ARTÍCULOS DESTACADOS
ARTÍCULOS
Me ha caído en gracia esta película pues el tema de cine dentro del cine siempre despierta en mí al cinéfilo nostálgico, y claro, la cantidad de referencias cinematográficas y extracinematográficas que contiene esta obra de los Coen da para mucha diversión, aunque la mayoría de la gente no se entere de lo que está pasando.

Allá por los 50 el star system estaba entrando en decadencia así que los grandes estudios para compensar el declive y llevar más gente a las salas optaron por las superproducciones que incluían repartos multiestelares, largometrajes de 3 horas y más de duración con temas más grandes que la vida. Y la biblia era una riquísima fuente para estas historias. Así que, qué mejor que un relato de los tiempos de Cristo para asegurar una buena venta de boletos. Otro de los eventos que coincidieron en el tiempo aquel fue la cacería de brujas Maccarthista, de la cual fueron víctimas muchas personas relacionadas al mundo del arte y en el cine en particular los escritores fueron los mayormente perjudicados. Este gremio que es el origen de toda película pues obviamente sin quien escriba la historia no hay qué rodar fue muy mal pagado en aquel entonces y aunque habría uno que otro con mejor suerte la gran mayoría escribía para el cine de manera puramente alimenticia. Los intelectuales fueron tentados con las doctrinas izquierdistas y se llenaron tanto de materialismo dialéctico pero, como hoy sabemos, una cosa es la idea y otra la práctica.

ave-cesar

Eddie Mannix (Joss Brolin) es un alto ejecutivo de los estudios Capitol que no solamente tiene que velar porque todas las producciones sigan su normal curso sino que tiene que estar atento a las vidas privadas de las estrellas pues muchas de ellas mareadas por el éxito cometen más de una indiscreción, y en la industria del cine, la imagen es todo. Así que si hay una diva soltera embarazada hay que encubrir los hechos, desaparecerla por un tiempo prudente y una vez que tenga al niño hacer aparentar que ella lo toma en adopción. También le toca negociar con directores egocéntricos y con ídolos de matiné, dar buena cara a las estandartes de la chismografía pues una columna favorable también asegura taquilla y gran taquilla es lo que mantiene el negocio.

La cosa es que en plena filmación de Ave Cesar, un relato de tiempos de Cristo, Baird Whitlock (George Clooney), el estelar, es secuestrado por un grupo que se hace llamar El futuro, el cual luego nos enteramos está formado por un grupo de escritores con ideas marxistas y que piden una fuerte cantidad de dinero al estudio como rescate mientras en sus tertulias comienzan un lavado cerebral a su rehén. Oigan con mucha atención esos diálogos porque son oro puro: El Capital explicado en fáciles lecciones para que hasta un actor mediocre lo entienda. Mientras tanto Mannix reúne a un cura, un reverendo, un rabino y a un sacerdote ortodoxo, ¿es un chiste? ¡por supuesto! como consejeros para llevar el mensaje de Dios en la película. Delirantes conclusiones amigos.

ave-cesar

Pero me estoy yendo por otros derroteros. Decía que esta película hace uso del lenguaje metacinematográfico para homenajear (y algo de crítica también hay, no duden) desde la parodia y si ponemos ojo avisor descubrimos guiños al mismísimo Cecil B. De Mille pasando por personajes que nos recuerdan a Esther Williams, Gene Kelly, Carmen Miranda por citar algunos memorables y otros menos conocidos como Kirby Grant (actor de cine y TV, protagonista de westerns tipo B) bajo la forma de Hobie Doyle (Alden Ehrenreich) uno de los héroes de este film. Me saco el sombrero ante un actor que había desestimado por largo tiempo y es que Channing Tatum realiza un maravilloso número musical digno de aplauso.

El resto del reparto incluye a Scarlett Johansson como la sirena grávida, Ralph Fiennes como un director de cine con un secreto, Tilda Wilson en un doble papel como las gemelas Tacker, las chismólogas émulas de Louella Parsons y Hedda Hopper, Frances Mc Dormand haciendo de montajista, Jonah Hill como un repugnante testaferro y Max Baer como el líder de "El futuro".

Me lo he pasado en grande con esta cinta escrita, montada, producida y dirigida por Ethan y Joel Coen, quienes al hablar de ella la califican como la cuarta película de su “Trilogía Estúpida” protagonizada por Clooney. ¿?
¡Vaya broma!

ave-cesar

Título original: 
Hail, Caesar!

Director: Joel Coen, Ethan Coen.

Intérpretes: Josh Brolin, George Clooney, Alden Ehrenreich, Tilda Swinton, Scarlett JohanssonChanning Tatum, Ralph Fiennes, Max Baker,

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Carrión

¡AVE CÉSAR! (2016). Los Coen parodia Hollywood.

Me ha caído en gracia esta película pues el tema de cine dentro del cine siempre despierta en mí al cinéfilo nostálgico, y claro, la cantidad de referencias cinematográficas y extracinematográficas que contiene esta obra de los Coen da para mucha diversión, aunque la mayoría de la gente no se entere de lo que está pasando.

Allá por los 50 el star system estaba entrando en decadencia así que los grandes estudios para compensar el declive y llevar más gente a las salas optaron por las superproducciones que incluían repartos multiestelares, largometrajes de 3 horas y más de duración con temas más grandes que la vida. Y la biblia era una riquísima fuente para estas historias. Así que, qué mejor que un relato de los tiempos de Cristo para asegurar una buena venta de boletos. Otro de los eventos que coincidieron en el tiempo aquel fue la cacería de brujas Maccarthista, de la cual fueron víctimas muchas personas relacionadas al mundo del arte y en el cine en particular los escritores fueron los mayormente perjudicados. Este gremio que es el origen de toda película pues obviamente sin quien escriba la historia no hay qué rodar fue muy mal pagado en aquel entonces y aunque habría uno que otro con mejor suerte la gran mayoría escribía para el cine de manera puramente alimenticia. Los intelectuales fueron tentados con las doctrinas izquierdistas y se llenaron tanto de materialismo dialéctico pero, como hoy sabemos, una cosa es la idea y otra la práctica.

ave-cesar

Eddie Mannix (Joss Brolin) es un alto ejecutivo de los estudios Capitol que no solamente tiene que velar porque todas las producciones sigan su normal curso sino que tiene que estar atento a las vidas privadas de las estrellas pues muchas de ellas mareadas por el éxito cometen más de una indiscreción, y en la industria del cine, la imagen es todo. Así que si hay una diva soltera embarazada hay que encubrir los hechos, desaparecerla por un tiempo prudente y una vez que tenga al niño hacer aparentar que ella lo toma en adopción. También le toca negociar con directores egocéntricos y con ídolos de matiné, dar buena cara a las estandartes de la chismografía pues una columna favorable también asegura taquilla y gran taquilla es lo que mantiene el negocio.

La cosa es que en plena filmación de Ave Cesar, un relato de tiempos de Cristo, Baird Whitlock (George Clooney), el estelar, es secuestrado por un grupo que se hace llamar El futuro, el cual luego nos enteramos está formado por un grupo de escritores con ideas marxistas y que piden una fuerte cantidad de dinero al estudio como rescate mientras en sus tertulias comienzan un lavado cerebral a su rehén. Oigan con mucha atención esos diálogos porque son oro puro: El Capital explicado en fáciles lecciones para que hasta un actor mediocre lo entienda. Mientras tanto Mannix reúne a un cura, un reverendo, un rabino y a un sacerdote ortodoxo, ¿es un chiste? ¡por supuesto! como consejeros para llevar el mensaje de Dios en la película. Delirantes conclusiones amigos.

ave-cesar

Pero me estoy yendo por otros derroteros. Decía que esta película hace uso del lenguaje metacinematográfico para homenajear (y algo de crítica también hay, no duden) desde la parodia y si ponemos ojo avisor descubrimos guiños al mismísimo Cecil B. De Mille pasando por personajes que nos recuerdan a Esther Williams, Gene Kelly, Carmen Miranda por citar algunos memorables y otros menos conocidos como Kirby Grant (actor de cine y TV, protagonista de westerns tipo B) bajo la forma de Hobie Doyle (Alden Ehrenreich) uno de los héroes de este film. Me saco el sombrero ante un actor que había desestimado por largo tiempo y es que Channing Tatum realiza un maravilloso número musical digno de aplauso.

El resto del reparto incluye a Scarlett Johansson como la sirena grávida, Ralph Fiennes como un director de cine con un secreto, Tilda Wilson en un doble papel como las gemelas Tacker, las chismólogas émulas de Louella Parsons y Hedda Hopper, Frances Mc Dormand haciendo de montajista, Jonah Hill como un repugnante testaferro y Max Baer como el líder de "El futuro".

Me lo he pasado en grande con esta cinta escrita, montada, producida y dirigida por Ethan y Joel Coen, quienes al hablar de ella la califican como la cuarta película de su “Trilogía Estúpida” protagonizada por Clooney. ¿?
¡Vaya broma!

ave-cesar

Título original: 
Hail, Caesar!

Director: Joel Coen, Ethan Coen.

Intérpretes: Josh Brolin, George Clooney, Alden Ehrenreich, Tilda Swinton, Scarlett JohanssonChanning Tatum, Ralph Fiennes, Max Baker,

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Carrión

una-mujer-de-parís
En un pequeño pueblo de París, Marie y Jean son una pareja de enamorados que deciden partir hacia París, quedando citados en la estación de tren. Repentinamente, el padre de Jean muere y éste no llega a tiempo de avisar a Marie. Ella lo espera y creyéndose engañada, parte sola. Un año después, el destino volverá a reunirles en la ciudad de la luz; ella se ha convertido en una dama ociosa siempre dispuesta a divertirse en fiestas de lujo. Jean, como un humilde pintor que vive con estrechez en compañía de su madre. Ambos se siguen amando, a pesar del tiempo transcurrido, pero Marie duda si volver con Jean en la pobreza o disfrutar del lujo fácil que le proporciona Pierre, su amante (Adolphe Menjou). Así, ambos se casan pero la situación se hace insostenible para Jean, que, humillado por Pierre, se suicida. Marie, se unirá entonces a la madre de Jean y, junto a ella, regresa al campo para purgar sus pecados recogiendo niños huérfanos en una granja.

Una mujer de París es la primera película de Charles Chaplin producida con entera libertad para su nueva firma United Artists, que habría creado con D. W. Griffith y los actores Douglas Fairbanks y Mary Pickford, donde deja su habitual comicidad y el mismo personaje de Charlot para interpretar tan solo un papel de extra. Chaplin consideró a este trabajo como su primer film serio, alejándolo lo máximo posible del personaje del vagabundo. Su idea era realizar un film dramático para satisfacer a su amante durante nueve años, la actriz Edna Purviance (Marie) que debutó en este film como actriz dramática.

una-mujer-de-parís

Así, entre agosto y noviembre de 1922, Chaplin comenzó a escribir un esbozo de argumento, ya que rodó la película sin un guión previo, fiándose más de su intuición, a medida que filmaba las escenas. En un principio, el drama iba a titularse "Destino" o bien "La mujer inmortal". Durante un año y medio estuvo rodando escenas de forma seguida, según la historia se iba desarrollando, alto totalmente inédito en aquel tiempo. Este largo período de tiempo se debió al continuo cambio en los diseños de producción, siendo éste el primer film en utilizar un decorado de cuatro paredes y techo, para dar sensación a los actores de estar dentro de una auténtica casa y hacer que se sintieran más cómodos.

La historia, contada en 82 minutos, posee cierto toque feminista, impropio de aquella época. Con una trama sencilla, llena de sensibilidad artística y humana, ofrece una sátira de la vida cotidiana de los felices años veinte, centrándose en el mundo urbano y déco parisinos. Utilizando la elipsis con gran ingenio creador, consigue una pureza de estilo y, a la vez, concibe unos personajes plenos de autenticidad y perfectamente ambientada, a pesar de estar rodada en estudios. Una mujer de París fue también la primera cinta muda en utilizar la ironía y la psicología. El propio Chaplin en su autobiografía, a firmaba: "Algunos críticos afirman que la psicología no podía expresarse en la pantalla muda; que una acción clara como, por ejemplo, el héroe apretujando bellas damas contra troncos de árboles y aspirándoles hasta las amígdalas, o bien el tirarse sillas a la cabeza en las escenas de riñas, eran sus únicos medios de expresión. Una mujer de París, fue, por lo tanto, un reto."

una-mujer-de-parís-1923

Tras su estreno, se le consideró la película más importante realizada hasta el momento, debido a su gran revolución técnica y artística dentro del cine silente, recibiendo grandes elogios de directores consagrados como Lubitsch. Adolphe Menjou se convirtió en una estrella de la noche a la mañana; pero Edna Purviance no salió tan airosa del film. Sin embargo, el público no estaba dispuesto a prescindir de la diversión que les proporcionaba el personaje de Charlot y, a pesar de que se avisaba al comienzo de la proyección que "en la película no trabaja Charles Chaplin", Una mujer de París fue un considerable fracaso comercial.

Además, debido a sus atrevidas escenas de sexo, en especial una multitudinaria orgía, y al aparente cinismo de los personajes principales, el largometraje fue prohibido en quince estados del país. Así que decidió esconder este trabajo y retirar todas las copias de la circulación. En 1976, Chaplin decidió rescatar los negativos de su film y volver a presentarlo al público con una nueva banda sonora creada por él mismo.

una-mujer-de-parís


Título original: A Woman of Paris: A Drama of Fate.

Director: Charles Chaplin.

Intérpretes: Edna Purviance, Carl Miller, Adolphe Menjou, Lydia Knott, Betty Morrisey,Malvina Polo, Clarence Geldart, Charles K. French.

Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

UNA MUJER DE PARÍS (1923). Prejuicios morales de la sociedad de los años 20.

una-mujer-de-parís
En un pequeño pueblo de París, Marie y Jean son una pareja de enamorados que deciden partir hacia París, quedando citados en la estación de tren. Repentinamente, el padre de Jean muere y éste no llega a tiempo de avisar a Marie. Ella lo espera y creyéndose engañada, parte sola. Un año después, el destino volverá a reunirles en la ciudad de la luz; ella se ha convertido en una dama ociosa siempre dispuesta a divertirse en fiestas de lujo. Jean, como un humilde pintor que vive con estrechez en compañía de su madre. Ambos se siguen amando, a pesar del tiempo transcurrido, pero Marie duda si volver con Jean en la pobreza o disfrutar del lujo fácil que le proporciona Pierre, su amante (Adolphe Menjou). Así, ambos se casan pero la situación se hace insostenible para Jean, que, humillado por Pierre, se suicida. Marie, se unirá entonces a la madre de Jean y, junto a ella, regresa al campo para purgar sus pecados recogiendo niños huérfanos en una granja.

Una mujer de París es la primera película de Charles Chaplin producida con entera libertad para su nueva firma United Artists, que habría creado con D. W. Griffith y los actores Douglas Fairbanks y Mary Pickford, donde deja su habitual comicidad y el mismo personaje de Charlot para interpretar tan solo un papel de extra. Chaplin consideró a este trabajo como su primer film serio, alejándolo lo máximo posible del personaje del vagabundo. Su idea era realizar un film dramático para satisfacer a su amante durante nueve años, la actriz Edna Purviance (Marie) que debutó en este film como actriz dramática.

una-mujer-de-parís

Así, entre agosto y noviembre de 1922, Chaplin comenzó a escribir un esbozo de argumento, ya que rodó la película sin un guión previo, fiándose más de su intuición, a medida que filmaba las escenas. En un principio, el drama iba a titularse "Destino" o bien "La mujer inmortal". Durante un año y medio estuvo rodando escenas de forma seguida, según la historia se iba desarrollando, alto totalmente inédito en aquel tiempo. Este largo período de tiempo se debió al continuo cambio en los diseños de producción, siendo éste el primer film en utilizar un decorado de cuatro paredes y techo, para dar sensación a los actores de estar dentro de una auténtica casa y hacer que se sintieran más cómodos.

La historia, contada en 82 minutos, posee cierto toque feminista, impropio de aquella época. Con una trama sencilla, llena de sensibilidad artística y humana, ofrece una sátira de la vida cotidiana de los felices años veinte, centrándose en el mundo urbano y déco parisinos. Utilizando la elipsis con gran ingenio creador, consigue una pureza de estilo y, a la vez, concibe unos personajes plenos de autenticidad y perfectamente ambientada, a pesar de estar rodada en estudios. Una mujer de París fue también la primera cinta muda en utilizar la ironía y la psicología. El propio Chaplin en su autobiografía, a firmaba: "Algunos críticos afirman que la psicología no podía expresarse en la pantalla muda; que una acción clara como, por ejemplo, el héroe apretujando bellas damas contra troncos de árboles y aspirándoles hasta las amígdalas, o bien el tirarse sillas a la cabeza en las escenas de riñas, eran sus únicos medios de expresión. Una mujer de París, fue, por lo tanto, un reto."

una-mujer-de-parís-1923

Tras su estreno, se le consideró la película más importante realizada hasta el momento, debido a su gran revolución técnica y artística dentro del cine silente, recibiendo grandes elogios de directores consagrados como Lubitsch. Adolphe Menjou se convirtió en una estrella de la noche a la mañana; pero Edna Purviance no salió tan airosa del film. Sin embargo, el público no estaba dispuesto a prescindir de la diversión que les proporcionaba el personaje de Charlot y, a pesar de que se avisaba al comienzo de la proyección que "en la película no trabaja Charles Chaplin", Una mujer de París fue un considerable fracaso comercial.

Además, debido a sus atrevidas escenas de sexo, en especial una multitudinaria orgía, y al aparente cinismo de los personajes principales, el largometraje fue prohibido en quince estados del país. Así que decidió esconder este trabajo y retirar todas las copias de la circulación. En 1976, Chaplin decidió rescatar los negativos de su film y volver a presentarlo al público con una nueva banda sonora creada por él mismo.

una-mujer-de-parís


Título original: A Woman of Paris: A Drama of Fate.

Director: Charles Chaplin.

Intérpretes: Edna Purviance, Carl Miller, Adolphe Menjou, Lydia Knott, Betty Morrisey,Malvina Polo, Clarence Geldart, Charles K. French.

Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

la-edad-de-la-inocencia
Película basada en la novela del mismo nombre, con la cual Edith Wharton obtuvo el Premio Pulitzer en 1921. El relato está perfectamente ambientado en el Nueva York de 1870 mediante un exquisito y crítico panorama articulado a través de un amor frustrado donde intervienen el elegante y comprensivo Newland Archer (Daniel Day-Lewis), caballero de la alta sociedad neoyorquina; su joven prometida perteneciente a su misma clase social: la ingenua May Welland (Winona Ryder); y la recién llegada y divorciada, prima de May, la hermosa condesa Olenska (Michelle Pfeiffer).

"La edad de la inocencia" no sólo es el retrato de la pugna entre un mundo nuevo que comienza a desplazar al antiguo, es la historia de un amor y una pasión "prohibidas" a través de las cuales se muestran todo un abanico de desigualdades sociales y prejuicios imperantes en esa época. En el amable mundo de convenciones sociales estrictas en el que se mueve la alta sociedad de Nueva York de finales del siglo pasado, aparece en escena procedente de la vieja Europa la figura de una mujer que inquieta a la comunidad por su misterioso pasado y por su condición de mujer independiente: La condesa Olenska. Su condición de mujer "diferente", con criterio propio es vista como un peligro para el orden establecido entre las buenas familias. Tomando este personaje como hilo conductor, se nos dibuja la doble moral de sus miembros más privilegiados y las normas no escritas que aprisionaban y finalmente aniquilaban cualquier muestra de individualismo.

la-edad-de-la-inocencia

"En aquellos días, la sociedad neoyorquina era tan pequeña y escasa de recursos que todo el mundo (incluidos los mozos de establo, los mayordomos y los cocineros) sabían perfectamente en qué noches no tenía compromisos la gente. Por consiguiente, los receptores de las invitaciones de Mrs. Mingott no tuvieron dificultad alguna para demostrar con toda crueldad su determinación de no conocer a la condesa Olenska".
Sin embargo, el encanto de una mujer inteligente, madura y capaz de tomar sus propias decisiones encandilará a su primo Newland Archer y lo perturbará sin que él pueda evitarlo, ya que debe mantener la promesa de su compromiso con May.

Entre Newland y Madame Olenska surge una historia de amor y pasión que debe ser ocultada socialmente, quedando sumergida dentro de un triángulo amoroso de difícil resolución En el fondo de esta gran pasión prohibida entre la condesa Olenska y Newland, subyace el conflicto entre dos mundos: el de las viejas familias patricias norteamericanas y el de los nuevos ricos, quienes, al terminar la novela, se han apoderado ya de las costumbres y de los espíritus.

La novela tiene se basa en tres aspectos clave: Libertad para amar, para decidir el camino a seguir. Se cuestiona si realmente en aquella sociedad se permitía el libre albedrío y asumir sus consecuencias. Se analizan y critican los prejuicios de una élite social dirigente, donde pocas son las familias que manejan los hilos y donde la mujer no tiene ningún papel activo ni aspira todavía a conseguirlo, La condesa, como elemento extraño capaz de cuestionar todos estos cimientos es vivida como peligrosa por su posible mala influencia sobre otras jóvenes muchachas. El tercer gran punto a examinar es el pasatiempo de una clase acomodada y aburrida que se entretiene ejerciendo su poder, urdiendo confabulaciones y traiciones, a favor o en contra de alguien según la conveniencia de lo que consideran es bueno para ellos y su mundo preestablecido, sin ninguna compasión.

la-edad-de-la-inocencia

Edith Wharton en su libro abre las puertas de las casas y mansiones neoyorquinas, transmitiendo el abanico de emociones de los personajes mientras esparce su historia de crítica a través de inteligentes comentarios y diálogos entre sus personajes. Martin Scorsese recrea todo este mundo que queda plasmado en este bellísimo y magistral film, de gran contenido estético y ritmo pausado, aunque la cámara del maestro se mantenga tan inquieta como siempre.mPara la adaptación de la novela, Martin contó con la colaboración en el guion de su antiguo amigo Jay Cocks, juntos tomaron esta gran novela de la que supieron extraer su gran literatura visual y crearon un lenguaje cinematográfico perfectamente adaptado a un relato de época, costumbrista y crítico al mismo tiempo.

Muchos de los diálogos entre los personajes precisaron de una reelaboración, modernizándolos para luego añadir algunos modismos de la época. Asesorado por una especialista en historia de Nueva York, Robin Standeferd, que recopilaría una enorme cantidad de volúmenes imprescindibles para la recreación visual, Scorsese contó por primera vez con el diseño de producción de Dante Ferreti, que desde entonces sería un colaborador fijo y esencial en sus proyectos. Para la complejísima y crucial elaboración del vestuario, se contrató a la legendaria Gabriella Pescucci, que con esta película ganaría su único Oscar.

Varios meses de rodaje tuvieron lugar en Troya (Nueva York), que era el único lugar que aunaba el trasfondo histórico y la capacidad para esta recreación, que aspiraba a un perfeccionismo detallista de la época. Desde los créditos iniciales elaborados por Elaine y Saul Bass se adivina y contextualiza visualmente el tema de la película. Esa sucesión de exóticas flores de distintas formas y colores que vemos a través de un filtro con caligrafía victoriana o de encaje, no es más que un sutil filtro que parece apresarlas. Una posible metáfora de la lucha interior entre pasión y represión social que mantienen Madame Olenska y Newland Archer.

la-edad-de-la-inocencia

Supongo que para algunos que los movimientos de cámara analicen el minucioso detallismo de la puesta en escena puede resultar algo repetitivo o sin sentido, Sin embargo, nada más lejos de la realidad. Cada encuadre, cada entrada de los personajes en el plano o cada movimiento de la cámara está encaminado a representar la sublimación de los instintos a través del lujo superficial bajo la que subyace una pasión urgente, irrefrenable envuelta en angustia y contradicción. Muy destacable es la fotografía del maestro Michael Ballhaus, acompañada de la gran banda sonora de Elmer Bernstein.

La perfección estilística y narrativa que consigue Scorsese en este film es abrumadora. No solamente desde un punto de vista visual, sino por los múltiples niveles narrativos de los que están compuestos sus secuencias más importantes, por la sutilidad con la que elementos como los cuadros pictóricos o la ornamentación afectan anímicamente al espectador mientras cuentan algo de los personajes, y por las dinámicas invisibles que se establecen entre unos personajes trazados con total maestría. No hay un solo gesto, réplica o conducta que no tenga una utilidad dramática de gran fuerza emocional. Para ello utiliza una voz en off narradora en tercera persona, que indagará aún más en lo que la cámara nos muestre.mPara conseguirlo emplea con frecuencia el recurso del plano detalle y lo hace con una doble función: Por un lado, destacar con precisión la abundancia y la ostentación de unos privilegiados haciendo contrastar esa exquisitez de la belleza exterior con la repugnancia de unas almas miserables poseedoras de tanta riqueza. Por otro lado, permite analizar los sentimientos del hermético Newland a través de los múltiples objetos que observará y tocará con sus delicadas manos de aristócrata, unas veces con febril ofuscación y otras con delicado deleite. Con ayuda de Schoonmaker, el montaje se convierte en una herramienta emocional, y con su uso podemos acceder de una forma mucho más nítida al interior anímico de los personajes. Ya he comentado, que pareciendo la película de ritmo más lento del maestro, no hay sensación de aburrimiento porque por debajo de esa placidez corren ríos tormentosos.

El trío protagonista es insuperable: Daniel Day-Lewis es el amante pasivo, incapaz de dar el paso con el que liberarse de las normas de una sociedad que secretamente desprecia y de irse con Ellen. Daniel borda su personaje con un trabajo formidable que fluctúa entre la contención de emociones y algún desequilibrio fugaz pero intenso que escapa a su control y revela el gran amor que siente por Madame Olenskam. Pfeiffer, a su vez, realiza una de las mejores interpretaciones de su vida, con miradas y con un lenguaje corporal que lo dice todo para el que sabe verlo. Y Winona Ryder, en su época dorada, aprovecha su rostro dulce y angelical de manera perfecta como la tímida manipuladora que parece incapaz de matar una mosca y que es la más retorcida de todos. Pero cada actor, pequeño que sea su papel, está perfecto en esta telaraña que vendría a ser una suerte de lujosa mafia de la que nadie puede escapar.

la-edad-de-la-inocencia

Título original: The Age of Innocence.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Michelle Pfeiffer, Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Richard E. Grant,Alec McCowen, Geraldine Chaplin, Mary Beth Hurt.
Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

LA EDAD DE LA INOCENCIA (1993). Pasiones prohibidas.

la-edad-de-la-inocencia
Película basada en la novela del mismo nombre, con la cual Edith Wharton obtuvo el Premio Pulitzer en 1921. El relato está perfectamente ambientado en el Nueva York de 1870 mediante un exquisito y crítico panorama articulado a través de un amor frustrado donde intervienen el elegante y comprensivo Newland Archer (Daniel Day-Lewis), caballero de la alta sociedad neoyorquina; su joven prometida perteneciente a su misma clase social: la ingenua May Welland (Winona Ryder); y la recién llegada y divorciada, prima de May, la hermosa condesa Olenska (Michelle Pfeiffer).

"La edad de la inocencia" no sólo es el retrato de la pugna entre un mundo nuevo que comienza a desplazar al antiguo, es la historia de un amor y una pasión "prohibidas" a través de las cuales se muestran todo un abanico de desigualdades sociales y prejuicios imperantes en esa época. En el amable mundo de convenciones sociales estrictas en el que se mueve la alta sociedad de Nueva York de finales del siglo pasado, aparece en escena procedente de la vieja Europa la figura de una mujer que inquieta a la comunidad por su misterioso pasado y por su condición de mujer independiente: La condesa Olenska. Su condición de mujer "diferente", con criterio propio es vista como un peligro para el orden establecido entre las buenas familias. Tomando este personaje como hilo conductor, se nos dibuja la doble moral de sus miembros más privilegiados y las normas no escritas que aprisionaban y finalmente aniquilaban cualquier muestra de individualismo.

la-edad-de-la-inocencia

"En aquellos días, la sociedad neoyorquina era tan pequeña y escasa de recursos que todo el mundo (incluidos los mozos de establo, los mayordomos y los cocineros) sabían perfectamente en qué noches no tenía compromisos la gente. Por consiguiente, los receptores de las invitaciones de Mrs. Mingott no tuvieron dificultad alguna para demostrar con toda crueldad su determinación de no conocer a la condesa Olenska".
Sin embargo, el encanto de una mujer inteligente, madura y capaz de tomar sus propias decisiones encandilará a su primo Newland Archer y lo perturbará sin que él pueda evitarlo, ya que debe mantener la promesa de su compromiso con May.

Entre Newland y Madame Olenska surge una historia de amor y pasión que debe ser ocultada socialmente, quedando sumergida dentro de un triángulo amoroso de difícil resolución En el fondo de esta gran pasión prohibida entre la condesa Olenska y Newland, subyace el conflicto entre dos mundos: el de las viejas familias patricias norteamericanas y el de los nuevos ricos, quienes, al terminar la novela, se han apoderado ya de las costumbres y de los espíritus.

La novela tiene se basa en tres aspectos clave: Libertad para amar, para decidir el camino a seguir. Se cuestiona si realmente en aquella sociedad se permitía el libre albedrío y asumir sus consecuencias. Se analizan y critican los prejuicios de una élite social dirigente, donde pocas son las familias que manejan los hilos y donde la mujer no tiene ningún papel activo ni aspira todavía a conseguirlo, La condesa, como elemento extraño capaz de cuestionar todos estos cimientos es vivida como peligrosa por su posible mala influencia sobre otras jóvenes muchachas. El tercer gran punto a examinar es el pasatiempo de una clase acomodada y aburrida que se entretiene ejerciendo su poder, urdiendo confabulaciones y traiciones, a favor o en contra de alguien según la conveniencia de lo que consideran es bueno para ellos y su mundo preestablecido, sin ninguna compasión.

la-edad-de-la-inocencia

Edith Wharton en su libro abre las puertas de las casas y mansiones neoyorquinas, transmitiendo el abanico de emociones de los personajes mientras esparce su historia de crítica a través de inteligentes comentarios y diálogos entre sus personajes. Martin Scorsese recrea todo este mundo que queda plasmado en este bellísimo y magistral film, de gran contenido estético y ritmo pausado, aunque la cámara del maestro se mantenga tan inquieta como siempre.mPara la adaptación de la novela, Martin contó con la colaboración en el guion de su antiguo amigo Jay Cocks, juntos tomaron esta gran novela de la que supieron extraer su gran literatura visual y crearon un lenguaje cinematográfico perfectamente adaptado a un relato de época, costumbrista y crítico al mismo tiempo.

Muchos de los diálogos entre los personajes precisaron de una reelaboración, modernizándolos para luego añadir algunos modismos de la época. Asesorado por una especialista en historia de Nueva York, Robin Standeferd, que recopilaría una enorme cantidad de volúmenes imprescindibles para la recreación visual, Scorsese contó por primera vez con el diseño de producción de Dante Ferreti, que desde entonces sería un colaborador fijo y esencial en sus proyectos. Para la complejísima y crucial elaboración del vestuario, se contrató a la legendaria Gabriella Pescucci, que con esta película ganaría su único Oscar.

Varios meses de rodaje tuvieron lugar en Troya (Nueva York), que era el único lugar que aunaba el trasfondo histórico y la capacidad para esta recreación, que aspiraba a un perfeccionismo detallista de la época. Desde los créditos iniciales elaborados por Elaine y Saul Bass se adivina y contextualiza visualmente el tema de la película. Esa sucesión de exóticas flores de distintas formas y colores que vemos a través de un filtro con caligrafía victoriana o de encaje, no es más que un sutil filtro que parece apresarlas. Una posible metáfora de la lucha interior entre pasión y represión social que mantienen Madame Olenska y Newland Archer.

la-edad-de-la-inocencia

Supongo que para algunos que los movimientos de cámara analicen el minucioso detallismo de la puesta en escena puede resultar algo repetitivo o sin sentido, Sin embargo, nada más lejos de la realidad. Cada encuadre, cada entrada de los personajes en el plano o cada movimiento de la cámara está encaminado a representar la sublimación de los instintos a través del lujo superficial bajo la que subyace una pasión urgente, irrefrenable envuelta en angustia y contradicción. Muy destacable es la fotografía del maestro Michael Ballhaus, acompañada de la gran banda sonora de Elmer Bernstein.

La perfección estilística y narrativa que consigue Scorsese en este film es abrumadora. No solamente desde un punto de vista visual, sino por los múltiples niveles narrativos de los que están compuestos sus secuencias más importantes, por la sutilidad con la que elementos como los cuadros pictóricos o la ornamentación afectan anímicamente al espectador mientras cuentan algo de los personajes, y por las dinámicas invisibles que se establecen entre unos personajes trazados con total maestría. No hay un solo gesto, réplica o conducta que no tenga una utilidad dramática de gran fuerza emocional. Para ello utiliza una voz en off narradora en tercera persona, que indagará aún más en lo que la cámara nos muestre.mPara conseguirlo emplea con frecuencia el recurso del plano detalle y lo hace con una doble función: Por un lado, destacar con precisión la abundancia y la ostentación de unos privilegiados haciendo contrastar esa exquisitez de la belleza exterior con la repugnancia de unas almas miserables poseedoras de tanta riqueza. Por otro lado, permite analizar los sentimientos del hermético Newland a través de los múltiples objetos que observará y tocará con sus delicadas manos de aristócrata, unas veces con febril ofuscación y otras con delicado deleite. Con ayuda de Schoonmaker, el montaje se convierte en una herramienta emocional, y con su uso podemos acceder de una forma mucho más nítida al interior anímico de los personajes. Ya he comentado, que pareciendo la película de ritmo más lento del maestro, no hay sensación de aburrimiento porque por debajo de esa placidez corren ríos tormentosos.

El trío protagonista es insuperable: Daniel Day-Lewis es el amante pasivo, incapaz de dar el paso con el que liberarse de las normas de una sociedad que secretamente desprecia y de irse con Ellen. Daniel borda su personaje con un trabajo formidable que fluctúa entre la contención de emociones y algún desequilibrio fugaz pero intenso que escapa a su control y revela el gran amor que siente por Madame Olenskam. Pfeiffer, a su vez, realiza una de las mejores interpretaciones de su vida, con miradas y con un lenguaje corporal que lo dice todo para el que sabe verlo. Y Winona Ryder, en su época dorada, aprovecha su rostro dulce y angelical de manera perfecta como la tímida manipuladora que parece incapaz de matar una mosca y que es la más retorcida de todos. Pero cada actor, pequeño que sea su papel, está perfecto en esta telaraña que vendría a ser una suerte de lujosa mafia de la que nadie puede escapar.

la-edad-de-la-inocencia

Título original: The Age of Innocence.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Michelle Pfeiffer, Daniel Day-Lewis, Winona Ryder, Richard E. Grant,Alec McCowen, Geraldine Chaplin, Mary Beth Hurt.
Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

todo-el-dinero-del-mundo
El mundo del cine es cuando menos curioso. Durante décadas Tony Scott (1944-2012), hermano menor de Ridley Scott, estuvo planeando como llevar al cine una novela que tenía como punto de partido el secuestro en Roma de un adolescente. El film no terminaba de ser levantado y fue desde finales de los ochenta hasta el año 2004 que no logró concretarse, cuando lo hizo, ya no estaba ambientada en Roma, sino en México, el adolescente se había convertido en una niña, y el protagonista había pasado de ser Robert De Niro a Denzel Washington. La película en cuestión era El fuego de la venganza (Man On Fire, 2004). Para cerrar el círculo, A.J. Quinnell, autor de la novela que dio pie a Bala blindada (Élie Chouraqui, 1987) y luego a El fuego de la venganza, dijo haberse inspirado en el secuestro que sufrió uno de los nietos del magnate del petróleo J.P. Getty, y como Getty pensó en solucionar aquel secuestro primando sus propios intereses económicos.

Entre mayo y agosto de 2017 comenzó el rodaje de All the Money in the World con guión de David Scarpa desde la novela de John Pearson y bajo las órdenes de Ridley Scott. El papel principal del octogenario Getty fue a parar a manos de Kevin Spacey, luego de ser considerado Christopher Plummer. Spacey sólo tenía 58 años, por los 88 de Plummer –en el momento de la gestación y rodaje del film- pero aún así, Scott eligió al primero, que se sometió a una tremenda transformación física para el rol. Una vez rodada, Todo el dinero del mundo estableció su estreno en USA para el último fin de semana de 2017 (29-12). Su objetivo, ser una fuerte competidora en los Oscar´s de 2018. La campaña de lanzamiento de la cinta se basaba principalmente en el nombre –y respeto que genera- Ridley Scott, en los hechos reales que narraba, la tremenda ambientación en los años sesenta y setenta, y en Kevin Spacey como candidato a ser nominado por tercera vez a los Oscar´s –ganador de dos estatuillas en 1996 y 2000 por Sospechosos habituales (Brian Singer, 1995) y American Beauty (Sam Mendes, 1999)-. Hasta que a finales de octubre de 2017 saltaba una noticia que conmocionó a Hollywood en medio del movimiento #MeToo y el huracán Harvey Weinstein. Kevin Spacey era acusado por un actor de haber intentado violarle cuando éste era menor de edad (14 años por los 26 de Spacey) mientras Spacey se encontraba en estado de embriaguez. La premiere de la cinta fue cancelada de inmediato. Sony y Ridley Scott –en su crédito de productor- se reunieron de urgencia. Mientras Spacey hizo pública una carta de disculpa por los hechos que afirmaba no recordar, al mismo tiempo fue empujado de forma grotesca a confesar su homosexualidad. No hubo ningún juicio que no fuera el público, no se aportaron pruebas más allá de la declaración de Anthony Rapp y la carta de disculpa de Spacey. A partir de aquello, una marea inaudita sacudió Hollywood. Netflix canceló la serie House of Cards (2013-2018) que Spacey protagonizaba y que había ganado dos globos de oro y cuatro premios Emmy. 

todo-el-dinero-del-mundo

No solo eso, Netflix emitió un comunicado anunciando que Spacey no volvería a a participar en producción alguna de la compañía. La CNN sin dar nombres ni hechos claros, publicó que hasta ocho trabajadores de la serie denunciaban abusos y comportamientos inadecuados de Spacey contra ellos. No se aportó prueba alguna más allá de las declaraciones a cara tapada. Al mismo tiempo Sony evaluaba su campaña de marketing y el que hacer con una producción de 50 millones de dólares protagonizada por una actor señalado como pedófilo, homosexual y acosador. No tardaron nada más que días en emitir un comunicado, tanto la productora/distribuidora como el director se negaban a comprometer la calidad de su película por el escándalo relacionado con unos de sus colaboradores. Su decisión era inamovible: Kevin Spacey sería borrado de la película, sus escenas volverían a rodarse, con un coste extra de 10 millones de $ -un total de 22 escenas del film- y su papel sería retomado por Christopher Plummer. La fecha de estreno no se movería. Sony quería evitar un boicot por parte del publico, pero eso no era políticamente correcto decirlo, y en su lugar alegaron que no querían que la calidad del film fuera juzgada por ellos ajenos a la producción por parte de uno de sus integrantes.

todo-el-dinero-del-mundo

Todo el dinero del mundo, en la versión con Christopher Plummer, comenzó su andadura comercial entrando al número 7 en la semana de su estreno. En EEUU nadie acudió en masa al cine para ver el film, Sony prefirió eliminar el morbo de ver en pantalla a Spacey, a favor de la “integridad artística” del film. Su balance monetario fue de 25 millones de $ en USA, para un total de 56 a nivel mundial. El film fracasó y la versión con Kevin Spacey nunca vio la luz. Fue nominada al Oscar por el papel de Getty para Plummer y a tres globos de oro (mejor actor secundario, mejor actriz y mejor director). No ganó ninguno de los cuatro. Directamente no ganó ningún premio. Pocas intrahistorias han sido más seguidas y con tanto interés como la que envolvió a Todo el dinero del mundo, un film que ya había sido juzgado antes de ver la luz, y qué ni siquiera pudo ser salvado por el rodaje de escenas extras. Ridley Scott entrega un film correcto en muchos aspectos, notable en otros y rutinario en su devenir. Es correcto en su ritmo, en la trama que plantea y en los temas a tratar. Es notable en su ambientación y recreación de los años setenta y de la opulencia y poder que despierta el personaje de J.P. Getty y también en las interpretaciones sentidas de Michelle Williams (Gail) -sobre todo en sus escenas en solitario o al teléfono- y magnéticas de Christopher Plummer. Pero es rutinario en el resto, en su balance final. Mark Wahlberg parece pasar por allí y creer que solo con sus trajes ya tiene el papel ganado, solo lo vemos mostrar algo de sentimiento y fuerza en un encuentro con Getty ya muy avanzado el film. Además sus escenas nuevas dan mucho el cante, ya que se ve su pérdida de peso, sobre todo a nivel de rostro con respecto al resto de escenas del film que fueron rodadas antes. 

todo-el-dinero-del-mundo


Es rutinario también en lo que tiene que ver con el supuesto infierno que vive Paul Getty, salvo el determinado y escalofriante momento que tiene que ver con un médico y una incisión auricular. Y es rutinaria en que no termina de levantar su ritmo a pesar de prometerlo durante largo tiempo, no hay nada nuevo en Todo el dinero del mundo qué ya no fuera narrado mejor en cintas como Rescate (Ron Howard, 1996), Prueba de vida (Taylor Hackford, 2000) o la ya citada El fuego de la venganza, no en términos de acción, sino en las relaciones entre secuestradores y secuestrado, en el infierno que estos viven en su cautiverio, y en las formas en las que se encara un rapto y se hace frente a un chantaje desde la familia afectada y desde los propios raptores y como ambos conviven con la presión. Al final, Todo el dinero del mundo, presenta interesantes apuntes, la gran mayoría los que se ciernen sobre la figura de J.P. Getty, su concepto de propiedad, de fortuna, de dinero, de poder. Es este personaje el más interesante, y la forma en que Plummer encara su papel lo hace aún más fascinante, pero claro, a su personaje poco a poco se le van cayendo las capas, y termina totalmente desnudo y retratado en su miseria interior al final. Eso sí, al mismo tiempo, Scott, añade un último plano que resume la película, su pozo, y su verdadero significado: la sombra de un nombre y de un hombre –un apellido, un imperio, un legado-, con ese busto entre generales que cierra la cinta. Antes de esto, 132 minutos de altos y bajos, en una película que en su balance se queda como un proyecto que no terminó de encontrar su punch. Para la historia siempre será la película maldita de Kevin Spacey. Ni Todo el dinero del mundo pudo lograr que no fuera borrado del montaje y de Hollywood.

todo-el-dinero-del-mundo

Título original: All the Money in the World.

Director: Ridley Scott.

Intérpretes: Christopher Plummer, Michelle Williams, Mark Wahlberg, Charlie Plummer, Romain Durois, Timothy Hutton, Andrew Buchan, Marco Leonardi, Stacy Martin.

Trailer:





B.S.O.:



Reseña escrita por Jonathan Glez

TODO EL DINERO DEL MUNDO (2017) (Secuestrado) de vacaciones en Roma.

todo-el-dinero-del-mundo
El mundo del cine es cuando menos curioso. Durante décadas Tony Scott (1944-2012), hermano menor de Ridley Scott, estuvo planeando como llevar al cine una novela que tenía como punto de partido el secuestro en Roma de un adolescente. El film no terminaba de ser levantado y fue desde finales de los ochenta hasta el año 2004 que no logró concretarse, cuando lo hizo, ya no estaba ambientada en Roma, sino en México, el adolescente se había convertido en una niña, y el protagonista había pasado de ser Robert De Niro a Denzel Washington. La película en cuestión era El fuego de la venganza (Man On Fire, 2004). Para cerrar el círculo, A.J. Quinnell, autor de la novela que dio pie a Bala blindada (Élie Chouraqui, 1987) y luego a El fuego de la venganza, dijo haberse inspirado en el secuestro que sufrió uno de los nietos del magnate del petróleo J.P. Getty, y como Getty pensó en solucionar aquel secuestro primando sus propios intereses económicos.

Entre mayo y agosto de 2017 comenzó el rodaje de All the Money in the World con guión de David Scarpa desde la novela de John Pearson y bajo las órdenes de Ridley Scott. El papel principal del octogenario Getty fue a parar a manos de Kevin Spacey, luego de ser considerado Christopher Plummer. Spacey sólo tenía 58 años, por los 88 de Plummer –en el momento de la gestación y rodaje del film- pero aún así, Scott eligió al primero, que se sometió a una tremenda transformación física para el rol. Una vez rodada, Todo el dinero del mundo estableció su estreno en USA para el último fin de semana de 2017 (29-12). Su objetivo, ser una fuerte competidora en los Oscar´s de 2018. La campaña de lanzamiento de la cinta se basaba principalmente en el nombre –y respeto que genera- Ridley Scott, en los hechos reales que narraba, la tremenda ambientación en los años sesenta y setenta, y en Kevin Spacey como candidato a ser nominado por tercera vez a los Oscar´s –ganador de dos estatuillas en 1996 y 2000 por Sospechosos habituales (Brian Singer, 1995) y American Beauty (Sam Mendes, 1999)-. Hasta que a finales de octubre de 2017 saltaba una noticia que conmocionó a Hollywood en medio del movimiento #MeToo y el huracán Harvey Weinstein. Kevin Spacey era acusado por un actor de haber intentado violarle cuando éste era menor de edad (14 años por los 26 de Spacey) mientras Spacey se encontraba en estado de embriaguez. La premiere de la cinta fue cancelada de inmediato. Sony y Ridley Scott –en su crédito de productor- se reunieron de urgencia. Mientras Spacey hizo pública una carta de disculpa por los hechos que afirmaba no recordar, al mismo tiempo fue empujado de forma grotesca a confesar su homosexualidad. No hubo ningún juicio que no fuera el público, no se aportaron pruebas más allá de la declaración de Anthony Rapp y la carta de disculpa de Spacey. A partir de aquello, una marea inaudita sacudió Hollywood. Netflix canceló la serie House of Cards (2013-2018) que Spacey protagonizaba y que había ganado dos globos de oro y cuatro premios Emmy. 

todo-el-dinero-del-mundo

No solo eso, Netflix emitió un comunicado anunciando que Spacey no volvería a a participar en producción alguna de la compañía. La CNN sin dar nombres ni hechos claros, publicó que hasta ocho trabajadores de la serie denunciaban abusos y comportamientos inadecuados de Spacey contra ellos. No se aportó prueba alguna más allá de las declaraciones a cara tapada. Al mismo tiempo Sony evaluaba su campaña de marketing y el que hacer con una producción de 50 millones de dólares protagonizada por una actor señalado como pedófilo, homosexual y acosador. No tardaron nada más que días en emitir un comunicado, tanto la productora/distribuidora como el director se negaban a comprometer la calidad de su película por el escándalo relacionado con unos de sus colaboradores. Su decisión era inamovible: Kevin Spacey sería borrado de la película, sus escenas volverían a rodarse, con un coste extra de 10 millones de $ -un total de 22 escenas del film- y su papel sería retomado por Christopher Plummer. La fecha de estreno no se movería. Sony quería evitar un boicot por parte del publico, pero eso no era políticamente correcto decirlo, y en su lugar alegaron que no querían que la calidad del film fuera juzgada por ellos ajenos a la producción por parte de uno de sus integrantes.

todo-el-dinero-del-mundo

Todo el dinero del mundo, en la versión con Christopher Plummer, comenzó su andadura comercial entrando al número 7 en la semana de su estreno. En EEUU nadie acudió en masa al cine para ver el film, Sony prefirió eliminar el morbo de ver en pantalla a Spacey, a favor de la “integridad artística” del film. Su balance monetario fue de 25 millones de $ en USA, para un total de 56 a nivel mundial. El film fracasó y la versión con Kevin Spacey nunca vio la luz. Fue nominada al Oscar por el papel de Getty para Plummer y a tres globos de oro (mejor actor secundario, mejor actriz y mejor director). No ganó ninguno de los cuatro. Directamente no ganó ningún premio. Pocas intrahistorias han sido más seguidas y con tanto interés como la que envolvió a Todo el dinero del mundo, un film que ya había sido juzgado antes de ver la luz, y qué ni siquiera pudo ser salvado por el rodaje de escenas extras. Ridley Scott entrega un film correcto en muchos aspectos, notable en otros y rutinario en su devenir. Es correcto en su ritmo, en la trama que plantea y en los temas a tratar. Es notable en su ambientación y recreación de los años setenta y de la opulencia y poder que despierta el personaje de J.P. Getty y también en las interpretaciones sentidas de Michelle Williams (Gail) -sobre todo en sus escenas en solitario o al teléfono- y magnéticas de Christopher Plummer. Pero es rutinario en el resto, en su balance final. Mark Wahlberg parece pasar por allí y creer que solo con sus trajes ya tiene el papel ganado, solo lo vemos mostrar algo de sentimiento y fuerza en un encuentro con Getty ya muy avanzado el film. Además sus escenas nuevas dan mucho el cante, ya que se ve su pérdida de peso, sobre todo a nivel de rostro con respecto al resto de escenas del film que fueron rodadas antes. 

todo-el-dinero-del-mundo


Es rutinario también en lo que tiene que ver con el supuesto infierno que vive Paul Getty, salvo el determinado y escalofriante momento que tiene que ver con un médico y una incisión auricular. Y es rutinaria en que no termina de levantar su ritmo a pesar de prometerlo durante largo tiempo, no hay nada nuevo en Todo el dinero del mundo qué ya no fuera narrado mejor en cintas como Rescate (Ron Howard, 1996), Prueba de vida (Taylor Hackford, 2000) o la ya citada El fuego de la venganza, no en términos de acción, sino en las relaciones entre secuestradores y secuestrado, en el infierno que estos viven en su cautiverio, y en las formas en las que se encara un rapto y se hace frente a un chantaje desde la familia afectada y desde los propios raptores y como ambos conviven con la presión. Al final, Todo el dinero del mundo, presenta interesantes apuntes, la gran mayoría los que se ciernen sobre la figura de J.P. Getty, su concepto de propiedad, de fortuna, de dinero, de poder. Es este personaje el más interesante, y la forma en que Plummer encara su papel lo hace aún más fascinante, pero claro, a su personaje poco a poco se le van cayendo las capas, y termina totalmente desnudo y retratado en su miseria interior al final. Eso sí, al mismo tiempo, Scott, añade un último plano que resume la película, su pozo, y su verdadero significado: la sombra de un nombre y de un hombre –un apellido, un imperio, un legado-, con ese busto entre generales que cierra la cinta. Antes de esto, 132 minutos de altos y bajos, en una película que en su balance se queda como un proyecto que no terminó de encontrar su punch. Para la historia siempre será la película maldita de Kevin Spacey. Ni Todo el dinero del mundo pudo lograr que no fuera borrado del montaje y de Hollywood.

todo-el-dinero-del-mundo

Título original: All the Money in the World.

Director: Ridley Scott.

Intérpretes: Christopher Plummer, Michelle Williams, Mark Wahlberg, Charlie Plummer, Romain Durois, Timothy Hutton, Andrew Buchan, Marco Leonardi, Stacy Martin.

Trailer:





B.S.O.:



Reseña escrita por Jonathan Glez

la-costa-de-los-mosquitos
Allie Fox es un inquieto inventor que un día decide cambiar el rumbo de la vida de su familia. Vende su casa, compra un terreno virgen en Centroamérica y se desplaza con su mujer y sus hijos para empezar de cero en un entorno natural. Que podría salir mal?

A priori, la siempre loable intención de introducir un cambio que se pretende mejor nos parece razonable, máxime cuando la verborrea del protagonista (Harrison Ford en su posiblemente mejor trabajo) es capaz de fulminar de un plumazo las dudas sobre la viabilidad del proyecto que va a cambiar para siempre la vida de una familia. Allie Fox destila seguridad, solvencia y tenacidad suficiente para que su esposa e hijos, aún con expresión sorprendida pero alegre, hagan las maletas y le acompañen en una aventura que no por incierta parece menos atractiva. Su liderazgo como "Padre de Familia" no se cuestiona y desde luego, no es el temor lo que mueve a esta familia a dejarlo todo. Padre sabe lo que hace. Padre tiene una misión. Padre no deja que todo quede en palabras farfulladas tras unos canutos oyendo música New Age.

Pero cuando desembarcamos como polizones invisibles que acompañan a Allie y su familia en la jungla, nos vamos percatando poco a poco, no solo de las dificultades medio ambientales que encierra este nuevo entorno y sus habitantes sino también de que este es un viaje de solo ida para Allie, dispuesto-que digo-obsesionado con que la Aventura, su Aventura,funcione. Y mientras sus escrupulosos planes se van desmoronando por obra de prójimos malvados o desastres naturales, crece su obsesión en no ser derrotado en sus creencias y la familia empieza a ver un nuevo rostro en él. Este rostro no es agradable y llegará un momento en el que se convertirá en el rostro del Enemigo.


la-costa-de-los-mosquitos

Con un magnífico guión de Paul Schrader basado en la novela de Paul Theroux, Weir factura una áspera película en la que a partir de la narración de uno de los hijos (River Phoenix) asistimos al derrumbe de la figura paterna y sus sueños. Secundado por la brillante interpretación de Ford, el citado derrumbe solo se produce a los ojos de la Esposa (Hellen Mirren) y los hijos ya que el Padre, abatido pero no vencido, se empeña una y otra vez en tours de force cada vez mas desesperados e inconexos. Todo ello nos da, por acumulación, una película desilusionada, bella y sombría en la que se plantea abiertamente la delgada línea que separa la obsesión con la demencia.

Este plato amargo que cuestiona tanto la figura de liderazgo del Padre como la inmersión descontrolada en entornos extremos no sentó bien en su momento a los paladares de la crítica y el público en general. Ha hecho falta el paso de unos cuantos años para que The mosquito coas haya sido progresivamente revalorizada.

"Es la única película que he hecho en la que se ha perdido dinero. Sigo contento de haberla hecho. Puestos a sacar un defecto a la película , quizás no conseguimos atrapar el lenguaje de la novela. Podría haber sido mas literaria en vez de cinematográfica. Pero creo que está llena de poderosas emociones." Harrison Ford en 1992.


la-costa-de-los-mosquitos

Título original: 
The Mosquito Coast.

Intérpretes: Peter Weir

Trailer: Harrison Ford, River Phoenix, Helen Mirren, Andre Gregory, Martha Plimpton,Jadrien Steele, Hilary Gordon, Rebecca Gordon, Jason Alexander, Dick O'NeillAlice Sneed.



Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por George Suckelectronic

LA COSTA DE LOS MOSQUITOS (1986). Alejados de la civilización.

la-costa-de-los-mosquitos
Allie Fox es un inquieto inventor que un día decide cambiar el rumbo de la vida de su familia. Vende su casa, compra un terreno virgen en Centroamérica y se desplaza con su mujer y sus hijos para empezar de cero en un entorno natural. Que podría salir mal?

A priori, la siempre loable intención de introducir un cambio que se pretende mejor nos parece razonable, máxime cuando la verborrea del protagonista (Harrison Ford en su posiblemente mejor trabajo) es capaz de fulminar de un plumazo las dudas sobre la viabilidad del proyecto que va a cambiar para siempre la vida de una familia. Allie Fox destila seguridad, solvencia y tenacidad suficiente para que su esposa e hijos, aún con expresión sorprendida pero alegre, hagan las maletas y le acompañen en una aventura que no por incierta parece menos atractiva. Su liderazgo como "Padre de Familia" no se cuestiona y desde luego, no es el temor lo que mueve a esta familia a dejarlo todo. Padre sabe lo que hace. Padre tiene una misión. Padre no deja que todo quede en palabras farfulladas tras unos canutos oyendo música New Age.

Pero cuando desembarcamos como polizones invisibles que acompañan a Allie y su familia en la jungla, nos vamos percatando poco a poco, no solo de las dificultades medio ambientales que encierra este nuevo entorno y sus habitantes sino también de que este es un viaje de solo ida para Allie, dispuesto-que digo-obsesionado con que la Aventura, su Aventura,funcione. Y mientras sus escrupulosos planes se van desmoronando por obra de prójimos malvados o desastres naturales, crece su obsesión en no ser derrotado en sus creencias y la familia empieza a ver un nuevo rostro en él. Este rostro no es agradable y llegará un momento en el que se convertirá en el rostro del Enemigo.


la-costa-de-los-mosquitos

Con un magnífico guión de Paul Schrader basado en la novela de Paul Theroux, Weir factura una áspera película en la que a partir de la narración de uno de los hijos (River Phoenix) asistimos al derrumbe de la figura paterna y sus sueños. Secundado por la brillante interpretación de Ford, el citado derrumbe solo se produce a los ojos de la Esposa (Hellen Mirren) y los hijos ya que el Padre, abatido pero no vencido, se empeña una y otra vez en tours de force cada vez mas desesperados e inconexos. Todo ello nos da, por acumulación, una película desilusionada, bella y sombría en la que se plantea abiertamente la delgada línea que separa la obsesión con la demencia.

Este plato amargo que cuestiona tanto la figura de liderazgo del Padre como la inmersión descontrolada en entornos extremos no sentó bien en su momento a los paladares de la crítica y el público en general. Ha hecho falta el paso de unos cuantos años para que The mosquito coas haya sido progresivamente revalorizada.

"Es la única película que he hecho en la que se ha perdido dinero. Sigo contento de haberla hecho. Puestos a sacar un defecto a la película , quizás no conseguimos atrapar el lenguaje de la novela. Podría haber sido mas literaria en vez de cinematográfica. Pero creo que está llena de poderosas emociones." Harrison Ford en 1992.


la-costa-de-los-mosquitos

Título original: 
The Mosquito Coast.

Intérpretes: Peter Weir

Trailer: Harrison Ford, River Phoenix, Helen Mirren, Andre Gregory, Martha Plimpton,Jadrien Steele, Hilary Gordon, Rebecca Gordon, Jason Alexander, Dick O'NeillAlice Sneed.



Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por George Suckelectronic

los-girasoles
La película es una historia de amor ambientada en tiempos de guerra y representa la tercera de las películas dirigida por Vitorio De Sica que cuenta con la pareja protagonista formada por Sofía Loren y Marcello MastroianniUna coproducción Italia-Francia- Unión Soviética que tiene la particularidad  de ser probablemente la primera cinta occidental que se rodaba en tierras rusas. Todo el film está rodado en auténticos exteriores, tanto de Italia como de Rusia, gracias la fotografía de Giuseppe Rotunno que colaboró estrechamente para los planos rusos con su colega el director de fotografía David VinitskijFue una de las grandes producciones de Carlo Ponti donde Sophia adquiere el principal papel como vector transmisor de las intensas emociones del film, acompañada de la magnética presencia del gran Marcello.

De Sica abandona el neorrealismo para presentarnos una película emotiva, sentimental y nostálgica que profundiza en los sentimientos humanos bajo el amparo de un guion muy cuidado, elaborado por Tonino Guerra, Giorgi Mdivani y Cesare ZavattiniAdemás, el director se decanta por un technicolor que realza la belleza de los paisajes y que enfatiza uno de los tramos de la batalla en el frente. Se trata de la historia de amor de un soldado italiano de Milán, Antonio (Mastroianni), que se enamora de Giovanna (Sophia Loren), una recia mujer napolitana. La guerra, será el tercer protagonista de esta historia, elemento clave que interferirá como obstáculo entre dos jóvenes enamorados.

los-girasoles

Vittorio de Sicca ambienta este relato amoroso en plena Guerra Mundial para mostrarnos los horrores del conflicto desde una perspectiva diferente a las películas bélicas. La acción no se centra en el campo de batalla, sino en el terreno de la retaguardia, donde tantas familias quedaron destrozadas por la pérdida de sus seres queridos. El director enfatiza la presencia italiana en la batalla del frente ruso, tan pocas veces representada en pantalla, ya que la mayoría de los relatos solo reflejan la confrontación ruso-alemana.

La película comienza con la visión de un campo de girasoles, cuyo significado metafórico se descubrirá a través del relato. Inmediatamente después, aparece en escena la gran Sophia Loren vestida de negro, triste pero con una presencia intensa y luchadora que reclama el paradero de su marido desaparecido en combate. Giovanna, es una mujer de fuerte temperamento que no duda en exigir a todos los estamentos que le pongan fin a su eterna espera y que descubran por fin si su marido ha muerto en el frente o por el contrario, sigue con vida. Vestida de negro, acompañada de su suegra, llora impotente la ausencia de su marido, y sentada en la casa que compartieron comienza el primer flash back de una narración que su director sabiamente fragmenta en diferentes épocas temporales a modo de capítulos, como si de una novela se tratara.

Este primer recuerdo de Giovanna se centra en la época en la que se conocieron Antonio y ella, viviendo un intenso y breve romance. Por aquel entonces La II Guerra Mundial estaba en pleno desarrollo y la pareja decide casarse para que Antonio, ya reclutado como soldado y pendiente de marchar a África, pueda disfrutar de un permiso por matrimonio. Al final de su luna de miel, están tan enamorados que intentan urdir un engaño para evitar el frente. Pero su torpeza de enamorados hará que los descubran, obligando entonces a que Antonio marche como voluntario al frente ruso. Durante la Segunda Guerra Mundial, habiéndose aliado Italia con Alemania, realizan conjuntamente un ataque a Rusia, que como por todos es sabido, supuso una gran derrota para el Eje Nazi que finalizó con una gran masacre en un territorio infernal, vapuleados por los rusos conocedores de su clima y su territorio. Con una emotiva escena de despedida en la estación finaliza este primer capítulo del film.

los-girasoles

De vuelta al presente, Giovanna continúa esperando porque tiene la intuición de que su marido sigue vivo. El día que se anuncia el final de la guerra, Giovanna acude como tantas otras familias con la foto de Antonio en la mano a la misma estación de tren donde se despidieron. Ahora, ya sí son visibles los efectos de la guerra, miles de familiares, al igual que nuestra protagonista, muestran fotos de soldados que partieron para el frente ruso, desesperados buscando entre hombres harapientos a los suyos. Los combatientes regresan del frente ruso, pero sigue sin encontrar a Antonio. Uno de los soldados que vuelve parece reconocer la foto de su marido y se abre otro flash back para contar la experiencia que vivió con Antonio como camarada en el frente ruso.

En este tramo, se suman la narración contada en primera persona por un soldado que vivió un verdadero infierno blanco, congelados por el frío y la nieve; y, derrotados por los rusos, con imágenes insertadas a modo de recreación de la batalla en mitad del gran manto siberiano. Heridos, hambrientos y casi muertos de congelación las tropas italianas y alemanas intentan la retirada. Bastan un par de escenas en el frente para comprender el gran sufrimiento de estos hombres. El soldado cuenta que intentó ayudar a Antonio, herido en una pierna, sin apenas poder andar ni tener un lugar donde refugiarse tuvo que abandonarlo en la nieve, donde ve cómo los cadáveres de los soldados salpican la blanca llanura. Allí, Antonio fue abandonado a una muerte segura. Sin embargo, Giovanna se niega a aceptar la muerte de su marido y decide volver a Rusia en su busca.

Dura epopeya la de una mujer valiente y fiel a su amor que al final del viaje hará un descubrimiento que romperá todos sus cimientos. De nuevo, una estación de tren sirve de marco a una escena demoledora, donde Giovanna descubre la otra vida de su enamorado. La Loren, que se luce en el papel de la recia y determinada italiana capaz de cruzar miles de kilómetros para buscar a su esposo, encontrará una sorpresa que pondrá fin a su felicidad. Mastroianni también ofrece una actuación destacable, aunque en un papel mucho más introspectivo, e igualmente intenso en emociones.

los-girasoles

De Sica traslada el relato desde Nápoles, momentos en que todo era felicidad para una joven pareja, como bello escenario introductorio de una historia que nos conduce hasta una Rusia representada tanto en el campo de batalla como en la postguerra, tras la muerte de Stalin. El último tramo de la historia, donde se vuelve al entorno italiano, pasados los años y cambiados los protagonistas, nos dejan un intenso final para el recuerdo:

-Antonio: No puedo explicarlo, pensé que podía contártelo, pero no sé cómo. La guerra cambia a las personas, cambia los sentimientos…no puedo explicar lo que viví allí.

La cámara por lo general se mantiene parsimoniosa, sin excesivos adornos ni movimientos. Destacan los grandes planos y los planos medios salpicados de ocasionales primeros planos que se fusionan con los más vividos momentos de sufrimientos en los personajes.

Los elementos clave para ganarse el corazón del espectador en este filme, son por un lado la excelente música de Mancini (una preciosa banda sonora de piano que marca el ritmo y la evolución emocional de sus protagonistas con serie de notas tristes y evocadoras) y la firme interpretación de dos de los grandes del cine italiano de todos los tiempos, una visceral Sophia Loren en su papel de mujer napolitana de carácter indómito, muy alejada de los papeles de sex symbol y Mastroianni, siempre tan camaleónico en sus emociones, en un ejercicio de interpretación de hombre humilde , cariñoso y jovial, que sufre la experiencia de una guerra para madurar de golpe e impregnarse del halo nostálgico con el que sobrecoge en la segunda parte de la película.

los-girasoles

Título original: I Girasoli.

Director: Vittorio De Sica.

Intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Saveleva, Galina Andreyeva,Anna Carena, Germano Longo, Silvano Tranquilli, Glauco Onorato, Marisa Traversi.


Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

LOS GIRASOLES (1970). Historia de amor en época de guerra.

los-girasoles
La película es una historia de amor ambientada en tiempos de guerra y representa la tercera de las películas dirigida por Vitorio De Sica que cuenta con la pareja protagonista formada por Sofía Loren y Marcello MastroianniUna coproducción Italia-Francia- Unión Soviética que tiene la particularidad  de ser probablemente la primera cinta occidental que se rodaba en tierras rusas. Todo el film está rodado en auténticos exteriores, tanto de Italia como de Rusia, gracias la fotografía de Giuseppe Rotunno que colaboró estrechamente para los planos rusos con su colega el director de fotografía David VinitskijFue una de las grandes producciones de Carlo Ponti donde Sophia adquiere el principal papel como vector transmisor de las intensas emociones del film, acompañada de la magnética presencia del gran Marcello.

De Sica abandona el neorrealismo para presentarnos una película emotiva, sentimental y nostálgica que profundiza en los sentimientos humanos bajo el amparo de un guion muy cuidado, elaborado por Tonino Guerra, Giorgi Mdivani y Cesare ZavattiniAdemás, el director se decanta por un technicolor que realza la belleza de los paisajes y que enfatiza uno de los tramos de la batalla en el frente. Se trata de la historia de amor de un soldado italiano de Milán, Antonio (Mastroianni), que se enamora de Giovanna (Sophia Loren), una recia mujer napolitana. La guerra, será el tercer protagonista de esta historia, elemento clave que interferirá como obstáculo entre dos jóvenes enamorados.

los-girasoles

Vittorio de Sicca ambienta este relato amoroso en plena Guerra Mundial para mostrarnos los horrores del conflicto desde una perspectiva diferente a las películas bélicas. La acción no se centra en el campo de batalla, sino en el terreno de la retaguardia, donde tantas familias quedaron destrozadas por la pérdida de sus seres queridos. El director enfatiza la presencia italiana en la batalla del frente ruso, tan pocas veces representada en pantalla, ya que la mayoría de los relatos solo reflejan la confrontación ruso-alemana.

La película comienza con la visión de un campo de girasoles, cuyo significado metafórico se descubrirá a través del relato. Inmediatamente después, aparece en escena la gran Sophia Loren vestida de negro, triste pero con una presencia intensa y luchadora que reclama el paradero de su marido desaparecido en combate. Giovanna, es una mujer de fuerte temperamento que no duda en exigir a todos los estamentos que le pongan fin a su eterna espera y que descubran por fin si su marido ha muerto en el frente o por el contrario, sigue con vida. Vestida de negro, acompañada de su suegra, llora impotente la ausencia de su marido, y sentada en la casa que compartieron comienza el primer flash back de una narración que su director sabiamente fragmenta en diferentes épocas temporales a modo de capítulos, como si de una novela se tratara.

Este primer recuerdo de Giovanna se centra en la época en la que se conocieron Antonio y ella, viviendo un intenso y breve romance. Por aquel entonces La II Guerra Mundial estaba en pleno desarrollo y la pareja decide casarse para que Antonio, ya reclutado como soldado y pendiente de marchar a África, pueda disfrutar de un permiso por matrimonio. Al final de su luna de miel, están tan enamorados que intentan urdir un engaño para evitar el frente. Pero su torpeza de enamorados hará que los descubran, obligando entonces a que Antonio marche como voluntario al frente ruso. Durante la Segunda Guerra Mundial, habiéndose aliado Italia con Alemania, realizan conjuntamente un ataque a Rusia, que como por todos es sabido, supuso una gran derrota para el Eje Nazi que finalizó con una gran masacre en un territorio infernal, vapuleados por los rusos conocedores de su clima y su territorio. Con una emotiva escena de despedida en la estación finaliza este primer capítulo del film.

los-girasoles

De vuelta al presente, Giovanna continúa esperando porque tiene la intuición de que su marido sigue vivo. El día que se anuncia el final de la guerra, Giovanna acude como tantas otras familias con la foto de Antonio en la mano a la misma estación de tren donde se despidieron. Ahora, ya sí son visibles los efectos de la guerra, miles de familiares, al igual que nuestra protagonista, muestran fotos de soldados que partieron para el frente ruso, desesperados buscando entre hombres harapientos a los suyos. Los combatientes regresan del frente ruso, pero sigue sin encontrar a Antonio. Uno de los soldados que vuelve parece reconocer la foto de su marido y se abre otro flash back para contar la experiencia que vivió con Antonio como camarada en el frente ruso.

En este tramo, se suman la narración contada en primera persona por un soldado que vivió un verdadero infierno blanco, congelados por el frío y la nieve; y, derrotados por los rusos, con imágenes insertadas a modo de recreación de la batalla en mitad del gran manto siberiano. Heridos, hambrientos y casi muertos de congelación las tropas italianas y alemanas intentan la retirada. Bastan un par de escenas en el frente para comprender el gran sufrimiento de estos hombres. El soldado cuenta que intentó ayudar a Antonio, herido en una pierna, sin apenas poder andar ni tener un lugar donde refugiarse tuvo que abandonarlo en la nieve, donde ve cómo los cadáveres de los soldados salpican la blanca llanura. Allí, Antonio fue abandonado a una muerte segura. Sin embargo, Giovanna se niega a aceptar la muerte de su marido y decide volver a Rusia en su busca.

Dura epopeya la de una mujer valiente y fiel a su amor que al final del viaje hará un descubrimiento que romperá todos sus cimientos. De nuevo, una estación de tren sirve de marco a una escena demoledora, donde Giovanna descubre la otra vida de su enamorado. La Loren, que se luce en el papel de la recia y determinada italiana capaz de cruzar miles de kilómetros para buscar a su esposo, encontrará una sorpresa que pondrá fin a su felicidad. Mastroianni también ofrece una actuación destacable, aunque en un papel mucho más introspectivo, e igualmente intenso en emociones.

los-girasoles

De Sica traslada el relato desde Nápoles, momentos en que todo era felicidad para una joven pareja, como bello escenario introductorio de una historia que nos conduce hasta una Rusia representada tanto en el campo de batalla como en la postguerra, tras la muerte de Stalin. El último tramo de la historia, donde se vuelve al entorno italiano, pasados los años y cambiados los protagonistas, nos dejan un intenso final para el recuerdo:

-Antonio: No puedo explicarlo, pensé que podía contártelo, pero no sé cómo. La guerra cambia a las personas, cambia los sentimientos…no puedo explicar lo que viví allí.

La cámara por lo general se mantiene parsimoniosa, sin excesivos adornos ni movimientos. Destacan los grandes planos y los planos medios salpicados de ocasionales primeros planos que se fusionan con los más vividos momentos de sufrimientos en los personajes.

Los elementos clave para ganarse el corazón del espectador en este filme, son por un lado la excelente música de Mancini (una preciosa banda sonora de piano que marca el ritmo y la evolución emocional de sus protagonistas con serie de notas tristes y evocadoras) y la firme interpretación de dos de los grandes del cine italiano de todos los tiempos, una visceral Sophia Loren en su papel de mujer napolitana de carácter indómito, muy alejada de los papeles de sex symbol y Mastroianni, siempre tan camaleónico en sus emociones, en un ejercicio de interpretación de hombre humilde , cariñoso y jovial, que sufre la experiencia de una guerra para madurar de golpe e impregnarse del halo nostálgico con el que sobrecoge en la segunda parte de la película.

los-girasoles

Título original: I Girasoli.

Director: Vittorio De Sica.

Intérpretes: Sophia Loren, Marcello Mastroianni, Lyudmila Saveleva, Galina Andreyeva,Anna Carena, Germano Longo, Silvano Tranquilli, Glauco Onorato, Marisa Traversi.


Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

la-guerra-de-los-rose
"Una vez en la vida llega una película que hace que te vuelvas a enamorar. Esta no es esa película."
Así rezaba el cartel publicitario de esta adaptación de una novela de Warren Adler (1981), que curiosamente tomaba este nombre en referencia a la guerra medieval entre las casas Lancaster y York por el trono de Inglaterra. Aquí el trono es la casa, vivienda que construyó el matrimonio Rose y que ninguno de los dos pretende abandonar.
La historia comienza cuando los jóvenes Oliver y Bárbara se conocen en la isla de Nantucket durante una subasta y ambos pujan por una figura, esa pequeña rivalidad hace que se acerquen y una cosa lleva a otra y terminan apasionadamente revolcados y convenciéndose que están hechos el uno para el otro, la historia más romántica de sus vidas.

El director Danny De Vito, se une a sus amigotes Michael Douglas y KathleenTurner en una fórmula ganadora que ya había dado resultado en el "Tras el corazón verde (1984)" (Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida, en Latinoamérica) y su secuela, "La Joya del Nilo (1985)", otorgándose el papel de un abogado, socio de Oliver, que al inicio del film se encuentra atendiendo a un cliente que viene a pedir asesoría para su divorcio, pero éste antes de aceptar el caso, como si la vida de aquel le importara, decide contarle la historia de los Rose, una relación con mucho amor que termina en el más horrendo de los desastres.

la-guerra-de-los-rose

Habíamos dejado a Bárbara y Oliver enamorados, apasionados y encantados. No me dijiste que eras multiorgásmica dice él, no lo sabía, acota ella. Se matrimonian y mientras él continúa arduamente sus estudios de derecho ella asume el rol de ama de casa postergando sus sueños. La felicidad se nota en el hogar y una navidad ella le regala un auto Morgan que atesorará con la mayor ilusión. Cuando él ya puede ejercer y las cosas van bien compran una casa que a los dos les fascina, la adornarán con sus gustos y será su nidito de amor donde criarán a sus dos hijos y a un gato y un perro.
Pero la crítica al sueño americano de felicidad y prosperidad se ha ido deslizando subterráneamente, esperando salir a la superficie, porque Oliver se ha vuelto un pedante nuevo rico, que descalifica a todos, incluyendo a su bella esposa que parece comenzar a cabrearse con cada comentario, con cada acción, con tener que soportarlo en su cama, en su vida y el estallido se da cuando Oliver es llevado a emergencias víctima de lo que supone es un infarto pero no, es una indigestión apenas, sin embargo Bárbara no llega al Hospital a verlo, de hecho llega tarde a casa cuando él ha regresado y con una mirada dura y convencida de lo que va decir le espeta a la cara que pensó mucho en su eventual muerte y que no hubo pena sino más bien alivio. Quiero el divorcio.

la-guerra-de-los-rose

Y donde hubo amor y se pensaba que todo se podría se pudrió. Comienzan las rencillas y el rencor, las malinterpretaciones, el no ceder, la violencia verbal y física (que curiosamente va de mano femenina más que del hombre) y la inminente destrucción porque la casa de sus sueños se torna en el escenario de la peor pesadilla, una guerra sin cuartel que es retratada por De Vito con toda la mala leche pero con una ironía y sarcasmo que nos sorprende porque posiblemente más de uno pasó por un episodio similar y a lo mejor lo resolvió por las buenas, solo que aquí las cosas se van de las manos y las consecuencias son catastróficas. Y divertidísimas.

Humor negrísimo que no deja títere sin cabeza. Te amaré hasta que la muerte nos separe dijimos. Nunca pensamos que nosotros y nuestra estupidez nos llevarían a ella.

la-guerra-de-los-rose

Título original: The War of the Roses.

Director: Danny De Vito.

Intérpretes: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Marianne Sägebrecht,G.D. Spradlin, Sean Astin, Peter Donat.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

LA GUERRA DE LOS ROSE (1989). Descomposición de un matrimonio idílico.

la-guerra-de-los-rose
"Una vez en la vida llega una película que hace que te vuelvas a enamorar. Esta no es esa película."
Así rezaba el cartel publicitario de esta adaptación de una novela de Warren Adler (1981), que curiosamente tomaba este nombre en referencia a la guerra medieval entre las casas Lancaster y York por el trono de Inglaterra. Aquí el trono es la casa, vivienda que construyó el matrimonio Rose y que ninguno de los dos pretende abandonar.
La historia comienza cuando los jóvenes Oliver y Bárbara se conocen en la isla de Nantucket durante una subasta y ambos pujan por una figura, esa pequeña rivalidad hace que se acerquen y una cosa lleva a otra y terminan apasionadamente revolcados y convenciéndose que están hechos el uno para el otro, la historia más romántica de sus vidas.

El director Danny De Vito, se une a sus amigotes Michael Douglas y KathleenTurner en una fórmula ganadora que ya había dado resultado en el "Tras el corazón verde (1984)" (Dos Bribones tras la Esmeralda Perdida, en Latinoamérica) y su secuela, "La Joya del Nilo (1985)", otorgándose el papel de un abogado, socio de Oliver, que al inicio del film se encuentra atendiendo a un cliente que viene a pedir asesoría para su divorcio, pero éste antes de aceptar el caso, como si la vida de aquel le importara, decide contarle la historia de los Rose, una relación con mucho amor que termina en el más horrendo de los desastres.

la-guerra-de-los-rose

Habíamos dejado a Bárbara y Oliver enamorados, apasionados y encantados. No me dijiste que eras multiorgásmica dice él, no lo sabía, acota ella. Se matrimonian y mientras él continúa arduamente sus estudios de derecho ella asume el rol de ama de casa postergando sus sueños. La felicidad se nota en el hogar y una navidad ella le regala un auto Morgan que atesorará con la mayor ilusión. Cuando él ya puede ejercer y las cosas van bien compran una casa que a los dos les fascina, la adornarán con sus gustos y será su nidito de amor donde criarán a sus dos hijos y a un gato y un perro.
Pero la crítica al sueño americano de felicidad y prosperidad se ha ido deslizando subterráneamente, esperando salir a la superficie, porque Oliver se ha vuelto un pedante nuevo rico, que descalifica a todos, incluyendo a su bella esposa que parece comenzar a cabrearse con cada comentario, con cada acción, con tener que soportarlo en su cama, en su vida y el estallido se da cuando Oliver es llevado a emergencias víctima de lo que supone es un infarto pero no, es una indigestión apenas, sin embargo Bárbara no llega al Hospital a verlo, de hecho llega tarde a casa cuando él ha regresado y con una mirada dura y convencida de lo que va decir le espeta a la cara que pensó mucho en su eventual muerte y que no hubo pena sino más bien alivio. Quiero el divorcio.

la-guerra-de-los-rose

Y donde hubo amor y se pensaba que todo se podría se pudrió. Comienzan las rencillas y el rencor, las malinterpretaciones, el no ceder, la violencia verbal y física (que curiosamente va de mano femenina más que del hombre) y la inminente destrucción porque la casa de sus sueños se torna en el escenario de la peor pesadilla, una guerra sin cuartel que es retratada por De Vito con toda la mala leche pero con una ironía y sarcasmo que nos sorprende porque posiblemente más de uno pasó por un episodio similar y a lo mejor lo resolvió por las buenas, solo que aquí las cosas se van de las manos y las consecuencias son catastróficas. Y divertidísimas.

Humor negrísimo que no deja títere sin cabeza. Te amaré hasta que la muerte nos separe dijimos. Nunca pensamos que nosotros y nuestra estupidez nos llevarían a ella.

la-guerra-de-los-rose

Título original: The War of the Roses.

Director: Danny De Vito.

Intérpretes: Michael Douglas, Kathleen Turner, Danny DeVito, Marianne Sägebrecht,G.D. Spradlin, Sean Astin, Peter Donat.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

NOS MENCIONAN EN ANTENA 3

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.015

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.014

FINALISTAS EN LOS PREMIOS BITÁCORAS 2.012

SÍGUENOS EN FEEDLY

follow us in feedly

AVISO LEGAL

Licencia Creative Commons
Las mejores películas de la historia del cine por Jesús Fariña se encuentra bajo una Licencia Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 3.0 Unported.
back to top