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noche en la ciudad
Harry Fabian (Richard Widmark) es un joven delincuente que se gana la vida en las calles de Londres. Es ambicioso y no le importan los métodos para ganar dinero. Sin ningún escrúpulo manipula y le roba dinero a su novia Mary (Gene Tierney), una cantante del sórdido club nocturno Silver Fox, de propiedad de Phil Nosseross (Francis L. Sullivan). Harry trabaja como gancho de clientes para el club. En algún momento se da cuenta de las posibilidades de ganar dinero en el ambiente de la lucha libre profesional, y decide quitarle el control al promotor y delincuente del bajo mundo, Kristo (Herbert Lom), a través de manipular al padre de Kristo, el ex luchador Gregorius. Jules Dassin tuvo que exiliarse a Europa tras ser acusado de comunista por su compañero de profesión Edward Dmytrik y para no tener que arrodillarse ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas, con la que el "capital" trató de neutralizar los avances organizativos y culturales de la izquierda en los tiempos del "New Deal", y restringió los límites democráticos inyectando un profundo anticomunismo en los Estados Unidos. "Noche en la Ciudad" es la última película que Jules Dassin realiza en EEUU antes de un largo exilio que se prolongará 18 años (no volverá a realizar un largometraje en EEUU hasta 1968). El rodaje de "Noche en la ciudad" debe llevarse a cabo en Londres durante unos meses en los que su nombre sonaba insistentemente entre los investigados por el macartismo. Darril F. Zanuck, entonces principal productor del estudio, decide que Dassin se traslade a Londres para adaptar la novela del escritor británico Gerald Kersh "Night and the City (1938)" con un guion de Jo Eisinger (Gilda). Pretende de esta forma proteger a la película de las injerencias del Comité de Actividades Antiamericanas, el cual entre otros objetivos pretendía investigar a aquellos directores, guionistas o escritores miembros del Partido Comunista o sospechosos de su entorno, y rastrear los posibles mensajes o propaganda del Partido que pudieran dejar entrever en sus películas. 

noche en la ciudad

"Noche en la Ciudad" esconde algunas de las inquietudes y rasgos de identidad de Dassin, y sin duda refleja la presión y las difíciles circunstancias a las que se veía sometido durante el rodaje. El film le permite articular un poderoso testimonio personal, a través de un relato que se sustenta en una sucesión de traiciones entre sus personajes. No es extraño que pudiese sentirse identificado con un personaje principal que parece destinado a huir, un buscavidas que retrata con todas sus debilidades y bajezas, perosobre el que despliega una gran comprensión. Finalmente, el devenir de este personaje le permite plasmar el desazonador estado que genera la certeza de una constante persecución. Estas connotaciones personales, junto al hecho de tratarse de un film de Cine Negro ambientado en Londres, pero realizado bajo la mirada de un cineasta americano que se había distinguido por una visión realista de las ciudades, influyeron poderosamente en los resultados de la película, tanto en su extraño y sugestivo poder visual, como en el palpable desaliento en el trasfondo del relato. La película comienza y finaliza con una persecución, la del protagonista del relato Harry Fabian (Richard Widmark), una especie de pequeño estafador con multitud de planes y escasos recursos. Dassin construye una estructura circular de la huida, una espiral en la que se encuentra sumido Fabian, y que parece incapaz de romper. 


noche en la ciudad


El film sigue sus incursiones por los bajos fondos londinenses, donde se mueve con evidente facilidad ocupándose de algunos encargos para los dueños de un club nocturno. Todos sus esfuerzos se dirigen a tratar de "triunfar" en su ambiente, dar el gran salto con negocios que parecen condenados desde el principio al fracaso. Por fin cree encontrar su gran oportunidad, con la que llegar a controlar el negocio de la lucha libre en Londres, y que precipitará su trágico final. Presenta a Fabian como un astuto timador que no duda en utilizar su encanto o mentir a todos los que tiene a su alrededor, y robar para salir de apuros, incluida a su novia Mary (Gene Tierney). Alguien que nació y morirá siendo un perdedor, como en cierto momento alguien le predice. Sin tratar de ocultar sus vilezas, al mismo tiempo nos revela un soñador que desborda entusiasmo con susproyectos, un personaje en continuo movimiento, con una energía y determinación similar a la que transmite Dassin en sus películas. Fabian forma parte activa de la cadena de traiciones del relato, pero también él será traicionado, sufrirá la delación, y Dassin le permite una redención final. Richard Widmark, da vida a Fabian de forma extraordinaria. El actor se encontraba en los primeros años de su carrera, y evoluciona respecto a anteriores filmes como "El beso de la muerte (1947)" de Henry Hathaway, 1947) o "Cielo amarillo (1948)" de William A. Wellman en los que había encarnado a malvados de una pieza. 

noche en la ciudad

Su composición de Fabian logra generar sentimientos contradictorios, gracias a su aspecto al mismo tiempo fuerte y vulnerable, una falsa elegancia en la que no falta un continuo clavel en la solapa, y una sucesión de primeros planos que reflejan tanto la astucia de su helada sonrisa, como su desilusión y amargura. Uno de los aspectos más sugerentes de "Noche en la Ciudad" es el hecho de ver reflejada en la pantalla una ciudad como Londres a través de los ojos ajenos de un director americano especialista en el Noir, que parece desenvolverse en las calles de sus locales nocturnos, muelles y sórdidas márgenes del río, con la misma precisión que si se encontrase rodando en Nueva York. De esta forma lo demuestra la primera secuencia en la que nos introduce en el submundo en el que se mueve Fabian, mediante un estupendo travelling que recoge su avance por el callejón del club donde trabaja, mientras va reconociendo y saludando a sus habituales. Esta aproximación a la realidad confluye en el film con unas imágenes que descubren ecos expresionistas, obra del director de fotografía Max Greene, y que muestran la influencia de la época del cine mudo alemán. Existen dos versiones de esta película: la "británica" (más larga y, quizás por ello, algo más coherente) y la "norteamericana", cada una de ellas adaptada a su correspondiente mercado. Estas dos versiones poseen notables diferencias, la más destacada es la de su banda sonora. Franz Waxman se encargó del score de la versión USA (empleando una gran y melodramática orquesta) y Benjamin Frankel de la correspondiente para el estreno en UK.

noche en la ciudad

Título original: Night and the city.

Director: Jules Dassin.

Intérpretes: Richard Widmark, Gene Tierney, Googie Withers, Hugh Marlowe, Francis L. Sullivan, Herbert Lom, Stanislaus Zbyszko.

Trailer: 


Escena:


Reseña escrita por Ramón Abello Miñano

Información complementaria:

NOCHE EN LA CIUDAD (1950). Un clásico de cine negro de Jules Dassin.

noche en la ciudad
Harry Fabian (Richard Widmark) es un joven delincuente que se gana la vida en las calles de Londres. Es ambicioso y no le importan los métodos para ganar dinero. Sin ningún escrúpulo manipula y le roba dinero a su novia Mary (Gene Tierney), una cantante del sórdido club nocturno Silver Fox, de propiedad de Phil Nosseross (Francis L. Sullivan). Harry trabaja como gancho de clientes para el club. En algún momento se da cuenta de las posibilidades de ganar dinero en el ambiente de la lucha libre profesional, y decide quitarle el control al promotor y delincuente del bajo mundo, Kristo (Herbert Lom), a través de manipular al padre de Kristo, el ex luchador Gregorius. Jules Dassin tuvo que exiliarse a Europa tras ser acusado de comunista por su compañero de profesión Edward Dmytrik y para no tener que arrodillarse ante el Comité de Actividades Antinorteamericanas, con la que el "capital" trató de neutralizar los avances organizativos y culturales de la izquierda en los tiempos del "New Deal", y restringió los límites democráticos inyectando un profundo anticomunismo en los Estados Unidos. "Noche en la Ciudad" es la última película que Jules Dassin realiza en EEUU antes de un largo exilio que se prolongará 18 años (no volverá a realizar un largometraje en EEUU hasta 1968). El rodaje de "Noche en la ciudad" debe llevarse a cabo en Londres durante unos meses en los que su nombre sonaba insistentemente entre los investigados por el macartismo. Darril F. Zanuck, entonces principal productor del estudio, decide que Dassin se traslade a Londres para adaptar la novela del escritor británico Gerald Kersh "Night and the City (1938)" con un guion de Jo Eisinger (Gilda). Pretende de esta forma proteger a la película de las injerencias del Comité de Actividades Antiamericanas, el cual entre otros objetivos pretendía investigar a aquellos directores, guionistas o escritores miembros del Partido Comunista o sospechosos de su entorno, y rastrear los posibles mensajes o propaganda del Partido que pudieran dejar entrever en sus películas. 

noche en la ciudad

"Noche en la Ciudad" esconde algunas de las inquietudes y rasgos de identidad de Dassin, y sin duda refleja la presión y las difíciles circunstancias a las que se veía sometido durante el rodaje. El film le permite articular un poderoso testimonio personal, a través de un relato que se sustenta en una sucesión de traiciones entre sus personajes. No es extraño que pudiese sentirse identificado con un personaje principal que parece destinado a huir, un buscavidas que retrata con todas sus debilidades y bajezas, perosobre el que despliega una gran comprensión. Finalmente, el devenir de este personaje le permite plasmar el desazonador estado que genera la certeza de una constante persecución. Estas connotaciones personales, junto al hecho de tratarse de un film de Cine Negro ambientado en Londres, pero realizado bajo la mirada de un cineasta americano que se había distinguido por una visión realista de las ciudades, influyeron poderosamente en los resultados de la película, tanto en su extraño y sugestivo poder visual, como en el palpable desaliento en el trasfondo del relato. La película comienza y finaliza con una persecución, la del protagonista del relato Harry Fabian (Richard Widmark), una especie de pequeño estafador con multitud de planes y escasos recursos. Dassin construye una estructura circular de la huida, una espiral en la que se encuentra sumido Fabian, y que parece incapaz de romper. 


noche en la ciudad


El film sigue sus incursiones por los bajos fondos londinenses, donde se mueve con evidente facilidad ocupándose de algunos encargos para los dueños de un club nocturno. Todos sus esfuerzos se dirigen a tratar de "triunfar" en su ambiente, dar el gran salto con negocios que parecen condenados desde el principio al fracaso. Por fin cree encontrar su gran oportunidad, con la que llegar a controlar el negocio de la lucha libre en Londres, y que precipitará su trágico final. Presenta a Fabian como un astuto timador que no duda en utilizar su encanto o mentir a todos los que tiene a su alrededor, y robar para salir de apuros, incluida a su novia Mary (Gene Tierney). Alguien que nació y morirá siendo un perdedor, como en cierto momento alguien le predice. Sin tratar de ocultar sus vilezas, al mismo tiempo nos revela un soñador que desborda entusiasmo con susproyectos, un personaje en continuo movimiento, con una energía y determinación similar a la que transmite Dassin en sus películas. Fabian forma parte activa de la cadena de traiciones del relato, pero también él será traicionado, sufrirá la delación, y Dassin le permite una redención final. Richard Widmark, da vida a Fabian de forma extraordinaria. El actor se encontraba en los primeros años de su carrera, y evoluciona respecto a anteriores filmes como "El beso de la muerte (1947)" de Henry Hathaway, 1947) o "Cielo amarillo (1948)" de William A. Wellman en los que había encarnado a malvados de una pieza. 

noche en la ciudad

Su composición de Fabian logra generar sentimientos contradictorios, gracias a su aspecto al mismo tiempo fuerte y vulnerable, una falsa elegancia en la que no falta un continuo clavel en la solapa, y una sucesión de primeros planos que reflejan tanto la astucia de su helada sonrisa, como su desilusión y amargura. Uno de los aspectos más sugerentes de "Noche en la Ciudad" es el hecho de ver reflejada en la pantalla una ciudad como Londres a través de los ojos ajenos de un director americano especialista en el Noir, que parece desenvolverse en las calles de sus locales nocturnos, muelles y sórdidas márgenes del río, con la misma precisión que si se encontrase rodando en Nueva York. De esta forma lo demuestra la primera secuencia en la que nos introduce en el submundo en el que se mueve Fabian, mediante un estupendo travelling que recoge su avance por el callejón del club donde trabaja, mientras va reconociendo y saludando a sus habituales. Esta aproximación a la realidad confluye en el film con unas imágenes que descubren ecos expresionistas, obra del director de fotografía Max Greene, y que muestran la influencia de la época del cine mudo alemán. Existen dos versiones de esta película: la "británica" (más larga y, quizás por ello, algo más coherente) y la "norteamericana", cada una de ellas adaptada a su correspondiente mercado. Estas dos versiones poseen notables diferencias, la más destacada es la de su banda sonora. Franz Waxman se encargó del score de la versión USA (empleando una gran y melodramática orquesta) y Benjamin Frankel de la correspondiente para el estreno en UK.

noche en la ciudad

Título original: Night and the city.

Director: Jules Dassin.

Intérpretes: Richard Widmark, Gene Tierney, Googie Withers, Hugh Marlowe, Francis L. Sullivan, Herbert Lom, Stanislaus Zbyszko.

Trailer: 


Escena:


Reseña escrita por Ramón Abello Miñano

Información complementaria:

sin perdón
El guión de "Sin Perdón" de David Weeb Peoples fue comprado por un ávido Eastwood y guardado durante casi 20 años en un cajón cerrado con llave para llevarlo al cine cuando el gran Clint tuviera la edad necesaria para interpretarlo y dirigirlo. A sus 62 años el curtido maestro desempolvó el libreto de "Sin Perdón" para adaptarlo con el protagonismo de un hombre mayor viudo, al que su mujer cambió de tal manera que pasó de ser un asesino, despiadado y forajido a un hombre familiar, casado, católico y con 2 hijos. William Munny se esfuerza en su granja de cerdos por sacar adelante a sus hijos no siendo capaz de mantenerlos adecuadamente y obligado a aceptar un trabajo que le llevará de nuevo a matar por una recompensa ofrecida por unas prostitutas que han visto como una de sus compañeras ha sido ultrajada y maltratada por unos ganaderos. "Munny" se acompañará de un inexperto y joven parlanchín que alardea de sus fechorías y de un experimentado compañero de sus años jóvenes como malechor, un Morgan Freeman que acepta emprender el viaje para ayudar a matar a los ganaderos y cobrar la recompensa. El viaje de estos 3 jinetes llevará a William Munny a deshumanizarse de nuevo, dejando atrás todos los esfuerzos de su mujer fallecida para llevar una vida digna y decente, mediante un último trabajo que tiene que llevar a un viejo reinsertado a cometer asesinatos para llevar el sustento a sus hijos...Unos asesinatos que en su pasado no hubiera dudado en aceptar, pero que ahora (ya mayor) remuerden su conciencia levantando viejos demonios de su pasado como despiadado asesino. 

sin perdón

Por otro lado, en la búsqueda de los ganaderos maltratadores Munny, Ned y el joven Schofield se las verán con un sheriff "Little Bill" despiadado, cruel y pésimo carpintero con el rostro de Gene Hackman (ganador del Óscar por este film), que intentará por todos los medios implantar su propia ley con sus incisivas maneras para evitar que los tres empleados de las prostitutas cobren su recompensa. Little Bill (Hackman) en las escenas con Richard Harris "Bob" (un pistolero inglés obsesionado con la monarquía y la nobleza) refleja la violencia y la mordacidad de un agente de la ley sin escrúpulos, magullando y avergonzando a Harris para llamar la atención y mostrar lo que les pasará a todos aquellos que intenten conseguír el dinero que ofrecen "las rameras". Eastwood asimiló el western icónico y sucio que aprendió con Sergio Leone mezclado con la humanidad, el desgarro y la dualidad que tenían algunos de los personajes de Don Siegel para dar el paso de reinventar el western con una estética oscura, húmeda y desmoralizadora. Un western mítico que refleja la miseria humana y la dificultad que entraña empuñar un arma para matar: -Matar a un hombre es algo muy duro, le quitas todo lo que tiene..Y todo lo que pudiera tener-. 

sin perdón

Munny es empujado a matar por la necesidad de alimentar a su familia y por las ampollas levantadas por Little Bill con sus violentas formas, lo que implica un viaje a sus infiernos personales del pasado para recoger su inhumanidad, su insensibilidad y su crudeza para matar a todos aquellos que merecen el castigo en la ciudad de Big Whisky. Un castigo del que será testigo un escritor que empieza a escribir los exagerados relatos de Bob (el inglés), que posteriormente se quedará con Little Bill dada su violenta manera de provocar y desterrar al británico cazarrecompensas, viendo posibilidades de escribir historias sobre el violento oeste contadas por el bravucón sheriff y que al final como biógrafo, será el único ser vivo que vea la crudeza, violencia y contundentes formas reales de William Munny para matar a todos, amenazando a todo vaquero viviente con una frase memorable: -Soy William Munny, he matado hombres, mujeres y niños, he matado a todo aquello que tuviera piernas y se moviera ..Y esta noche he venido a matarte a tí-. (Dirigiéndose a Bill antes de acabar con todos y pegarle un tiro en la cabeza con su escopeta). Un western duro, oscuro, que es una obra maestra indiscutible en el género, desmitificándolo por completo. Solo Clint-Munny es capaz de infundir miedo y respeto con una simple frase: ¿Quién es el dueño de esta pocilga?

sin perdón

Título original: Unforgiven.

Director: Clint Eastwood.

Intérpretes: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris, Jaimz Woolvett, Saul Rubinek, Frances Fisher.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

SIN PERDÓN (1992). El último gran western de Clint Eastwood.

sin perdón
El guión de "Sin Perdón" de David Weeb Peoples fue comprado por un ávido Eastwood y guardado durante casi 20 años en un cajón cerrado con llave para llevarlo al cine cuando el gran Clint tuviera la edad necesaria para interpretarlo y dirigirlo. A sus 62 años el curtido maestro desempolvó el libreto de "Sin Perdón" para adaptarlo con el protagonismo de un hombre mayor viudo, al que su mujer cambió de tal manera que pasó de ser un asesino, despiadado y forajido a un hombre familiar, casado, católico y con 2 hijos. William Munny se esfuerza en su granja de cerdos por sacar adelante a sus hijos no siendo capaz de mantenerlos adecuadamente y obligado a aceptar un trabajo que le llevará de nuevo a matar por una recompensa ofrecida por unas prostitutas que han visto como una de sus compañeras ha sido ultrajada y maltratada por unos ganaderos. "Munny" se acompañará de un inexperto y joven parlanchín que alardea de sus fechorías y de un experimentado compañero de sus años jóvenes como malechor, un Morgan Freeman que acepta emprender el viaje para ayudar a matar a los ganaderos y cobrar la recompensa. El viaje de estos 3 jinetes llevará a William Munny a deshumanizarse de nuevo, dejando atrás todos los esfuerzos de su mujer fallecida para llevar una vida digna y decente, mediante un último trabajo que tiene que llevar a un viejo reinsertado a cometer asesinatos para llevar el sustento a sus hijos...Unos asesinatos que en su pasado no hubiera dudado en aceptar, pero que ahora (ya mayor) remuerden su conciencia levantando viejos demonios de su pasado como despiadado asesino. 

sin perdón

Por otro lado, en la búsqueda de los ganaderos maltratadores Munny, Ned y el joven Schofield se las verán con un sheriff "Little Bill" despiadado, cruel y pésimo carpintero con el rostro de Gene Hackman (ganador del Óscar por este film), que intentará por todos los medios implantar su propia ley con sus incisivas maneras para evitar que los tres empleados de las prostitutas cobren su recompensa. Little Bill (Hackman) en las escenas con Richard Harris "Bob" (un pistolero inglés obsesionado con la monarquía y la nobleza) refleja la violencia y la mordacidad de un agente de la ley sin escrúpulos, magullando y avergonzando a Harris para llamar la atención y mostrar lo que les pasará a todos aquellos que intenten conseguír el dinero que ofrecen "las rameras". Eastwood asimiló el western icónico y sucio que aprendió con Sergio Leone mezclado con la humanidad, el desgarro y la dualidad que tenían algunos de los personajes de Don Siegel para dar el paso de reinventar el western con una estética oscura, húmeda y desmoralizadora. Un western mítico que refleja la miseria humana y la dificultad que entraña empuñar un arma para matar: -Matar a un hombre es algo muy duro, le quitas todo lo que tiene..Y todo lo que pudiera tener-. 

sin perdón

Munny es empujado a matar por la necesidad de alimentar a su familia y por las ampollas levantadas por Little Bill con sus violentas formas, lo que implica un viaje a sus infiernos personales del pasado para recoger su inhumanidad, su insensibilidad y su crudeza para matar a todos aquellos que merecen el castigo en la ciudad de Big Whisky. Un castigo del que será testigo un escritor que empieza a escribir los exagerados relatos de Bob (el inglés), que posteriormente se quedará con Little Bill dada su violenta manera de provocar y desterrar al británico cazarrecompensas, viendo posibilidades de escribir historias sobre el violento oeste contadas por el bravucón sheriff y que al final como biógrafo, será el único ser vivo que vea la crudeza, violencia y contundentes formas reales de William Munny para matar a todos, amenazando a todo vaquero viviente con una frase memorable: -Soy William Munny, he matado hombres, mujeres y niños, he matado a todo aquello que tuviera piernas y se moviera ..Y esta noche he venido a matarte a tí-. (Dirigiéndose a Bill antes de acabar con todos y pegarle un tiro en la cabeza con su escopeta). Un western duro, oscuro, que es una obra maestra indiscutible en el género, desmitificándolo por completo. Solo Clint-Munny es capaz de infundir miedo y respeto con una simple frase: ¿Quién es el dueño de esta pocilga?

sin perdón

Título original: Unforgiven.

Director: Clint Eastwood.

Intérpretes: Clint Eastwood, Gene Hackman, Morgan Freeman, Richard Harris, Jaimz Woolvett, Saul Rubinek, Frances Fisher.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

pulp fiction
Me he propuesto, dado que se cumplen 20 años del estreno de la segunda película del gran, transgresor y popular Quentin Tarantino, recordar la que todavía es considerada su mejor película "Pulp Fiction". Cuando la película empezó a popularizarse, muchos sintieron que les había gustado tanto el film que compraron la camiseta "merchandising" para poder decir: -Yo he visto "Pulp Fiction" si no la has visto es que no estás a la moda-. Y es que el film del bueno de Quentin rompió esquemas en el cine de tal manera como lo hizo en su tiempo Andy Warhol en la pintura y la publicidad con las sopas Campbell mediante el "pop-art". "Pulp Fiction" hace referencia a pequeñas narraciones en forma de folletín en los años 40 y 50 con historias de interés popular en la época, tales como el erotismo, la violencia, la ciencia ficción, misterio, gangsters etc.. Todas ellas con pequeñas ilustraciones, que al parecer fomentaron la imaginería cinéfila tan variada y reconocida de Tarantino mientras trabajó en el videoclub como dependiente. Un resurgido John Travolta comenzó con las "resurreciones" que el director de "Reservoig Dogs (1992)" programaría en sus películas, con muchos actores/ices que habían pasado épocas mejores y a los que se les ofrecía "una segunda oportunidad": El mencionado Travolta y Eric Stoltz en "Pulp Fiction", Robert Foster y Pam Grier en "Jackie Brown", David Carradine y Daryl Hannah en "Kill Bill" y Don Johnson en "Django" por poner algunos ejemplos, a la vez que daba a conocer a magníficos actores noveles (ahí está el posteriormente oscarizado Cristoph Waltz) y Samuel L. Jackson, que a partir de su colaboración con Tarantino no han bajado en ningún momento del éxito Hollywoodiense. 

pulp fiction

"Pulp Fiction" a base de unos diálogos alocados, rápidos y vulgares (hablando por ejemplo de hamburguesas y sexo) todos llenos de insultos y tacos, son capaces de llamar la atención del espectador en una época en la que resultaron chocantes y reaccionarios pero que indudablemente surtieron el efecto esperado. Todas las subtramas de Pulp Fiction se entrecruzan entre violencia, humor, sangre, drogas, disparos, vulgaridades y gangsters, pero con un estilo visual tan novedoso como atractivo, lo cual generó el éxito de la película. Secuencias que han entrado a formar parte de la historia del cine y del recuerdo del aficionado cinéfilo plagan el film número 2 de Tarantino: El baile que se marcan Travolta y Thurman tan repetido y aclamado, el sermón bíblico de L.Jackson, la aparición de "El sr. Lobo" (un genial y sorprendente Harvey Keitel), la escena en el sótano con el boxeador Bruce Willis y el mafioso de Ving Rhames vejados y ultrajados, el despertar de una drogada Uma Thurman con la jeringuilla en el pecho y más...

pulp fiction

Toda la película es conducida por los secuaces de "Marsellus Wallace" (Julius y Vincent) con otras historias escondidas en la trama por personajes tan ricos en matices que merecerían su propio "spin off". A modo de curiosidades, comentar que los nombres que tienen Travolta y Jackson son debidos a los nombres que tuvieron Schwarzenegger' y Danny de Vitto en "Los gemelos golpean 2 veces (1988)" (dato reconocído por Tarantino), y que Bruce Willis tuvo que suplicar para encarnar a este boxeador reflexivo, bajando enormemente su sueldo hasta límites insospechados para que le dieran el papel. "Pulp Fiction" es un fílm que entra en la historia del cine por su capacidad para darle "aires nuevos" y todo un símbolo en la cultura popular en los años 90's...¡Ah!..Se me olvidaba, nunca se sabrá lo que contenía la misteriosa maleta...Tarantino dice que lo que el espectador quiera...

pulp fiction
  
Director: Quentin Tarantino.

Intérpretes: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Eric Stoltz.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria: 
Pulp Fiction (1994). Obra magna de Quentin Tarantino

PULP FICTION (1994). 20 años del estreno del clásico de Tarantino.

pulp fiction
Me he propuesto, dado que se cumplen 20 años del estreno de la segunda película del gran, transgresor y popular Quentin Tarantino, recordar la que todavía es considerada su mejor película "Pulp Fiction". Cuando la película empezó a popularizarse, muchos sintieron que les había gustado tanto el film que compraron la camiseta "merchandising" para poder decir: -Yo he visto "Pulp Fiction" si no la has visto es que no estás a la moda-. Y es que el film del bueno de Quentin rompió esquemas en el cine de tal manera como lo hizo en su tiempo Andy Warhol en la pintura y la publicidad con las sopas Campbell mediante el "pop-art". "Pulp Fiction" hace referencia a pequeñas narraciones en forma de folletín en los años 40 y 50 con historias de interés popular en la época, tales como el erotismo, la violencia, la ciencia ficción, misterio, gangsters etc.. Todas ellas con pequeñas ilustraciones, que al parecer fomentaron la imaginería cinéfila tan variada y reconocida de Tarantino mientras trabajó en el videoclub como dependiente. Un resurgido John Travolta comenzó con las "resurreciones" que el director de "Reservoig Dogs (1992)" programaría en sus películas, con muchos actores/ices que habían pasado épocas mejores y a los que se les ofrecía "una segunda oportunidad": El mencionado Travolta y Eric Stoltz en "Pulp Fiction", Robert Foster y Pam Grier en "Jackie Brown", David Carradine y Daryl Hannah en "Kill Bill" y Don Johnson en "Django" por poner algunos ejemplos, a la vez que daba a conocer a magníficos actores noveles (ahí está el posteriormente oscarizado Cristoph Waltz) y Samuel L. Jackson, que a partir de su colaboración con Tarantino no han bajado en ningún momento del éxito Hollywoodiense. 

pulp fiction

"Pulp Fiction" a base de unos diálogos alocados, rápidos y vulgares (hablando por ejemplo de hamburguesas y sexo) todos llenos de insultos y tacos, son capaces de llamar la atención del espectador en una época en la que resultaron chocantes y reaccionarios pero que indudablemente surtieron el efecto esperado. Todas las subtramas de Pulp Fiction se entrecruzan entre violencia, humor, sangre, drogas, disparos, vulgaridades y gangsters, pero con un estilo visual tan novedoso como atractivo, lo cual generó el éxito de la película. Secuencias que han entrado a formar parte de la historia del cine y del recuerdo del aficionado cinéfilo plagan el film número 2 de Tarantino: El baile que se marcan Travolta y Thurman tan repetido y aclamado, el sermón bíblico de L.Jackson, la aparición de "El sr. Lobo" (un genial y sorprendente Harvey Keitel), la escena en el sótano con el boxeador Bruce Willis y el mafioso de Ving Rhames vejados y ultrajados, el despertar de una drogada Uma Thurman con la jeringuilla en el pecho y más...

pulp fiction

Toda la película es conducida por los secuaces de "Marsellus Wallace" (Julius y Vincent) con otras historias escondidas en la trama por personajes tan ricos en matices que merecerían su propio "spin off". A modo de curiosidades, comentar que los nombres que tienen Travolta y Jackson son debidos a los nombres que tuvieron Schwarzenegger' y Danny de Vitto en "Los gemelos golpean 2 veces (1988)" (dato reconocído por Tarantino), y que Bruce Willis tuvo que suplicar para encarnar a este boxeador reflexivo, bajando enormemente su sueldo hasta límites insospechados para que le dieran el papel. "Pulp Fiction" es un fílm que entra en la historia del cine por su capacidad para darle "aires nuevos" y todo un símbolo en la cultura popular en los años 90's...¡Ah!..Se me olvidaba, nunca se sabrá lo que contenía la misteriosa maleta...Tarantino dice que lo que el espectador quiera...

pulp fiction
  
Director: Quentin Tarantino.

Intérpretes: John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Eric Stoltz.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria: 
Pulp Fiction (1994). Obra magna de Quentin Tarantino

un lugar en la cumbre
Joe Lampton llega a la pequeña ciudad de Warnley para empezar a trabajar como empleado del Ayuntamiento. Mantiene su decisión de "llegar a la cumbre" a cualquier precio. Se lanza a intentar seducir a Susan Brown la hija del industrial local más rico empleando toda clase de artimañas. Mr. Brown considera que Joe es "indigno" de su hija y bloquea el ascenso de Joe. Éste inicia una aventura con Alice Aisgill, una mujer mayor que no es feliz en su matrimonio.  Mientras tanto Susan está embaraza y Mr. Brown le ofrece a Joe un puesto en su empresa si se casa con su hija.  Los planes del joven Lampton vuelven a dar un giro radical a favor de sus propios intereses. "Un lugar en la cumbre", con un guión de Neil Paterson y basado en la novela del mismo título de John Braine, fue reconocida tanto en la propia Gran Bretaña como en otros países como una obra decisiva dentro de la historia del cine inglés. La película obtuvo un gran éxito de crítica, pero el público reaccionó sobre todo ante su crudeza sexual, a la que la prensa inglesa dedicó páginas y páginas.  "Un retrato descaradamente franco de las relaciones humanas más intimas". "Un lugar en la cumbre" fue denunciada por la Legión Católica de la Decencia en Estados Unidos y atacada por los moralistas de Gran Bretaña, mientras que en Austria era prohibida sin más. Tanto la novela como la película fueron consecuencia de la revolución social y cultural de finales de los 50, una revuelta que se caracterizaba por la juventud de sus protagonistas, su mayor conciencia de clase y la hostilidad hacia el poder establecido. Había nacido del aparente inmovilismo del sistema  británico de "castas" y del hecho de que la clase obrera viese cegadas sus vías de avance o promoción social.  Condujo a la victoria de los laboristas en las elecciones de 1964 y al fin de trece años de gobiernos conservadores.

un lugar en la cumbre

"Un lugar en la cumbre" mostraba cómo, en el orden social existente, un joven de clase obrera sólo podía ver satisfechos sus deseos de triunfar a costa del respeto hacia sí mismo, de su paz mental y de su felicidad personal. Brown, un millonario que, partiendo de humildes orígenes, se ha convertido en miembro del Partido Conservador y figura influyente, muestra claramente la tendencia de los tránsfugas de la clase obrera a unirse al poder.  Este punto se ve reforzado por el retrato que la película hace de su esposa, una "pedante" caricaturizada sin piedad que, cuando le presentan a Joe, comenta: "¡Qué nombres tan curiosos tienen algunas de estas gentes!". "Un lugar en la cumbre" fue el primer largometraje de Jack Clayton, que antes había dirigido el corto "The bespoke overcoat (1955)" que fue ganador del Oscar. Simone Signoret ganó un merecido Oscar por su magnífica interpretación, una de las mejores de su carrera, como Alice Aisgill, la mujer madura maltratada por la vida con la que Joe tiene una aventura.  Ninguna otra actriz hubiese reflejado mejor la vulnerabilidad, ternura y calor humano de su personaje. Laurence Harvey realizó también su mejor interpretación, mientras que los actores secundarios, sobre todo Donald Wolfit, brillaron también a gran altura. La excelente fotografía en blanco y negro, los escenarios naturales, el matizado retrato de los personajes de la clase obrera y la percepción y sensibilidad tanto del guión como de la dirección, influyeron en todo un grupo de películas inglesas rodadas poco después. La película obtuvo dos Oscar en 1959.  A la mejor actriz Simone Signoret y al mejor guión adaptado para Neil Paterson. Igualmente obtuvo tres premios Baftas a la mejor película, película británica y actriz extranjera.

un lugar en la cumbre 1959

Título original: Room at the top.

Director: Jack Clayton.

Intérpretes: Simone SignoretLaurence HarveyHeather SearsHermione BaddeleyDonal WolfitAmbrosine PhillpottsDonald Huston.

Escena:




Reseña escrita por Montserrat Gracia

Información complementaria: 

UN LUGAR EN LA CUMBRE (1959). La ópera prima de Jack Clayton.

un lugar en la cumbre
Joe Lampton llega a la pequeña ciudad de Warnley para empezar a trabajar como empleado del Ayuntamiento. Mantiene su decisión de "llegar a la cumbre" a cualquier precio. Se lanza a intentar seducir a Susan Brown la hija del industrial local más rico empleando toda clase de artimañas. Mr. Brown considera que Joe es "indigno" de su hija y bloquea el ascenso de Joe. Éste inicia una aventura con Alice Aisgill, una mujer mayor que no es feliz en su matrimonio.  Mientras tanto Susan está embaraza y Mr. Brown le ofrece a Joe un puesto en su empresa si se casa con su hija.  Los planes del joven Lampton vuelven a dar un giro radical a favor de sus propios intereses. "Un lugar en la cumbre", con un guión de Neil Paterson y basado en la novela del mismo título de John Braine, fue reconocida tanto en la propia Gran Bretaña como en otros países como una obra decisiva dentro de la historia del cine inglés. La película obtuvo un gran éxito de crítica, pero el público reaccionó sobre todo ante su crudeza sexual, a la que la prensa inglesa dedicó páginas y páginas.  "Un retrato descaradamente franco de las relaciones humanas más intimas". "Un lugar en la cumbre" fue denunciada por la Legión Católica de la Decencia en Estados Unidos y atacada por los moralistas de Gran Bretaña, mientras que en Austria era prohibida sin más. Tanto la novela como la película fueron consecuencia de la revolución social y cultural de finales de los 50, una revuelta que se caracterizaba por la juventud de sus protagonistas, su mayor conciencia de clase y la hostilidad hacia el poder establecido. Había nacido del aparente inmovilismo del sistema  británico de "castas" y del hecho de que la clase obrera viese cegadas sus vías de avance o promoción social.  Condujo a la victoria de los laboristas en las elecciones de 1964 y al fin de trece años de gobiernos conservadores.

un lugar en la cumbre

"Un lugar en la cumbre" mostraba cómo, en el orden social existente, un joven de clase obrera sólo podía ver satisfechos sus deseos de triunfar a costa del respeto hacia sí mismo, de su paz mental y de su felicidad personal. Brown, un millonario que, partiendo de humildes orígenes, se ha convertido en miembro del Partido Conservador y figura influyente, muestra claramente la tendencia de los tránsfugas de la clase obrera a unirse al poder.  Este punto se ve reforzado por el retrato que la película hace de su esposa, una "pedante" caricaturizada sin piedad que, cuando le presentan a Joe, comenta: "¡Qué nombres tan curiosos tienen algunas de estas gentes!". "Un lugar en la cumbre" fue el primer largometraje de Jack Clayton, que antes había dirigido el corto "The bespoke overcoat (1955)" que fue ganador del Oscar. Simone Signoret ganó un merecido Oscar por su magnífica interpretación, una de las mejores de su carrera, como Alice Aisgill, la mujer madura maltratada por la vida con la que Joe tiene una aventura.  Ninguna otra actriz hubiese reflejado mejor la vulnerabilidad, ternura y calor humano de su personaje. Laurence Harvey realizó también su mejor interpretación, mientras que los actores secundarios, sobre todo Donald Wolfit, brillaron también a gran altura. La excelente fotografía en blanco y negro, los escenarios naturales, el matizado retrato de los personajes de la clase obrera y la percepción y sensibilidad tanto del guión como de la dirección, influyeron en todo un grupo de películas inglesas rodadas poco después. La película obtuvo dos Oscar en 1959.  A la mejor actriz Simone Signoret y al mejor guión adaptado para Neil Paterson. Igualmente obtuvo tres premios Baftas a la mejor película, película británica y actriz extranjera.

un lugar en la cumbre 1959

Título original: Room at the top.

Director: Jack Clayton.

Intérpretes: Simone SignoretLaurence HarveyHeather SearsHermione BaddeleyDonal WolfitAmbrosine PhillpottsDonald Huston.

Escena:




Reseña escrita por Montserrat Gracia

Información complementaria: 

el luchador
Darren Aronofsky ofreció la oportunidad a Mickey Rourke de regresar al primer plano de la escena hollywoodiense con este luchador. El director se empeñó en que Rourke protagonizara el film haciendo caso omiso de todas las recomendaciones para que la película fuera interpretada por Nicolas Cage, y a pesar de que Mickey llevaba perdido en el cine demasiado tiempo a causa de una vida demasiado desordenada por el alcohol, los escándalos, las drogas, películas de serie b y la falta de higiene, él se convirtió en el sufrido, malogrado, intenso y sensacional "Randy the Ram". El luchador de wrestling que vivió su época de gloria en los 80's y que hoy en día vuelca sus esfuerzos, esperanzas y sueños en el mismo deporte que le ha pasado factura. Cada marca, cicatriz, hueso roto y secuela física por los esfuerzos y utilización de drogas de todo tipo no son sino el empeño de Randy de ofrecer al público su machacado cuerpo, a cambio de la ya denostada fama pasada que actualmente no posee. "El luchador" muestra los entresijos del mundo de la lucha libre con las coreografías de estos gladiadores que pactan sus combates para ofrecer espectáculo con toda su crueldad, dolor, cordialidad y nobleza, en la que luchadores como Hulk Hogan se han visto reflejados. The Ram buscará su lugar en el mundo fuera del espectáculo en el que ha vivido siempre, luchando contra la soledad, persiguiendo su sueño de reencontarse con su hija (a la que abandonó cuando era famoso) y el ideal de tener alguien que le ame (una bailarina de striptease entrada en años que interpreta la estupenda Marisa Tomei) mientras busca ganarse la vida con trabajos de dudosa calidad laboral. 

el luchador

Una historia dura, que es un reflejo de la añoranza de la época pasada, la necesidad de ser amado y la superación de la soledad en una lucha contra la vida diaria de un ring que resulta mucho más duro que los daños físicos que este "Wrestler" tuvo en su época como gladiador fingido contemporáneo. Un denostado Mickey Rourke, profundo y de sinceridad aplastante al que Sean Penn dedicó su Óscar cuando fue éste quien levantó la estatuilla aludiendo a un Rourke que también estaba nominado. La pasión de un luchador con el sueño de un perdedor y con las ganas de vivir truncadas por el esfuerzo de ofrecer a su avanzada edad el espéctaculo que desea el gran público pese a quien pese y pase lo que pase.....Una genialidad fílmica que el actor metido a boxeador que tuvo sus momentos elogiables en cine con películas como "El corazón del ángel (1987)" y "Manhattan Sur (1985)" entre otras, pudo gracias a su Randy the Ram encontrar de nuevo el camino para ser tomado en cuenta para entrar en la nómina de Hollywood, aunque el agua y el jabón como se comenta en los mentideros de la meca del cine, no sean los mejores amigos del acompañante de Kim Basinger en "9 semanas y media (1986)".

el luchador


Título original: The Wrestler.

Director: Darren Aronofsky.

Intérpretes: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Judah Friedlander, Ajay Naidu, Mark Margolis, Todd Barry, Wass Steven. 

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

EL LUCHADOR (2008). Mickey Rourke y el mundo de la lucha libre.

el luchador
Darren Aronofsky ofreció la oportunidad a Mickey Rourke de regresar al primer plano de la escena hollywoodiense con este luchador. El director se empeñó en que Rourke protagonizara el film haciendo caso omiso de todas las recomendaciones para que la película fuera interpretada por Nicolas Cage, y a pesar de que Mickey llevaba perdido en el cine demasiado tiempo a causa de una vida demasiado desordenada por el alcohol, los escándalos, las drogas, películas de serie b y la falta de higiene, él se convirtió en el sufrido, malogrado, intenso y sensacional "Randy the Ram". El luchador de wrestling que vivió su época de gloria en los 80's y que hoy en día vuelca sus esfuerzos, esperanzas y sueños en el mismo deporte que le ha pasado factura. Cada marca, cicatriz, hueso roto y secuela física por los esfuerzos y utilización de drogas de todo tipo no son sino el empeño de Randy de ofrecer al público su machacado cuerpo, a cambio de la ya denostada fama pasada que actualmente no posee. "El luchador" muestra los entresijos del mundo de la lucha libre con las coreografías de estos gladiadores que pactan sus combates para ofrecer espectáculo con toda su crueldad, dolor, cordialidad y nobleza, en la que luchadores como Hulk Hogan se han visto reflejados. The Ram buscará su lugar en el mundo fuera del espectáculo en el que ha vivido siempre, luchando contra la soledad, persiguiendo su sueño de reencontarse con su hija (a la que abandonó cuando era famoso) y el ideal de tener alguien que le ame (una bailarina de striptease entrada en años que interpreta la estupenda Marisa Tomei) mientras busca ganarse la vida con trabajos de dudosa calidad laboral. 

el luchador

Una historia dura, que es un reflejo de la añoranza de la época pasada, la necesidad de ser amado y la superación de la soledad en una lucha contra la vida diaria de un ring que resulta mucho más duro que los daños físicos que este "Wrestler" tuvo en su época como gladiador fingido contemporáneo. Un denostado Mickey Rourke, profundo y de sinceridad aplastante al que Sean Penn dedicó su Óscar cuando fue éste quien levantó la estatuilla aludiendo a un Rourke que también estaba nominado. La pasión de un luchador con el sueño de un perdedor y con las ganas de vivir truncadas por el esfuerzo de ofrecer a su avanzada edad el espéctaculo que desea el gran público pese a quien pese y pase lo que pase.....Una genialidad fílmica que el actor metido a boxeador que tuvo sus momentos elogiables en cine con películas como "El corazón del ángel (1987)" y "Manhattan Sur (1985)" entre otras, pudo gracias a su Randy the Ram encontrar de nuevo el camino para ser tomado en cuenta para entrar en la nómina de Hollywood, aunque el agua y el jabón como se comenta en los mentideros de la meca del cine, no sean los mejores amigos del acompañante de Kim Basinger en "9 semanas y media (1986)".

el luchador


Título original: The Wrestler.

Director: Darren Aronofsky.

Intérpretes: Mickey Rourke, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Judah Friedlander, Ajay Naidu, Mark Margolis, Todd Barry, Wass Steven. 

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

el cochecito
Anselmo es un anciano que a pesar de su avanzada edad goza de una buena salud, algo que le diferencia de su grupo de amigos que tienen alguna minusvalía o deficiencia. Todos ellos disponen de un cochecito de motor para poder desplazarse de un lugar a otro y que de paso, les sirve como excusa para organizar alguna que otra quedada, una situación que hace que Anselmo se sienta más de una vez rechazado y marginado al no disponer del vehículo en cuestión. Este hecho le hará, de manera obsesiva, a intentar por todos los medios conseguir un cochecito a pesar de no contar con la aprobación de su familia. Marco Ferreri, es un cineasta italiano que rodaría en  España tres clásicos dentro de la etapa dorada del cine español: "El pisto (1959)", "Los chicos (1959)" y "El cochecito (1960)". Tres títulos con remarcada influencia al cine del neorrealismo italiano y que estarían caracterizados por mostrar en la gran pantalla de manera critica a la sociedad de la España franquista de los años 50 y 60. En esta ocasión me centraré en "El cochecito" un film escrito por Rafael Azcona (personaje clave junto a Ferreri y Berlanga en la historia del cine español) basándose en su propio relato "El paralítico" incluido en su libro "Pobre, paralítico y muerto" del año 1957. Al igual que sus anteriores títulos Ferreri nos muestra en "El cochecito" personajes muy humanos que viven situaciones inverosímiles, siendo esa naturalidad y  sencillez lo que hace que nos ganemos la simpatía de los personajes que lo componen, capaces de sacarnos alguna sonrisa dentro de los problemas que viven.

el cochecito

En "El cochecito" el personaje que centra la historia es Anselmo, un jubilado que se puede catalogar como un ñiño grande capichoso y que está ajeno a los problemas físicos de sus amistades. Aunque sea un personaje que nos transmite simpatía no oculta su personalidad egoísta, más preocupado en ser aceptado por su grupo de amigos que en el real problema que viven ellos. Esas ganas de aceptación por parte de Anselmo, hará que éste enfermé, no físicamente, pero si en su estado mental. Convertirá el vehículo en cuestión en una obsesión compulsiva, un capricho que a pesar de no necesitarlo (no tiene problemas para andar) si lo necesita para integrarse en su grupo de amigos. Aquí el director juega con la soledad de las personas mayores, mostrando a un jubilado desplazado por los miembros de su familia, que les hace sentir que molesta en su casa y que busca fuera, en la calle, ese cariño que no encuentra dentro de ella. Ferreri también toca el tema del consumismo y de esa manipulación "comercial" sobre las personas más indefensas (ancianos, minúsvalidos) para conseguir a su costa beneficios, muy bien reflejado en la película en la figura del ortopédico del pueblo (interpretado magníficamente por el actor Antonio Gavilán) donde convence a sus "víctimas" de que comprando su producto (el cochecito) mejoraran sus vidas.

el cochecito

Un acto bondadoso que sólo esconde una finalidad avariciosa para llenar sus arcas a costa de la inocencia de sus pacientes-clientes. En el reparto tendríamos a José Isbert como encargado de dar vida a Anselmo, un mítico actor de nuestro cine que tuvo como etapa de mayor éxito los años 50 y 60 gracias, en gran medida, a sus trabajos con el mencionado Marco Ferreri y Luis García Berlanga protagonizando clásicos como "Bienvenido Mister Marshall (1952)", "Los jueves, milagro (1957)" o "El verdugo (1963)". Cabe también destacar la presencia de José Álvarez "Lepe" (actor que compaginó el mundo del teatro y del cine participando en otro clásico del cine español como fue "Plácido (1961)") como Lucas, el mejor amigo de Anselmo, Pedro Porcel ("El turismo es un gran invento (1968)" como el hijo de Anselmo y el incombustible José Luis López Vázquez ("La cabina (1972)") como el novio de su nieta. Como curiosidad, en la novela en que se basa el film nos muestra un final más drástico, nos describe como un vengativo Anselmo envenena a su familia al no complecerle su capricho. Una situación muy "heavy" para el realizador y me imagino que para la censura de la época, que lo suaviza, mostrando a un Anselmo fugándose de casa con el cochecito y que es detenido y "devuelto" a su familia después de robar a su hijo.

el cochecito


Director: Marco Ferreri.

Intérpretes: José Isbert, Pedro Porcel, María Luisa Ponte, José Luis López Vázquez.

Escena:



Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria: 
José Isbert

EL COCHECITO (1960). El capricho de José Isbert.

el cochecito
Anselmo es un anciano que a pesar de su avanzada edad goza de una buena salud, algo que le diferencia de su grupo de amigos que tienen alguna minusvalía o deficiencia. Todos ellos disponen de un cochecito de motor para poder desplazarse de un lugar a otro y que de paso, les sirve como excusa para organizar alguna que otra quedada, una situación que hace que Anselmo se sienta más de una vez rechazado y marginado al no disponer del vehículo en cuestión. Este hecho le hará, de manera obsesiva, a intentar por todos los medios conseguir un cochecito a pesar de no contar con la aprobación de su familia. Marco Ferreri, es un cineasta italiano que rodaría en  España tres clásicos dentro de la etapa dorada del cine español: "El pisto (1959)", "Los chicos (1959)" y "El cochecito (1960)". Tres títulos con remarcada influencia al cine del neorrealismo italiano y que estarían caracterizados por mostrar en la gran pantalla de manera critica a la sociedad de la España franquista de los años 50 y 60. En esta ocasión me centraré en "El cochecito" un film escrito por Rafael Azcona (personaje clave junto a Ferreri y Berlanga en la historia del cine español) basándose en su propio relato "El paralítico" incluido en su libro "Pobre, paralítico y muerto" del año 1957. Al igual que sus anteriores títulos Ferreri nos muestra en "El cochecito" personajes muy humanos que viven situaciones inverosímiles, siendo esa naturalidad y  sencillez lo que hace que nos ganemos la simpatía de los personajes que lo componen, capaces de sacarnos alguna sonrisa dentro de los problemas que viven.

el cochecito

En "El cochecito" el personaje que centra la historia es Anselmo, un jubilado que se puede catalogar como un ñiño grande capichoso y que está ajeno a los problemas físicos de sus amistades. Aunque sea un personaje que nos transmite simpatía no oculta su personalidad egoísta, más preocupado en ser aceptado por su grupo de amigos que en el real problema que viven ellos. Esas ganas de aceptación por parte de Anselmo, hará que éste enfermé, no físicamente, pero si en su estado mental. Convertirá el vehículo en cuestión en una obsesión compulsiva, un capricho que a pesar de no necesitarlo (no tiene problemas para andar) si lo necesita para integrarse en su grupo de amigos. Aquí el director juega con la soledad de las personas mayores, mostrando a un jubilado desplazado por los miembros de su familia, que les hace sentir que molesta en su casa y que busca fuera, en la calle, ese cariño que no encuentra dentro de ella. Ferreri también toca el tema del consumismo y de esa manipulación "comercial" sobre las personas más indefensas (ancianos, minúsvalidos) para conseguir a su costa beneficios, muy bien reflejado en la película en la figura del ortopédico del pueblo (interpretado magníficamente por el actor Antonio Gavilán) donde convence a sus "víctimas" de que comprando su producto (el cochecito) mejoraran sus vidas.

el cochecito

Un acto bondadoso que sólo esconde una finalidad avariciosa para llenar sus arcas a costa de la inocencia de sus pacientes-clientes. En el reparto tendríamos a José Isbert como encargado de dar vida a Anselmo, un mítico actor de nuestro cine que tuvo como etapa de mayor éxito los años 50 y 60 gracias, en gran medida, a sus trabajos con el mencionado Marco Ferreri y Luis García Berlanga protagonizando clásicos como "Bienvenido Mister Marshall (1952)", "Los jueves, milagro (1957)" o "El verdugo (1963)". Cabe también destacar la presencia de José Álvarez "Lepe" (actor que compaginó el mundo del teatro y del cine participando en otro clásico del cine español como fue "Plácido (1961)") como Lucas, el mejor amigo de Anselmo, Pedro Porcel ("El turismo es un gran invento (1968)" como el hijo de Anselmo y el incombustible José Luis López Vázquez ("La cabina (1972)") como el novio de su nieta. Como curiosidad, en la novela en que se basa el film nos muestra un final más drástico, nos describe como un vengativo Anselmo envenena a su familia al no complecerle su capricho. Una situación muy "heavy" para el realizador y me imagino que para la censura de la época, que lo suaviza, mostrando a un Anselmo fugándose de casa con el cochecito y que es detenido y "devuelto" a su familia después de robar a su hijo.

el cochecito


Director: Marco Ferreri.

Intérpretes: José Isbert, Pedro Porcel, María Luisa Ponte, José Luis López Vázquez.

Escena:



Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria: 
José Isbert

los juegos del hambre en llamas
En esta secuela se mejora lo que se hizo en el film anterior. Francis Lawrence ("Soy Leyenda (2007)") intensifica la acción en la segunda mitad de "Los juegos del hambre en llamas" añadiendo más desafíos para Katniss Everdeen (una Jennifer Lawrence estupenda) que se verá obligada a luchar de nuevo por su vida en la 75 edición de los peligrosos juegos "tipo Gran Hermano de depredadores y presas". En esta ocasión se reclutará a expertos y supervivientes participantes de anteriores ediciones de los sanguinarios juegos a modo de evasión de entretenimiento para los ciudadanos de los diferentes distritos empobrecidos y esclavizados por el futurista y autoritario gobierno establecido. La dificultad de mantenerse con vida de nuestra heroína se verá incrementada debido a que el presidente Donald Sutherland y su consejero, el ahora desaparecido Philip Seymour Hoffman conspiran contra ella intentando evitar que el símbolo de libertad en el que se ha transformado para los ciudadanos de los diferentes distritos les sirva como inspiración para rebelarse contra el capitolio. Ahora sí, las novelas de Suzanne Collins se traducen en un llamamiento actual en favor de la intolerancia de '¡algunos gobiernos en detrimento de las manifestaciones de nuestras libertades y derechos de ciudadanos. "Los juegos del hambre" aún con los referentes en la primera parte de "Battle Royale (2000)", "El Malvado Zaroff (1932)" y "Perseguido (1987)" son en su secuela: "En llamas" un interesante reflejo del intento de cualquier gobierno de apagar los derechos de cualquier ciudadano para manifestar sus ideas, matando y castigando literalmente a todo aquel que proteste contra las injusticias impuestas. 

los juegos del hambre en llamas

Aquí el gobierno por muy fictício y futurista que se nos presente no deja de ser una muestra de lo que actualmente está pasado en nuestra realidad: 1.Se veta y coarta el derecho a manifestarse. 2. Se castiga a todo aquel que expone abiertamente sus ideales. 3.Se nos somete mediante los medios de comunicación a una vida en la que no caben las dudas, incitando a una represión a base de violencia y fingimiento de las clases más altas hacia las clases más desfavorecídas. Por todo esto "Los juegos del hambre en llamas" se antoja interesante. La muestra de que si una sola persona dice: "No", puede mover a los demás para cambiar las injusticias, desigualdades y sufrimiento impuestos desde las más altas esferas tanto de la política como de la economía. Todas las mencionadas ideas están impresas bajo la historia adolescente con espectaculares secuencias de acción, algo de romance y denuncia de la televisión basura para evitar que pensemos, actuemos y manifestemos una sociedad más justa, igualitaria y tolerante. Interesante, taquillera y reivindicable segunda parte que se ha convertido en todo un fenómeno literario y cinematográfico. Esperemos que las ideas que plantea también se conviertan en otro tipo de fenómeno en forma de conciencia social. Esperaré la tercera parte de la arquera heroína del sinsajo con un silbido para llamar la atención de algún que otro represor que anda por ahí suelto...

los juegos del hambre en llamas

Título original: The hunger games: catching fire.

Director: Francis Lawrence.

Intérpretes: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Philip Seymour Hoffman, Stanley Tucci, Woody Harrelson.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

LOS JUEGOS DEL HAMBRE: EN LLAMAS (2013). Jennifer Lawrence continúa siendo perseguida.

los juegos del hambre en llamas
En esta secuela se mejora lo que se hizo en el film anterior. Francis Lawrence ("Soy Leyenda (2007)") intensifica la acción en la segunda mitad de "Los juegos del hambre en llamas" añadiendo más desafíos para Katniss Everdeen (una Jennifer Lawrence estupenda) que se verá obligada a luchar de nuevo por su vida en la 75 edición de los peligrosos juegos "tipo Gran Hermano de depredadores y presas". En esta ocasión se reclutará a expertos y supervivientes participantes de anteriores ediciones de los sanguinarios juegos a modo de evasión de entretenimiento para los ciudadanos de los diferentes distritos empobrecidos y esclavizados por el futurista y autoritario gobierno establecido. La dificultad de mantenerse con vida de nuestra heroína se verá incrementada debido a que el presidente Donald Sutherland y su consejero, el ahora desaparecido Philip Seymour Hoffman conspiran contra ella intentando evitar que el símbolo de libertad en el que se ha transformado para los ciudadanos de los diferentes distritos les sirva como inspiración para rebelarse contra el capitolio. Ahora sí, las novelas de Suzanne Collins se traducen en un llamamiento actual en favor de la intolerancia de '¡algunos gobiernos en detrimento de las manifestaciones de nuestras libertades y derechos de ciudadanos. "Los juegos del hambre" aún con los referentes en la primera parte de "Battle Royale (2000)", "El Malvado Zaroff (1932)" y "Perseguido (1987)" son en su secuela: "En llamas" un interesante reflejo del intento de cualquier gobierno de apagar los derechos de cualquier ciudadano para manifestar sus ideas, matando y castigando literalmente a todo aquel que proteste contra las injusticias impuestas. 

los juegos del hambre en llamas

Aquí el gobierno por muy fictício y futurista que se nos presente no deja de ser una muestra de lo que actualmente está pasado en nuestra realidad: 1.Se veta y coarta el derecho a manifestarse. 2. Se castiga a todo aquel que expone abiertamente sus ideales. 3.Se nos somete mediante los medios de comunicación a una vida en la que no caben las dudas, incitando a una represión a base de violencia y fingimiento de las clases más altas hacia las clases más desfavorecídas. Por todo esto "Los juegos del hambre en llamas" se antoja interesante. La muestra de que si una sola persona dice: "No", puede mover a los demás para cambiar las injusticias, desigualdades y sufrimiento impuestos desde las más altas esferas tanto de la política como de la economía. Todas las mencionadas ideas están impresas bajo la historia adolescente con espectaculares secuencias de acción, algo de romance y denuncia de la televisión basura para evitar que pensemos, actuemos y manifestemos una sociedad más justa, igualitaria y tolerante. Interesante, taquillera y reivindicable segunda parte que se ha convertido en todo un fenómeno literario y cinematográfico. Esperemos que las ideas que plantea también se conviertan en otro tipo de fenómeno en forma de conciencia social. Esperaré la tercera parte de la arquera heroína del sinsajo con un silbido para llamar la atención de algún que otro represor que anda por ahí suelto...

los juegos del hambre en llamas

Título original: The hunger games: catching fire.

Director: Francis Lawrence.

Intérpretes: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Philip Seymour Hoffman, Stanley Tucci, Woody Harrelson.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

fellini, ocho y medio
Pocos directores tienen en su haber, alguna cinta tan imprescindible o inolvidable para el público más exigente como es el caso de "Fellini, ocho y medio" de Federico Fellini. Una obra que no fue confeccionada para satisfacer el entretenimiento cinéfilo de nadie, sino más bien como la construcción del deseo del director por exhibir sus preocupaciones mentales a la hora de hacer cine, mezclando hábilmente la realidad con lo onírico con tal calidad cinematográfica que el espectador, aunque tan solo sea por un segundo, comprende lo que en ese momento se le pasa por la cabeza a un director preocupado por hacer arte, y no un mero pasatiempo visual. "Ocho y medio" es una película que te hace pensar, es una cinta que no es fácil de digerir y que ofrece un trabajo tan personal que te ayuda a comprender en gran parte la psique del director. Esta es una de las razones por la que es considerada como la obra más particular y reconocible de Federico Fellini, en la que además, aprovecha la ocasión para situar al espectador en su pellejo a la hora de hacer cine, mostrando la falsedad y el excentricismo del mundo que rodea al séptimo arte, en especial cuando eres un refutado creador de cine. Esta obra, autobiográfica o no (según el momento en el que se le preguntara al director), es una auténtica exquisitez técnicamente hablando. Rodada en blanco y negro luce en ella unas imágenes visualmente atractivas que encandilan al público, y más aún, cuando los vestuarios, caracterizaciones y decorados mostrados en ella son soberbios en definitiva, tanto, que lograron el Óscar en esta categoría. 

fellini, ocho y medio

Cabe también destacar, como es habitual en las obras de Fellini, la participación musical del gran Nino Rota, que con sus encantadoras melodías cautiva al público y completa una labor musical sobresaliente. Y como no, es inevitable señalar, la participación de un enorme Marcello Mastroianni y una atractiva Claudia Cardinale entre muchos otros. El guión de "Ocho y medio", escrito junto con otros colaboradores por el propio director, saca adelante un proyecto en el que se desahoga a la hora de presentar al gran público los agobios y complicaciones que sufre un cineasta cuando está en la cima y todo lo que le rodea (productores, actores, amigos, críticos, etc.) le presionan para la terminación del film o ver el resultado de su próximo trabajo cuando este no está pensado y mucho menos realizado, evocando entonces en plena crisis creativa a su infancia para recurrir a la frase Asa-nisi-masa “ánima” en italiano o “Alma” en español. Lo cual en parte recuerda al gran clásico "Ciudadano Kane (1941)" y su "Rosebud" en alusión a su infancia. Dicho todo esto, no es difícil imaginar porqué ese año obtuvo el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Y eso, que no es una película para entretener, sino más bien una obra de arte esculpida por la mente e imaginación de este magnífico director que no es fácil de asimilar por el público, ya que su mezcla de drama, comedia y surrealismo profundiza en el pensamiento de un cineasta que es considerado por muchos, y razones no les faltan, como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. En esta ocasión además, por hacer partícipe al público del abatimiento y angustia que puede envolver a un cineasta en un momento de falta de inspiración fílmica, concluyendo una obra que es de visión obligada para todos aquellos que se consideren cinéfilos clásicos, aunque el resultado de esta, independientemente, los deje deslumbrados o decepcionados según su gusto cinematográfico. 

fellini, ocho y medio

Título original: Otto e Mezzo.

Director: Federico Fellini.

Intérpretes: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Ramón Morales Rodriguez
Autor del blog: El cine de Ramón

Información complementaria:

FELLINI, OCHO Y MEDIO (1963). La obra más personal de Federico Fellini.

fellini, ocho y medio
Pocos directores tienen en su haber, alguna cinta tan imprescindible o inolvidable para el público más exigente como es el caso de "Fellini, ocho y medio" de Federico Fellini. Una obra que no fue confeccionada para satisfacer el entretenimiento cinéfilo de nadie, sino más bien como la construcción del deseo del director por exhibir sus preocupaciones mentales a la hora de hacer cine, mezclando hábilmente la realidad con lo onírico con tal calidad cinematográfica que el espectador, aunque tan solo sea por un segundo, comprende lo que en ese momento se le pasa por la cabeza a un director preocupado por hacer arte, y no un mero pasatiempo visual. "Ocho y medio" es una película que te hace pensar, es una cinta que no es fácil de digerir y que ofrece un trabajo tan personal que te ayuda a comprender en gran parte la psique del director. Esta es una de las razones por la que es considerada como la obra más particular y reconocible de Federico Fellini, en la que además, aprovecha la ocasión para situar al espectador en su pellejo a la hora de hacer cine, mostrando la falsedad y el excentricismo del mundo que rodea al séptimo arte, en especial cuando eres un refutado creador de cine. Esta obra, autobiográfica o no (según el momento en el que se le preguntara al director), es una auténtica exquisitez técnicamente hablando. Rodada en blanco y negro luce en ella unas imágenes visualmente atractivas que encandilan al público, y más aún, cuando los vestuarios, caracterizaciones y decorados mostrados en ella son soberbios en definitiva, tanto, que lograron el Óscar en esta categoría. 

fellini, ocho y medio

Cabe también destacar, como es habitual en las obras de Fellini, la participación musical del gran Nino Rota, que con sus encantadoras melodías cautiva al público y completa una labor musical sobresaliente. Y como no, es inevitable señalar, la participación de un enorme Marcello Mastroianni y una atractiva Claudia Cardinale entre muchos otros. El guión de "Ocho y medio", escrito junto con otros colaboradores por el propio director, saca adelante un proyecto en el que se desahoga a la hora de presentar al gran público los agobios y complicaciones que sufre un cineasta cuando está en la cima y todo lo que le rodea (productores, actores, amigos, críticos, etc.) le presionan para la terminación del film o ver el resultado de su próximo trabajo cuando este no está pensado y mucho menos realizado, evocando entonces en plena crisis creativa a su infancia para recurrir a la frase Asa-nisi-masa “ánima” en italiano o “Alma” en español. Lo cual en parte recuerda al gran clásico "Ciudadano Kane (1941)" y su "Rosebud" en alusión a su infancia. Dicho todo esto, no es difícil imaginar porqué ese año obtuvo el Óscar a la mejor película de habla no inglesa. Y eso, que no es una película para entretener, sino más bien una obra de arte esculpida por la mente e imaginación de este magnífico director que no es fácil de asimilar por el público, ya que su mezcla de drama, comedia y surrealismo profundiza en el pensamiento de un cineasta que es considerado por muchos, y razones no les faltan, como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos. En esta ocasión además, por hacer partícipe al público del abatimiento y angustia que puede envolver a un cineasta en un momento de falta de inspiración fílmica, concluyendo una obra que es de visión obligada para todos aquellos que se consideren cinéfilos clásicos, aunque el resultado de esta, independientemente, los deje deslumbrados o decepcionados según su gusto cinematográfico. 

fellini, ocho y medio

Título original: Otto e Mezzo.

Director: Federico Fellini.

Intérpretes: Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo, Rossella Falk, Barbara Steele, Mario Pisu.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Ramón Morales Rodriguez
Autor del blog: El cine de Ramón

Información complementaria:

shame
Al leer en multitud de artículos de periódicos, suplementos y revistas los beneficios innegables tanto físicos como mentales que aporta el tener una vida sexual activa en pareja, a el que escribe le da que pensar... En pocas ocasiones se tiene en cuenta la vida sexual en solitario, posiblemente por la vergüenza ajena y confusión (en inglés Shame) que se tiene en general socialmente sobre la vida sexual de alguien soltero/a si es que no se le conoce pareja alguna. Además vivimos sometidos a continuos reflujos mediáticos ya sea en la t.v, publicidad y cualquier medio informativo con un avasallamiento propenso a desmitificar el tabú del sexo a través de una propaganda repleta de lubricantes, métodos anticonceptivos, anuncios para asistir a especialistas si se tiene dusfunción eréctil y la cantidad de conversaciones sobre las "famosas pastillas azules" para alargar la actividad sexual sin que se dañe la autoestima de nadie, junto a otros temas referidos al íntimo acto del sexo (una normalización en toda regla del erotismo en general), escandaloso para unos, cotidiano para otros (no entraré en este debate). De lo que sí hablaré es que en la mayoría de las ocasiones en las que se habla abiertamente sobre sexo son contadas con cuentagotas en las que se aborda el tema de la sensibilidad personal, de la delicadeza y de las relaciones personales de pareja basadas en el auténtico amor. En la película del director Steve McQueen (no confundir con el actor de "Bullit (1968)"), un apuesto hombre de negocios Michael Fassbender (Brandon) es un soltero de oro que aparenta tener una vida sexual "sana" con abundantes y variadas relaciones sexuales sin plantearse ningún apego emocional (actitud aprobada mayoritariamente hoy día por toda la sociedad tanto masculina como femenina). 

shame

Lo que en un principio puede considerarse trivial y bien considerado se torna en una espiral de pornografía, masturbación y obsesión onanista que convierten a Brandon en algo completamente diferente en su intimidad a lo que en realidad podía pensarse de él. Y es que aunque parezca un hombre de éxito al que no le cuesta ningún esfuerzo cortejar a mujeres bellas con su encanto basado en miradas, sonrisas y frases cortas, lo que en realidad hay debajo de la belleza de su perfil masculino de Dioniso es una depravación enfermiza sexual que le atormenta. El personaje de Fassbender revela una gangrena fálica de insensibilidad emocional que acaba extendiéndose a su psicología y que le hacen parecer más a un aparato electrodoméstico que a un hombre. Mientras Brandon está enchufado (manteniendo sexo) se comporta como un vibrador que una vez desconectado queda inútil y sin ninguna función como ser humano, siendo incapaz de comunicar cualquier tipo de sentimiento. 

shame

Fassbender tiene un resgistro interpretativo capaz de llegar a la angustia, a la ansiedad y al desasosiego en su personaje que le transmutan en un ser obsesivo y depravado con comportamientos sexuales que le sumen en un pozo vacío y que le hacen buscar cual drogadicto un alivio sexual momentáneo que calme su síndrome de abstinecia libidinoso. La tragedia y la incomunicación colocarán a Brandon en una encrucijada para intentar sobrellevar sus obsesiones de perversión junto a la carga emocional a la que le somete su hermana (Carey Mulligan), que le insta a que le muestre más amor fraternal. De la película de McQueen se traduce una vampirización de un hombre de negocios (solitario onanista) incapaz de entablar ningún apego emocional que no sea a través de su falo, con las consecuencias de afección psicológica y obsesiva que le llevan por oscuros comportamientos de voyeur y perturbados actos sexuales varios, que tiene que cagar también con la responsabilidad afectiva de su hermana. Al final él decide su camino después de el terrible acto de su hermana que no desvelaré aquí y que le sirve para reflexionar: Continuar con la orgía inestable de su intimidad libre de prejuicios o afianzarse personalmente con una actitud sexual abierta, pero que no acabe con su estabilidad emocional, o quizá emparejarse con alguien...La película queda abierta con libre transcripción.

shame 2011

Director: Steve McQueen.

Intérpretes: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Jake Richard Siciliano, Hannah Ware, Alex Manette.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

SHAME (2011). La adicción sexual de Michael Fassbender.

shame
Al leer en multitud de artículos de periódicos, suplementos y revistas los beneficios innegables tanto físicos como mentales que aporta el tener una vida sexual activa en pareja, a el que escribe le da que pensar... En pocas ocasiones se tiene en cuenta la vida sexual en solitario, posiblemente por la vergüenza ajena y confusión (en inglés Shame) que se tiene en general socialmente sobre la vida sexual de alguien soltero/a si es que no se le conoce pareja alguna. Además vivimos sometidos a continuos reflujos mediáticos ya sea en la t.v, publicidad y cualquier medio informativo con un avasallamiento propenso a desmitificar el tabú del sexo a través de una propaganda repleta de lubricantes, métodos anticonceptivos, anuncios para asistir a especialistas si se tiene dusfunción eréctil y la cantidad de conversaciones sobre las "famosas pastillas azules" para alargar la actividad sexual sin que se dañe la autoestima de nadie, junto a otros temas referidos al íntimo acto del sexo (una normalización en toda regla del erotismo en general), escandaloso para unos, cotidiano para otros (no entraré en este debate). De lo que sí hablaré es que en la mayoría de las ocasiones en las que se habla abiertamente sobre sexo son contadas con cuentagotas en las que se aborda el tema de la sensibilidad personal, de la delicadeza y de las relaciones personales de pareja basadas en el auténtico amor. En la película del director Steve McQueen (no confundir con el actor de "Bullit (1968)"), un apuesto hombre de negocios Michael Fassbender (Brandon) es un soltero de oro que aparenta tener una vida sexual "sana" con abundantes y variadas relaciones sexuales sin plantearse ningún apego emocional (actitud aprobada mayoritariamente hoy día por toda la sociedad tanto masculina como femenina). 

shame

Lo que en un principio puede considerarse trivial y bien considerado se torna en una espiral de pornografía, masturbación y obsesión onanista que convierten a Brandon en algo completamente diferente en su intimidad a lo que en realidad podía pensarse de él. Y es que aunque parezca un hombre de éxito al que no le cuesta ningún esfuerzo cortejar a mujeres bellas con su encanto basado en miradas, sonrisas y frases cortas, lo que en realidad hay debajo de la belleza de su perfil masculino de Dioniso es una depravación enfermiza sexual que le atormenta. El personaje de Fassbender revela una gangrena fálica de insensibilidad emocional que acaba extendiéndose a su psicología y que le hacen parecer más a un aparato electrodoméstico que a un hombre. Mientras Brandon está enchufado (manteniendo sexo) se comporta como un vibrador que una vez desconectado queda inútil y sin ninguna función como ser humano, siendo incapaz de comunicar cualquier tipo de sentimiento. 

shame

Fassbender tiene un resgistro interpretativo capaz de llegar a la angustia, a la ansiedad y al desasosiego en su personaje que le transmutan en un ser obsesivo y depravado con comportamientos sexuales que le sumen en un pozo vacío y que le hacen buscar cual drogadicto un alivio sexual momentáneo que calme su síndrome de abstinecia libidinoso. La tragedia y la incomunicación colocarán a Brandon en una encrucijada para intentar sobrellevar sus obsesiones de perversión junto a la carga emocional a la que le somete su hermana (Carey Mulligan), que le insta a que le muestre más amor fraternal. De la película de McQueen se traduce una vampirización de un hombre de negocios (solitario onanista) incapaz de entablar ningún apego emocional que no sea a través de su falo, con las consecuencias de afección psicológica y obsesiva que le llevan por oscuros comportamientos de voyeur y perturbados actos sexuales varios, que tiene que cagar también con la responsabilidad afectiva de su hermana. Al final él decide su camino después de el terrible acto de su hermana que no desvelaré aquí y que le sirve para reflexionar: Continuar con la orgía inestable de su intimidad libre de prejuicios o afianzarse personalmente con una actitud sexual abierta, pero que no acabe con su estabilidad emocional, o quizá emparejarse con alguien...La película queda abierta con libre transcripción.

shame 2011

Director: Steve McQueen.

Intérpretes: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Jake Richard Siciliano, Hannah Ware, Alex Manette.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

brazil
La primera palabra que me viene a la mente con la película de Terry Gilliam del año 85 es "Galimatías". Un galimatías en el que la heterogeneidad de imágenes llega a confundir al espectador que visione "Brazil". Film del director de "Las aventuras del barón Munchausen (1988)" y ex- Monty Python que se titula como el país sudamericano a mi entender por la gran mascarada de carnaval que refleja. "Brazil" muestra una sociedad retrofuturista plagada de elementos anacrónicos en la que los seres humanos viven agrupados en colmenas de edificios y sometidos por una cantidad de burocracia tan exageradamente jerarquizada que roza la locura en cuanto a la administración que rige con mano autoritaria. En la película "Brazil" una simple mosca crea un desbarajuste administrativo que acaba con una equivocación que hace que se detenga por parte de las fuerzas policiales a la persona equivocada, lo que provocará la reclamación de la vecina del apresado, que al parecer es la misma mujer con la que sueña en reiteradas ocasiones el funcionario que se dedica a tramitar la información y todo el papeleo que ha provocado el error Sam Lowry (Jonathan Pryce). Lowry hará todo lo posible por coincidir y conocer a su amada en sus sueños creando situaciones que confunden la realidad con la ficción. El personaje de Jonathan Pryce se ve a sí mismo en sus sueños con una armadura plateada volando con unas alas que le hacen surcar los cielos y que armado con una espada para salvar a su dama en apuros, se enfrenta a un enorme Samurai (que puede ejemplificarse como la tradición y rigidez de su autoritaria sociedad). 

brazil

De algún modo y bajo mi punto de vista toda la locura pergeñada por Gilliam en su film no es sino una denuncia a la cantidad de trámites y formularios necesarios para ser reconocido en cualquier sociedad como un ciudadano más, ciudadano empujado a ver la televisión, obedecer y no poner en tela de juicio a todo el sinsentido que le rodea con una cantidad demencial de tubos, cables y mecanismos que buscan mantener un control que ante cualquier pequeño error (como el de la mosca) se convierte en un descontrol absoluto. En el viaje que realiza Lowry-Pryce para encontrar a la mujer soñada van apareciendo un surtido grupo de actores: Ian Holm (jefe de Lowry), Robert De Niro (obsesivo terrorista y técnico del aire acondicionado confundido con el inocente vecino apresado), Bob Hoskins (como técnico malvado y pernicioso) entre otros..creando una fauna de personajes demenciales. 

brazil

La película de Terry Gilliam con una dirección artística abrumadora que mezcla todo tipo de locuras exravagantes muy arraigadas a la carrera del director del creador de "12 monos (1995)" y "Tideland (2005)" son todo un cuadro plagado de imágenes abstractas que llevan a casi todos los personajes que protagonizan sus películas a confundir su mundo onírico con la realidad, no sabiendo distinguir entre uno u otro. Todo es pues un "Quijotesco" mundo en el que la realidad se convierte en ficción y vivecersa en contra de todas las injusticias reales que acontecen a todos los personajes de Gilliam en sus películas: El barón Munchausen (John Neville), El Robin Williams de "El rey pescador (1991)" y el Bruce Willis de "12 monos (1995)" entre otros tienen al igual que el Jonathan Pryce de Brazil la misma afección psicológica. La película tuvo dos nominaciones a los Óscar (mejor guión original y dirección artística), su mencionada dirección artística fue referencia para films como el "Batman" de 1989 entre otras. "Brazil" en su edición televisiva acusó un cambio más dulcificado con un final alternativo. Considero Brazil como una locura fílmica que alberga un mensaje contra la intoleracia y la represión, con imágenes tan extravagantes como agobiantes.

brazil


Director: Terry Gilliam.

Intérpretes: Jonathan Pryce, Kim Greist, Michael Palin, Katherine Helmond, Ian Holm, Bob Hoskins, Ian Richardson, Peter Vaughan, Robert De Niro.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Jonathan Pryce

BRAZIL (1985). El extravagante universo de Terry Gilliam.

brazil
La primera palabra que me viene a la mente con la película de Terry Gilliam del año 85 es "Galimatías". Un galimatías en el que la heterogeneidad de imágenes llega a confundir al espectador que visione "Brazil". Film del director de "Las aventuras del barón Munchausen (1988)" y ex- Monty Python que se titula como el país sudamericano a mi entender por la gran mascarada de carnaval que refleja. "Brazil" muestra una sociedad retrofuturista plagada de elementos anacrónicos en la que los seres humanos viven agrupados en colmenas de edificios y sometidos por una cantidad de burocracia tan exageradamente jerarquizada que roza la locura en cuanto a la administración que rige con mano autoritaria. En la película "Brazil" una simple mosca crea un desbarajuste administrativo que acaba con una equivocación que hace que se detenga por parte de las fuerzas policiales a la persona equivocada, lo que provocará la reclamación de la vecina del apresado, que al parecer es la misma mujer con la que sueña en reiteradas ocasiones el funcionario que se dedica a tramitar la información y todo el papeleo que ha provocado el error Sam Lowry (Jonathan Pryce). Lowry hará todo lo posible por coincidir y conocer a su amada en sus sueños creando situaciones que confunden la realidad con la ficción. El personaje de Jonathan Pryce se ve a sí mismo en sus sueños con una armadura plateada volando con unas alas que le hacen surcar los cielos y que armado con una espada para salvar a su dama en apuros, se enfrenta a un enorme Samurai (que puede ejemplificarse como la tradición y rigidez de su autoritaria sociedad). 

brazil

De algún modo y bajo mi punto de vista toda la locura pergeñada por Gilliam en su film no es sino una denuncia a la cantidad de trámites y formularios necesarios para ser reconocido en cualquier sociedad como un ciudadano más, ciudadano empujado a ver la televisión, obedecer y no poner en tela de juicio a todo el sinsentido que le rodea con una cantidad demencial de tubos, cables y mecanismos que buscan mantener un control que ante cualquier pequeño error (como el de la mosca) se convierte en un descontrol absoluto. En el viaje que realiza Lowry-Pryce para encontrar a la mujer soñada van apareciendo un surtido grupo de actores: Ian Holm (jefe de Lowry), Robert De Niro (obsesivo terrorista y técnico del aire acondicionado confundido con el inocente vecino apresado), Bob Hoskins (como técnico malvado y pernicioso) entre otros..creando una fauna de personajes demenciales. 

brazil

La película de Terry Gilliam con una dirección artística abrumadora que mezcla todo tipo de locuras exravagantes muy arraigadas a la carrera del director del creador de "12 monos (1995)" y "Tideland (2005)" son todo un cuadro plagado de imágenes abstractas que llevan a casi todos los personajes que protagonizan sus películas a confundir su mundo onírico con la realidad, no sabiendo distinguir entre uno u otro. Todo es pues un "Quijotesco" mundo en el que la realidad se convierte en ficción y vivecersa en contra de todas las injusticias reales que acontecen a todos los personajes de Gilliam en sus películas: El barón Munchausen (John Neville), El Robin Williams de "El rey pescador (1991)" y el Bruce Willis de "12 monos (1995)" entre otros tienen al igual que el Jonathan Pryce de Brazil la misma afección psicológica. La película tuvo dos nominaciones a los Óscar (mejor guión original y dirección artística), su mencionada dirección artística fue referencia para films como el "Batman" de 1989 entre otras. "Brazil" en su edición televisiva acusó un cambio más dulcificado con un final alternativo. Considero Brazil como una locura fílmica que alberga un mensaje contra la intoleracia y la represión, con imágenes tan extravagantes como agobiantes.

brazil


Director: Terry Gilliam.

Intérpretes: Jonathan Pryce, Kim Greist, Michael Palin, Katherine Helmond, Ian Holm, Bob Hoskins, Ian Richardson, Peter Vaughan, Robert De Niro.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Jonathan Pryce

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