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Película basada en la novela del mismo nombre, con la cual Edith Wharton obtuvo el Premio Pulitzer en 1921. El relato está perfectamente ambientado en el Nueva York de 1870 mediante un exquisito y crítico panorama articulado a través de un amor frustrado donde intervienen el elegante y comprensivo Newland Archer (Daniel Day-Lewis), caballero de la alta sociedad neoyorquina; su joven prometida perteneciente a su misma clase social: la ingenua May Welland (Winona Ryder); y la recién llegada y divorciada, prima de May, la hermosa condesa Olenska (Michelle Pfeiffer).

"La edad de la inocencia" no sólo es el retrato de la pugna entre un mundo nuevo que comienza a desplazar al antiguo, es la historia de un amor y una pasión "prohibidas" a través de las cuales se muestran todo un abanico de desigualdades sociales y prejuicios imperantes en esa época. En el amable mundo de convenciones sociales estrictas en el que se mueve la alta sociedad de Nueva York de finales del siglo pasado, aparece en escena procedente de la vieja Europa la figura de una mujer que inquieta a la comunidad por su misterioso pasado y por su condición de mujer independiente: La condesa Olenska. Su condición de mujer "diferente", con criterio propio es vista como un peligro para el orden establecido entre las buenas familias. Tomando este personaje como hilo conductor, se nos dibuja la doble moral de sus miembros más privilegiados y las normas no escritas que aprisionaban y finalmente aniquilaban cualquier muestra de individualismo.

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"En aquellos días, la sociedad neoyorquina era tan pequeña y escasa de recursos que todo el mundo (incluidos los mozos de establo, los mayordomos y los cocineros) sabían perfectamente en qué noches no tenía compromisos la gente. Por consiguiente, los receptores de las invitaciones de Mrs. Mingott no tuvieron dificultad alguna para demostrar con toda crueldad su determinación de no conocer a la condesa Olenska".
Sin embargo, el encanto de una mujer inteligente, madura y capaz de tomar sus propias decisiones encandilará a su primo Newland Archer y lo perturbará sin que él pueda evitarlo, ya que debe mantener la promesa de su compromiso con May.

Entre Newland y Madame Olenska surge una historia de amor y pasión que debe ser ocultada socialmente, quedando sumergida dentro de un triángulo amoroso de difícil resolución En el fondo de esta gran pasión prohibida entre la condesa Olenska y Newland, subyace el conflicto entre dos mundos: el de las viejas familias patricias norteamericanas y el de los nuevos ricos, quienes, al terminar la novela, se han apoderado ya de las costumbres y de los espíritus.

La novela tiene se basa en tres aspectos clave: Libertad para amar, para decidir el camino a seguir. Se cuestiona si realmente en aquella sociedad se permitía el libre albedrío y asumir sus consecuencias. Se analizan y critican los prejuicios de una élite social dirigente, donde pocas son las familias que manejan los hilos y donde la mujer no tiene ningún papel activo ni aspira todavía a conseguirlo, La condesa, como elemento extraño capaz de cuestionar todos estos cimientos es vivida como peligrosa por su posible mala influencia sobre otras jóvenes muchachas. El tercer gran punto a examinar es el pasatiempo de una clase acomodada y aburrida que se entretiene ejerciendo su poder, urdiendo confabulaciones y traiciones, a favor o en contra de alguien según la conveniencia de lo que consideran es bueno para ellos y su mundo preestablecido, sin ninguna compasión.

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Edith Wharton en su libro abre las puertas de las casas y mansiones neoyorquinas, transmitiendo el abanico de emociones de los personajes mientras esparce su historia de crítica a través de inteligentes comentarios y diálogos entre sus personajes. Martin Scorsese recrea todo este mundo que queda plasmado en este bellísimo y magistral film, de gran contenido estético y ritmo pausado, aunque la cámara del maestro se mantenga tan inquieta como siempre.mPara la adaptación de la novela, Martin contó con la colaboración en el guion de su antiguo amigo Jay Cocks, juntos tomaron esta gran novela de la que supieron extraer su gran literatura visual y crearon un lenguaje cinematográfico perfectamente adaptado a un relato de época, costumbrista y crítico al mismo tiempo.

Muchos de los diálogos entre los personajes precisaron de una reelaboración, modernizándolos para luego añadir algunos modismos de la época. Asesorado por una especialista en historia de Nueva York, Robin Standeferd, que recopilaría una enorme cantidad de volúmenes imprescindibles para la recreación visual, Scorsese contó por primera vez con el diseño de producción de Dante Ferreti, que desde entonces sería un colaborador fijo y esencial en sus proyectos. Para la complejísima y crucial elaboración del vestuario, se contrató a la legendaria Gabriella Pescucci, que con esta película ganaría su único Oscar.

Varios meses de rodaje tuvieron lugar en Troya (Nueva York), que era el único lugar que aunaba el trasfondo histórico y la capacidad para esta recreación, que aspiraba a un perfeccionismo detallista de la época. Desde los créditos iniciales elaborados por Elaine y Saul Bass se adivina y contextualiza visualmente el tema de la película. Esa sucesión de exóticas flores de distintas formas y colores que vemos a través de un filtro con caligrafía victoriana o de encaje, no es más que un sutil filtro que parece apresarlas. Una posible metáfora de la lucha interior entre pasión y represión social que mantienen Madame Olenska y Newland Archer.

la-edad-de-la-inocencia

Supongo que para algunos que los movimientos de cámara analicen el minucioso detallismo de la puesta en escena puede resultar algo repetitivo o sin sentido, Sin embargo, nada más lejos de la realidad. Cada encuadre, cada entrada de los personajes en el plano o cada movimiento de la cámara está encaminado a representar la sublimación de los instintos a través del lujo superficial bajo la que subyace una pasión urgente, irrefrenable envuelta en angustia y contradicción. Muy destacable es la fotografía del maestro Michael Ballhaus, acompañada de la gran banda sonora de Elmer Bernstein.

La perfección estilística y narrativa que consigue Scorsese en este film es abrumadora. No solamente desde un punto de vista visual, sino por los múltiples niveles narrativos de los que están compuestos sus secuencias más importantes, por la sutilidad con la que elementos como los cuadros pictóricos o la ornamentación afectan anímicamente al espectador mientras cuentan algo de los personajes, y por las dinámicas invisibles que se establecen entre unos personajes trazados con total maestría. No hay un solo gesto, réplica o conducta que no tenga una utilidad dramática de gran fuerza emocional. Para ello utiliza una voz en off narradora en tercera persona, que indagará aún más en lo que la cámara nos muestre.mPara conseguirlo emplea con frecuencia el recurso del plano detalle y lo hace con una doble función: Por un lado, destacar con precisión la abundancia y la ostentación de unos privilegiados haciendo contrastar esa exquisitez de la belleza exterior con la repugnancia de unas almas miserables poseedoras de tanta riqueza. Por otro lado, permite analizar los sentimientos del hermético Newland a través de los múltiples objetos que observará y tocará con sus delicadas manos de aristócrata, unas veces con febril ofuscación y otras con delicado deleite. Con ayuda de Schoonmaker, el montaje se convierte en una herramienta emocional, y con su uso podemos acceder de una forma mucho más nítida al interior anímico de los personajes. Ya he comentado, que pareciendo la película de ritmo más lento del maestro, no hay sensación de aburrimiento porque por debajo de esa placidez corren ríos tormentosos.

El trío protagonista es insuperable: Daniel Day-Lewis es el amante pasivo, incapaz de dar el paso con el que liberarse de las normas de una sociedad que secretamente desprecia y de irse con Ellen. Daniel borda su personaje con un trabajo formidable que fluctúa entre la contención de emociones y algún desequilibrio fugaz pero intenso que escapa a su control y revela el gran amor que siente por Madame Olenskam. Pfeiffer, a su vez, realiza una de las mejores interpretaciones de su vida, con miradas y con un lenguaje corporal que lo dice todo para el que sabe verlo. Y Winona Ryder, en su época dorada, aprovecha su rostro dulce y angelical de manera perfecta como la tímida manipuladora que parece incapaz de matar una mosca y que es la más retorcida de todos. Pero cada actor, pequeño que sea su papel, está perfecto en esta telaraña que vendría a ser una suerte de lujosa mafia de la que nadie puede escapar.

la-edad-de-la-inocencia

Título original: The Age of Innocence.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Michelle Pfeiffer, Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Richard E. Grant,Alec McCowen, Geraldine Chaplin, Mary Beth Hurt.
Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

LA EDAD DE LA INOCENCIA (1993). Pasiones prohibidas.

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Película basada en la novela del mismo nombre, con la cual Edith Wharton obtuvo el Premio Pulitzer en 1921. El relato está perfectamente ambientado en el Nueva York de 1870 mediante un exquisito y crítico panorama articulado a través de un amor frustrado donde intervienen el elegante y comprensivo Newland Archer (Daniel Day-Lewis), caballero de la alta sociedad neoyorquina; su joven prometida perteneciente a su misma clase social: la ingenua May Welland (Winona Ryder); y la recién llegada y divorciada, prima de May, la hermosa condesa Olenska (Michelle Pfeiffer).

"La edad de la inocencia" no sólo es el retrato de la pugna entre un mundo nuevo que comienza a desplazar al antiguo, es la historia de un amor y una pasión "prohibidas" a través de las cuales se muestran todo un abanico de desigualdades sociales y prejuicios imperantes en esa época. En el amable mundo de convenciones sociales estrictas en el que se mueve la alta sociedad de Nueva York de finales del siglo pasado, aparece en escena procedente de la vieja Europa la figura de una mujer que inquieta a la comunidad por su misterioso pasado y por su condición de mujer independiente: La condesa Olenska. Su condición de mujer "diferente", con criterio propio es vista como un peligro para el orden establecido entre las buenas familias. Tomando este personaje como hilo conductor, se nos dibuja la doble moral de sus miembros más privilegiados y las normas no escritas que aprisionaban y finalmente aniquilaban cualquier muestra de individualismo.

la-edad-de-la-inocencia

"En aquellos días, la sociedad neoyorquina era tan pequeña y escasa de recursos que todo el mundo (incluidos los mozos de establo, los mayordomos y los cocineros) sabían perfectamente en qué noches no tenía compromisos la gente. Por consiguiente, los receptores de las invitaciones de Mrs. Mingott no tuvieron dificultad alguna para demostrar con toda crueldad su determinación de no conocer a la condesa Olenska".
Sin embargo, el encanto de una mujer inteligente, madura y capaz de tomar sus propias decisiones encandilará a su primo Newland Archer y lo perturbará sin que él pueda evitarlo, ya que debe mantener la promesa de su compromiso con May.

Entre Newland y Madame Olenska surge una historia de amor y pasión que debe ser ocultada socialmente, quedando sumergida dentro de un triángulo amoroso de difícil resolución En el fondo de esta gran pasión prohibida entre la condesa Olenska y Newland, subyace el conflicto entre dos mundos: el de las viejas familias patricias norteamericanas y el de los nuevos ricos, quienes, al terminar la novela, se han apoderado ya de las costumbres y de los espíritus.

La novela tiene se basa en tres aspectos clave: Libertad para amar, para decidir el camino a seguir. Se cuestiona si realmente en aquella sociedad se permitía el libre albedrío y asumir sus consecuencias. Se analizan y critican los prejuicios de una élite social dirigente, donde pocas son las familias que manejan los hilos y donde la mujer no tiene ningún papel activo ni aspira todavía a conseguirlo, La condesa, como elemento extraño capaz de cuestionar todos estos cimientos es vivida como peligrosa por su posible mala influencia sobre otras jóvenes muchachas. El tercer gran punto a examinar es el pasatiempo de una clase acomodada y aburrida que se entretiene ejerciendo su poder, urdiendo confabulaciones y traiciones, a favor o en contra de alguien según la conveniencia de lo que consideran es bueno para ellos y su mundo preestablecido, sin ninguna compasión.

la-edad-de-la-inocencia

Edith Wharton en su libro abre las puertas de las casas y mansiones neoyorquinas, transmitiendo el abanico de emociones de los personajes mientras esparce su historia de crítica a través de inteligentes comentarios y diálogos entre sus personajes. Martin Scorsese recrea todo este mundo que queda plasmado en este bellísimo y magistral film, de gran contenido estético y ritmo pausado, aunque la cámara del maestro se mantenga tan inquieta como siempre.mPara la adaptación de la novela, Martin contó con la colaboración en el guion de su antiguo amigo Jay Cocks, juntos tomaron esta gran novela de la que supieron extraer su gran literatura visual y crearon un lenguaje cinematográfico perfectamente adaptado a un relato de época, costumbrista y crítico al mismo tiempo.

Muchos de los diálogos entre los personajes precisaron de una reelaboración, modernizándolos para luego añadir algunos modismos de la época. Asesorado por una especialista en historia de Nueva York, Robin Standeferd, que recopilaría una enorme cantidad de volúmenes imprescindibles para la recreación visual, Scorsese contó por primera vez con el diseño de producción de Dante Ferreti, que desde entonces sería un colaborador fijo y esencial en sus proyectos. Para la complejísima y crucial elaboración del vestuario, se contrató a la legendaria Gabriella Pescucci, que con esta película ganaría su único Oscar.

Varios meses de rodaje tuvieron lugar en Troya (Nueva York), que era el único lugar que aunaba el trasfondo histórico y la capacidad para esta recreación, que aspiraba a un perfeccionismo detallista de la época. Desde los créditos iniciales elaborados por Elaine y Saul Bass se adivina y contextualiza visualmente el tema de la película. Esa sucesión de exóticas flores de distintas formas y colores que vemos a través de un filtro con caligrafía victoriana o de encaje, no es más que un sutil filtro que parece apresarlas. Una posible metáfora de la lucha interior entre pasión y represión social que mantienen Madame Olenska y Newland Archer.

la-edad-de-la-inocencia

Supongo que para algunos que los movimientos de cámara analicen el minucioso detallismo de la puesta en escena puede resultar algo repetitivo o sin sentido, Sin embargo, nada más lejos de la realidad. Cada encuadre, cada entrada de los personajes en el plano o cada movimiento de la cámara está encaminado a representar la sublimación de los instintos a través del lujo superficial bajo la que subyace una pasión urgente, irrefrenable envuelta en angustia y contradicción. Muy destacable es la fotografía del maestro Michael Ballhaus, acompañada de la gran banda sonora de Elmer Bernstein.

La perfección estilística y narrativa que consigue Scorsese en este film es abrumadora. No solamente desde un punto de vista visual, sino por los múltiples niveles narrativos de los que están compuestos sus secuencias más importantes, por la sutilidad con la que elementos como los cuadros pictóricos o la ornamentación afectan anímicamente al espectador mientras cuentan algo de los personajes, y por las dinámicas invisibles que se establecen entre unos personajes trazados con total maestría. No hay un solo gesto, réplica o conducta que no tenga una utilidad dramática de gran fuerza emocional. Para ello utiliza una voz en off narradora en tercera persona, que indagará aún más en lo que la cámara nos muestre.mPara conseguirlo emplea con frecuencia el recurso del plano detalle y lo hace con una doble función: Por un lado, destacar con precisión la abundancia y la ostentación de unos privilegiados haciendo contrastar esa exquisitez de la belleza exterior con la repugnancia de unas almas miserables poseedoras de tanta riqueza. Por otro lado, permite analizar los sentimientos del hermético Newland a través de los múltiples objetos que observará y tocará con sus delicadas manos de aristócrata, unas veces con febril ofuscación y otras con delicado deleite. Con ayuda de Schoonmaker, el montaje se convierte en una herramienta emocional, y con su uso podemos acceder de una forma mucho más nítida al interior anímico de los personajes. Ya he comentado, que pareciendo la película de ritmo más lento del maestro, no hay sensación de aburrimiento porque por debajo de esa placidez corren ríos tormentosos.

El trío protagonista es insuperable: Daniel Day-Lewis es el amante pasivo, incapaz de dar el paso con el que liberarse de las normas de una sociedad que secretamente desprecia y de irse con Ellen. Daniel borda su personaje con un trabajo formidable que fluctúa entre la contención de emociones y algún desequilibrio fugaz pero intenso que escapa a su control y revela el gran amor que siente por Madame Olenskam. Pfeiffer, a su vez, realiza una de las mejores interpretaciones de su vida, con miradas y con un lenguaje corporal que lo dice todo para el que sabe verlo. Y Winona Ryder, en su época dorada, aprovecha su rostro dulce y angelical de manera perfecta como la tímida manipuladora que parece incapaz de matar una mosca y que es la más retorcida de todos. Pero cada actor, pequeño que sea su papel, está perfecto en esta telaraña que vendría a ser una suerte de lujosa mafia de la que nadie puede escapar.

la-edad-de-la-inocencia

Título original: The Age of Innocence.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Michelle Pfeiffer, Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Richard E. Grant,Alec McCowen, Geraldine Chaplin, Mary Beth Hurt.
Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

todo-el-dinero-del-mundo
El mundo del cine es cuando menos curioso. Durante décadas Tony Scott (1944-2012), hermano menor de Ridley Scott, estuvo planeando como llevar al cine una novela que tenía como punto de partido el secuestro en Roma de un adolescente. El film no terminaba de ser levantado y fue desde finales de los ochenta hasta el año 2004 que no logró concretarse, cuando lo hizo, ya no estaba ambientada en Roma, sino en México, el adolescente se había convertido en una niña, y el protagonista había pasado de ser Robert De Niro a Denzel Washington. La película en cuestión era El fuego de la venganza (Man On Fire, 2004). Para cerrar el círculo, A.J. Quinnell, autor de la novela que dio pie a Bala blindada (Élie Chouraqui, 1987) y luego a El fuego de la venganza, dijo haberse inspirado en el secuestro que sufrió uno de los nietos del magnate del petróleo J.P. Getty, y como Getty pensó en solucionar aquel secuestro primando sus propios intereses económicos.

Entre mayo y agosto de 2017 comenzó el rodaje de All the Money in the World con guión de David Scarpa desde la novela de John Pearson y bajo las órdenes de Ridley Scott. El papel principal del octogenario Getty fue a parar a manos de Kevin Spacey, luego de ser considerado Christopher Plummer. Spacey sólo tenía 58 años, por los 88 de Plummer –en el momento de la gestación y rodaje del film- pero aún así, Scott eligió al primero, que se sometió a una tremenda transformación física para el rol. Una vez rodada, Todo el dinero del mundo estableció su estreno en USA para el último fin de semana de 2017 (29-12). Su objetivo, ser una fuerte competidora en los Oscar´s de 2018. La campaña de lanzamiento de la cinta se basaba principalmente en el nombre –y respeto que genera- Ridley Scott, en los hechos reales que narraba, la tremenda ambientación en los años sesenta y setenta, y en Kevin Spacey como candidato a ser nominado por tercera vez a los Oscar´s –ganador de dos estatuillas en 1996 y 2000 por Sospechosos habituales (Brian Singer, 1995) y American Beauty (Sam Mendes, 1999)-. Hasta que a finales de octubre de 2017 saltaba una noticia que conmocionó a Hollywood en medio del movimiento #MeToo y el huracán Harvey Weinstein. Kevin Spacey era acusado por un actor de haber intentado violarle cuando éste era menor de edad (14 años por los 26 de Spacey) mientras Spacey se encontraba en estado de embriaguez. La premiere de la cinta fue cancelada de inmediato. Sony y Ridley Scott –en su crédito de productor- se reunieron de urgencia. Mientras Spacey hizo pública una carta de disculpa por los hechos que afirmaba no recordar, al mismo tiempo fue empujado de forma grotesca a confesar su homosexualidad. No hubo ningún juicio que no fuera el público, no se aportaron pruebas más allá de la declaración de Anthony Rapp y la carta de disculpa de Spacey. A partir de aquello, una marea inaudita sacudió Hollywood. Netflix canceló la serie House of Cards (2013-2018) que Spacey protagonizaba y que había ganado dos globos de oro y cuatro premios Emmy. 

todo-el-dinero-del-mundo

No solo eso, Netflix emitió un comunicado anunciando que Spacey no volvería a a participar en producción alguna de la compañía. La CNN sin dar nombres ni hechos claros, publicó que hasta ocho trabajadores de la serie denunciaban abusos y comportamientos inadecuados de Spacey contra ellos. No se aportó prueba alguna más allá de las declaraciones a cara tapada. Al mismo tiempo Sony evaluaba su campaña de marketing y el que hacer con una producción de 50 millones de dólares protagonizada por una actor señalado como pedófilo, homosexual y acosador. No tardaron nada más que días en emitir un comunicado, tanto la productora/distribuidora como el director se negaban a comprometer la calidad de su película por el escándalo relacionado con unos de sus colaboradores. Su decisión era inamovible: Kevin Spacey sería borrado de la película, sus escenas volverían a rodarse, con un coste extra de 10 millones de $ -un total de 22 escenas del film- y su papel sería retomado por Christopher Plummer. La fecha de estreno no se movería. Sony quería evitar un boicot por parte del publico, pero eso no era políticamente correcto decirlo, y en su lugar alegaron que no querían que la calidad del film fuera juzgada por ellos ajenos a la producción por parte de uno de sus integrantes.

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Todo el dinero del mundo, en la versión con Christopher Plummer, comenzó su andadura comercial entrando al número 7 en la semana de su estreno. En EEUU nadie acudió en masa al cine para ver el film, Sony prefirió eliminar el morbo de ver en pantalla a Spacey, a favor de la “integridad artística” del film. Su balance monetario fue de 25 millones de $ en USA, para un total de 56 a nivel mundial. El film fracasó y la versión con Kevin Spacey nunca vio la luz. Fue nominada al Oscar por el papel de Getty para Plummer y a tres globos de oro (mejor actor secundario, mejor actriz y mejor director). No ganó ninguno de los cuatro. Directamente no ganó ningún premio. Pocas intrahistorias han sido más seguidas y con tanto interés como la que envolvió a Todo el dinero del mundo, un film que ya había sido juzgado antes de ver la luz, y qué ni siquiera pudo ser salvado por el rodaje de escenas extras. Ridley Scott entrega un film correcto en muchos aspectos, notable en otros y rutinario en su devenir. Es correcto en su ritmo, en la trama que plantea y en los temas a tratar. Es notable en su ambientación y recreación de los años setenta y de la opulencia y poder que despierta el personaje de J.P. Getty y también en las interpretaciones sentidas de Michelle Williams (Gail) -sobre todo en sus escenas en solitario o al teléfono- y magnéticas de Christopher Plummer. Pero es rutinario en el resto, en su balance final. Mark Wahlberg parece pasar por allí y creer que solo con sus trajes ya tiene el papel ganado, solo lo vemos mostrar algo de sentimiento y fuerza en un encuentro con Getty ya muy avanzado el film. Además sus escenas nuevas dan mucho el cante, ya que se ve su pérdida de peso, sobre todo a nivel de rostro con respecto al resto de escenas del film que fueron rodadas antes. 

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Es rutinario también en lo que tiene que ver con el supuesto infierno que vive Paul Getty, salvo el determinado y escalofriante momento que tiene que ver con un médico y una incisión auricular. Y es rutinaria en que no termina de levantar su ritmo a pesar de prometerlo durante largo tiempo, no hay nada nuevo en Todo el dinero del mundo qué ya no fuera narrado mejor en cintas como Rescate (Ron Howard, 1996), Prueba de vida (Taylor Hackford, 2000) o la ya citada El fuego de la venganza, no en términos de acción, sino en las relaciones entre secuestradores y secuestrado, en el infierno que estos viven en su cautiverio, y en las formas en las que se encara un rapto y se hace frente a un chantaje desde la familia afectada y desde los propios raptores y como ambos conviven con la presión. Al final, Todo el dinero del mundo, presenta interesantes apuntes, la gran mayoría los que se ciernen sobre la figura de J.P. Getty, su concepto de propiedad, de fortuna, de dinero, de poder. Es este personaje el más interesante, y la forma en que Plummer encara su papel lo hace aún más fascinante, pero claro, a su personaje poco a poco se le van cayendo las capas, y termina totalmente desnudo y retratado en su miseria interior al final. Eso sí, al mismo tiempo, Scott, añade un último plano que resume la película, su pozo, y su verdadero significado: la sombra de un nombre y de un hombre –un apellido, un imperio, un legado-, con ese busto entre generales que cierra la cinta. Antes de esto, 132 minutos de altos y bajos, en una película que en su balance se queda como un proyecto que no terminó de encontrar su punch. Para la historia siempre será la película maldita de Kevin Spacey. Ni Todo el dinero del mundo pudo lograr que no fuera borrado del montaje y de Hollywood.

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Título original: All the Money in the World.

Director: Ridley Scott.

Intérpretes: Christopher Plummer, Michelle Williams, Mark Wahlberg, Charlie Plummer, Romain Durois, Timothy Hutton, Andrew Buchan, Marco Leonardi, Stacy Martin.

Trailer:





B.S.O.:



Reseña escrita por Jonathan Glez

TODO EL DINERO DEL MUNDO (2017) (Secuestrado) de vacaciones en Roma.

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El mundo del cine es cuando menos curioso. Durante décadas Tony Scott (1944-2012), hermano menor de Ridley Scott, estuvo planeando como llevar al cine una novela que tenía como punto de partido el secuestro en Roma de un adolescente. El film no terminaba de ser levantado y fue desde finales de los ochenta hasta el año 2004 que no logró concretarse, cuando lo hizo, ya no estaba ambientada en Roma, sino en México, el adolescente se había convertido en una niña, y el protagonista había pasado de ser Robert De Niro a Denzel Washington. La película en cuestión era El fuego de la venganza (Man On Fire, 2004). Para cerrar el círculo, A.J. Quinnell, autor de la novela que dio pie a Bala blindada (Élie Chouraqui, 1987) y luego a El fuego de la venganza, dijo haberse inspirado en el secuestro que sufrió uno de los nietos del magnate del petróleo J.P. Getty, y como Getty pensó en solucionar aquel secuestro primando sus propios intereses económicos.

Entre mayo y agosto de 2017 comenzó el rodaje de All the Money in the World con guión de David Scarpa desde la novela de John Pearson y bajo las órdenes de Ridley Scott. El papel principal del octogenario Getty fue a parar a manos de Kevin Spacey, luego de ser considerado Christopher Plummer. Spacey sólo tenía 58 años, por los 88 de Plummer –en el momento de la gestación y rodaje del film- pero aún así, Scott eligió al primero, que se sometió a una tremenda transformación física para el rol. Una vez rodada, Todo el dinero del mundo estableció su estreno en USA para el último fin de semana de 2017 (29-12). Su objetivo, ser una fuerte competidora en los Oscar´s de 2018. La campaña de lanzamiento de la cinta se basaba principalmente en el nombre –y respeto que genera- Ridley Scott, en los hechos reales que narraba, la tremenda ambientación en los años sesenta y setenta, y en Kevin Spacey como candidato a ser nominado por tercera vez a los Oscar´s –ganador de dos estatuillas en 1996 y 2000 por Sospechosos habituales (Brian Singer, 1995) y American Beauty (Sam Mendes, 1999)-. Hasta que a finales de octubre de 2017 saltaba una noticia que conmocionó a Hollywood en medio del movimiento #MeToo y el huracán Harvey Weinstein. Kevin Spacey era acusado por un actor de haber intentado violarle cuando éste era menor de edad (14 años por los 26 de Spacey) mientras Spacey se encontraba en estado de embriaguez. La premiere de la cinta fue cancelada de inmediato. Sony y Ridley Scott –en su crédito de productor- se reunieron de urgencia. Mientras Spacey hizo pública una carta de disculpa por los hechos que afirmaba no recordar, al mismo tiempo fue empujado de forma grotesca a confesar su homosexualidad. No hubo ningún juicio que no fuera el público, no se aportaron pruebas más allá de la declaración de Anthony Rapp y la carta de disculpa de Spacey. A partir de aquello, una marea inaudita sacudió Hollywood. Netflix canceló la serie House of Cards (2013-2018) que Spacey protagonizaba y que había ganado dos globos de oro y cuatro premios Emmy. 

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No solo eso, Netflix emitió un comunicado anunciando que Spacey no volvería a a participar en producción alguna de la compañía. La CNN sin dar nombres ni hechos claros, publicó que hasta ocho trabajadores de la serie denunciaban abusos y comportamientos inadecuados de Spacey contra ellos. No se aportó prueba alguna más allá de las declaraciones a cara tapada. Al mismo tiempo Sony evaluaba su campaña de marketing y el que hacer con una producción de 50 millones de dólares protagonizada por una actor señalado como pedófilo, homosexual y acosador. No tardaron nada más que días en emitir un comunicado, tanto la productora/distribuidora como el director se negaban a comprometer la calidad de su película por el escándalo relacionado con unos de sus colaboradores. Su decisión era inamovible: Kevin Spacey sería borrado de la película, sus escenas volverían a rodarse, con un coste extra de 10 millones de $ -un total de 22 escenas del film- y su papel sería retomado por Christopher Plummer. La fecha de estreno no se movería. Sony quería evitar un boicot por parte del publico, pero eso no era políticamente correcto decirlo, y en su lugar alegaron que no querían que la calidad del film fuera juzgada por ellos ajenos a la producción por parte de uno de sus integrantes.

todo-el-dinero-del-mundo

Todo el dinero del mundo, en la versión con Christopher Plummer, comenzó su andadura comercial entrando al número 7 en la semana de su estreno. En EEUU nadie acudió en masa al cine para ver el film, Sony prefirió eliminar el morbo de ver en pantalla a Spacey, a favor de la “integridad artística” del film. Su balance monetario fue de 25 millones de $ en USA, para un total de 56 a nivel mundial. El film fracasó y la versión con Kevin Spacey nunca vio la luz. Fue nominada al Oscar por el papel de Getty para Plummer y a tres globos de oro (mejor actor secundario, mejor actriz y mejor director). No ganó ninguno de los cuatro. Directamente no ganó ningún premio. Pocas intrahistorias han sido más seguidas y con tanto interés como la que envolvió a Todo el dinero del mundo, un film que ya había sido juzgado antes de ver la luz, y qué ni siquiera pudo ser salvado por el rodaje de escenas extras. Ridley Scott entrega un film correcto en muchos aspectos, notable en otros y rutinario en su devenir. Es correcto en su ritmo, en la trama que plantea y en los temas a tratar. Es notable en su ambientación y recreación de los años setenta y de la opulencia y poder que despierta el personaje de J.P. Getty y también en las interpretaciones sentidas de Michelle Williams (Gail) -sobre todo en sus escenas en solitario o al teléfono- y magnéticas de Christopher Plummer. Pero es rutinario en el resto, en su balance final. Mark Wahlberg parece pasar por allí y creer que solo con sus trajes ya tiene el papel ganado, solo lo vemos mostrar algo de sentimiento y fuerza en un encuentro con Getty ya muy avanzado el film. Además sus escenas nuevas dan mucho el cante, ya que se ve su pérdida de peso, sobre todo a nivel de rostro con respecto al resto de escenas del film que fueron rodadas antes. 

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Es rutinario también en lo que tiene que ver con el supuesto infierno que vive Paul Getty, salvo el determinado y escalofriante momento que tiene que ver con un médico y una incisión auricular. Y es rutinaria en que no termina de levantar su ritmo a pesar de prometerlo durante largo tiempo, no hay nada nuevo en Todo el dinero del mundo qué ya no fuera narrado mejor en cintas como Rescate (Ron Howard, 1996), Prueba de vida (Taylor Hackford, 2000) o la ya citada El fuego de la venganza, no en términos de acción, sino en las relaciones entre secuestradores y secuestrado, en el infierno que estos viven en su cautiverio, y en las formas en las que se encara un rapto y se hace frente a un chantaje desde la familia afectada y desde los propios raptores y como ambos conviven con la presión. Al final, Todo el dinero del mundo, presenta interesantes apuntes, la gran mayoría los que se ciernen sobre la figura de J.P. Getty, su concepto de propiedad, de fortuna, de dinero, de poder. Es este personaje el más interesante, y la forma en que Plummer encara su papel lo hace aún más fascinante, pero claro, a su personaje poco a poco se le van cayendo las capas, y termina totalmente desnudo y retratado en su miseria interior al final. Eso sí, al mismo tiempo, Scott, añade un último plano que resume la película, su pozo, y su verdadero significado: la sombra de un nombre y de un hombre –un apellido, un imperio, un legado-, con ese busto entre generales que cierra la cinta. Antes de esto, 132 minutos de altos y bajos, en una película que en su balance se queda como un proyecto que no terminó de encontrar su punch. Para la historia siempre será la película maldita de Kevin Spacey. Ni Todo el dinero del mundo pudo lograr que no fuera borrado del montaje y de Hollywood.

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Título original: All the Money in the World.

Director: Ridley Scott.

Intérpretes: Christopher Plummer, Michelle Williams, Mark Wahlberg, Charlie Plummer, Romain Durois, Timothy Hutton, Andrew Buchan, Marco Leonardi, Stacy Martin.

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B.S.O.:



Reseña escrita por Jonathan Glez

la-costa-de-los-mosquitos
Allie Fox es un inquieto inventor que un día decide cambiar el rumbo de la vida de su familia. Vende su casa, compra un terreno virgen en Centroamérica y se desplaza con su mujer y sus hijos para empezar de cero en un entorno natural. Que podría salir mal?

A priori, la siempre loable intención de introducir un cambio que se pretende mejor nos parece razonable, máxime cuando la verborrea del protagonista (Harrison Ford en su posiblemente mejor trabajo) es capaz de fulminar de un plumazo las dudas sobre la viabilidad del proyecto que va a cambiar para siempre la vida de una familia. Allie Fox destila seguridad, solvencia y tenacidad suficiente para que su esposa e hijos, aún con expresión sorprendida pero alegre, hagan las maletas y le acompañen en una aventura que no por incierta parece menos atractiva. Su liderazgo como "Padre de Familia" no se cuestiona y desde luego, no es el temor lo que mueve a esta familia a dejarlo todo. Padre sabe lo que hace. Padre tiene una misión. Padre no deja que todo quede en palabras farfulladas tras unos canutos oyendo música New Age.

Pero cuando desembarcamos como polizones invisibles que acompañan a Allie y su familia en la jungla, nos vamos percatando poco a poco, no solo de las dificultades medio ambientales que encierra este nuevo entorno y sus habitantes sino también de que este es un viaje de solo ida para Allie, dispuesto-que digo-obsesionado con que la Aventura, su Aventura,funcione. Y mientras sus escrupulosos planes se van desmoronando por obra de prójimos malvados o desastres naturales, crece su obsesión en no ser derrotado en sus creencias y la familia empieza a ver un nuevo rostro en él. Este rostro no es agradable y llegará un momento en el que se convertirá en el rostro del Enemigo.


la-costa-de-los-mosquitos

Con un magnífico guión de Paul Schrader basado en la novela de Paul Theroux, Weir factura una áspera película en la que a partir de la narración de uno de los hijos (River Phoenix) asistimos al derrumbe de la figura paterna y sus sueños. Secundado por la brillante interpretación de Ford, el citado derrumbe solo se produce a los ojos de la Esposa (Hellen Mirren) y los hijos ya que el Padre, abatido pero no vencido, se empeña una y otra vez en tours de force cada vez mas desesperados e inconexos. Todo ello nos da, por acumulación, una película desilusionada, bella y sombría en la que se plantea abiertamente la delgada línea que separa la obsesión con la demencia.

Este plato amargo que cuestiona tanto la figura de liderazgo del Padre como la inmersión descontrolada en entornos extremos no sentó bien en su momento a los paladares de la crítica y el público en general. Ha hecho falta el paso de unos cuantos años para que The mosquito coas haya sido progresivamente revalorizada.

"Es la única película que he hecho en la que se ha perdido dinero. Sigo contento de haberla hecho. Puestos a sacar un defecto a la película , quizás no conseguimos atrapar el lenguaje de la novela. Podría haber sido mas literaria en vez de cinematográfica. Pero creo que está llena de poderosas emociones." Harrison Ford en 1992.


la-costa-de-los-mosquitos

Título original: 
The Mosquito Coast.

Intérpretes: Peter Weir

Trailer: Harrison Ford, River Phoenix, Helen Mirren, Andre Gregory, Martha Plimpton,Jadrien Steele, Hilary Gordon, Rebecca Gordon, Jason Alexander, Dick O'NeillAlice Sneed.



Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por George Suckelectronic

LA COSTA DE LOS MOSQUITOS (1986). Alejados de la civilización.

la-costa-de-los-mosquitos
Allie Fox es un inquieto inventor que un día decide cambiar el rumbo de la vida de su familia. Vende su casa, compra un terreno virgen en Centroamérica y se desplaza con su mujer y sus hijos para empezar de cero en un entorno natural. Que podría salir mal?

A priori, la siempre loable intención de introducir un cambio que se pretende mejor nos parece razonable, máxime cuando la verborrea del protagonista (Harrison Ford en su posiblemente mejor trabajo) es capaz de fulminar de un plumazo las dudas sobre la viabilidad del proyecto que va a cambiar para siempre la vida de una familia. Allie Fox destila seguridad, solvencia y tenacidad suficiente para que su esposa e hijos, aún con expresión sorprendida pero alegre, hagan las maletas y le acompañen en una aventura que no por incierta parece menos atractiva. Su liderazgo como "Padre de Familia" no se cuestiona y desde luego, no es el temor lo que mueve a esta familia a dejarlo todo. Padre sabe lo que hace. Padre tiene una misión. Padre no deja que todo quede en palabras farfulladas tras unos canutos oyendo música New Age.

Pero cuando desembarcamos como polizones invisibles que acompañan a Allie y su familia en la jungla, nos vamos percatando poco a poco, no solo de las dificultades medio ambientales que encierra este nuevo entorno y sus habitantes sino también de que este es un viaje de solo ida para Allie, dispuesto-que digo-obsesionado con que la Aventura, su Aventura,funcione. Y mientras sus escrupulosos planes se van desmoronando por obra de prójimos malvados o desastres naturales, crece su obsesión en no ser derrotado en sus creencias y la familia empieza a ver un nuevo rostro en él. Este rostro no es agradable y llegará un momento en el que se convertirá en el rostro del Enemigo.


la-costa-de-los-mosquitos

Con un magnífico guión de Paul Schrader basado en la novela de Paul Theroux, Weir factura una áspera película en la que a partir de la narración de uno de los hijos (River Phoenix) asistimos al derrumbe de la figura paterna y sus sueños. Secundado por la brillante interpretación de Ford, el citado derrumbe solo se produce a los ojos de la Esposa (Hellen Mirren) y los hijos ya que el Padre, abatido pero no vencido, se empeña una y otra vez en tours de force cada vez mas desesperados e inconexos. Todo ello nos da, por acumulación, una película desilusionada, bella y sombría en la que se plantea abiertamente la delgada línea que separa la obsesión con la demencia.

Este plato amargo que cuestiona tanto la figura de liderazgo del Padre como la inmersión descontrolada en entornos extremos no sentó bien en su momento a los paladares de la crítica y el público en general. Ha hecho falta el paso de unos cuantos años para que The mosquito coas haya sido progresivamente revalorizada.

"Es la única película que he hecho en la que se ha perdido dinero. Sigo contento de haberla hecho. Puestos a sacar un defecto a la película , quizás no conseguimos atrapar el lenguaje de la novela. Podría haber sido mas literaria en vez de cinematográfica. Pero creo que está llena de poderosas emociones." Harrison Ford en 1992.


la-costa-de-los-mosquitos

Título original: 
The Mosquito Coast.

Intérpretes: Peter Weir

Trailer: Harrison Ford, River Phoenix, Helen Mirren, Andre Gregory, Martha Plimpton,Jadrien Steele, Hilary Gordon, Rebecca Gordon, Jason Alexander, Dick O'NeillAlice Sneed.



Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por George Suckelectronic

los-girasoles
La película es una historia de amor ambientada en tiempos de guerra y representa la tercera de las películas dirigida por Vitorio De Sica que cuenta con la pareja protagonista formada por Sofía Loren y Marcello MastroianniUna coproducción Italia-Francia- Unión Soviética que tiene la particularidad  de ser probablemente la primera cinta occidental que se rodaba en tierras rusas. Todo el film está rodado en auténticos exteriores, tanto de Italia como de Rusia, gracias la fotografía de Giuseppe Rotunno que colaboró estrechamente para los planos rusos con su colega el director de fotografía David VinitskijFue una de las grandes producciones de Carlo Ponti donde Sophia adquiere el principal papel como vector transmisor de las intensas emociones del film, acompañada de la magnética presencia del gran Marcello.

De Sica abandona el neorrealismo para presentarnos una película emotiva, sentimental y nostálgica que profundiza en los sentimientos humanos bajo el amparo de un guion muy cuidado, elaborado por Tonino Guerra, Giorgi Mdivani y Cesare ZavattiniAdemás, el director se decanta por un technicolor que realza la belleza de los paisajes y que enfatiza uno de los tramos de la batalla en el frente. Se trata de la historia de amor de un soldado italiano de Milán, Antonio (Mastroianni), que se enamora de Giovanna (Sophia Loren), una recia mujer napolitana. La guerra, será el tercer protagonista de esta historia, elemento clave que interferirá como obstáculo entre dos jóvenes enamorados.

los-girasoles

Vittorio de Sicca ambienta este relato amoroso en plena Guerra Mundial para mostrarnos los horrores del conflicto desde una perspectiva diferente a las películas bélicas. La acción no se centra en el campo de batalla, sino en el terreno de la retaguardia, donde tantas familias quedaron destrozadas por la pérdida de sus seres queridos. El director enfatiza la presencia italiana en la batalla del frente ruso, tan pocas veces representada en pantalla, ya que la mayoría de los relatos solo reflejan la confrontación ruso-alemana.

La película comienza con la visión de un campo de girasoles, cuyo significado metafórico se descubrirá a través del relato. Inmediatamente después, aparece en escena la gran Sophia Loren vestida de negro, triste pero con una presencia intensa y luchadora que reclama el paradero de su marido desaparecido en combate. Giovanna, es una mujer de fuerte temperamento que no duda en exigir a todos los estamentos que le pongan fin a su eterna espera y que descubran por fin si su marido ha muerto en el frente o por el contrario, sigue con vida. Vestida de negro, acompañada de su suegra, llora impotente la ausencia de su marido, y sentada en la casa que compartieron comienza el primer flash back de una narración que su director sabiamente fragmenta en diferentes épocas temporales a modo de capítulos, como si de una novela se tratara.

Este primer recuerdo de Giovanna se centra en la época en la que se conocieron Antonio y ella, viviendo un intenso y breve romance. Por aquel entonces La II Guerra Mundial estaba en pleno desarrollo y la pareja decide casarse para que Antonio, ya reclutado como soldado y pendiente de marchar a África, pueda disfrutar de un permiso por matrimonio. Al final de su luna de miel, están tan enamorados que intentan urdir un engaño para evitar el frente. Pero su torpeza de enamorados hará que los descubran, obligando entonces a que Antonio marche como voluntario al frente ruso. Durante la Segunda Guerra Mundial, habiéndose aliado Italia con Alemania, realizan conjuntamente un ataque a Rusia, que como por todos es sabido, supuso una gran derrota para el Eje Nazi que finalizó con una gran masacre en un territorio infernal, vapuleados por los rusos conocedores de su clima y su territorio. Con una emotiva escena de despedida en la estación finaliza este primer capítulo del film.

los-girasoles

De vuelta al presente, Giovanna continúa esperando porque tiene la intuición de que su marido sigue vivo. El día que se anuncia el final de la guerra, Giovanna acude como tantas otras familias con la foto de Antonio en la mano a la misma estación de tren donde se despidieron. Ahora, ya sí son visibles los efectos de la guerra, miles de familiares, al igual que nuestra protagonista, muestran fotos de soldados que partieron para el frente ruso, desesperados buscando entre hombres harapientos a los suyos. Los combatientes regresan del frente ruso, pero sigue sin encontrar a Antonio. Uno de los soldados que vuelve parece reconocer la foto de su marido y se abre otro flash back para contar la experiencia que vivió con Antonio como camarada en el frente ruso.

En este tramo, se suman la narración contada en primera persona por un soldado que vivió un verdadero infierno blanco, congelados por el frío y la nieve; y, derrotados por los rusos, con imágenes insertadas a modo de recreación de la batalla en mitad del gran manto siberiano. Heridos, hambrientos y casi muertos de congelación las tropas italianas y alemanas intentan la retirada. Bastan un par de escenas en el frente para comprender el gran sufrimiento de estos hombres. El soldado cuenta que intentó ayudar a Antonio, herido en una pierna, sin apenas poder andar ni tener un lugar donde refugiarse tuvo que abandonarlo en la nieve, donde ve cómo los cadáveres de los soldados salpican la blanca llanura. Allí, Antonio fue abandonado a una muerte segura. Sin embargo, Giovanna se niega a aceptar la muerte de su marido y decide volver a Rusia en su busca.

Dura epopeya la de una mujer valiente y fiel a su amor que al final del viaje hará un descubrimiento que romperá todos sus cimientos. De nuevo, una estación de tren sirve de marco a una escena demoledora, donde Giovanna descubre la otra vida de su enamorado. La Loren, que se luce en el papel de la recia y determinada italiana capaz de cruzar miles de kilómetros para buscar a su esposo, encontrará una sorpresa que pondrá fin a su felicidad. Mastroianni también ofrece una actuación destacable, aunque en un papel mucho más introspectivo, e igualmente intenso en emociones.

los-girasoles

De Sica traslada el relato desde Nápoles, momentos en que todo era felicidad para una joven pareja, como bello escenario introductorio de una historia que nos conduce hasta una Rusia representada tanto en el campo de batalla como en la postguerra, tras la muerte de Stalin. El último tramo de la historia, donde se vuelve al entorno italiano, pasados los años y cambiados los protagonistas, nos dejan un intenso final para el recuerdo:

-Antonio: No puedo explicarlo, pensé que podía contártelo, pero no sé cómo. La guerra cambia a las personas, cambia los sentimientos…no puedo explicar lo que viví allí.

La cámara por lo general se mantiene parsimoniosa, sin excesivos adornos ni movimientos. Destacan los grandes planos y los planos medios salpicados de ocasionales primeros planos que se fusionan con los más vividos momentos de sufrimientos en los personajes.

Los elementos clave para ganarse el corazón del espectador en este filme, son por un lado la excelente música de Mancini (una preciosa banda sonora de piano que marca el ritmo y la evolución emocional de sus protagonistas con serie de notas tristes y evocadoras) y la firme interpretación de dos de los grandes del cine italiano de todos los tiempos, una visceral Sophia Loren en su papel de mujer napolitana de carácter indómito, muy alejada de los papeles de sex symbol y Mastroianni, siempre tan camaleónico en sus emociones, en un ejercicio de interpretación de hombre humilde , cariñoso y jovial, que sufre la experiencia de una guerra para madurar de golpe e impregnarse del halo nostálgico con el que sobrecoge en la segunda parte de la película.

los-girasoles

Título original: I Girasoli.

Director: Vittorio De Sica.

Intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Saveleva, Galina Andreyeva,Anna Carena, Germano Longo, Silvano Tranquilli, Glauco Onorato, Marisa Traversi.


Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

LOS GIRASOLES (1970). Historia de amor en época de guerra.

los-girasoles
La película es una historia de amor ambientada en tiempos de guerra y representa la tercera de las películas dirigida por Vitorio De Sica que cuenta con la pareja protagonista formada por Sofía Loren y Marcello MastroianniUna coproducción Italia-Francia- Unión Soviética que tiene la particularidad  de ser probablemente la primera cinta occidental que se rodaba en tierras rusas. Todo el film está rodado en auténticos exteriores, tanto de Italia como de Rusia, gracias la fotografía de Giuseppe Rotunno que colaboró estrechamente para los planos rusos con su colega el director de fotografía David VinitskijFue una de las grandes producciones de Carlo Ponti donde Sophia adquiere el principal papel como vector transmisor de las intensas emociones del film, acompañada de la magnética presencia del gran Marcello.

De Sica abandona el neorrealismo para presentarnos una película emotiva, sentimental y nostálgica que profundiza en los sentimientos humanos bajo el amparo de un guion muy cuidado, elaborado por Tonino Guerra, Giorgi Mdivani y Cesare ZavattiniAdemás, el director se decanta por un technicolor que realza la belleza de los paisajes y que enfatiza uno de los tramos de la batalla en el frente. Se trata de la historia de amor de un soldado italiano de Milán, Antonio (Mastroianni), que se enamora de Giovanna (Sophia Loren), una recia mujer napolitana. La guerra, será el tercer protagonista de esta historia, elemento clave que interferirá como obstáculo entre dos jóvenes enamorados.

los-girasoles

Vittorio de Sicca ambienta este relato amoroso en plena Guerra Mundial para mostrarnos los horrores del conflicto desde una perspectiva diferente a las películas bélicas. La acción no se centra en el campo de batalla, sino en el terreno de la retaguardia, donde tantas familias quedaron destrozadas por la pérdida de sus seres queridos. El director enfatiza la presencia italiana en la batalla del frente ruso, tan pocas veces representada en pantalla, ya que la mayoría de los relatos solo reflejan la confrontación ruso-alemana.

La película comienza con la visión de un campo de girasoles, cuyo significado metafórico se descubrirá a través del relato. Inmediatamente después, aparece en escena la gran Sophia Loren vestida de negro, triste pero con una presencia intensa y luchadora que reclama el paradero de su marido desaparecido en combate. Giovanna, es una mujer de fuerte temperamento que no duda en exigir a todos los estamentos que le pongan fin a su eterna espera y que descubran por fin si su marido ha muerto en el frente o por el contrario, sigue con vida. Vestida de negro, acompañada de su suegra, llora impotente la ausencia de su marido, y sentada en la casa que compartieron comienza el primer flash back de una narración que su director sabiamente fragmenta en diferentes épocas temporales a modo de capítulos, como si de una novela se tratara.

Este primer recuerdo de Giovanna se centra en la época en la que se conocieron Antonio y ella, viviendo un intenso y breve romance. Por aquel entonces La II Guerra Mundial estaba en pleno desarrollo y la pareja decide casarse para que Antonio, ya reclutado como soldado y pendiente de marchar a África, pueda disfrutar de un permiso por matrimonio. Al final de su luna de miel, están tan enamorados que intentan urdir un engaño para evitar el frente. Pero su torpeza de enamorados hará que los descubran, obligando entonces a que Antonio marche como voluntario al frente ruso. Durante la Segunda Guerra Mundial, habiéndose aliado Italia con Alemania, realizan conjuntamente un ataque a Rusia, que como por todos es sabido, supuso una gran derrota para el Eje Nazi que finalizó con una gran masacre en un territorio infernal, vapuleados por los rusos conocedores de su clima y su territorio. Con una emotiva escena de despedida en la estación finaliza este primer capítulo del film.

los-girasoles

De vuelta al presente, Giovanna continúa esperando porque tiene la intuición de que su marido sigue vivo. El día que se anuncia el final de la guerra, Giovanna acude como tantas otras familias con la foto de Antonio en la mano a la misma estación de tren donde se despidieron. Ahora, ya sí son visibles los efectos de la guerra, miles de familiares, al igual que nuestra protagonista, muestran fotos de soldados que partieron para el frente ruso, desesperados buscando entre hombres harapientos a los suyos. Los combatientes regresan del frente ruso, pero sigue sin encontrar a Antonio. Uno de los soldados que vuelve parece reconocer la foto de su marido y se abre otro flash back para contar la experiencia que vivió con Antonio como camarada en el frente ruso.

En este tramo, se suman la narración contada en primera persona por un soldado que vivió un verdadero infierno blanco, congelados por el frío y la nieve; y, derrotados por los rusos, con imágenes insertadas a modo de recreación de la batalla en mitad del gran manto siberiano. Heridos, hambrientos y casi muertos de congelación las tropas italianas y alemanas intentan la retirada. Bastan un par de escenas en el frente para comprender el gran sufrimiento de estos hombres. El soldado cuenta que intentó ayudar a Antonio, herido en una pierna, sin apenas poder andar ni tener un lugar donde refugiarse tuvo que abandonarlo en la nieve, donde ve cómo los cadáveres de los soldados salpican la blanca llanura. Allí, Antonio fue abandonado a una muerte segura. Sin embargo, Giovanna se niega a aceptar la muerte de su marido y decide volver a Rusia en su busca.

Dura epopeya la de una mujer valiente y fiel a su amor que al final del viaje hará un descubrimiento que romperá todos sus cimientos. De nuevo, una estación de tren sirve de marco a una escena demoledora, donde Giovanna descubre la otra vida de su enamorado. La Loren, que se luce en el papel de la recia y determinada italiana capaz de cruzar miles de kilómetros para buscar a su esposo, encontrará una sorpresa que pondrá fin a su felicidad. Mastroianni también ofrece una actuación destacable, aunque en un papel mucho más introspectivo, e igualmente intenso en emociones.

los-girasoles

De Sica traslada el relato desde Nápoles, momentos en que todo era felicidad para una joven pareja, como bello escenario introductorio de una historia que nos conduce hasta una Rusia representada tanto en el campo de batalla como en la postguerra, tras la muerte de Stalin. El último tramo de la historia, donde se vuelve al entorno italiano, pasados los años y cambiados los protagonistas, nos dejan un intenso final para el recuerdo:

-Antonio: No puedo explicarlo, pensé que podía contártelo, pero no sé cómo. La guerra cambia a las personas, cambia los sentimientos…no puedo explicar lo que viví allí.

La cámara por lo general se mantiene parsimoniosa, sin excesivos adornos ni movimientos. Destacan los grandes planos y los planos medios salpicados de ocasionales primeros planos que se fusionan con los más vividos momentos de sufrimientos en los personajes.

Los elementos clave para ganarse el corazón del espectador en este filme, son por un lado la excelente música de Mancini (una preciosa banda sonora de piano que marca el ritmo y la evolución emocional de sus protagonistas con serie de notas tristes y evocadoras) y la firme interpretación de dos de los grandes del cine italiano de todos los tiempos, una visceral Sophia Loren en su papel de mujer napolitana de carácter indómito, muy alejada de los papeles de sex symbol y Mastroianni, siempre tan camaleónico en sus emociones, en un ejercicio de interpretación de hombre humilde , cariñoso y jovial, que sufre la experiencia de una guerra para madurar de golpe e impregnarse del halo nostálgico con el que sobrecoge en la segunda parte de la película.

los-girasoles

Título original: I Girasoli.

Director: Vittorio De Sica.

Intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Saveleva, Galina Andreyeva,Anna Carena, Germano Longo, Silvano Tranquilli, Glauco Onorato, Marisa Traversi.


Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

la-guerra-de-los-rose
"Una vez en la vida llega una película que hace que te vuelvas a enamorar. Esta no es esa película."
Así rezaba el cartel publicitario de esta adaptación de una novela de Warren Adler (1981), que curiosamente tomaba este nombre en referencia a la guerra medieval entre las casas Lancaster y York por el trono de Inglaterra. Aquí el trono es la casa, vivienda que construyó el matrimonio Rose y que ninguno de los dos pretende abandonar.
La historia comienza cuando los jóvenes Oliver y Bárbara se conocen en la isla de Nantucket durante una subasta y ambos pujan por una figura, esa pequeña rivalidad hace que se acerquen y una cosa lleva a otra y terminan apasionadamente revolcados y convenciéndose que están hechos el uno para el otro, la historia más romántica de sus vidas.

El director Danny De Vito, se une a sus amigotes Michael Douglas y KathleenTurner en una fórmula ganadora que ya había dado resultado en el "Tras el corazón verde (1984)" (Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida, en Latinoamérica) y su secuela, "La Joya del Nilo (1985)", otorgándose el papel de un abogado, socio de Oliver, que al inicio del film se encuentra atendiendo a un cliente que viene a pedir asesoría para su divorcio, pero éste antes de aceptar el caso, como si la vida de aquel le importara, decide contarle la historia de los Rose, una relación con mucho amor que termina en el más horrendo de los desastres.

la-guerra-de-los-rose

Habíamos dejado a Bárbara y Oliver enamorados, apasionados y encantados. No me dijiste que eras multiorgásmica dice él, no lo sabía, acota ella. Se matrimonian y mientras él continúa arduamente sus estudios de derecho ella asume el rol de ama de casa postergando sus sueños. La felicidad se nota en el hogar y una navidad ella le regala un auto Morgan que atesorará con la mayor ilusión. Cuando él ya puede ejercer y las cosas van bien compran una casa que a los dos les fascina, la adornarán con sus gustos y será su nidito de amor donde criarán a sus dos hijos y a un gato y un perro.
Pero la crítica al sueño americano de felicidad y prosperidad se ha ido deslizando subterráneamente, esperando salir a la superficie, porque Oliver se ha vuelto un pedante nuevo rico, que descalifica a todos, incluyendo a su bella esposa que parece comenzar a cabrearse con cada comentario, con cada acción, con tener que soportarlo en su cama, en su vida y el estallido se da cuando Oliver es llevado a emergencias víctima de lo que supone es un infarto pero no, es una indigestión apenas, sin embargo Bárbara no llega al Hospital a verlo, de hecho llega tarde a casa cuando él ha regresado y con una mirada dura y convencida de lo que va decir le espeta a la cara que pensó mucho en su eventual muerte y que no hubo pena sino más bien alivio. Quiero el divorcio.

la-guerra-de-los-rose

Y donde hubo amor y se pensaba que todo se podría se pudrió. Comienzan las rencillas y el rencor, las malinterpretaciones, el no ceder, la violencia verbal y física (que curiosamente va de mano femenina más que del hombre) y la inminente destrucción porque la casa de sus sueños se torna en el escenario de la peor pesadilla, una guerra sin cuartel que es retratada por De Vito con toda la mala leche pero con una ironía y sarcasmo que nos sorprende porque posiblemente más de uno pasó por un episodio similar y a lo mejor lo resolvió por las buenas, solo que aquí las cosas se van de las manos y las consecuencias son catastróficas. Y divertidísimas.

Humor negrísimo que no deja títere sin cabeza. Te amaré hasta que la muerte nos separe dijimos. Nunca pensamos que nosotros y nuestra estupidez nos llevarían a ella.

la-guerra-de-los-rose

Título original: The War of the Roses.

Director: Danny De Vito.

Intérpretes: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Marianne Sägebrecht,G.D. Spradlin, Sean Astin, Peter Donat.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

LA GUERRA DE LOS ROSE (1989). Descomposición de un matrimonio idílico.

la-guerra-de-los-rose
"Una vez en la vida llega una película que hace que te vuelvas a enamorar. Esta no es esa película."
Así rezaba el cartel publicitario de esta adaptación de una novela de Warren Adler (1981), que curiosamente tomaba este nombre en referencia a la guerra medieval entre las casas Lancaster y York por el trono de Inglaterra. Aquí el trono es la casa, vivienda que construyó el matrimonio Rose y que ninguno de los dos pretende abandonar.
La historia comienza cuando los jóvenes Oliver y Bárbara se conocen en la isla de Nantucket durante una subasta y ambos pujan por una figura, esa pequeña rivalidad hace que se acerquen y una cosa lleva a otra y terminan apasionadamente revolcados y convenciéndose que están hechos el uno para el otro, la historia más romántica de sus vidas.

El director Danny De Vito, se une a sus amigotes Michael Douglas y KathleenTurner en una fórmula ganadora que ya había dado resultado en el "Tras el corazón verde (1984)" (Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida, en Latinoamérica) y su secuela, "La Joya del Nilo (1985)", otorgándose el papel de un abogado, socio de Oliver, que al inicio del film se encuentra atendiendo a un cliente que viene a pedir asesoría para su divorcio, pero éste antes de aceptar el caso, como si la vida de aquel le importara, decide contarle la historia de los Rose, una relación con mucho amor que termina en el más horrendo de los desastres.

la-guerra-de-los-rose

Habíamos dejado a Bárbara y Oliver enamorados, apasionados y encantados. No me dijiste que eras multiorgásmica dice él, no lo sabía, acota ella. Se matrimonian y mientras él continúa arduamente sus estudios de derecho ella asume el rol de ama de casa postergando sus sueños. La felicidad se nota en el hogar y una navidad ella le regala un auto Morgan que atesorará con la mayor ilusión. Cuando él ya puede ejercer y las cosas van bien compran una casa que a los dos les fascina, la adornarán con sus gustos y será su nidito de amor donde criarán a sus dos hijos y a un gato y un perro.
Pero la crítica al sueño americano de felicidad y prosperidad se ha ido deslizando subterráneamente, esperando salir a la superficie, porque Oliver se ha vuelto un pedante nuevo rico, que descalifica a todos, incluyendo a su bella esposa que parece comenzar a cabrearse con cada comentario, con cada acción, con tener que soportarlo en su cama, en su vida y el estallido se da cuando Oliver es llevado a emergencias víctima de lo que supone es un infarto pero no, es una indigestión apenas, sin embargo Bárbara no llega al Hospital a verlo, de hecho llega tarde a casa cuando él ha regresado y con una mirada dura y convencida de lo que va decir le espeta a la cara que pensó mucho en su eventual muerte y que no hubo pena sino más bien alivio. Quiero el divorcio.

la-guerra-de-los-rose

Y donde hubo amor y se pensaba que todo se podría se pudrió. Comienzan las rencillas y el rencor, las malinterpretaciones, el no ceder, la violencia verbal y física (que curiosamente va de mano femenina más que del hombre) y la inminente destrucción porque la casa de sus sueños se torna en el escenario de la peor pesadilla, una guerra sin cuartel que es retratada por De Vito con toda la mala leche pero con una ironía y sarcasmo que nos sorprende porque posiblemente más de uno pasó por un episodio similar y a lo mejor lo resolvió por las buenas, solo que aquí las cosas se van de las manos y las consecuencias son catastróficas. Y divertidísimas.

Humor negrísimo que no deja títere sin cabeza. Te amaré hasta que la muerte nos separe dijimos. Nunca pensamos que nosotros y nuestra estupidez nos llevarían a ella.

la-guerra-de-los-rose

Título original: The War of the Roses.

Director: Danny De Vito.

Intérpretes: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Marianne Sägebrecht,G.D. Spradlin, Sean Astin, Peter Donat.

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Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

dark-star
Resulta extraño, cuando menos, que el debut de John Carpenter no goce del culto ni del prestigio, de sobra merecido, de sus primeros films durante finales de los setenta y principios de los ochenta, algunos de ellos auténticos hitos de la serie B: "Asalto a la comisaríadel distrito 13 (1976)"; excelente thriller de acción levemente inspirado en el argumento del western "Río bravo (1959)" de Howard Hawks, "La noche de Halloween (1978)"; película que popularizó el subgénero slasher y sin duda la mejor de la larga serie que el propio Carpenter y Debrah Hill crearon mediante un guión original, "1997: Rescate en Nueva York (1981)"; interesante distopía apocalíptica con aires de western (Lee Van Cleef incluido en el reparto) y sobre todo "La cosa (El enigmade otro mundo) (1982)"; posiblemente su obra maestra, un remake bastante mejorado de "The Thing from Another World (Christian Nyby / Howard Hawks, 1951)"; popular film de culto de ciencia ficción de los cincuenta que no llegaba a explotar las magníficas posibilidades de la novela corta "Who Goes There?" de John W. Campbell en la que se basaba.

Si de entrada se conoce el dato de que Carpenter realizó "Dark star (1974)" como una producción de estudiante mientras estaba en la USC (Universidad del Sur de California) y que su presupuesto final fue de 60.000 dólares, es muy probable que el impacto al ver esta disparatada comedia de ciencia ficción sea mucho menor, no obstante, en su filmografía oficial aparece como su primera película. Rodada en 16mm y con una duración inicial de 45 minutos en su fase de producción estudiantil, al film se le añadió metraje para su estreno en cines hasta llegar a los 83 minutos. Al igual que en alguno de sus mejores trabajos, Carpenter se encarga aquí de la música y de la dirección, además del guión, escrito entre él y su compañero de clase Dan O'Bannon, -otro ilustre del fantástico moderno, responsable de por ejemplo el guión de "Alien (Ridley Scott, 1979)" y "Desafío total  (Paul Verhoeven,1990)- quien se responsabiliza a su vez del montaje de la cinta, efectos especiales y de uno de los papeles protagonistas, el Sargento Pinback.


dark-star

La nave "Dark Star" lleva veinte años en órbita, en una misión para destruir "planetas inestables" que podrían amenazar su futura colonización. Después de tan largo trayecto son múltiples las averías que sufre el aparato: la carga de bombas inteligentes que descienden de su interior sin una orden para hacerlo, su computadora de proceso de alimentos; que solo fabrica comidas líquidas con sabor a pollo, una explosión que ha destruido todos los dormitorios... Si a todo ello le sumamos la desafortunada muerte del oficial al mando, el Comandante Powell, debido a una propulsión al espacio desde su asiento, provocada por un cortocircuito, es lógico que la tripulación se encuentre desanimada y al borde de perder su salud mental; dedicando su tiempo a extraños pasatiempos como construir un órgano musical con botellas de cristal recicladas -como hace el surfista Doolitle (Brian Narelle) en uno de los momentos más originales de la película- o hacer blanco por los pasillos con una pistola láser, peligroso hobbie que practica Boiler (Cal Kuniholm).


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La película viene a ser prácticamente una parodia de "2001: Una odisea delespacio (Stanley Kubrick, 1968)", con guiños puntuales en el desenlace del film a "Kaleidoscope", una de las historias que se incluyen en "El hombre ilustrado (1951)", un libro de cuentos de Ray Bradbury, del que Dan O'Bannon reconoció haber copiado algunos detalles. No les pudo salir mejor la jugada a Carpenter y O'Bannon, bajo mi punto de vista, ya que con tan inverosímil argumento y tan ajustado presupuesto no se podía hacer otra cosa que tomarse con humor el asunto; a pesar de lo cutre del diseño de la nave, los diálogos imposibles, el film tiene momentos muy divertidos que se convierten en su mejor baza: inolvidable la larguísima secuencia en la que Pinback persigue a la mascota alienígena de la nave; que no es más que una pelota de playa con patas, literalmente. A destacar también las conversaciones que los tripulantes mantienen con la bomba, o mejor dicho con la voz que el sistema le otorga al dispositivo de lanzamiento, que se empeña una y otra en ser disparado sin recibir una orden previa, anécdota que posiblemente nos remita a otro film de Kubrick como es "¿Teléfonorojo? Volamos hacia Moscú (1964)".


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Título original: Dark star.

Director: John Carpenter.

Intérpretes: Dan O'Bannon, Brian Narelle, Cal Kuniholm, Dre Pahich, Nick Castle, Miles WatkinsJoe Saunders.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

ESTRELLA OSCURA (1974). El debut de John Carpenter y Dan O'Bannon.

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Resulta extraño, cuando menos, que el debut de John Carpenter no goce del culto ni del prestigio, de sobra merecido, de sus primeros films durante finales de los setenta y principios de los ochenta, algunos de ellos auténticos hitos de la serie B: "Asalto a la comisaríadel distrito 13 (1976)"; excelente thriller de acción levemente inspirado en el argumento del western "Río bravo (1959)" de Howard Hawks, "La noche de Halloween (1978)"; película que popularizó el subgénero slasher y sin duda la mejor de la larga serie que el propio Carpenter y Debrah Hill crearon mediante un guión original, "1997: Rescate en Nueva York (1981)"; interesante distopía apocalíptica con aires de western (Lee Van Cleef incluido en el reparto) y sobre todo "La cosa (El enigmade otro mundo) (1982)"; posiblemente su obra maestra, un remake bastante mejorado de "The Thing from Another World (Christian Nyby / Howard Hawks, 1951)"; popular film de culto de ciencia ficción de los cincuenta que no llegaba a explotar las magníficas posibilidades de la novela corta "Who Goes There?" de John W. Campbell en la que se basaba.

Si de entrada se conoce el dato de que Carpenter realizó "Dark star (1974)" como una producción de estudiante mientras estaba en la USC (Universidad del Sur de California) y que su presupuesto final fue de 60.000 dólares, es muy probable que el impacto al ver esta disparatada comedia de ciencia ficción sea mucho menor, no obstante, en su filmografía oficial aparece como su primera película. Rodada en 16mm y con una duración inicial de 45 minutos en su fase de producción estudiantil, al film se le añadió metraje para su estreno en cines hasta llegar a los 83 minutos. Al igual que en alguno de sus mejores trabajos, Carpenter se encarga aquí de la música y de la dirección, además del guión, escrito entre él y su compañero de clase Dan O'Bannon, -otro ilustre del fantástico moderno, responsable de por ejemplo el guión de "Alien (Ridley Scott, 1979)" y "Desafío total  (Paul Verhoeven,1990)- quien se responsabiliza a su vez del montaje de la cinta, efectos especiales y de uno de los papeles protagonistas, el Sargento Pinback.


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La nave "Dark Star" lleva veinte años en órbita, en una misión para destruir "planetas inestables" que podrían amenazar su futura colonización. Después de tan largo trayecto son múltiples las averías que sufre el aparato: la carga de bombas inteligentes que descienden de su interior sin una orden para hacerlo, su computadora de proceso de alimentos; que solo fabrica comidas líquidas con sabor a pollo, una explosión que ha destruido todos los dormitorios... Si a todo ello le sumamos la desafortunada muerte del oficial al mando, el Comandante Powell, debido a una propulsión al espacio desde su asiento, provocada por un cortocircuito, es lógico que la tripulación se encuentre desanimada y al borde de perder su salud mental; dedicando su tiempo a extraños pasatiempos como construir un órgano musical con botellas de cristal recicladas -como hace el surfista Doolitle (Brian Narelle) en uno de los momentos más originales de la película- o hacer blanco por los pasillos con una pistola láser, peligroso hobbie que practica Boiler (Cal Kuniholm).


dark-star

La película viene a ser prácticamente una parodia de "2001: Una odisea delespacio (Stanley Kubrick, 1968)", con guiños puntuales en el desenlace del film a "Kaleidoscope", una de las historias que se incluyen en "El hombre ilustrado (1951)", un libro de cuentos de Ray Bradbury, del que Dan O'Bannon reconoció haber copiado algunos detalles. No les pudo salir mejor la jugada a Carpenter y O'Bannon, bajo mi punto de vista, ya que con tan inverosímil argumento y tan ajustado presupuesto no se podía hacer otra cosa que tomarse con humor el asunto; a pesar de lo cutre del diseño de la nave, los diálogos imposibles, el film tiene momentos muy divertidos que se convierten en su mejor baza: inolvidable la larguísima secuencia en la que Pinback persigue a la mascota alienígena de la nave; que no es más que una pelota de playa con patas, literalmente. A destacar también las conversaciones que los tripulantes mantienen con la bomba, o mejor dicho con la voz que el sistema le otorga al dispositivo de lanzamiento, que se empeña una y otra en ser disparado sin recibir una orden previa, anécdota que posiblemente nos remita a otro film de Kubrick como es "¿Teléfonorojo? Volamos hacia Moscú (1964)".


dark-star

Título original: Dark star.

Director: John Carpenter.

Intérpretes: Dan O'Bannon, Brian Narelle, Cal Kuniholm, Dre Pahich, Nick Castle, Miles WatkinsJoe Saunders.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

grita-libertad
Grita libertad narra la tragedia del líder carismático de la "conciencia negra" en Sudáfrica, Steve Biko (Denzel Washington), de 30 años de edad, y del periodista liberal y director del East London Daily Dispatch, Donald Woods (Kevin Kline) firme opositor al régimen que imperó en Sudáfrica desde 1948 a 1994; al tiempo que documenta la odisea de Woods cuando, tras reclamar una investigación fiable de su amigo asesinado en la prisión, se ve como él, condenado a confinamiento domiciliario escapa con su mujer y cinco hijos, abandonad un país donde su familia vivió durante varias generaciones. Huido a Europa y sin un céntimo, logra publicar la biografía de Biko que evoca el relato.

La cinta representa un importante documento de denuncia, de injusticia, de crueldad entre los hombres, pero también de amistad entre dos hombres de diferente raza; a la par que ampliamente discutido, sobre todo, por sus errores históricos, sobre el apartheid sudafricano, que pone en la picota el régimen segregacionista de Pretoria. Narrada con gran fuerza dramático-sentimental, combina el estilo del típico documental de reconstitución histórica, con el film-espectáculo y de género biográfico, que es tan característico del actor y director Richard Attenborough. Así, el filme se desarrolla con un estilo cuasi documental, antes de la muerte de Biko, para centrarse en la parte más de thriller de la huida de Woods en su segunda mitad.

grita-libertad

Con guión de John Briley, basado en los libros "Biko y Asking for Troubles", de Donald Woods, Attenborough, sir, inglés, liberal e idealista comprometido, vuelve a demostrar su capacidad artístico y creadora, el sentido de la medida, su sobriedad, puesto que solo se extralimita levemente en el drama de la familia del periodista, así como es posible realizar cine comercial digno al servicio de la actualidad sociopolítica sin apenas manipular al espectador.

En el film se reconstruyen con sentido y ánimo acusador dos incidentes famosos: la brutal evacuación de Crossroads, un barrio de chabolas de las afueras de Ciudad del Cabo, en 1975; y la matanza atroz de niños escolares, que se manifestaban en Soweto el 16 de junio de 1976 debido a que en 1974 el gobierno emitió una ley que obligaba el uso del idioma Afrikaans en todas las escuelas, incluyendo las de los negros. Esta medida fue muy impopular pues se consideraba como el idioma de la opresión. El 30 de abril de 1976 las escuelas de Soweto se declararon en rebeldía. Aunque en la película se indica que fueron 700, el diario Le Monde informó que ese día hubo 25 víctimas, dos de las cuales eran blancos linchados por los manifestantes negros.

grita-libertad

El pulso cinematográfico de Attenborough es notable, así como su espléndida dirección de actores, especialmente Kevin Kline y de los movimientos de masas. Las interpretaciones son notables con un Kevin Kline muy creíble, así como un Denzel Washington comedido y austero. Rodada en Zaire, debido a la prohibición del anterior Gobierno sudafricano, Grita libertad tuvo graves problemas de exhibición y, finalmente, logró impactar y sensibilizar al gran público mundial sobre una problemática humana que ha iniciado las primeras vías de solución. Si tiene algún punto en contra es quizá, el excesivo metraje para contar la historia.

El film concluye con una larga lista de nombres de detenidos políticos, fallecidos mientras se hallaban bajo custodia de la policía sudafricana, seguidos de la causa oficial de la muerte. A mitad de esa engañosa relación, puede leerse: "Septiembre 12, 1977, Steve Biko, Huelga de Hambre". Quizá esta película, haya contribuido al difícil cambio político del país.


Como curiosidad y a modo de conclusión, decir que Peter Gabriel dedicó a Biko en 1.980, un tema interpretado en el concierto final de la gira Conspiracy of Hope organizada por Amnistía Internacional en 1.986.

grita-libertad

Frase para recordar: "¿Por qué se hacen llamar «negros»? Parecen más marrones que negros.
¿Por qué ustedes se hacen llamar blancos?. Parecen más rosados que blancos".

Título original: Cry Freedom.

Director: Richard Attenborough.

Intérpretes: Kevin Kline, Penelope Wilton, Denzel Washington, John Hargreaves, Zakes MokaeIan Richardson, Alec McCowen, Kevin McNally.
Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

GRITA LIBERTAD (1987). El drama racial de Richard Attenborough.

grita-libertad
Grita libertad narra la tragedia del líder carismático de la "conciencia negra" en Sudáfrica, Steve Biko (Denzel Washington), de 30 años de edad, y del periodista liberal y director del East London Daily Dispatch, Donald Woods (Kevin Kline) firme opositor al régimen que imperó en Sudáfrica desde 1948 a 1994; al tiempo que documenta la odisea de Woods cuando, tras reclamar una investigación fiable de su amigo asesinado en la prisión, se ve como él, condenado a confinamiento domiciliario escapa con su mujer y cinco hijos, abandonad un país donde su familia vivió durante varias generaciones. Huido a Europa y sin un céntimo, logra publicar la biografía de Biko que evoca el relato.

La cinta representa un importante documento de denuncia, de injusticia, de crueldad entre los hombres, pero también de amistad entre dos hombres de diferente raza; a la par que ampliamente discutido, sobre todo, por sus errores históricos, sobre el apartheid sudafricano, que pone en la picota el régimen segregacionista de Pretoria. Narrada con gran fuerza dramático-sentimental, combina el estilo del típico documental de reconstitución histórica, con el film-espectáculo y de género biográfico, que es tan característico del actor y director Richard Attenborough. Así, el filme se desarrolla con un estilo cuasi documental, antes de la muerte de Biko, para centrarse en la parte más de thriller de la huida de Woods en su segunda mitad.

grita-libertad

Con guión de John Briley, basado en los libros "Biko y Asking for Troubles", de Donald Woods, Attenborough, sir, inglés, liberal e idealista comprometido, vuelve a demostrar su capacidad artístico y creadora, el sentido de la medida, su sobriedad, puesto que solo se extralimita levemente en el drama de la familia del periodista, así como es posible realizar cine comercial digno al servicio de la actualidad sociopolítica sin apenas manipular al espectador.

En el film se reconstruyen con sentido y ánimo acusador dos incidentes famosos: la brutal evacuación de Crossroads, un barrio de chabolas de las afueras de Ciudad del Cabo, en 1975; y la matanza atroz de niños escolares, que se manifestaban en Soweto el 16 de junio de 1976 debido a que en 1974 el gobierno emitió una ley que obligaba el uso del idioma Afrikaans en todas las escuelas, incluyendo las de los negros. Esta medida fue muy impopular pues se consideraba como el idioma de la opresión. El 30 de abril de 1976 las escuelas de Soweto se declararon en rebeldía. Aunque en la película se indica que fueron 700, el diario Le Monde informó que ese día hubo 25 víctimas, dos de las cuales eran blancos linchados por los manifestantes negros.

grita-libertad

El pulso cinematográfico de Attenborough es notable, así como su espléndida dirección de actores, especialmente Kevin Kline y de los movimientos de masas. Las interpretaciones son notables con un Kevin Kline muy creíble, así como un Denzel Washington comedido y austero. Rodada en Zaire, debido a la prohibición del anterior Gobierno sudafricano, Grita libertad tuvo graves problemas de exhibición y, finalmente, logró impactar y sensibilizar al gran público mundial sobre una problemática humana que ha iniciado las primeras vías de solución. Si tiene algún punto en contra es quizá, el excesivo metraje para contar la historia.

El film concluye con una larga lista de nombres de detenidos políticos, fallecidos mientras se hallaban bajo custodia de la policía sudafricana, seguidos de la causa oficial de la muerte. A mitad de esa engañosa relación, puede leerse: "Septiembre 12, 1977, Steve Biko, Huelga de Hambre". Quizá esta película, haya contribuido al difícil cambio político del país.


Como curiosidad y a modo de conclusión, decir que Peter Gabriel dedicó a Biko en 1.980, un tema interpretado en el concierto final de la gira Conspiracy of Hope organizada por Amnistía Internacional en 1.986.

grita-libertad

Frase para recordar: "¿Por qué se hacen llamar «negros»? Parecen más marrones que negros.
¿Por qué ustedes se hacen llamar blancos?. Parecen más rosados que blancos".

Título original: Cry Freedom.

Director: Richard Attenborough.

Intérpretes: Kevin Kline, Penelope Wilton, Denzel Washington, John Hargreaves, Zakes MokaeIan Richardson, Alec McCowen, Kevin McNally.
Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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