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el-gran-azul
Desde pequeño, Jacques Mayol ha tenido un talento especial: es capaz de sumergirse a gran profundidad y contener su respiración durante mucho tiempo. Su rivalidad con su amigo Enzo en las competiciones de apnea lo llevará hasta un territorio solitario y mágico en donde realmente, puede abrir los ojos y ver.

Película de culto especialmente en Francia, Le Grand Bleu se inspira en las hazañas de Jacques Mayol también conocido como el "hombre delfín" capaz de descender a grandes profundidades sin equipo alguno y tomando una sola bocanada de aire antes de la inmersión. Batió records de profundidad a -60 metros en 1966, -100 metros en 1976 y -105 metros en 1985.

Luc Besson engorilado por el éxito de la mediocre "Subway (1985)" encontró en la historia de este enigmático personaje varios elementos de considerable interés. Está el mensaje ecologista y la exaltación de la naturaleza y la libertad. Está el toma y daca de sana rivalidad y camaradería entre Jacques y Enzo (extraordinario Jean Reno al que descubrí con esta película) y está el "toque místico" e irreal del personaje protagonista que sólo parece sentirse a gusto cuando toca fondo en las profundidades que ningún otro ser humano es capaz de alcanzar sin equipo alguno. La combinación funciona, engrasada por una fotografía espléndida y una banda sonora excelente de Eric Serra que en Estados Unidos se encargó a Bill Conti con un resultado mediocre. Los cortes al metraje original en USA tampoco ayudaron y la película fracasó estrepitosamente en ese mercado.

el-gran-azul

O sea, que de todas todas, hay que ver la versión europea con sus 168 minutos de metraje y con la BSO de Serra. Esto es innegociable. Y aunque no me habría importado que esos 168 minutos de la película se centraran exclusivamente en las inmersiones de Jacques y Enzo, convengo a regañadientes que de cara al gran público, la historia "romántica" con Rosanna Arquette nos devuelve a tierra firme a tiempo de inhalar otra bocanada de aire. Curiosamente, esas escenas de cotidianeidad terrestre ponen de manifiesto lo alejado que estaba Jacques Mayol de sus semejantes, incluso de Enzo Molinari, su amigo y rival. Sus descensos son un viaje a la iluminación, una especie de toma de conciencia ancestral en el mismo seno del origen de la vida que solo pueden entender los delfines que nadan a su alrededor o que no muy lejos, saltan en el delfinario de noche celebrando un ritual ballardiano de alegría y entendimiento.

Sinceramente y viendo la evolución posterior de Luc Besson, siempre me he preguntado si "El Gran Azul" no fue sino un portentoso accidente en la carrera de este director que aunque volvería a dar en la diana con las muy estimables "Nikita, dura de matar (1990)" y "León (El profesional) (1994)", pareció abandonar progresivamente ese registro espectacular e intimista a la vez que es uno de los muchos tesoros que encierra esta larga y apasionante inmersión.

el-gran-azul

Título original: Le grand bleu.

Director: Luc Besson.

Intérpretes: Jean-Marc Barr, Jean Reno, Rosanna Arquette, Jean Bouisse, Paul Shenar, Sergio Castellitto, Valentina Vargas, Griffin Dunne.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por George Suckelectronic

EL GRAN AZUL (1988). El hombre delfín.

el-gran-azul
Desde pequeño, Jacques Mayol ha tenido un talento especial: es capaz de sumergirse a gran profundidad y contener su respiración durante mucho tiempo. Su rivalidad con su amigo Enzo en las competiciones de apnea lo llevará hasta un territorio solitario y mágico en donde realmente, puede abrir los ojos y ver.

Película de culto especialmente en Francia, Le Grand Bleu se inspira en las hazañas de Jacques Mayol también conocido como el "hombre delfín" capaz de descender a grandes profundidades sin equipo alguno y tomando una sola bocanada de aire antes de la inmersión. Batió records de profundidad a -60 metros en 1966, -100 metros en 1976 y -105 metros en 1985.

Luc Besson engorilado por el éxito de la mediocre "Subway (1985)" encontró en la historia de este enigmático personaje varios elementos de considerable interés. Está el mensaje ecologista y la exaltación de la naturaleza y la libertad. Está el toma y daca de sana rivalidad y camaradería entre Jacques y Enzo (extraordinario Jean Reno al que descubrí con esta película) y está el "toque místico" e irreal del personaje protagonista que sólo parece sentirse a gusto cuando toca fondo en las profundidades que ningún otro ser humano es capaz de alcanzar sin equipo alguno. La combinación funciona, engrasada por una fotografía espléndida y una banda sonora excelente de Eric Serra que en Estados Unidos se encargó a Bill Conti con un resultado mediocre. Los cortes al metraje original en USA tampoco ayudaron y la película fracasó estrepitosamente en ese mercado.

el-gran-azul

O sea, que de todas todas, hay que ver la versión europea con sus 168 minutos de metraje y con la BSO de Serra. Esto es innegociable. Y aunque no me habría importado que esos 168 minutos de la película se centraran exclusivamente en las inmersiones de Jacques y Enzo, convengo a regañadientes que de cara al gran público, la historia "romántica" con Rosanna Arquette nos devuelve a tierra firme a tiempo de inhalar otra bocanada de aire. Curiosamente, esas escenas de cotidianeidad terrestre ponen de manifiesto lo alejado que estaba Jacques Mayol de sus semejantes, incluso de Enzo Molinari, su amigo y rival. Sus descensos son un viaje a la iluminación, una especie de toma de conciencia ancestral en el mismo seno del origen de la vida que solo pueden entender los delfines que nadan a su alrededor o que no muy lejos, saltan en el delfinario de noche celebrando un ritual ballardiano de alegría y entendimiento.

Sinceramente y viendo la evolución posterior de Luc Besson, siempre me he preguntado si "El Gran Azul" no fue sino un portentoso accidente en la carrera de este director que aunque volvería a dar en la diana con las muy estimables "Nikita, dura de matar (1990)" y "León (El profesional) (1994)", pareció abandonar progresivamente ese registro espectacular e intimista a la vez que es uno de los muchos tesoros que encierra esta larga y apasionante inmersión.

el-gran-azul

Título original: Le grand bleu.

Director: Luc Besson.

Intérpretes: Jean-Marc Barr, Jean Reno, Rosanna Arquette, Jean Bouisse, Paul Shenar, Sergio Castellitto, Valentina Vargas, Griffin Dunne.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por George Suckelectronic

legend
No es tiempo de ponerse medallas con Tom Hardy, pero desde el primer momento en que empezó a tener papeles protagonistas, primero en films pesimamente distribuidos en España como Bronson o Warrior, y luego en indiscutibles éxitos de taquilla de sobra conocidos ha ido demostrando que su nivel actoral es muy alto, con Legend (2015) de Brian Helgeland, asume el reto de dar vida  los gemelos hermanos Kray, en una monumental doble creación imprescindible de visionar en su versión original, ya que el doblaje de Iván Muelas (voz habitual de Castle o Benedict Cumberbatch) empobrece y mucho sobre todo a Ray, el psicótico de los dos, cuya voz en su pista en ingles guarda cierto parecido con la de Bane en El Caballero Oscuro. La de Legend es una historia que sobre todo narra el cómo fueron subiendo como la espuma los hermanos Kray en un Londres de los años sesenta que parecía una ciudad sin ley y que buscaba ser dominaba, por lo menos con ellos, hacia la vista gorda.

Poco a poco estos dos piezas fueron adueñándose de las partes menos vistosas hasta llegar a dominar la ciudad entera y ampliar sus garras hasta Miami con la ayuda de un amigo americano al que da vida un ya bastante desmejorado Chazz Palminteri, que asiste atónito a una de las más geniales e inenarrables escenas del film; Ray rechazando tras un brindis, a las mujeres americanas que le ofrece, y sacando a relucir su amplio espectro de caza en cuanto a hombres. Tener a un actor en tal estado de gracia como Hardy, hace que la historia se minimice, Legend  se sustenta expresamente en él. Aunque con apariciones de importancia de David Thewlis -como el contable de confianza de Reggie, pero no de Ray, con el que se las tendrá tiesas más de una vez- Taron Egerton –el gran descubrimiento de Kingsman- y la joven Emily Browning, aquí en un papel con ciertas similitudes al de Sharon Stone en Casino, aunque con mucha menos fiereza, sí que comparte su debilidad mental y fisica. Como en toda historia de gánster aquí tenemos al poli que los persigue de forma implacable, aunque inútil durante la mayor parte del tiempo, al que da  vida Christopher Eccleston.

legend

Pero de nuevo volvemos a Hardy, porqué literalmente sin él no habría película, apoyado en una buena serie de diálogos y escenas muy bien escritas y vistas por la óptica de Helgeland –quien sigue siendo mucho mejor guionista que director- ojo a la pelea en el Bar, con Ray en primera instancia dejando solo a Reggie porque él fue a un tiroteo como los del antiguo Oeste y no a una pelea a puño limpio, y el tremebundo momento en donde uno de los hermanos ya totalmente hundido le dice al otro un dialogo realmente terrible como; le he matado, porque  no puedo matarte a ti, que da una idea de la lealtad y de lo enfermizo de la relación entre ambos, que incluso protagonizaran una pelea tan patética e intencionadamente torpe. Helgeland, tuvo aquí, un control creativo mucho mayor que en Payback (un policiaco setentero, recordado por serle arrancado de sus manos, remontando por la Warner y con escenas adicionales dirigidas obligado por el propio protagonista Mel Gibson) y el resultado del Helgeland director es que su película carece de la épica que uno le presupone a un film de gánster, quedando la narración como una sucesión de hechos que perfectamente podrían ser un highlights de  momentos tops de ambos hermanos en vida, pero muy lejos de otras cintas del genero, no ya entre las más grandes, sino mismamente entre las de perfil medio como Donnie Brasco. La ambientación y el diseño de producción cumplen, igual que los actores, el director es el problema, su falta de pasión su mayor lastre, ya que se ciñe demasiado al biopic y no al género, y acaba siendo una sucesión de hechos, y no una narración de ascenso, llegada y caída que atrape como debiera.

legend

Legend se rodó en el 2014, en dos fases, para que Hardy pudiera bajar de peso hasta y diferenciar a los dos hermanos, uno Reggie con un look más de galán, y el otro Ray, algo pasado de peso y con el pelo aplastado. En nuestro país se estreno oficialmente en Enero de 2016, y se encuentra en venta desde el pasado 10 de Junio de 2016.

legend

Director: Brian Helgeland.


Intérpretes: Tom Hardy, Emily Browning, Taron Egerton, Christopher Eccleston, David Thewlis, Chazz Palminteri, Colin Morgan.

Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Jonathan Glez

LEGEND (2015). El doble show de Tom Hardy.

legend
No es tiempo de ponerse medallas con Tom Hardy, pero desde el primer momento en que empezó a tener papeles protagonistas, primero en films pesimamente distribuidos en España como Bronson o Warrior, y luego en indiscutibles éxitos de taquilla de sobra conocidos ha ido demostrando que su nivel actoral es muy alto, con Legend (2015) de Brian Helgeland, asume el reto de dar vida  los gemelos hermanos Kray, en una monumental doble creación imprescindible de visionar en su versión original, ya que el doblaje de Iván Muelas (voz habitual de Castle o Benedict Cumberbatch) empobrece y mucho sobre todo a Ray, el psicótico de los dos, cuya voz en su pista en ingles guarda cierto parecido con la de Bane en El Caballero Oscuro. La de Legend es una historia que sobre todo narra el cómo fueron subiendo como la espuma los hermanos Kray en un Londres de los años sesenta que parecía una ciudad sin ley y que buscaba ser dominaba, por lo menos con ellos, hacia la vista gorda.

Poco a poco estos dos piezas fueron adueñándose de las partes menos vistosas hasta llegar a dominar la ciudad entera y ampliar sus garras hasta Miami con la ayuda de un amigo americano al que da vida un ya bastante desmejorado Chazz Palminteri, que asiste atónito a una de las más geniales e inenarrables escenas del film; Ray rechazando tras un brindis, a las mujeres americanas que le ofrece, y sacando a relucir su amplio espectro de caza en cuanto a hombres. Tener a un actor en tal estado de gracia como Hardy, hace que la historia se minimice, Legend  se sustenta expresamente en él. Aunque con apariciones de importancia de David Thewlis -como el contable de confianza de Reggie, pero no de Ray, con el que se las tendrá tiesas más de una vez- Taron Egerton –el gran descubrimiento de Kingsman- y la joven Emily Browning, aquí en un papel con ciertas similitudes al de Sharon Stone en Casino, aunque con mucha menos fiereza, sí que comparte su debilidad mental y fisica. Como en toda historia de gánster aquí tenemos al poli que los persigue de forma implacable, aunque inútil durante la mayor parte del tiempo, al que da  vida Christopher Eccleston.

legend

Pero de nuevo volvemos a Hardy, porqué literalmente sin él no habría película, apoyado en una buena serie de diálogos y escenas muy bien escritas y vistas por la óptica de Helgeland –quien sigue siendo mucho mejor guionista que director- ojo a la pelea en el Bar, con Ray en primera instancia dejando solo a Reggie porque él fue a un tiroteo como los del antiguo Oeste y no a una pelea a puño limpio, y el tremebundo momento en donde uno de los hermanos ya totalmente hundido le dice al otro un dialogo realmente terrible como; le he matado, porque  no puedo matarte a ti, que da una idea de la lealtad y de lo enfermizo de la relación entre ambos, que incluso protagonizaran una pelea tan patética e intencionadamente torpe. Helgeland, tuvo aquí, un control creativo mucho mayor que en Payback (un policiaco setentero, recordado por serle arrancado de sus manos, remontando por la Warner y con escenas adicionales dirigidas obligado por el propio protagonista Mel Gibson) y el resultado del Helgeland director es que su película carece de la épica que uno le presupone a un film de gánster, quedando la narración como una sucesión de hechos que perfectamente podrían ser un highlights de  momentos tops de ambos hermanos en vida, pero muy lejos de otras cintas del genero, no ya entre las más grandes, sino mismamente entre las de perfil medio como Donnie Brasco. La ambientación y el diseño de producción cumplen, igual que los actores, el director es el problema, su falta de pasión su mayor lastre, ya que se ciñe demasiado al biopic y no al género, y acaba siendo una sucesión de hechos, y no una narración de ascenso, llegada y caída que atrape como debiera.

legend

Legend se rodó en el 2014, en dos fases, para que Hardy pudiera bajar de peso hasta y diferenciar a los dos hermanos, uno Reggie con un look más de galán, y el otro Ray, algo pasado de peso y con el pelo aplastado. En nuestro país se estreno oficialmente en Enero de 2016, y se encuentra en venta desde el pasado 10 de Junio de 2016.

legend

Director: Brian Helgeland.


Intérpretes: Tom Hardy, Emily Browning, Taron Egerton, Christopher Eccleston, David Thewlis, Chazz Palminteri, Colin Morgan.

Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Jonathan Glez

interestellar
Me resulta imposible hablar del "Interestellar" de Christopher Nolan sin los más que posibles referentes que ha tenido el director inglés: "2001: Una odisea del espacio (1968)" de Stanley Kubrick con sus misterios aún por desvelar, "Solaris (1972)" de Andréi Tarkovsky con sus fantasmas espaciales, y no podían faltar los dramas familiares en las películas de la marca Steven Spielberg, que son desde luego a mi criterio esenciales para entender mejor la última aventura cinematográfica del considerado nuevo genio del cine en el siglo XXI.

Pero con toda la espectacularidad scifi-científica como propuesta, la denuncia de los abusos ecológicos del hombre hacia la naturaleza (revelándose ésta en forma de devastadoras tormentas de polvo), y la profética falta de recursos alimenticios para abastecer a todos los seres humanos del planeta, Nolan no consigue convencerme con su profético astronauta Matthew McConaughey, que se convierte por obra y gracia del azar, la matemática, la ciencia y su afán por proteger a su familia, en el salvador de una humanidad abocada al exterminio.

La película del director de la trilogía del caballero oscuro venía precedida de críticas divididas, debido a un gran número de detractores y defensores de un "Interstellar" avalada al parecer por científicos de prestigio. Pero una vez vista por el que escribe estas líneas, tengo que decir que la presente película no ha satisfecho mis expectativas.

interestellar

Se suponía que Christopher Nolan acercaba sus majestuosas películas a un gran público, sin insultar su inteligencia y dando gran grado de verosimilitud a todo lo que nos mostraba en pantalla. Pues bien, aquí todas las paradojas temporales, los dramas humanos paterno filiales, el anhelo de los seres queridos a través de tiempo y espacio, y todos los discursos científicos cargados de tecnicismos que buscan equiparar las ecuaciones con la sensibilidad espiritual del amor para salvar a la familia, además de a toda la humanidad, me han resultado un galimatías casi tan enigmático como el obelisco de la odisea del espacio Kubrickiano.

Todo lo mostrado en "Interestellar" se antoja indigesto a mi entender para el espectador "normal", y aquello que me gustaba de Nolan se torna aquí demasiado trascendental, a través de una búsqueda de una importancia alejada del entretenimiento didáctico al que me tenía acostumbrado.

interestellar

Si en "Origen (2010)" se buscaba en cuanto a la mente humana una introspectiva espectacular entretenida y abrumadora con una vistosidad onírica excelente, y de sorpresiva calidad estética, en "Interestelar" creo se ha buscado lo mismo, pero en el espacio exterior, y el resultado es un excesivo film complicado, de estupenda factura visual, esforzadas interpretaciones, pero que no llega a cuajar ni convencerme. Es una película interesante, sí, tiene calidad, también. Lo único es, que a mi pesar, esta película es la peor de Nolan (siendo todavía un buen film de ciencia ficción).

 Y es que esa estantería alojada en una casa-granja como Teseracto o piedra Rosseta, es la clave de los secretos del universo para salvar a la familia del film, la especie humana y la colonización del hombre de otros planetas, que a mi juicio como película Nolaniana queda demasiado engorrosa, complicada y difícil de ingerir para este espectador que busca en el director de "El Caballero Oscuro", a esa especie de Alfred Hitchcock con un arma automática para entretener y encontrar sensaciones nuevas, pudiendo aportar algo que esté fuera de la mente humana.

El espacio exterior a Nolan se le escapa de las manos, con agujeros negros, utopías galácticas y demás parafernalia que consiguen un film de excelente factura, pero que esta vez no me satisface como entusiasta del director de "El truco final (2006)" y "Memento (2000)".

interestellar

Director: Christopher Nolan.

Intérpretes: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, David Gyasi, Jessica Chastain, Mackenzie Foy, Matt Damon, Michael Caine.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

INTERESTELLAR (2014). El viaje espacial de Christopher Nolan.

interestellar
Me resulta imposible hablar del "Interestellar" de Christopher Nolan sin los más que posibles referentes que ha tenido el director inglés: "2001: Una odisea del espacio (1968)" de Stanley Kubrick con sus misterios aún por desvelar, "Solaris (1972)" de Andréi Tarkovsky con sus fantasmas espaciales, y no podían faltar los dramas familiares en las películas de la marca Steven Spielberg, que son desde luego a mi criterio esenciales para entender mejor la última aventura cinematográfica del considerado nuevo genio del cine en el siglo XXI.

Pero con toda la espectacularidad scifi-científica como propuesta, la denuncia de los abusos ecológicos del hombre hacia la naturaleza (revelándose ésta en forma de devastadoras tormentas de polvo), y la profética falta de recursos alimenticios para abastecer a todos los seres humanos del planeta, Nolan no consigue convencerme con su profético astronauta Matthew McConaughey, que se convierte por obra y gracia del azar, la matemática, la ciencia y su afán por proteger a su familia, en el salvador de una humanidad abocada al exterminio.

La película del director de la trilogía del caballero oscuro venía precedida de críticas divididas, debido a un gran número de detractores y defensores de un "Interstellar" avalada al parecer por científicos de prestigio. Pero una vez vista por el que escribe estas líneas, tengo que decir que la presente película no ha satisfecho mis expectativas.

interestellar

Se suponía que Christopher Nolan acercaba sus majestuosas películas a un gran público, sin insultar su inteligencia y dando gran grado de verosimilitud a todo lo que nos mostraba en pantalla. Pues bien, aquí todas las paradojas temporales, los dramas humanos paterno filiales, el anhelo de los seres queridos a través de tiempo y espacio, y todos los discursos científicos cargados de tecnicismos que buscan equiparar las ecuaciones con la sensibilidad espiritual del amor para salvar a la familia, además de a toda la humanidad, me han resultado un galimatías casi tan enigmático como el obelisco de la odisea del espacio Kubrickiano.

Todo lo mostrado en "Interestellar" se antoja indigesto a mi entender para el espectador "normal", y aquello que me gustaba de Nolan se torna aquí demasiado trascendental, a través de una búsqueda de una importancia alejada del entretenimiento didáctico al que me tenía acostumbrado.

interestellar

Si en "Origen (2010)" se buscaba en cuanto a la mente humana una introspectiva espectacular entretenida y abrumadora con una vistosidad onírica excelente, y de sorpresiva calidad estética, en "Interestelar" creo se ha buscado lo mismo, pero en el espacio exterior, y el resultado es un excesivo film complicado, de estupenda factura visual, esforzadas interpretaciones, pero que no llega a cuajar ni convencerme. Es una película interesante, sí, tiene calidad, también. Lo único es, que a mi pesar, esta película es la peor de Nolan (siendo todavía un buen film de ciencia ficción).

 Y es que esa estantería alojada en una casa-granja como Teseracto o piedra Rosseta, es la clave de los secretos del universo para salvar a la familia del film, la especie humana y la colonización del hombre de otros planetas, que a mi juicio como película Nolaniana queda demasiado engorrosa, complicada y difícil de ingerir para este espectador que busca en el director de "El Caballero Oscuro", a esa especie de Alfred Hitchcock con un arma automática para entretener y encontrar sensaciones nuevas, pudiendo aportar algo que esté fuera de la mente humana.

El espacio exterior a Nolan se le escapa de las manos, con agujeros negros, utopías galácticas y demás parafernalia que consiguen un film de excelente factura, pero que esta vez no me satisface como entusiasta del director de "El truco final (2006)" y "Memento (2000)".

interestellar

Director: Christopher Nolan.

Intérpretes: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, David Gyasi, Jessica Chastain, Mackenzie Foy, Matt Damon, Michael Caine.

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B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

pickpocket
"Esta no es una película de estilo policiaco. El autor trata de expresar a través de imágenes y de sonidos, la pesadilla de un joven empujado por su debilidad, en una aventura de robo para la cual no estaba hecho. Pero esta aventura, por caminos extraños, reunirá a dos almas, que sin ella, quizás nunca se hubieran conocido". Con este prólogo nos introduce Robert Bresson en uno de los setenta y dos minutos más hermosos que han existido en el séptimo arte.

París. Finales de los cincuenta Michel es un joven solitario, vive en una pequeña habitación repleta de libros. La relación con su madre es distante y está a cargo de Jeanne, una joven que ha sido abandonada a su vez por su madre y que vive con un padre alcohólico. A Michel le atraen los robos, más por fascinación y por experimentar sensaciones distintas, dadas por su superioridad intelectual y satisfacción personal, que por verdadera necesidad. Se dedica a ejecutar pequeños hurtos de carteras o relojes. Un día ejecutando uno de ellos es detenido. Allí tendrá tiempo de reflexionar sobre su existencia y actividad. Al morir su madre, Michel se dedicará profesionalmente a lo que hasta ahora era un pasatiempo que le reportaba algún beneficio. Para ello, una banda de carteristas le enseñará la técnica del oficio y a ejercitar la habilidad de sus manos.

pickpocket

Con guión del propio Robert Bresson e inspirado en la novela de Dostoievsky "Crimen y castigo" y fotografiada en un esplendoroso blanco y negro por Léonce-Henry Burel, Bresson, el director de la magistral "Un condenado a muerte se ha escapado (1956)" nos dibuja, en su quinto largometraje y, utilizando una lineal voz en off, un sobrio y lírico relato donde los objetos, las manos y las miradas son mucho más elocuentes y necesarias que cualquier elevado diálogo. Magistrales y milimétricos es el montaje de los planos del robo de carteras o los primerísimos planos de las manos del protagonista que nos hipnotizan por su perfección.

Michael es interpretado por Martin Lasalle, un auténtico desconocido, y su primer y último papel con el realizador, puesto que Bresson apenas utilizaba actores profesionales en sus películas, ya que tenía la creencia de que su inexperiencia les ayudaba a ofrecer mayor espontaneidad a sus personajes; para lograrlo solo trabajaba únicamente una vez con ellos.

pickpocket

Los personajes del cine de Bresson son casi siempre seres marginados e infractores de las rígidas normas que impone la sociedad. Seres que experimentan una profunda soledad, angustia y desazón con tendencia al aislamiento, pero con una gran riqueza espiritual, aunque ésta y su redención, a través del amor, provengan desde los barrotes de la cárcel, como Michel, hasta ese momento, emocionalmente vacío: -"Oh Jeanne, para llegar hasta ti, qué extraño camino tuve que tomar". Bresson no nos anima a juzgar o prejuzgar el comportamiento delictivo o la falta de ética de Michel, aunque este sea contrario a derecho y fuera de la ley, pero se trata de su propia moral:-"El hecho de que sepamos que algo está mal hecho, no impide que lo realicemos". Un nihilista no encontraría nada reprochable esta conducta, si se trata de sentir satisfacción o placer en la ejecución de algún acto que nos aleje de la realidad.

Bresson, con una breve pero impactante filmografía, coloca a Pickpocket, por derecho propio, entre las mejores películas de la historia. No encontraremos en ella acción ni ritmo trepidante, ni elocuentes diálogos, sino mucha contención, sencillez, silencios y sutiles miradas, retratadas por el francés a través de una narración fluida y de planos y con un montaje de una belleza y delicadeza extrema. Y como la belleza no puede describirse, sino que está hecha para ser sentida y contemplada, se hace del todo necesario verla.

pickpocket

Director: Robert Bresson.

Intérpretes: Martin LaSalle, Marika Green, Jean Pelegri, Dolly Scal, Pierre Leymarie, Kassagi,Pierre Étaix, César Gattegno.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

PICKPOCKET (1959). El carterista de Robert Bresson.

pickpocket
"Esta no es una película de estilo policiaco. El autor trata de expresar a través de imágenes y de sonidos, la pesadilla de un joven empujado por su debilidad, en una aventura de robo para la cual no estaba hecho. Pero esta aventura, por caminos extraños, reunirá a dos almas, que sin ella, quizás nunca se hubieran conocido". Con este prólogo nos introduce Robert Bresson en uno de los setenta y dos minutos más hermosos que han existido en el séptimo arte.

París. Finales de los cincuenta Michel es un joven solitario, vive en una pequeña habitación repleta de libros. La relación con su madre es distante y está a cargo de Jeanne, una joven que ha sido abandonada a su vez por su madre y que vive con un padre alcohólico. A Michel le atraen los robos, más por fascinación y por experimentar sensaciones distintas, dadas por su superioridad intelectual y satisfacción personal, que por verdadera necesidad. Se dedica a ejecutar pequeños hurtos de carteras o relojes. Un día ejecutando uno de ellos es detenido. Allí tendrá tiempo de reflexionar sobre su existencia y actividad. Al morir su madre, Michel se dedicará profesionalmente a lo que hasta ahora era un pasatiempo que le reportaba algún beneficio. Para ello, una banda de carteristas le enseñará la técnica del oficio y a ejercitar la habilidad de sus manos.

pickpocket

Con guión del propio Robert Bresson e inspirado en la novela de Dostoievsky "Crimen y castigo" y fotografiada en un esplendoroso blanco y negro por Léonce-Henry Burel, Bresson, el director de la magistral "Un condenado a muerte se ha escapado (1956)" nos dibuja, en su quinto largometraje y, utilizando una lineal voz en off, un sobrio y lírico relato donde los objetos, las manos y las miradas son mucho más elocuentes y necesarias que cualquier elevado diálogo. Magistrales y milimétricos es el montaje de los planos del robo de carteras o los primerísimos planos de las manos del protagonista que nos hipnotizan por su perfección.

Michael es interpretado por Martin Lasalle, un auténtico desconocido, y su primer y último papel con el realizador, puesto que Bresson apenas utilizaba actores profesionales en sus películas, ya que tenía la creencia de que su inexperiencia les ayudaba a ofrecer mayor espontaneidad a sus personajes; para lograrlo solo trabajaba únicamente una vez con ellos.

pickpocket

Los personajes del cine de Bresson son casi siempre seres marginados e infractores de las rígidas normas que impone la sociedad. Seres que experimentan una profunda soledad, angustia y desazón con tendencia al aislamiento, pero con una gran riqueza espiritual, aunque ésta y su redención, a través del amor, provengan desde los barrotes de la cárcel, como Michel, hasta ese momento, emocionalmente vacío: -"Oh Jeanne, para llegar hasta ti, qué extraño camino tuve que tomar". Bresson no nos anima a juzgar o prejuzgar el comportamiento delictivo o la falta de ética de Michel, aunque este sea contrario a derecho y fuera de la ley, pero se trata de su propia moral:-"El hecho de que sepamos que algo está mal hecho, no impide que lo realicemos". Un nihilista no encontraría nada reprochable esta conducta, si se trata de sentir satisfacción o placer en la ejecución de algún acto que nos aleje de la realidad.

Bresson, con una breve pero impactante filmografía, coloca a Pickpocket, por derecho propio, entre las mejores películas de la historia. No encontraremos en ella acción ni ritmo trepidante, ni elocuentes diálogos, sino mucha contención, sencillez, silencios y sutiles miradas, retratadas por el francés a través de una narración fluida y de planos y con un montaje de una belleza y delicadeza extrema. Y como la belleza no puede describirse, sino que está hecha para ser sentida y contemplada, se hace del todo necesario verla.

pickpocket

Director: Robert Bresson.

Intérpretes: Martin LaSalle, Marika Green, Jean Pelegri, Dolly Scal, Pierre Leymarie, Kassagi,Pierre Étaix, César Gattegno.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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"El Otro" es un film de terror psicológico ambientado en una comunidad rural durante los años 30, la magnífica fotografía en color de Robert Surtees y el prodigioso uso de una luz acorde al caluroso verano que debe afrontar jugando en solitario el pequeño Niles Perry (Chris Udvarnoky) nos hacen pensar en otra obra maestra del cine donde el terror surge en pequeñas comunidades en el campo y a plena luz del día con un sol abrasador como es "La noche del cazador (1955)" de Charles Laughton. Basada en la novela de Tom Tryon publicada un año antes,el mismo autor es el encargado de escribir el guión para la película y Jerry Goldsmith firma una sugerente banda sonora. Mulligan imprime al film el mismo carácter esperanzador que ostenta "Matar a un ruiseñor (1962)", mostrándonos unos idílicos paisajes rurales o los en principio inocentes juegos por el bosque de los gemelos Perry de un impresionante parecido físico que sin embargo nunca aparecen juntos en el encuadre,sus conversaciones se nos muestran siempre en plano/contraplano. 

El tono acogedor del ambiente se revela en radical contraste con el horror que desencadenan varias tragedias que una y otra vez impiden la felicidad de la familia Perry, empezando por el desafortunado accidente doméstico que provoca la muerte del padre de los gemelos, sumiendo a su esposa Alexandra (Diana Muldaur) en una depresión de la que nunca se recuperará totalmente. Esta y otras muertes que están por llegar provocarán en el pequeño Niles una profunda sensación de soledad que solo encuentra alivio cuando su abuela Ada (Uta Hagen) le enseña "El gran juego",una mezcla entre fantasía y habilidades psíquicas que permiten al niño meterse en la mente de cualquier persona o animal que él desee. Mulligan nos ofrece unos impresionantes planos aéreos en plena naturaleza cuando Niles consigue meterse en la piel de un pájaro gracias al divertido pero peligroso juego.

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Un año antes que "El Exorcista (1973)" de William Friedkin, "El Otro" nos muestra como el mundo infantil puede ser cruel como en las peores pesadillas de un niño. Curiosamente en un periódico de la época en la que está ambientada,1935, leemos en portada la noticia de un suceso real: el secuestro del bebé del aviador Charles Lindbergh justo al principio de la película, así como asistimos a la fascinación de los gemelos Niles y Holland Perry (Martin Udvarnoky) por la atracción de una feria que bien podía ser la de Freaks (1932) de Todd Browning donde aparece dentro de un tarro una criatura llamada "Bebé hidrocefálico". También encontramos referencias a fábulas europeas como los cuentos de bebés que fueron robados y sustituidos por bebés de elfos en el momento que Niles intenta distraer con lectura a su enferma madre.Como veremos mas adelante todos estos hechos guardan relación con el desenlace del film. 

En resumen una película de un terror muy original y nada previsible en su argumento que anticipa la crueldad del cine de horror moderno que estaría por surgir en los años 70 pero sin la violencia que el público empezaba a demandar y con el clasicismo y la maestría de un director como Robert Mulligan perteneciente a la "edad de oro"del cine clásico.

el-otro

Título original: The Other.

Director: Robert Mulligan.

Intérpretes: Chris Udvarnoky, Martin Udvarnoky, Uta Hagen, Diana Muldaur, Norma Connolly, Victor French.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

EL OTRO (1972). El terror psicológico de Robert Mulligan.

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"El Otro" es un film de terror psicológico ambientado en una comunidad rural durante los años 30, la magnífica fotografía en color de Robert Surtees y el prodigioso uso de una luz acorde al caluroso verano que debe afrontar jugando en solitario el pequeño Niles Perry (Chris Udvarnoky) nos hacen pensar en otra obra maestra del cine donde el terror surge en pequeñas comunidades en el campo y a plena luz del día con un sol abrasador como es "La noche del cazador (1955)" de Charles Laughton. Basada en la novela de Tom Tryon publicada un año antes,el mismo autor es el encargado de escribir el guión para la película y Jerry Goldsmith firma una sugerente banda sonora. Mulligan imprime al film el mismo carácter esperanzador que ostenta "Matar a un ruiseñor (1962)", mostrándonos unos idílicos paisajes rurales o los en principio inocentes juegos por el bosque de los gemelos Perry de un impresionante parecido físico que sin embargo nunca aparecen juntos en el encuadre,sus conversaciones se nos muestran siempre en plano/contraplano. 

El tono acogedor del ambiente se revela en radical contraste con el horror que desencadenan varias tragedias que una y otra vez impiden la felicidad de la familia Perry, empezando por el desafortunado accidente doméstico que provoca la muerte del padre de los gemelos, sumiendo a su esposa Alexandra (Diana Muldaur) en una depresión de la que nunca se recuperará totalmente. Esta y otras muertes que están por llegar provocarán en el pequeño Niles una profunda sensación de soledad que solo encuentra alivio cuando su abuela Ada (Uta Hagen) le enseña "El gran juego",una mezcla entre fantasía y habilidades psíquicas que permiten al niño meterse en la mente de cualquier persona o animal que él desee. Mulligan nos ofrece unos impresionantes planos aéreos en plena naturaleza cuando Niles consigue meterse en la piel de un pájaro gracias al divertido pero peligroso juego.

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Un año antes que "El Exorcista (1973)" de William Friedkin, "El Otro" nos muestra como el mundo infantil puede ser cruel como en las peores pesadillas de un niño. Curiosamente en un periódico de la época en la que está ambientada,1935, leemos en portada la noticia de un suceso real: el secuestro del bebé del aviador Charles Lindbergh justo al principio de la película, así como asistimos a la fascinación de los gemelos Niles y Holland Perry (Martin Udvarnoky) por la atracción de una feria que bien podía ser la de Freaks (1932) de Todd Browning donde aparece dentro de un tarro una criatura llamada "Bebé hidrocefálico". También encontramos referencias a fábulas europeas como los cuentos de bebés que fueron robados y sustituidos por bebés de elfos en el momento que Niles intenta distraer con lectura a su enferma madre.Como veremos mas adelante todos estos hechos guardan relación con el desenlace del film. 

En resumen una película de un terror muy original y nada previsible en su argumento que anticipa la crueldad del cine de horror moderno que estaría por surgir en los años 70 pero sin la violencia que el público empezaba a demandar y con el clasicismo y la maestría de un director como Robert Mulligan perteneciente a la "edad de oro"del cine clásico.

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Título original: The Other.

Director: Robert Mulligan.

Intérpretes: Chris Udvarnoky, Martin Udvarnoky, Uta Hagen, Diana Muldaur, Norma Connolly, Victor French.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

y-el-mundo-marcha
El 4 Julio de 1900 nace un bebé varón en casa de los Sims, su padre lo alza sobre su cabeza y le augura un gran futuro. Sin embargo, el primer gran evento que le reserva la vida a nuestro protagonista, John Sims, es quedarse huérfano de padre con 12 años. Al cumplir los 21, henchido de orgullo y grandes ideales, con su narcisismo por bandera, se dirige hacia la Gran Manzana. Una vez allí, su principal y permanente objetivo será "Ser alguien importante", pero los acontecimientos de la vida y la realidad se imponen dificultando su deseado e ideal logro.

A lo largo de este intenso melodrama, se sucederán toda una serie de acontecimientos. Algunos de ellos, inmersos en la cotidianidad, destacarán por su gran realismo y sencillez, llenos de pequeños detalles en los que cualquiera puede verse identificado, como son la descripción de las fases en la convivencia de una pareja o las relaciones en el mundo laboral. Otros acontecimientos destacarán por su gran dramatismo, sin excesos, perfectamente encajados en el relato.

Toda una serie de vivencias encadenadas de forma perfecta, ambientadas en los años veinte y protagonizadas por un hombre que siempre intenta destacar de la multitud como única forma de sentirse bien consigo mismo. Una lucha permanente que le deparará todo tipo de decepciones, hasta llegar a admitir cuáles son las cosas importantes que la vida le reserva.

y-el-mundo-marcha

King Vidor dirige magistralmente una historia cotidiana y realista, convertida en todo un documento sobre la progresión hacia un mundo moderno en la gran ciudad de New York.

Podemos ver varias escenas destacables, como los planos de la ciudad. Tras un breve plano, insertado en la serie inicial, se muestra Nueva York abarrotada de transeúntes y vehículos, donde se ven dos imágenes superpuestas del tráfico de las calles, si no fuera porque una ligera panorámica muestra que la sobreimpresión no es tal, sino el reflejo en un cristal del otro lado de la calle.

Otra imagen llamativa, tanto más importante por su significado central en la película, es el magistral plano en el que a John Sims niño, le comunican la muerte de su padre en las escaleras de subida a la casa. Se crea así un espacio cinematográfico con una gran profundidad de campo, y es desde este prisma, un pasillo por donde asciende el protagonista dejando abajo, al fondo la multitud expectante donde se establece de forma visual toda la declaración de principios que configuran la historia: El deseo del individuo por ascender y desvincularse de las masas, que en lo sucesivo quedará siempre marcada por una sensación de amargura y soledad, de dolor en sus diferentes vertientes.

y-el-mundo-marcha

La imagen del pasillo como lugar de tránsito, de la existencia por donde deambula John, será recurrente en el film: en las oficinas, en el vagón coche-cama del tren, en la sala de la maternidad, entre las colas de parados, en el puente sobre las vías del ferrocarril.

Veremos la influencia de Vidor y su forma de filmar, de mostrar un rostro entre la multitud y plasmar un entorno empresarial inhóspito e inhumano en El apartamento (1960) de Billy Wilder.


La película es sencilla pero intensa, real, y en ocasiones tan dura que en su momento no consiguió el favor del público, no era una película para evadirse. Pero su ritmo, su calidad de imágenes, esos planos de ciudad e interior tan espectaculares y el mensaje que transmite la han convertido en una de las mejores películas de su época que mantiene todo su vigor e interés a día de hoy.

"No sabemos lo grande y lo resistente que es la multitud hasta que estamos en desacuerdo con ella".

y-el-mundo-marcha

Título original: The Crowd.

Director: King Vidor.

Intérpretes: James Murray, Eleanor Boardman, Bert Roach, Estelle Clark, Daniel G. Tomlinson, Dell Henderson.

Escena:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

Y EL MUNDO MARCHA (1928). Progresión hacia el mundo moderno.

y-el-mundo-marcha
El 4 Julio de 1900 nace un bebé varón en casa de los Sims, su padre lo alza sobre su cabeza y le augura un gran futuro. Sin embargo, el primer gran evento que le reserva la vida a nuestro protagonista, John Sims, es quedarse huérfano de padre con 12 años. Al cumplir los 21, henchido de orgullo y grandes ideales, con su narcisismo por bandera, se dirige hacia la Gran Manzana. Una vez allí, su principal y permanente objetivo será "Ser alguien importante", pero los acontecimientos de la vida y la realidad se imponen dificultando su deseado e ideal logro.

A lo largo de este intenso melodrama, se sucederán toda una serie de acontecimientos. Algunos de ellos, inmersos en la cotidianidad, destacarán por su gran realismo y sencillez, llenos de pequeños detalles en los que cualquiera puede verse identificado, como son la descripción de las fases en la convivencia de una pareja o las relaciones en el mundo laboral. Otros acontecimientos destacarán por su gran dramatismo, sin excesos, perfectamente encajados en el relato.

Toda una serie de vivencias encadenadas de forma perfecta, ambientadas en los años veinte y protagonizadas por un hombre que siempre intenta destacar de la multitud como única forma de sentirse bien consigo mismo. Una lucha permanente que le deparará todo tipo de decepciones, hasta llegar a admitir cuáles son las cosas importantes que la vida le reserva.

y-el-mundo-marcha

King Vidor dirige magistralmente una historia cotidiana y realista, convertida en todo un documento sobre la progresión hacia un mundo moderno en la gran ciudad de New York.

Podemos ver varias escenas destacables, como los planos de la ciudad. Tras un breve plano, insertado en la serie inicial, se muestra Nueva York abarrotada de transeúntes y vehículos, donde se ven dos imágenes superpuestas del tráfico de las calles, si no fuera porque una ligera panorámica muestra que la sobreimpresión no es tal, sino el reflejo en un cristal del otro lado de la calle.

Otra imagen llamativa, tanto más importante por su significado central en la película, es el magistral plano en el que a John Sims niño, le comunican la muerte de su padre en las escaleras de subida a la casa. Se crea así un espacio cinematográfico con una gran profundidad de campo, y es desde este prisma, un pasillo por donde asciende el protagonista dejando abajo, al fondo la multitud expectante donde se establece de forma visual toda la declaración de principios que configuran la historia: El deseo del individuo por ascender y desvincularse de las masas, que en lo sucesivo quedará siempre marcada por una sensación de amargura y soledad, de dolor en sus diferentes vertientes.

y-el-mundo-marcha

La imagen del pasillo como lugar de tránsito, de la existencia por donde deambula John, será recurrente en el film: en las oficinas, en el vagón coche-cama del tren, en la sala de la maternidad, entre las colas de parados, en el puente sobre las vías del ferrocarril.

Veremos la influencia de Vidor y su forma de filmar, de mostrar un rostro entre la multitud y plasmar un entorno empresarial inhóspito e inhumano en El apartamento (1960) de Billy Wilder.


La película es sencilla pero intensa, real, y en ocasiones tan dura que en su momento no consiguió el favor del público, no era una película para evadirse. Pero su ritmo, su calidad de imágenes, esos planos de ciudad e interior tan espectaculares y el mensaje que transmite la han convertido en una de las mejores películas de su época que mantiene todo su vigor e interés a día de hoy.

"No sabemos lo grande y lo resistente que es la multitud hasta que estamos en desacuerdo con ella".

y-el-mundo-marcha

Título original: The Crowd.

Director: King Vidor.

Intérpretes: James Murray, Eleanor Boardman, Bert Roach, Estelle Clark, Daniel G. Tomlinson, Dell Henderson.

Escena:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

pánico-en-la-calle-110
Un grupo de atracadores afroamericanos se hace con un botín de la Mafia. Dos policías de métodos muy distintos son asignados al caso mientras el yerno del Capo Mafioso recibe el encargo de encontrar y eliminar a los atracadores.

No estamos aquí ante una película que nos vaya a mostrar los minuciosos e ingeniosos preparativos de un robo. Estamos en Zona de Guerra de la Nueva York setentera y las cosas se hacen a lo bruto. Sin miramientos y como decía Pike Bishop: "Si se mueven, mátalos". El robo, que es también un baño de sangre, se produce al principio y nos sirve para comprobar como el amateurismo de los perpetradores solventa los obstáculos a base de ráfagas de ametralladora. De ahí en adelante, tras el reparto del botín se nos presenta a los dos bandos que van a tratar de dar caza a los ladrones: La Mafia y la Policía de la Ciudad de Nueva York. Pronto empieza a correr la sangre que como todos sabemos no distingue de colores, galones o linajes.


"Que otra cosa puede traer a los blancos a Harlem si no es el dinero?"

pánico-en-la-calle-110

Posiblemente la película no funcionaría tan bien sin el estupendo retrato de personajes sombríos que Barry Shear pone en acción: un policía corrupto y racista a punto de jubilarse (Anthony Quinn), un policía de color que apuesta por la legalidad a rajatabla (Yaphet Kotto) y un capo de la Mafia empeñado en demostrarle a su suegro su capacidad para resolver el suceso rápidamente (Anthony Franciosa). Y huyendo de ellos, tres atracadores empujados por la enfermedad, la miseria o la inconsciencia (genial Antonio Fargas dilapidando su parte en la escena del burdel) que empiezan a constatar que el dinero robado no es sino un billete de ida a la Morgue mas cercana.

pánico-en-la-calle-110

Estamos en 1972. Un año antes William Friedkin arrasaba con "French Connection (1971)" y su estética sucia y "realista". Barry Shear la recupera y la lleva a los antros y comisarias mas sórdidas de Harlem .La corrupción y el racismo son mostrados sin tapujos siendo dificil simpatizar con unos personajes que arrastran cansancio y estupor como la pareja de policías o desesperación y crueldad como la del mafioso puesto a prueba.Y mientras, la caza a los atracadores va progresando. Los chanchullos y los vínculos entre la Ley El Crimen van desdibujando los límites. Hay calles que si las cruzas, te cambian la vida y para siempre.

Para envolver y presentar este violento y sórdido paquete nada mejor que la banda sonora facturada por Bobby Womack y J.J. Johnson y cuya canción que da título a la película alcanzó el top 20 de singles USA y fue reutilizada por Tarantino en "Jackie Brown (1997)" y Ridley Scott en "American Gangster (2007)". Realmente, era tan difícil hacer una mala película con tan buenos ingredientes como robarle a la mafia y seguir con vida.

pánico-en-la-calle-110

Título original: Across 110th Street.

Director: Barry Shear.

Intérpretes: Anthony Quinn, Yaphet Kotto, Anthony Franciosa, Paul Benjamin, Ed Bernard, Richard Ward, Antonio Fargas.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por George Suckelectronic

PÁNICO EN LA CALLE 110 (1972). Corrupción y racismo.

pánico-en-la-calle-110
Un grupo de atracadores afroamericanos se hace con un botín de la Mafia. Dos policías de métodos muy distintos son asignados al caso mientras el yerno del Capo Mafioso recibe el encargo de encontrar y eliminar a los atracadores.

No estamos aquí ante una película que nos vaya a mostrar los minuciosos e ingeniosos preparativos de un robo. Estamos en Zona de Guerra de la Nueva York setentera y las cosas se hacen a lo bruto. Sin miramientos y como decía Pike Bishop: "Si se mueven, mátalos". El robo, que es también un baño de sangre, se produce al principio y nos sirve para comprobar como el amateurismo de los perpetradores solventa los obstáculos a base de ráfagas de ametralladora. De ahí en adelante, tras el reparto del botín se nos presenta a los dos bandos que van a tratar de dar caza a los ladrones: La Mafia y la Policía de la Ciudad de Nueva York. Pronto empieza a correr la sangre que como todos sabemos no distingue de colores, galones o linajes.


"Que otra cosa puede traer a los blancos a Harlem si no es el dinero?"

pánico-en-la-calle-110

Posiblemente la película no funcionaría tan bien sin el estupendo retrato de personajes sombríos que Barry Shear pone en acción: un policía corrupto y racista a punto de jubilarse (Anthony Quinn), un policía de color que apuesta por la legalidad a rajatabla (Yaphet Kotto) y un capo de la Mafia empeñado en demostrarle a su suegro su capacidad para resolver el suceso rápidamente (Anthony Franciosa). Y huyendo de ellos, tres atracadores empujados por la enfermedad, la miseria o la inconsciencia (genial Antonio Fargas dilapidando su parte en la escena del burdel) que empiezan a constatar que el dinero robado no es sino un billete de ida a la Morgue mas cercana.

pánico-en-la-calle-110

Estamos en 1972. Un año antes William Friedkin arrasaba con "French Connection (1971)" y su estética sucia y "realista". Barry Shear la recupera y la lleva a los antros y comisarias mas sórdidas de Harlem .La corrupción y el racismo son mostrados sin tapujos siendo dificil simpatizar con unos personajes que arrastran cansancio y estupor como la pareja de policías o desesperación y crueldad como la del mafioso puesto a prueba.Y mientras, la caza a los atracadores va progresando. Los chanchullos y los vínculos entre la Ley El Crimen van desdibujando los límites. Hay calles que si las cruzas, te cambian la vida y para siempre.

Para envolver y presentar este violento y sórdido paquete nada mejor que la banda sonora facturada por Bobby Womack y J.J. Johnson y cuya canción que da título a la película alcanzó el top 20 de singles USA y fue reutilizada por Tarantino en "Jackie Brown (1997)" y Ridley Scott en "American Gangster (2007)". Realmente, era tan difícil hacer una mala película con tan buenos ingredientes como robarle a la mafia y seguir con vida.

pánico-en-la-calle-110

Título original: Across 110th Street.

Director: Barry Shear.

Intérpretes: Anthony Quinn, Yaphet Kotto, Anthony Franciosa, Paul Benjamin, Ed Bernard, Richard Ward, Antonio Fargas.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por George Suckelectronic

la-espada-del-mal
Ryonosuke Tsukue (Tatsuya Nakadai) es un sanguinario samurai que recorre el Japón de los últimos días del shogunat dejando un rastro de cadáveres a su paso. Durante un torneo de esgrima mata a otro samurai de su misma escuela y huye con su esposa, convirtiéndose luego en un mercenario. en medio de todo esto, el hermano del samurai muerto ayudado por su maestro (Toshiro Mifune) le busca para cobrarse venganza.

La película está basada en la novela El paso del gran Buda de Kaizan Nakazato, que murió antes de poder acabarla.

El personaje de Ryonsuke se aleja de los tópicos de las películas de samurais de la época. Con él nos encontramos a alguien que anda muy lejos de ser un héroe (de hecho, se dice que Leone o Peckinpah se vieron influenciados para luego crear sus antihéroes), ya que es una persona atormentada e invadida por una crueldad sin límites. No necesita de ninguna justificación para matar, con lo cual, a lo largo del filme, el espectador vive en la incertidumbre de saber en que momento va a matar o no.

A lo largo de la trama, Kihacho Okamoto deja situaciones sin resolver, lo cual, a los espectadores occidentales nos puede parecer como una serie de lagunas en el guión, sin embargo, son deliberadas. Se utilizan como apoyo en la construcción de una atmósfera que nos va llevando a una especie de destino fatal que ha de desencadenar en una orgía de sangre, para terminar luego la película de golpe, con una imagen congelada que deja abierta la vía hacia una segunda parte que nunca se rodaría.

la-espada-del-mal

Ryonosuke es un maestro de la llamada "técnica silenciosa", que consiste en dejar que sus adversarios se confíen y, en el momento adecuado, baja la guardia invitándoles a atacar y fulminar a su rival con un golpe certero. Sus movimientos son un reflejo del uso de la cámara que hace Okamoto y que sirven de guía a este hacia el siguiente encuadre en las escenas de acción.

Como aspecto destacable tenemos que durante las escenas de acción, el director nos viene a mostrar alrededor de cien formas diferentes de morir a manos de una espada. También es muy, muy de destacar la interpretación de Tatsuya Nakadai que dota a su personaje de gran credibilidad, transmitiendo esa personalidad fría y despiadada de su personaje. Con miradas que lo dicen todo, del tipo que podríamos ver más tarde en los personajes del Clint Eastwood que trabajó con Sergio Leone, por ejemplo.

la-espada-del-mal

Para muchos, no es la obra más destacable ni la más conocida de Kihacho Okamoto, como podrían serlo Kiru (1968), Akage (1969) o Samurai Assassin (1965), pero en cuanto a calidad, en mi modesta opinión, está a su altura e, incluso, puede superarlas.

La obra hace uso de unos planos estudiadísimos y de escenas muy inteligentes en las que su director de apoya en el sonido de los pasos o de la iluminación para crear una especie de poesía en torno a los cuerpos caídos. Además de no mostrar a los personajes de igual forma, ni siquiera durante las escenas de combate. Mientras que a Toshiro Mifune le dota de serenidad y casi hasta de armonía mientras lucha, a pesar de la violencia. Sin embargo, a Tatsuya Nakadai le dota de una crueldad y una rapidez que sería digna de un tsunami.

la-espada-del-mal

Frase para recordar: "Conoce el alma para conocer la espada. Un alma malvada es una espada malvada".

Título original: Dai-bosatsu tôge.

Director: Kihachi Okamoto.

Reparto: Tatsuya Nakadai, Yuzo Kayama, Michiyo Aratama, Toshirô Mifune, Toranosuke Shimada, Yôko Naito, Tadao Nakamaru, Ichirô Nakaya
Trailer: 


B.S.O: 


Reseña escrita por Juanma Falcón

LA ESPADA DEL MAL (1966). Venganza entre samuráis.

la-espada-del-mal
Ryonosuke Tsukue (Tatsuya Nakadai) es un sanguinario samurai que recorre el Japón de los últimos días del shogunat dejando un rastro de cadáveres a su paso. Durante un torneo de esgrima mata a otro samurai de su misma escuela y huye con su esposa, convirtiéndose luego en un mercenario. en medio de todo esto, el hermano del samurai muerto ayudado por su maestro (Toshiro Mifune) le busca para cobrarse venganza.

La película está basada en la novela El paso del gran Buda de Kaizan Nakazato, que murió antes de poder acabarla.

El personaje de Ryonsuke se aleja de los tópicos de las películas de samurais de la época. Con él nos encontramos a alguien que anda muy lejos de ser un héroe (de hecho, se dice que Leone o Peckinpah se vieron influenciados para luego crear sus antihéroes), ya que es una persona atormentada e invadida por una crueldad sin límites. No necesita de ninguna justificación para matar, con lo cual, a lo largo del filme, el espectador vive en la incertidumbre de saber en que momento va a matar o no.

A lo largo de la trama, Kihacho Okamoto deja situaciones sin resolver, lo cual, a los espectadores occidentales nos puede parecer como una serie de lagunas en el guión, sin embargo, son deliberadas. Se utilizan como apoyo en la construcción de una atmósfera que nos va llevando a una especie de destino fatal que ha de desencadenar en una orgía de sangre, para terminar luego la película de golpe, con una imagen congelada que deja abierta la vía hacia una segunda parte que nunca se rodaría.

la-espada-del-mal

Ryonosuke es un maestro de la llamada "técnica silenciosa", que consiste en dejar que sus adversarios se confíen y, en el momento adecuado, baja la guardia invitándoles a atacar y fulminar a su rival con un golpe certero. Sus movimientos son un reflejo del uso de la cámara que hace Okamoto y que sirven de guía a este hacia el siguiente encuadre en las escenas de acción.

Como aspecto destacable tenemos que durante las escenas de acción, el director nos viene a mostrar alrededor de cien formas diferentes de morir a manos de una espada. También es muy, muy de destacar la interpretación de Tatsuya Nakadai que dota a su personaje de gran credibilidad, transmitiendo esa personalidad fría y despiadada de su personaje. Con miradas que lo dicen todo, del tipo que podríamos ver más tarde en los personajes del Clint Eastwood que trabajó con Sergio Leone, por ejemplo.

la-espada-del-mal

Para muchos, no es la obra más destacable ni la más conocida de Kihacho Okamoto, como podrían serlo Kiru (1968), Akage (1969) o Samurai Assassin (1965), pero en cuanto a calidad, en mi modesta opinión, está a su altura e, incluso, puede superarlas.

La obra hace uso de unos planos estudiadísimos y de escenas muy inteligentes en las que su director de apoya en el sonido de los pasos o de la iluminación para crear una especie de poesía en torno a los cuerpos caídos. Además de no mostrar a los personajes de igual forma, ni siquiera durante las escenas de combate. Mientras que a Toshiro Mifune le dota de serenidad y casi hasta de armonía mientras lucha, a pesar de la violencia. Sin embargo, a Tatsuya Nakadai le dota de una crueldad y una rapidez que sería digna de un tsunami.

la-espada-del-mal

Frase para recordar: "Conoce el alma para conocer la espada. Un alma malvada es una espada malvada".

Título original: Dai-bosatsu tôge.

Director: Kihachi Okamoto.

Reparto: Tatsuya Nakadai, Yuzo Kayama, Michiyo Aratama, Toshirô Mifune, Toranosuke Shimada, Yôko Naito, Tadao Nakamaru, Ichirô Nakaya
Trailer: 


B.S.O: 


Reseña escrita por Juanma Falcón

nunca-digas-nunca-jamás
"Nunca digas nunca jamás" es el título que eligieron los productores de la película de la que hablaré a continuación. Haciendo una irónica referencia al desacertado comentario que dijo Sean Connery después de terminar su sexta colaboración en la saga Bond ("Diamantes para la eternidad (1971)"), 12 años atrás de interpretar de nuevo al espía británico para su séptimo Bond, Connery se negaba en rotundo a meterse de nuevo en el esmoquin de 007, alegando: -Nunca más volveré a hacerlo-. Pero, lo que son las cosas, un jugoso cheque puede cambiarlo todo.

El caso es que no hay nada que una cuantiosa oferta económica no pueda cambiar, así que Connery volvió. Sin el consentimiento de los productores oficiales de la saga del espía británico, y aprovechándose de la única película de la franquicia de la que no tenían atados los derechos cinematográficos, se utilizó la película "Thunderball (1965)" para crear el guión de "Nunca digas nunca jamás" a modo de remake con el mismo protagonista.

La película presenta a un 007 maduro al que obligan a ir a una residencia de rehabilitación para depurar su cuerpo, y en la que casualmente Bond descubre una trama que amenaza con poner en peligro la seguridad internacional, mediante el robo de la organización terrorista Espectra de unos misiles nucleares.


nunca-digas-nunca-jamás

El cebo para sustraer los misiles es aquí un oficial del ejército corrompido (Gavan O'Herlihy) y mediatizado por la amenaza de la vida de su hermana Dominó (una bellísima y escultural Kim Basinger), encontrándose ésta secuestrada sin saberlo por un magnate depravado miembro de Espectra al que da vida un despreciable y desequilibrado cerebro del crimen (Klaus Maria Brandauer).

James Bond deberá intervenir para evitar el chantaje impuesto a las naciones unidas con la amenaza nuclear ideada por el número 1 de la organización terrorista (Max Von Sydown).

Irvin Kershner después de convertir al "Imperio contraataca (1980)" en la mejor película de la saga Starwars se introdujo en el universo "Bondiano", a través de una película de acción y aventuras muy del estilo de los 80, metiendo de nuevo a un Sean Connery como el espía más famoso de la historia del cine, con en esta ocasión 53 años. Con un nivel de eficiencia casi intacto y compensado con unos gadgets geniales (supermoto, reloj láser, mochila voladora y una pluma explosiva) Connery aprovecha su sex- appeal maduro repleto de afrodisíacos tan irresistibles como los huevos de codorniz, el caviar iraní y el sabroso foie gras para cortejar a una enfermera, antes de fijar su atención en la libidinosa villana icónica Barbara Carrera (Fátima Bras), que se convierte en mi villana favorita de la saga con sus sádicas y alocadas maneras, que posiblemente fueron todo un referente para la interpretación de Famke Janssen en "Goldeneye".


nunca-digas-nunca-jamás

"Nunca digas nunca jamás" es un film ochentero de recursos que disparan la acción con aceleradas persecuciones, fuegos de artificio, efectos especiales de la época y espectaculares secuencias de pólvora  al servicio de Sean Connery. El film plantó cara en un duelo con el Bond Oficial de aquella época: Roger Moore (el Bond más mordaz) y que sentó a mi juicio un precedente para la presente interpretación de Connery como su agente secreto al servicio de su majestad en esta película, ironizando "un poco" su Bond."Nunca digas nunca jamás" compitió en taquilla con el film "Octopussy" en el año 1983. Connery perdió en la taquilla pero con talante y buen gusto dado que "Nunca digas nunca jamás" es una excelente propuesta de acción del sello 007 con licencia, entre otras cosas, para acabar con un bestia esbirro que intenta matarle en la residencia, exterminar a la mejor villana de toda la saga (Carrera), destruir los planes de Espectra, salvar al mundo "otra vez" y ligarse a su avanzada edad a una maravillosa e irresistible Kim Basinger. Espectáculo del último Bond de Sean.

nunca-digas-nunca-jamás


Título original: Never Say Never Again.

Director: Irvin Kershner.

Intérpretes: Sean Connery, Klaus Maria Brandauer, Kim Basinger, Max von Sydow, Edward Fox, Barbara Carrera, Alec McCowen.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

NUNCA DIGAS NUNCA JAMÁS (1983). El último James Bond de Sean Connery.

nunca-digas-nunca-jamás
"Nunca digas nunca jamás" es el título que eligieron los productores de la película de la que hablaré a continuación. Haciendo una irónica referencia al desacertado comentario que dijo Sean Connery después de terminar su sexta colaboración en la saga Bond ("Diamantes para la eternidad (1971)"), 12 años atrás de interpretar de nuevo al espía británico para su séptimo Bond, Connery se negaba en rotundo a meterse de nuevo en el esmoquin de 007, alegando: -Nunca más volveré a hacerlo-. Pero, lo que son las cosas, un jugoso cheque puede cambiarlo todo.

El caso es que no hay nada que una cuantiosa oferta económica no pueda cambiar, así que Connery volvió. Sin el consentimiento de los productores oficiales de la saga del espía británico, y aprovechándose de la única película de la franquicia de la que no tenían atados los derechos cinematográficos, se utilizó la película "Thunderball (1965)" para crear el guión de "Nunca digas nunca jamás" a modo de remake con el mismo protagonista.

La película presenta a un 007 maduro al que obligan a ir a una residencia de rehabilitación para depurar su cuerpo, y en la que casualmente Bond descubre una trama que amenaza con poner en peligro la seguridad internacional, mediante el robo de la organización terrorista Espectra de unos misiles nucleares.


nunca-digas-nunca-jamás

El cebo para sustraer los misiles es aquí un oficial del ejército corrompido (Gavan O'Herlihy) y mediatizado por la amenaza de la vida de su hermana Dominó (una bellísima y escultural Kim Basinger), encontrándose ésta secuestrada sin saberlo por un magnate depravado miembro de Espectra al que da vida un despreciable y desequilibrado cerebro del crimen (Klaus Maria Brandauer).

James Bond deberá intervenir para evitar el chantaje impuesto a las naciones unidas con la amenaza nuclear ideada por el número 1 de la organización terrorista (Max Von Sydown).

Irvin Kershner después de convertir al "Imperio contraataca (1980)" en la mejor película de la saga Starwars se introdujo en el universo "Bondiano", a través de una película de acción y aventuras muy del estilo de los 80, metiendo de nuevo a un Sean Connery como el espía más famoso de la historia del cine, con en esta ocasión 53 años. Con un nivel de eficiencia casi intacto y compensado con unos gadgets geniales (supermoto, reloj láser, mochila voladora y una pluma explosiva) Connery aprovecha su sex- appeal maduro repleto de afrodisíacos tan irresistibles como los huevos de codorniz, el caviar iraní y el sabroso foie gras para cortejar a una enfermera, antes de fijar su atención en la libidinosa villana icónica Barbara Carrera (Fátima Bras), que se convierte en mi villana favorita de la saga con sus sádicas y alocadas maneras, que posiblemente fueron todo un referente para la interpretación de Famke Janssen en "Goldeneye".


nunca-digas-nunca-jamás

"Nunca digas nunca jamás" es un film ochentero de recursos que disparan la acción con aceleradas persecuciones, fuegos de artificio, efectos especiales de la época y espectaculares secuencias de pólvora  al servicio de Sean Connery. El film plantó cara en un duelo con el Bond Oficial de aquella época: Roger Moore (el Bond más mordaz) y que sentó a mi juicio un precedente para la presente interpretación de Connery como su agente secreto al servicio de su majestad en esta película, ironizando "un poco" su Bond."Nunca digas nunca jamás" compitió en taquilla con el film "Octopussy" en el año 1983. Connery perdió en la taquilla pero con talante y buen gusto dado que "Nunca digas nunca jamás" es una excelente propuesta de acción del sello 007 con licencia, entre otras cosas, para acabar con un bestia esbirro que intenta matarle en la residencia, exterminar a la mejor villana de toda la saga (Carrera), destruir los planes de Espectra, salvar al mundo "otra vez" y ligarse a su avanzada edad a una maravillosa e irresistible Kim Basinger. Espectáculo del último Bond de Sean.

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Título original: Never Say Never Again.

Director: Irvin Kershner.

Intérpretes: Sean Connery, Klaus Maria Brandauer, Kim Basinger, Max von Sydow, Edward Fox, Barbara Carrera, Alec McCowen.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

rififi
Tony "Le Stéphanois" (Jean Servais) acaba de salir de la prisión en la que estuvo encerrado cinco años por un sonado robo. Una vez libre, parece que en su vida todo ha terminado y se dedica a las timbas nocturnas de póker en las que pierde el dinero que no tiene. Tony intenta alejarse de la senda que le llevó al delito pero su amigo Jo le Suédois (Carl Möhner) le comenta que está esperando a Mario Ferrati (Robert Manuel) para tratar un asunto de vital importancia: el atraco a la joyería más lujosa de Paris. En un primer momento Tony desecha la oferta de Mario y su amigo Jo decidiendo no tomar parte en el asunto. Acto seguido consigue dar con su antigua novia, Mado (Marie Sauboret), que trabaja en un cabaret pero, cuando descubre que le ha engañado con el peor gángster de la ciudad, Pierre Grutter (Marcel Lupovici), Tony ve que lo poco que tenía en este mundo desapareció al pasar cinco años encarcelado. En consecuencia, totalmente derrotado, Tony acepta trabajar en el atraco de la joyería junto a Mario y su amigo Jo. Para el complicado trabajo la banda echa mano de Cesar le Milanais (el propio Jules Dassin), un experto en abrir cajas fuertes.

Jules Dassin escribió junto a René Wheeler y Auguste Le Breton, dirigió e interpretó uno de los papeles principales en esta, su primera película rodada en Francia tras su exilio americano, un clásico del cine negro del que François Truffaut afirmó: "De la peor novela que he leído, Dassin hizo la mejor película de cine negro que yo haya visto nunca".

rififi

En el argot francés, la palabra "rififí" define una "pelea, conflicto violento, hostilidad manifiesta entre bandas o enfrentamiento entre tipos duros. El término proviene de "rif" que, también en argot significa problemas y que ha dado lugar a "rifirrafe" en castellano y "ruffo" en italiano, que significa fuego" (definición tomada de los extras de la versión francesa de la película).

Filmada con un presupuesto de doscientos mil dólares, el rodaje de Rififí salió adelante gracias a un elenco de actores poco conocidos y a la austeridad de la post producción. Dassin, tuvo que encargarse de escoger las locaciones, que fueron reales, en vez de construirlas en un estudio; también actuó, debido a la falta de contrato con un actor; el director usó el pseudónimo de "Perlo Vita".

rififi

El filme es reconocido sobretodo por la brillante secuencia del robo, con una duración de 32 minutos fue realizada sin diálogo ni banda sonora. El director mantuvo su idea original de crear una atmósfera realista, esta implica que los ladrones operan desde el silencio (podemos apreciar el calzado que usan para no hacer ruido) y la meticulosidad del plan y su ejecución. Hay un tratamiento del tiempo muy interesante, con tomas que nos muestran un reloj y la creciente sensación de cansancio (primer plano de los actores con sus rostros sudorosos). Dassin también usa el montaje paralelo para mostrarnos lo que ocurre a lo interno de la joyería y lo que sucede en el exterior (joven en la florería, camión de limpieza, policías que descubren el auto robado). En general, toda la secuencia es un ejemplo maravilloso de cómo se puede narrar a través de la imagen.

Una magnífica planificación y puesta en escena, con un montaje que no deja resquicios a cargo de Roger Dwyre , nos traen una película de esas que te va atrapando de una manera creciente. Muy bien narrada y dirigida, con una fotografía excelente de tono muy realista del operador Philippe Agostini una delicia en blanco y negro y con la música de Georges Auric que supo elegir y combinar temas aparecidos en otras películas como "Moulin Rouge (1952)" o "El salario del miedo (1953)", con otros mas personales como el tema que da título a la película "Le Rififi" de Jacques LaRue, dando como resultado un conjunto que acompaña a la perfección a la obra.

rififi

La actuación de Jean Servais como Tony es otro elemento clave de la pelicula. Ese personaje abatido, sin rumbo, que sólo sigue sus instintos y termina por hacer no lo que quiere si no lo que puede y sabe, junto a él nos lanzamos a esa voragine incontrolable de crimen y traición

Rififi es sin duda es una de las más relevantes cintas policíacas y de atracos de la historia y no solo en su vertiente francesa o europea , Dassin con ella proseguía su vena noir emprendida por ese cuarteto de piezas fundamentales que son "Fuerza bruta (1947)", "La ciudad desnuda (1948)", "Mercado de ladrones (1949)" y "Noche en la ciudad (1950)", conformando con todas ellas una magnifica y envidiable filmografia dentro del noir.

rififi

Título original: Du rififi chez les hommes.

Director: Jules Dassin.

Intérpretes: Jean Servais, Carl Möhner, Robert Manuel, Jules Dassin, Magali Noël, Pierre Grasset, Robert Hossein, Janine Darcey.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Ramón Abelló Miñano

RIFIFI (1955). El atraco de Jules Dassin.

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Tony "Le Stéphanois" (Jean Servais) acaba de salir de la prisión en la que estuvo encerrado cinco años por un sonado robo. Una vez libre, parece que en su vida todo ha terminado y se dedica a las timbas nocturnas de póker en las que pierde el dinero que no tiene. Tony intenta alejarse de la senda que le llevó al delito pero su amigo Jo le Suédois (Carl Möhner) le comenta que está esperando a Mario Ferrati (Robert Manuel) para tratar un asunto de vital importancia: el atraco a la joyería más lujosa de Paris. En un primer momento Tony desecha la oferta de Mario y su amigo Jo decidiendo no tomar parte en el asunto. Acto seguido consigue dar con su antigua novia, Mado (Marie Sauboret), que trabaja en un cabaret pero, cuando descubre que le ha engañado con el peor gángster de la ciudad, Pierre Grutter (Marcel Lupovici), Tony ve que lo poco que tenía en este mundo desapareció al pasar cinco años encarcelado. En consecuencia, totalmente derrotado, Tony acepta trabajar en el atraco de la joyería junto a Mario y su amigo Jo. Para el complicado trabajo la banda echa mano de Cesar le Milanais (el propio Jules Dassin), un experto en abrir cajas fuertes.

Jules Dassin escribió junto a René Wheeler y Auguste Le Breton, dirigió e interpretó uno de los papeles principales en esta, su primera película rodada en Francia tras su exilio americano, un clásico del cine negro del que François Truffaut afirmó: "De la peor novela que he leído, Dassin hizo la mejor película de cine negro que yo haya visto nunca".

rififi

En el argot francés, la palabra "rififí" define una "pelea, conflicto violento, hostilidad manifiesta entre bandas o enfrentamiento entre tipos duros. El término proviene de "rif" que, también en argot significa problemas y que ha dado lugar a "rifirrafe" en castellano y "ruffo" en italiano, que significa fuego" (definición tomada de los extras de la versión francesa de la película).

Filmada con un presupuesto de doscientos mil dólares, el rodaje de Rififí salió adelante gracias a un elenco de actores poco conocidos y a la austeridad de la post producción. Dassin, tuvo que encargarse de escoger las locaciones, que fueron reales, en vez de construirlas en un estudio; también actuó, debido a la falta de contrato con un actor; el director usó el pseudónimo de "Perlo Vita".

rififi

El filme es reconocido sobretodo por la brillante secuencia del robo, con una duración de 32 minutos fue realizada sin diálogo ni banda sonora. El director mantuvo su idea original de crear una atmósfera realista, esta implica que los ladrones operan desde el silencio (podemos apreciar el calzado que usan para no hacer ruido) y la meticulosidad del plan y su ejecución. Hay un tratamiento del tiempo muy interesante, con tomas que nos muestran un reloj y la creciente sensación de cansancio (primer plano de los actores con sus rostros sudorosos). Dassin también usa el montaje paralelo para mostrarnos lo que ocurre a lo interno de la joyería y lo que sucede en el exterior (joven en la florería, camión de limpieza, policías que descubren el auto robado). En general, toda la secuencia es un ejemplo maravilloso de cómo se puede narrar a través de la imagen.

Una magnífica planificación y puesta en escena, con un montaje que no deja resquicios a cargo de Roger Dwyre , nos traen una película de esas que te va atrapando de una manera creciente. Muy bien narrada y dirigida, con una fotografía excelente de tono muy realista del operador Philippe Agostini una delicia en blanco y negro y con la música de Georges Auric que supo elegir y combinar temas aparecidos en otras películas como "Moulin Rouge (1952)" o "El salario del miedo (1953)", con otros mas personales como el tema que da título a la película "Le Rififi" de Jacques LaRue, dando como resultado un conjunto que acompaña a la perfección a la obra.

rififi

La actuación de Jean Servais como Tony es otro elemento clave de la pelicula. Ese personaje abatido, sin rumbo, que sólo sigue sus instintos y termina por hacer no lo que quiere si no lo que puede y sabe, junto a él nos lanzamos a esa voragine incontrolable de crimen y traición

Rififi es sin duda es una de las más relevantes cintas policíacas y de atracos de la historia y no solo en su vertiente francesa o europea , Dassin con ella proseguía su vena noir emprendida por ese cuarteto de piezas fundamentales que son "Fuerza bruta (1947)", "La ciudad desnuda (1948)", "Mercado de ladrones (1949)" y "Noche en la ciudad (1950)", conformando con todas ellas una magnifica y envidiable filmografia dentro del noir.

rififi

Título original: Du rififi chez les hommes.

Director: Jules Dassin.

Intérpretes: Jean Servais, Carl Möhner, Robert Manuel, Jules Dassin, Magali Noël, Pierre Grasset, Robert Hossein, Janine Darcey.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Ramón Abelló Miñano

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El férreo bloqueo cultural que impuso el franquismo al mundo del cine y por ende a cualquier manifestación artística, además de agudizar el ingenio de muchos autores a la hora de sortear a la censura,favoreció la aparición de obras únicas y cineastas a contracorriente. Es el caso de Edgar Neville y de esta pieza que mezcla a la perfección ingredientes de comedia,cine policíaco ,terror y expresionismo: "La torre de los siete jorobados".

Edgar Neville, artista polifacético: escritor, autor de teatro, director de cine y pintor, fue todo un privilegiado para su época, de padre inglés y madre española de la cual heredó el título nobiliario de conde, estudió derecho en Granada entablando amistad con Federico García Lorca y Manuel de Falla además de otras importantes figuras de la Generación del 27. Fue destinado como Secretario de Embajada en Washington y vivió un tiempo en Los Angeles llegando a aparecer como actor de reparto en "Luces de la ciudad (1931)" de Charles Chaplin, con quien también entabló amistad. Además de "La torre de los siete jorobados" es autor de otras películas importantes en el cine español como "La vida en un hilo (1945)", "El crimen de la calle Bordadores (1946)" o el documental "Duende y misterio del flamenco (1952)".A pesar de su privilegiada posición su cine se caracterizaba por una importante crítica a la burguesía y las clases altas, con el riesgo de ser fusilado, aún siendo falangista, en los primeros años de la Guerra Civil debido a su amistad con Lorca y Buñuel.


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"La torre de los siete jorobados" está basada en la novela del mismo título publicada en 1924 de Emilio Carrere, poeta español perteneciente a la corriente del decadentismo modernista. Como en todo el cine español y más aún el de los años 40, el sainete, pieza teatral popularizada por Carlos Arniches en el siglo XX entre muchos otros, está presente en el tono de la película, sobre todo en la primera parte donde nos da la impresión de estar ante una comedia costumbrista ambientada en el Madrid castizo de finales del XIX, frente a una segunda parte mucho mas siniestra, cuya influencia es el expresionismo alemán y el cine de terror de la Universal en los años 30.

El costumbrismo de la escena inicial en un espectáculo de variedades de un restaurante se refleja en la respuesta de una camarera al despistado protagonista,Basilio Beltrán (Antonio Casal) cuando éste le pregunta si con 5 pesetas pueden comer allí tres personas : "Eso no depende de las 5 pesetas, sino del apetito". La intención de Basilio es invitar a comer a la cupletista "La Bella Medusa" (Manolita Morán) y a su glotona madre (Julia Lajos) justo después de su actuación musical,pero el joven se ve obligado a apostar en el casino para aumentar su dinero.Es allí donde el esperpento costumbrista se rompe con la aparición del fantasma tuerto del Doctor Robinson de Mantúa (Felix de Pomés) que adivinando el resultado de la ruleta le ayuda a ganar a Basilio. Nadie más en el casino puede verlo, salvo el joven,y la aparición del fantasma a través de un espejo nos indica los oscuros derroteros por los que transitará el resto del film aunque sin abandonar el toque humorístico.


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Es al descubrir Basilio la torre a la que hace referencia el título cuando el expresionismo alemán se apodera del film mediante los tétricos decorados de una antigua sinagoga judía en el subsuelo de una calle madrileña y en el primer plano de los ojos del Doctor Sabatino (Guillermo Marín) cuando hipnotiza a la sobrina de Robinson de Mantúa,Inés (Isabel de Pomés, su hija en la vida real) cuando viene a nuestra mente éste recurso muy utilizado en Bela Lugosi por el cine de terror de la Universal. Las ruinas, pasadizos y escaleras de caracol de la sinagoga convierten a esta película en uno de los mejores ejemplos de cine fantástico de la historia del cine español, de sugerente ambientación pero como ya he dicho sin renunciar al humor presente en todo el film como bien demuestra unas de las apariciones de Robinson de Mantúa a Basilio en su habitación en la que por error se une a ellos Napoleón Bonaparte cuyo espíritu han reclamado desde el mismo edificio.


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Director: Edgar Neville.

Intérpretes: Antonio Casal, Isabel de Pomés, Julia Lajos, Guillermo Marín, Félix de Pomés, Julia Pachelo, Manolita Morán.

Escena:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

LA TORRE DE LOS SIETE JOROBADOS (1944). El film de culto de Edgar Neville.

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El férreo bloqueo cultural que impuso el franquismo al mundo del cine y por ende a cualquier manifestación artística, además de agudizar el ingenio de muchos autores a la hora de sortear a la censura,favoreció la aparición de obras únicas y cineastas a contracorriente. Es el caso de Edgar Neville y de esta pieza que mezcla a la perfección ingredientes de comedia,cine policíaco ,terror y expresionismo: "La torre de los siete jorobados".

Edgar Neville, artista polifacético: escritor, autor de teatro, director de cine y pintor, fue todo un privilegiado para su época, de padre inglés y madre española de la cual heredó el título nobiliario de conde, estudió derecho en Granada entablando amistad con Federico García Lorca y Manuel de Falla además de otras importantes figuras de la Generación del 27. Fue destinado como Secretario de Embajada en Washington y vivió un tiempo en Los Angeles llegando a aparecer como actor de reparto en "Luces de la ciudad (1931)" de Charles Chaplin, con quien también entabló amistad. Además de "La torre de los siete jorobados" es autor de otras películas importantes en el cine español como "La vida en un hilo (1945)", "El crimen de la calle Bordadores (1946)" o el documental "Duende y misterio del flamenco (1952)".A pesar de su privilegiada posición su cine se caracterizaba por una importante crítica a la burguesía y las clases altas, con el riesgo de ser fusilado, aún siendo falangista, en los primeros años de la Guerra Civil debido a su amistad con Lorca y Buñuel.


la-torre-de-los-siete-jorobados

"La torre de los siete jorobados" está basada en la novela del mismo título publicada en 1924 de Emilio Carrere, poeta español perteneciente a la corriente del decadentismo modernista. Como en todo el cine español y más aún el de los años 40, el sainete, pieza teatral popularizada por Carlos Arniches en el siglo XX entre muchos otros, está presente en el tono de la película, sobre todo en la primera parte donde nos da la impresión de estar ante una comedia costumbrista ambientada en el Madrid castizo de finales del XIX, frente a una segunda parte mucho mas siniestra, cuya influencia es el expresionismo alemán y el cine de terror de la Universal en los años 30.

El costumbrismo de la escena inicial en un espectáculo de variedades de un restaurante se refleja en la respuesta de una camarera al despistado protagonista,Basilio Beltrán (Antonio Casal) cuando éste le pregunta si con 5 pesetas pueden comer allí tres personas : "Eso no depende de las 5 pesetas, sino del apetito". La intención de Basilio es invitar a comer a la cupletista "La Bella Medusa" (Manolita Morán) y a su glotona madre (Julia Lajos) justo después de su actuación musical,pero el joven se ve obligado a apostar en el casino para aumentar su dinero.Es allí donde el esperpento costumbrista se rompe con la aparición del fantasma tuerto del Doctor Robinson de Mantúa (Felix de Pomés) que adivinando el resultado de la ruleta le ayuda a ganar a Basilio. Nadie más en el casino puede verlo, salvo el joven,y la aparición del fantasma a través de un espejo nos indica los oscuros derroteros por los que transitará el resto del film aunque sin abandonar el toque humorístico.


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Es al descubrir Basilio la torre a la que hace referencia el título cuando el expresionismo alemán se apodera del film mediante los tétricos decorados de una antigua sinagoga judía en el subsuelo de una calle madrileña y en el primer plano de los ojos del Doctor Sabatino (Guillermo Marín) cuando hipnotiza a la sobrina de Robinson de Mantúa,Inés (Isabel de Pomés, su hija en la vida real) cuando viene a nuestra mente éste recurso muy utilizado en Bela Lugosi por el cine de terror de la Universal. Las ruinas, pasadizos y escaleras de caracol de la sinagoga convierten a esta película en uno de los mejores ejemplos de cine fantástico de la historia del cine español, de sugerente ambientación pero como ya he dicho sin renunciar al humor presente en todo el film como bien demuestra unas de las apariciones de Robinson de Mantúa a Basilio en su habitación en la que por error se une a ellos Napoleón Bonaparte cuyo espíritu han reclamado desde el mismo edificio.


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Director: Edgar Neville.

Intérpretes: Antonio Casal, Isabel de Pomés, Julia Lajos, Guillermo Marín, Félix de Pomés, Julia Pachelo, Manolita Morán.

Escena:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

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