real, ya que la novela "Los papeles de Aspern" de Henry James recoge una anécdota que llegó a oídos del autor: en 1887 James había conocido en Florencia a la condesa Gamba, último romance de Lord Byron, que conservaba unas cartas de amor del poeta. James mostró interés por conocer el contenido de estas cartas, pero la condesa se negó a permitirle leerlas. Aproximadamente por la misma época tuvo noticias de la historia de un bostoniano llamado Silsbee, apasionado admirador del poeta romántico Percy B. Shelley, que se hospedó en casa de la anciana Claire Clairmont, también amante de Byron, con la esperanza de apoderarse de cartas de Shelley y de Byron.


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Todo ese oscuro mundo del Romanticismo inglés está perfectamente retratado en Viviendo el pasado, donde destaca el carácter gótico de su escenografía; la inmensa mansión de las Bordereau, de amplias estancias, interminables escaleras y pasillos repletos de telarañas que los hábiles movimientos de cámara nos muestran en todo momento, mediante un exacto seguimiento de los personajes al ambular de una habitación a otra; la confusión entre pasado y presente, que escenifican la anciana Juliana y la joven Tina, que tal y como asevera Lewis Venable en un momento de la película: "Debe de haber varias generaciones entre ustedes, es un caso muy extraño para ser tía y sobrina".


Se trata de una producción de Walter Wanger (1) para Universal, muy en la línea de otros films fantásticos de los años cuarenta como El fantasma y la señora Muir (The Ghost and Mrs. Muir, Joseph L. Mankiewicz, 1947) o Jennie (Portrait of Jennie, William Dieterle,1948), y por supuesto muy cercana en espíritu al ciclo de Serie B de Jacques Tourneur y Val Lewton para la RKO, pero por desgracia mucho más desconocida y olvidada (2), aún teniendo una calidad similar a todos los magníficos films antes citados. Destaca el trabajo de maquillaje para "envejecer" a Agnes Moorehead en su rol de Juliana Bordereau, creando un enigmático personaje que la cámara apenas nos muestra con claridad, casi siempre mediante travellings laterales , muy pocos primeros planos, pero sin embargo con un destacado trabajo de modulación de su voz por parte de la actriz. La música, muy envolvente, firmada por Daniele Amfitheatrof conecta con el protagonista y su fascinación por el pasado, al declarar el joven editor cuando escucha a Tina tocando el piano a lo lejos: "Parecía música sacada de otro siglo".


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Narrada en flashback por Lewis Venable mediante una elegante evocación literaria, por medio de una romántica escenografía y los movimientos de cámara; el film se abre con un suntuoso travelling por la biblioteca del editor hasta detenerse en un hueco entre la bibliografía de Jeffrey Ashton, de algún modo incompleta hasta que se logren editar sus cartas de amor. La fascinación por la literatura del poeta y todo lo que tenga que ver con su vida, está en el centro de las acciones de Venable; desde sus conversaciones y transacciones monetarias con la anciana Juliana, hasta su enamoramiento con Tina, quien no deja de ser un trasunto de Juliana durante su juventud. Dos historias de amor en distintos espacios temporales: con final feliz la que se desarrolla en el presente, y con final trágico y misterioso la que nos descubre ese oscuro pasado que parece no haber abandonado nunca la mansión, incluído el jardín, donde no crece la hierba por algún extraño fenómeno. Aunque no estemos del todo ante una película sobre casas encantadas, el palacio de las Bordereau se convierte en absoluto protagonista, con un delicado gusto por la decoración escenográfica que no anda muy lejos del Max Ophüls de Carta de una desconocida (Letter from an Unknown Woman, 1948), otro clásico del cine de los años cuarenta. 


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Título original: The Lost Moment.

Director: Martin Gabel.

Intérpretes: Robert Cummings, Susan Hayward, Agnes Moorehead, Joan Lorring,Eduardo Ciannelli, John Archer, Frank Puglia, Minerva Urecal, William Edmunds.


Trailer:



Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

(1) Los escasos pero magníficos decorados, así como la modesta recreación de Venecia y sus canales, nos sugieren que, aunque distribuido por Universal, este film de Walter Wanger Pictures se trate de una producción de división B, tan en boga por aquellos años. Walter Wanger fue productor en títulos importantes como La Diligencia de John Ford (Stagecoach, 1939), Perversidad de Fritz Lang (Scarlet Street, 1945), La invasión de los ladrones de cuerpos de Don Siegel (Invasion of the Body Snatchers, 1956) o Cleopatra (Joseph L. Mankiewicz, 1963), entre muchos otros.

(2) Concretamente en España se ha podido ver en la 2 de TVE y como casi siempre, la revista Dirigido se ha encargado de recordarla en varias ocasiones, concretamente en el número 279 con un artículo firmado por Jose María Latorre y en el número 404 con el especial "Rare Cult Movies", con un artículo firmado por Juan Carlos Vizcaíno Martínez.


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Varios son los motivos que me llevan a hablar de "Una historia de venganza". El guión del español Javier Gullón para una película de Hollywood, la producción de Darren Aronofsky ("El luchador", "Cisne negro"), la producción también de Arnold Schwarzenegger con su productora "Oak Pictures" y claro, la interpretación del coloso de Austria en la que es su primera incursión en un film basado en hechos reales. Lo cierto es que Schwarzenegger hace tiempo que dejó de ser el que fue, pero demuestra una vez más que es capaz de reinventarse, y si en su momento hizo reír al espectador después de haberlo entusiasmado con sus películas de acción en los 80's y 90's, ahora en la primera década del nuevo milenio, su esfuerzo se agradece al introducirse en un registro dramático que se inició con "Maggie (2015)", sorprendiendo a la crítica con su dura y demoledora interpretación. En "Una historia de venganza" (Aftermath), Arnold sigue en su afán de despejar las dudas sobre su registro dramático ofreciendo de nuevo un desgarrador personaje que pierde a su familia en un accidente aéreo. 


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Lo doloroso para Roman Melnik (Schwarzenegger), además de haber perdido a su esposa y a su hija embarazada, es que nadie en ningún momento le pide disculpas, ni los responsables del control áereo, ni la compañía de vuelos, ni tan siquiera los abogados que le ofrecen de una manera totalmente insultante ser cliente premium de la compañía junto a una cuantiosa suma de dinero. No, lo que Melnik quiere son disculpas, pedir perdón mirando la foto de su familia, un perdón sincero, mostrando un mínimo de respeto ante tan lacerante tragedia. El desasosiego, la soledad y la ira provocarán que dos personas, uno víctima y otro responsable (Scott Mc Nairy), crucen sus caminos para un desastroso final para los ambos. El desconocido para mí Elliott Lester, no da de sí en su película todo lo que yo hubiera esperado con los atractivos alicientes de Schwarzenegger, Aronofsky y el libreto de un guionista español, lástima porque la película se coloca a la altura de las dudosas bondades de un telefilme de sobremesa debido posiblemente a Lester. Arnold de nuevo reivindica con su curtida y venerable presencia un lugar para ser remarcado como un buen actor, un hombre devastado por la pérdida y que no encuentra su lugar en el mundo si no es buscando y hallando al culpable de su drama, con la idea de colocarse delante de él y exigirle las tan ansiadas disculpas del personaje de Mc Nairy, alguien que pasa su particular infierno al ser responsable de tantas vidas humanas. 

una-historia-de-venganza

En otro tiempo un fan de Schwarzenegger hubiera desdeado disparos, frases lapidarias, acción y diversión a raudales, a estas alturas, uno consciente del paso del tiempo, agradece un rol atípico en un actor que ya es consciente de su avanzada edad, dejando de lado su rigidez para dar paso al melodrama, al llanto, al dolor, en unos hechos inspirados en los desgraciados acontecimientos ocurridos en 2002 en los que el verdadero Melnik se presentó como voluntario en la ayuda del accidente, aún no siéndole permitido al ser familiar de las víctimas. Una película que deja claro que la venganza es un sentimiento que provoca un demoledor dolor, tanto el que la causa como el que la padece, y que el único camino para seguir con una vida digna y respetable es el perdón, ya que si nos dejamos llevar por la "vendetta", seremos objeto de una enfermedad contagiosa y virulenta, cuyo único remedio es la compasión.

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Título original: Aftermath.

Director: Elliott Lester.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Scoot McNairy, Maggie Grace, Kevin Zegers,Hannah Ware, Glenn Morshower, Mariana Klaveno, Mo McRae, Theresa Cook,Debra Herzog.


Trailer:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

UNA HISTORIA DE VENGANZA (2017). El drama familiar de Schwarzenegger.


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Varios son los motivos que me llevan a hablar de "Una historia de venganza". El guión del español Javier Gullón para una película de Hollywood, la producción de Darren Aronofsky ("El luchador", "Cisne negro"), la producción también de Arnold Schwarzenegger con su productora "Oak Pictures" y claro, la interpretación del coloso de Austria en la que es su primera incursión en un film basado en hechos reales. Lo cierto es que Schwarzenegger hace tiempo que dejó de ser el que fue, pero demuestra una vez más que es capaz de reinventarse, y si en su momento hizo reír al espectador después de haberlo entusiasmado con sus películas de acción en los 80's y 90's, ahora en la primera década del nuevo milenio, su esfuerzo se agradece al introducirse en un registro dramático que se inició con "Maggie (2015)", sorprendiendo a la crítica con su dura y demoledora interpretación. En "Una historia de venganza" (Aftermath), Arnold sigue en su afán de despejar las dudas sobre su registro dramático ofreciendo de nuevo un desgarrador personaje que pierde a su familia en un accidente aéreo. 


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Lo doloroso para Roman Melnik (Schwarzenegger), además de haber perdido a su esposa y a su hija embarazada, es que nadie en ningún momento le pide disculpas, ni los responsables del control áereo, ni la compañía de vuelos, ni tan siquiera los abogados que le ofrecen de una manera totalmente insultante ser cliente premium de la compañía junto a una cuantiosa suma de dinero. No, lo que Melnik quiere son disculpas, pedir perdón mirando la foto de su familia, un perdón sincero, mostrando un mínimo de respeto ante tan lacerante tragedia. El desasosiego, la soledad y la ira provocarán que dos personas, uno víctima y otro responsable (Scott Mc Nairy), crucen sus caminos para un desastroso final para los ambos. El desconocido para mí Elliott Lester, no da de sí en su película todo lo que yo hubiera esperado con los atractivos alicientes de Schwarzenegger, Aronofsky y el libreto de un guionista español, lástima porque la película se coloca a la altura de las dudosas bondades de un telefilme de sobremesa debido posiblemente a Lester. Arnold de nuevo reivindica con su curtida y venerable presencia un lugar para ser remarcado como un buen actor, un hombre devastado por la pérdida y que no encuentra su lugar en el mundo si no es buscando y hallando al culpable de su drama, con la idea de colocarse delante de él y exigirle las tan ansiadas disculpas del personaje de Mc Nairy, alguien que pasa su particular infierno al ser responsable de tantas vidas humanas. 

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En otro tiempo un fan de Schwarzenegger hubiera desdeado disparos, frases lapidarias, acción y diversión a raudales, a estas alturas, uno consciente del paso del tiempo, agradece un rol atípico en un actor que ya es consciente de su avanzada edad, dejando de lado su rigidez para dar paso al melodrama, al llanto, al dolor, en unos hechos inspirados en los desgraciados acontecimientos ocurridos en 2002 en los que el verdadero Melnik se presentó como voluntario en la ayuda del accidente, aún no siéndole permitido al ser familiar de las víctimas. Una película que deja claro que la venganza es un sentimiento que provoca un demoledor dolor, tanto el que la causa como el que la padece, y que el único camino para seguir con una vida digna y respetable es el perdón, ya que si nos dejamos llevar por la "vendetta", seremos objeto de una enfermedad contagiosa y virulenta, cuyo único remedio es la compasión.

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Título original: Aftermath.

Director: Elliott Lester.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Scoot McNairy, Maggie Grace, Kevin Zegers,Hannah Ware, Glenn Morshower, Mariana Klaveno, Mo McRae, Theresa Cook,Debra Herzog.


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Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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