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cero en conducta
Tras la vuelta de las vacaciones, nada ha cambiado para nuestros pequeños protagonistas. En su vida dentro del internado no hay lugar para bromas ni para juegos. Son permanentemente castigados: Cero en conducta, lo que implica perderse la única salida del domingo. Ante este desolador y aburrido panorama, nuestros cuatro protagonistas, hastiados por diferentes motivos, deciden elaborar su propia revolución. La película remeda las experiencias escolares de  Jean Vigo para retratar un sistema educativo burocrático y represivo en el que tienen lugar actos de rebelión surrealistas, producto de una lectura libertaria de la infancia. El título hace referencia a la calificación obtenida por un mal comportamiento que impediría salir en domingo. También muestra la influencia de la obra de teatro Ubu Roi, de Alfred Jarry. "Cero en conducta" es una crítica frontal a un sistema educativo basado en el castigo, la disciplina rígida y la permanente frustración sin expectativas de mejora. Jean Vigo mediante este mediometraje dibuja el absurdo de las clases aburridas, de los regímenes estrictos, de profesores que abusan de su autoridad de forma cruel y arbitraria. En ese ambiente se genera la rebeldía como la única forma de escapatoria posible, como último recurso para ser escuchados. De tal manera que los alumnos planean  combatir el autoritarismo mediante la ironía y la burla, sin armas, simplemente con su imaginación. Como si de un juego más se tratara planean su revolución, reivindican su deseo de seguir siendo niños. Jean Vigo se considera el precursor del Realismo poético francés, movimiento de Cine europeo caracterizado fundamentalmente por plasmar con naturalidad  la realidad, buscando la belleza en los elementos más cotidianos. 

cero en conducta

Sin embargo, la especial sensibilidad y sentido estético de Jean Vigo le hizo marcar su propio estilo al dotar a sus imágenes de esa de fantasía y onirismo que tan ingeniosamente supo mezclar con las realidades más cotidianas. El pequeño Jean Vigo, tras la muerte de su padre, el anarquista español Eugenio Bonaventura asesinado en la cárcel, estuvo internado durante cuatro años en un colegio de Nîmes. La severidad tradicional del sistema escolar francés marcó la infancia del artista. Podría considerarse que con este mediometraje Vigo analiza sus vivencias y elabora una dura crítica con gran sensibilidad artística y con la conciencia política de un anarquismo heredado. Este es su único mediometraje. Para dotar de gran belleza sus encuadres contó con la fabulosa fotografía de Boris Kaufman (B&W). Además,  algunas de las escenas ralentizadas con la cámara enfatizan, subliman el momento hasta convertirlo en verdadero arte, como la escena de la gran batalla de almohadas donde la presencia de plumas en el aire mientras uno de los niños es izado en una silla a modo de trono es toda una declaración de intenciones. 

cero en conducta

Como lo es la escena final donde los niños disfrutan desde el tejado, jugando, como niños que son. Jean Vigo murió joven, con 29 años, de tuberculosis tras el estreno de su única película "L´Atalante (1934)". En su corto legado filmográfico se puede apreciar esa facilidad para que sus imágenes traspasen las fronteras de lo cotidiano, para aventurarse en un mundo de símbolos y sueños. Con esta pequeña rebelión, infantil, lúdica, rozando con el absurdo de sus personajes y las situaciones nos deja la nostálgica poesía de unos niños que se manifiestan por una libertad perdida o jamás alcanzada. Francois Truffaut solía decir que esta película era el más poderoso y auténtico retrato de la infancia jamás filmado. De hecho, Truffaut le rindió un claro homenaje en su película "Los 400 golpes (1959)"  copiando casi fotograma a fotograma, la escena en la que una línea de escolares que corren por París va perdiendo uno a uno sus miembros.  También la película "If...". de Lindsay Anderson puede considerarse la versión que el “Free cinema” hizo de este mediometraje.  

cero en conducta


Título original: Zéro de conduite: Jeunes diables au collège.

Director: Jean Vigo.

Intérpretes: Louis Lefebvre, Gilbert Pluchon, Gérard de Bédarieux, Constantin Goldstein-Kehler, Jean Dasté, Robert Le Flon.


Escena:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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CERO EN CONDUCTA (1933). Los recuerdos infantiles de Jean Vigo.

cero en conducta
Tras la vuelta de las vacaciones, nada ha cambiado para nuestros pequeños protagonistas. En su vida dentro del internado no hay lugar para bromas ni para juegos. Son permanentemente castigados: Cero en conducta, lo que implica perderse la única salida del domingo. Ante este desolador y aburrido panorama, nuestros cuatro protagonistas, hastiados por diferentes motivos, deciden elaborar su propia revolución. La película remeda las experiencias escolares de  Jean Vigo para retratar un sistema educativo burocrático y represivo en el que tienen lugar actos de rebelión surrealistas, producto de una lectura libertaria de la infancia. El título hace referencia a la calificación obtenida por un mal comportamiento que impediría salir en domingo. También muestra la influencia de la obra de teatro Ubu Roi, de Alfred Jarry. "Cero en conducta" es una crítica frontal a un sistema educativo basado en el castigo, la disciplina rígida y la permanente frustración sin expectativas de mejora. Jean Vigo mediante este mediometraje dibuja el absurdo de las clases aburridas, de los regímenes estrictos, de profesores que abusan de su autoridad de forma cruel y arbitraria. En ese ambiente se genera la rebeldía como la única forma de escapatoria posible, como último recurso para ser escuchados. De tal manera que los alumnos planean  combatir el autoritarismo mediante la ironía y la burla, sin armas, simplemente con su imaginación. Como si de un juego más se tratara planean su revolución, reivindican su deseo de seguir siendo niños. Jean Vigo se considera el precursor del Realismo poético francés, movimiento de Cine europeo caracterizado fundamentalmente por plasmar con naturalidad  la realidad, buscando la belleza en los elementos más cotidianos. 

cero en conducta

Sin embargo, la especial sensibilidad y sentido estético de Jean Vigo le hizo marcar su propio estilo al dotar a sus imágenes de esa de fantasía y onirismo que tan ingeniosamente supo mezclar con las realidades más cotidianas. El pequeño Jean Vigo, tras la muerte de su padre, el anarquista español Eugenio Bonaventura asesinado en la cárcel, estuvo internado durante cuatro años en un colegio de Nîmes. La severidad tradicional del sistema escolar francés marcó la infancia del artista. Podría considerarse que con este mediometraje Vigo analiza sus vivencias y elabora una dura crítica con gran sensibilidad artística y con la conciencia política de un anarquismo heredado. Este es su único mediometraje. Para dotar de gran belleza sus encuadres contó con la fabulosa fotografía de Boris Kaufman (B&W). Además,  algunas de las escenas ralentizadas con la cámara enfatizan, subliman el momento hasta convertirlo en verdadero arte, como la escena de la gran batalla de almohadas donde la presencia de plumas en el aire mientras uno de los niños es izado en una silla a modo de trono es toda una declaración de intenciones. 

cero en conducta

Como lo es la escena final donde los niños disfrutan desde el tejado, jugando, como niños que son. Jean Vigo murió joven, con 29 años, de tuberculosis tras el estreno de su única película "L´Atalante (1934)". En su corto legado filmográfico se puede apreciar esa facilidad para que sus imágenes traspasen las fronteras de lo cotidiano, para aventurarse en un mundo de símbolos y sueños. Con esta pequeña rebelión, infantil, lúdica, rozando con el absurdo de sus personajes y las situaciones nos deja la nostálgica poesía de unos niños que se manifiestan por una libertad perdida o jamás alcanzada. Francois Truffaut solía decir que esta película era el más poderoso y auténtico retrato de la infancia jamás filmado. De hecho, Truffaut le rindió un claro homenaje en su película "Los 400 golpes (1959)"  copiando casi fotograma a fotograma, la escena en la que una línea de escolares que corren por París va perdiendo uno a uno sus miembros.  También la película "If...". de Lindsay Anderson puede considerarse la versión que el “Free cinema” hizo de este mediometraje.  

cero en conducta


Título original: Zéro de conduite: Jeunes diables au collège.

Director: Jean Vigo.

Intérpretes: Louis Lefebvre, Gilbert Pluchon, Gérard de Bédarieux, Constantin Goldstein-Kehler, Jean Dasté, Robert Le Flon.


Escena:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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los gemelos golpean dos veces
Al leer la biografía escrita por él mismo, llamada "Total Recall", en España "Desafío Total, mi increíble historia" (haciendo referencia a su exitoso film con Paul Verhoeven), Schwarzenegger desvelaba su orgullo de haber dado su primer salto a la comedia con "Los gemelos golpean dos veces" (Twins). Fue Arnold Schwarzenegger quien se presentó al director Ivan Reitman en la estación de esquí de Aspen (Colorado), después de disfrutar con "Los Cazafantasmas (1984)", argumentándole que... él podía llegar a ser un Cazafantasmas. En un primer momento Reitman se lo tomó a broma, pero entabló amistad con Arnold a partir de esta presentación tan curiosa. Hubiera sido realmente extraño ver a Arnold junto a Bill Murray, Dan Aycroyd, Harold Ramis y Ernie Hudson atrapando fantasmas, pero Reitman apoyó al roble austríaco en en el deseo de ofrecer al público su cara más cómica, cuando el actor se encontraba en la cresta de la ola del cine de acción. El empeño del inmenso actor en ser un comediante se cristalizó en "Twins", con Julius Benedict, un intelectual, fortachón pero bobalicón, e inexperto fruto de un experimento genético del que surge el defecto en forma de gemelo enano, deforme sinvergünza y embaucador con el cuerpo y la energía de ese pequeño gran actor que es Danny de Vitto. Los dos actores financiaron de su propio bolsillo parte de la película, de la que aún hoy están recibiendo beneficios, un total de más 200 millones de recaudación en todo el mundo, de un presupuesto de sólo 15 millones de dólares. 

los gemelos golpean dos veces

"Los gemelos golpean dos veces" es una divertidísima comedia en la que Schwarzenegger saltó al vacío, arriesgando en un género en el que el público podía haberle dado la espalda, pero que satisfactoriamente tuvo la efectividad suficiente para convertirse en una comedia estandarte en los 80. Ver a unos gemelos imposibles bailando, ligando e interactuando juntos es una una agradable satisfacción muy cañera y simpática. La dirección de Reitman, el arrojo de Arnold y la picaresca de de Vitto, las hilarantes situaciones, las pegadizas canciones (una de ellas nominada a un premio Globo de Oro) y la belleza de Kelly Preston (mujer de John Travolta), crean una curiosa mezcolanza de colegas en una estupenda buddy y road movie, moldeando una atractiva comedieta que hace posible que un roble y un matojo formen un bosque de humor maravilloso y entrañable. Todavía albergo la esperanza de que se haga una segunda parte, a la que se uniría previsiblemente el alocado genial de Eddie Murphy y que respondería al título de: Triplets. Frases: -La regla número uno en una situación límite es: Jamás perder la calma-. -La regla número dos en una situación límite es: Si te vas a tirar un farol, tienes que tener en cuenta que pueden pillarte- -Si me ha mentido, volveré...-. Schwarzenegger, le acabaría pillando el gusto a la comedia a partir de "Twins", con un reconocimiento para provocar la carcajada en el gran público, y seguiría un sendero burlesco marcado con títulos como "Poli de guardería (1990)", "Junior (1994)" (las dos dirigidas por Reitman), "El último gran héroe (1993)", "Un padre en apuros (1996)", "La vuelta al mundo en 80 días (2004)" y claro, su parte de parodia del cine de acción con su personaje Terence Moug en "The Expendables" (Los Mercenarios). Si a Arnold no se le resiste la acción siendo el rey, también hay que mencionar su registro cómico, del que es todavía un avanzado alumno.

los gemelos golpean dos veces

Título original: Twins.

Director: Ivan Reitman.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Danny DeVito, Kelly Preston, Chloe Webb, Bonnie Bartlett,Trey Wilson, Marshall Bell.

Trailer:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

LOS GEMELOS GOLPEAN DOS VECES (1988). La comedia de Schwarzenegger y Danny DeVito.

los gemelos golpean dos veces
Al leer la biografía escrita por él mismo, llamada "Total Recall", en España "Desafío Total, mi increíble historia" (haciendo referencia a su exitoso film con Paul Verhoeven), Schwarzenegger desvelaba su orgullo de haber dado su primer salto a la comedia con "Los gemelos golpean dos veces" (Twins). Fue Arnold Schwarzenegger quien se presentó al director Ivan Reitman en la estación de esquí de Aspen (Colorado), después de disfrutar con "Los Cazafantasmas (1984)", argumentándole que... él podía llegar a ser un Cazafantasmas. En un primer momento Reitman se lo tomó a broma, pero entabló amistad con Arnold a partir de esta presentación tan curiosa. Hubiera sido realmente extraño ver a Arnold junto a Bill Murray, Dan Aycroyd, Harold Ramis y Ernie Hudson atrapando fantasmas, pero Reitman apoyó al roble austríaco en en el deseo de ofrecer al público su cara más cómica, cuando el actor se encontraba en la cresta de la ola del cine de acción. El empeño del inmenso actor en ser un comediante se cristalizó en "Twins", con Julius Benedict, un intelectual, fortachón pero bobalicón, e inexperto fruto de un experimento genético del que surge el defecto en forma de gemelo enano, deforme sinvergünza y embaucador con el cuerpo y la energía de ese pequeño gran actor que es Danny de Vitto. Los dos actores financiaron de su propio bolsillo parte de la película, de la que aún hoy están recibiendo beneficios, un total de más 200 millones de recaudación en todo el mundo, de un presupuesto de sólo 15 millones de dólares. 

los gemelos golpean dos veces

"Los gemelos golpean dos veces" es una divertidísima comedia en la que Schwarzenegger saltó al vacío, arriesgando en un género en el que el público podía haberle dado la espalda, pero que satisfactoriamente tuvo la efectividad suficiente para convertirse en una comedia estandarte en los 80. Ver a unos gemelos imposibles bailando, ligando e interactuando juntos es una una agradable satisfacción muy cañera y simpática. La dirección de Reitman, el arrojo de Arnold y la picaresca de de Vitto, las hilarantes situaciones, las pegadizas canciones (una de ellas nominada a un premio Globo de Oro) y la belleza de Kelly Preston (mujer de John Travolta), crean una curiosa mezcolanza de colegas en una estupenda buddy y road movie, moldeando una atractiva comedieta que hace posible que un roble y un matojo formen un bosque de humor maravilloso y entrañable. Todavía albergo la esperanza de que se haga una segunda parte, a la que se uniría previsiblemente el alocado genial de Eddie Murphy y que respondería al título de: Triplets. Frases: -La regla número uno en una situación límite es: Jamás perder la calma-. -La regla número dos en una situación límite es: Si te vas a tirar un farol, tienes que tener en cuenta que pueden pillarte- -Si me ha mentido, volveré...-. Schwarzenegger, le acabaría pillando el gusto a la comedia a partir de "Twins", con un reconocimiento para provocar la carcajada en el gran público, y seguiría un sendero burlesco marcado con títulos como "Poli de guardería (1990)", "Junior (1994)" (las dos dirigidas por Reitman), "El último gran héroe (1993)", "Un padre en apuros (1996)", "La vuelta al mundo en 80 días (2004)" y claro, su parte de parodia del cine de acción con su personaje Terence Moug en "The Expendables" (Los Mercenarios). Si a Arnold no se le resiste la acción siendo el rey, también hay que mencionar su registro cómico, del que es todavía un avanzado alumno.

los gemelos golpean dos veces

Título original: Twins.

Director: Ivan Reitman.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Danny DeVito, Kelly Preston, Chloe Webb, Bonnie Bartlett,Trey Wilson, Marshall Bell.

Trailer:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

toma el dinero y corre
Esta cinta supuso el debut de Woody Allen como director y guionista. Protagonizada por él mismo, Allen consiguió el reconocimiento que tanto había buscado al saber combinar de forma inteligente la más pura tradición humorística de los icónicos: Chaplin, Keaton y los Hermanos Marx con una novedosa forma de narración llamada "mockumentary": Un falso documental que, en clave de comedia, pretende ser la autobiografía de una gran antihéroe, de un tipo con buenas intenciones que fracasa en cada tarea que emprende en la vida y que carece de las cualidades necesarias para alcanzar el prototipo standar del sueño americano. Se construye así un relato que sabe alternar varios recursos narrativos: la voz en off, las entrevistas de los que lo conocieron desde su infancia y las peripecias de nuestro protagonista en su vida real. La narración en off nos advierte desde el principio que el relato estará cargado de cinismo e ironía al describir al torpe y neurótico criminal Virgil Starkwell (Woody Allen) como un delincuente incomprendido:

"Virgil nunca dejará de ser el angelito de los cielos que quizás nunca recibió el suficiente cariño de sus padres".

Cada uno de los sucesos que conforman su vida representa la incisiva crítica de cada uno de los mitos sociales de la época, con mención u homenaje a distintos referentes cinematográficos. Su infancia refleja la marginalidad y la delincuencia de bandas callejeras, donde más que ser un delincuente consigue ser objeto de burlas, ya que sus escasas dotes físicas lo convirtieron en un desastre hasta para cometer malicias en la infancia. Su juventud se convierte en una frustración permanente, sin alcanzar su sueño de ser músico en una banda. La sentencia del profesor entrevistado es contundente "No hay nada bueno que pueda decir de él…No tenía ni idea de lo que era la armonía". Finalmente cuando se establece son su esposa, los pocos ingresos económicos lo conducen a un intento fallido de robo a un camión blindado. 

toma el dinero y corre

Armado con una simple pistola de juguete fracasa estrepitosamente y es detenido en el acto. Tras ser encarcelado, consigue escapar de prisión e iniciar una nueva vida con su adorada esposa, pero esta vez el director, homenajeando a la esencia de los films "Noir", nos muestra un individuo con un pasado delictivo que lo persigue sin que pueda escapar de él. Son muchas las escenas con gran chispa y brillo, sin abandonar el espíritu crítico, como  por ejemplo, la escena donde intenta conseguir un trabajo “decente”. Para un gran amante del cine como Allen,  tampoco podían faltar los intertextos sobre figuras míticas de la pantalla, como la escena del atraco bajo la dirección artística del mismísimo Fritz Lang. Volverá a una prisión de alta seguridad, esta vez, rememorando la película de "La leyenda del indomable" y protagonizará una "Gran evasión" en grupo. Otro gran punto importante lo representan los entrevistados: Sus padres disfrazados que se avergüenzan de él, su psiquiatra con interpretaciones peregrinas sobre su personalidad, o el propio agente del FBI que consigue su final detención (amigo de J. Edgar Hoover, hablando sobre una conspiración ateo-comunista). Todos los grandes tópicos de la sociedad estadounidense del momento, ridiculizados y criticados sobre el hilo argumental de la biografía del permanente hombre sin éxito, sin fama y sin fortuna. Tal como dijo una vecina tras su final detención: "Y pensar que ese idiota era el gángster del año...".

toma el dinero y corre

Con este primer gran éxito de Allen se marca el comienzo de una serie de películas donde la ficción y la realidad se intercambian continuamente, y donde sus protagonistas principales funden persona y personaje sin que acertemos a distinguir dónde empieza uno y acaba el otro. Es un bonita y original manera de hacernos participar de todas sus reflexiones y de su visión existencialista de la vida, recubriendo siempre de un fino humor sus diálogos. Con los años, este tipo de humor surrealista y alocado de los comienzos del cine ha ido depurándose y formando un estilo propio, con visibles inspiraciones en los grandes cineastas. Podríamos decir que Allen es el mejor heredero del humor de los films clásicos. En su vida real, Allen tuvo grandes dificultades para salir adelante en el mundo del espectáculo. Incluso fracasó para graduarse como productor cinematográfico: "Hasta los caballos consiguen acabar una carrera". Dedicado durante años a escribir chistes para los demás, tampoco tuvo suerte en su programa de humor para la TV. Pero no cedió en su empeño y continuó escribiendo para televisión y haciendo monólogos humorísticos por los teatros de NYC. El guión de esta cinta, escrito junto a su amigo de la infancia Mickey Rose, estaba destinado para que Jerry Lewis lo dirigiera. Aunque tuvo que ser él mismo el que acabara escribiendo dirigiendo y protagonizando su primer film apoyado por una nueva y modesta productora, "Palomar Pictures". Sin duda, lo más llamativo de "Toma el dinero y corre" es la apuesta narrativa por el "mockumentary", siendo este film uno de las grandes referencias dentro del subgénero. Consigue una gran comedia relatando la vida de un perdedor neoyorkino. Construida con muchos de los miedos que deben afrontar todos los que desean aparentar ese ideal de estereotipo triunfador dentro de una sociedad exigente y cruel con los que no lo consiguen. Y lo consigue gracias a un humor ágil y alocado, lleno de gags y situaciones absurdas bajo la seria y realista apariencia de un documental.

toma el dinero y corre

Título original: Take the Money and Run.

Director: Woody Allen.

Intérpretes: Woody Allen, Janet Margolin, Marcel Hillaire, Jacqueline Hyde, Jan Merlin, Lonny Chapman.

Trailer:


Escena:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

TOMA EL DINERO Y CORRE (1969). El debut de Woody Allen.

toma el dinero y corre
Esta cinta supuso el debut de Woody Allen como director y guionista. Protagonizada por él mismo, Allen consiguió el reconocimiento que tanto había buscado al saber combinar de forma inteligente la más pura tradición humorística de los icónicos: Chaplin, Keaton y los Hermanos Marx con una novedosa forma de narración llamada "mockumentary": Un falso documental que, en clave de comedia, pretende ser la autobiografía de una gran antihéroe, de un tipo con buenas intenciones que fracasa en cada tarea que emprende en la vida y que carece de las cualidades necesarias para alcanzar el prototipo standar del sueño americano. Se construye así un relato que sabe alternar varios recursos narrativos: la voz en off, las entrevistas de los que lo conocieron desde su infancia y las peripecias de nuestro protagonista en su vida real. La narración en off nos advierte desde el principio que el relato estará cargado de cinismo e ironía al describir al torpe y neurótico criminal Virgil Starkwell (Woody Allen) como un delincuente incomprendido:

"Virgil nunca dejará de ser el angelito de los cielos que quizás nunca recibió el suficiente cariño de sus padres".

Cada uno de los sucesos que conforman su vida representa la incisiva crítica de cada uno de los mitos sociales de la época, con mención u homenaje a distintos referentes cinematográficos. Su infancia refleja la marginalidad y la delincuencia de bandas callejeras, donde más que ser un delincuente consigue ser objeto de burlas, ya que sus escasas dotes físicas lo convirtieron en un desastre hasta para cometer malicias en la infancia. Su juventud se convierte en una frustración permanente, sin alcanzar su sueño de ser músico en una banda. La sentencia del profesor entrevistado es contundente "No hay nada bueno que pueda decir de él…No tenía ni idea de lo que era la armonía". Finalmente cuando se establece son su esposa, los pocos ingresos económicos lo conducen a un intento fallido de robo a un camión blindado. 

toma el dinero y corre

Armado con una simple pistola de juguete fracasa estrepitosamente y es detenido en el acto. Tras ser encarcelado, consigue escapar de prisión e iniciar una nueva vida con su adorada esposa, pero esta vez el director, homenajeando a la esencia de los films "Noir", nos muestra un individuo con un pasado delictivo que lo persigue sin que pueda escapar de él. Son muchas las escenas con gran chispa y brillo, sin abandonar el espíritu crítico, como  por ejemplo, la escena donde intenta conseguir un trabajo “decente”. Para un gran amante del cine como Allen,  tampoco podían faltar los intertextos sobre figuras míticas de la pantalla, como la escena del atraco bajo la dirección artística del mismísimo Fritz Lang. Volverá a una prisión de alta seguridad, esta vez, rememorando la película de "La leyenda del indomable" y protagonizará una "Gran evasión" en grupo. Otro gran punto importante lo representan los entrevistados: Sus padres disfrazados que se avergüenzan de él, su psiquiatra con interpretaciones peregrinas sobre su personalidad, o el propio agente del FBI que consigue su final detención (amigo de J. Edgar Hoover, hablando sobre una conspiración ateo-comunista). Todos los grandes tópicos de la sociedad estadounidense del momento, ridiculizados y criticados sobre el hilo argumental de la biografía del permanente hombre sin éxito, sin fama y sin fortuna. Tal como dijo una vecina tras su final detención: "Y pensar que ese idiota era el gángster del año...".

toma el dinero y corre

Con este primer gran éxito de Allen se marca el comienzo de una serie de películas donde la ficción y la realidad se intercambian continuamente, y donde sus protagonistas principales funden persona y personaje sin que acertemos a distinguir dónde empieza uno y acaba el otro. Es un bonita y original manera de hacernos participar de todas sus reflexiones y de su visión existencialista de la vida, recubriendo siempre de un fino humor sus diálogos. Con los años, este tipo de humor surrealista y alocado de los comienzos del cine ha ido depurándose y formando un estilo propio, con visibles inspiraciones en los grandes cineastas. Podríamos decir que Allen es el mejor heredero del humor de los films clásicos. En su vida real, Allen tuvo grandes dificultades para salir adelante en el mundo del espectáculo. Incluso fracasó para graduarse como productor cinematográfico: "Hasta los caballos consiguen acabar una carrera". Dedicado durante años a escribir chistes para los demás, tampoco tuvo suerte en su programa de humor para la TV. Pero no cedió en su empeño y continuó escribiendo para televisión y haciendo monólogos humorísticos por los teatros de NYC. El guión de esta cinta, escrito junto a su amigo de la infancia Mickey Rose, estaba destinado para que Jerry Lewis lo dirigiera. Aunque tuvo que ser él mismo el que acabara escribiendo dirigiendo y protagonizando su primer film apoyado por una nueva y modesta productora, "Palomar Pictures". Sin duda, lo más llamativo de "Toma el dinero y corre" es la apuesta narrativa por el "mockumentary", siendo este film uno de las grandes referencias dentro del subgénero. Consigue una gran comedia relatando la vida de un perdedor neoyorkino. Construida con muchos de los miedos que deben afrontar todos los que desean aparentar ese ideal de estereotipo triunfador dentro de una sociedad exigente y cruel con los que no lo consiguen. Y lo consigue gracias a un humor ágil y alocado, lleno de gags y situaciones absurdas bajo la seria y realista apariencia de un documental.

toma el dinero y corre

Título original: Take the Money and Run.

Director: Woody Allen.

Intérpretes: Woody Allen, Janet Margolin, Marcel Hillaire, Jacqueline Hyde, Jan Merlin, Lonny Chapman.

Trailer:


Escena:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

a propósito de niza
A propósito de Niza es una deliciosa y curiosa mirada sobre esta glamurosa y lujosa ciudad de la Costa Azul, Niza. Vigo fija el ojo de su cámara para retratar la ciudad, a sus ricos y ociosos habitantes, sus casinos, el lujo de sus hoteles que aquellos disfrutan y sestean al calor del confortable sol de la ciudad, bajo sus caras ropas de un día cualquiera. Pero Niza no solo es eso, no es solamente lujo, ostentación y apariencia burguesa, Vigo baja y se adentra hasta las cloacas de la ciudad para mostrar el contraste que detenta la luz y el ornamento de la zona acomodada, en contraposición con los barrios más pobres, con los trabajadores y asalariados que aunque parezca mentira, también residen allí. Vigo conocía a la perfección la ciudad de Niza, ya que por cuestión de salud residió allí durante algunos años. Y así, a través de la contemplación del paisaje diario y de sus gentes, y a través de aparentes imágenes inofensivas, realiza una feroz crítica contra el capitalismo y la frívola y ociosa burguesía francesa. À propos de Nice fue su primer trabajo. Él y Boris Kaufman, hermano de Dziga Vertov, padre del documental soviético y  autor de "El hombre de la cámara (1929)" realizaron este documental con clara influencia vanguardista soviética. Kaufman rodaba las imágenes sentado en una silla de ruedas, apoyando la cámara entre las piernas, y cubierta por una manta; silla que empujaba el propio Vigo. Este método, que ahora lo conocemos como cámara oculta, correspondía a que tanto el propio realizador, como su operador, creían en la teoría Kino- pravda (cine-verdad). Así, si las personas no eran conscientes de que eran filmadas, se extraía una mayor percepción de la realidad en ellas. Una realidad que muestra exclusivamente con imágenes y sin palabras. El desenfado y alegría de la "Promenade des Anglais", en contradicción con la ropa tendida, la basura y los charcos sucios de los barrios fabriles. 

a propósito de niza

A propósito de Niza se le enmarca dentro del género de documental, en un subgénero denominado "sinfonías urbanas". Un  relato únicamente visual, exento de música,  donde las imágenes derivan en un montaje surreal a la vez que descriptivo y donde se incluye la cámara lenta, amplias panorámicas, aceleraciones y planos rodados en círculo. Una ciudad que despierta con el trabajo de la clase trabajadora, una puesta a punto para que la clase alta pueda disfrutar plenamente de los placeres más mundanos. Y un documental con un fondo muy importante: el cine social. Jean Vigo fue uno de los grandes cineastas franceses de principios del siglo XX. Únicamente pudo rodar cuatro obras. Este documental, de apenas veintitrés minutos fue su primera obra Su segundo filme, "Taris (1931)" fue un cortometraje de encargo sobre la figura de un nadador. Con "Cero en conducta (1933)" Vigo rodó su propia experiencia en los rígidos internados de su infancia. Falleció a los veintinueve años, antes de ver el estreno de su última obra,  "L’Atalante", rodada en 1934. "El documental social se diferencia del documental sin más y de los noticiarios semanales de actualidades por el punto de vista defendido inequívocamente por el autor. Este documental exige que se tome postura, porque pone los puntos sobre las íes. Si no implica a un artista, por lo menos implica a un hombre. Una cosa vale la otra. El tomavistas estará dirigido a lo que debe ser considerado como un documento y que, a la hora del montaje, ser interpretado como tal documento" (Jean Vigo).

a propósito de niza


Título original: À propos de Nice.

Director: Jean Vigo.

Trailer:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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A PROPÓSITO DE NIZA (1930). El cortometraje documental de Jean Vigo.

a propósito de niza
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a propósito de niza

A propósito de Niza se le enmarca dentro del género de documental, en un subgénero denominado "sinfonías urbanas". Un  relato únicamente visual, exento de música,  donde las imágenes derivan en un montaje surreal a la vez que descriptivo y donde se incluye la cámara lenta, amplias panorámicas, aceleraciones y planos rodados en círculo. Una ciudad que despierta con el trabajo de la clase trabajadora, una puesta a punto para que la clase alta pueda disfrutar plenamente de los placeres más mundanos. Y un documental con un fondo muy importante: el cine social. Jean Vigo fue uno de los grandes cineastas franceses de principios del siglo XX. Únicamente pudo rodar cuatro obras. Este documental, de apenas veintitrés minutos fue su primera obra Su segundo filme, "Taris (1931)" fue un cortometraje de encargo sobre la figura de un nadador. Con "Cero en conducta (1933)" Vigo rodó su propia experiencia en los rígidos internados de su infancia. Falleció a los veintinueve años, antes de ver el estreno de su última obra,  "L’Atalante", rodada en 1934. "El documental social se diferencia del documental sin más y de los noticiarios semanales de actualidades por el punto de vista defendido inequívocamente por el autor. Este documental exige que se tome postura, porque pone los puntos sobre las íes. Si no implica a un artista, por lo menos implica a un hombre. Una cosa vale la otra. El tomavistas estará dirigido a lo que debe ser considerado como un documento y que, a la hora del montaje, ser interpretado como tal documento" (Jean Vigo).

a propósito de niza


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Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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¿Te gustaría ver en la gran pantalla "2.001: Una odisea del espacio"? Las mejores películas de la historia del cine y Multicines Tenerife te damos la oportunidad para que asistas junto a un acompañante a revivir o ver por primera vez este inolvidable clásico de Stanley Kubrick en VOSE.

Dicha proyección se realizará el próximo sábado día 25 de abril a las 20.00 horas en los Multicines Tenerife situado en Camino La Hornera, Centro Comercial Alcampo.

Para conseguir una de las 5 entradas dobles que sorteamos puedes participar por alguna de estas dos vías:

Participar vía Facebook:

Hazte seguidor de "la página de las mejores películas de la historia del cine" y de "Multicines Tenerife" y responde a la imagen enlazada de nuestra página de facebook (PINCHA AQUÍ):

Quiero asistir a la proyección de 2.001: Una odisea del espacio.

Posteriormente envíanos un correo electrónico con el asunto "Concurso 2001:Una odisea del espacio" a lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine@hotmail.com  indicándonos tu nombre real y apellidos y el nombre que tienes en facebook.

Participar vía twitter:

Hazte seguidor de "Las mejores películas de la historia del cine" y de "Multicines Tenerife" y tuitea lo siguiente:

Quiero asistir a la proyección de 2001 con @jesusdrago, @multicines3d.

Tras enviar ese tweet, envíanos un correo electrónico con el asunto "Concurso 2001:Una odisea del espacio" a lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine@hotmail.com indicándonos tu nombre real y apellidos y nick en Twitter.


REGLAS DEL CONCURSO

Podrán participar todos los lectores de "Las mejores películas de la historia del cine" que residan en España y que cumplan con las instrucciones que hemos expuesto arriba, entendiendo que las entradas solo serán válidas para la proyección que tendrá lugar el sábado 25 de abril a las 20:00 horas en los Multicines Tenerife situado en Camino La Hornera, Centro Comercial Alcampo.

Solo admitiremos una participación por persona / medio (o lo que es lo mismo, podéis participar una vez por facebook, otra por twitter).

Cualquier intento de fraude o trampas implicara la descalificación automática.

El concurso se inicia ahora mismo (miércoles 22 de Abril de 2015 y termina el viernes 24 de abril a las 23.59 horas.

Los ganadores / ganadoras serán anunciados en este blog el sábado 25 de Abril por la mañana, tras lo cual, nos pondremos en contacto con los afortunados y afortunadas para que nadie se quede sin asistir.



GANADORES:

-Patricia Hidalgo Albín.
-David Rodríguez González.
-Eduardo David Pérez Fariña.
-Antonio Gutierrez Hernández.
-Isabel García García.

Concurso: Te invitamos a la proyección en los Multicines Tenerife de 2001: Una odisea del espacio.



¿Te gustaría ver en la gran pantalla "2.001: Una odisea del espacio"? Las mejores películas de la historia del cine y Multicines Tenerife te damos la oportunidad para que asistas junto a un acompañante a revivir o ver por primera vez este inolvidable clásico de Stanley Kubrick en VOSE.

Dicha proyección se realizará el próximo sábado día 25 de abril a las 20.00 horas en los Multicines Tenerife situado en Camino La Hornera, Centro Comercial Alcampo.

Para conseguir una de las 5 entradas dobles que sorteamos puedes participar por alguna de estas dos vías:

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Posteriormente envíanos un correo electrónico con el asunto "Concurso 2001:Una odisea del espacio" a lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine@hotmail.com  indicándonos tu nombre real y apellidos y el nombre que tienes en facebook.

Participar vía twitter:

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Quiero asistir a la proyección de 2001 con @jesusdrago, @multicines3d.

Tras enviar ese tweet, envíanos un correo electrónico con el asunto "Concurso 2001:Una odisea del espacio" a lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine@hotmail.com indicándonos tu nombre real y apellidos y nick en Twitter.


REGLAS DEL CONCURSO

Podrán participar todos los lectores de "Las mejores películas de la historia del cine" que residan en España y que cumplan con las instrucciones que hemos expuesto arriba, entendiendo que las entradas solo serán válidas para la proyección que tendrá lugar el sábado 25 de abril a las 20:00 horas en los Multicines Tenerife situado en Camino La Hornera, Centro Comercial Alcampo.

Solo admitiremos una participación por persona / medio (o lo que es lo mismo, podéis participar una vez por facebook, otra por twitter).

Cualquier intento de fraude o trampas implicara la descalificación automática.

El concurso se inicia ahora mismo (miércoles 22 de Abril de 2015 y termina el viernes 24 de abril a las 23.59 horas.

Los ganadores / ganadoras serán anunciados en este blog el sábado 25 de Abril por la mañana, tras lo cual, nos pondremos en contacto con los afortunados y afortunadas para que nadie se quede sin asistir.



GANADORES:

-Patricia Hidalgo Albín.
-David Rodríguez González.
-Eduardo David Pérez Fariña.
-Antonio Gutierrez Hernández.
-Isabel García García.

batman begins
Después de la infructuosa e inútil "Batman y Robin (1997)" (de la que prefiero no hablar), un silencio sepulcral asoló a la productora Warner Brothers para poner en marcha una nueva adaptación del héroe por excelencia de la D.C. Cómics, proyectos varios se presentaron como alternativa para reiniciar de nuevo la franquicia del protector de Gotham durante años: 1. Una posible nueva secuela con Joel Schumacher con villanos interpretados por Madonna "Harley Quinn" y Alec Baldwin como "Egghead" (personaje que en la serie de los 60's interpretó el genial Vincent Price). 2. Un Superman vs Batman que hubiera dirigido Wolfang Petersen ("Air Force One (1997)"). 3. Un Batman del futuro que adoctrinaría a un nuevo héroe a los mandos de Clint Eastwood. 4. Y por último y la más cercana de todas las posibilidades pero igualmente no llevaba a cabo, un film de Batman dirigido por Darren Aronosfky ("Cisne Negro (2010)", "The Wrestler (2008)"). En una búsqueda por reinterpretar la figura del caballero negro, David S. Goyer (Guionista de "Blade") encontró los orígenes de Batman, teniendo en cuenta el cómic de Frank Miller "Año Uno" y que, anteriores adaptaciones no supieron contar con los numerosos porqués de la transformación de Bruce Wayne en Batman. Christopher Nolan fue el elegido para narrar la aventura épica de un niño traumatizado por el asesinato de sus padres, y que sin descanso marchará buscando la manera de asimilar sus demonios y encauzar la venganza superando sus miedos. En su particular encuentro de sí mismo como hombre, Bruce Wayne encuentra a "Ducard" (Liam Neeson) que le ofrecerá el camino de involucrarse en una secta llamada "La liga de las sombras" para poder superar su miedo y exprimir al máximo sus habilidades físicas y mentales para luchar así contra el crimen y las injusticias en Gotham, a las órdenes de "Ra´s Al Ghul" (Ken Watanabe). 

batman begins

Una vez aprendido todo lo necesario para convertirse en guardián de Gotham en memoria de sus padres, Wayne desafiará el mandato de Ghul para ponerse a su servicio como justiciero, y decidirá apartarse de la liga de las sombras eligiendo su propio camino para utilizar todas sus habilidades para imprimir su visión de la justicia en una Gotham manchada por la corrupción, el crimen, la crisis económica y el miedo, enfrentándose al capo de la mafia Carmine Falcone (Tom Wilkinson) y al Espantapájaros (Cillian Murphy) con la ayuda de un noble y honrado policía James Gordon (Gary Oldman). Nolan supo crear dentro de la ficción del cómic de Bob Kane una verosimilitud asombrosa y de carácter épico en un film que bebe del néctar del guión de Goyer, indagando en los orígenes del héroe levantando una historia que cuida con mimo la psicología de los personajes con el entretenimiento, interés y grandilocuencia que Batman requería para hacer una adaptación cinematográfica "como Dios manda". Contando con un admirable grupo de actores entre los que figuran: Morgan Freeman, Michael Caine, el rescatado Rutger Hauer y Katie Holmes, unidos a los ya mencionados, la película Batman Begins levantó de nuevo mi esperanza cuando leí por primera vez en la revista Fotogramas la noticia del comienzo de su rodaje, con una fotografía de Christian Bale vistiendo el traje negro de mi héroe por excelencia. Bale que meses antes del rodaje de Batman begins había sido ya seleccionado para ser Batman, se había convertido en un raquítico insomne en la película de Brad Anderson "El Maquinista (2004)", pero superando todas las expectativas de Nolan se presentó de nuevo al director haciendo gala de un físico espectacular, musculado y casi desmesurado en donde antes sólo había un saco de huesos, para poder enfundarse el uniforme del caballero oscuro con la fuerza y la convicción suficientes para convertirse en "el mejor Batman".

batman begins

"Batman begins" contó con todo lo necesario para dejar de nuevo en un pedestal en celuloide al señor de la noche, pero en esta ocasión fomentando más los recursos narrativos del cómic por encima de la vistosidad estética de otras adaptaciones, con un punto de vista más trascendental y realista. Batman Begins contiene frases que rondan todavía mi cabeza de fanático, que de algún modo sirven como inspiración para todo aquel que quiera escuchar: -Si te entregas a un ideal, si nadie puede detenerte te conviertes al alguien diferente, en un héroe-(Liam Neeson-Ducard). -¿Por qué nos caemos?..Para levantarnos de nuevo-(Michael Caine-Alfred). -Se nos conoce por nuestros actos-(Katie Holmes-Rachel Tous). El film de Nolan es una admirable película de aventuras, que indaga en los misterios de Batman para desvelar su lucha interior superando los traumas infantiles con el objetivo de dar a la justicia una nueva cara: La de un héroe que utiliza su miedo superado, para aterrorizar a los malechores y villanos, protegiendo a los inocentes y vigilando como intachable guardián a la ciudad de Gotham ante cualquier posible amenaza. Como curiosidades y datos de interés, esta película recaudó 374 millones de dólares de un presupuesto de 150. El actor Cillian Murphy antes de ser el espantapájaros, se presentó a un casting para ser Batman, y dada la buena impresión que dejó al director, éste hizo que se le contratara como villano. Liam Neeson con Batman Begins volvía de nuevo a ser mentor y maestro de un héroe en una película, ya lo había hecho en Starwars y en "El Reino de los Cielos (2005)" de Ridley Scott, guardándose para sí más una inesperada sorpresa en esta reinterpretación magistral en una película de Batman, en la que a Nolan se le empezaba a ver como a un director de culto...

batman begins


Director: Christopher Nolan 

Intérpretes: Christian Bale, Liam Neeson, Katie Holmes, Cillian Murphy, Michael Caine, Morgan Freeman, Gary Oldman.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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BATMAN BEGINS (2005). El inicio de la saga de Christopher Nolan.

batman begins
Después de la infructuosa e inútil "Batman y Robin (1997)" (de la que prefiero no hablar), un silencio sepulcral asoló a la productora Warner Brothers para poner en marcha una nueva adaptación del héroe por excelencia de la D.C. Cómics, proyectos varios se presentaron como alternativa para reiniciar de nuevo la franquicia del protector de Gotham durante años: 1. Una posible nueva secuela con Joel Schumacher con villanos interpretados por Madonna "Harley Quinn" y Alec Baldwin como "Egghead" (personaje que en la serie de los 60's interpretó el genial Vincent Price). 2. Un Superman vs Batman que hubiera dirigido Wolfang Petersen ("Air Force One (1997)"). 3. Un Batman del futuro que adoctrinaría a un nuevo héroe a los mandos de Clint Eastwood. 4. Y por último y la más cercana de todas las posibilidades pero igualmente no llevaba a cabo, un film de Batman dirigido por Darren Aronosfky ("Cisne Negro (2010)", "The Wrestler (2008)"). En una búsqueda por reinterpretar la figura del caballero negro, David S. Goyer (Guionista de "Blade") encontró los orígenes de Batman, teniendo en cuenta el cómic de Frank Miller "Año Uno" y que, anteriores adaptaciones no supieron contar con los numerosos porqués de la transformación de Bruce Wayne en Batman. Christopher Nolan fue el elegido para narrar la aventura épica de un niño traumatizado por el asesinato de sus padres, y que sin descanso marchará buscando la manera de asimilar sus demonios y encauzar la venganza superando sus miedos. En su particular encuentro de sí mismo como hombre, Bruce Wayne encuentra a "Ducard" (Liam Neeson) que le ofrecerá el camino de involucrarse en una secta llamada "La liga de las sombras" para poder superar su miedo y exprimir al máximo sus habilidades físicas y mentales para luchar así contra el crimen y las injusticias en Gotham, a las órdenes de "Ra´s Al Ghul" (Ken Watanabe). 

batman begins

Una vez aprendido todo lo necesario para convertirse en guardián de Gotham en memoria de sus padres, Wayne desafiará el mandato de Ghul para ponerse a su servicio como justiciero, y decidirá apartarse de la liga de las sombras eligiendo su propio camino para utilizar todas sus habilidades para imprimir su visión de la justicia en una Gotham manchada por la corrupción, el crimen, la crisis económica y el miedo, enfrentándose al capo de la mafia Carmine Falcone (Tom Wilkinson) y al Espantapájaros (Cillian Murphy) con la ayuda de un noble y honrado policía James Gordon (Gary Oldman). Nolan supo crear dentro de la ficción del cómic de Bob Kane una verosimilitud asombrosa y de carácter épico en un film que bebe del néctar del guión de Goyer, indagando en los orígenes del héroe levantando una historia que cuida con mimo la psicología de los personajes con el entretenimiento, interés y grandilocuencia que Batman requería para hacer una adaptación cinematográfica "como Dios manda". Contando con un admirable grupo de actores entre los que figuran: Morgan Freeman, Michael Caine, el rescatado Rutger Hauer y Katie Holmes, unidos a los ya mencionados, la película Batman Begins levantó de nuevo mi esperanza cuando leí por primera vez en la revista Fotogramas la noticia del comienzo de su rodaje, con una fotografía de Christian Bale vistiendo el traje negro de mi héroe por excelencia. Bale que meses antes del rodaje de Batman begins había sido ya seleccionado para ser Batman, se había convertido en un raquítico insomne en la película de Brad Anderson "El Maquinista (2004)", pero superando todas las expectativas de Nolan se presentó de nuevo al director haciendo gala de un físico espectacular, musculado y casi desmesurado en donde antes sólo había un saco de huesos, para poder enfundarse el uniforme del caballero oscuro con la fuerza y la convicción suficientes para convertirse en "el mejor Batman".

batman begins

"Batman begins" contó con todo lo necesario para dejar de nuevo en un pedestal en celuloide al señor de la noche, pero en esta ocasión fomentando más los recursos narrativos del cómic por encima de la vistosidad estética de otras adaptaciones, con un punto de vista más trascendental y realista. Batman Begins contiene frases que rondan todavía mi cabeza de fanático, que de algún modo sirven como inspiración para todo aquel que quiera escuchar: -Si te entregas a un ideal, si nadie puede detenerte te conviertes al alguien diferente, en un héroe-(Liam Neeson-Ducard). -¿Por qué nos caemos?..Para levantarnos de nuevo-(Michael Caine-Alfred). -Se nos conoce por nuestros actos-(Katie Holmes-Rachel Tous). El film de Nolan es una admirable película de aventuras, que indaga en los misterios de Batman para desvelar su lucha interior superando los traumas infantiles con el objetivo de dar a la justicia una nueva cara: La de un héroe que utiliza su miedo superado, para aterrorizar a los malechores y villanos, protegiendo a los inocentes y vigilando como intachable guardián a la ciudad de Gotham ante cualquier posible amenaza. Como curiosidades y datos de interés, esta película recaudó 374 millones de dólares de un presupuesto de 150. El actor Cillian Murphy antes de ser el espantapájaros, se presentó a un casting para ser Batman, y dada la buena impresión que dejó al director, éste hizo que se le contratara como villano. Liam Neeson con Batman Begins volvía de nuevo a ser mentor y maestro de un héroe en una película, ya lo había hecho en Starwars y en "El Reino de los Cielos (2005)" de Ridley Scott, guardándose para sí más una inesperada sorpresa en esta reinterpretación magistral en una película de Batman, en la que a Nolan se le empezaba a ver como a un director de culto...

batman begins


Director: Christopher Nolan 

Intérpretes: Christian Bale, Liam Neeson, Katie Holmes, Cillian Murphy, Michael Caine, Morgan Freeman, Gary Oldman.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Quizás pueda interesarle:


¿Te gustaría ver en la gran pantalla "El exorcista" de William Friedkin? Las mejores películas de la historia del cine y Callao City Light te damos la oportunidad para que asistas junto a un acompañante a revivir o ver por primera vez este gran clásico del cine de terror en VOSE.

Dicha proyección se realizará el próximo jueves día 23 de abril a las 20.00 horas en El club de la Prensa, (Cine la Prensa) situado en Plaza Callao 4 (Madrid)

Para conseguir una de las 5 entradas dobles que sorteamos puedes participar por alguna de estas dos vías:

Participar vía Facebook:

Hazte seguidor de "la página de las mejores películas de la historia del cine" y de "Callao City Light" y responder a la imagen enlazada (PINCHA AQUÍ):

Quiero asistir a la proyección de El exorcista.

Tras responder, compartir la imagen en tu muro de facebook (comprobaremos que se ha realizado correctamente).

Posteriormente envíanos un correo electrónico con el asunto "Concurso el exorcista" a lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine@hotmail.com  indicándonos tu nombre real y apellidos y el nombre que tienes en facebook.

Participar vía twitter:

Hazte seguidor de "Las mejores películas de la historia del cine" y de "Callao city light" y tuitea lo siguiente:

Quiero asistir a la proyección de El exorcista con @jesusdrago, @callaocitylight.

Tras enviar ese tweet, envíanos un correo electrónico con el asunto "Concurso el exorcista" a lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine@hotmail.com  indicándonos tu nombre real y apellidos y nick en Twitter.


REGLAS DEL CONCURSO

Podrán participar todos los lectores de "Las mejores películas de la historia del cine" que residan en España y que cumplan con las instrucciones que hemos expuesto arriba, entendiendo que las entradas solo serán válidas para la proyección que tendrá lugar el jueves 23 de abril a las 20:00 horas en el Club de la Prensa (Cine de la Prensa).

Solo admitiremos una participación por persona / medio (o lo que es lo mismo, podéis participar una vez por facebook, otra por twitter).

Cualquier intento de fraude o trampas implicara la descalificación automática.

El concurso se inicia ahora mismo (martes 21 de Abril de 2015 y termina el miercóles 22 de abril a las 23.59 horas.

Los ganadores / ganadoras serán anunciados en este blog el jueves 23 de Abril por la mañana, tras lo cual, nos pondremos en contacto con los afortunados y afortunadas para que nadie se quede sin asistir.

Al termino de la proyección también te invitamos a asistir a la presentación del libro "Hollywood Maldito" de Jesús Palacios.




EL EXORCISTA (1973) Película dirigida por William Friedkin

Regan, una niña de doce años, es víctima de fenómenos paranormales como la levitación o la manifestación de una fuerza sobrehumana. Su madre, aterrorizada, tras someter a su hija a múltiples análisis médicos que no ofrecen ningún resultado, acude a un sacerdote con estudios de psiquiatría. Éste, convencido de que el mal no es físico sino espiritual, es decir que se trata de una posesión diabólica, decide practicar un exorcismo.


Jesús Palacios es un autor de culto especializado en temas fantásticos y macabros, además de crítico de cine. Entre los numerosos libros que ha publicado podemos destacar Goremanía, Satán en Hollywood, Psychokillers, Planeta Zombi o Hollywood Maldito (libro sobre el que hablará durante el coloquio). Ha escrito para numerosas publicaciones como Fotogramas, Nosferatu, Cine2000, Qué Leer, El Mundo, La Razón, etc. y ha colaborado con varios Festivales como El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, Semana Negra de Gijón, Festival de Cine de Sitges, Festival de cine de Gijón, Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, entre otros. En televisión, destaca su trabajo como guionista del programa Inferno 13 para la cadena Calle 13. También se ha encargado de la recopilación de diversas antologías literarias como Los vigilantes del mas allá, Antología de detectives de lo sobrenatural, Amanecer vudú, La plaga de los zombis y otras historias vivientes, etc.

GANADORES:

Manuel Córdoba Velicias.
Roberto Martín Navarro.
Beatriz Fernández Arranz.
Iván Gómez Torres.
Eliza Ibáñez Mesa.

¡Enhorabuena!

Concurso: Te invitamos a la proyección en los Cines de la Prensa de "El exorcista"


¿Te gustaría ver en la gran pantalla "El exorcista" de William Friedkin? Las mejores películas de la historia del cine y Callao City Light te damos la oportunidad para que asistas junto a un acompañante a revivir o ver por primera vez este gran clásico del cine de terror en VOSE.

Dicha proyección se realizará el próximo jueves día 23 de abril a las 20.00 horas en El club de la Prensa, (Cine la Prensa) situado en Plaza Callao 4 (Madrid)

Para conseguir una de las 5 entradas dobles que sorteamos puedes participar por alguna de estas dos vías:

Participar vía Facebook:

Hazte seguidor de "la página de las mejores películas de la historia del cine" y de "Callao City Light" y responder a la imagen enlazada (PINCHA AQUÍ):

Quiero asistir a la proyección de El exorcista.

Tras responder, compartir la imagen en tu muro de facebook (comprobaremos que se ha realizado correctamente).

Posteriormente envíanos un correo electrónico con el asunto "Concurso el exorcista" a lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine@hotmail.com  indicándonos tu nombre real y apellidos y el nombre que tienes en facebook.

Participar vía twitter:

Hazte seguidor de "Las mejores películas de la historia del cine" y de "Callao city light" y tuitea lo siguiente:

Quiero asistir a la proyección de El exorcista con @jesusdrago, @callaocitylight.

Tras enviar ese tweet, envíanos un correo electrónico con el asunto "Concurso el exorcista" a lasmejorespeliculasdelahistoriadelcine@hotmail.com  indicándonos tu nombre real y apellidos y nick en Twitter.


REGLAS DEL CONCURSO

Podrán participar todos los lectores de "Las mejores películas de la historia del cine" que residan en España y que cumplan con las instrucciones que hemos expuesto arriba, entendiendo que las entradas solo serán válidas para la proyección que tendrá lugar el jueves 23 de abril a las 20:00 horas en el Club de la Prensa (Cine de la Prensa).

Solo admitiremos una participación por persona / medio (o lo que es lo mismo, podéis participar una vez por facebook, otra por twitter).

Cualquier intento de fraude o trampas implicara la descalificación automática.

El concurso se inicia ahora mismo (martes 21 de Abril de 2015 y termina el miercóles 22 de abril a las 23.59 horas.

Los ganadores / ganadoras serán anunciados en este blog el jueves 23 de Abril por la mañana, tras lo cual, nos pondremos en contacto con los afortunados y afortunadas para que nadie se quede sin asistir.

Al termino de la proyección también te invitamos a asistir a la presentación del libro "Hollywood Maldito" de Jesús Palacios.




EL EXORCISTA (1973) Película dirigida por William Friedkin

Regan, una niña de doce años, es víctima de fenómenos paranormales como la levitación o la manifestación de una fuerza sobrehumana. Su madre, aterrorizada, tras someter a su hija a múltiples análisis médicos que no ofrecen ningún resultado, acude a un sacerdote con estudios de psiquiatría. Éste, convencido de que el mal no es físico sino espiritual, es decir que se trata de una posesión diabólica, decide practicar un exorcismo.


Jesús Palacios es un autor de culto especializado en temas fantásticos y macabros, además de crítico de cine. Entre los numerosos libros que ha publicado podemos destacar Goremanía, Satán en Hollywood, Psychokillers, Planeta Zombi o Hollywood Maldito (libro sobre el que hablará durante el coloquio). Ha escrito para numerosas publicaciones como Fotogramas, Nosferatu, Cine2000, Qué Leer, El Mundo, La Razón, etc. y ha colaborado con varios Festivales como El Festival Internacional de Cine de Las Palmas de Gran Canaria, Semana Negra de Gijón, Festival de Cine de Sitges, Festival de cine de Gijón, Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián, entre otros. En televisión, destaca su trabajo como guionista del programa Inferno 13 para la cadena Calle 13. También se ha encargado de la recopilación de diversas antologías literarias como Los vigilantes del mas allá, Antología de detectives de lo sobrenatural, Amanecer vudú, La plaga de los zombis y otras historias vivientes, etc.

GANADORES:

Manuel Córdoba Velicias.
Roberto Martín Navarro.
Beatriz Fernández Arranz.
Iván Gómez Torres.
Eliza Ibáñez Mesa.

¡Enhorabuena!

foxcatcher
El realizador neoyorquino Bennett Miller pisaría muy fuerte en la industria hollywoodense adaptando la vida del periodista y escritor Truman Capote, autor del popular libro "A sangre fría". La película fue todo un éxito por la critica gracias, en gran medida, a la sobresaliente interpretación del recientemente fallecido Philip Seymour Hoffman que encarnaba la figura del famoso escritor. Fue nominada en los Oscar de aquel año en 5 categorías, entre ellas mejor película, mejor director y mejor actor principal. Para su siguiente proyecto Miller se inspiraría en la vida real de Billy Beane, el gerente del equipo de béisbol Oakland Athletics. La película en cuestión fue "Moneyball", un drama deportivo que contra todo pronostico logró colarse en la carrera de los Oscar del 2.011. "Truman Capote (2005)" y "Moneyball (2011)" demostraron el gran arranque de este realizador en el mundo del celuloide. En su última película: "Foxcatcher", Miller vuelve a tocar el género deportivo y como en sus dos anteriores filmes, se inspiraría en una historia basada en hechos reales. "Foxcatcher" nos narra la historia de un singular millonario (John du Pont) que contrata a los hermanos olimpicos Mark y David Shultz para que lideren el equipo de lucha de su país. La desequilibrada mente de Du Pont hará que la vida de los Schultz termine en tragedia. Miller trata de alejarse del convencional biopic deportivo para centrarse principalmente en el drama psicológico y en describir con pelos y señales el desencanto del anhelado sueño americano.

foxcatcher

En "Foxcatcher" nos muestra la enfermiza relación que mantiene el trastornado millonario con el menor de los Schultz, dos personajes solitarios que se unen para conseguir triunfar profesionalmente y tapar con ello el fracaso de sus vidas personales. Ni el éxito que le da el deporte en el caso de Mark ni el poder que le da el dinero en el caso de du Pont le ayudarán a abandonar el hastío de sus existencias. Entre ellos se encuentra la figura del mayor de los Schultz, que pone cierta coherencia y cordura a las frágiles personalidades de Du Pont y Mark. Lo más destacable de esta obra es el sólido trío de actores que protagonizan el film, encabezado por Channing Tatum, un actor que particularmente no le guardo mucha simpatía, pero que en esta obra esta soberbio, sus duras jornadas de gimnasio para ajustarse al físico de un luchador y su meritorio esfuerzo en parecerse al verdadero Mark Schultz (destaca su peculiar manera de andar) hacen de éste su trabajo más convincente hasta la fecha. Tatum representa el rol de un joven luchador que vive detrás de la sombra de su hermano mayor (también luchador profesional y entrenador) y que ve con la aparición de John du Pont, que le invita a vivir a su villa para que entrene, la gran oportunidad de volver a lo más alto de la élite deportiva. Mark Ruffalo, daría vida al hermano de Mark, un hombre cabal que hará todo lo que esté en sus manos para ayudar a su hermano a que logre el éxito en su carrera deportiva. Completando el trío protagonista tenemos a Steve Carell encarnando al millonario John du Pont.


foxcatcher

Steve Carell, al igual que hizo con la extraordinaria "Pequeña miss sunshine (2006)", abandona su vena cómica para adentrarse en un rol más oscuro e inquietante. Su personaje representa a un millonario de personalidad inestable que trata de hacer el mundo de la lucha su éxito personal, al mismo tiempo de conseguir ganarse la confianza y simpatía de su madre que desde siempre lo ha tenido como un niño mimado. Su enorme ego respaldado por una desmedida fortuna, le hará creer que tiene el total derecho de obtener todos los caprichos que desea, entre ellos tener a Mark, que lo contrata para ejercer de su mentor/entrenador, y no es más que una mera excusa para cubrir sus carencias personales y así aliviar el deseo de haber sido ese alguien que siempre quiso ser y nunca fue. Con Mark proyecta la imagen que le gustaría haber sido, un consagrado luchador profesional. Du Pont manipulará a Mark a su antojo al son de sus variopintas extravagancias y hará del mundo de la lucha su intento "fantasioso" de recuperar los valores morales que según él ha perdido su país.

foxcatcher

Para ejercer su papel Carell tuvo que soportar duras sesiones de maquillaje (un total de 3 horas diarias) para desfigurar su rostro y asemejarse al físico del verdadero John du Pont. Llama la atención su prótesis nasal de gran prominencia. Entre sus escenas destaco el momento del viaje en helicóptero entre el millonario y el joven atleta, donde du Pont, un poco pasado de vueltas a causa de varias rayas de coca, trata de que Mark memorice un discurso que debe dar en un acto público. Una secuencia tan divertida como patética, capaz de sacarnos una sonrisa con tal disparatada situación. En definitiva, nos encontramos con un correcto film melodramático, de ritmo pausado que roza en ocasiones lo parsimonioso, con grandísimas interpretaciones y donde el realizador nos explica a "fuego lento" cada uno de los detalles que ocurrieron en el trágico suceso de principios de los años 90 en el mundo de la lucha grecorromana. Sería interesante no conocer la noticia en que se inspira el historia para no perder el efecto sorpresa del final del film. En la reciente gala de los Oscar "Foxcatcher" estuvo nominada en 6 categorías: mejor director, mejor actor, mejor actor de reparto, mejor guión original y mejor maquillaje.

foxcatcher


Frase para recordar: "Dirijo a hombres y le doy a América esperanza."

Director: Bennett Miller.

Intérpretes: Channing Tatum, Steve Carell, Mark Ruffalo, Sienna Miller, Anthony Michael Hall,Vanessa Redgrave.

Trailer:


B.S.O.:




Reseña escrita por Jesús Fariña

FOXCATCHER (2014). En busca del sueño americano.

foxcatcher
El realizador neoyorquino Bennett Miller pisaría muy fuerte en la industria hollywoodense adaptando la vida del periodista y escritor Truman Capote, autor del popular libro "A sangre fría". La película fue todo un éxito por la critica gracias, en gran medida, a la sobresaliente interpretación del recientemente fallecido Philip Seymour Hoffman que encarnaba la figura del famoso escritor. Fue nominada en los Oscar de aquel año en 5 categorías, entre ellas mejor película, mejor director y mejor actor principal. Para su siguiente proyecto Miller se inspiraría en la vida real de Billy Beane, el gerente del equipo de béisbol Oakland Athletics. La película en cuestión fue "Moneyball", un drama deportivo que contra todo pronostico logró colarse en la carrera de los Oscar del 2.011. "Truman Capote (2005)" y "Moneyball (2011)" demostraron el gran arranque de este realizador en el mundo del celuloide. En su última película: "Foxcatcher", Miller vuelve a tocar el género deportivo y como en sus dos anteriores filmes, se inspiraría en una historia basada en hechos reales. "Foxcatcher" nos narra la historia de un singular millonario (John du Pont) que contrata a los hermanos olimpicos Mark y David Shultz para que lideren el equipo de lucha de su país. La desequilibrada mente de Du Pont hará que la vida de los Schultz termine en tragedia. Miller trata de alejarse del convencional biopic deportivo para centrarse principalmente en el drama psicológico y en describir con pelos y señales el desencanto del anhelado sueño americano.

foxcatcher

En "Foxcatcher" nos muestra la enfermiza relación que mantiene el trastornado millonario con el menor de los Schultz, dos personajes solitarios que se unen para conseguir triunfar profesionalmente y tapar con ello el fracaso de sus vidas personales. Ni el éxito que le da el deporte en el caso de Mark ni el poder que le da el dinero en el caso de du Pont le ayudarán a abandonar el hastío de sus existencias. Entre ellos se encuentra la figura del mayor de los Schultz, que pone cierta coherencia y cordura a las frágiles personalidades de Du Pont y Mark. Lo más destacable de esta obra es el sólido trío de actores que protagonizan el film, encabezado por Channing Tatum, un actor que particularmente no le guardo mucha simpatía, pero que en esta obra esta soberbio, sus duras jornadas de gimnasio para ajustarse al físico de un luchador y su meritorio esfuerzo en parecerse al verdadero Mark Schultz (destaca su peculiar manera de andar) hacen de éste su trabajo más convincente hasta la fecha. Tatum representa el rol de un joven luchador que vive detrás de la sombra de su hermano mayor (también luchador profesional y entrenador) y que ve con la aparición de John du Pont, que le invita a vivir a su villa para que entrene, la gran oportunidad de volver a lo más alto de la élite deportiva. Mark Ruffalo, daría vida al hermano de Mark, un hombre cabal que hará todo lo que esté en sus manos para ayudar a su hermano a que logre el éxito en su carrera deportiva. Completando el trío protagonista tenemos a Steve Carell encarnando al millonario John du Pont.


foxcatcher

Steve Carell, al igual que hizo con la extraordinaria "Pequeña miss sunshine (2006)", abandona su vena cómica para adentrarse en un rol más oscuro e inquietante. Su personaje representa a un millonario de personalidad inestable que trata de hacer el mundo de la lucha su éxito personal, al mismo tiempo de conseguir ganarse la confianza y simpatía de su madre que desde siempre lo ha tenido como un niño mimado. Su enorme ego respaldado por una desmedida fortuna, le hará creer que tiene el total derecho de obtener todos los caprichos que desea, entre ellos tener a Mark, que lo contrata para ejercer de su mentor/entrenador, y no es más que una mera excusa para cubrir sus carencias personales y así aliviar el deseo de haber sido ese alguien que siempre quiso ser y nunca fue. Con Mark proyecta la imagen que le gustaría haber sido, un consagrado luchador profesional. Du Pont manipulará a Mark a su antojo al son de sus variopintas extravagancias y hará del mundo de la lucha su intento "fantasioso" de recuperar los valores morales que según él ha perdido su país.

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Para ejercer su papel Carell tuvo que soportar duras sesiones de maquillaje (un total de 3 horas diarias) para desfigurar su rostro y asemejarse al físico del verdadero John du Pont. Llama la atención su prótesis nasal de gran prominencia. Entre sus escenas destaco el momento del viaje en helicóptero entre el millonario y el joven atleta, donde du Pont, un poco pasado de vueltas a causa de varias rayas de coca, trata de que Mark memorice un discurso que debe dar en un acto público. Una secuencia tan divertida como patética, capaz de sacarnos una sonrisa con tal disparatada situación. En definitiva, nos encontramos con un correcto film melodramático, de ritmo pausado que roza en ocasiones lo parsimonioso, con grandísimas interpretaciones y donde el realizador nos explica a "fuego lento" cada uno de los detalles que ocurrieron en el trágico suceso de principios de los años 90 en el mundo de la lucha grecorromana. Sería interesante no conocer la noticia en que se inspira el historia para no perder el efecto sorpresa del final del film. En la reciente gala de los Oscar "Foxcatcher" estuvo nominada en 6 categorías: mejor director, mejor actor, mejor actor de reparto, mejor guión original y mejor maquillaje.

foxcatcher


Frase para recordar: "Dirijo a hombres y le doy a América esperanza."

Director: Bennett Miller.

Intérpretes: Channing Tatum, Steve Carell, Mark Ruffalo, Sienna Miller, Anthony Michael Hall,Vanessa Redgrave.

Trailer:


B.S.O.:




Reseña escrita por Jesús Fariña

revolutionary road
"Revolutionary road" es un drama que muestra un análisis social de la época a través de la vida de una pareja representativa de la clase media de la época. Ambientada en los años 50, está basada en la novela de Richard Yates con un guión adaptado para la pantalla grande de Justin Haythe  por cuyo trabajo fue nominado para el BAFTA. Frank (Leonardo DiCaprio) y April Wheeler (Kate Winslet) parecen tenerlo todo. Representan a la típica familia de clase media que ha conseguido tener una casa en un barrio residencial, dos hijos, un buen trabajo que aposta los suficientes ingresos económicos  y una vida convencional. Sin embargo, Frank y April siempre se han considerado algo especiales, diferentes a la mayoría y destinados a vivir con arreglo a ideales más  elevados. Poco a poco, los Wheeler descubren que se están convirtiendo exactamente en aquello que nunca hubieran deseado para ellos mismos. El se ha convertido en un hombre gris con un trabajo rutinario, sin ambiciones o aspiraciones  que apenas le confiere satisfacción. Ella por su parte, también ha pasado a ser otro prototipo más dentro de lo común: un ama de casa cansada y aburrida, con una vida monótona carente de motivaciones. Sam Mendes utiliza una cuidada y meticulosa puesta en escena para narrar la vida de la familia Wheeler. La ambientación centra su principal espacio en la casa y sus alrededores gracias a la excelente fotografía de Roger Deakins, nominado hasta 7 veces para el Oscar y responsable de grandes trabajos para los hermanos Coen como: "Fargo (1996)", "Barton Fink (1991)", "El gran Lebowski (1998)", "El hombre que nunca estuvo allí (2001)", "No es país para viejos (2007)" y algunas más. Este gran maestro de la luz es capaz de  alternar los filtros de colores cálidos o grisáceos para reflejar el estado de ánimo de los personajes.  

revolutionary road

Con una gran maestría nos aproxima a unos expresivos primeros planos ubicados siempre en el encuadre perfecto. Una sólida narración del relato permite combinar sin altibajos el flash-back  para mostrar los inicios de la vida en pareja, de las aspiraciones de la juventud, para luego aterrizar en las escenas situadas en el momento presente. De este modo, el espectador puede ir descubriendo la evolución de los caracteres y la forma en que se ha construido la vida familiar actual. Especialmente destacables son las escenas de  la pareja protagonista, donde  los diálogos son vivos e inteligentes, ricos en matices emocionales, con un gran derroche de energía y fuerza hasta conseguir que el espectador se implique en la trama. La música de Thomas Newman forma parte de la historia sin estridencias y necesidad de subrayar los momentos de más tensión. Ocupa un lugar dentro de la escena sin que apenas nos demos cuenta. Esta vez Sam Mendes, como ya hiciera en "American Beauty (1999)", analiza sin concesiones las premisas del desencanto norteamericano y lo hace basándose en la gran actuación de sus dos protagonistas: Kate Winslet y Leonardo DiCaprio

revolutionary road

Su retrato es demoledor, en ocasiones con un exceso de dramatismo, tristeza y profunda desesperanza. Once años después de haber representado una de las parejas de jóvenes  más comerciales del cine, vuelven juntos a la pantalla con un objetivo bien diferente. DiCaprio, ya con rasgos de hombre adulto, mirada viva e intensa, es capaz de representar tanto la ira contenida como la violencia manifiesta sin dejar de ser un hombre corriente, sin demasiados histrionismos. Por su parte, Kate ha madurado espectacularmente.  Representa a una esposa y madre que conservando toda su sensualidad  nos permite visualizar cómo ésta se marchita junto con su alma y sus sueños bohemios. Ambos ejecutan a la perfección esa progresión de renuncia personal con su consiguiente frustración. Son inexorablemente tan parecidos al resto como los demás. Con el claro antecedente de King Vidor en "The Crowd (1928)", se nos plantea el dilema de si es posible diferenciarse de la multitud e impedir diluirse como individuo en la adaptación social al grupo. Los románticos ideales individualistas se pierden inexorablemente al encajar en el engranaje social. 

revolutionary road


Director: Sam Mendes.

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Michael Shannon, Kathryn Hahn,David Harbour.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

REVOLUTIONARY ROAD (2008). La crisis matrimonial de Leonardo DiCaprio y Kate Winslet.

revolutionary road
"Revolutionary road" es un drama que muestra un análisis social de la época a través de la vida de una pareja representativa de la clase media de la época. Ambientada en los años 50, está basada en la novela de Richard Yates con un guión adaptado para la pantalla grande de Justin Haythe  por cuyo trabajo fue nominado para el BAFTA. Frank (Leonardo DiCaprio) y April Wheeler (Kate Winslet) parecen tenerlo todo. Representan a la típica familia de clase media que ha conseguido tener una casa en un barrio residencial, dos hijos, un buen trabajo que aposta los suficientes ingresos económicos  y una vida convencional. Sin embargo, Frank y April siempre se han considerado algo especiales, diferentes a la mayoría y destinados a vivir con arreglo a ideales más  elevados. Poco a poco, los Wheeler descubren que se están convirtiendo exactamente en aquello que nunca hubieran deseado para ellos mismos. El se ha convertido en un hombre gris con un trabajo rutinario, sin ambiciones o aspiraciones  que apenas le confiere satisfacción. Ella por su parte, también ha pasado a ser otro prototipo más dentro de lo común: un ama de casa cansada y aburrida, con una vida monótona carente de motivaciones. Sam Mendes utiliza una cuidada y meticulosa puesta en escena para narrar la vida de la familia Wheeler. La ambientación centra su principal espacio en la casa y sus alrededores gracias a la excelente fotografía de Roger Deakins, nominado hasta 7 veces para el Oscar y responsable de grandes trabajos para los hermanos Coen como: "Fargo (1996)", "Barton Fink (1991)", "El gran Lebowski (1998)", "El hombre que nunca estuvo allí (2001)", "No es país para viejos (2007)" y algunas más. Este gran maestro de la luz es capaz de  alternar los filtros de colores cálidos o grisáceos para reflejar el estado de ánimo de los personajes.  

revolutionary road

Con una gran maestría nos aproxima a unos expresivos primeros planos ubicados siempre en el encuadre perfecto. Una sólida narración del relato permite combinar sin altibajos el flash-back  para mostrar los inicios de la vida en pareja, de las aspiraciones de la juventud, para luego aterrizar en las escenas situadas en el momento presente. De este modo, el espectador puede ir descubriendo la evolución de los caracteres y la forma en que se ha construido la vida familiar actual. Especialmente destacables son las escenas de  la pareja protagonista, donde  los diálogos son vivos e inteligentes, ricos en matices emocionales, con un gran derroche de energía y fuerza hasta conseguir que el espectador se implique en la trama. La música de Thomas Newman forma parte de la historia sin estridencias y necesidad de subrayar los momentos de más tensión. Ocupa un lugar dentro de la escena sin que apenas nos demos cuenta. Esta vez Sam Mendes, como ya hiciera en "American Beauty (1999)", analiza sin concesiones las premisas del desencanto norteamericano y lo hace basándose en la gran actuación de sus dos protagonistas: Kate Winslet y Leonardo DiCaprio

revolutionary road

Su retrato es demoledor, en ocasiones con un exceso de dramatismo, tristeza y profunda desesperanza. Once años después de haber representado una de las parejas de jóvenes  más comerciales del cine, vuelven juntos a la pantalla con un objetivo bien diferente. DiCaprio, ya con rasgos de hombre adulto, mirada viva e intensa, es capaz de representar tanto la ira contenida como la violencia manifiesta sin dejar de ser un hombre corriente, sin demasiados histrionismos. Por su parte, Kate ha madurado espectacularmente.  Representa a una esposa y madre que conservando toda su sensualidad  nos permite visualizar cómo ésta se marchita junto con su alma y sus sueños bohemios. Ambos ejecutan a la perfección esa progresión de renuncia personal con su consiguiente frustración. Son inexorablemente tan parecidos al resto como los demás. Con el claro antecedente de King Vidor en "The Crowd (1928)", se nos plantea el dilema de si es posible diferenciarse de la multitud e impedir diluirse como individuo en la adaptación social al grupo. Los románticos ideales individualistas se pierden inexorablemente al encajar en el engranaje social. 

revolutionary road


Director: Sam Mendes.

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Kathy Bates, Michael Shannon, Kathryn Hahn,David Harbour.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

el hombre del brazo de oro
Chicago. Años 50. Aunque los años cincuenta fue una época de paz y tranquilidad, de crecimiento y prosperidad, la guerra de Corea había terminado en 1953, y gracias a la ayuda a Europa, la Guerra Fría y la carrera armamentística, contribuían al proceso socioeconómico de los EEUU, subsistían, sin embargo, amplias zona de pobreza y sufrimiento. El hombre del brazo de oro cuenta la historia de Frankie Machine, un toxicómano enganchado a la heroína y recién salido de prisión que intenta apartarse de la vida poco honesta y rehacerla, al tiempo que lucha desesperadamente para abrirse camino como batería, y así salir del círculo vicioso que le rodea. Frankie divide sus sentimientos entre dos mujeres: su desequilibrada y tóxica esposa, una ex bailarina que ahora permanece postrada en una silla de ruedas, fingiendo una minusvalía para retenerlo y, una bella vecina,  a quien conoce en una sala de fiestas, la cual le ayudará a abandonar las drogas. Además, tiene la persecución de su antiguo jefe, que  pretende que Frankie vuelva a ejercer de crupier para él como antes de ser encarcelado, y de su camello para que vuelva a consumir heroína. Nos encontramos ante un denso drama humano, puesto sobriamente en escena por Preminger ofreciendo una perfecta y cuidada reproducción de los ambientes modernos de la América de posguerra. Una ambientación del mundo del hampa en la ciudad de los gángsters, compuesta por una mezcla de elegancia y realismo extremo, a modo de testimonio de una época de crisis, rodada en su mayor parte en interiores.

el hombre del brazo de oro

Sí bien puede ser cierto que en algunos momentos, la cinta puede pecar en exceso de dramatismo, aun así, el estilo de cine negro, en cuanto a clima, personajes y filosofía existencial incluida, así como los tonos expresionistas de algunas secuencias, recordemos la antológica y muy dura secuencia del ataque del síndrome de abstinencia de heroína que sufre el protagonista, le otorgan a esta obra, el carácter de clásico. El estreno de la película de Preminger, un director caracterizado por asumir riesgos y alguna que otra polémica, provocó grandes polémicas y tuvo serios problemas de censura en EEUU en la era Eisenhower; siendo estrenada en España con doce años de retraso, lo cual perjudicó a la cinta de cara a su valoración crítica, al sacarla de su contexto histórico. A destacar la soberbia e inquietante banda sonora dominada por el jazz de Elmer Bernstein que acompaña y refuerza a los personajes, y la excelente interpretación de Frank Sinatra, que compone muy notablemente esa figura trágica del tipo eternamente perdedor, un tipo que intenta mejorar y progresar en  la vida, pero que le será imposibilitada una y otra vez su reinserción social por presiones y acontecimientos externos a su frágil voluntad.

el hombre del brazo de oro

Una voluntad que consigue despertar la empatía del espectador, a pesar de sus sombras. Sinatra, que venía de ganar un Óscar por su papel en "De aquí a la eternidad (1953)", quiso hacerse con el papel de Machine a toda costa después de leer las apenas sesenta páginas de las que se compone la novela de Nelson Algren en la que está basada, (parece ser que se había pensado inicialmente en Marlon Brando) obteniendo una nueva nominación en la categoría de mejor actor por su rol de Frankie. Con un potente guion y con personajes muy bien dibujados, si bien es cierto que Sinatra es la fuerza, además del guion, en que se sustenta la película, se refuerza secundado por Eleanor Parker en un desgarrado papel melodramático y por la bella Kim Novak, en un rol un tanto convencional, característico de la actriz. Los títulos de cabecera diseñados por Saul Bass, unido a todo ello, hacen que la película sea un excelente alegato contra el consumo de drogas.

el hombre del brazo de oro

Frases para recordar:

Molly: ¿Te cuesta mucho?
Frankie: No tienes idea.
Molly: ¿Por qué has empezado de nuevo?
Frankie: Primero tendría que saber por qué empecé. Supongo que fue por simple curiosidad. Louie me dio la primera dosis gratis. Pensé que podría tomarlo y dejarlo, y lo tomé; y después cada vez más… Un día que Louie no estaba me volví loco buscándolo; me encontraba mal, realmente mal. En toda mi vida me había encontrado tan mal. Comprendí que estaba enganchado, sentía como un peso tremendo sobre mi espalda. La única forma de poder soportarlo era inyectándome otra dosis.


Título original: The man with the golden arm.

Director: Otto Preminger.

Intérpretes: Frank Sinatra, Eleanor Parker, Kim Novak, Arnold Stang, Darren McGavin, Robert Strauss, John Conte.

Trailer:


Títulos de crédito:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

Quizás pueda interesarle:
El hombre del brazo de oro (1955). La adicción de Frank Sinatra.

EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO (1955). La drogadicción de Frankie Machine.

el hombre del brazo de oro
Chicago. Años 50. Aunque los años cincuenta fue una época de paz y tranquilidad, de crecimiento y prosperidad, la guerra de Corea había terminado en 1953, y gracias a la ayuda a Europa, la Guerra Fría y la carrera armamentística, contribuían al proceso socioeconómico de los EEUU, subsistían, sin embargo, amplias zona de pobreza y sufrimiento. El hombre del brazo de oro cuenta la historia de Frankie Machine, un toxicómano enganchado a la heroína y recién salido de prisión que intenta apartarse de la vida poco honesta y rehacerla, al tiempo que lucha desesperadamente para abrirse camino como batería, y así salir del círculo vicioso que le rodea. Frankie divide sus sentimientos entre dos mujeres: su desequilibrada y tóxica esposa, una ex bailarina que ahora permanece postrada en una silla de ruedas, fingiendo una minusvalía para retenerlo y, una bella vecina,  a quien conoce en una sala de fiestas, la cual le ayudará a abandonar las drogas. Además, tiene la persecución de su antiguo jefe, que  pretende que Frankie vuelva a ejercer de crupier para él como antes de ser encarcelado, y de su camello para que vuelva a consumir heroína. Nos encontramos ante un denso drama humano, puesto sobriamente en escena por Preminger ofreciendo una perfecta y cuidada reproducción de los ambientes modernos de la América de posguerra. Una ambientación del mundo del hampa en la ciudad de los gángsters, compuesta por una mezcla de elegancia y realismo extremo, a modo de testimonio de una época de crisis, rodada en su mayor parte en interiores.

el hombre del brazo de oro

Sí bien puede ser cierto que en algunos momentos, la cinta puede pecar en exceso de dramatismo, aun así, el estilo de cine negro, en cuanto a clima, personajes y filosofía existencial incluida, así como los tonos expresionistas de algunas secuencias, recordemos la antológica y muy dura secuencia del ataque del síndrome de abstinencia de heroína que sufre el protagonista, le otorgan a esta obra, el carácter de clásico. El estreno de la película de Preminger, un director caracterizado por asumir riesgos y alguna que otra polémica, provocó grandes polémicas y tuvo serios problemas de censura en EEUU en la era Eisenhower; siendo estrenada en España con doce años de retraso, lo cual perjudicó a la cinta de cara a su valoración crítica, al sacarla de su contexto histórico. A destacar la soberbia e inquietante banda sonora dominada por el jazz de Elmer Bernstein que acompaña y refuerza a los personajes, y la excelente interpretación de Frank Sinatra, que compone muy notablemente esa figura trágica del tipo eternamente perdedor, un tipo que intenta mejorar y progresar en  la vida, pero que le será imposibilitada una y otra vez su reinserción social por presiones y acontecimientos externos a su frágil voluntad.

el hombre del brazo de oro

Una voluntad que consigue despertar la empatía del espectador, a pesar de sus sombras. Sinatra, que venía de ganar un Óscar por su papel en "De aquí a la eternidad (1953)", quiso hacerse con el papel de Machine a toda costa después de leer las apenas sesenta páginas de las que se compone la novela de Nelson Algren en la que está basada, (parece ser que se había pensado inicialmente en Marlon Brando) obteniendo una nueva nominación en la categoría de mejor actor por su rol de Frankie. Con un potente guion y con personajes muy bien dibujados, si bien es cierto que Sinatra es la fuerza, además del guion, en que se sustenta la película, se refuerza secundado por Eleanor Parker en un desgarrado papel melodramático y por la bella Kim Novak, en un rol un tanto convencional, característico de la actriz. Los títulos de cabecera diseñados por Saul Bass, unido a todo ello, hacen que la película sea un excelente alegato contra el consumo de drogas.

el hombre del brazo de oro

Frases para recordar:

Molly: ¿Te cuesta mucho?
Frankie: No tienes idea.
Molly: ¿Por qué has empezado de nuevo?
Frankie: Primero tendría que saber por qué empecé. Supongo que fue por simple curiosidad. Louie me dio la primera dosis gratis. Pensé que podría tomarlo y dejarlo, y lo tomé; y después cada vez más… Un día que Louie no estaba me volví loco buscándolo; me encontraba mal, realmente mal. En toda mi vida me había encontrado tan mal. Comprendí que estaba enganchado, sentía como un peso tremendo sobre mi espalda. La única forma de poder soportarlo era inyectándome otra dosis.


Título original: The man with the golden arm.

Director: Otto Preminger.

Intérpretes: Frank Sinatra, Eleanor Parker, Kim Novak, Arnold Stang, Darren McGavin, Robert Strauss, John Conte.

Trailer:


Títulos de crédito:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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las brujas de zugarramurdi
De la Iglesia volvió a Navarra, 20 años después de rodar su ópera prima "Acción mutante (1993)" (rodada en las Bardenas), viajando en esta ocasión hacia el norte de nuestra comunidad autónoma para reflejar toda la fantasía, el folklore, las leyendas urbanas y los cuentos de brujas que todavía hoy perduran al tener su base histórica. De hecho el comienzo de todas las brujas conocidas (las del mago de Oz, la de Blancanieves, la de Hansel y Gretel y muchas más...) tienen su origen en Zugarramurdi, donde en tiempos de la inquisición fueron ajusticiadas y mortificadas un buen número de ellas. El señor De la Iglesia ya en los títulos de crédito en su film ofrece imágenes, dibujos, pinturas y fotografías de "brujas", tan reconocidas como Ángela Merkel y Margaret Thatcher, con ironía y desparpajo. El comienzo no da tregua al espectador con un atraco, seguido de una persecución perpetrada por Hugo Silva y Mario Casas disfrazados de Jesucristo uno y "soldadito de juguete" el otro, siendo Silva un erosionado divorciado y Casas un despistado parlanchín. Entre los dos forman un tándem de ladrones paletos y armados, obligados por sus precarias situaciones a robar en una tienda de compraventa de oro. La huida de estos dos torpes ladrones circunstanciales les llevará al vecino pueblo de Zugarramurdi... Allí se encontrarán con tres generaciones distintas de brujas autóctonas: Terele Pávez, Carmen Maura y Carolina Bang (novia de Álex De La Iglesia).

las brujas de zugarramurdi

Con influencias de "Abierto al amanecer (1995)" de Robert Rodríguez tales como el comienzo del robo a mano armada, seguido de una "road movie" que acabará inesperadamente en una historia de terror con seres sobrenaturales, "Las Brujas de Zugarramurdi" nos da también una bella mujer contoneándose... Y si en "Abierto hasta el amanecer" era Salma Hayek la que bailaba acompañada de una serpiente albina enorme, dejando claros sus encantos físicos, es aquí Carolina Bang la que recoge el testigo de la actriz mexicana, cambiando la mencionada serpiente de Hayek por una escoba de bruja, que restriega por su escultural figura lubricada con sangre. Por lo demás, después de visionar las referencias a la película de Robert Rodríguez, se plasman también homenajes a "Viridiana (1961)" de Luis Buñuel, con un esporádico levantamiento de faldas y al "Exorcista" con un vómito verde escupido por algunos niños. Me llamó la atención de este simpático y alocado film, la ironía mezclada con nuestras tradiciones navarras, la rocambolesca fantasía, el gore más chistoso, la violencia y la comicidad de algunas situaciones (como la de la Bruja de Terele Pávez cocinando un niño a modo de cuento de los hermanos Grimm)...

las brujas de zugarramurdi

Entre otros depravados y exaltados ingredientes. Como información técnica, para la película se ha utilizado el efecto especial más caro en la historia del cine español, creando el monstruo en forma de diosa de la fertilidad grotesca de obesa enormidad, con anchas caderas y descomunales glándulas mamáreas flácidas. Santiago Segura y Carlos Areces (actores fetiche del director) se unieron de nuevo a De la Iglesia, para interpretar el papel de una especie de travestis deslenguados y libidinosos. Un cinta que quizá se desinfla al final después de un cómico comienzo, lástima. Y que tiene su cenit con un multitudinario akelarre, presidido por Carmen Maura y coronado con un desfile exageradamente estruendoso plagado de brujas, hogueras e irrintzis. Una alocada comedia de terror que recuerda en muchos aspectos a las pioneras maneras de Álex de La Iglesia con la ya estruendosa y demoníaca "El día de la bestia (1995)". Quiero destacar una frase de mi querida Terele Pávez: - A mi las brujas no me dan miedo, a mi lo que me dan miedo son los hijos de puta-.

las brujas de zugarramurdi

Director: Álex de la Iglesia.


Intérpretes: Hugo Silva, Mario Casas, Carmen Maura, Terele Pávez, Carolina Bang, Jaime Ordóñez, Gabriel Delgado, Pepón Nieto.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

LAS BRUJAS DE ZUGARRAMURDI (2013). La gamberra comedia de Álex de la Iglesia.

las brujas de zugarramurdi
De la Iglesia volvió a Navarra, 20 años después de rodar su ópera prima "Acción mutante (1993)" (rodada en las Bardenas), viajando en esta ocasión hacia el norte de nuestra comunidad autónoma para reflejar toda la fantasía, el folklore, las leyendas urbanas y los cuentos de brujas que todavía hoy perduran al tener su base histórica. De hecho el comienzo de todas las brujas conocidas (las del mago de Oz, la de Blancanieves, la de Hansel y Gretel y muchas más...) tienen su origen en Zugarramurdi, donde en tiempos de la inquisición fueron ajusticiadas y mortificadas un buen número de ellas. El señor De la Iglesia ya en los títulos de crédito en su film ofrece imágenes, dibujos, pinturas y fotografías de "brujas", tan reconocidas como Ángela Merkel y Margaret Thatcher, con ironía y desparpajo. El comienzo no da tregua al espectador con un atraco, seguido de una persecución perpetrada por Hugo Silva y Mario Casas disfrazados de Jesucristo uno y "soldadito de juguete" el otro, siendo Silva un erosionado divorciado y Casas un despistado parlanchín. Entre los dos forman un tándem de ladrones paletos y armados, obligados por sus precarias situaciones a robar en una tienda de compraventa de oro. La huida de estos dos torpes ladrones circunstanciales les llevará al vecino pueblo de Zugarramurdi... Allí se encontrarán con tres generaciones distintas de brujas autóctonas: Terele Pávez, Carmen Maura y Carolina Bang (novia de Álex De La Iglesia).

las brujas de zugarramurdi

Con influencias de "Abierto al amanecer (1995)" de Robert Rodríguez tales como el comienzo del robo a mano armada, seguido de una "road movie" que acabará inesperadamente en una historia de terror con seres sobrenaturales, "Las Brujas de Zugarramurdi" nos da también una bella mujer contoneándose... Y si en "Abierto hasta el amanecer" era Salma Hayek la que bailaba acompañada de una serpiente albina enorme, dejando claros sus encantos físicos, es aquí Carolina Bang la que recoge el testigo de la actriz mexicana, cambiando la mencionada serpiente de Hayek por una escoba de bruja, que restriega por su escultural figura lubricada con sangre. Por lo demás, después de visionar las referencias a la película de Robert Rodríguez, se plasman también homenajes a "Viridiana (1961)" de Luis Buñuel, con un esporádico levantamiento de faldas y al "Exorcista" con un vómito verde escupido por algunos niños. Me llamó la atención de este simpático y alocado film, la ironía mezclada con nuestras tradiciones navarras, la rocambolesca fantasía, el gore más chistoso, la violencia y la comicidad de algunas situaciones (como la de la Bruja de Terele Pávez cocinando un niño a modo de cuento de los hermanos Grimm)...

las brujas de zugarramurdi

Entre otros depravados y exaltados ingredientes. Como información técnica, para la película se ha utilizado el efecto especial más caro en la historia del cine español, creando el monstruo en forma de diosa de la fertilidad grotesca de obesa enormidad, con anchas caderas y descomunales glándulas mamáreas flácidas. Santiago Segura y Carlos Areces (actores fetiche del director) se unieron de nuevo a De la Iglesia, para interpretar el papel de una especie de travestis deslenguados y libidinosos. Un cinta que quizá se desinfla al final después de un cómico comienzo, lástima. Y que tiene su cenit con un multitudinario akelarre, presidido por Carmen Maura y coronado con un desfile exageradamente estruendoso plagado de brujas, hogueras e irrintzis. Una alocada comedia de terror que recuerda en muchos aspectos a las pioneras maneras de Álex de La Iglesia con la ya estruendosa y demoníaca "El día de la bestia (1995)". Quiero destacar una frase de mi querida Terele Pávez: - A mi las brujas no me dan miedo, a mi lo que me dan miedo son los hijos de puta-.

las brujas de zugarramurdi

Director: Álex de la Iglesia.


Intérpretes: Hugo Silva, Mario Casas, Carmen Maura, Terele Pávez, Carolina Bang, Jaime Ordóñez, Gabriel Delgado, Pepón Nieto.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

un gángster para un milagro
Son los años 20, la época de la Ley Seca en Nueva York. Una pobre y alcoholizada mendiga deambula por las calles vendiendo manzanas, se trata de Annie "Manzanas" (Bette Davis). Casualmente le dan suerte a Dave, el "Dandy" (Glenn Ford), un contrabandista de alcohol. Siempre le dice que le traen suerte porque existen unos diminutos duendecillos dentro de sus manzanas. Al mismo tiempo Dave acoge a Quinnie Martin (Hope Lange), la hija de Rudy Martin, un deudor de Dave que acaba de morir, víctima del Hampa, que le dejó muchas deudas de juego sin pagar, sumando 20.000 dólares. Dave le ofrece trabajar para él como corista. En un año se acaba convirtiendo en su novia, y está empeñada en que deje su vida de gángster y vayan juntos a vivir a una granja y formar una familia. El "Dandy" está a punto de cerrar un importante trato con Darcey, importante mafioso de Chicago, por lo que envía a sus muchachos a buscar a Annie, pero no consiguen dar con ella. La pobre mujer se lleva un gran disgusto al recibir una carta de su hija Louise(Ann Margret), a la que tiene estudiando en un colegio internado europeo desde niña y que desconoce totalmente las lamentables condiciones en las que vive su madre, que la hace llegar sus cartas, escritas con papel de hotel robado, desde el Hotel donde finge alojarse, con lo que Annie tiene totalmente engañada a su hija para no hacerla daño ni defraudarla. En la carta, Louise le comunica que va a casarse con el hijo del Conde Romolof (Arthur O'Connell), importante aristócrata italiano y que tanto ella como la familia de su pretendiente van a viajar a Nueva York para que la conozcan. Los amigos de Annie, mendigos como ella, acuden al "Dandy" para pedirle que la ayuden a hacerse pasar por una dama ante su hija y su futura familia política, a lo que en un principio, y aconsejado por su fiel socio, "Alegre" (Peter Falk), se niega rotundamente, pero la novia de Dave, Quinnie, le acaba convenciendo de hacer algo noble por una vez en su vida. 


un gángster para un milagro

Dave consigue que se pueda alojar en la habitación del Hotel de un amigo y contar con la ayuda de su fiel mayordomo Hudgins (Edward Everett Horton), quien tiene un gran corazón y se ofrece encantadísimo a ayudarles. Así que se pone en marcha la farsa, empezando por lavar, maquillar y vestir adecuadamente a Annie, transformando a la pordiosera mendiga en toda una señora. Lo siguiente es buscarla un marido, con lo que piensan en un juez corrupto, Henry G.Blake (Thomas Mitchell), muy aficionado al billar. Todo parece ir viento en popa con el engaño, pero el acoso policial al que someten al "Dandy" y toda su pandilla puede poner en peligro todo el montaje, con lo que sólo sería posible un milagro... Remake de "Dama por un día (1933)", también de Capra, rodada en technicolor y formato panorámico (Panavisión), que se consiguió producir después de una auténtica odisea por conseguir los derechos de la obra, pertenecientes a Columbia Pictures. Capra pagó 225.000 dólares de la época por esos derechos. En un principio quiso a Frank Sinatra para el papel de Dave pero no estaba de acuerdo con muchos aspectos del guión con lo que rechazó el proyecto. Se le ofreció también el papel a Kirk Douglas y Dean Martin, pero declinaron el ofrecimiento por estar inmersos en otros proyectos con lo que finalmente fue Glenn Ford el elegido, encarnando perfectamente el rol de gángster que ya había hecho en muchas otras ocasiones. Además le da un toque de humor y glamour que es toda una lección de interpretación. Para el papel de Annie se pensó en actrices de la talla de Jean Arthur, Katharine Hepburn o Helen Hayes pero finalmente fue Bette Davis la escogida, irradiando pura magia junto a Ford con el que tuvo una enorme química, habiendo trabajado juntos ya anteriormente, en "Una vida robada (1946)" de Curtis Bernhardt. Frank Capra (1897-1991), nacido en Sicilia, emigró a los Estados Unidos a los séis años. Se hizo ingeniero químico y alistó al ejército como profesor, en 1918. Comenzó su carrera cinematográfica en el cine mudo, siendo director y guionista de películas de Harry Langdon. Tras trasladarse a los estudio Columbia, su primera gran película, tras la popular "Dama por un día (1933)", fue "Sucedió una noche (1934)", con Clark Gable y Claudette Colbert, inolvidable comedia que obtuvo un rotundo éxito tanto artístico como comercial, siendo premiada con el Oscar a la mejor película, además de los relativos al mejor director, mejor actor y mejor actriz. Tras "El secreto de vivir (1936)" y "Horizontes perdidos (1937)", Capra, muy preocupado con los efectos de la terrible crisis económica de 1929, tras los "felices años 20", se esforzó por intentar trasladar su entusiasmo por "el sueño americano", regalándonos inolvidables historias que intentan resaltar los valores de bondad y humanidad en medio de las adversidades y penurias. Prueba de ello son sus películas con su, sin lugar a dudas, actor fetiche, James Stewart, comenzando con la magistral "Vive como quieras (1938)", a la que siguió "Caballero sin espada (1939)" en la que Stewart protagoniza a un joven idealista que llega a ser senador, dentro del complejo mundo de la política norteamericana. 


un gángster para un milagro

Otra prueba de cómo la persona más desfavorecida podía conseguir el sueño americano es "Juan Nadie (1941)", con Gary Cooper y Barbara Stanwick. En estos años, Capra destaca por sus grandes documentales de corte bélico durante la contienda de la Segunda Guerra Mundial. En 1944 nos regala una de las mejores comedias y más disparatadas de la historia del cine, "Arsénico por compasión", con Cary Grant,Priscilla Lane, Peter Lorre y Edward Everett Horton, en la que unas viejecitas, tías del protagonista, envenenan a los ancianitos solitarios y los entierran en el sótano de la casa, como "obra de caridad". En 1946 llega la obra maestra absoluta del director, "¡Qué bello es vivir!", con James Stewart, Donna Reed, Thomas Mitchell y una larga lista de enormes actores, en la que se nos cuenta la historia de cómo Clarence, un a.s.c. (ángel de segunda clase) tiene que ganarse sus alitas evitando el posible suicidio de un buen hombre, llamado George Baily, que se encuentra al borde de la quiebra, debido a la concatenación de desgraciadas circunstancias y mala suerte. Esta película, al igual que la que nos ocupa son dos auténticos cuentos de hadas en los cuales ante las mayores adversidades, la bondad de los demás puede ayudar a salir de los más duros problemas. Tras "Qué bello es vivir" Capra se apartó parcialmente del cine, dejando pocos títulos destacables, excluyendo la estupenda "El estado de la Unión (1948)" con unos magníficos Spencer Tracy y Katharine Hepburn, bien acompañados por la maravillosa Angela Lansbury. Después volvería para dejarnos la deliciosa "Millonario de ilusiones (1959)" con Frank Sinatra y Edward G.Robinson y en 1961 la película que nos ocupa, remake de otra de sus propias películas, "Dama por un día",con la que Capra nos dejó un poco huérfanos a todos los aficionados al cine al dejar Hollywood y dedicarse a otros proyectos como series científicas para Televisión. Bette Davis (1908-1989), destacó por interpretar papeles de mujeres especialmente duras y de fuerte carácter. Comenzó su carrera en Broadway y se trasladó a Hollywood en 1930 comenzando su carrera en los estudios Universal haciendo papeles de poco o nulo peso. En 1932 comienza su contrato con la Warner Bros. Le llega su primer papel importante con "Cautivo del deseo (1934)" de John Cronwell, junto a Leslie Howard. Gana el Oscar a la mejor actriz por su trabajo en "Peligrosa" (1935) de Alfred E. Green. En 1936 llega "El bosque petrificado" de Archie E. Mayo, tcoprotagonizada por Leslie Howard y Humphrey Bogart. Le siguieron "Kidd Calahad (1937)" de Michael Curtiz, Una mujer marcada (1937)" de Lloyd Bacon y la popular "Jezabel (1938)" de William Wyler, melodrama ambientado en la Guerra de Secesión, junto a un joven Henry Fonda. En 1939 protagoniza "Juarez" de William Dieterle, "La solterona" de Edmund Goulding, "La vida privada de Elizabeth y Essex" de Michael Curtiz y "Amarga Victoria" de Edmund Goulding. En 1940 otras dos importantes películas en su filmografía: "El cielo y tú" de Anatove Litvak y el popular y magistral melodrama de William Wyler "La Carta". En 1941 destaca "La loba", también de Wyler. Otras de sus destacables películas en la década de los 40 fueron "La extraña pasajera (1942)" de Irving Rapper y "El señor Seffington (1943)" de Vincent Sherman. 


un gángster para un milagro

En 1950 Joseph Leo Mankiewicz la dirige en la obra maestra "Eva al desnudo", en la que Bette Davis encarna a Margot Channing, quizá el mejor de todos sus papeles. La película trata de los entresijos del mundo del teatro y relata el ascenso a la fama de la actriz Eve Harrington (Anne Baxter), admiradora de Channing y a la que le da el empleo de asistenta, narrado desde el punto de vista de los demás personajes y con un magistral dominio del efecto flashback. La cinta obtuvo 6 Oscars de sus 14 nominaciones incluyendo los relativos a la mejor película, mejor director y mejor actor secundario (un soberbio George Sanders como el pérfido crítico teatral Addison DeWith). Después de éste, su mayor triunfo, Davis protagonizó películas como "Veneno para tus labios (1951)" de Irving Rapper, "La egoísta (1951)" de Curtis Bernhardt, "Llamada a un desconocido (1952)" de Jean Negulesco, "El favorito de la Reina (1955)" de Henry koster, "Banquete de Bodas (1956)" de Richard Brooks, y "El Capitán Jones (1959)" de John Farrow. Después llegarían dos grandes éxitos, ya en los años 60: "Un gángster para un milagro (1961)" de Frank Capra y "¿Qué fue de Baby Jane (1962)", tremenda y desgarradora película de Robert Aldrich en la que Bette Davis y Joan Crawford interpretan a dos hermanas que se llevan fatal, debido a un trauma infantil. El duelo interpretativo entre ambas refleja la rivalidad que tenían las actrices también en la vida real. Paul Henreid la dirige en "Su propia víctima" en 1964, otro gran éxito, junto a Karl Malden. Aldrich, tras el éxito arrolador de "¿Qué fue de Baby Jane?" volvió a dirigirla en "Canción de cuna para un cadáver (1964)". Finaliza la década con otros títulos destacables como "A merced del odio (1965)" y "El Aniversario (1968)". Compaginó posteriormente su trabajo con la televisión e intervino ya en películas menores, volviendo a destacar en la excelente "Muerte en el Nilo (1978)" de John Guillermin. Sin duda Davis ha sido una de las más grandes actrices de la historia del séptimo arte y nos ha regalado algunos de los momentos más memorables de la gran pantalla. Glenn Ford (1916-2006) comenzó su carrera en el teatro, con sólo 19 años. Tras "Los desesperados (1943)", de Charles Vidor y "Una vida robada (1943)" de Curtis Bernhardt,en la que tiene su primera colaboración con Bette Davis, le llegó el papel de su vida: el de Johnny Farrell en la mítica obra maestra de Charles Vidor "Gilda (1946)", junto a la arrolladora y deslumbrante Rita Hayworth, siendo mítica la escena en que abofetea a Gilda, muerto de celos. El gran éxito y química entre ambos hace que el director los vuelva a reunír en "Los amores de Carmen (1948)", que no alcanzó ni de lejos el éxito de su predecesora. Destacan en el resto de su filmografía las magníficas películas de Fritz Lang "Los sobornados (1953)" y "Deseos humanos (1954)". Posteriormente "Semilla de maldad (1955)" de Richard Brooks, "Jubal (1956)" de Delmer Daves, la deliciosa comedia "La casa de Té de la Luna de Agosto (1956)" de Delbert Mann, "Furia en el valle (1958)", "Cimarron (1960)" de Anthony Mann, "Un gángster para un milagro (1961)" de Frank Capra, "Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1962)" de Vincente Minnelli, "Chantaje contra una mujer (1962)" de Blake Edwards, "El noviazgo del padre de Eddie (1963)" de Vincente Minnelli, "¿Arde París? (1966)" de René Clement, "La batalla de Midway (1976)" y "Superman (1978)" de Richard Donner. Ford obtuvo el Globo de Oro al mejor actor de comedia o musical precisamente por su papel de Dave el "Dandy" en "Un gángster para un milagro". El resto del reparto es espectacular: debutó una jovencísima Ann Margret como Louise, la bella y graciosa Hope Lange como Quinnie, el genial Peter Falk como "Alegre", un soberbio Edward Everett Horton como el mayordomo, y a quien Frank llamó tras haberle dirigido en "Arsénico por compasión", Thomas Mitchell (inolvidable padre de Scarlett O'Hara en "Lo que el viento se llevó") como el juez Blake, Arthur O'Conell como el conde Romolof... Toda una apoteósica y maravillosa, deliciosa e inolvidable despedida de Capra del mundo del cine, y que emociona tanto como "Qué bello es vivir" por los valores de bondad que transmite. 


un gángster para un milagro


Frase para recordar: “Tú quieres creer en algo. Ahora es en mi manzana. Así que esos duendes se meten dentro, por eso esta manzana te dará suerte".


Título original: Pocketful of Miracles.

Director: Frank Capra.

Intèrpretes: Glenn Ford, Bette Davis, Peter Falk, Hope Lange, Thomas Mitchell, Edward Everett Horton.

Trailer:


Escena: 



Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

UN GÁNGSTER PARA UN MILAGRO (1961). La última película de Frank Capra.

un gángster para un milagro
Son los años 20, la época de la Ley Seca en Nueva York. Una pobre y alcoholizada mendiga deambula por las calles vendiendo manzanas, se trata de Annie "Manzanas" (Bette Davis). Casualmente le dan suerte a Dave, el "Dandy" (Glenn Ford), un contrabandista de alcohol. Siempre le dice que le traen suerte porque existen unos diminutos duendecillos dentro de sus manzanas. Al mismo tiempo Dave acoge a Quinnie Martin (Hope Lange), la hija de Rudy Martin, un deudor de Dave que acaba de morir, víctima del Hampa, que le dejó muchas deudas de juego sin pagar, sumando 20.000 dólares. Dave le ofrece trabajar para él como corista. En un año se acaba convirtiendo en su novia, y está empeñada en que deje su vida de gángster y vayan juntos a vivir a una granja y formar una familia. El "Dandy" está a punto de cerrar un importante trato con Darcey, importante mafioso de Chicago, por lo que envía a sus muchachos a buscar a Annie, pero no consiguen dar con ella. La pobre mujer se lleva un gran disgusto al recibir una carta de su hija Louise(Ann Margret), a la que tiene estudiando en un colegio internado europeo desde niña y que desconoce totalmente las lamentables condiciones en las que vive su madre, que la hace llegar sus cartas, escritas con papel de hotel robado, desde el Hotel donde finge alojarse, con lo que Annie tiene totalmente engañada a su hija para no hacerla daño ni defraudarla. En la carta, Louise le comunica que va a casarse con el hijo del Conde Romolof (Arthur O'Connell), importante aristócrata italiano y que tanto ella como la familia de su pretendiente van a viajar a Nueva York para que la conozcan. Los amigos de Annie, mendigos como ella, acuden al "Dandy" para pedirle que la ayuden a hacerse pasar por una dama ante su hija y su futura familia política, a lo que en un principio, y aconsejado por su fiel socio, "Alegre" (Peter Falk), se niega rotundamente, pero la novia de Dave, Quinnie, le acaba convenciendo de hacer algo noble por una vez en su vida. 


un gángster para un milagro

Dave consigue que se pueda alojar en la habitación del Hotel de un amigo y contar con la ayuda de su fiel mayordomo Hudgins (Edward Everett Horton), quien tiene un gran corazón y se ofrece encantadísimo a ayudarles. Así que se pone en marcha la farsa, empezando por lavar, maquillar y vestir adecuadamente a Annie, transformando a la pordiosera mendiga en toda una señora. Lo siguiente es buscarla un marido, con lo que piensan en un juez corrupto, Henry G.Blake (Thomas Mitchell), muy aficionado al billar. Todo parece ir viento en popa con el engaño, pero el acoso policial al que someten al "Dandy" y toda su pandilla puede poner en peligro todo el montaje, con lo que sólo sería posible un milagro... Remake de "Dama por un día (1933)", también de Capra, rodada en technicolor y formato panorámico (Panavisión), que se consiguió producir después de una auténtica odisea por conseguir los derechos de la obra, pertenecientes a Columbia Pictures. Capra pagó 225.000 dólares de la época por esos derechos. En un principio quiso a Frank Sinatra para el papel de Dave pero no estaba de acuerdo con muchos aspectos del guión con lo que rechazó el proyecto. Se le ofreció también el papel a Kirk Douglas y Dean Martin, pero declinaron el ofrecimiento por estar inmersos en otros proyectos con lo que finalmente fue Glenn Ford el elegido, encarnando perfectamente el rol de gángster que ya había hecho en muchas otras ocasiones. Además le da un toque de humor y glamour que es toda una lección de interpretación. Para el papel de Annie se pensó en actrices de la talla de Jean Arthur, Katharine Hepburn o Helen Hayes pero finalmente fue Bette Davis la escogida, irradiando pura magia junto a Ford con el que tuvo una enorme química, habiendo trabajado juntos ya anteriormente, en "Una vida robada (1946)" de Curtis Bernhardt. Frank Capra (1897-1991), nacido en Sicilia, emigró a los Estados Unidos a los séis años. Se hizo ingeniero químico y alistó al ejército como profesor, en 1918. Comenzó su carrera cinematográfica en el cine mudo, siendo director y guionista de películas de Harry Langdon. Tras trasladarse a los estudio Columbia, su primera gran película, tras la popular "Dama por un día (1933)", fue "Sucedió una noche (1934)", con Clark Gable y Claudette Colbert, inolvidable comedia que obtuvo un rotundo éxito tanto artístico como comercial, siendo premiada con el Oscar a la mejor película, además de los relativos al mejor director, mejor actor y mejor actriz. Tras "El secreto de vivir (1936)" y "Horizontes perdidos (1937)", Capra, muy preocupado con los efectos de la terrible crisis económica de 1929, tras los "felices años 20", se esforzó por intentar trasladar su entusiasmo por "el sueño americano", regalándonos inolvidables historias que intentan resaltar los valores de bondad y humanidad en medio de las adversidades y penurias. Prueba de ello son sus películas con su, sin lugar a dudas, actor fetiche, James Stewart, comenzando con la magistral "Vive como quieras (1938)", a la que siguió "Caballero sin espada (1939)" en la que Stewart protagoniza a un joven idealista que llega a ser senador, dentro del complejo mundo de la política norteamericana. 


un gángster para un milagro

Otra prueba de cómo la persona más desfavorecida podía conseguir el sueño americano es "Juan Nadie (1941)", con Gary Cooper y Barbara Stanwick. En estos años, Capra destaca por sus grandes documentales de corte bélico durante la contienda de la Segunda Guerra Mundial. En 1944 nos regala una de las mejores comedias y más disparatadas de la historia del cine, "Arsénico por compasión", con Cary Grant,Priscilla Lane, Peter Lorre y Edward Everett Horton, en la que unas viejecitas, tías del protagonista, envenenan a los ancianitos solitarios y los entierran en el sótano de la casa, como "obra de caridad". En 1946 llega la obra maestra absoluta del director, "¡Qué bello es vivir!", con James Stewart, Donna Reed, Thomas Mitchell y una larga lista de enormes actores, en la que se nos cuenta la historia de cómo Clarence, un a.s.c. (ángel de segunda clase) tiene que ganarse sus alitas evitando el posible suicidio de un buen hombre, llamado George Baily, que se encuentra al borde de la quiebra, debido a la concatenación de desgraciadas circunstancias y mala suerte. Esta película, al igual que la que nos ocupa son dos auténticos cuentos de hadas en los cuales ante las mayores adversidades, la bondad de los demás puede ayudar a salir de los más duros problemas. Tras "Qué bello es vivir" Capra se apartó parcialmente del cine, dejando pocos títulos destacables, excluyendo la estupenda "El estado de la Unión (1948)" con unos magníficos Spencer Tracy y Katharine Hepburn, bien acompañados por la maravillosa Angela Lansbury. Después volvería para dejarnos la deliciosa "Millonario de ilusiones (1959)" con Frank Sinatra y Edward G.Robinson y en 1961 la película que nos ocupa, remake de otra de sus propias películas, "Dama por un día",con la que Capra nos dejó un poco huérfanos a todos los aficionados al cine al dejar Hollywood y dedicarse a otros proyectos como series científicas para Televisión. Bette Davis (1908-1989), destacó por interpretar papeles de mujeres especialmente duras y de fuerte carácter. Comenzó su carrera en Broadway y se trasladó a Hollywood en 1930 comenzando su carrera en los estudios Universal haciendo papeles de poco o nulo peso. En 1932 comienza su contrato con la Warner Bros. Le llega su primer papel importante con "Cautivo del deseo (1934)" de John Cronwell, junto a Leslie Howard. Gana el Oscar a la mejor actriz por su trabajo en "Peligrosa" (1935) de Alfred E. Green. En 1936 llega "El bosque petrificado" de Archie E. Mayo, tcoprotagonizada por Leslie Howard y Humphrey Bogart. Le siguieron "Kidd Calahad (1937)" de Michael Curtiz, Una mujer marcada (1937)" de Lloyd Bacon y la popular "Jezabel (1938)" de William Wyler, melodrama ambientado en la Guerra de Secesión, junto a un joven Henry Fonda. En 1939 protagoniza "Juarez" de William Dieterle, "La solterona" de Edmund Goulding, "La vida privada de Elizabeth y Essex" de Michael Curtiz y "Amarga Victoria" de Edmund Goulding. En 1940 otras dos importantes películas en su filmografía: "El cielo y tú" de Anatove Litvak y el popular y magistral melodrama de William Wyler "La Carta". En 1941 destaca "La loba", también de Wyler. Otras de sus destacables películas en la década de los 40 fueron "La extraña pasajera (1942)" de Irving Rapper y "El señor Seffington (1943)" de Vincent Sherman. 


un gángster para un milagro

En 1950 Joseph Leo Mankiewicz la dirige en la obra maestra "Eva al desnudo", en la que Bette Davis encarna a Margot Channing, quizá el mejor de todos sus papeles. La película trata de los entresijos del mundo del teatro y relata el ascenso a la fama de la actriz Eve Harrington (Anne Baxter), admiradora de Channing y a la que le da el empleo de asistenta, narrado desde el punto de vista de los demás personajes y con un magistral dominio del efecto flashback. La cinta obtuvo 6 Oscars de sus 14 nominaciones incluyendo los relativos a la mejor película, mejor director y mejor actor secundario (un soberbio George Sanders como el pérfido crítico teatral Addison DeWith). Después de éste, su mayor triunfo, Davis protagonizó películas como "Veneno para tus labios (1951)" de Irving Rapper, "La egoísta (1951)" de Curtis Bernhardt, "Llamada a un desconocido (1952)" de Jean Negulesco, "El favorito de la Reina (1955)" de Henry koster, "Banquete de Bodas (1956)" de Richard Brooks, y "El Capitán Jones (1959)" de John Farrow. Después llegarían dos grandes éxitos, ya en los años 60: "Un gángster para un milagro (1961)" de Frank Capra y "¿Qué fue de Baby Jane (1962)", tremenda y desgarradora película de Robert Aldrich en la que Bette Davis y Joan Crawford interpretan a dos hermanas que se llevan fatal, debido a un trauma infantil. El duelo interpretativo entre ambas refleja la rivalidad que tenían las actrices también en la vida real. Paul Henreid la dirige en "Su propia víctima" en 1964, otro gran éxito, junto a Karl Malden. Aldrich, tras el éxito arrolador de "¿Qué fue de Baby Jane?" volvió a dirigirla en "Canción de cuna para un cadáver (1964)". Finaliza la década con otros títulos destacables como "A merced del odio (1965)" y "El Aniversario (1968)". Compaginó posteriormente su trabajo con la televisión e intervino ya en películas menores, volviendo a destacar en la excelente "Muerte en el Nilo (1978)" de John Guillermin. Sin duda Davis ha sido una de las más grandes actrices de la historia del séptimo arte y nos ha regalado algunos de los momentos más memorables de la gran pantalla. Glenn Ford (1916-2006) comenzó su carrera en el teatro, con sólo 19 años. Tras "Los desesperados (1943)", de Charles Vidor y "Una vida robada (1943)" de Curtis Bernhardt,en la que tiene su primera colaboración con Bette Davis, le llegó el papel de su vida: el de Johnny Farrell en la mítica obra maestra de Charles Vidor "Gilda (1946)", junto a la arrolladora y deslumbrante Rita Hayworth, siendo mítica la escena en que abofetea a Gilda, muerto de celos. El gran éxito y química entre ambos hace que el director los vuelva a reunír en "Los amores de Carmen (1948)", que no alcanzó ni de lejos el éxito de su predecesora. Destacan en el resto de su filmografía las magníficas películas de Fritz Lang "Los sobornados (1953)" y "Deseos humanos (1954)". Posteriormente "Semilla de maldad (1955)" de Richard Brooks, "Jubal (1956)" de Delmer Daves, la deliciosa comedia "La casa de Té de la Luna de Agosto (1956)" de Delbert Mann, "Furia en el valle (1958)", "Cimarron (1960)" de Anthony Mann, "Un gángster para un milagro (1961)" de Frank Capra, "Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1962)" de Vincente Minnelli, "Chantaje contra una mujer (1962)" de Blake Edwards, "El noviazgo del padre de Eddie (1963)" de Vincente Minnelli, "¿Arde París? (1966)" de René Clement, "La batalla de Midway (1976)" y "Superman (1978)" de Richard Donner. Ford obtuvo el Globo de Oro al mejor actor de comedia o musical precisamente por su papel de Dave el "Dandy" en "Un gángster para un milagro". El resto del reparto es espectacular: debutó una jovencísima Ann Margret como Louise, la bella y graciosa Hope Lange como Quinnie, el genial Peter Falk como "Alegre", un soberbio Edward Everett Horton como el mayordomo, y a quien Frank llamó tras haberle dirigido en "Arsénico por compasión", Thomas Mitchell (inolvidable padre de Scarlett O'Hara en "Lo que el viento se llevó") como el juez Blake, Arthur O'Conell como el conde Romolof... Toda una apoteósica y maravillosa, deliciosa e inolvidable despedida de Capra del mundo del cine, y que emociona tanto como "Qué bello es vivir" por los valores de bondad que transmite. 


un gángster para un milagro


Frase para recordar: “Tú quieres creer en algo. Ahora es en mi manzana. Así que esos duendes se meten dentro, por eso esta manzana te dará suerte".


Título original: Pocketful of Miracles.

Director: Frank Capra.

Intèrpretes: Glenn Ford, Bette Davis, Peter Falk, Hope Lange, Thomas Mitchell, Edward Everett Horton.

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Escena: 



Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

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