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jcvd
La historia de cómo el proyecto presentado a  finales de  2007 como Le roi de les Belges que iba a dirigir Gilles Lebouche, terminó después siendo JCVD (2008) de Mabrouk El Mechri, la cuenta el propio director en los extras incluidos en la edición especial de 2 discos editada por Cameo/Versus Entertainment. El Mechri (luego firmante de la fallida La fría luz del día) tomo las riendas del guión desechando la parodia del inicio que según sus palabras se reía abiertamente de Jean-Claude Van Damme. JCVD la película se gestó gracias a varios inversores extranjeros, la ayuda en desgravaciones fiscales de Luxemburgo, el apoyo de Canal Plus y él de su propio actor protagonista, productor ejecutivo. Aún así no supero los 12 millones de euros, presupuesto ajustado que fue directamente al film, no cobrando JCVD nada más que el mínimo estipulado.

La cinta da comienzo cuando la otrora súper-estrella del cine de acción e infalible kickboxer Jean-Claude Van Damme termina el rodaje de su última producción en algún país del Este de Europa bajo la dirección de un director asiático que le usa como trampolín a proyectos mejores, la gracia del asunto, además de presentar una secuencia de acción en plano secuencia sin trucos, con su protagonista entrando y saliendo del plano, y rodada sin pausa, es ver como Van Damme al final no da el visto bueno a la toma porque se ven fallos al entrar los stunts al plano y se cae el decorado en el duelo con el malo principal. Tras abandonar el set totalmente derrotado, y afectado tanto psíquica como físicamente, el film -con un montaje en flashbacks y flashforward, muy influido por el cine de Sidney Lumet sobre todo La ofensa (The Offence, 1973)- salta a un juicio por la custodia de su hija en donde el abogado de su ex-esposa alega que el actor tiene mala fama debido a la violencia de sus películas y no es apto para criarla. Tras ello -y a la vista de la total desgana de su agente para conseguirle papeles en films que no se rueden en una fábrica abandonada-Van Damme toma un vuelo hasta su país natal, Bélgica, para desconectar del ruido, ver a su familia y hacer balance de su vida en la mediana edad. Para su total desgracia, cuando entra en una oficina de correos esperando un giro con dinero efectivo, unos atracadores se encuentran allí perpetrando un robo, todo se tergiversa al nivel de que Van Damme acaba siendo señalado como el jefe de los amotinados y la noticia salta a todas las televisiones internacionales, mientras el actor sobrepasado por los acontecimientos intenta discernir sobre la persona normal que es y el héroe de acción de que esperan que sea. 

jcvd

Aún recuerdo cuando el día de su estreno entre en la última sesión de un viernes a ver JCVD y me encontré con una sala vacía en donde encendieron las luces antes de que acabara el film, aquello daba una idea clara de lo que importaba y vendía Van Damme al público, ni las criticas positivas en nuestro país y el resto del mundo,  ni ser considerada una de las mejores interpretaciones del año, ni el apoyo público de actores como Nicolas Cage, hizo de JCVD la película un éxito, ni un resurgir. Estamos ante un estudio de personaje, si no hay errata, personaje, JCVD, la persona y el personaje son mostrados al publico sin ningún tipo de paños calientes, se habla de lo bueno y de lo malo, de sus errores sobre todo, y de su situación actual, sumergido en sub-productos en los que unos se hacen ricos mientras su carrera baja enteros a marchas forzadas, ojo sino al dialogo entre el actor y su agente cuando este le ofrece secuelas de anteriores películas hechas por obligación o films en donde Steven Seagal es la otra alternativa; "¿Cuál es tu comisión? ¿Cuánto te llevas por cada película que hago?…Están acabando con mi carrera. Tú te forras (en referencia a su agente), ellos me mandan a Bulgaria (los productores), ¡a una puta fabrica! Y hacen la película, por un millón de $.  Veamos: 6 millones de presupuesto bruto. Gastos de producción; 1, 800,000, a mi me dan; 4 millones. Le sumamos el cambio de moneda. La rebaja del 30% por rodar en el extranjero… ¿Que queda para la película?...Aceptaría menos dinero, si me metieran en un puto estudio. Si lo hiciera gratis. Solo una película sin cobrar. Siendo de Van Damme sacan mínimo 6 millones de ganancias en Europa. Tú tienes contactos en el estudio. ¡Podría estar en una película grande!  ¿¡Que está ocurriendo!?"

jcvd

JCVD no es un cuento a lo Frank Capra, los buenos no son tan buenos, y los malos no son lo peor. Es un film rodado a pie de calle, de tremenda crudeza, siempre bordeando la excelencia narrativa, llena de influencias de los llamados cineastas neo-yorquinos; Scorsese, Lumet se llevan la palma. Con una degradada fotografía, con incluso un tono de ensoñación en varios momentos, un uso sensacional de la música, un reparto de grandes intérpretes de reparto y prestigio en Francia y un monumental descenso a los infiernos de su actor protagonista. JCVD juega con la realidad y la ficción; parte de lo contado está basado en hechos reales, parte es juego de Hollywood, el largometraje se mueve en los terrenos del metacine, el drama, la comedia negra, las justas dosis de acción y la figura ineludible como icono cultural de los años 90 de su protagonista, que se define como un hombre afortunado que tenía un sueño, ser una estrella de cine, un sueño que se lo dio todo, y también se lo arrebató, no se eluden sus devaneos sentimentales, sus subidas y bajadas tanto psicológicas como artísticas y la tan aireada adicción a la cocaína (superada afortunadamente a finales de 1998), que junto a un divorcio y varias decisiones fallidas acabaron con su carrera sin remisión. Todo esto es narrado en una inenarrable secuencia en plano sostenido en donde la cámara se mueve alrededor de la figura y los movimientos de Van Damme, hasta subir a una especie de atril bajo los focos, fuera del set, "una película para mi solo" dice mirando a cámara que empieza con el derrumbe en plano sostenido de su protagonista dispuesto a soltarlo todo en ocho minutos de una emoción que traspasa la pantalla. Rodada de una sola vez, sin guión y con Jean-Claude exorcizando su alma delante del mundo.

jcvd

Para la realización de JCVD, su director, Mabrouk El Mechri tomo como referencias Tarde de perros (1975, Sidney Lumet) y el cine de Peter Bogdanovich sobre las intrahistorias de la farándula. El Mechri conocedor y seguidor de su estrella protagonista, trata con mano maestra la verdad y añade las dosis necesarias de caída del mito para luego, sin tratar de levantarlo y terminar con el tan temido happy-ending, el espectador pueda acabar la sesión entendiendo la figura del actor, la persona, la leyenda y el héroe. JCVD fue la menos afortunada de las dos cintas con temáticas parecidas estrenadas ese mismo año; El Luchador (Darren Aronofsky) con Mickey Rourke –rival y compañero de farras en Double Team (1997)- fue la que se llevó los premios y las ovaciones. El Mechri prometió un director-cut (montaje del director) que aún hoy seguimos esperando, Van Damme rechazó Los mercenarios (2010) a favor de su segunda obra como director Full Love (2009) que aún sigue inédita, pero luego rectifico en 2012 para la segunda parte dirigida por Simon West donde interpretaba al malo de la función, llamado Jean Villain. El sonoro fiasco de La fría luz del día, primer intento en vano de Henry Cavill de sacar adelante un protagónico con Bruce Willis en piloto automático dejó en fuera de juego las posibilidades –momentáneas- de una carrera que se antojaba prometedora para El Mechri quien en su momento visitó el Festival de Sitges en 2008 donde defendió y disfruto del favor del público y de la crítica allí desplazada. 

JCVD es desgarradora y brillante y da lo que promete; El mayor desafío para un héroe es la vida real.

jcvd

Director: Mabrouk El Mechri.

Intérpretes: Jean-Claude Van Damme, Zinedine Soualem, Karim Belkhadra, Jean-Francois Wolff, Jesse Joe Walsh, Liliane Becker, Francois Beukelaers.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Jonathan Glez

JCVD (2008). Redención en plano sostenido.

jcvd
La historia de cómo el proyecto presentado a  finales de  2007 como Le roi de les Belges que iba a dirigir Gilles Lebouche, terminó después siendo JCVD (2008) de Mabrouk El Mechri, la cuenta el propio director en los extras incluidos en la edición especial de 2 discos editada por Cameo/Versus Entertainment. El Mechri (luego firmante de la fallida La fría luz del día) tomo las riendas del guión desechando la parodia del inicio que según sus palabras se reía abiertamente de Jean-Claude Van Damme. JCVD la película se gestó gracias a varios inversores extranjeros, la ayuda en desgravaciones fiscales de Luxemburgo, el apoyo de Canal Plus y él de su propio actor protagonista, productor ejecutivo. Aún así no supero los 12 millones de euros, presupuesto ajustado que fue directamente al film, no cobrando JCVD nada más que el mínimo estipulado.

La cinta da comienzo cuando la otrora súper-estrella del cine de acción e infalible kickboxer Jean-Claude Van Damme termina el rodaje de su última producción en algún país del Este de Europa bajo la dirección de un director asiático que le usa como trampolín a proyectos mejores, la gracia del asunto, además de presentar una secuencia de acción en plano secuencia sin trucos, con su protagonista entrando y saliendo del plano, y rodada sin pausa, es ver como Van Damme al final no da el visto bueno a la toma porque se ven fallos al entrar los stunts al plano y se cae el decorado en el duelo con el malo principal. Tras abandonar el set totalmente derrotado, y afectado tanto psíquica como físicamente, el film -con un montaje en flashbacks y flashforward, muy influido por el cine de Sidney Lumet sobre todo La ofensa (The Offence, 1973)- salta a un juicio por la custodia de su hija en donde el abogado de su ex-esposa alega que el actor tiene mala fama debido a la violencia de sus películas y no es apto para criarla. Tras ello -y a la vista de la total desgana de su agente para conseguirle papeles en films que no se rueden en una fábrica abandonada-Van Damme toma un vuelo hasta su país natal, Bélgica, para desconectar del ruido, ver a su familia y hacer balance de su vida en la mediana edad. Para su total desgracia, cuando entra en una oficina de correos esperando un giro con dinero efectivo, unos atracadores se encuentran allí perpetrando un robo, todo se tergiversa al nivel de que Van Damme acaba siendo señalado como el jefe de los amotinados y la noticia salta a todas las televisiones internacionales, mientras el actor sobrepasado por los acontecimientos intenta discernir sobre la persona normal que es y el héroe de acción de que esperan que sea. 

jcvd

Aún recuerdo cuando el día de su estreno entre en la última sesión de un viernes a ver JCVD y me encontré con una sala vacía en donde encendieron las luces antes de que acabara el film, aquello daba una idea clara de lo que importaba y vendía Van Damme al público, ni las criticas positivas en nuestro país y el resto del mundo,  ni ser considerada una de las mejores interpretaciones del año, ni el apoyo público de actores como Nicolas Cage, hizo de JCVD la película un éxito, ni un resurgir. Estamos ante un estudio de personaje, si no hay errata, personaje, JCVD, la persona y el personaje son mostrados al publico sin ningún tipo de paños calientes, se habla de lo bueno y de lo malo, de sus errores sobre todo, y de su situación actual, sumergido en sub-productos en los que unos se hacen ricos mientras su carrera baja enteros a marchas forzadas, ojo sino al dialogo entre el actor y su agente cuando este le ofrece secuelas de anteriores películas hechas por obligación o films en donde Steven Seagal es la otra alternativa; "¿Cuál es tu comisión? ¿Cuánto te llevas por cada película que hago?…Están acabando con mi carrera. Tú te forras (en referencia a su agente), ellos me mandan a Bulgaria (los productores), ¡a una puta fabrica! Y hacen la película, por un millón de $.  Veamos: 6 millones de presupuesto bruto. Gastos de producción; 1, 800,000, a mi me dan; 4 millones. Le sumamos el cambio de moneda. La rebaja del 30% por rodar en el extranjero… ¿Que queda para la película?...Aceptaría menos dinero, si me metieran en un puto estudio. Si lo hiciera gratis. Solo una película sin cobrar. Siendo de Van Damme sacan mínimo 6 millones de ganancias en Europa. Tú tienes contactos en el estudio. ¡Podría estar en una película grande!  ¿¡Que está ocurriendo!?"

jcvd

JCVD no es un cuento a lo Frank Capra, los buenos no son tan buenos, y los malos no son lo peor. Es un film rodado a pie de calle, de tremenda crudeza, siempre bordeando la excelencia narrativa, llena de influencias de los llamados cineastas neo-yorquinos; Scorsese, Lumet se llevan la palma. Con una degradada fotografía, con incluso un tono de ensoñación en varios momentos, un uso sensacional de la música, un reparto de grandes intérpretes de reparto y prestigio en Francia y un monumental descenso a los infiernos de su actor protagonista. JCVD juega con la realidad y la ficción; parte de lo contado está basado en hechos reales, parte es juego de Hollywood, el largometraje se mueve en los terrenos del metacine, el drama, la comedia negra, las justas dosis de acción y la figura ineludible como icono cultural de los años 90 de su protagonista, que se define como un hombre afortunado que tenía un sueño, ser una estrella de cine, un sueño que se lo dio todo, y también se lo arrebató, no se eluden sus devaneos sentimentales, sus subidas y bajadas tanto psicológicas como artísticas y la tan aireada adicción a la cocaína (superada afortunadamente a finales de 1998), que junto a un divorcio y varias decisiones fallidas acabaron con su carrera sin remisión. Todo esto es narrado en una inenarrable secuencia en plano sostenido en donde la cámara se mueve alrededor de la figura y los movimientos de Van Damme, hasta subir a una especie de atril bajo los focos, fuera del set, "una película para mi solo" dice mirando a cámara que empieza con el derrumbe en plano sostenido de su protagonista dispuesto a soltarlo todo en ocho minutos de una emoción que traspasa la pantalla. Rodada de una sola vez, sin guión y con Jean-Claude exorcizando su alma delante del mundo.

jcvd

Para la realización de JCVD, su director, Mabrouk El Mechri tomo como referencias Tarde de perros (1975, Sidney Lumet) y el cine de Peter Bogdanovich sobre las intrahistorias de la farándula. El Mechri conocedor y seguidor de su estrella protagonista, trata con mano maestra la verdad y añade las dosis necesarias de caída del mito para luego, sin tratar de levantarlo y terminar con el tan temido happy-ending, el espectador pueda acabar la sesión entendiendo la figura del actor, la persona, la leyenda y el héroe. JCVD fue la menos afortunada de las dos cintas con temáticas parecidas estrenadas ese mismo año; El Luchador (Darren Aronofsky) con Mickey Rourke –rival y compañero de farras en Double Team (1997)- fue la que se llevó los premios y las ovaciones. El Mechri prometió un director-cut (montaje del director) que aún hoy seguimos esperando, Van Damme rechazó Los mercenarios (2010) a favor de su segunda obra como director Full Love (2009) que aún sigue inédita, pero luego rectifico en 2012 para la segunda parte dirigida por Simon West donde interpretaba al malo de la función, llamado Jean Villain. El sonoro fiasco de La fría luz del día, primer intento en vano de Henry Cavill de sacar adelante un protagónico con Bruce Willis en piloto automático dejó en fuera de juego las posibilidades –momentáneas- de una carrera que se antojaba prometedora para El Mechri quien en su momento visitó el Festival de Sitges en 2008 donde defendió y disfruto del favor del público y de la crítica allí desplazada. 

JCVD es desgarradora y brillante y da lo que promete; El mayor desafío para un héroe es la vida real.

jcvd

Director: Mabrouk El Mechri.

Intérpretes: Jean-Claude Van Damme, Zinedine Soualem, Karim Belkhadra, Jean-Francois Wolff, Jesse Joe Walsh, Liliane Becker, Francois Beukelaers.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Jonathan Glez

la-campana-del-infierno
Juan sale del instituto psiquiátrico donde ha estado internado los últimos tres años. Tiene un detallado y macabro plan para ajustar cuentas con lo que resta de su familia. Entretanto, una nueva y poderosa Campana llega al pueblo.

Guerin Hill tras foguearse dirigiendo un segmento de "Los Desafíos (1968)" para Elías Querejeta y mas tarde "La Casa de las Palomas (1971)" con Ornella Mutti y Lucía Bosé, acometió el rodaje de "La Campana del Infierno" con un subidón de buenas ideas y con una estimable confianza a la hora de poner en danza a actores y técnicos involucrados en la película. Al fin y al cabo, rodaba en su Galicia natal y jugaba en casa a pesar de la presencia de algunos actores foráneos como la siempre inquietante Viveca Lindfords o el inexpresivo (cualidad que explota adecuadamente el director) Renaud Verley.

Con una trama inicial de venganza calculada al centímetro que nos parece a medio plazo, previsible, Guerin Hill saca la llave inglesa y empieza darle a la tuerca. Así, homenajeará al Giallo sin mostrar una gota de sangre. Pondrá unas gotas de erotismo acorde con la tímida "apertura" de la época y la ridiculizará en una escena con el sermón del cura. Recuperará al mejor Alfredo Mayo tensándolo hasta alcanzar su intensidad en "La Caza" con la estimable escena del Acuario y destacará el lado oscuro de la Galicia más oscura con una fotografía feísta y húmeda.

la-campana-del-infierno

Es una lástima que los buenos giros del guión de Santiago Moncada no se vieran acompañados siempre por unos diálogos a la altura, pero aún así, La campana del infierno prevalece por hacer un buen cine diría yo, mas de suspense que de terror y que pocos realizadores hispanos eran capaces de realizar con la cabeza lo bastante fría para no caer en la parodia, la burda copia o el desastre absoluto. Guerin Hill apuntó con "La Campana del infierno" maneras muy estimables que presagiaban que lo mejor estaba aún por venir.

Pero desgraciadamente, la carrera de Claudio Guerin Hill terminó con este largometraje. En pleno rodaje, el director saltando desde un pasadizo a un voladizo de la iglesia de Noya para preparar un plano, se precipitó al vacío desde una altura de 20 metros, muriendo en el trayecto hacia el Hospital.Tenía 35 años. Este único plano que faltaba para concluir la película, fue realizado por Juan Antonio Bardem.

la-campana-del-infierno

Frase para recordar: "Para el buen funcionamiento de la campana hace falta un contrapeso adecuado. Usted hará una aportación de setenta kilos."

Director: Claudio Guerín.

Intérpretes: Renaud Verley, Viveca Lindfors, Alfredo Mayo, Maribel Martín, Nuria Gimeno, Christina von Blanc.

Trailer:


Reseña escrita por George Suckelectronic

LA CAMPANA DEL INFIERNO (1973). El film maldito de Claudio Guerín.

la-campana-del-infierno
Juan sale del instituto psiquiátrico donde ha estado internado los últimos tres años. Tiene un detallado y macabro plan para ajustar cuentas con lo que resta de su familia. Entretanto, una nueva y poderosa Campana llega al pueblo.

Guerin Hill tras foguearse dirigiendo un segmento de "Los Desafíos (1968)" para Elías Querejeta y mas tarde "La Casa de las Palomas (1971)" con Ornella Mutti y Lucía Bosé, acometió el rodaje de "La Campana del Infierno" con un subidón de buenas ideas y con una estimable confianza a la hora de poner en danza a actores y técnicos involucrados en la película. Al fin y al cabo, rodaba en su Galicia natal y jugaba en casa a pesar de la presencia de algunos actores foráneos como la siempre inquietante Viveca Lindfords o el inexpresivo (cualidad que explota adecuadamente el director) Renaud Verley.

Con una trama inicial de venganza calculada al centímetro que nos parece a medio plazo, previsible, Guerin Hill saca la llave inglesa y empieza darle a la tuerca. Así, homenajeará al Giallo sin mostrar una gota de sangre. Pondrá unas gotas de erotismo acorde con la tímida "apertura" de la época y la ridiculizará en una escena con el sermón del cura. Recuperará al mejor Alfredo Mayo tensándolo hasta alcanzar su intensidad en "La Caza" con la estimable escena del Acuario y destacará el lado oscuro de la Galicia más oscura con una fotografía feísta y húmeda.

la-campana-del-infierno

Es una lástima que los buenos giros del guión de Santiago Moncada no se vieran acompañados siempre por unos diálogos a la altura, pero aún así, La campana del infierno prevalece por hacer un buen cine diría yo, mas de suspense que de terror y que pocos realizadores hispanos eran capaces de realizar con la cabeza lo bastante fría para no caer en la parodia, la burda copia o el desastre absoluto. Guerin Hill apuntó con "La Campana del infierno" maneras muy estimables que presagiaban que lo mejor estaba aún por venir.

Pero desgraciadamente, la carrera de Claudio Guerin Hill terminó con este largometraje. En pleno rodaje, el director saltando desde un pasadizo a un voladizo de la iglesia de Noya para preparar un plano, se precipitó al vacío desde una altura de 20 metros, muriendo en el trayecto hacia el Hospital.Tenía 35 años. Este único plano que faltaba para concluir la película, fue realizado por Juan Antonio Bardem.

la-campana-del-infierno

Frase para recordar: "Para el buen funcionamiento de la campana hace falta un contrapeso adecuado. Usted hará una aportación de setenta kilos."

Director: Claudio Guerín.

Intérpretes: Renaud Verley, Viveca Lindfors, Alfredo Mayo, Maribel Martín, Nuria Gimeno, Christina von Blanc.

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Reseña escrita por George Suckelectronic

rufufú
Mario, Tiberio, Ferribotte y Capannelle son un grupo de ladrones de poca monta. Ladrones de medio pelo que planean desvalijar la caja fuerte de una oficina del Monte de Piedad, a través de la técnica del butrón. Son personajes aficionados sin oficio ni beneficio y carentes de organización. Su incapacidad para acometer algún plan se muestra desde el principio. El cerebro de la banda es Cósimo, un delincuente común con ínfulas de altos vuelos. Necesita salir de la cárcel para perpetrar el golpe. Peppe (Vittorio Gassman), un boxeador, sin antecedentes penales, al cual intentarán convencer para asumir el delito cometido por Cósimo. Tiberio (Marcelo Mastroianni) es un fotógrafo que ha tenido que empeñar su cámara para sobrevivir. Su esposa está cumpliendo condena en la cárcel por contrabando de tabaco y él tiene que hacerse cargo de su hijo de corta edad. Capannelle (Carlo Pisancane) es un hombre de edad cuyo único placer es la comida. Ferribotte vive con su hermana Carmelina (Claudia Cardinale) el cual ejerce un control férreo sobre ella, vigilando con celo para que no la seduzcan.

Con semejantes personajes perdedores, tragicómicos, buscavidas y patéticos, y, sobre todo, sin ningún sentimiento de culpa, el resultado de cualquier posible plan o acción, se puede prever con facilidad. La banda será asesorada y aconsejada por un viejo delincuente, Dante Cruciani (Totó) el cual les enseñará las técnicas de cómo abrir una caja fuerte.

rufufú

Con guión de Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Suso Cecchi D'Amico y Mario Monicelli complementados por la fotografía en blanco y negro de Gianni Di Venanzo, el cual nos muestra únicamente los barrios bajos, e interpretada por lo bueno y mejor del panorama italiano: Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni, Totò, Renato Salvatorio, además, con una jovencísima Claudia Cardinale. Con tan solo 105 minutos de duración el director toscano realiza una magnífica comedia donde se recoge todos y cada uno de los elementos y la constantes de lo que sería su cine.

Así, el séptimo arte se había desligado de la corriente del neorrealismo italiano de la Segunda Guerra Mundial y, en su lugar surgiría un cine de comedia llamado "comedia alla italiana" en el que Mario Monticelli sería su principal valedor. Este género fue recibido con entusiasmo por el gran público, aunque a muchos no les gustaba, ver reflejadas tan fielmente sus miserias en la gran pantalla; si bien es cierto, era un género que algunos países lo miraban con cierta condescendencia por considerarlo, quizá, un género menor, por ser de origen popular.

Rufufú es una grandísima y obra, así como un brillante referente de la llamada comedia italiana. Una hilarante pieza compuesta por una serie de desgraciados personajes que luchan por sobrevivir. Es indispensable, si es posible, verla en V.O. para disfrutar de la esencia de los diferentes dialectos que se mezclan en la película y que reflejan la composición social del país.

rufufú

Tan solo atendiendo a su título, en clara referencia a la obra Noir de Dassins: Rififí (1954), ya se aprecia que el humor será la principal característica y filosofía de ésta obra y de las posteriores. -"El humor es la forma más penetrante de mirar. Un bisturí que va al fondo de las cosas", afirmaba Monticelli. En la comedia italiana se contenían los mismos argumentos dramáticos que en el neorrealismo, pero tratados con humor. Narradas de una manera ágil donde siempre aparecían multitud de actores, de personajes, donde se mostraba igualmente la pobreza, la miseria, las ansias de salir de la misma, el deseo de triunfo propios de la posguerra, pero suavizado y humanizado, todo ello, por la capa del humor, la ironía y la crítica. Y Monticelli, un comprometido y activista hombre de izquierdas, era un maestro para eso, como así lo recoge su extensa filmografía. Extrapolado a nuestro país, el "Atraco a las tres (1962)" de José María Forqué, podría servir como ejemplo a la española.

Ese año de 1958, la cinta consiguió ser nominada a los premios Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa y Mario Monicelli fue galardonado con el Premio al mejor director ex aqueo junto a A. Hitchcock. Rufufú tuvo una secuela titulada "Rufufú da el golpe", de la que no tengo referencia alguna.

rufufú

Título original: I soliti ignoti 

Director: Mario Monicelli.

Intérpretes: Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni, Renato Salvatori, Totò, Gina Rovere, Carla Gravina, Rossana Rory, Claudia Cardinale.

Escena:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

RUFUFÚ (1958). La banda de atracadores de Mario Monicelli.

rufufú
Mario, Tiberio, Ferribotte y Capannelle son un grupo de ladrones de poca monta. Ladrones de medio pelo que planean desvalijar la caja fuerte de una oficina del Monte de Piedad, a través de la técnica del butrón. Son personajes aficionados sin oficio ni beneficio y carentes de organización. Su incapacidad para acometer algún plan se muestra desde el principio. El cerebro de la banda es Cósimo, un delincuente común con ínfulas de altos vuelos. Necesita salir de la cárcel para perpetrar el golpe. Peppe (Vittorio Gassman), un boxeador, sin antecedentes penales, al cual intentarán convencer para asumir el delito cometido por Cósimo. Tiberio (Marcelo Mastroianni) es un fotógrafo que ha tenido que empeñar su cámara para sobrevivir. Su esposa está cumpliendo condena en la cárcel por contrabando de tabaco y él tiene que hacerse cargo de su hijo de corta edad. Capannelle (Carlo Pisancane) es un hombre de edad cuyo único placer es la comida. Ferribotte vive con su hermana Carmelina (Claudia Cardinale) el cual ejerce un control férreo sobre ella, vigilando con celo para que no la seduzcan.

Con semejantes personajes perdedores, tragicómicos, buscavidas y patéticos, y, sobre todo, sin ningún sentimiento de culpa, el resultado de cualquier posible plan o acción, se puede prever con facilidad. La banda será asesorada y aconsejada por un viejo delincuente, Dante Cruciani (Totó) el cual les enseñará las técnicas de cómo abrir una caja fuerte.

rufufú

Con guión de Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Suso Cecchi D'Amico y Mario Monicelli complementados por la fotografía en blanco y negro de Gianni Di Venanzo, el cual nos muestra únicamente los barrios bajos, e interpretada por lo bueno y mejor del panorama italiano: Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni, Totò, Renato Salvatorio, además, con una jovencísima Claudia Cardinale. Con tan solo 105 minutos de duración el director toscano realiza una magnífica comedia donde se recoge todos y cada uno de los elementos y la constantes de lo que sería su cine.

Así, el séptimo arte se había desligado de la corriente del neorrealismo italiano de la Segunda Guerra Mundial y, en su lugar surgiría un cine de comedia llamado "comedia alla italiana" en el que Mario Monticelli sería su principal valedor. Este género fue recibido con entusiasmo por el gran público, aunque a muchos no les gustaba, ver reflejadas tan fielmente sus miserias en la gran pantalla; si bien es cierto, era un género que algunos países lo miraban con cierta condescendencia por considerarlo, quizá, un género menor, por ser de origen popular.

Rufufú es una grandísima y obra, así como un brillante referente de la llamada comedia italiana. Una hilarante pieza compuesta por una serie de desgraciados personajes que luchan por sobrevivir. Es indispensable, si es posible, verla en V.O. para disfrutar de la esencia de los diferentes dialectos que se mezclan en la película y que reflejan la composición social del país.

rufufú

Tan solo atendiendo a su título, en clara referencia a la obra Noir de Dassins: Rififí (1954), ya se aprecia que el humor será la principal característica y filosofía de ésta obra y de las posteriores. -"El humor es la forma más penetrante de mirar. Un bisturí que va al fondo de las cosas", afirmaba Monticelli. En la comedia italiana se contenían los mismos argumentos dramáticos que en el neorrealismo, pero tratados con humor. Narradas de una manera ágil donde siempre aparecían multitud de actores, de personajes, donde se mostraba igualmente la pobreza, la miseria, las ansias de salir de la misma, el deseo de triunfo propios de la posguerra, pero suavizado y humanizado, todo ello, por la capa del humor, la ironía y la crítica. Y Monticelli, un comprometido y activista hombre de izquierdas, era un maestro para eso, como así lo recoge su extensa filmografía. Extrapolado a nuestro país, el "Atraco a las tres (1962)" de José María Forqué, podría servir como ejemplo a la española.

Ese año de 1958, la cinta consiguió ser nominada a los premios Oscar en la categoría de mejor película de habla no inglesa y Mario Monicelli fue galardonado con el Premio al mejor director ex aqueo junto a A. Hitchcock. Rufufú tuvo una secuela titulada "Rufufú da el golpe", de la que no tengo referencia alguna.

rufufú

Título original: I soliti ignoti 

Director: Mario Monicelli.

Intérpretes: Vittorio Gassman, Marcello Mastroianni, Renato Salvatori, Totò, Gina Rovere, Carla Gravina, Rossana Rory, Claudia Cardinale.

Escena:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

human-nature
Se trata de la primera película de Michel Gondry con Charlie Kaufman como guionista. Una parodia que reflexiona en clave de humor y con elementos surrealistas a cerca de nuestra forma de organización en sociedad. Pese a no ser una obra redonda, considerando que es la ópera prima de este director, deja bien marcadas las pautas por donde se conducirá este famoso tándem: Gondry- Kaufman.

En clave de parodia entre filosófica, crítica e irónica, "Human Nature" hace un seguimiento de los experimentos que un científico, Nathan Bronfman (Tim Robbins) realiza en su laboratorio con animales.

El opening de la película representa la escena de dos pequeños ratones blancos en el bosque intentando escapar de un ave depredadora. A continuación, una joven encarcelada, Lila Jute (Patricia Arquette), se convierte en la narradora de los acontecimientos pasados en modo flashback. Ella es una joven escritora sobre la naturaleza, que debido a una peculiar condición de exceso de vello corporal, quedó completamente traumatizada en su adolescencia marchándose a vivir entre animales. Ella representa la vida en libertad, sin importar el aspecto físico. Está dotada de formación y cultura por lo que extrañamente se convirtió durante su vida salvaje en una escritora de éxito, hasta que sus instintos sexuales la llevaron a buscar una pareja humana.

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Su destino se cruzará con el particular científico Bronfman, un niño adoptado y tratado con un exceso de celo en cuanto a las normas de educación. Con una madre excesivamente dominante y manipuladora, que infligía castigos por acciones absurdas como no elegir el tenedor adecuado en la mesa, Bronfman se convierte en un adulto que debe acudir al psiquiatra, siendo incapaz de asumir el lastre, disfrazado siempre de muy muy buenas formas y verbalizado como gran favor a la humanidad que sus padres adoptivos realizaron con él.

De esta manera, él inconscientemente, repite el mismo experimento en ratones. Su experimento consiste en enseñar a los ratones a sentarse a la mesa y tener buenos modales. Castiga a los animales con descargas eléctricas cuando se equivocan.

Dentro de este contexto, Lila, avergonzada siempre por su aspecto, comienza a depilarse cada día para adaptarse a la normalidad, acepta la vida que Bronfman le ofrece aunque va en contra de sus principios, sólo para integrarse como mujer y conseguir una pareja. Cuando aparece el tercer protagonista, Puff (Rhys Ifans), un hombre criado por su irracional padre como un simio en la selva, nuestro científico sólo ve la posibilidad de ampliar y aplicar su experimento de llevar la civilización a los animales, en una criatura humana como culmen de su gran idea. De forma algo enrevesada pero interesante se va desarrollando la trama donde los intentos de civilización del hombre salvaje van encontrando varias contradicciones que afectan al ser humano.

human-nature

En realidad, Lila, por amor a su pareja es la única que realmente se sacrifica para cumplir con las expectativas sociales, mientras el ilustre profesor solo hace gala de sus miedos e inseguridades. Por último, un giro del guión nos revelará los misterios ocultos de las llamadas mentes civilizadas donde el buen salvaje juega las cartas que la sociedad le ha enseñado. No gana ni la civilización ni la libertad, tan sólo el marketing, las mentiras y el sexo primitivo: La humanidad enfrentada a su forma de doblegar u ocultar sus instintos.

Si bien es cierto que el tema de la civilización y sus múltiples carencias a través del método educativo han sido tratadas en múltiples ocasiones, "Human Nature" apuesta por la sencillez del humor absurdo y crítico. De manera ácida e irónica, todas las ideas de los personajes protagonistas : la civilización en el caso del científico, la libertad en el caso de la naturalista, quedan destruidas ante lo que verdaderamente parece importante al final, el sexo, y el egoísmo humano. Así, todos se traicionan, se mienten a sí mismos o a los demás y, como en el caso de los dos varones, conspiran para seguir sus instintos más primarios.

human-nature

Frases para recordar:

- Puf: "Los seres humanos están ahora tan enamorados de sus proezas intelectuales que han olvidado recurrir a la madre Tierra como Maestra: Maldito orgullo, amigos."

- Nathan Bronfman: "¿Qué es el amor nos preguntamos?. No es más que un desordenado conglomerado de necesidad, desesperación, miedo a la muerte e inseguridad respecto al tamaño del pene."

Director: Michel Gondry.

Intérpretes: Tim Robbins, Patricia Arquette, Rhys Ifans, Miranda Otto, Hilary Duff, Robert Forster, Ken Magee, Rosie Pérez.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

HUMAN NATURE (2001). Los experimentos científicos de Michael Gondry.

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Se trata de la primera película de Michel Gondry con Charlie Kaufman como guionista. Una parodia que reflexiona en clave de humor y con elementos surrealistas a cerca de nuestra forma de organización en sociedad. Pese a no ser una obra redonda, considerando que es la ópera prima de este director, deja bien marcadas las pautas por donde se conducirá este famoso tándem: Gondry- Kaufman.

En clave de parodia entre filosófica, crítica e irónica, "Human Nature" hace un seguimiento de los experimentos que un científico, Nathan Bronfman (Tim Robbins) realiza en su laboratorio con animales.

El opening de la película representa la escena de dos pequeños ratones blancos en el bosque intentando escapar de un ave depredadora. A continuación, una joven encarcelada, Lila Jute (Patricia Arquette), se convierte en la narradora de los acontecimientos pasados en modo flashback. Ella es una joven escritora sobre la naturaleza, que debido a una peculiar condición de exceso de vello corporal, quedó completamente traumatizada en su adolescencia marchándose a vivir entre animales. Ella representa la vida en libertad, sin importar el aspecto físico. Está dotada de formación y cultura por lo que extrañamente se convirtió durante su vida salvaje en una escritora de éxito, hasta que sus instintos sexuales la llevaron a buscar una pareja humana.

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Su destino se cruzará con el particular científico Bronfman, un niño adoptado y tratado con un exceso de celo en cuanto a las normas de educación. Con una madre excesivamente dominante y manipuladora, que infligía castigos por acciones absurdas como no elegir el tenedor adecuado en la mesa, Bronfman se convierte en un adulto que debe acudir al psiquiatra, siendo incapaz de asumir el lastre, disfrazado siempre de muy muy buenas formas y verbalizado como gran favor a la humanidad que sus padres adoptivos realizaron con él.

De esta manera, él inconscientemente, repite el mismo experimento en ratones. Su experimento consiste en enseñar a los ratones a sentarse a la mesa y tener buenos modales. Castiga a los animales con descargas eléctricas cuando se equivocan.

Dentro de este contexto, Lila, avergonzada siempre por su aspecto, comienza a depilarse cada día para adaptarse a la normalidad, acepta la vida que Bronfman le ofrece aunque va en contra de sus principios, sólo para integrarse como mujer y conseguir una pareja. Cuando aparece el tercer protagonista, Puff (Rhys Ifans), un hombre criado por su irracional padre como un simio en la selva, nuestro científico sólo ve la posibilidad de ampliar y aplicar su experimento de llevar la civilización a los animales, en una criatura humana como culmen de su gran idea. De forma algo enrevesada pero interesante se va desarrollando la trama donde los intentos de civilización del hombre salvaje van encontrando varias contradicciones que afectan al ser humano.

human-nature

En realidad, Lila, por amor a su pareja es la única que realmente se sacrifica para cumplir con las expectativas sociales, mientras el ilustre profesor solo hace gala de sus miedos e inseguridades. Por último, un giro del guión nos revelará los misterios ocultos de las llamadas mentes civilizadas donde el buen salvaje juega las cartas que la sociedad le ha enseñado. No gana ni la civilización ni la libertad, tan sólo el marketing, las mentiras y el sexo primitivo: La humanidad enfrentada a su forma de doblegar u ocultar sus instintos.

Si bien es cierto que el tema de la civilización y sus múltiples carencias a través del método educativo han sido tratadas en múltiples ocasiones, "Human Nature" apuesta por la sencillez del humor absurdo y crítico. De manera ácida e irónica, todas las ideas de los personajes protagonistas : la civilización en el caso del científico, la libertad en el caso de la naturalista, quedan destruidas ante lo que verdaderamente parece importante al final, el sexo, y el egoísmo humano. Así, todos se traicionan, se mienten a sí mismos o a los demás y, como en el caso de los dos varones, conspiran para seguir sus instintos más primarios.

human-nature

Frases para recordar:

- Puf: "Los seres humanos están ahora tan enamorados de sus proezas intelectuales que han olvidado recurrir a la madre Tierra como Maestra: Maldito orgullo, amigos."

- Nathan Bronfman: "¿Qué es el amor nos preguntamos?. No es más que un desordenado conglomerado de necesidad, desesperación, miedo a la muerte e inseguridad respecto al tamaño del pene."

Director: Michel Gondry.

Intérpretes: Tim Robbins, Patricia Arquette, Rhys Ifans, Miranda Otto, Hilary Duff, Robert Forster, Ken Magee, Rosie Pérez.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

los-peces-rojos
Una noche de invierno llega a un hotel de Gijón una pareja: el escritor Hugo Pascal y su amante, la actriz Ivón, quienes piden una habitación para tres. La tercera persona es el hijo de Hugo, Carlos, a quien el recepcionista no llega a ver porque sube a la habitación más tarde. Mientras cenan, los tres deciden ir a dar una vuelta por un acantilado desde el cual hay una magnífica vista del mar. Horas más tarde, Ivón llega al hotel implorando ayuda a gritos seguido por su desconsolado amante: su hijo se ha caído por el acantilado. Mientras la policía investiga el suceso, Hugo va recordando todos los acontecimientos que les han llevado hasta ahí.

Los Peces Rojos planteaba un argumento tan peliagudo y enrevesado como un triángulo amoroso en que padre e hijo compiten por la misma mujer. Carlos en cierto modo es la versión perfeccionada de Hugo: es joven, guapo, inteligente y con dinero. Ángela, una tía de Hugo, le pasa a Carlos una generosa pensión además de nombrarle principal heredero, en cambio le ha retirado la palabra a Hugo por haber tenido ese hijo ilegítimo, por lo que el padre debe vivir del dinero que recibe su hijo hasta que le publiquen su novela. El hecho de que no se nos muestre a Carlos hace que se acabe convirtiendo casi en un ser abstracto, una persona tan perfecta que tenemos idealizada tanto nosotros como el personaje de Ivón, lo cual le dota aún de más fuerza. Es un caso similar al que sucede en "Rebeca (1940)" de Alfred Hitchcock o en "Carta a tres esposas (1949)" de Joseph L. Makiewicz, en que la ausencia del personaje sobre el que se vertebra el relato y alrededor del cual giran el resto hace que cobre aún más fuerza, como un fantasma.

los-peces-rojos

José Antonio Nieves Conde conduce la película con buen pulso y ritmo. Aunque la historia de Carlos y Hugo es más bien un drama psicológico, los tintes criminales típicos del cine negro aparecen constantemente con la investigación policial que discurre al mismo tiempo que esos flashbacks sobre el pasado de Hugo.

Los peces rojos es una de las mejores películas de serie negra de nuestra filmografía en una epoca donde este genero sufriria especialmente la temible censura de la dictadura franquista. La acción, desarrollada a caballo entre Gijón y Madrid, nos va envolviendo a través de muy peculiares y cuidados ejercicios de analepsis. A través de éstas idas y venidas en el tiempo vamos percibiendo cada vez con mayor profundidad y complicidad el universo de los protagonistas.Unos flashbacks muy medidos donde incluso nos cuenta la misma escena desde puntos de vista distintos, una gran dirección de fotografía de Francisco Sempere y una cadenciosa descripción de personajes redondean una propuesta que sigue de tremenda actualidad Un film influenciado sin duda por Hitchcock con elementos claramente españoles pero adoptando de modo riguroso elementos y fórmula característicos del cine negro Hollywoodiense. 

los-peces-rojos

La película tiene un ritmo trepidante, además de unos increíbles e inesperados giros que nos dejarán totalmente boquiabiertos. La fotografía de la película es de un gusto exquisito y se nota que tanto el encuadre como la iluminación han sido tratados con mucho mimo. Nieves Conde fue un gran cineasta, en gran medida ninguneado por la posteridad por no encajar su obra con la hoja de ruta de los criticos de la epoca y recuperado actualmente por la gran valia de obras como esta o la estupenda "Surcos (1951)". En cualquier caso esta pelicula no seria lo que es sin el concurso del guionista Carlos Blanco que escribe un guión, lleno de múltiples lecturas y donde se mete de lleno en lo más profundo de la mente humana para enseñarnos a unos personajes tan reales y misteriosos como los de las novelas que escribe el protagonista.

Emma Penella, en su papel de corista enamorada de dos hombres: el padre y el hijo, realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera cinematográfica. Arturo de Córdova el inolvidable Francisco Galván de Montemayor de la película de Buñuel "Él (1952)", y el resto del elenco cumplen de forma muy meritoria con sus respectivos papeles. Una historia intrincada sobre la mentira, la manipulación y la ambición y un clásico del cine español que deberíamos reivindicar por su maestría en los manejos del suspense y por ser una rara avis de nuestro cine poco dado a este tipo de historias.

los-peces-rojos

Director: José Antonio Nieves Conde.

Intérpretes: Emma Penella, Arturo de Córdova, Pilar Soler, Félix Dafauce, Félix Acaso, Manuel de Juan, María de las Rivas.

Escena:


Reseña escrita por Ramón Abelló Miñano

LOS PECES ROJOS (1955). Cine negro a cargo de José Antonio Nieves Conde.

los-peces-rojos
Una noche de invierno llega a un hotel de Gijón una pareja: el escritor Hugo Pascal y su amante, la actriz Ivón, quienes piden una habitación para tres. La tercera persona es el hijo de Hugo, Carlos, a quien el recepcionista no llega a ver porque sube a la habitación más tarde. Mientras cenan, los tres deciden ir a dar una vuelta por un acantilado desde el cual hay una magnífica vista del mar. Horas más tarde, Ivón llega al hotel implorando ayuda a gritos seguido por su desconsolado amante: su hijo se ha caído por el acantilado. Mientras la policía investiga el suceso, Hugo va recordando todos los acontecimientos que les han llevado hasta ahí.

Los Peces Rojos planteaba un argumento tan peliagudo y enrevesado como un triángulo amoroso en que padre e hijo compiten por la misma mujer. Carlos en cierto modo es la versión perfeccionada de Hugo: es joven, guapo, inteligente y con dinero. Ángela, una tía de Hugo, le pasa a Carlos una generosa pensión además de nombrarle principal heredero, en cambio le ha retirado la palabra a Hugo por haber tenido ese hijo ilegítimo, por lo que el padre debe vivir del dinero que recibe su hijo hasta que le publiquen su novela. El hecho de que no se nos muestre a Carlos hace que se acabe convirtiendo casi en un ser abstracto, una persona tan perfecta que tenemos idealizada tanto nosotros como el personaje de Ivón, lo cual le dota aún de más fuerza. Es un caso similar al que sucede en "Rebeca (1940)" de Alfred Hitchcock o en "Carta a tres esposas (1949)" de Joseph L. Makiewicz, en que la ausencia del personaje sobre el que se vertebra el relato y alrededor del cual giran el resto hace que cobre aún más fuerza, como un fantasma.

los-peces-rojos

José Antonio Nieves Conde conduce la película con buen pulso y ritmo. Aunque la historia de Carlos y Hugo es más bien un drama psicológico, los tintes criminales típicos del cine negro aparecen constantemente con la investigación policial que discurre al mismo tiempo que esos flashbacks sobre el pasado de Hugo.

Los peces rojos es una de las mejores películas de serie negra de nuestra filmografía en una epoca donde este genero sufriria especialmente la temible censura de la dictadura franquista. La acción, desarrollada a caballo entre Gijón y Madrid, nos va envolviendo a través de muy peculiares y cuidados ejercicios de analepsis. A través de éstas idas y venidas en el tiempo vamos percibiendo cada vez con mayor profundidad y complicidad el universo de los protagonistas.Unos flashbacks muy medidos donde incluso nos cuenta la misma escena desde puntos de vista distintos, una gran dirección de fotografía de Francisco Sempere y una cadenciosa descripción de personajes redondean una propuesta que sigue de tremenda actualidad Un film influenciado sin duda por Hitchcock con elementos claramente españoles pero adoptando de modo riguroso elementos y fórmula característicos del cine negro Hollywoodiense. 

los-peces-rojos

La película tiene un ritmo trepidante, además de unos increíbles e inesperados giros que nos dejarán totalmente boquiabiertos. La fotografía de la película es de un gusto exquisito y se nota que tanto el encuadre como la iluminación han sido tratados con mucho mimo. Nieves Conde fue un gran cineasta, en gran medida ninguneado por la posteridad por no encajar su obra con la hoja de ruta de los criticos de la epoca y recuperado actualmente por la gran valia de obras como esta o la estupenda "Surcos (1951)". En cualquier caso esta pelicula no seria lo que es sin el concurso del guionista Carlos Blanco que escribe un guión, lleno de múltiples lecturas y donde se mete de lleno en lo más profundo de la mente humana para enseñarnos a unos personajes tan reales y misteriosos como los de las novelas que escribe el protagonista.

Emma Penella, en su papel de corista enamorada de dos hombres: el padre y el hijo, realiza una de las mejores interpretaciones de su carrera cinematográfica. Arturo de Córdova el inolvidable Francisco Galván de Montemayor de la película de Buñuel "Él (1952)", y el resto del elenco cumplen de forma muy meritoria con sus respectivos papeles. Una historia intrincada sobre la mentira, la manipulación y la ambición y un clásico del cine español que deberíamos reivindicar por su maestría en los manejos del suspense y por ser una rara avis de nuestro cine poco dado a este tipo de historias.

los-peces-rojos

Director: José Antonio Nieves Conde.

Intérpretes: Emma Penella, Arturo de Córdova, Pilar Soler, Félix Dafauce, Félix Acaso, Manuel de Juan, María de las Rivas.

Escena:


Reseña escrita por Ramón Abelló Miñano

nueve-reinas
El maestro aparece cuando el alumno está listo. Frase que bien puede decirla Juan (Gastón Pauls) cuando encuentra por casualidad a Marcos (Ricardo Darín), cuando el primero intenta estafar por segunda vez en un mini market pero lo hace torpemente y la cajera amenaza con llamar a la policía. El segundo se hace pasar por agente de la ley salvando al otro y al parecer simpatizando con el fracasado timador lo invita a aprender de él ya que se considera un experto.

Saludada obra maestra y poseedora de uno de los guiones mejor elaborados de la historia del cine, esta película argentina fue multipremiada y dio a conocer internacionalmente a uno de los mayores intérpretes con que cuenta en la actualidad el cine iberoamericano.

Las nueve reinas del título son una colección de estampillas que sirven como McGuffin en este relato. Resulta que Sandler, un viejo socio y mentor de Marcos intenta vender unos sellos postales falsos con lo que asegurará fortuna, pero un ataque cardíaco lo invalida y le resulta imposible llevar a cabo su plan, entonces le cede a Marcos la posibilidad de un negocio redondo, de una en un millón. Si consiguen endosárselos a Vital Gandolfo, un empresario español a punto de ser deportado, podrán ganar fácilmente hasta medio millón de dólares.

nueve-reinas

Marcos acepta la colaboración de Juan pues este último requiere una suma de 70000 pesos para sacar a su padre de la cárcel y aunque el primero acepta en pagarle un mínimo, la desesperación del otro hace que la improvisación surja de la necesidad y termine asegurándose un 30 por ciento del botín al conseguir que la esposa del viejo Sandler les entregue el preciado tesoro. Sin embargo unos tipos en motocicleta roban el maletín donde nuestros protagonistas llevan los sellos y aunque intentan darles alcance fracasan y observan aterrados cómo los delincuentes al no encontrar algo de valor para ellos arrojan el objeto de su hurto al río.

Agobiado Marcos se da cuenta que la única forma de sacar algo de dinero será obteniendo las estampillas verdaderas y para ellos habrá que comprárselas a Bertha, la hermana de Sandler, pero para ello requieren dinero y es ahí donde la trama se complica pues nada ni nadie es lo que parece y en una serie de giros y contragiros la cinta avanza hasta un sorprendente final con telón de fondo la gran crisis económica de la Argentina de finales del siglo pasado.

nueve-reinas

Esta obra genial con un guión vencedor en un concurso convocado por la Patagonik Films, que curiosamente lo había rechazado poco tiempo atrás, se la jugó toda apelando a tener al espectador comiéndose las uñas por saber qué venía después, porque cuando uno ya daba por sentado lo que creía iba a ocurrir, se daba cuenta que nos habían tomado el pelo y que la cosa tomaba otra dirección.

Bendecida con actores inspirados tanto los principales como los secundarios, donde lucen maravillosos los ya nombrados Darín y Pauls, aunque no hay que olvidar a Leticia Brédice como la hermana de Marcos, pieza fundamental en el desarrollo de este juego de ingenio puro.

nueve-reinas

Director: Fabián Bielinsky.

Intérpretes: Ricardo Darín, Gastón Pauls, Leticia Brédice, Tomás Fonzi, Ignasi Abadal, Roly Serrano, Alejandro Awada, Antonio Ugo, Elsa Berenguer, Celia Juárez, Leo Dyzen,Graciela Tenembaum, Oscar Núñez.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

NUEVE REINAS (2000). La ópera prima de Fabián Bielinsky.

nueve-reinas
El maestro aparece cuando el alumno está listo. Frase que bien puede decirla Juan (Gastón Pauls) cuando encuentra por casualidad a Marcos (Ricardo Darín), cuando el primero intenta estafar por segunda vez en un mini market pero lo hace torpemente y la cajera amenaza con llamar a la policía. El segundo se hace pasar por agente de la ley salvando al otro y al parecer simpatizando con el fracasado timador lo invita a aprender de él ya que se considera un experto.

Saludada obra maestra y poseedora de uno de los guiones mejor elaborados de la historia del cine, esta película argentina fue multipremiada y dio a conocer internacionalmente a uno de los mayores intérpretes con que cuenta en la actualidad el cine iberoamericano.

Las nueve reinas del título son una colección de estampillas que sirven como McGuffin en este relato. Resulta que Sandler, un viejo socio y mentor de Marcos intenta vender unos sellos postales falsos con lo que asegurará fortuna, pero un ataque cardíaco lo invalida y le resulta imposible llevar a cabo su plan, entonces le cede a Marcos la posibilidad de un negocio redondo, de una en un millón. Si consiguen endosárselos a Vital Gandolfo, un empresario español a punto de ser deportado, podrán ganar fácilmente hasta medio millón de dólares.

nueve-reinas

Marcos acepta la colaboración de Juan pues este último requiere una suma de 70000 pesos para sacar a su padre de la cárcel y aunque el primero acepta en pagarle un mínimo, la desesperación del otro hace que la improvisación surja de la necesidad y termine asegurándose un 30 por ciento del botín al conseguir que la esposa del viejo Sandler les entregue el preciado tesoro. Sin embargo unos tipos en motocicleta roban el maletín donde nuestros protagonistas llevan los sellos y aunque intentan darles alcance fracasan y observan aterrados cómo los delincuentes al no encontrar algo de valor para ellos arrojan el objeto de su hurto al río.

Agobiado Marcos se da cuenta que la única forma de sacar algo de dinero será obteniendo las estampillas verdaderas y para ellos habrá que comprárselas a Bertha, la hermana de Sandler, pero para ello requieren dinero y es ahí donde la trama se complica pues nada ni nadie es lo que parece y en una serie de giros y contragiros la cinta avanza hasta un sorprendente final con telón de fondo la gran crisis económica de la Argentina de finales del siglo pasado.

nueve-reinas

Esta obra genial con un guión vencedor en un concurso convocado por la Patagonik Films, que curiosamente lo había rechazado poco tiempo atrás, se la jugó toda apelando a tener al espectador comiéndose las uñas por saber qué venía después, porque cuando uno ya daba por sentado lo que creía iba a ocurrir, se daba cuenta que nos habían tomado el pelo y que la cosa tomaba otra dirección.

Bendecida con actores inspirados tanto los principales como los secundarios, donde lucen maravillosos los ya nombrados Darín y Pauls, aunque no hay que olvidar a Leticia Brédice como la hermana de Marcos, pieza fundamental en el desarrollo de este juego de ingenio puro.

nueve-reinas

Director: Fabián Bielinsky.

Intérpretes: Ricardo Darín, Gastón Pauls, Leticia Brédice, Tomás Fonzi, Ignasi Abadal, Roly Serrano, Alejandro Awada, Antonio Ugo, Elsa Berenguer, Celia Juárez, Leo Dyzen,Graciela Tenembaum, Oscar Núñez.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

cómicos
La trayectoria de Juan Antonio Bardem está plagada de éxitos y fracasos a partes iguales. Hijo de los actores Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro, grandes nombres de la escena teatral y el cine español, nunca se interesó por la interpretación a pesar de su gran pasión cinéfila y termina sus estudios de Ingeniero agrónomo para justo después de encontrar trabajo relacionado ingresar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (abandonándolo sin obtener el diploma) donde conoce entre otros a Luis García Berlanga, entabla gran amistad con él y debutan en el cine con una película codirigida entre los dos "Esa pareja feliz (1951)". Comienza así una nueva era en el cine español que prácticamente empieza con esa película, fuertemente influida por el neorrealismo italiano, ya que "las dos B" del cine de nuestro país,como comúnmente se conoce a Bardem y Berlanga, son piezas clave para un periodo de ruptura con el hasta entonces costumbrista,folclórico y religioso cine franquista.

cómicos

De Bardem y Berlanga es también el guión de "Bienvenido Mister Marshall (1952)" y prácticamente concibieron juntos ésta película que en un principio iba a ser codirigida por los dos, igual de importante para el devenir del cine patrio hasta que Bardem fue expulsado del proyecto por decisión de los productores justo antes de su éxito en el festival de Cannes de ese año donde obtuvo el premio al mejor guión y a la mejor comedia. Lejos de amedrentarse por ese primer fracaso, Bardem concibe un guión basado en sus experiencias en los teatros,donde por la profesión de sus padres prácticamente se había criado y el impulso final para su realización fue el visionado de "Eva al desnudo (1950)"de Joseph L. Mankiewicz, una de las influencias de "Cómicos" junto a sus propias vivencias entre bambalinas. Nadie mejor que él para contarnos los entresijos del mundo teatral, en éste caso una pequeña compañía que actúa principalmente en teatros de provincias, ofreciendo normalmente dos sesiones diarias, tarde y noche, a menudo con ensayos también por las mañanas, cobrando muy poco,durmiendo en pensiones baratas cuando es posible y cuando no viajando toda la noche en tren hasta el siguiente pueblo. Como dice Ana Ruiz (Elisa Galvé), joven actriz secundaria que aspira a protagonista, en una conversación con otro actor, Miguel (Fernando Rey), del cual ella está enamorada; "Viajamos mucho, pero de todas las ciudades a las que vamos solo conocemos su teatro,la pensión y con suerte algún café".

cómicos

No estamos ante la mejor película de Bardem, justo después de ella realizaría sus dos obras mas importantes "Muerte de un ciclista (1955)" y "Calle Mayor (1956)", pero es sin duda uno de los mejores trabajos de su filmografía y por desgracia poco conocido al ser su primera película importante dirigida en solitario. El guión firmado por el propio Bardem a pesar de contar con algunos personajes tópicos de poca profundidad como el empresario teatral Carlos Márquez (Carlos Casaravilla), nos ofrece unos diálogos sinceros y realistas por parte de estos cómicos, término muy usado en la época para designar a los actores teatrales y nunca cae en la sensiblería posiblemente por el ya citado conocimiento de Bardem sobre el mundo teatral. Así mismo las interpretaciones no son nada desdeñables, empezando por la ya citada actriz argentina Elisa Galvé en el papel de Ana Ruiz, que nada tiene que ver con la despiadada Eva Harrington del film de Mankiewicz que inspiró "Cómicos", al contrario, su eterno debate es sobre permanecer como una digna actriz secundaria o dejarse llevar por las promesas de triunfo que le ofrece un empresario sin escrúpulos como Carlos Márquez. En un papel corto pero importante tenemos al gran Fernando Rey como Miguel que al contrario que Ana decide que las penurias de actor secundario no van con su estilo de vida y decide abandonar. Como la segunda actriz de la compañía, Marga, tenemos a la siempre estupenda Emma Penella, omnipresente en el cine español de los 50 cuya elegante presencia llena el film, sin olvidar a otro de esos grandes cómicos españoles como es Manuel Aleixandre que actúa como regidor de escena de la compañía.

El discurso de Javier Bardem en la gala de los Oscar de 2008 cuando fue premiado como actor secundario en "No es país para viejos" de los hermanos Cohen que incluía una dedicatoria en español a su madre Pilar Bardem y a "todos los cómicos españoles que trajeron la dignidad y el orgullo a éste oficio" cobra sentido al ver "Cómicos" de Juan Antonio Bardem, un relato sincero sobre la profesión en la España del franquismo.

cómicos

Director: Juan Antonio Bardem.

Intérpretes: Elisa Galvé, Fernando Rey, Emma Penella, Carlos Casaravilla, Mariano Asquerino, Rosario García Ortega, Rafael Alonso.


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

CÓMICOS (1954). Entre bambalinas.

cómicos
La trayectoria de Juan Antonio Bardem está plagada de éxitos y fracasos a partes iguales. Hijo de los actores Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro, grandes nombres de la escena teatral y el cine español, nunca se interesó por la interpretación a pesar de su gran pasión cinéfila y termina sus estudios de Ingeniero agrónomo para justo después de encontrar trabajo relacionado ingresar en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas (abandonándolo sin obtener el diploma) donde conoce entre otros a Luis García Berlanga, entabla gran amistad con él y debutan en el cine con una película codirigida entre los dos "Esa pareja feliz (1951)". Comienza así una nueva era en el cine español que prácticamente empieza con esa película, fuertemente influida por el neorrealismo italiano, ya que "las dos B" del cine de nuestro país,como comúnmente se conoce a Bardem y Berlanga, son piezas clave para un periodo de ruptura con el hasta entonces costumbrista,folclórico y religioso cine franquista.

cómicos

De Bardem y Berlanga es también el guión de "Bienvenido Mister Marshall (1952)" y prácticamente concibieron juntos ésta película que en un principio iba a ser codirigida por los dos, igual de importante para el devenir del cine patrio hasta que Bardem fue expulsado del proyecto por decisión de los productores justo antes de su éxito en el festival de Cannes de ese año donde obtuvo el premio al mejor guión y a la mejor comedia. Lejos de amedrentarse por ese primer fracaso, Bardem concibe un guión basado en sus experiencias en los teatros,donde por la profesión de sus padres prácticamente se había criado y el impulso final para su realización fue el visionado de "Eva al desnudo (1950)"de Joseph L. Mankiewicz, una de las influencias de "Cómicos" junto a sus propias vivencias entre bambalinas. Nadie mejor que él para contarnos los entresijos del mundo teatral, en éste caso una pequeña compañía que actúa principalmente en teatros de provincias, ofreciendo normalmente dos sesiones diarias, tarde y noche, a menudo con ensayos también por las mañanas, cobrando muy poco,durmiendo en pensiones baratas cuando es posible y cuando no viajando toda la noche en tren hasta el siguiente pueblo. Como dice Ana Ruiz (Elisa Galvé), joven actriz secundaria que aspira a protagonista, en una conversación con otro actor, Miguel (Fernando Rey), del cual ella está enamorada; "Viajamos mucho, pero de todas las ciudades a las que vamos solo conocemos su teatro,la pensión y con suerte algún café".

cómicos

No estamos ante la mejor película de Bardem, justo después de ella realizaría sus dos obras mas importantes "Muerte de un ciclista (1955)" y "Calle Mayor (1956)", pero es sin duda uno de los mejores trabajos de su filmografía y por desgracia poco conocido al ser su primera película importante dirigida en solitario. El guión firmado por el propio Bardem a pesar de contar con algunos personajes tópicos de poca profundidad como el empresario teatral Carlos Márquez (Carlos Casaravilla), nos ofrece unos diálogos sinceros y realistas por parte de estos cómicos, término muy usado en la época para designar a los actores teatrales y nunca cae en la sensiblería posiblemente por el ya citado conocimiento de Bardem sobre el mundo teatral. Así mismo las interpretaciones no son nada desdeñables, empezando por la ya citada actriz argentina Elisa Galvé en el papel de Ana Ruiz, que nada tiene que ver con la despiadada Eva Harrington del film de Mankiewicz que inspiró "Cómicos", al contrario, su eterno debate es sobre permanecer como una digna actriz secundaria o dejarse llevar por las promesas de triunfo que le ofrece un empresario sin escrúpulos como Carlos Márquez. En un papel corto pero importante tenemos al gran Fernando Rey como Miguel que al contrario que Ana decide que las penurias de actor secundario no van con su estilo de vida y decide abandonar. Como la segunda actriz de la compañía, Marga, tenemos a la siempre estupenda Emma Penella, omnipresente en el cine español de los 50 cuya elegante presencia llena el film, sin olvidar a otro de esos grandes cómicos españoles como es Manuel Aleixandre que actúa como regidor de escena de la compañía.

El discurso de Javier Bardem en la gala de los Oscar de 2008 cuando fue premiado como actor secundario en "No es país para viejos" de los hermanos Cohen que incluía una dedicatoria en español a su madre Pilar Bardem y a "todos los cómicos españoles que trajeron la dignidad y el orgullo a éste oficio" cobra sentido al ver "Cómicos" de Juan Antonio Bardem, un relato sincero sobre la profesión en la España del franquismo.

cómicos

Director: Juan Antonio Bardem.

Intérpretes: Elisa Galvé, Fernando Rey, Emma Penella, Carlos Casaravilla, Mariano Asquerino, Rosario García Ortega, Rafael Alonso.


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

el-doble-asesinato-de-la-calle-morgue
"Ante ustedes, ¡el primer hombre!
- ¡Hereje!
- ¿Hereje? ¿Todavía van los herejes a la hoguera? Entonces quémeme, monsieur. ¿Cree que una pobre llama podrá apagar la luz de la verdad? ¿Cree que estas tablas y estos telones son mi única vocación? ¡Son tan sólo una trampa para atrapar el dinero de los tontos! Mi vida está consagrada a un gran experimento. Les aseguro que demostraré la relación del hombre con el mono. ¡La sangre de Erik se mezclará con la del ser humano!"

Para empezar este filme se inspira libremente en el relato escrito en 1841 Los Crímenes de la Calle Morgue por uno de los maestros de la literatura de terror, Edgar Allan Poe. Curiosamente este relato en libro se centra en la figura del carismático Dupin basándose este en las andanzas del primer detective real que existió, Vidocq. Siendo así este relato la semilla que más tarde germinaría en la literatura detectivesca con su máximo representante, Sherlock Holmes. Sin embargo en el filme deciden saltarse todo esto y convertirla en una película de CI-FI con tintes de terror con algún que otro toque de humor y por supuesto, Mad Doctor de manual inclusive, el Dr. Mirakle. Este trabaja en una feria de curiosidades y tiene como principal reclamo a un simio con capacidad para pensar y obedecer órdenes. A esta feria acuden Pierre Dupin con su novia Camille y un compañero de trabajo, lo que estos no saben es que el Dr. Mirakle es un "científico loco" que se dedica a secuestrar a mujeres jóvenes para realizar experimentos que puedan ayudarle a confirmar sus teorías sobre la evolución del mono al hombre. Se darán cuenta cuando la novia de Dupin sea la siguiente víctima.

el-doble-asesinato-de-la-calle-morgue

Hablando del Dr. Mirakle aquí llegamos a otra de las grandes cualidades, como es escoger para su personaje al gran Bela Lugosi en lo más alto de su carrera. No hay que olvidarse que justo un año antes había protagonizado Drácula de Tod Browning. Película por cierto en la que también trabajo Karl Freund como director de fotografía, lo que nos lleva a la siguiente gran cualidad, la fotografía expresionista. Freund, quien ese mismo año dirigiría otro gran clásico "La momia", conocía de primera mano el expresionismo alemán, vital para esta película ya que es innegable lo que le debe esta cinta a esta corriente cinematográfica. Con el gran acierto de no caer en ningún momento en la vulgaridad de mostrar y no sugerir, la fotografía de Freund junto a la dirección de Florey nos ofrecen un magnífico filme de terror que posee una de las atmósferas más refinadamente sugestivas que se haya podido concebir e ideas que influenciarían obras posteriores (sin ir más lejos King Kong de 1933 se basa claramente en alguno de los pasajes de la obra que nos ocupa).

el-doble-asesinato-de-la-calle-morgue

Y como ultima cualidad a destacar, el metraje. Eso se lo debemos a la propia productora, la famosa Universal que metió tijeretazo a la cinta porque por lo visto incluía escenas demasiado impactantes y terroríficas para esa época. Es cierto que a veces te quedas con la sensación de que falta o se escapa algo, pero lo siento, soy un amante empedernido de los metrajes cortos, sobre todo para este tipo de cintas.

En fin una producción menor de la Universal injustamente olvidada si la comparamos con otras obras de aquella maravillosa época cinematográfica que abarcaba la eclosión del cine sonoro hasta la llegada del código Hays. Un film discreto pero que influenció "disimuladamente" a posteriores creaciones.

el-doble-asesinato-de-la-calle-morgue

Título original: Murders in the Rue Morgue.

Director: Robert Florey.

Intérpretes: Bela Lugosi, Sidney Fox, Leon Ames, Bert Roach, Arlene Francis, Noble Johnson, Brandon Hurst.

Trailer:


Reseña escrita por Pepe Mata

EL DOBLE ASESINATO DE LA CALLE MORGUE (1932). Los experimentos de Bela Lugosi.

el-doble-asesinato-de-la-calle-morgue
"Ante ustedes, ¡el primer hombre!
- ¡Hereje!
- ¿Hereje? ¿Todavía van los herejes a la hoguera? Entonces quémeme, monsieur. ¿Cree que una pobre llama podrá apagar la luz de la verdad? ¿Cree que estas tablas y estos telones son mi única vocación? ¡Son tan sólo una trampa para atrapar el dinero de los tontos! Mi vida está consagrada a un gran experimento. Les aseguro que demostraré la relación del hombre con el mono. ¡La sangre de Erik se mezclará con la del ser humano!"

Para empezar este filme se inspira libremente en el relato escrito en 1841 Los Crímenes de la Calle Morgue por uno de los maestros de la literatura de terror, Edgar Allan Poe. Curiosamente este relato en libro se centra en la figura del carismático Dupin basándose este en las andanzas del primer detective real que existió, Vidocq. Siendo así este relato la semilla que más tarde germinaría en la literatura detectivesca con su máximo representante, Sherlock Holmes. Sin embargo en el filme deciden saltarse todo esto y convertirla en una película de CI-FI con tintes de terror con algún que otro toque de humor y por supuesto, Mad Doctor de manual inclusive, el Dr. Mirakle. Este trabaja en una feria de curiosidades y tiene como principal reclamo a un simio con capacidad para pensar y obedecer órdenes. A esta feria acuden Pierre Dupin con su novia Camille y un compañero de trabajo, lo que estos no saben es que el Dr. Mirakle es un "científico loco" que se dedica a secuestrar a mujeres jóvenes para realizar experimentos que puedan ayudarle a confirmar sus teorías sobre la evolución del mono al hombre. Se darán cuenta cuando la novia de Dupin sea la siguiente víctima.

el-doble-asesinato-de-la-calle-morgue

Hablando del Dr. Mirakle aquí llegamos a otra de las grandes cualidades, como es escoger para su personaje al gran Bela Lugosi en lo más alto de su carrera. No hay que olvidarse que justo un año antes había protagonizado Drácula de Tod Browning. Película por cierto en la que también trabajo Karl Freund como director de fotografía, lo que nos lleva a la siguiente gran cualidad, la fotografía expresionista. Freund, quien ese mismo año dirigiría otro gran clásico "La momia", conocía de primera mano el expresionismo alemán, vital para esta película ya que es innegable lo que le debe esta cinta a esta corriente cinematográfica. Con el gran acierto de no caer en ningún momento en la vulgaridad de mostrar y no sugerir, la fotografía de Freund junto a la dirección de Florey nos ofrecen un magnífico filme de terror que posee una de las atmósferas más refinadamente sugestivas que se haya podido concebir e ideas que influenciarían obras posteriores (sin ir más lejos King Kong de 1933 se basa claramente en alguno de los pasajes de la obra que nos ocupa).

el-doble-asesinato-de-la-calle-morgue

Y como ultima cualidad a destacar, el metraje. Eso se lo debemos a la propia productora, la famosa Universal que metió tijeretazo a la cinta porque por lo visto incluía escenas demasiado impactantes y terroríficas para esa época. Es cierto que a veces te quedas con la sensación de que falta o se escapa algo, pero lo siento, soy un amante empedernido de los metrajes cortos, sobre todo para este tipo de cintas.

En fin una producción menor de la Universal injustamente olvidada si la comparamos con otras obras de aquella maravillosa época cinematográfica que abarcaba la eclosión del cine sonoro hasta la llegada del código Hays. Un film discreto pero que influenció "disimuladamente" a posteriores creaciones.

el-doble-asesinato-de-la-calle-morgue

Título original: Murders in the Rue Morgue.

Director: Robert Florey.

Intérpretes: Bela Lugosi, Sidney Fox, Leon Ames, Bert Roach, Arlene Francis, Noble Johnson, Brandon Hurst.

Trailer:


Reseña escrita por Pepe Mata

el-verdugo
En la prisión de Madrid y en pleno amanecer, José Luís (Nino Manfredi) y Álvarez, empleados de pompas fúnebres, cuando van a recoger el cadáver de un ajusticiado, conocen a Amadeo (José Isbert), un viejo verdugo que está a punto de jubilarse. Asimismo, José Luís conoce casualmente a su hija, Carmen, y se enamora de ella. Más tarde, Amadeo descubre la intimidad de a pareja, ya que Carmen ha quedado embarazada y prácticamente les obliga a casarse. Como las dificultades para encontrar piso son enormes, el padre consigue que su yerno acepte la plaza de verdugo que quedará libre con su próxima jubilación. Tras muchas vacilaciones y con la convicción de que no tendrá que ajusticiar a nadie, José Luís acepta. Pero tiempo después, cuando ya ha nacido el niño, es requerido para ejercer su oficio en Palma de Mallorca.

Con guión de Rafael Azcona, Ennio Flaiano y Luis G. Berlanga, El verdugo, coproducida con Italia, es probablemente la mejor obra del director valenciano y la más importante y significativa de la cinematografía española. La intervención decisiva de Azcona en el argumento consiguió un guión modélico no sólo en cuanto a la construcción, sino a su contenido, más trascendental que en otras ocasiones.

el-verdugo

Por otra parte, el estilo tremendista, el humor negro, fraguan el film, además de ser un potente alegato contra la pena de muerte; pero sobre todo y, especialmente, un certero testimonio de cómo el hombre contemporáneo acaba cediendo a los acontecimientos sociales en contra de su voluntad, cómo lo sería la oposición de la mayoría de la sociedad a la pena capital. Que en este caso llevan al protagonista a ejercer, sin contemplaciones, el asesinato legal, como funcionario público que es y, todo ello con unos magníficos y brillantes diálogos, que conforman uno de los éxitos de la cinta:

Amadeo: Me hacen reír los que dicen que el garrote es inhumano. Qué es mejor la guillotina? Usted cree que se puede enterrar a un hombre hecho pedazos?
Jose Luis: No, yo no entiendo de eso.
Amadeo: ...Y qué me dice de los americanos. La silla eléctrica son miles de voltios. Los deja negros, abrasados. A ver dónde está la humanidad de la silla!
Jose Luis: Yo creo que la gente debe morir en su cama. No?
Amadeo: Naturalmente, pero si existe la pena de muerte, alguien tiene que aplicarla.

el-verdugo

El Verdugo es un demoledor retrato del mundo madrileño, de la hipocresía social imperante y de ciertas mentalidades del país durante la segunda posguerra tratado con el sentido del humor característico de Berlanga, el cual imprimiendo acidez y humor le permiten alejarse un poco de la dramática aplicación de la pena capital, contando con un plantel actoral de lujo como Pepe Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luís Lopez Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, Maruja Isbert, Xan Das Bolas o José Sazatornil.

Dentro del contexto económico, la economía española había superado una serie de problemas estructurales que lastraban toda posibilidad de desarrollo, e iniciaba una etapa de crecimiento cuya planificación se hacía necesaria. Los nuevos aires liberalizadores pronto se dejarían notar: las editoriales comenzaron a publicar en castellano obras hasta entonces prohibidas; a finales de 1962 la prensa nacional informaba de huelgas y disturbios obreros ante el asombro de la opinión pública, y al año siguiente las autoridades de Información y Turismo permitían la aparición de "Cuadernos para el Diálogo".

el-verdugo

Por todo ello, los años sesenta han sido considerados genéricamente como la época áurea del Régimen franquista y, en efecto, resulta evidente que durante ese período de tiempo España conoció el más impresionante ritmo de desarrollo económico de su historia. La indudable modernización económica y social de la España de los 60 contrasta con la dura realidad de unas estructuras políticas dictatoriales incapaces de adaptarse el dinamismo de una sociedad en continua mutación.

Ciertas concesiones de "apertura" auspiciadas desde el Régimen lo único que hicieron fue ahondar aún más las contradicciones existentes entre la "España real" y la "España oficial". Así en 1963 se crea el TOP (Tribunal de Orden Público) cuya misión era reprimir las rebeliones y delitos políticos con la aplicación de cualquier medida disuasoria, entre las que se incluía la pena de muerte.

Cuando se presentó la cinta al Festival de Venecia de ese año, donde ganó el Premio de la Crítica Internacional, tuvo la coincidencia de exhibirse precisamente en los días que habían ajusticiado en España al militante comunista Julián Grimau, acusado de varios crímenes durante la guerra civil y, a dos ciudadanos más anarquistas, miembros de la Federación Ibérica de Juventudes Libertarias, lo cual desencadenó una insólita campaña en contra del hoy reconocido film de Berlanga, el sufrió multitud de cortes por parte de la censura.

el-verdugo

Frase para recordar:

-¡No lo haré más, entiende? no lo haré más!
- ¡Eso mismo dije yo la primera vez!

Director: Luis García Berlanga.

Intérpretes: José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

EL VERDUGO (1963). Alegato contra la pena de muerte.

el-verdugo
En la prisión de Madrid y en pleno amanecer, José Luís (Nino Manfredi) y Álvarez, empleados de pompas fúnebres, cuando van a recoger el cadáver de un ajusticiado, conocen a Amadeo (José Isbert), un viejo verdugo que está a punto de jubilarse. Asimismo, José Luís conoce casualmente a su hija, Carmen, y se enamora de ella. Más tarde, Amadeo descubre la intimidad de a pareja, ya que Carmen ha quedado embarazada y prácticamente les obliga a casarse. Como las dificultades para encontrar piso son enormes, el padre consigue que su yerno acepte la plaza de verdugo que quedará libre con su próxima jubilación. Tras muchas vacilaciones y con la convicción de que no tendrá que ajusticiar a nadie, José Luís acepta. Pero tiempo después, cuando ya ha nacido el niño, es requerido para ejercer su oficio en Palma de Mallorca.

Con guión de Rafael Azcona, Ennio Flaiano y Luis G. Berlanga, El verdugo, coproducida con Italia, es probablemente la mejor obra del director valenciano y la más importante y significativa de la cinematografía española. La intervención decisiva de Azcona en el argumento consiguió un guión modélico no sólo en cuanto a la construcción, sino a su contenido, más trascendental que en otras ocasiones.

el-verdugo

Por otra parte, el estilo tremendista, el humor negro, fraguan el film, además de ser un potente alegato contra la pena de muerte; pero sobre todo y, especialmente, un certero testimonio de cómo el hombre contemporáneo acaba cediendo a los acontecimientos sociales en contra de su voluntad, cómo lo sería la oposición de la mayoría de la sociedad a la pena capital. Que en este caso llevan al protagonista a ejercer, sin contemplaciones, el asesinato legal, como funcionario público que es y, todo ello con unos magníficos y brillantes diálogos, que conforman uno de los éxitos de la cinta:

Amadeo: Me hacen reír los que dicen que el garrote es inhumano. Qué es mejor la guillotina? Usted cree que se puede enterrar a un hombre hecho pedazos?
Jose Luis: No, yo no entiendo de eso.
Amadeo: ...Y qué me dice de los americanos. La silla eléctrica son miles de voltios. Los deja negros, abrasados. A ver dónde está la humanidad de la silla!
Jose Luis: Yo creo que la gente debe morir en su cama. No?
Amadeo: Naturalmente, pero si existe la pena de muerte, alguien tiene que aplicarla.

el-verdugo

El Verdugo es un demoledor retrato del mundo madrileño, de la hipocresía social imperante y de ciertas mentalidades del país durante la segunda posguerra tratado con el sentido del humor característico de Berlanga, el cual imprimiendo acidez y humor le permiten alejarse un poco de la dramática aplicación de la pena capital, contando con un plantel actoral de lujo como Pepe Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luís Lopez Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, Maruja Isbert, Xan Das Bolas o José Sazatornil.

Dentro del contexto económico, la economía española había superado una serie de problemas estructurales que lastraban toda posibilidad de desarrollo, e iniciaba una etapa de crecimiento cuya planificación se hacía necesaria. Los nuevos aires liberalizadores pronto se dejarían notar: las editoriales comenzaron a publicar en castellano obras hasta entonces prohibidas; a finales de 1962 la prensa nacional informaba de huelgas y disturbios obreros ante el asombro de la opinión pública, y al año siguiente las autoridades de Información y Turismo permitían la aparición de "Cuadernos para el Diálogo".

el-verdugo

Por todo ello, los años sesenta han sido considerados genéricamente como la época áurea del Régimen franquista y, en efecto, resulta evidente que durante ese período de tiempo España conoció el más impresionante ritmo de desarrollo económico de su historia. La indudable modernización económica y social de la España de los 60 contrasta con la dura realidad de unas estructuras políticas dictatoriales incapaces de adaptarse el dinamismo de una sociedad en continua mutación.

Ciertas concesiones de "apertura" auspiciadas desde el Régimen lo único que hicieron fue ahondar aún más las contradicciones existentes entre la "España real" y la "España oficial". Así en 1963 se crea el TOP (Tribunal de Orden Público) cuya misión era reprimir las rebeliones y delitos políticos con la aplicación de cualquier medida disuasoria, entre las que se incluía la pena de muerte.

Cuando se presentó la cinta al Festival de Venecia de ese año, donde ganó el Premio de la Crítica Internacional, tuvo la coincidencia de exhibirse precisamente en los días que habían ajusticiado en España al militante comunista Julián Grimau, acusado de varios crímenes durante la guerra civil y, a dos ciudadanos más anarquistas, miembros de la Federación Ibérica de Juventudes Libertarias, lo cual desencadenó una insólita campaña en contra del hoy reconocido film de Berlanga, el sufrió multitud de cortes por parte de la censura.

el-verdugo

Frase para recordar:

-¡No lo haré más, entiende? no lo haré más!
- ¡Eso mismo dije yo la primera vez!

Director: Luis García Berlanga.

Intérpretes: José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

mary-and-max
Este primer largometraje de Adam Elliot parece que ha tomado parte de su inspiración en datos de la realidad. Mediante una técnica de Stop Motion (Claymation), realizada mediante muñecos de plastilina, se nos plantea un relato complejo, reflexivo y crítico, capaz de exponer gran cantidad de temas controvertidos enmascarados en un humor agridulce.

Ambientado en 1976, la base de la historia la componen dos personajes solitarios y desgraciados: Mary es una niña australiana de ocho años que vive en un hogar disfuncional ubicado en los suburbios de Melburne.

No es muy agraciada y recibe burlas continuas de sus compañeros de clase debido a su aspecto físico y, especialmente, por tener una mancha oscura de nacimiento en la frente. Sus padres no se ocupan de ella, incluso la madre, dedicada al alcohol y la cleptomanía, la considera un "accidente" que nunca debió ocurrir. Sus únicos amigos son Len, un vecino anciano al que ella le recoge el correo por ser éste incapaz de salir a la calle, y un gallo, Ethel, que recogió abandonado en la calle.

mary-and-max

El día que Mary decide escribir una carta a un desconocido elegido al azar por el listín telefónico de la ciudad de New York, su vida cambiará radicalmente. Al otro lado del mundo, el receptor de la carta es Max. Un hombre de 44 años, también solitario, con exceso de peso debido a los atracones de comida que se da cuando se encuentra nervioso o triste y cuya única actividad consiste en acudir a un grupo de "Obesos anónimos".

El correo les sirve a ambos para establecer una relación y les ayuda a no sentirse tan solos. En dichas cartas, de forma ingenua, se formulan las más interesantes cuestiones. Debido a que su relación se prolonga en el tiempo, también asistiremos a diferentes situaciones de crisis personales y momentos vitales importantes en cada personaje, influenciados el uno por el otro. Cada uno en su medio evolucionará en gran medida gracias a la existencia de "el otro", gracias a esa profunda amistad que se estable de una forma tan peculiar y genuina entre dos seres completamente diferentes que comparten dos principios básicos: la soledad y la incomunicación con los que los rodean.

mary-and-max

Una película muy valiente que profundiza en las diferencias, en todo aquello que se aparta de lo común y más frecuente, y que son catalogadas como imperfecciones dentro de las exigencias de la sociedad moderna. Imperfecciones en diferentes ámbitos que conducen a la soledad de los protagonistas.

Es tal la incomunicación a la que se ven sometidos ambos protagonistas que el relato no presenta su propia voz hasta la mitad del film. Hasta ese momento, lo único que se oyen son voces en off. El narrador inicial es quien se hace cargo del silencio en el que viven los protagonistas, ya que en su vida cotidiana están acostumbrados a la soledad y al no-diálogo. Las voces de los protagonistas aparecerán cuando comiencen a escribirse las cartas.

mary-and-max


Adam Elliot, no sólo utiliza la técnica de Stop Motion, también se vale del empleo de los colores para trasladar la presencia o ausencia de emociones en el film. New York es presentado en blanco y negro, Adam Elliot liga así, visualmente, la imperfección al blanco y negro. Desde la visión de Max, New York es una ciudad muy imperfecta por su suciedad, y por tanto en todo el largometraje es mostrada como ciudad en una gama de grises. Donde vive Mary, en Monte Waverley, un pueblo menos imperfecto por estar más limpio, se asocia a una gama de sepias y marrones. Estos colores también son representativos de los personajes principales. Max vive en una rutina absoluta, completa y casi necesaria para su bienestar que lo mantiene siempre caracterizado con los mismos colores. Por su parte, Mary, a pesar de sus malas circunstancias, es capaz de imaginar y soñar con un mundo diferente y mejor. En sus sueños, aspira a una vida con colores más intensos: Su matrimonio con su vecino Damián es un claro ejemplo.

Con este análisis del color, es interesante recordar que el mayor momento de desolación de Mary es la escena más oscura que transcurre en Monte Waverley. La irrupción de colores más fuertes en el film (rojos, verdes, etc) se asocia a emociones que surgen debido a la relación que mantienen los protagonistas. Más evidente cuando ocurre en Nueva York. No solo porque el contraste entre los grises y los rojos es más llamativo, sino porque cuando algo de color irrumpe en el mundo de Max se debe siempre a algo ligado a Mary. Sus cartas, sus dibujos, los chocolates que ella manda, el pompón que le regala: todo es a color. Mary es la perfección para Max. Y ella, poco a poco, va tiñendo el universo de él hasta llegar a ese final en que el techo de Max se encuentra a color, cubierto por todas las cartas que Mary le ha enviado en tantos años.

mary-and-max

Frase para recordar: 
-"Mary, tienes que darte cuenta que no eres una crema de belleza que le puedes aplicar al mundo para dejarlo sin arrugas.
-La razón por la que te perdono es porque no eres perfecta. Eres imperfecta, y yo también. Eres mi mejor amiga. Eres mi única amiga."

Director: Adam Elliot.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

MARY AND MAX (2009). La animación de Adam Elliot.

mary-and-max
Este primer largometraje de Adam Elliot parece que ha tomado parte de su inspiración en datos de la realidad. Mediante una técnica de Stop Motion (Claymation), realizada mediante muñecos de plastilina, se nos plantea un relato complejo, reflexivo y crítico, capaz de exponer gran cantidad de temas controvertidos enmascarados en un humor agridulce.

Ambientado en 1976, la base de la historia la componen dos personajes solitarios y desgraciados: Mary es una niña australiana de ocho años que vive en un hogar disfuncional ubicado en los suburbios de Melburne.

No es muy agraciada y recibe burlas continuas de sus compañeros de clase debido a su aspecto físico y, especialmente, por tener una mancha oscura de nacimiento en la frente. Sus padres no se ocupan de ella, incluso la madre, dedicada al alcohol y la cleptomanía, la considera un "accidente" que nunca debió ocurrir. Sus únicos amigos son Len, un vecino anciano al que ella le recoge el correo por ser éste incapaz de salir a la calle, y un gallo, Ethel, que recogió abandonado en la calle.

mary-and-max

El día que Mary decide escribir una carta a un desconocido elegido al azar por el listín telefónico de la ciudad de New York, su vida cambiará radicalmente. Al otro lado del mundo, el receptor de la carta es Max. Un hombre de 44 años, también solitario, con exceso de peso debido a los atracones de comida que se da cuando se encuentra nervioso o triste y cuya única actividad consiste en acudir a un grupo de "Obesos anónimos".

El correo les sirve a ambos para establecer una relación y les ayuda a no sentirse tan solos. En dichas cartas, de forma ingenua, se formulan las más interesantes cuestiones. Debido a que su relación se prolonga en el tiempo, también asistiremos a diferentes situaciones de crisis personales y momentos vitales importantes en cada personaje, influenciados el uno por el otro. Cada uno en su medio evolucionará en gran medida gracias a la existencia de "el otro", gracias a esa profunda amistad que se estable de una forma tan peculiar y genuina entre dos seres completamente diferentes que comparten dos principios básicos: la soledad y la incomunicación con los que los rodean.

mary-and-max

Una película muy valiente que profundiza en las diferencias, en todo aquello que se aparta de lo común y más frecuente, y que son catalogadas como imperfecciones dentro de las exigencias de la sociedad moderna. Imperfecciones en diferentes ámbitos que conducen a la soledad de los protagonistas.

Es tal la incomunicación a la que se ven sometidos ambos protagonistas que el relato no presenta su propia voz hasta la mitad del film. Hasta ese momento, lo único que se oyen son voces en off. El narrador inicial es quien se hace cargo del silencio en el que viven los protagonistas, ya que en su vida cotidiana están acostumbrados a la soledad y al no-diálogo. Las voces de los protagonistas aparecerán cuando comiencen a escribirse las cartas.

mary-and-max


Adam Elliot, no sólo utiliza la técnica de Stop Motion, también se vale del empleo de los colores para trasladar la presencia o ausencia de emociones en el film. New York es presentado en blanco y negro, Adam Elliot liga así, visualmente, la imperfección al blanco y negro. Desde la visión de Max, New York es una ciudad muy imperfecta por su suciedad, y por tanto en todo el largometraje es mostrada como ciudad en una gama de grises. Donde vive Mary, en Monte Waverley, un pueblo menos imperfecto por estar más limpio, se asocia a una gama de sepias y marrones. Estos colores también son representativos de los personajes principales. Max vive en una rutina absoluta, completa y casi necesaria para su bienestar que lo mantiene siempre caracterizado con los mismos colores. Por su parte, Mary, a pesar de sus malas circunstancias, es capaz de imaginar y soñar con un mundo diferente y mejor. En sus sueños, aspira a una vida con colores más intensos: Su matrimonio con su vecino Damián es un claro ejemplo.

Con este análisis del color, es interesante recordar que el mayor momento de desolación de Mary es la escena más oscura que transcurre en Monte Waverley. La irrupción de colores más fuertes en el film (rojos, verdes, etc) se asocia a emociones que surgen debido a la relación que mantienen los protagonistas. Más evidente cuando ocurre en Nueva York. No solo porque el contraste entre los grises y los rojos es más llamativo, sino porque cuando algo de color irrumpe en el mundo de Max se debe siempre a algo ligado a Mary. Sus cartas, sus dibujos, los chocolates que ella manda, el pompón que le regala: todo es a color. Mary es la perfección para Max. Y ella, poco a poco, va tiñendo el universo de él hasta llegar a ese final en que el techo de Max se encuentra a color, cubierto por todas las cartas que Mary le ha enviado en tantos años.

mary-and-max

Frase para recordar: 
-"Mary, tienes que darte cuenta que no eres una crema de belleza que le puedes aplicar al mundo para dejarlo sin arrugas.
-La razón por la que te perdono es porque no eres perfecta. Eres imperfecta, y yo también. Eres mi mejor amiga. Eres mi única amiga."

Director: Adam Elliot.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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