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ida
Polonia, año sesenta, Anna es una joven novicia (Agata Trzebuchowska) dispuesta y convencida a abrazar la religión, y  a punto de tomar sus votos para convertirse en monja, hecho para lo ha sido preparada durante toda su vida, le es revelado un secreto que le atañe a ella y a su familia, de hace años. La madre superiora la convence de que antes de ordenarse visite a la única pariente viva que le queda a Ana, su tía Wanda (Agata Kulesza) una ex funcionaria de Justicia de los antiguos tribunales soviéticos, apodada Wanda la Roja dada su dureza a la hora de perseguir, castigar y sentenciar a los enemigos del pueblo. Una exjuez de tiempos pasados, abocada, en tiempos presentes  a la bebida y a los hombres. Ella le descubrirá la verdad y ambas emprenderán un viaje para intentar reconstruir el pasado familiar y lo que les sucedió en realidad a los padres de Ana, ejecutados durante la Segunda Guerra Mundial. Un suceso ocurrido durante la ocupación nazi en su país. Ana no ha salido del convento, todos sus referentes de vida y su seguridad se hallan dentro de él. Este viaje de búsqueda e identidad personal, supondrán una catarsis para su inocente y blanca alma produciendo a la protagonista una verdadera crisis de fe y de valores, y el serio replanteamiento de su destino. Así, descubre su origen judío y que en realidad se llama Ida Lebenstein y, el viaje iniciado, la llevará a conocer la figura de la resistencia contra la ocupación nazi en Polonia, a conocer la realidad política y social que ha vivido su país, alterando y sacudiendo, todo ello, su pequeño microcosmos. 

ida

Ida afrontará todo esto con dolor y sobre todo con silencios, muchos silencios. Un país que busca su propia identidad, que arrastra el pesado lastre de la ocupación nazi, la implantación del comunismo polaco y, todo ello, mezclado con una fuerte tradición religiosa. Con guión del propio director y Rebecca Lenkiewicz, en apenas ochenta minutos (cómo se agradecen las buenas películas de corto metraje), el director traza un excelente ejercicio de memoria histórica, de los deleznables efectos de la guerra en la sociedad y en la individualidad. Y lo hace de una manera exquisita, austera, sobria, casi fría y distante, con una bellísima luz y fotografía en blanco y negro, visualmente preciosista. Un tipo de relato, un tipo de cine que me trasladó inmediatamente al cine del maestro Bergman y no únicamente por los temas referentes a la cuestión religiosa y crisis de fe, sino por los silencios o por la actitud distante de sus personajes y, sobre todo, por la terrible soledad que siempre les envuelve. Unos silencios que visualmente, resultan aquí enormemente elocuentes. Ida es la quinta película del realizador Pawlikowski, director que personalmente, desconocía por completo hasta ahora y, que descubrir esta pequeña maravilla este año ha sido una auténtica delicia. Ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa 2.014.

Frase para recordar:  "¿Y si vas y descubres que Dios no existe?"

ida


Director: Pawel Pawlikowski,

Intérpretes: Agata Kulesza, Agata Trzebuchowska, Joanna Kulig, Dawid Ogrodnik, Jerzy Trela,Adam Szyszkowski,


Trailer:




Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

IDA (2013). El drama polaco de Pawel Pawlikowski.

ida
Polonia, año sesenta, Anna es una joven novicia (Agata Trzebuchowska) dispuesta y convencida a abrazar la religión, y  a punto de tomar sus votos para convertirse en monja, hecho para lo ha sido preparada durante toda su vida, le es revelado un secreto que le atañe a ella y a su familia, de hace años. La madre superiora la convence de que antes de ordenarse visite a la única pariente viva que le queda a Ana, su tía Wanda (Agata Kulesza) una ex funcionaria de Justicia de los antiguos tribunales soviéticos, apodada Wanda la Roja dada su dureza a la hora de perseguir, castigar y sentenciar a los enemigos del pueblo. Una exjuez de tiempos pasados, abocada, en tiempos presentes  a la bebida y a los hombres. Ella le descubrirá la verdad y ambas emprenderán un viaje para intentar reconstruir el pasado familiar y lo que les sucedió en realidad a los padres de Ana, ejecutados durante la Segunda Guerra Mundial. Un suceso ocurrido durante la ocupación nazi en su país. Ana no ha salido del convento, todos sus referentes de vida y su seguridad se hallan dentro de él. Este viaje de búsqueda e identidad personal, supondrán una catarsis para su inocente y blanca alma produciendo a la protagonista una verdadera crisis de fe y de valores, y el serio replanteamiento de su destino. Así, descubre su origen judío y que en realidad se llama Ida Lebenstein y, el viaje iniciado, la llevará a conocer la figura de la resistencia contra la ocupación nazi en Polonia, a conocer la realidad política y social que ha vivido su país, alterando y sacudiendo, todo ello, su pequeño microcosmos. 

ida

Ida afrontará todo esto con dolor y sobre todo con silencios, muchos silencios. Un país que busca su propia identidad, que arrastra el pesado lastre de la ocupación nazi, la implantación del comunismo polaco y, todo ello, mezclado con una fuerte tradición religiosa. Con guión del propio director y Rebecca Lenkiewicz, en apenas ochenta minutos (cómo se agradecen las buenas películas de corto metraje), el director traza un excelente ejercicio de memoria histórica, de los deleznables efectos de la guerra en la sociedad y en la individualidad. Y lo hace de una manera exquisita, austera, sobria, casi fría y distante, con una bellísima luz y fotografía en blanco y negro, visualmente preciosista. Un tipo de relato, un tipo de cine que me trasladó inmediatamente al cine del maestro Bergman y no únicamente por los temas referentes a la cuestión religiosa y crisis de fe, sino por los silencios o por la actitud distante de sus personajes y, sobre todo, por la terrible soledad que siempre les envuelve. Unos silencios que visualmente, resultan aquí enormemente elocuentes. Ida es la quinta película del realizador Pawlikowski, director que personalmente, desconocía por completo hasta ahora y, que descubrir esta pequeña maravilla este año ha sido una auténtica delicia. Ganadora del Oscar a la mejor película de habla no inglesa 2.014.

Frase para recordar:  "¿Y si vas y descubres que Dios no existe?"

ida


Director: Pawel Pawlikowski,

Intérpretes: Agata Kulesza, Agata Trzebuchowska, Joanna Kulig, Dawid Ogrodnik, Jerzy Trela,Adam Szyszkowski,


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Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

el último gran héroe
Reivindicaré una vez más la carrera de mi ídolo Arnold Schwarzenegger. Quien me haya leído alguna vez (cosa que agradezco inmensamente), sabrá de mi gusto por el cine en todos sus géneros, pero también de mi particularísimo gusto por "el rey de la acción". De ahí que me disponga a hablar de uno de sus films más denostados, pero que el tiempo ha convertido en una película imprescindible para entender mejor la carrera del gobernador de roble. En su momento "El último gran héroe" se convirtió en una de las películas más caras de la historia del cine, con un presupuesto de 85 millones de dólares (esto sin contar con los gastos de promoción de los que hablaré más tarde) y recaudando únicamente la cifra de 137 millones en todo el mundo. Schwarzenegger tuvo el valor con esta película, en el momento más importante de su carrera (después de "Terminator 2 (1991)") de reírse de sí mismo, y eso sólo él podía hacerlo. Ya que precisamente eligió interpretar a su personaje Jack Slater porque habla de sí mismo, de cómo se sentía en aquel alejado año de 1993, en el que buscaba incansablemente en su carrera la difícil alquimia entre la acción y la comedia para todos los públicos. John Mctiernan mezcló "Agárralo como puedas (1988)", "La rosa púrpura del cairo (1985)" y las películas de acción de Schwarzenegger en una coctelera para crear este film incomprendido, que habla de cómo se hacen las películas en Hollywood, con sus clichés, sus héroes, sus logros... y fracasos, con un héroe de ficción que se cuestiona al pasar al otro lado de la pantalla y saltar a la realidad para sentirse por primera vez frágil, real, dolido y asombrado con lo que los guionistas y sus creadores han hecho con su vida, que todo el mundo ha visto en su saga de películas de acción. 

el último gran héroe

Arnold Schwarzenegger se psicoanaliza a sí mismo con su film y se demuestra de lo que es capaz como héroe de ficción ante su álter ego en la realidad, un héroe que no entiende a la sociedad de lo tristemente auténtico para ellos, y que es capaz de ver la belleza de lo cierto y cotidiano como ser ficticio que es, en lo que el ser humano no es capaz de apreciar nada. Además "El último gran héroe" habla de lo dura y violenta que es nuestra sociedad, (el villano de ficción) un estupendo Charles Dance, se asombra pasmosamente ante el asesinato de un hombre por sus zapatos, para luego más tarde darse cuenta de lo descarnada que es la realidad, al asesinar él mismo a alguien para luego confesarlo públicamente y asombrarse de nuevo, al comprobar que..a nadie le importa. La realidad pues, siempre supera a la ficción por muy hollywoodiense que sea. En lo referente a la publicidad de la película, cabe mencionar que no tuvo precedentes, al hacer un pase previo de la cinta para que fuera puntuada antes de su estreno en distintos apartados. En el apartado de acción le dieron un 7, así que McTiernan rodó más escenas de acción para intentar asombrar más al público. Otro factor a tener en cuenta en cuanto a la promoción del film, fue introducir en las imágenes de la película una nueva plataforma tecnológica, el llamado Mini-Disc (ahora totalmente desfasado). 

el último gran héroe

Pero el súmmun en cuanto a promoción para "El último gran héroe" fue contratar a la Nasa para proyectar en el espacio la figura de Arnold (algo totalmente desproporcionado), y que llevó a pretender convertir al film en algo más grande de lo que en realidad era. En la película se pueden vislumbrar cameos de Robert Patrick, Jean Claude Van Damme, James Belushi y Sharon Stone entre muchos otros, incluso se homenajea a films como "Parque Jurásico", "E.T.", "Casablanca", "El séptimo sello" (en la que Sir Ian Mckellen hizo aquí de la muerte frente al intérprete de Terminator) y hasta a "Hamlet" de Laurence Olivier (con unas secuencias geniales del roble de Austria en el papel del príncipe de Dinamarca), pasando por la ironía hacia "Amadeus" con un policía corrupto al que encarna con sorna F. Murray Abraham alias "Salieri". Schwarzenegger se topará en su aventura con actores de renombre como Robert Prosky (adorable trabajador de en un cine), Tom Noonan que será un terrible villano haciendo de "El destripador" y siendo un desafío del Arnold en la ficción cinematográfica y en la realidad. Incluso el genial Anthony Quinn destaca, al interpretar a un mafioso italiano con problemas de entendimiento metafórico. Este hercúleo y ficticio héroe utiliza el humor, la acción, la violencia y el sarcasmo, para reivindicar que todos nosotros necesitamos un último gran hèroe que nos haga continuar, que nos envalentone, que nos inspire en la ficción para ser mejores como personas y superar la cruda y dura realidad....Gracias Arnold. Por cierto, muy cómica la escena en la que Jack Slater entra en un videoclub con el jovencito de Danny Madigan (el primerizo actor Austin O'brien) y resulta que en el cartel de Terminator 2 aparece de protagonista: Sylvester Stallone...

el último gran héroe

Frase para recordar: "Hay que disfrutar de los placeres de la vida: El acné, el afeitado, la eyaculación precoz y tu primer divorcio."

Título original: Last action hero.


Director: John McTiernan.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Austin O'Brien, Charles Dance, Anthony Quinn, F. Murray Abraham, Robert Prosky.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

EL ÚLTIMO GRAN HÉROE (1993). El salto al otro lado de la pantalla de Schwarzenegger.

el último gran héroe
Reivindicaré una vez más la carrera de mi ídolo Arnold Schwarzenegger. Quien me haya leído alguna vez (cosa que agradezco inmensamente), sabrá de mi gusto por el cine en todos sus géneros, pero también de mi particularísimo gusto por "el rey de la acción". De ahí que me disponga a hablar de uno de sus films más denostados, pero que el tiempo ha convertido en una película imprescindible para entender mejor la carrera del gobernador de roble. En su momento "El último gran héroe" se convirtió en una de las películas más caras de la historia del cine, con un presupuesto de 85 millones de dólares (esto sin contar con los gastos de promoción de los que hablaré más tarde) y recaudando únicamente la cifra de 137 millones en todo el mundo. Schwarzenegger tuvo el valor con esta película, en el momento más importante de su carrera (después de "Terminator 2 (1991)") de reírse de sí mismo, y eso sólo él podía hacerlo. Ya que precisamente eligió interpretar a su personaje Jack Slater porque habla de sí mismo, de cómo se sentía en aquel alejado año de 1993, en el que buscaba incansablemente en su carrera la difícil alquimia entre la acción y la comedia para todos los públicos. John Mctiernan mezcló "Agárralo como puedas (1988)", "La rosa púrpura del cairo (1985)" y las películas de acción de Schwarzenegger en una coctelera para crear este film incomprendido, que habla de cómo se hacen las películas en Hollywood, con sus clichés, sus héroes, sus logros... y fracasos, con un héroe de ficción que se cuestiona al pasar al otro lado de la pantalla y saltar a la realidad para sentirse por primera vez frágil, real, dolido y asombrado con lo que los guionistas y sus creadores han hecho con su vida, que todo el mundo ha visto en su saga de películas de acción. 

el último gran héroe

Arnold Schwarzenegger se psicoanaliza a sí mismo con su film y se demuestra de lo que es capaz como héroe de ficción ante su álter ego en la realidad, un héroe que no entiende a la sociedad de lo tristemente auténtico para ellos, y que es capaz de ver la belleza de lo cierto y cotidiano como ser ficticio que es, en lo que el ser humano no es capaz de apreciar nada. Además "El último gran héroe" habla de lo dura y violenta que es nuestra sociedad, (el villano de ficción) un estupendo Charles Dance, se asombra pasmosamente ante el asesinato de un hombre por sus zapatos, para luego más tarde darse cuenta de lo descarnada que es la realidad, al asesinar él mismo a alguien para luego confesarlo públicamente y asombrarse de nuevo, al comprobar que..a nadie le importa. La realidad pues, siempre supera a la ficción por muy hollywoodiense que sea. En lo referente a la publicidad de la película, cabe mencionar que no tuvo precedentes, al hacer un pase previo de la cinta para que fuera puntuada antes de su estreno en distintos apartados. En el apartado de acción le dieron un 7, así que McTiernan rodó más escenas de acción para intentar asombrar más al público. Otro factor a tener en cuenta en cuanto a la promoción del film, fue introducir en las imágenes de la película una nueva plataforma tecnológica, el llamado Mini-Disc (ahora totalmente desfasado). 

el último gran héroe

Pero el súmmun en cuanto a promoción para "El último gran héroe" fue contratar a la Nasa para proyectar en el espacio la figura de Arnold (algo totalmente desproporcionado), y que llevó a pretender convertir al film en algo más grande de lo que en realidad era. En la película se pueden vislumbrar cameos de Robert Patrick, Jean Claude Van Damme, James Belushi y Sharon Stone entre muchos otros, incluso se homenajea a films como "Parque Jurásico", "E.T.", "Casablanca", "El séptimo sello" (en la que Sir Ian Mckellen hizo aquí de la muerte frente al intérprete de Terminator) y hasta a "Hamlet" de Laurence Olivier (con unas secuencias geniales del roble de Austria en el papel del príncipe de Dinamarca), pasando por la ironía hacia "Amadeus" con un policía corrupto al que encarna con sorna F. Murray Abraham alias "Salieri". Schwarzenegger se topará en su aventura con actores de renombre como Robert Prosky (adorable trabajador de en un cine), Tom Noonan que será un terrible villano haciendo de "El destripador" y siendo un desafío del Arnold en la ficción cinematográfica y en la realidad. Incluso el genial Anthony Quinn destaca, al interpretar a un mafioso italiano con problemas de entendimiento metafórico. Este hercúleo y ficticio héroe utiliza el humor, la acción, la violencia y el sarcasmo, para reivindicar que todos nosotros necesitamos un último gran hèroe que nos haga continuar, que nos envalentone, que nos inspire en la ficción para ser mejores como personas y superar la cruda y dura realidad....Gracias Arnold. Por cierto, muy cómica la escena en la que Jack Slater entra en un videoclub con el jovencito de Danny Madigan (el primerizo actor Austin O'brien) y resulta que en el cartel de Terminator 2 aparece de protagonista: Sylvester Stallone...

el último gran héroe

Frase para recordar: "Hay que disfrutar de los placeres de la vida: El acné, el afeitado, la eyaculación precoz y tu primer divorcio."

Título original: Last action hero.


Director: John McTiernan.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Austin O'Brien, Charles Dance, Anthony Quinn, F. Murray Abraham, Robert Prosky.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

doctor zhivago
El agente del KGB Yevgraf Zhivago (Alec Guinness) busca a su hermano, el médico, poeta y físico Yuri Zhivago (Omar Sharif), posiblemente el padre de la hermosa Tonya, la hija no reconocida que tuvo con su amante, Larissa Antipova, es decir, Lara (Julie Christie). Yevgraf cree que una joven llamada Tonya Komaróvskaya (Rita Tushingham), quien trabaja en una presa hidroeléctrica soviética, puede ser su sobrina. Yevgraf se remonta a los años de la Primera Guerra Mundial. Yuri, quien se quedó huérfano de madre siendo niño, y abandonado por su padre previamente, pasa penurias económicas y vive en la más absoluta miseria. Es adoptado por unos amigos de la familia. Alexander (Ralph Richardson) y Anna (Siobhan Mackenna) Gromeko, quienes tienen una hija llamada Tonya (Geraldine Chaplin). Gromeko es un profesor de medicina retirado que vive en Moscú. Yuri, con un enorme talento entra en la Escuela de medicina en 1913. Se convierte en asistente del profesor Borís Kurt (Geoffrey Keen). Aún teniendo talento para la profesión médica, tiene una especial vocación como poeta, pero, aún siendo un idealista, tiene más los pies en la tierra y decide dedicarse a la medicina, en unos tiempos en los que la poesía no le van a dar para comer. Se acaba casando con Tonya, junto a la que se ha criado. Mientras tanto, Larisa Antípova es una estudiante, hija de la dueña de un taller de costura y comprometida con Pável Pávlovich (Pasha) Antípov (Tom Courtenay), un joven muy entusiasta con la revolución soviética que va a tener lugar de manera inminente, de ideología en un principio social demócrata que girará al extremismo comunista radical al presenciar una terrible matanza provocada por los cosacos durante una protesta de corte socio laboral.

doctor zhivago

Un consejero de la familia de Lara, Víctor Ipolítovich Komarovsky (Rod Steiger), antiguo socio del padre de Yuri Zhivago, convierte a Lara en su amante, a la que somete a continuas humillaciones y vejaciones. Komarovsky es un hombre sin escrúpulos, un abogado que tiene buenos contactos en las altas esferas de la política en los últimos años del zarismo en Rusia. Al descubrir la relación de ambos, la madre intenta suicidarse. Tiene lugar el primer encuentro entre Yuri y Lara. Más adelante, Komarovsky viola a Lara por su rechazo a que se case con Sasha. Ella, como venganza intenta matarle durante la nochebuena y frente a varios testigos. A pesar de su ira por la sórdida relación de su prometida, Sasha y Lara se casan y tienen una hija, Katia. Al estallar la revolución, Lara se alista como enfermera y ayuda a Yuri a curar soldados. Ahí empieza su relación, convirtiéndose ella en la musa de sus poemas... Soberbia adaptación de la popular novela del ruso Boris Pasternak que es al mismo tiempo que uno de los relatos románticos más emotivos de toda la historia de la literatura universal, una clara denuncia de lo que supuso el terror estalinísta en Rusia tras triunfar la revolución comunista. De hecho, en la Unión Soviética el escritor fue proscrito y censurado por el régimen. Y se ha acusado siempre por sectores muy extremistas de la izquierda al británico David Lean de hacer un servicio al imperialismo norteamericano con su adaptación cinematográfica de la popular novela en plenos años de la Guerra fría. Sin embargo no es así, pues a la vez que se critica el resultado de aquella revolución, sobre todo, el estalinismo, se alaba lo que era la utopía marxista en el idealismo inicial de Yuri, muy crítico con los desmanes del zarismo en sus últimos años. Muy emotivo resulta el encuentro entre los dos hermanastros durante la ocupación por parte del gobierno, del hogar de Yuri, "para el pueblo".

doctor zhivago

Pasternak escribió la novela en 1957 y ganó el premio Nobel de Literatura. La película, producida por Carlo Ponti, David Lean y Arvid Griffen fue fotografiada en Panavisión y Metrocolor, y se rodó casi toda en España, concretamente en Madrid, Soria y Salamanca. La presa que sale al inicio y al final de la película es la de Aldeadávila de la Rivera, en Salamanca. Las escenas ferroviarias se rodaron, entre otras localizaciones, en la Estación de Delicias, en Madrid. Algunas otras escenas se rodaron en Fildandia, cerca de la entonces URSS. David Lean (1908-1991) se inició en el mundo del cine como ayudante de cámara. Montó, entre otras, la popular película de Anthony Asquith y Leslie Howard "Pigmalión (1938)". Empezó su oficio como director codirigiendo con Noel Coward la popular "Sangre, sudor y lágrimas (1942)". Después llegaría su estupenda película "Breve encuentro (1945)" con Trevor Howard, Celia Johnson y Stanley Holloway. Ese mismo año dirige la genial comedia "Un espíritu burlón" con Rex Harrison, Constance Cummings y Margareth Rutherford.Tras "Cadenas rotas (1946)" o la estupenda "Oliver Twist (1948)", entre otros títulos, llegó la popular historia romántica de Katharine Hepburn y Rossano Brazzi en "Locuras de verano (1955)". Dos años más tarde empieza su etapa de las enormes superproducciones con, aparte de una impecable factura técnica, una calidad artística indiscutible con las cuidadas elecciones de los repartos. En 1957 "El puente sobre el río Kwai", con Alec Guinness, Wiliam Holden y Jack Hawkings y cuya popular marcha es de las más recordadas de la historia del séptimo arte, rodada ya en CinemaScope y galardonada con 7 más que merecidos Óscars incluyendo los relativos a la mejor película y mejor actor (Guinness) y otra para Lean como mejor director. La película se basa en la verdadera historia de la construcción del ferrocarril de Birmania, en 1943. Cinco años más tarde dirige probablemente su mejor producción, la obra maestra "Lawrence de Arabia (1962)", basada en las peripecias del general británico T.Lawrence en la Primera Guerra Mundial, con un reparto de lujo: Peter O'Toole, Omar Sharif, Jack Hawkings, Alec Guinness, Anthony Quinn, Claude Rains, José Ferrer... Contó con la colaboración, al igual que en "Doctor Zhivago" de Maurice Jarré y su extraordinario talento musical en la composición de la banda sonora, muy disfrutable, además, gracias al sistema de 6 pistas de sonido del formato SuperPanavisión 70.

doctor zhivago

Fue galardonada con 7 Óscars, incluyendo de nuevo los relativos a la mejor película y al mejor director para Lean. Tres años más tarde llega "Doctor Zhivago" y se despide Lean del séptimo arte con dos grandes películas: "La hija de Ryan (1970)" y "Pasaje a la India (1984)". El reparto es de lujo: Omar Sharif (Egipto, 1932) . Comenzó su carrera en su país natal, bajo la batuta del director Youssef Chahine. Fue para "Lawrence de Arabia" cuando Lean convirtió a Sharif en la popular estrella internacional que ha sido desde entonces. El director buscaba actores de origen árabe que hablaran en inglés, curiosamente. La siguiente película fue a las órdenes de Anthony Asquith en la muy coral "El Rolls-Royce amarillo (1965)". Siguió participando en grandes superproducciones como "La caída del Imperio romano (1964)", "Genghis Kahn (1965)", y le llegó el que, después de su popular Jerife Alí en "Lawrence de Arabia" sería el papel más recordado de su carrera y que nos ocupa, Yuri en "Doctor Zhivago (1965)", una de las historias de amor más hermosas jamás rodadas sin lugar a dudas. Posteriormente hay que destacar sus participaciones en películas como "La noche de los generales (1966)", en la que vuelve a coincidir con Peter O'Toole, "El oro de MacKenna (1969)", la gran película musical de William Wyler "Funny Girl (1968)", junto a Barbra Streisand o "Lazos de Sangre (1979)", junto a Audrey Hepburn. En una de sus producciones más recientes, para televisión encarna a San Pedro en uno de sus más emotivos trabajos para la pequeña pantalla. Julie Christie, británica nacida en la India en 1941, intervino en la Televisión en la serie de la BBC  "A for Andromeda", con tan sólo veinte años. Debutó en el cine en la película "Billy, el embustero", en 1963. El mismo año 1965, en el que interpreta a Lara en "Doctor Zhivago", interpreta "Darling" por la que gana el Óscar a la mejor actriz. Destacadas son sus interpretaciones en "Farenheit 451 (1966)", "Lejos del mundanal ruido (1967)" en la década de los 60. En los 70 destacan "Shampoo (1975)" y "El cielo puede esperar (1978)", ambas junto a su entonces pareja, Warren Beatty. En los 80 “Miss Mary” y “Poder”. En la década de los 90 interviene en una gran superproducción de Kenneth Branagh, "Hamlet (1996)", adaptación de la popular obra de Shakespeare, en la que interpreta a Gertrude Recientemente, ha participado en la popular saga de Harry Potter, como Madame Rosmerta ("Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004)", "Descubriendo nunca jamás (2004)", "Troya (2005)" y junto a Robert Redford en "Pacto de silencio (2012)".

doctor zhivago

Sir Alec Guinness (1914-2000), uno de los mejores actores y más versátiles que ha dado el cine británico, junto a Laurence Olivier, estudió arte dramático y se inició en la profesión en el teatro. Debutó en el cine precisamente a las órdenes del director David Lean con la película "Cadenas rotas (1946)", adaptación de la obra de Dickens "Grandes esperanzas". Posteriormente participó en numerosas comedias, destacando la magistral "Elquinteto de la muerte (1955)". En 1956 intervino en "El cisne", junto a una bellísima Grace Kelly y Louis Jourdan. Interpretó al coronel Nicholson en "El Puente sobre el río Kwai (1957)" por la que ganó el Óscar al mejor actor. Fue el príncipe Fayssal en "Lawrence de Arabia (1962)", intervino en "La caída del Imperio romano (1964)" y de nuevo vuelve a encantar al público en la película que nos ocupa como el agente de la KGB Yevgrab Zhivago. Muy recordadas son también sus interpretaciones en "Cwomwell" y "Muchas gracias, Mr Scrooge" en el año 1970. Vuelve a la alta comedia en 1975 con la genial "Un cadáver a los postres". Se volvió a disparar su enorme popularidad y en las nuevas generaciones con su interpretación de Obi Wan Kenobi en "La Guerra de lasGalaxias (1977)", de George Lucas ( retitulada en 1997 "La guerra de las galaxias, episodio IV: Una nueva esperanza" por el propio director para sus nuevos montajes de la saga). Guinness encarnó de nuevo al personaje en "El Imperio contraataca (1980)" y "El retorno del Jedi (1983)". David Lean volvió a contar con él para "Pasaje a la India" en 1984. ¿Y qué decir del resto del reparto de esta maravillosa película? Geraldine Chaplin como Tonya, hija del genio Charles Chaplin, pero se ha ganado a pulso ser más ella misma que “la hija de” pues es una de las mejores actrices de la gran pantalla. Muy importantes son sus papeles en "Peppermint Frappé","Ana y los lobos","Cría Cuervos", "Elisa vida mía" o "Mamá cumple cien años" a las órdenes de Carlos Saura, pareja suya durante años y con quien ha tenido un hijo, Shane Saura Chaplin. Debutó siendo una niña junto a su propio padre en la inolvidable "Candilejas (1952)". Rod Steiger borda su papel de Komarovsky. Steiger ha interpretado grandes papeles en su filmografía destacando "La ley del silencio (1954)", de Elia Kazan, junto a Marlon Brando, en la película musical de Fred Zinnemann "Oklahoma (1955)", "Más dura será la caída (1956)", junto a Humphrey Bogart, "Yuma (1957)", junto a Sara Montiel, "El día más largo (1962)", "Doctor Zhivago (1965)", "En el calor de la noche (1967)", junto a Sidney Poitier, por la que ganó el Óscar al mejor actor de reparto, "Waterloo (1971)", "Jesús de Nazaret (1977)" y un largo etcétera en su filmografía. El británico Ralph Richardson y Tom Courtenay completan el muy acertado reparto de esta extraordinaria película, con la inolvidable banda sonora compuesta por Maurice Jarre con su famoso "Tema de Lara" que es una de las composiciones más hermosas escritas para una película. La cinta fue nominada a diez Oscars consiguiendo 5, al entrar en una dura competición con la magnífica película de Robert Wise "Sonrisas y Lágrimas". La Academia fue salomónica en esa edición otorgando 5 estatuillas a cada una, llevándose el gato al agua la de Wise al conseguir el relativo a la mejor película, claro está. "Doctor Zhivago" se llevó los relativos al mejor guión adaptado, mejor dirección artística, mejor fotografía (Freddy Young), mejor vestuario y mejor banda sonora original (Maurice Jarre). Excelente superproducción de David Lean, que, como buen maestro del oficio supo compaginar los aspectos técnicos con la calidad artística porque todos y cada uno de los actores que componen el reparto interpretan sus papeles de manera magistral. Una joya.

doctor zhivago


Director: David Lean.


Intérpretes: Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin, Alec Guinness, Rod Steiger, Tom Courtenay, Ralph Richardson.


Trailer: 


Escena:


B.S.O.:





Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

DOCTOR ZHIVAGO (1965). El clásico drama romántico de David Lean.

doctor zhivago
El agente del KGB Yevgraf Zhivago (Alec Guinness) busca a su hermano, el médico, poeta y físico Yuri Zhivago (Omar Sharif), posiblemente el padre de la hermosa Tonya, la hija no reconocida que tuvo con su amante, Larissa Antipova, es decir, Lara (Julie Christie). Yevgraf cree que una joven llamada Tonya Komaróvskaya (Rita Tushingham), quien trabaja en una presa hidroeléctrica soviética, puede ser su sobrina. Yevgraf se remonta a los años de la Primera Guerra Mundial. Yuri, quien se quedó huérfano de madre siendo niño, y abandonado por su padre previamente, pasa penurias económicas y vive en la más absoluta miseria. Es adoptado por unos amigos de la familia. Alexander (Ralph Richardson) y Anna (Siobhan Mackenna) Gromeko, quienes tienen una hija llamada Tonya (Geraldine Chaplin). Gromeko es un profesor de medicina retirado que vive en Moscú. Yuri, con un enorme talento entra en la Escuela de medicina en 1913. Se convierte en asistente del profesor Borís Kurt (Geoffrey Keen). Aún teniendo talento para la profesión médica, tiene una especial vocación como poeta, pero, aún siendo un idealista, tiene más los pies en la tierra y decide dedicarse a la medicina, en unos tiempos en los que la poesía no le van a dar para comer. Se acaba casando con Tonya, junto a la que se ha criado. Mientras tanto, Larisa Antípova es una estudiante, hija de la dueña de un taller de costura y comprometida con Pável Pávlovich (Pasha) Antípov (Tom Courtenay), un joven muy entusiasta con la revolución soviética que va a tener lugar de manera inminente, de ideología en un principio social demócrata que girará al extremismo comunista radical al presenciar una terrible matanza provocada por los cosacos durante una protesta de corte socio laboral.

doctor zhivago

Un consejero de la familia de Lara, Víctor Ipolítovich Komarovsky (Rod Steiger), antiguo socio del padre de Yuri Zhivago, convierte a Lara en su amante, a la que somete a continuas humillaciones y vejaciones. Komarovsky es un hombre sin escrúpulos, un abogado que tiene buenos contactos en las altas esferas de la política en los últimos años del zarismo en Rusia. Al descubrir la relación de ambos, la madre intenta suicidarse. Tiene lugar el primer encuentro entre Yuri y Lara. Más adelante, Komarovsky viola a Lara por su rechazo a que se case con Sasha. Ella, como venganza intenta matarle durante la nochebuena y frente a varios testigos. A pesar de su ira por la sórdida relación de su prometida, Sasha y Lara se casan y tienen una hija, Katia. Al estallar la revolución, Lara se alista como enfermera y ayuda a Yuri a curar soldados. Ahí empieza su relación, convirtiéndose ella en la musa de sus poemas... Soberbia adaptación de la popular novela del ruso Boris Pasternak que es al mismo tiempo que uno de los relatos románticos más emotivos de toda la historia de la literatura universal, una clara denuncia de lo que supuso el terror estalinísta en Rusia tras triunfar la revolución comunista. De hecho, en la Unión Soviética el escritor fue proscrito y censurado por el régimen. Y se ha acusado siempre por sectores muy extremistas de la izquierda al británico David Lean de hacer un servicio al imperialismo norteamericano con su adaptación cinematográfica de la popular novela en plenos años de la Guerra fría. Sin embargo no es así, pues a la vez que se critica el resultado de aquella revolución, sobre todo, el estalinismo, se alaba lo que era la utopía marxista en el idealismo inicial de Yuri, muy crítico con los desmanes del zarismo en sus últimos años. Muy emotivo resulta el encuentro entre los dos hermanastros durante la ocupación por parte del gobierno, del hogar de Yuri, "para el pueblo".

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Pasternak escribió la novela en 1957 y ganó el premio Nobel de Literatura. La película, producida por Carlo Ponti, David Lean y Arvid Griffen fue fotografiada en Panavisión y Metrocolor, y se rodó casi toda en España, concretamente en Madrid, Soria y Salamanca. La presa que sale al inicio y al final de la película es la de Aldeadávila de la Rivera, en Salamanca. Las escenas ferroviarias se rodaron, entre otras localizaciones, en la Estación de Delicias, en Madrid. Algunas otras escenas se rodaron en Fildandia, cerca de la entonces URSS. David Lean (1908-1991) se inició en el mundo del cine como ayudante de cámara. Montó, entre otras, la popular película de Anthony Asquith y Leslie Howard "Pigmalión (1938)". Empezó su oficio como director codirigiendo con Noel Coward la popular "Sangre, sudor y lágrimas (1942)". Después llegaría su estupenda película "Breve encuentro (1945)" con Trevor Howard, Celia Johnson y Stanley Holloway. Ese mismo año dirige la genial comedia "Un espíritu burlón" con Rex Harrison, Constance Cummings y Margareth Rutherford.Tras "Cadenas rotas (1946)" o la estupenda "Oliver Twist (1948)", entre otros títulos, llegó la popular historia romántica de Katharine Hepburn y Rossano Brazzi en "Locuras de verano (1955)". Dos años más tarde empieza su etapa de las enormes superproducciones con, aparte de una impecable factura técnica, una calidad artística indiscutible con las cuidadas elecciones de los repartos. En 1957 "El puente sobre el río Kwai", con Alec Guinness, Wiliam Holden y Jack Hawkings y cuya popular marcha es de las más recordadas de la historia del séptimo arte, rodada ya en CinemaScope y galardonada con 7 más que merecidos Óscars incluyendo los relativos a la mejor película y mejor actor (Guinness) y otra para Lean como mejor director. La película se basa en la verdadera historia de la construcción del ferrocarril de Birmania, en 1943. Cinco años más tarde dirige probablemente su mejor producción, la obra maestra "Lawrence de Arabia (1962)", basada en las peripecias del general británico T.Lawrence en la Primera Guerra Mundial, con un reparto de lujo: Peter O'Toole, Omar Sharif, Jack Hawkings, Alec Guinness, Anthony Quinn, Claude Rains, José Ferrer... Contó con la colaboración, al igual que en "Doctor Zhivago" de Maurice Jarré y su extraordinario talento musical en la composición de la banda sonora, muy disfrutable, además, gracias al sistema de 6 pistas de sonido del formato SuperPanavisión 70.

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Fue galardonada con 7 Óscars, incluyendo de nuevo los relativos a la mejor película y al mejor director para Lean. Tres años más tarde llega "Doctor Zhivago" y se despide Lean del séptimo arte con dos grandes películas: "La hija de Ryan (1970)" y "Pasaje a la India (1984)". El reparto es de lujo: Omar Sharif (Egipto, 1932) . Comenzó su carrera en su país natal, bajo la batuta del director Youssef Chahine. Fue para "Lawrence de Arabia" cuando Lean convirtió a Sharif en la popular estrella internacional que ha sido desde entonces. El director buscaba actores de origen árabe que hablaran en inglés, curiosamente. La siguiente película fue a las órdenes de Anthony Asquith en la muy coral "El Rolls-Royce amarillo (1965)". Siguió participando en grandes superproducciones como "La caída del Imperio romano (1964)", "Genghis Kahn (1965)", y le llegó el que, después de su popular Jerife Alí en "Lawrence de Arabia" sería el papel más recordado de su carrera y que nos ocupa, Yuri en "Doctor Zhivago (1965)", una de las historias de amor más hermosas jamás rodadas sin lugar a dudas. Posteriormente hay que destacar sus participaciones en películas como "La noche de los generales (1966)", en la que vuelve a coincidir con Peter O'Toole, "El oro de MacKenna (1969)", la gran película musical de William Wyler "Funny Girl (1968)", junto a Barbra Streisand o "Lazos de Sangre (1979)", junto a Audrey Hepburn. En una de sus producciones más recientes, para televisión encarna a San Pedro en uno de sus más emotivos trabajos para la pequeña pantalla. Julie Christie, británica nacida en la India en 1941, intervino en la Televisión en la serie de la BBC  "A for Andromeda", con tan sólo veinte años. Debutó en el cine en la película "Billy, el embustero", en 1963. El mismo año 1965, en el que interpreta a Lara en "Doctor Zhivago", interpreta "Darling" por la que gana el Óscar a la mejor actriz. Destacadas son sus interpretaciones en "Farenheit 451 (1966)", "Lejos del mundanal ruido (1967)" en la década de los 60. En los 70 destacan "Shampoo (1975)" y "El cielo puede esperar (1978)", ambas junto a su entonces pareja, Warren Beatty. En los 80 “Miss Mary” y “Poder”. En la década de los 90 interviene en una gran superproducción de Kenneth Branagh, "Hamlet (1996)", adaptación de la popular obra de Shakespeare, en la que interpreta a Gertrude Recientemente, ha participado en la popular saga de Harry Potter, como Madame Rosmerta ("Harry Potter y el prisionero de Azkaban (2004)", "Descubriendo nunca jamás (2004)", "Troya (2005)" y junto a Robert Redford en "Pacto de silencio (2012)".

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Sir Alec Guinness (1914-2000), uno de los mejores actores y más versátiles que ha dado el cine británico, junto a Laurence Olivier, estudió arte dramático y se inició en la profesión en el teatro. Debutó en el cine precisamente a las órdenes del director David Lean con la película "Cadenas rotas (1946)", adaptación de la obra de Dickens "Grandes esperanzas". Posteriormente participó en numerosas comedias, destacando la magistral "Elquinteto de la muerte (1955)". En 1956 intervino en "El cisne", junto a una bellísima Grace Kelly y Louis Jourdan. Interpretó al coronel Nicholson en "El Puente sobre el río Kwai (1957)" por la que ganó el Óscar al mejor actor. Fue el príncipe Fayssal en "Lawrence de Arabia (1962)", intervino en "La caída del Imperio romano (1964)" y de nuevo vuelve a encantar al público en la película que nos ocupa como el agente de la KGB Yevgrab Zhivago. Muy recordadas son también sus interpretaciones en "Cwomwell" y "Muchas gracias, Mr Scrooge" en el año 1970. Vuelve a la alta comedia en 1975 con la genial "Un cadáver a los postres". Se volvió a disparar su enorme popularidad y en las nuevas generaciones con su interpretación de Obi Wan Kenobi en "La Guerra de lasGalaxias (1977)", de George Lucas ( retitulada en 1997 "La guerra de las galaxias, episodio IV: Una nueva esperanza" por el propio director para sus nuevos montajes de la saga). Guinness encarnó de nuevo al personaje en "El Imperio contraataca (1980)" y "El retorno del Jedi (1983)". David Lean volvió a contar con él para "Pasaje a la India" en 1984. ¿Y qué decir del resto del reparto de esta maravillosa película? Geraldine Chaplin como Tonya, hija del genio Charles Chaplin, pero se ha ganado a pulso ser más ella misma que “la hija de” pues es una de las mejores actrices de la gran pantalla. Muy importantes son sus papeles en "Peppermint Frappé","Ana y los lobos","Cría Cuervos", "Elisa vida mía" o "Mamá cumple cien años" a las órdenes de Carlos Saura, pareja suya durante años y con quien ha tenido un hijo, Shane Saura Chaplin. Debutó siendo una niña junto a su propio padre en la inolvidable "Candilejas (1952)". Rod Steiger borda su papel de Komarovsky. Steiger ha interpretado grandes papeles en su filmografía destacando "La ley del silencio (1954)", de Elia Kazan, junto a Marlon Brando, en la película musical de Fred Zinnemann "Oklahoma (1955)", "Más dura será la caída (1956)", junto a Humphrey Bogart, "Yuma (1957)", junto a Sara Montiel, "El día más largo (1962)", "Doctor Zhivago (1965)", "En el calor de la noche (1967)", junto a Sidney Poitier, por la que ganó el Óscar al mejor actor de reparto, "Waterloo (1971)", "Jesús de Nazaret (1977)" y un largo etcétera en su filmografía. El británico Ralph Richardson y Tom Courtenay completan el muy acertado reparto de esta extraordinaria película, con la inolvidable banda sonora compuesta por Maurice Jarre con su famoso "Tema de Lara" que es una de las composiciones más hermosas escritas para una película. La cinta fue nominada a diez Oscars consiguiendo 5, al entrar en una dura competición con la magnífica película de Robert Wise "Sonrisas y Lágrimas". La Academia fue salomónica en esa edición otorgando 5 estatuillas a cada una, llevándose el gato al agua la de Wise al conseguir el relativo a la mejor película, claro está. "Doctor Zhivago" se llevó los relativos al mejor guión adaptado, mejor dirección artística, mejor fotografía (Freddy Young), mejor vestuario y mejor banda sonora original (Maurice Jarre). Excelente superproducción de David Lean, que, como buen maestro del oficio supo compaginar los aspectos técnicos con la calidad artística porque todos y cada uno de los actores que componen el reparto interpretan sus papeles de manera magistral. Una joya.

doctor zhivago


Director: David Lean.


Intérpretes: Omar Sharif, Julie Christie, Geraldine Chaplin, Alec Guinness, Rod Steiger, Tom Courtenay, Ralph Richardson.


Trailer: 


Escena:


B.S.O.:





Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

Sarah Tobias (Jodie Foster) es una joven algo inmadura, que no consigue una relación sentimental satisfactoria y que se culpa por ello. Vive con un hombre drogadicto que la golpea cuando quiere, ejerce varios tipos de violencia contra ella y no la ayuda en los gastos del hogar. En una de esas tantas peleas con su novio, ella decide irse al bar donde trabaja su amiga para olvidarse de sus problemas. Una vez allí bebe demasiado y comienza a bailar de forma desinhibida. Varios hombres del bar, comprobando su conducta y que está sola la miran lujuriosamente. A los pocos minutos y de forma repentina, comienza el acoso por el grupo de hombres al completo. Tres hombres la violan sucesivamente sobre un juego electrónico de Pinball, a la vista de todos, golpeándola y tapándole la boca, mientras el resto del grupo jalea a los asaltantes y disfruta del espectáculo. Sarah despierta en el hospital donde se certifica la agresión física y sexual. Absolutamente hundida y ultrajada, recibe otro golpe más al comprobar que nadie cree en su denuncia de violación. Todo lo contrario, debido a sus antecedentes por mala conducta y consumo de drogas, su versión carece de credibilidad, por el contrario, es culpada de ir por los bares provocando a los hombres. En su peor momento, casi como si de un hada madrina se tratara, aparece una abogada, Kathryn Murphy (Kelly Mcgillis) que intentará ayudarla y conseguir que se haga justicia. Más tarde, de forma fortuita, se cruzará en su camino uno de los hombres que ella reconocerá como perteneciente a el grupo que alentaba a los violadores. Tras conversar con él y ayudada por su abogada, decidirá dar un cambio en su actitud, ser más valiente y llevar a juicio a las personas que animaron e incitaron la violación, ya que según las leyes de ese estado cualquier persona que anime, incite o no haga nada para evitar un crimen es tan culpable como los agresores. 


acusados

Este hecho, basado en sucesos reales dio pie a uno de los juicios más polémicos de la justicia norteamericana. Kaplan que ha tenido más éxito en series para TV que en el cine, (ER, Urgencias; Ley y Orden, entre otras), dirige este drama judicial donde además del guión de Tom Topor, lo más destacable es la gran actuación de una joven Jodie Foster. Kaplan, consigue crear una ambientación inquietante con la angustia in crescendo en ese club de carretera. La escena de la violación es dura, sin duda la mejor escena de la película, y consigue crear un gran desasosiego en el espectador. Pero la tensión y crispación aumentarán durante el metraje gracias a la narración en forma de numerosos flashbacks, que la protagonista va recorriendo en su mente y que nos añaden más información para poder entender la brutalidad y la actuación de los implicados en los hechos. La cinta no conseguiría una gran profundidad sino fuera por el trabajo interpretativo de Jodie Foster que nos demuestra su gran talento en los diferentes registros que interpreta. Tanto como chica alocada que no termina de creer en sí misma, como en la mujer adulta en la que se transforma tras sufrir una dramática experiencia. Su desesperación, sus gestos, su forma de hablar, van modificando el perfil de esta mujer. A raíz de la violación toma conciencia de sí misma, de su integridad como persona y de sus derechos, nadie tiene por qué pasar por encima de ella. Foster, se echa el guión sobre sus espaldas y consigue que el propio espectador se implique y entienda los prejuicios que este personaje de la vida real tuvo que soportar. Jodie Foster debutó muy joven en pantalla, con 13 años y de la mano de Scorsese llegó su primer éxito cinematográfico ,"Taxi driver (1976)". Aunque sería con esta cinta con la que conseguiría su primer Óscar como actriz principal. Curiosamente la primera candidata para el papel de Sarah fue Kim Basinger, ya que Kaplan temía que Jodie Foster no resultara suficientemente sexy, pero Basinger declinó la oferta. Otra curiosidad es que la propia Kelly McGillis fue víctima de una violación cuando en 1982, con 20 años (fue agredida en su casa después de regresar del trabajo).


acusados


Título original: The accused.

Director: Jonathan Kaplan.

Intérpretes: Jodie Foster, Kelly McGillis, Bernie Coulson, Ann Hearn, Steve Antin, Leo Rossi,Carmen Argenziano,

Trailer:


Escena:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

ACUSADOS (1988). El drama judicial de Jodie Foster.

Sarah Tobias (Jodie Foster) es una joven algo inmadura, que no consigue una relación sentimental satisfactoria y que se culpa por ello. Vive con un hombre drogadicto que la golpea cuando quiere, ejerce varios tipos de violencia contra ella y no la ayuda en los gastos del hogar. En una de esas tantas peleas con su novio, ella decide irse al bar donde trabaja su amiga para olvidarse de sus problemas. Una vez allí bebe demasiado y comienza a bailar de forma desinhibida. Varios hombres del bar, comprobando su conducta y que está sola la miran lujuriosamente. A los pocos minutos y de forma repentina, comienza el acoso por el grupo de hombres al completo. Tres hombres la violan sucesivamente sobre un juego electrónico de Pinball, a la vista de todos, golpeándola y tapándole la boca, mientras el resto del grupo jalea a los asaltantes y disfruta del espectáculo. Sarah despierta en el hospital donde se certifica la agresión física y sexual. Absolutamente hundida y ultrajada, recibe otro golpe más al comprobar que nadie cree en su denuncia de violación. Todo lo contrario, debido a sus antecedentes por mala conducta y consumo de drogas, su versión carece de credibilidad, por el contrario, es culpada de ir por los bares provocando a los hombres. En su peor momento, casi como si de un hada madrina se tratara, aparece una abogada, Kathryn Murphy (Kelly Mcgillis) que intentará ayudarla y conseguir que se haga justicia. Más tarde, de forma fortuita, se cruzará en su camino uno de los hombres que ella reconocerá como perteneciente a el grupo que alentaba a los violadores. Tras conversar con él y ayudada por su abogada, decidirá dar un cambio en su actitud, ser más valiente y llevar a juicio a las personas que animaron e incitaron la violación, ya que según las leyes de ese estado cualquier persona que anime, incite o no haga nada para evitar un crimen es tan culpable como los agresores. 


acusados

Este hecho, basado en sucesos reales dio pie a uno de los juicios más polémicos de la justicia norteamericana. Kaplan que ha tenido más éxito en series para TV que en el cine, (ER, Urgencias; Ley y Orden, entre otras), dirige este drama judicial donde además del guión de Tom Topor, lo más destacable es la gran actuación de una joven Jodie Foster. Kaplan, consigue crear una ambientación inquietante con la angustia in crescendo en ese club de carretera. La escena de la violación es dura, sin duda la mejor escena de la película, y consigue crear un gran desasosiego en el espectador. Pero la tensión y crispación aumentarán durante el metraje gracias a la narración en forma de numerosos flashbacks, que la protagonista va recorriendo en su mente y que nos añaden más información para poder entender la brutalidad y la actuación de los implicados en los hechos. La cinta no conseguiría una gran profundidad sino fuera por el trabajo interpretativo de Jodie Foster que nos demuestra su gran talento en los diferentes registros que interpreta. Tanto como chica alocada que no termina de creer en sí misma, como en la mujer adulta en la que se transforma tras sufrir una dramática experiencia. Su desesperación, sus gestos, su forma de hablar, van modificando el perfil de esta mujer. A raíz de la violación toma conciencia de sí misma, de su integridad como persona y de sus derechos, nadie tiene por qué pasar por encima de ella. Foster, se echa el guión sobre sus espaldas y consigue que el propio espectador se implique y entienda los prejuicios que este personaje de la vida real tuvo que soportar. Jodie Foster debutó muy joven en pantalla, con 13 años y de la mano de Scorsese llegó su primer éxito cinematográfico ,"Taxi driver (1976)". Aunque sería con esta cinta con la que conseguiría su primer Óscar como actriz principal. Curiosamente la primera candidata para el papel de Sarah fue Kim Basinger, ya que Kaplan temía que Jodie Foster no resultara suficientemente sexy, pero Basinger declinó la oferta. Otra curiosidad es que la propia Kelly McGillis fue víctima de una violación cuando en 1982, con 20 años (fue agredida en su casa después de regresar del trabajo).


acusados


Título original: The accused.

Director: Jonathan Kaplan.

Intérpretes: Jodie Foster, Kelly McGillis, Bernie Coulson, Ann Hearn, Steve Antin, Leo Rossi,Carmen Argenziano,

Trailer:


Escena:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

whiplash
¿Cuál es el precio que hay que pagar para conseguir la fama? ¿Qué cosas hay que dejar de lado para alcanzar un sueño? Estas dos preguntas tan complejas de responder trata de argumentarlas el precoz realizador Damien Chazelle en su film "Whiplash", una historia hecha inicialmente en el año 2.013 como corto que pasaría a convertirse en largometraje al siguiente año de su estreno. Según palabras del director, realizar el corto fue la única vía posible para recaudar el dinero suficiente para realizar la película, ya que hasta ese momento no había nadie que quisiera producir su proyecto. El corto iba a ser todo un éxito, triunfando en el Festival de cine de Sundance donde obtendría el premio del Jurado. Ese premio le abriría las puertas y le daría luz verde para plasmar su guión en un largometraje, tal como había planeado inicialmente. Chazelle nos narraría con "Whiplash" las vivencias de un ambicioso joven (Andrew Neyman), cuya principal meta en la vida es el de ser un consagrado batería de jazz. Sus buenas cualidades tocando este instrumento, no pasarían desapercibido para Terence Fletcher, un profesor que dirige el más consagrado grupo de jazz del conservatorio del país, que le llama para que forme parte de su banda de música. A partir de ese momento Andrew conocerá (y sufrirá) los disciplinarios métodos de enseñanza de Terence. Chazelle nos describe con este film lo duro que es el camino hacia al éxito. Un complicado trayecto lleno de obstáculos que nos obliga a decidir que es lo más importante para nuestro futuro y que en dicho film pondría al joven protagonista en una drástica decisión como es el de abandonar el amor de su vida (una joven taquillera de un cine) para poder centrar todo la atención en su meta. Andrew verá la relación en pareja como un freno que le impedirá avanzar en su camino. Sin dudas, una difícil determinación para el joven entre el amor o la fama.

whiplash

El realizador muestra con pelos y señales lo que significa estar obsesionado en conseguir el éxito, y nos lo exhibe sin ningún tipo de tabúes, mostrando una ambición que no conoce el significado de la lealtad ni el compañerismo. De aquí que no se esfuerzo en que nos caiga simpático el protagonista principal, describiéndolo como un joven sin escrúpulos a la hora de tomar sus decisiones y en su manera de "enfrentarse" con todo aquel que se interponga en su camino. Frente al joven protagonista tenemos a otro personaje de armas a tomar, como es el profesor Fletcher, un peculiar personaje que podría perfectamente proceder de la familia del sargento Hartman ("La chaqueta metálica (1987)") por su singular manera de tratar a sus alumnos. Un carácter difícil de dominar que traspasará los límites de las enseñanza. Y es qué ¿todo vale para el aprendizaje? Es una pregunta que nos deberíamos hacer en relación de algunos métodos de enseñanza. Entre Andrew y Fletcher se producirá un intenso duelo entre un alumno aventajado y su estricto profesor. Una guerra psicólogica (y algo física) entre dos personajes obsesivos, muy parecidos entre si, apasionados por la música jazz, que hacen de ella el principal aliciente en sus vidas. Esa actitud hacen que ambos tengan una complicada relación con las personas que le rodean. A pesar de que "Whiplash" esta centrada el mundo del jazz, su argumento podría ser aplicado a cualquier actividad de la vida cotidiana; al deporte, el cine, el teatro,.. o el mundo de los blogs aprovechando este medio, al fin al cabo el mensaje no desentonaría en cualquiera de estos medios, ya que su fin no es otro que el de criticar la lucha sin escrúpulos en la búsqueda del éxito.


whiplash

J.K. Simmons visto en la trilogía de "Spiderman" de Sam Raimi en el rol del editor del periódico donde trabaja Peter Parker (J. Jonah Jameson) realiza hasta el momento el mejor papel de su carrera, la del profesor Terence Fletcher. Un instructor polémico en cuento a su manera de aplicar los métodos de enseñanza. Es meticuloso hasta la médula y no acepta ni la más mínima equivocación durante los ensayos. Muchas gotas de sudor y alguna gota de sangre recorrerán por el cuerpo de (Andrew Neyman para convencer a Fletcher que es el candidato idóneo de ser el batería principal de su banda. Milles Teller, es el joven actor que da vida al joven en cuestión, y que en breve lo veremos en la nuevas aventuras de "Los cuatro fantásticos" y que ya lo habíamos visto anteriormente el remake de "Footlose" del año 2.011 y en la cinta de ciencia ficción juvenil "Divergente (2014)". Después encarnar magistralmente su personaje de Andrews, todo pinta a que será uno de los actores de moda en las próximas fechas. Entre sus escenas destacar las bofetadas de Fletcher a su "discipulo" Andrew mientras trata de ajustar la velocidad de sus golpes de batería al ritmo de la banda de música o ese momento de la escena final (que no quiero desvelar para los que no la hayan visto) donde el joven protagonista debe decidir entre "arrojar la toalla"  o "lanzarte al vació" en su lucha de convertirse en un grande de la batería. "Whiplash" esta nominada en 5 categorías para los Oscar de este año, entre ellas mejor película, mejor guión adaptado y mejor actor de reparto. Finalmente J.K. Simmons obtendría dicho Oscar en la categoría de mejor actor secundario. "Whiplash" es una de esas películas a destacar y que no deben perderse en este año 2.015.

whiplash


Frase para recordar: "Neyman, te ganaste el puesto. Aspirantes, limpien la sangre de la batería".

Director: Damien Chazelle.

Intérpretes: Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser, Austin Stowell, Jayson Blair, Kavita Patil, Kofi Siriboe,


Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Jesús Fariña

WHIPLASH (2014). El duro camino hacia el éxito.

whiplash
¿Cuál es el precio que hay que pagar para conseguir la fama? ¿Qué cosas hay que dejar de lado para alcanzar un sueño? Estas dos preguntas tan complejas de responder trata de argumentarlas el precoz realizador Damien Chazelle en su film "Whiplash", una historia hecha inicialmente en el año 2.013 como corto que pasaría a convertirse en largometraje al siguiente año de su estreno. Según palabras del director, realizar el corto fue la única vía posible para recaudar el dinero suficiente para realizar la película, ya que hasta ese momento no había nadie que quisiera producir su proyecto. El corto iba a ser todo un éxito, triunfando en el Festival de cine de Sundance donde obtendría el premio del Jurado. Ese premio le abriría las puertas y le daría luz verde para plasmar su guión en un largometraje, tal como había planeado inicialmente. Chazelle nos narraría con "Whiplash" las vivencias de un ambicioso joven (Andrew Neyman), cuya principal meta en la vida es el de ser un consagrado batería de jazz. Sus buenas cualidades tocando este instrumento, no pasarían desapercibido para Terence Fletcher, un profesor que dirige el más consagrado grupo de jazz del conservatorio del país, que le llama para que forme parte de su banda de música. A partir de ese momento Andrew conocerá (y sufrirá) los disciplinarios métodos de enseñanza de Terence. Chazelle nos describe con este film lo duro que es el camino hacia al éxito. Un complicado trayecto lleno de obstáculos que nos obliga a decidir que es lo más importante para nuestro futuro y que en dicho film pondría al joven protagonista en una drástica decisión como es el de abandonar el amor de su vida (una joven taquillera de un cine) para poder centrar todo la atención en su meta. Andrew verá la relación en pareja como un freno que le impedirá avanzar en su camino. Sin dudas, una difícil determinación para el joven entre el amor o la fama.

whiplash

El realizador muestra con pelos y señales lo que significa estar obsesionado en conseguir el éxito, y nos lo exhibe sin ningún tipo de tabúes, mostrando una ambición que no conoce el significado de la lealtad ni el compañerismo. De aquí que no se esfuerzo en que nos caiga simpático el protagonista principal, describiéndolo como un joven sin escrúpulos a la hora de tomar sus decisiones y en su manera de "enfrentarse" con todo aquel que se interponga en su camino. Frente al joven protagonista tenemos a otro personaje de armas a tomar, como es el profesor Fletcher, un peculiar personaje que podría perfectamente proceder de la familia del sargento Hartman ("La chaqueta metálica (1987)") por su singular manera de tratar a sus alumnos. Un carácter difícil de dominar que traspasará los límites de las enseñanza. Y es qué ¿todo vale para el aprendizaje? Es una pregunta que nos deberíamos hacer en relación de algunos métodos de enseñanza. Entre Andrew y Fletcher se producirá un intenso duelo entre un alumno aventajado y su estricto profesor. Una guerra psicólogica (y algo física) entre dos personajes obsesivos, muy parecidos entre si, apasionados por la música jazz, que hacen de ella el principal aliciente en sus vidas. Esa actitud hacen que ambos tengan una complicada relación con las personas que le rodean. A pesar de que "Whiplash" esta centrada el mundo del jazz, su argumento podría ser aplicado a cualquier actividad de la vida cotidiana; al deporte, el cine, el teatro,.. o el mundo de los blogs aprovechando este medio, al fin al cabo el mensaje no desentonaría en cualquiera de estos medios, ya que su fin no es otro que el de criticar la lucha sin escrúpulos en la búsqueda del éxito.


whiplash

J.K. Simmons visto en la trilogía de "Spiderman" de Sam Raimi en el rol del editor del periódico donde trabaja Peter Parker (J. Jonah Jameson) realiza hasta el momento el mejor papel de su carrera, la del profesor Terence Fletcher. Un instructor polémico en cuento a su manera de aplicar los métodos de enseñanza. Es meticuloso hasta la médula y no acepta ni la más mínima equivocación durante los ensayos. Muchas gotas de sudor y alguna gota de sangre recorrerán por el cuerpo de (Andrew Neyman para convencer a Fletcher que es el candidato idóneo de ser el batería principal de su banda. Milles Teller, es el joven actor que da vida al joven en cuestión, y que en breve lo veremos en la nuevas aventuras de "Los cuatro fantásticos" y que ya lo habíamos visto anteriormente el remake de "Footlose" del año 2.011 y en la cinta de ciencia ficción juvenil "Divergente (2014)". Después encarnar magistralmente su personaje de Andrews, todo pinta a que será uno de los actores de moda en las próximas fechas. Entre sus escenas destacar las bofetadas de Fletcher a su "discipulo" Andrew mientras trata de ajustar la velocidad de sus golpes de batería al ritmo de la banda de música o ese momento de la escena final (que no quiero desvelar para los que no la hayan visto) donde el joven protagonista debe decidir entre "arrojar la toalla"  o "lanzarte al vació" en su lucha de convertirse en un grande de la batería. "Whiplash" esta nominada en 5 categorías para los Oscar de este año, entre ellas mejor película, mejor guión adaptado y mejor actor de reparto. Finalmente J.K. Simmons obtendría dicho Oscar en la categoría de mejor actor secundario. "Whiplash" es una de esas películas a destacar y que no deben perderse en este año 2.015.

whiplash


Frase para recordar: "Neyman, te ganaste el puesto. Aspirantes, limpien la sangre de la batería".

Director: Damien Chazelle.

Intérpretes: Miles Teller, J.K. Simmons, Melissa Benoist, Paul Reiser, Austin Stowell, Jayson Blair, Kavita Patil, Kofi Siriboe,


Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Jesús Fariña

el conformista
Basada en la novela de Alberto Moravia. En la primera escena Marcello Clerici (Jean Luis Trintignant) está en un gran hotel de París, sentado en la cama junto a su esposa (Stefania Sandrelli) que duerme plácidamente. Una llamada repentina lo obliga a abandonar su habitación con una pistola guardada en su abrigo. Es una neblinosa madrugada de invierno y Marcello Clerici se sube a un coche con un chófer. Durante el trayecto por carretera comienzan los flashbacks que nos introducirán en la vida del protagonista e intentarán explicar el sentido de este extraño viaje por carretera. Dichos flashbacks funcionan como piezas de la memoria del protagonista, llegándose a apropiar del ritmo de la historia, transformándola en algo casi onírico que se asienta más en el mundo emocional e íntimo de Marcello. Bertolucci rompe con la narrativa tradicional con su peculiar sentido estético, inundando de poesía visual las escenas, retratando el perfil psicológico de un individuo que desde el comienzo se nos muestra como un fascista confeso, un intelectual con formación universitaria que ha decidido por sí mismo formar parte de la dictadura y de la policía secreta que vela por los intereses del régimen. Y es aquí donde aparecen los negocios sucios, ya que su misión consiste en asesinar a su antiguo profesor Universitario, un exiliado del régimen fascista que desde París sigue predicando sus ideas contra el totalitarismo dominante. Los retazos de la vida de Marcello Clerici sirven para describir los elementos que caracterizaron el fascismo italiano. Bertolucci transforma el relato de un libro en cine y lo adapta libremente. La obra literaria se convierte en imagen, en escenas que no pueden ser expresadas con palabras. Estamos frente a una obra maestra visual gracias a la genial fotografía de Vittorio Storaro el cual se valió de un gran colorido acorde con el estilismo de los años 30, con un movimiento de cámara muy fluído y unos ángulos casi imposibles.

el conformista

De hecho, el estilo empleado por Bertolucci sintetiza el expresionismo con la estética fascista más clásica. Esos primeros planos en los que Marcello Clerici aparece en los inmensos espacios de un edificio gubernamental (neoclasicismo fascista), son un claro ejemplo de la megalomanía del fascismo que trata de imponerse sobre los individuos, una arquitectura desmesurada, mussoliniana, grandilocuente y marmolea, con espacios abiertos y un raro minimalismo que contribuyen a empequeñecer todavía más a las figuras. Son escenas que constituyen una de las argucias visuales empleadas para subrayar el antinaturalismo del paisaje y reforzar la insensibilización de Marcello. El Conformista es además un elegante ejercicio de contrastes entre luz y oscuridad. El propio Storaro explicaba como intentó jugar con las luces hasta formar una jaula alrededor de Trintignant. La fina delineación entre luz y oscuridad y la complicada labor de separar ambos espectros venía inspirada del cuadro "La vocación de San Mateo" de Caravaggio, de donde Storaro quiso calcar esa misma capacidad de segmentación tonal entre luces y sombras. La luz como consciencia y la oscuridad como lo contrario, inconsciencia, dibujaban la propia estructura del personaje. Se consigue de esta manera una bellísima materialización con inspiración pictórica del interior impenetrable de un hombre que, al estar en constante deuda consigo mismo, llega incluso a perder su propia percepción de la realidad. "Sólo unos pocos creen en el fascismo. Unos nos apoyan por miedo y otros por dinero". Pero nuestro protagonista que aparenta y desea ser un hombre convencido no es más que un ser insignificante sin alma ni conciencia, alguien que ha renegado de sí mismo perdiendo la condición humana.


el conformista

Marcello está obsesionado por "tener una vida normal" que le evite tenerse que enfrentar a sus miserias en favor de la normalidad masiva, de una sociedad ahogada en el fascismo y que discurre invisible entre sombras alrededor de la incipiente Italia de Mussolini. El gusto por la experimentación de Bertolucci se manifiesta en una narración no lineal y la elaboración de cierto estilo de montaje emocional, discontinuo, que no tenga que presentar forzosamente un orden cronológico de la historia. Es destacable dentro del relato la escena de la conversación con el profesor Cuadri (al que tiene la misión de eliminar), donde el alumno se reencuentra con el maestro. En dicha conversación el alumno intenta hacerle recordar al maestro conceptos e ideas que aprendió en sus lecciones y que ahora utiliza para justificarse frente a sí mismo, un enfoque completamente opuesto que el Marcello de ahora guarda con respecto al Marcello universitario. El mito de la caverna de Platón sirve de símbolo para argumentar la inutilidad del hombre esclavo. Exactamente igual que los prisioneros encadenados de Platón, hombres encerrados en una cueva mirando sombras que se mueven creadas por las llamas que hay detrás de ellos, que creen que las sombras proyectadas sobre la pared son la realidad de un mundo mentiroso. Entonces, en el pasado, Marcello no dudaba en compartir las enseñanzas del profesor, pero después llega a replantearse la pregunta contemplando la posibilidad de que las sombras sean reales y los prisioneros más libres de lo que pensábamos. Bertolucci ayuda a saborear la tela de araña que obnubila al protagonista, y a enfrentarnos con un cine reflexivo, impalpable y abstracto.

el conformista


Título original: ll conformista.

Director: Bernardo Bertolucci.

Intérpretes: Jean-Louis Trintignant, Stefania Sandrelli, Gastone Moschin, Enzo Tarascio, Fosco Giachetti.




Trailer:


Escena:



B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

EL CONFORMISTA (1970). Bertolucci adapta la magistral novela de Alberto Moravia.

el conformista
Basada en la novela de Alberto Moravia. En la primera escena Marcello Clerici (Jean Luis Trintignant) está en un gran hotel de París, sentado en la cama junto a su esposa (Stefania Sandrelli) que duerme plácidamente. Una llamada repentina lo obliga a abandonar su habitación con una pistola guardada en su abrigo. Es una neblinosa madrugada de invierno y Marcello Clerici se sube a un coche con un chófer. Durante el trayecto por carretera comienzan los flashbacks que nos introducirán en la vida del protagonista e intentarán explicar el sentido de este extraño viaje por carretera. Dichos flashbacks funcionan como piezas de la memoria del protagonista, llegándose a apropiar del ritmo de la historia, transformándola en algo casi onírico que se asienta más en el mundo emocional e íntimo de Marcello. Bertolucci rompe con la narrativa tradicional con su peculiar sentido estético, inundando de poesía visual las escenas, retratando el perfil psicológico de un individuo que desde el comienzo se nos muestra como un fascista confeso, un intelectual con formación universitaria que ha decidido por sí mismo formar parte de la dictadura y de la policía secreta que vela por los intereses del régimen. Y es aquí donde aparecen los negocios sucios, ya que su misión consiste en asesinar a su antiguo profesor Universitario, un exiliado del régimen fascista que desde París sigue predicando sus ideas contra el totalitarismo dominante. Los retazos de la vida de Marcello Clerici sirven para describir los elementos que caracterizaron el fascismo italiano. Bertolucci transforma el relato de un libro en cine y lo adapta libremente. La obra literaria se convierte en imagen, en escenas que no pueden ser expresadas con palabras. Estamos frente a una obra maestra visual gracias a la genial fotografía de Vittorio Storaro el cual se valió de un gran colorido acorde con el estilismo de los años 30, con un movimiento de cámara muy fluído y unos ángulos casi imposibles.

el conformista

De hecho, el estilo empleado por Bertolucci sintetiza el expresionismo con la estética fascista más clásica. Esos primeros planos en los que Marcello Clerici aparece en los inmensos espacios de un edificio gubernamental (neoclasicismo fascista), son un claro ejemplo de la megalomanía del fascismo que trata de imponerse sobre los individuos, una arquitectura desmesurada, mussoliniana, grandilocuente y marmolea, con espacios abiertos y un raro minimalismo que contribuyen a empequeñecer todavía más a las figuras. Son escenas que constituyen una de las argucias visuales empleadas para subrayar el antinaturalismo del paisaje y reforzar la insensibilización de Marcello. El Conformista es además un elegante ejercicio de contrastes entre luz y oscuridad. El propio Storaro explicaba como intentó jugar con las luces hasta formar una jaula alrededor de Trintignant. La fina delineación entre luz y oscuridad y la complicada labor de separar ambos espectros venía inspirada del cuadro "La vocación de San Mateo" de Caravaggio, de donde Storaro quiso calcar esa misma capacidad de segmentación tonal entre luces y sombras. La luz como consciencia y la oscuridad como lo contrario, inconsciencia, dibujaban la propia estructura del personaje. Se consigue de esta manera una bellísima materialización con inspiración pictórica del interior impenetrable de un hombre que, al estar en constante deuda consigo mismo, llega incluso a perder su propia percepción de la realidad. "Sólo unos pocos creen en el fascismo. Unos nos apoyan por miedo y otros por dinero". Pero nuestro protagonista que aparenta y desea ser un hombre convencido no es más que un ser insignificante sin alma ni conciencia, alguien que ha renegado de sí mismo perdiendo la condición humana.


el conformista

Marcello está obsesionado por "tener una vida normal" que le evite tenerse que enfrentar a sus miserias en favor de la normalidad masiva, de una sociedad ahogada en el fascismo y que discurre invisible entre sombras alrededor de la incipiente Italia de Mussolini. El gusto por la experimentación de Bertolucci se manifiesta en una narración no lineal y la elaboración de cierto estilo de montaje emocional, discontinuo, que no tenga que presentar forzosamente un orden cronológico de la historia. Es destacable dentro del relato la escena de la conversación con el profesor Cuadri (al que tiene la misión de eliminar), donde el alumno se reencuentra con el maestro. En dicha conversación el alumno intenta hacerle recordar al maestro conceptos e ideas que aprendió en sus lecciones y que ahora utiliza para justificarse frente a sí mismo, un enfoque completamente opuesto que el Marcello de ahora guarda con respecto al Marcello universitario. El mito de la caverna de Platón sirve de símbolo para argumentar la inutilidad del hombre esclavo. Exactamente igual que los prisioneros encadenados de Platón, hombres encerrados en una cueva mirando sombras que se mueven creadas por las llamas que hay detrás de ellos, que creen que las sombras proyectadas sobre la pared son la realidad de un mundo mentiroso. Entonces, en el pasado, Marcello no dudaba en compartir las enseñanzas del profesor, pero después llega a replantearse la pregunta contemplando la posibilidad de que las sombras sean reales y los prisioneros más libres de lo que pensábamos. Bertolucci ayuda a saborear la tela de araña que obnubila al protagonista, y a enfrentarnos con un cine reflexivo, impalpable y abstracto.

el conformista


Título original: ll conformista.

Director: Bernardo Bertolucci.

Intérpretes: Jean-Louis Trintignant, Stefania Sandrelli, Gastone Moschin, Enzo Tarascio, Fosco Giachetti.




Trailer:


Escena:



B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

birdman
Es una pena, a Michael Keaton (gran pájaro del cine) se le voló el premio en favor de un pipiolo... Eddie Redmayne caracterizando al científico impedido Stephen Hawking. La heróica ave Fénix Keatoniana en la ceremonia de gala de los Oscar, ha visto como el fuego de su poderío interpretativo ha ido a parar como recompensa a otras categorías: Película, Director, Guión original y Fotografía. Ver "Birdman" me resultó toda una experiencia novedosa, rompedora, excéntrica y cargada de ímpetu cinematográfico. El director mexicano cava muy hondo en la personalidad de los actores de fama que se cuestionan, que buscan ser amados y respetados gracias a su arte. En "Birdman" el actor Michael Keaton realiza una comparación casi autoparódica entre su auténtica carrera profesional de antaño con su Batman, con el personaje que interpreta en este film. Un actor consagrado en el pasado gracias a un héroe de la línea star system de Hollywood, que sin embargo tiene, después del paso de los años, las ínfulas suficientes para apartarse de las grandes producciones, alejándose del personaje que lo encumbró, para crear una obra de teatro en Broadway que dirigirá, guionizará y protagonizará. Es "Birdman" una obra cinematográfica inclasificable por su vertiginoso ritmo de plano secuencia continuo (aunque cohesionado artificialmente), por su arriesgado planteamiento crítico que banaliza con las grandes producciones hollywoodienses de hoy en día, cargadas todas ellas de superhéroes, explosiones y efectos infográficos convocando al gran público consumista que pasa por alto el esfuerzo y la dedicación de los actores reales, los de método, aquellos que quizá se toman demasiado en serio para que su nombre prevalezca no sólo debido a la abultada taquilla sino a su capacidad creativa para actuar. 

birdman

Iñárritu en su película desmonta con su herramientas direccionales el ego injustificado de los actores, sus manías, sus obsesiones, sus sueños, en una ficción teatral ideada por un atormentado y viejo actor que pretende ser recordado por su capacidad interpretativa más que por su pasado de fama pasajera y taquillera, en un anhelo del prestigio por encima de la fama. Una obra de teatro que corre el peligro de desintegrase debido entre numerosos problemas, a un excéntrico Edward Norton (nominado al Oscar), que se llevó merecidamente J.K. Simmons por "Whiplash (2014)". Un Norton que también parodiándose de su prestigio actoral, pone en tensión a cuantos le rodean por su extraño y surreal comportamiento para actuar, plagado de exigencias, absurdos y experimentaciones interpretativas. Ésto añadido a los problemas personales del personaje de Keaton que tiene que lidiar con su ex-mujer y su hija (una ejemplar y reivindicativa Emma Stone en su actuación), un productor colocado al borde del precipicio Zack Galifianakis y unas actrices que buscan sus momentos de fama, entre las que se encuentra Naomi Watts.

birdman

Todo hace de "Birdman" una delirante película difícil de digerir y analizar. Y todavía queda excavar en la mente del actor que interpretó al Batman de Tim Burton, convertido aquí en un desquiciado y amargado que busca sin consuelo el amor de un público (y de la crítica especializada). Gran público que hoy en día está más interesado en remover la basura mediática de las redes sociales de un hombre famoso en calzoncillos en pleno Times Square (parodiado en la gala por el maestro de ceremonias en los Oscar, Neil Patrick Harris, en una divertida aparición) o de un actor teatral que ha perdido la cordura sacando un arma de fuego real a escena. Es "Birdman" un ejercicio cinematográfico extremo, cargado de miserias, locura y búsqueda de notoriedad, con unas interpretaciones viscerales y que en el caso de Keaton llega a devanarse psicológicamente, con su álter ego superheróico que lo situará en el abismo de la locura. Un hombre que busca desesperadamente trascender, que soñó con ser actor y que a su vez interpretó a un héroe Keaton (ésto en la ficción y en la realidad). Actor que pasa en el film de Iñárritu, de la membrana Batmaníaca de la fama que logró en los 80's y 90's, al elogio de la crítica que le da la pluma Birdmaníaca.

birdman


Título original: Birdman or (The unexpected virtue of ignorance).

Director: Alejandro González Iñárritu.

Intérpretes: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts,Andrea Riseborough, Amy Ryan.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

También te recomendamos leer:
Birdman ( o la inesperada virtud de la ignorancia) (2.014). El resurgir de Michael Keaton.

BIRDMAN (2014). Iñárritu conquista el Oscar.

birdman
Es una pena, a Michael Keaton (gran pájaro del cine) se le voló el premio en favor de un pipiolo... Eddie Redmayne caracterizando al científico impedido Stephen Hawking. La heróica ave Fénix Keatoniana en la ceremonia de gala de los Oscar, ha visto como el fuego de su poderío interpretativo ha ido a parar como recompensa a otras categorías: Película, Director, Guión original y Fotografía. Ver "Birdman" me resultó toda una experiencia novedosa, rompedora, excéntrica y cargada de ímpetu cinematográfico. El director mexicano cava muy hondo en la personalidad de los actores de fama que se cuestionan, que buscan ser amados y respetados gracias a su arte. En "Birdman" el actor Michael Keaton realiza una comparación casi autoparódica entre su auténtica carrera profesional de antaño con su Batman, con el personaje que interpreta en este film. Un actor consagrado en el pasado gracias a un héroe de la línea star system de Hollywood, que sin embargo tiene, después del paso de los años, las ínfulas suficientes para apartarse de las grandes producciones, alejándose del personaje que lo encumbró, para crear una obra de teatro en Broadway que dirigirá, guionizará y protagonizará. Es "Birdman" una obra cinematográfica inclasificable por su vertiginoso ritmo de plano secuencia continuo (aunque cohesionado artificialmente), por su arriesgado planteamiento crítico que banaliza con las grandes producciones hollywoodienses de hoy en día, cargadas todas ellas de superhéroes, explosiones y efectos infográficos convocando al gran público consumista que pasa por alto el esfuerzo y la dedicación de los actores reales, los de método, aquellos que quizá se toman demasiado en serio para que su nombre prevalezca no sólo debido a la abultada taquilla sino a su capacidad creativa para actuar. 

birdman

Iñárritu en su película desmonta con su herramientas direccionales el ego injustificado de los actores, sus manías, sus obsesiones, sus sueños, en una ficción teatral ideada por un atormentado y viejo actor que pretende ser recordado por su capacidad interpretativa más que por su pasado de fama pasajera y taquillera, en un anhelo del prestigio por encima de la fama. Una obra de teatro que corre el peligro de desintegrase debido entre numerosos problemas, a un excéntrico Edward Norton (nominado al Oscar), que se llevó merecidamente J.K. Simmons por "Whiplash (2014)". Un Norton que también parodiándose de su prestigio actoral, pone en tensión a cuantos le rodean por su extraño y surreal comportamiento para actuar, plagado de exigencias, absurdos y experimentaciones interpretativas. Ésto añadido a los problemas personales del personaje de Keaton que tiene que lidiar con su ex-mujer y su hija (una ejemplar y reivindicativa Emma Stone en su actuación), un productor colocado al borde del precipicio Zack Galifianakis y unas actrices que buscan sus momentos de fama, entre las que se encuentra Naomi Watts.

birdman

Todo hace de "Birdman" una delirante película difícil de digerir y analizar. Y todavía queda excavar en la mente del actor que interpretó al Batman de Tim Burton, convertido aquí en un desquiciado y amargado que busca sin consuelo el amor de un público (y de la crítica especializada). Gran público que hoy en día está más interesado en remover la basura mediática de las redes sociales de un hombre famoso en calzoncillos en pleno Times Square (parodiado en la gala por el maestro de ceremonias en los Oscar, Neil Patrick Harris, en una divertida aparición) o de un actor teatral que ha perdido la cordura sacando un arma de fuego real a escena. Es "Birdman" un ejercicio cinematográfico extremo, cargado de miserias, locura y búsqueda de notoriedad, con unas interpretaciones viscerales y que en el caso de Keaton llega a devanarse psicológicamente, con su álter ego superheróico que lo situará en el abismo de la locura. Un hombre que busca desesperadamente trascender, que soñó con ser actor y que a su vez interpretó a un héroe Keaton (ésto en la ficción y en la realidad). Actor que pasa en el film de Iñárritu, de la membrana Batmaníaca de la fama que logró en los 80's y 90's, al elogio de la crítica que le da la pluma Birdmaníaca.

birdman


Título original: Birdman or (The unexpected virtue of ignorance).

Director: Alejandro González Iñárritu.

Intérpretes: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Zach Galifianakis, Naomi Watts,Andrea Riseborough, Amy Ryan.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

También te recomendamos leer:
Birdman ( o la inesperada virtud de la ignorancia) (2.014). El resurgir de Michael Keaton.

el padrino II
Si con "El Padrino (1972)", Francis Ford Coppola deslumbro a la crítica, a la industria cinematográfica y al público, esta segunda parte contiene todos los grandes hallazgos de su predecesora  pero amplificados aún más. Mario Puzo vuelve a colaborar con Coppola en la elaboración del guión, pero no se trata de una continuación sino una mirada hacia los orígenes de la mítica familia Corleone y una precisa indagación en el porvenir de la misma. El tono y la puesta en escena son similares a la primera entrega con la magnífica y tenebrosa fotografía de Gordon Willis, la fabulosa música de Nino Rota y una soberbia puesta en escena en la que todos los detalles están cuidados a la perfección, desde el vestuario de los personajes al aspecto de las calles. En esta película todo es más grandiososo que en la anterior: la trama adquiere mayor profundidad, y se respeta la estructura en forma de Flash-back de la novela, pero empleando sabiamente el montaje dialéctico, estableciendo paralelismos en el tiempo a través de la yuxtaposición de momentos clave de la familia Corleone: la infancia y la adolescencia de Vito Corleone y la vida de un Michael Corleone adulto convertido ya en Padrino. Es pues una película más ambiciosa que su predecesora y en el que se acentúa el carácter operístico y melodramático y donde la influencia del Shakespeare más trágico está presente en la que Coppola nos proporciona una mirada más dura y menos complaciente hacia el mundo de los gansters, Coppola retrata a los personajes como seres maquiavélicos… el negocio deja de ser respetable; lo tiempos cambian;  y Michael se ve obligado a actuar de forma más contundente (empleando  un eufemismo). Así, surgen los conflictos internos de la familia en todas las direcciones provocados por la disgregación de los valores familiares.

el padrino II

Hay también un cambio en lo referente a la visión de la familia Corleone:si en la primera parte hay una cierta glorificación del delincuente como alguien que simplemen te hace del crimen organizado su forma de vida ,en la segunda podemos ver como el crimen acaba con la respetabilidad y de la familia. Por otra parte si en la primera parte el mundo cinematográfico quedó deslumbrado ante Al Pacino, en esta segunda parte otro actor carismático y único como Robert de Niro nos brinda su primer papel estelar; inolvidable dando vida al joven Vito Corleone, inolvidable también su acento italiano con esa voz rasgada imitando al mismísimo Brando. Aparte de la calidad de los diálogos y el excelente reparto, similar al de la primera parte (Diane Keaton, Robert Duvall, Al Pacino…), a ello hay que sumarle un mayor papel de John Cazale, un Fredo lastimero y vulnerable y a la presencia nada más y nada menos de Lee Strasberg (introductor en EE.UU del celebérrimo método Stanislavski)  dando vida de forma magnífica a un extraordinario y sagaz gangster judío.En definitiva una película que desmiente ese maldito tópico que tanto se ha extendido y que parece se ha convertido en un dogma, esto es, que siempre es mejor la novela que su adaptación cinematográfica. Esta vez no, porque esta superproducción épica e intimista que retrata cincuenta años de la vida en EE.UU es una de las grandes obras de arte de toda la Historia del Cine.

el padrino II 1974


Título original: The Godfather, part II.

Director: Francis Ford Coppola.

Intérpretes: Al Pacino, Robert De Niro, Diane Keaton, Robert Duvall, John Cazale, Lee Strasberg, Talia Shire.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:




Reseña escrita por Juan Murillo Bodas

EL PADRINO II (1974). Segunda entrega de la vida de los Corleone.

el padrino II
Si con "El Padrino (1972)", Francis Ford Coppola deslumbro a la crítica, a la industria cinematográfica y al público, esta segunda parte contiene todos los grandes hallazgos de su predecesora  pero amplificados aún más. Mario Puzo vuelve a colaborar con Coppola en la elaboración del guión, pero no se trata de una continuación sino una mirada hacia los orígenes de la mítica familia Corleone y una precisa indagación en el porvenir de la misma. El tono y la puesta en escena son similares a la primera entrega con la magnífica y tenebrosa fotografía de Gordon Willis, la fabulosa música de Nino Rota y una soberbia puesta en escena en la que todos los detalles están cuidados a la perfección, desde el vestuario de los personajes al aspecto de las calles. En esta película todo es más grandiososo que en la anterior: la trama adquiere mayor profundidad, y se respeta la estructura en forma de Flash-back de la novela, pero empleando sabiamente el montaje dialéctico, estableciendo paralelismos en el tiempo a través de la yuxtaposición de momentos clave de la familia Corleone: la infancia y la adolescencia de Vito Corleone y la vida de un Michael Corleone adulto convertido ya en Padrino. Es pues una película más ambiciosa que su predecesora y en el que se acentúa el carácter operístico y melodramático y donde la influencia del Shakespeare más trágico está presente en la que Coppola nos proporciona una mirada más dura y menos complaciente hacia el mundo de los gansters, Coppola retrata a los personajes como seres maquiavélicos… el negocio deja de ser respetable; lo tiempos cambian;  y Michael se ve obligado a actuar de forma más contundente (empleando  un eufemismo). Así, surgen los conflictos internos de la familia en todas las direcciones provocados por la disgregación de los valores familiares.

el padrino II

Hay también un cambio en lo referente a la visión de la familia Corleone:si en la primera parte hay una cierta glorificación del delincuente como alguien que simplemen te hace del crimen organizado su forma de vida ,en la segunda podemos ver como el crimen acaba con la respetabilidad y de la familia. Por otra parte si en la primera parte el mundo cinematográfico quedó deslumbrado ante Al Pacino, en esta segunda parte otro actor carismático y único como Robert de Niro nos brinda su primer papel estelar; inolvidable dando vida al joven Vito Corleone, inolvidable también su acento italiano con esa voz rasgada imitando al mismísimo Brando. Aparte de la calidad de los diálogos y el excelente reparto, similar al de la primera parte (Diane Keaton, Robert Duvall, Al Pacino…), a ello hay que sumarle un mayor papel de John Cazale, un Fredo lastimero y vulnerable y a la presencia nada más y nada menos de Lee Strasberg (introductor en EE.UU del celebérrimo método Stanislavski)  dando vida de forma magnífica a un extraordinario y sagaz gangster judío.En definitiva una película que desmiente ese maldito tópico que tanto se ha extendido y que parece se ha convertido en un dogma, esto es, que siempre es mejor la novela que su adaptación cinematográfica. Esta vez no, porque esta superproducción épica e intimista que retrata cincuenta años de la vida en EE.UU es una de las grandes obras de arte de toda la Historia del Cine.

el padrino II 1974


Título original: The Godfather, part II.

Director: Francis Ford Coppola.

Intérpretes: Al Pacino, Robert De Niro, Diane Keaton, Robert Duvall, John Cazale, Lee Strasberg, Talia Shire.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:




Reseña escrita por Juan Murillo Bodas

capitán phillips
6 nominaciones a los premios Oscar tuvo este film del director Paul Greengrass que es capaz de crear atmósferas cargadas de nerviosismo y tensión, de la talla de "United 93 (2006)" y "El ultimátum de Bourne (2007)". "Capitán Phillips" no se queda atrás en producir sudorosas sensaciones con un Tom Hanks que es capitán, cuyo barco lleva el nombre del estado de "Alabama", hasta aquí las similitudes con Forrest Gump... puesto que la cinta muestra un caso real ocurrido en 2009, sobre un carguero que es sometido a un secuestro por las milicias piratas somalíes. El film de Greengrass es, a mi modo de ver una película, una denuncia que revela los porqués de los secuestros piratas con un pueblo: "el somalí", que es esclavizado por crueles jefes "caciquistas" para pedir recompensas por las víctimas que secuestran y robar los barcos extranjeros que surcan sus costas. La mayoría de los somalíes son pescadores y jornaleros que se ven obligados a utilizar la violencia para darle de comer a sus familias, poniéndo en grave peligro a los tripulantes del barco capitaneado por Phillips. El papel que encarna Hanks es el de un profesional oficial marino, que en todo momento actúa con cordialidad, inteligencia y previsión (todo ello para evitar defunciones y proteger a sus subordinados). Hasta que la situación se complica... La película refleja todo el protocolo de actuación de las fuerzas navales de EEUU para salvaguardar las vidas de los secuestrados marineros, con el despliegue de barcos militares, aviones y las fuerzas especiales de los Navy Seals con un montaje cinematográfico cercano al documental y con unos actores noveles (los piratas de raza negra) que realmente impactan, con sus famélicos cuerpos y sus grandes dentaduras amenazando de muerte con las AK-47 a todo aquel que no colabore con sus finalidades. Una cinta fidedignamente ideada, cargada de impacto, con un acelerado reflejo de los hechos y que se aprovecha de la actuación de un Tom Hanks soberbio, íntimo y con una sensibilidad palpable para el espectador en todas sus reacciones de dolor y ansiedad. Un film basado en hechos reales, en los que el barco Alabama sorteó gracias a la pericia de su capitán un grave problema...

capitán phillips


Título original: Captain Phillips.

Director: Paul Greengrass.

Intérpretes: Tom Hanks, Barkhad Abdi, Mahat M. Ali, Barkhad Abdirahman, Faysal Ahmed,Michael Chernus,

Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

CAPITÁN PHILLIPS (2013). Tom Hanks frente al ataque somalí.

capitán phillips
6 nominaciones a los premios Oscar tuvo este film del director Paul Greengrass que es capaz de crear atmósferas cargadas de nerviosismo y tensión, de la talla de "United 93 (2006)" y "El ultimátum de Bourne (2007)". "Capitán Phillips" no se queda atrás en producir sudorosas sensaciones con un Tom Hanks que es capitán, cuyo barco lleva el nombre del estado de "Alabama", hasta aquí las similitudes con Forrest Gump... puesto que la cinta muestra un caso real ocurrido en 2009, sobre un carguero que es sometido a un secuestro por las milicias piratas somalíes. El film de Greengrass es, a mi modo de ver una película, una denuncia que revela los porqués de los secuestros piratas con un pueblo: "el somalí", que es esclavizado por crueles jefes "caciquistas" para pedir recompensas por las víctimas que secuestran y robar los barcos extranjeros que surcan sus costas. La mayoría de los somalíes son pescadores y jornaleros que se ven obligados a utilizar la violencia para darle de comer a sus familias, poniéndo en grave peligro a los tripulantes del barco capitaneado por Phillips. El papel que encarna Hanks es el de un profesional oficial marino, que en todo momento actúa con cordialidad, inteligencia y previsión (todo ello para evitar defunciones y proteger a sus subordinados). Hasta que la situación se complica... La película refleja todo el protocolo de actuación de las fuerzas navales de EEUU para salvaguardar las vidas de los secuestrados marineros, con el despliegue de barcos militares, aviones y las fuerzas especiales de los Navy Seals con un montaje cinematográfico cercano al documental y con unos actores noveles (los piratas de raza negra) que realmente impactan, con sus famélicos cuerpos y sus grandes dentaduras amenazando de muerte con las AK-47 a todo aquel que no colabore con sus finalidades. Una cinta fidedignamente ideada, cargada de impacto, con un acelerado reflejo de los hechos y que se aprovecha de la actuación de un Tom Hanks soberbio, íntimo y con una sensibilidad palpable para el espectador en todas sus reacciones de dolor y ansiedad. Un film basado en hechos reales, en los que el barco Alabama sorteó gracias a la pericia de su capitán un grave problema...

capitán phillips


Título original: Captain Phillips.

Director: Paul Greengrass.

Intérpretes: Tom Hanks, Barkhad Abdi, Mahat M. Ali, Barkhad Abdirahman, Faysal Ahmed,Michael Chernus,

Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

gravity
James Cameron dijo en su momento sobre "Gravity" que es una de las mejores películas realizadas jamás sobre el espacio. Con una abultada recaudación, más de 600 millones de dólares en todo el mundo y ganadora de 7 premios Oscar, ahí es nada..El director mexicano Alfonso Cuarón que fue responsable de la tercera parte de "Harry Potter", de "Y tu mamá también (2001)", de una de las adaptaciones de la novela de Dickens "Grandes Esperanzas" y de su anterior incursión en la ciencia ficción: "Hijos de los hombres (2006)" nos ofrece en "Gravity" una aventura espacial en la que dos astronautas: Ryan Stone (Sandra Bullock) y Matt Kowalsky (George Clooney) afrontarán una carrera para salvar sus vidas en contra del frío, oscuro e inhóspito espacio. El film que se apoya en unos bellos efectos especiales y las actuaciones de dos reconocidas estrellas hollywoodienses, es a modo de ejercicio de arte y ensayo un abrumador espectáculo. Stone y Kowalsky son víctimas de un accidente espacial producido por los fragmentos de un satélite, que chocan contra un transbordador destruyendo todo a su alrededor y dejando a la deriva los cuerpos de los astronautas protegidos por sus escafandras con una cantidad de oxígeno limitada y a la merced del profundo y tenebroso espacio. El sencillo planteamiento es abordado por Cuarón con fuertes dósis de tensión, ansiedad y espectacularidad que el espectador sin duda apreciará desde la butaca, con una cámara que se convierte en varias ocasiones en el punto de vista de los astronautas. Imágenes tan bellas como las de nuestro planeta azulado, mezclando el verde de la aurora boreal, la roja sangre y las neutras lágrimas a gravedad cero del personaje de Sandra Bullock junto con el fuego que la rodea, hacen de la película un film con calidad estética y dramática de primer orden. 

gravity

El astronauta Kowalsky (Clooney) a base de parlanchina conversación será el caballero andante que insufle el valor suficiente a la inexperta Stone para superar su nerviosismo e inseguridad, ante el acecho de una más que posible muerte para los 2. La película de Cuarón se convierte en toda una declaración del valor y superación de los que tiene que hacerse cargo todo ser humano, para superar cualquier tipo de adversidad aunque la propia muerte sea la que se nos coloque enfrente como bloqueo, anulando nuestra razón para seguir adelante. La única fuerza de atracción hacia el ser humano, además de la de la gravedad universal que se ejerce sobre nuestros cuerpos, debe ser la de salvaguardar nuestras propias vidas y las de nuestros semejantes superando cualquier adversidad venidera con tesón, valentía y valor, por muchos fragmentos de satélite (adversidades) que nos amenacen. Éste es a mi parecer el mensaje que Alfonso Cuarón impregna a todo su film. Una odisea humana en la que la astronauta Stone vuelve a nacer (la escena en la que entra en la cápsula espacial por primera vez me recuerda a un feto en el vientre de su madre) con el poder insuflado por Kowalsky para salvarse y encontrar el camino para vivir, superando una muerte casi segura dada la 'gravedad' de la situación...

gravity


Director: Alfonso Cuarón.

Intérpretes: Sandra Bullock, George Clooney.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

GRAVITY (2013). La odisea espacial de Alfonso Cuarón.

gravity
James Cameron dijo en su momento sobre "Gravity" que es una de las mejores películas realizadas jamás sobre el espacio. Con una abultada recaudación, más de 600 millones de dólares en todo el mundo y ganadora de 7 premios Oscar, ahí es nada..El director mexicano Alfonso Cuarón que fue responsable de la tercera parte de "Harry Potter", de "Y tu mamá también (2001)", de una de las adaptaciones de la novela de Dickens "Grandes Esperanzas" y de su anterior incursión en la ciencia ficción: "Hijos de los hombres (2006)" nos ofrece en "Gravity" una aventura espacial en la que dos astronautas: Ryan Stone (Sandra Bullock) y Matt Kowalsky (George Clooney) afrontarán una carrera para salvar sus vidas en contra del frío, oscuro e inhóspito espacio. El film que se apoya en unos bellos efectos especiales y las actuaciones de dos reconocidas estrellas hollywoodienses, es a modo de ejercicio de arte y ensayo un abrumador espectáculo. Stone y Kowalsky son víctimas de un accidente espacial producido por los fragmentos de un satélite, que chocan contra un transbordador destruyendo todo a su alrededor y dejando a la deriva los cuerpos de los astronautas protegidos por sus escafandras con una cantidad de oxígeno limitada y a la merced del profundo y tenebroso espacio. El sencillo planteamiento es abordado por Cuarón con fuertes dósis de tensión, ansiedad y espectacularidad que el espectador sin duda apreciará desde la butaca, con una cámara que se convierte en varias ocasiones en el punto de vista de los astronautas. Imágenes tan bellas como las de nuestro planeta azulado, mezclando el verde de la aurora boreal, la roja sangre y las neutras lágrimas a gravedad cero del personaje de Sandra Bullock junto con el fuego que la rodea, hacen de la película un film con calidad estética y dramática de primer orden. 

gravity

El astronauta Kowalsky (Clooney) a base de parlanchina conversación será el caballero andante que insufle el valor suficiente a la inexperta Stone para superar su nerviosismo e inseguridad, ante el acecho de una más que posible muerte para los 2. La película de Cuarón se convierte en toda una declaración del valor y superación de los que tiene que hacerse cargo todo ser humano, para superar cualquier tipo de adversidad aunque la propia muerte sea la que se nos coloque enfrente como bloqueo, anulando nuestra razón para seguir adelante. La única fuerza de atracción hacia el ser humano, además de la de la gravedad universal que se ejerce sobre nuestros cuerpos, debe ser la de salvaguardar nuestras propias vidas y las de nuestros semejantes superando cualquier adversidad venidera con tesón, valentía y valor, por muchos fragmentos de satélite (adversidades) que nos amenacen. Éste es a mi parecer el mensaje que Alfonso Cuarón impregna a todo su film. Una odisea humana en la que la astronauta Stone vuelve a nacer (la escena en la que entra en la cápsula espacial por primera vez me recuerda a un feto en el vientre de su madre) con el poder insuflado por Kowalsky para salvarse y encontrar el camino para vivir, superando una muerte casi segura dada la 'gravedad' de la situación...

gravity


Director: Alfonso Cuarón.

Intérpretes: Sandra Bullock, George Clooney.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

harakiri
Seppuku es un relato ambientado en el Japón feudal, concretamente en 1630, durante un largo período de paz tras finalizar las guerras civiles donde miles de samuráis lucharon con honor dando la vida por sus señores feudales. Pero tras el establecimiento de Shogunato Tokugawa, miles de samurais se encontraron en la calle sin amo, sin trabajo, abocados a la pobreza y a el desamparo. Según dictaba el Bushidō o código samurai, una honrosa salida a tal situación era el ritual de suicidio conocido como Seppuku o Harakiri. La historia comienza cuando un viejo y visiblemente empobrecido rōnin, Tsugumo Hanshirō, que había servido al Clan Geishu antes de su abolición, acude a la casa del Clan Iyi solicitando un lugar digno para practicarse el Harakiri. Sin embargo, en la casa nadie parece apiadarse de este anciano, todo lo contrario, dudan de su palabra y se comenta con bastante desagrado lo molesto que resulta el hecho de que tantos samuráis acudan mendigando a sus puertas. Pensando en que el anciano tan sólo quiere su dinero y no es hombre de palabra, intentan amedrentarlo contándole la historia de un joven samurái, que fingiendo iguales circunstancias, pretendió engañarlos. Comienza así el relato del joven samurai, Motome Chijiiwa, quien también había servido al Clan Geishu y que llegó a la misma Casa bajo la falsa pretensión de practicarse el Harakiri. Sin embargo, la idea del joven era tan sólo obtener unas monedas a cambio y volver a su casa con vida. Pero en esta ocasión el Clan decidió hacer un escarmiento público para disuadir a otros rōnin que acudiesen con la misma intención. Obligaron a Motome a practicarse el Harakiri, pese a conocer que sus espadas eran falsas y fabricadas con bambú, por lo que el suicidio se convirtió en una larga y penosa agonía.

harakiri

Después de escuchar el relato, Hanshirō sigue determinado a practicarse el Harakiri, pero antes de comenzar el ritual, presidido por Kageyu y rodeado de los miembros del Clan, Hanshirō pide relatar los hechos que le han conducido a tal situación. Recurriendo al flashback, el anciano toma su turno de palabra para narrar su vínculo con ese joven Motome Chijiiwa que murió tan cruel y absurdamente en aquella misma casa.  Una vez presentados los personajes y la situación de forma elegante y pausada, el relato dará un giro espectacular al revelar cuál es el verdadero núcleo de la trama. De esta forma, partiendo de una simple narración lineal que se traslada hacia atrás en el tiempo, con capacidad para conectar a su vez diferentes subhistorias, cada una dentro de otra como si de muñecas rusas se tratara, se consigue un ritmo que va ganando en intensidad emocional hasta alcanzar un alto grado de suspense. La intensidad del relato es tal, que sólo puede resolverse con una gran escena final de acción.  Kobayashi fue un gran director de cine injustamente olvidado por el escaso número de películas que han llegado hasta nuestras manos.

harakiri

Al igual que en sus otras obras: "Trilogía de la condición humana" y "Rebelión samurái", nos muestra su gran capacidad de crítica por las rígidas normas japonesas y su gran respeto por las emociones contenidas. Era un gran humanista defensor de la individualidad como un gran valor dentro de la jerarquía impuesta socialmente. Su valentía es palpable en la pantalla donde no duda en reflejar la pobreza y la miseria de esos grandes iconos culturales de Japón, los samuráis, que en realidad fueron abandonados a su suerte tras finalizar las guerras y que tuvieron que mendigar o suicidarse. Para ello utilizó la historia de Yasuhiko Takiguchi, con guión adaptado de Shinobu Hashimoto. Una sencilla pero nítida fotografía en blanco y negro nos deja unos primeros planos intensos, unos grandes encuadres y además, elabora unas escenas de acción muy minuciosas sin ningún tipo de artificio. En esta cinta, se cuestiona el verdadero sentido del honor, de la verdad, de las injusticias amparadas en la tradición y de la crueldad que subyace en los clanes poderosos, tan acomodados y egoístas que han perdido cualquier atisbo de humanidad, así como todos los grandes valores que se supone caracterizaron a la estricta y bien organizada sociedad nipona.

harakiri


Título original: Seppuku (Harakiri) .

Director: Masaki Kobayashi.

Intérpretes: Tatsuya Nakadai, Rentaro Mikuni, Shima Iwashita, Akira Ishihama, Yoshio Inaba, Jo Azumi, Yoshio Aoki,.

Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

HARAKIRI (1962). Los samuráis de Masaki Kobayashi.

harakiri
Seppuku es un relato ambientado en el Japón feudal, concretamente en 1630, durante un largo período de paz tras finalizar las guerras civiles donde miles de samuráis lucharon con honor dando la vida por sus señores feudales. Pero tras el establecimiento de Shogunato Tokugawa, miles de samurais se encontraron en la calle sin amo, sin trabajo, abocados a la pobreza y a el desamparo. Según dictaba el Bushidō o código samurai, una honrosa salida a tal situación era el ritual de suicidio conocido como Seppuku o Harakiri. La historia comienza cuando un viejo y visiblemente empobrecido rōnin, Tsugumo Hanshirō, que había servido al Clan Geishu antes de su abolición, acude a la casa del Clan Iyi solicitando un lugar digno para practicarse el Harakiri. Sin embargo, en la casa nadie parece apiadarse de este anciano, todo lo contrario, dudan de su palabra y se comenta con bastante desagrado lo molesto que resulta el hecho de que tantos samuráis acudan mendigando a sus puertas. Pensando en que el anciano tan sólo quiere su dinero y no es hombre de palabra, intentan amedrentarlo contándole la historia de un joven samurái, que fingiendo iguales circunstancias, pretendió engañarlos. Comienza así el relato del joven samurai, Motome Chijiiwa, quien también había servido al Clan Geishu y que llegó a la misma Casa bajo la falsa pretensión de practicarse el Harakiri. Sin embargo, la idea del joven era tan sólo obtener unas monedas a cambio y volver a su casa con vida. Pero en esta ocasión el Clan decidió hacer un escarmiento público para disuadir a otros rōnin que acudiesen con la misma intención. Obligaron a Motome a practicarse el Harakiri, pese a conocer que sus espadas eran falsas y fabricadas con bambú, por lo que el suicidio se convirtió en una larga y penosa agonía.

harakiri

Después de escuchar el relato, Hanshirō sigue determinado a practicarse el Harakiri, pero antes de comenzar el ritual, presidido por Kageyu y rodeado de los miembros del Clan, Hanshirō pide relatar los hechos que le han conducido a tal situación. Recurriendo al flashback, el anciano toma su turno de palabra para narrar su vínculo con ese joven Motome Chijiiwa que murió tan cruel y absurdamente en aquella misma casa.  Una vez presentados los personajes y la situación de forma elegante y pausada, el relato dará un giro espectacular al revelar cuál es el verdadero núcleo de la trama. De esta forma, partiendo de una simple narración lineal que se traslada hacia atrás en el tiempo, con capacidad para conectar a su vez diferentes subhistorias, cada una dentro de otra como si de muñecas rusas se tratara, se consigue un ritmo que va ganando en intensidad emocional hasta alcanzar un alto grado de suspense. La intensidad del relato es tal, que sólo puede resolverse con una gran escena final de acción.  Kobayashi fue un gran director de cine injustamente olvidado por el escaso número de películas que han llegado hasta nuestras manos.

harakiri

Al igual que en sus otras obras: "Trilogía de la condición humana" y "Rebelión samurái", nos muestra su gran capacidad de crítica por las rígidas normas japonesas y su gran respeto por las emociones contenidas. Era un gran humanista defensor de la individualidad como un gran valor dentro de la jerarquía impuesta socialmente. Su valentía es palpable en la pantalla donde no duda en reflejar la pobreza y la miseria de esos grandes iconos culturales de Japón, los samuráis, que en realidad fueron abandonados a su suerte tras finalizar las guerras y que tuvieron que mendigar o suicidarse. Para ello utilizó la historia de Yasuhiko Takiguchi, con guión adaptado de Shinobu Hashimoto. Una sencilla pero nítida fotografía en blanco y negro nos deja unos primeros planos intensos, unos grandes encuadres y además, elabora unas escenas de acción muy minuciosas sin ningún tipo de artificio. En esta cinta, se cuestiona el verdadero sentido del honor, de la verdad, de las injusticias amparadas en la tradición y de la crueldad que subyace en los clanes poderosos, tan acomodados y egoístas que han perdido cualquier atisbo de humanidad, así como todos los grandes valores que se supone caracterizaron a la estricta y bien organizada sociedad nipona.

harakiri


Título original: Seppuku (Harakiri) .

Director: Masaki Kobayashi.

Intérpretes: Tatsuya Nakadai, Rentaro Mikuni, Shima Iwashita, Akira Ishihama, Yoshio Inaba, Jo Azumi, Yoshio Aoki,.

Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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