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Durante la Gran Guerra, el teniente de aviación Maréchal y el capitán de Estado Mayor Boieldieu son hechos prisioneros y conducidos a un campo de concentración alemán. Tras un intento de evasión, son encerrados en una fortaleza que dirige el capitán Von Rauffenstein, quien como aristócrata hace amistad con Boieldieu. Pero Maréchal y el teniente Rosenthal preparan una nueva evasión, que costará la vida de uno de ellos. Ambos se refugiarán en la casa de una campesina alemana, con la que el primero tendrá un idilio, para cruzar posteriormente la frontera suiza.

Realizada por el maestro Jean Renoir en pleno Frente Popular y a las puertas de La Segunda Guerra Mundial, La gran ilusión pretendía ser un aviso o denuncia de lo que podía ocurrir. A la vez, mostraba las similitudes entre las gentes de los diversos países europeos, ya que los efectos devastadores de la guerra, afectan a todos por igual, sin distinguir nacionalidad alguna. Por otro lado, era una alegoría crítica sobre la desintegración de una clase social, la aristocrática, por excelencia, a la que pertenecían los dos capitanes protagonistas.

Esta obra, con guión de Charles Spaak y del propio Renoir, fotografiada bellísimamente en blanco y negro por Christian Matras es una denuncia fría, pero apasionada de la guerra, una declaración pacifista y humanista en toda regla. Transcurre en un campo de prisioneros de guerra durante la Primera Guerra Mundial, de donde los prisioneros franceses, cumpliendo con su deber, buscan el medio de fugarse. La guerra es eso: unos hombres encerrados por otros hombres. Pero la película nos descubre también otro tema: el del final del antiguo orden, del final del orden aristocrático que había imperado en Europa hasta entonces, el honor y el orden, así como del sistema de clases sociales.

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El oficial francés de clase alta (Pierre Fresnay) tiene más cosas en común con el también aristócrata alemán (Erich von Strogeim), que con sus compatriotas, un mecánico, antes soldado raso, ascendido a oficial (Jean Gabin) y un judío. Ambos militares se profesan un respeto mutuo. El cortés, melancólico y educado capitán alemán desearía poder relacionarse con su colega en otras circunstancias, pero para él el patriotismo es más importante que las diferencias de clase, y que las fronteras mismas entre las clases sociales se han difuminado.

Pero la película tiene una segunda lectura: una vez fuera del campo y siendo libres, los personajes fugados vuelven a ser un trabajador manual y un judío despreciado. La gran ilusión a la que se refiere el título es la de que es fácil superar los prejuicios de clase. La ilusión de la unidad nacional, y de hecho, las divisiones sociales son más fuertes que la aparente cohesión nacida del patriotismo.

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Estamos ante un film poético e intelectual, un film bélico donde no hay trincheras, retaguardias, ni tanques, donde el único disparo que presenciamos sale de la pistola de Rauffesntein. Film perseguido por el Dr. Goebbels, que afirmaba: "es el enemigo cinematográfico número uno" y alabado, a su vez, por el presidente Roosvelt, el cual manifestaba: "todos los demócratas deberían verla", presenta quizá una visión un tanto ambigua de la guerra, al tiempo que su relato cinematográfico ha tenido múltiples y ambivalentes lecturas, puesto que la extrema derecha francesa la vio como un film en defensa del patriotismo y la glorificación de la guerra, haciendo que cada individuo se sacrificase por su país; la ilusión que menciona el título era de los pacifistas: frente al enemigo, hombres que pensaban que eran diferentes descubren que son franceses antes que nada. La extrema izquierda, por su parte, pensó que el film serviría a la causa de la paz estableciendo una clara diferencia entre los aristócratas, soldados profesionales que viven para la guerra, y el resto de los hombres, empujados por la conflagración a pesar suyo. Incluso en 1946, dado el contexto político, y se le dio un vuelco total al sentido de la película se le tachó de invitación al colaboracionismo.

Las actuaciones, que marcan soberbios contrastes (la naturalidad de Jean Gabin, el cual luce en la película el uniforme que Renoir utilizó como piloto de avión durante la Primera Guerra Mundial, frente a la urbanidad educada de Fresnay y de von Stroheim), aumentan el valor de la película, cuyo mensaje se transmite tan sutilmente que, por una parte, recibió un premio en el Festival de Venecia, de orientación claramente fascista por entonces, y por otra, fue prohibida en Francia durante la ocupación por los nazis.

El cautiverio produce la ilusión de la hermandad; la libertad demuestra la realidad de que todavía existen las diferencias de clases. Pero esta joya de Renoir es una bella parábola del pacifismo, la solidaridad y la libertad.

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Título original: La Grande Illusion.

Director: Jean Renoir,

Intérpretes: Jean GabinErich von StroheimPierre FresnayMarcel DalioDita ParloJean DastéJulien CaretteGeorges Péclet,

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

LA GRAN ILUSIÓN (1937). El campo de concentración alemán de Jean Renoir.

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Durante la Gran Guerra, el teniente de aviación Maréchal y el capitán de Estado Mayor Boieldieu son hechos prisioneros y conducidos a un campo de concentración alemán. Tras un intento de evasión, son encerrados en una fortaleza que dirige el capitán Von Rauffenstein, quien como aristócrata hace amistad con Boieldieu. Pero Maréchal y el teniente Rosenthal preparan una nueva evasión, que costará la vida de uno de ellos. Ambos se refugiarán en la casa de una campesina alemana, con la que el primero tendrá un idilio, para cruzar posteriormente la frontera suiza.

Realizada por el maestro Jean Renoir en pleno Frente Popular y a las puertas de La Segunda Guerra Mundial, La gran ilusión pretendía ser un aviso o denuncia de lo que podía ocurrir. A la vez, mostraba las similitudes entre las gentes de los diversos países europeos, ya que los efectos devastadores de la guerra, afectan a todos por igual, sin distinguir nacionalidad alguna. Por otro lado, era una alegoría crítica sobre la desintegración de una clase social, la aristocrática, por excelencia, a la que pertenecían los dos capitanes protagonistas.

Esta obra, con guión de Charles Spaak y del propio Renoir, fotografiada bellísimamente en blanco y negro por Christian Matras es una denuncia fría, pero apasionada de la guerra, una declaración pacifista y humanista en toda regla. Transcurre en un campo de prisioneros de guerra durante la Primera Guerra Mundial, de donde los prisioneros franceses, cumpliendo con su deber, buscan el medio de fugarse. La guerra es eso: unos hombres encerrados por otros hombres. Pero la película nos descubre también otro tema: el del final del antiguo orden, del final del orden aristocrático que había imperado en Europa hasta entonces, el honor y el orden, así como del sistema de clases sociales.

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El oficial francés de clase alta (Pierre Fresnay) tiene más cosas en común con el también aristócrata alemán (Erich von Strogeim), que con sus compatriotas, un mecánico, antes soldado raso, ascendido a oficial (Jean Gabin) y un judío. Ambos militares se profesan un respeto mutuo. El cortés, melancólico y educado capitán alemán desearía poder relacionarse con su colega en otras circunstancias, pero para él el patriotismo es más importante que las diferencias de clase, y que las fronteras mismas entre las clases sociales se han difuminado.

Pero la película tiene una segunda lectura: una vez fuera del campo y siendo libres, los personajes fugados vuelven a ser un trabajador manual y un judío despreciado. La gran ilusión a la que se refiere el título es la de que es fácil superar los prejuicios de clase. La ilusión de la unidad nacional, y de hecho, las divisiones sociales son más fuertes que la aparente cohesión nacida del patriotismo.

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Estamos ante un film poético e intelectual, un film bélico donde no hay trincheras, retaguardias, ni tanques, donde el único disparo que presenciamos sale de la pistola de Rauffesntein. Film perseguido por el Dr. Goebbels, que afirmaba: "es el enemigo cinematográfico número uno" y alabado, a su vez, por el presidente Roosvelt, el cual manifestaba: "todos los demócratas deberían verla", presenta quizá una visión un tanto ambigua de la guerra, al tiempo que su relato cinematográfico ha tenido múltiples y ambivalentes lecturas, puesto que la extrema derecha francesa la vio como un film en defensa del patriotismo y la glorificación de la guerra, haciendo que cada individuo se sacrificase por su país; la ilusión que menciona el título era de los pacifistas: frente al enemigo, hombres que pensaban que eran diferentes descubren que son franceses antes que nada. La extrema izquierda, por su parte, pensó que el film serviría a la causa de la paz estableciendo una clara diferencia entre los aristócratas, soldados profesionales que viven para la guerra, y el resto de los hombres, empujados por la conflagración a pesar suyo. Incluso en 1946, dado el contexto político, y se le dio un vuelco total al sentido de la película se le tachó de invitación al colaboracionismo.

Las actuaciones, que marcan soberbios contrastes (la naturalidad de Jean Gabin, el cual luce en la película el uniforme que Renoir utilizó como piloto de avión durante la Primera Guerra Mundial, frente a la urbanidad educada de Fresnay y de von Stroheim), aumentan el valor de la película, cuyo mensaje se transmite tan sutilmente que, por una parte, recibió un premio en el Festival de Venecia, de orientación claramente fascista por entonces, y por otra, fue prohibida en Francia durante la ocupación por los nazis.

El cautiverio produce la ilusión de la hermandad; la libertad demuestra la realidad de que todavía existen las diferencias de clases. Pero esta joya de Renoir es una bella parábola del pacifismo, la solidaridad y la libertad.

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Título original: La Grande Illusion.

Director: Jean Renoir,

Intérpretes: Jean GabinErich von StroheimPierre FresnayMarcel DalioDita ParloJean DastéJulien CaretteGeorges Péclet,

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Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

siete-hombres-al-amanecer
Basada en hechos reales, y aunque el tema ya fue llevado con anterioridad al cine con la muy superior Los verdugos también mueren (1943). Mientras en éste se recurría a una especulación de lo sucedido, la película de Gilbert basada en la novela de Alan Burgess, recogía la verdad verdadera, eso sí, condensada para facilitar la carga dramática del acontecimiento y con una que otra libertad porque ya sabemos que es mejor imprimir la leyenda.

En 1942 Checoslovaquia vive el régimen del terror por la ocupación nazi en su territorio y el general de las SS Reinhard Heydrich, el carnicero de Praga, es nombrado gobernador, un tipo bastante déspota, que cuando alguien le solicita ayuda para una comunidad checa les responde con todo desdén que le importa un comino lo que le pase a cualquiera de raza eslava y en un acto de provocación se atreve a colocarse la corona de los reyes de Bohemia desafiando la advertencia de que si la persona indebida se la pone morirá dentro de ese año. Ideólogo de la solución final y que además goza de la confianza total de Hitler siendo uno de los poquísimos a quienes escucha y hace caso, incluso si el Führer hubiese muerto, él hubiese sido el nuevo caudillo.

siete-hombres-al-amanecer

Mientras tanto en Inglaterra el servicio secreto recluta a 3 checos refugiados y al servicio del ejército británico para introducirlos en los entonces llamados territorios de Bohemia y Moldavia con el propósito de eliminar al nazi, situación que fracasa por lo que serán reforzados con cuatro agentes más quienes con el apoyo de la resistencia lograrán su objetivo el 26 de Mayo de 1942. Sin embargo los teutones no se andaban con tonterías y comienza una represión brutal incluyendo el borramiento literal del mapa de la población de Lídice, situada cerca de la capital checa, hasta dar con quienes osaron asestar tal golpe.

Filmada en las localidades originales donde ocurrieron los hechos históricos, la película nos trae esa experiencia de verosimilitud aunque enriquecida por ese buen oficio de heroicidad que solían tener todas esas películas bélicas desde El puente sobre el río Kwai (1957) hasta Ha llegado el águila (1976) pasando por esa pléyade de buen cine que mezclaba lo bélico con lo histórico y lo épico. Sabemos a dónde va la historia y sin embargo nos emocionamos al ver a nuestros protagonistas arribando desde el cielo en paracaídas, planeando el golpe pero sobre todo en la segunda mitad cuando los vemos escondiéndose de la furia nazi, siendo delatados por quien menos se lo esperan y el enfrentamiento del cual sabemos que no hay salida, pero por las barbas de Melíes, oramos por un milagro…

siete-hombres-al-amanecer

Protagonizada por un actor que durante los inicios de los 70 parecía iba al estrellato, Timothy Bottoms, loable en la última película de Bogdanovich, entrañable como el estudiante de derecho, Mr Hart, en La Cacería del Diploma de James Bridgess, aquí era el líder del escuadrón suicida checoslovoco, con su carita de niño bueno pero implacable. Lo secundaba Anthony Andrews, ese actor británico que igualmente en los 70 realizó grandes interpretaciones y hasta de Pimpinela Escarlata apareció en una miniserie y luego en Retorno a Brideshead, cuyo personaje leal al anterior será fundamental en la escena de la cripta de San Cirilo. Y no olvidemos a Anton Diffring como el imperturbable Heydrich, de matarlo por convencimiento, por la mimetización que hace de su personaje.

De mano del buen Lewis Gilbert, director bondiano de excelentes películas de acción, pero que de vez en cuando nos ofreció películas muy distintas a su habitual registro como Alfie (1966), Algo más que amigos (1971) y Educando a Rita (1983). Mantiene un ritmo irregular en un nudo que intuimos a dónde va pero nos brinda lo que esperamos, una buena historia.

Al final, como es usual en este tipo de filmes antes de los créditos finales se nos contará el destino de los personajes.

siete-hombres-al-amanecer

Título original: Operation: Daybreak.

Director: Lewis Gilbert.

Intérpretes: Timothy BottomsMartin ShawJoss AcklandNicola PagettAnthony AndrewsAnton DiffringCarl DueringCyril Shaps.

Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

SIETE HOMBRES AL AMANECER (1975). Represión en Checoslovaquia.

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Basada en hechos reales, y aunque el tema ya fue llevado con anterioridad al cine con la muy superior Los verdugos también mueren (1943). Mientras en éste se recurría a una especulación de lo sucedido, la película de Gilbert basada en la novela de Alan Burgess, recogía la verdad verdadera, eso sí, condensada para facilitar la carga dramática del acontecimiento y con una que otra libertad porque ya sabemos que es mejor imprimir la leyenda.

En 1942 Checoslovaquia vive el régimen del terror por la ocupación nazi en su territorio y el general de las SS Reinhard Heydrich, el carnicero de Praga, es nombrado gobernador, un tipo bastante déspota, que cuando alguien le solicita ayuda para una comunidad checa les responde con todo desdén que le importa un comino lo que le pase a cualquiera de raza eslava y en un acto de provocación se atreve a colocarse la corona de los reyes de Bohemia desafiando la advertencia de que si la persona indebida se la pone morirá dentro de ese año. Ideólogo de la solución final y que además goza de la confianza total de Hitler siendo uno de los poquísimos a quienes escucha y hace caso, incluso si el Führer hubiese muerto, él hubiese sido el nuevo caudillo.

siete-hombres-al-amanecer

Mientras tanto en Inglaterra el servicio secreto recluta a 3 checos refugiados y al servicio del ejército británico para introducirlos en los entonces llamados territorios de Bohemia y Moldavia con el propósito de eliminar al nazi, situación que fracasa por lo que serán reforzados con cuatro agentes más quienes con el apoyo de la resistencia lograrán su objetivo el 26 de Mayo de 1942. Sin embargo los teutones no se andaban con tonterías y comienza una represión brutal incluyendo el borramiento literal del mapa de la población de Lídice, situada cerca de la capital checa, hasta dar con quienes osaron asestar tal golpe.

Filmada en las localidades originales donde ocurrieron los hechos históricos, la película nos trae esa experiencia de verosimilitud aunque enriquecida por ese buen oficio de heroicidad que solían tener todas esas películas bélicas desde El puente sobre el río Kwai (1957) hasta Ha llegado el águila (1976) pasando por esa pléyade de buen cine que mezclaba lo bélico con lo histórico y lo épico. Sabemos a dónde va la historia y sin embargo nos emocionamos al ver a nuestros protagonistas arribando desde el cielo en paracaídas, planeando el golpe pero sobre todo en la segunda mitad cuando los vemos escondiéndose de la furia nazi, siendo delatados por quien menos se lo esperan y el enfrentamiento del cual sabemos que no hay salida, pero por las barbas de Melíes, oramos por un milagro…

siete-hombres-al-amanecer

Protagonizada por un actor que durante los inicios de los 70 parecía iba al estrellato, Timothy Bottoms, loable en la última película de Bogdanovich, entrañable como el estudiante de derecho, Mr Hart, en La Cacería del Diploma de James Bridgess, aquí era el líder del escuadrón suicida checoslovoco, con su carita de niño bueno pero implacable. Lo secundaba Anthony Andrews, ese actor británico que igualmente en los 70 realizó grandes interpretaciones y hasta de Pimpinela Escarlata apareció en una miniserie y luego en Retorno a Brideshead, cuyo personaje leal al anterior será fundamental en la escena de la cripta de San Cirilo. Y no olvidemos a Anton Diffring como el imperturbable Heydrich, de matarlo por convencimiento, por la mimetización que hace de su personaje.

De mano del buen Lewis Gilbert, director bondiano de excelentes películas de acción, pero que de vez en cuando nos ofreció películas muy distintas a su habitual registro como Alfie (1966), Algo más que amigos (1971) y Educando a Rita (1983). Mantiene un ritmo irregular en un nudo que intuimos a dónde va pero nos brinda lo que esperamos, una buena historia.

Al final, como es usual en este tipo de filmes antes de los créditos finales se nos contará el destino de los personajes.

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Título original: Operation: Daybreak.

Director: Lewis Gilbert.

Intérpretes: Timothy BottomsMartin ShawJoss AcklandNicola PagettAnthony AndrewsAnton DiffringCarl DueringCyril Shaps.

Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

aliados
Comenzaban ya a quedarle muy lejos a Robert Zemeckis (director) los éxitos de Polar Express (2004) y Cuento de navidad (2009), y la buena recepción de Beowulf, por el camino El vuelo (Flight, 2012) -un vehículo construido alrededor de una set piece aérea monumental y de un actor irrepetible; Denzel Washington- y El desafío (2015), su coqueteo con el Imax que aburrió más que entretuvo. Este 2016, el mítico firmante de Regreso al futuro, Quien engaño a Roger Rabbit o Forrest Gump, vuelve a una época pasada para contarnos Aliados, una fábula sobre una pareja de espías, primero condenados a trabajar juntos sin conocerse, luego a amarse y por último a creerse uno al otro. Aliados se sustenta sobre todo -además de en el nombre y prestigio de su director, en una historia en mitad de la ocupación nazi por Europa y Casablanca- en su diseño de producción y su pareja de actores protagonistas, casi absolutos protagonistas; Marion Cotillard (el auténtico eje del relato) y Brad Pitt (cumpliendo pero sin grandes alardes). Sobre la primera nada que objetar, su talento es su mejor carta de presentación, sabe a la perfección como enfocar personajes altamente complicados –psicológicamente- como el que la ocupa en Aliados; Marianne Beauséjour. Inolvidables fueron ya sus recitales en La vida en rosa, su plano sostenido final de Enemigos publicos y su tremendo papel de esposa hostigadora en sueños de Leonardo Di Caprio en Origen. Por su parte Brad Pitt, quizá por la forma de trabajar que adoptó en este film, no consigue apoderarse de la función o de por lo menos acercarse a la intensidad de su partenaire. Se queda muy  lejos Brad Pitt –considerado uno de los ¿10? actores/actrices capaces de vender ellos solos una película- del carisma que exhiben otros actores que estrenaron este año y que saben cómo y cuándo llenar la pantalla con un primer plano suyo –véase Denzel Washington en Los siete magníficos o Tom Cruise en Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás como ejemplos claros de lo que quiero decir-. Aunque es justo darle a Pitt lo que es suyo, y “lo suyo” es que su actuación sube enteros cuando el film vuela hasta el derruido Londres adornado con el fuego enemigo de los aviones nazis. 

aliados

Es Aliados un film que va transitando géneros, sentimientos, que genera emociones y que provoca nostalgia, aunque en su deber el hecho de no terminar de romper, de decidirse a ir a por todas. Seguramente no era la intención. No siempre un director quiere firmar su obra maestra, a veces solo quiere dirigir. Sobre el citado diseño de producción, decir que el film no estuvo rodado en ningún lugar de África, sino en las Islas de Gran Canaria y Fuerteventura, en nuestro país, que se hizo pasar por tan legendario lugar en aquellos años cuarenta. El resto de la producción se completo en Londres y estudio. Este hecho le da un valor añadido, por mucho que se invirtieran 85 millones contando los sueldos –nada bajos, seguro- de sus dos estrellas.

aliados

En cuanto al tercero en importante del asunto; Bob Zemeckis, este  tira en Aliados del repertorio del director curtido en mil batallas. A estas alturas seguramente nadie duda de que Zemeckis sabe crear con la cámara la atmósfera a la altura de los grandes. Y en eso se concentra en que el entorno acompañe a los actores y los haga brillar aún más. Sus trucos de prestidigitador son; usar como fuegos artificiales, los ataques de mortero y rafagazos del enemigo. Por el camino un auto-homenaje a El vuelo con un avión cayendo ante los ojos de la pareja protagonista, y una buena retahíla de guiños nostálgicos a la obra magna de Michael Curtiz, al cine de espías de Alfred Hitchcock terminando con un intento de traición a El honor de los Prizzi

Aún con todo el despliegue de medios, los momentos más recordados los atrae para sí misma Cotillard, y lo hace a base de sentimiento y manipulación. Pitt adorna, y Cotillard remata. Aliados se gesto para ser un éxito, y quizá la fama que le dieron antes del estreno –la supuesta infidelidad marital de Pitt durante el rodaje- la sentencio antes de ser vista. Lo que ofrece es un serio acercamiento nostálgico a un tipo de films que antes solían ser infalible. En el espectador queda, sí es recordada más por sus líos de revista de papel rosa, que por su indudable calidad artística.

aliados

Título original: Allied.

Director: Robert Zemeckis.

Reparto: Marion Cotillard, Brad Pitt, Jared Harris, August Diehl, Sally Messham, Lizzy Caplan, Simon McBurney, Matthew Goode.

Trailer:


B.S.O:


Reseña escrita por Jonathan Glez

ALIADOS (2016). Siempre nos quedará Casablanca.

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Comenzaban ya a quedarle muy lejos a Robert Zemeckis (director) los éxitos de Polar Express (2004) y Cuento de navidad (2009), y la buena recepción de Beowulf, por el camino El vuelo (Flight, 2012) -un vehículo construido alrededor de una set piece aérea monumental y de un actor irrepetible; Denzel Washington- y El desafío (2015), su coqueteo con el Imax que aburrió más que entretuvo. Este 2016, el mítico firmante de Regreso al futuro, Quien engaño a Roger Rabbit o Forrest Gump, vuelve a una época pasada para contarnos Aliados, una fábula sobre una pareja de espías, primero condenados a trabajar juntos sin conocerse, luego a amarse y por último a creerse uno al otro. Aliados se sustenta sobre todo -además de en el nombre y prestigio de su director, en una historia en mitad de la ocupación nazi por Europa y Casablanca- en su diseño de producción y su pareja de actores protagonistas, casi absolutos protagonistas; Marion Cotillard (el auténtico eje del relato) y Brad Pitt (cumpliendo pero sin grandes alardes). Sobre la primera nada que objetar, su talento es su mejor carta de presentación, sabe a la perfección como enfocar personajes altamente complicados –psicológicamente- como el que la ocupa en Aliados; Marianne Beauséjour. Inolvidables fueron ya sus recitales en La vida en rosa, su plano sostenido final de Enemigos publicos y su tremendo papel de esposa hostigadora en sueños de Leonardo Di Caprio en Origen. Por su parte Brad Pitt, quizá por la forma de trabajar que adoptó en este film, no consigue apoderarse de la función o de por lo menos acercarse a la intensidad de su partenaire. Se queda muy  lejos Brad Pitt –considerado uno de los ¿10? actores/actrices capaces de vender ellos solos una película- del carisma que exhiben otros actores que estrenaron este año y que saben cómo y cuándo llenar la pantalla con un primer plano suyo –véase Denzel Washington en Los siete magníficos o Tom Cruise en Jack Reacher: Nunca vuelvas atrás como ejemplos claros de lo que quiero decir-. Aunque es justo darle a Pitt lo que es suyo, y “lo suyo” es que su actuación sube enteros cuando el film vuela hasta el derruido Londres adornado con el fuego enemigo de los aviones nazis. 

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Es Aliados un film que va transitando géneros, sentimientos, que genera emociones y que provoca nostalgia, aunque en su deber el hecho de no terminar de romper, de decidirse a ir a por todas. Seguramente no era la intención. No siempre un director quiere firmar su obra maestra, a veces solo quiere dirigir. Sobre el citado diseño de producción, decir que el film no estuvo rodado en ningún lugar de África, sino en las Islas de Gran Canaria y Fuerteventura, en nuestro país, que se hizo pasar por tan legendario lugar en aquellos años cuarenta. El resto de la producción se completo en Londres y estudio. Este hecho le da un valor añadido, por mucho que se invirtieran 85 millones contando los sueldos –nada bajos, seguro- de sus dos estrellas.

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En cuanto al tercero en importante del asunto; Bob Zemeckis, este  tira en Aliados del repertorio del director curtido en mil batallas. A estas alturas seguramente nadie duda de que Zemeckis sabe crear con la cámara la atmósfera a la altura de los grandes. Y en eso se concentra en que el entorno acompañe a los actores y los haga brillar aún más. Sus trucos de prestidigitador son; usar como fuegos artificiales, los ataques de mortero y rafagazos del enemigo. Por el camino un auto-homenaje a El vuelo con un avión cayendo ante los ojos de la pareja protagonista, y una buena retahíla de guiños nostálgicos a la obra magna de Michael Curtiz, al cine de espías de Alfred Hitchcock terminando con un intento de traición a El honor de los Prizzi

Aún con todo el despliegue de medios, los momentos más recordados los atrae para sí misma Cotillard, y lo hace a base de sentimiento y manipulación. Pitt adorna, y Cotillard remata. Aliados se gesto para ser un éxito, y quizá la fama que le dieron antes del estreno –la supuesta infidelidad marital de Pitt durante el rodaje- la sentencio antes de ser vista. Lo que ofrece es un serio acercamiento nostálgico a un tipo de films que antes solían ser infalible. En el espectador queda, sí es recordada más por sus líos de revista de papel rosa, que por su indudable calidad artística.

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Título original: Allied.

Director: Robert Zemeckis.

Reparto: Marion Cotillard, Brad Pitt, Jared Harris, August Diehl, Sally Messham, Lizzy Caplan, Simon McBurney, Matthew Goode.

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Reseña escrita por Jonathan Glez

enemigos-a-las-puertas
En el año 1942, antes de que se librara la gran batalla de Stalingrado durante La Segunda Guerra Mundial, el frente Soviético intenta frenar la invasión de las tropas alemanas. El dominio de los alemanes sobre territorio soviético les otorga un gran poder geográfico. Además el avance de las tropas, la invasión soviética tiene como doble objetivo alcanzar los nacimientos de petróleo cercanos a los Urales. Si los alemanes logran abastecerse con el combustible necesario, Europa caerá bajo su fuego. En aquel momento, la ciudad de Stalingrado ha sido arrasada y sitiada, pese a todo, se sigue manteniendo como punto clave y estratégico, no sólo para salvaguardar la dignidad de los soviéticos, sino para evitar que los alemanes alcancen los pozos de petróleo. Stalingrado se convierte así en un enclave de primer orden para frenar la invasión nazi.

Jean-Jacques Annaud construye un film bélico en torno a la figura del famoso francotirador, Vassili Zaitsev (Jude Law) y a la ciudad de Stalingrado para ir engarzando un relato dotado tanto de escenas multitudinarias de acción, como de elementos más íntimos y personales. De este modo, el director equilibra dos mundos opuestos. La muerte, el dolor y la desolación son tan importantes en pantalla como la motivación de los pocos Soviéticos que resisten en una ciudad destruida. El guión elaborado por el propio director en compañía de Alain Godard, no se limita a ensalzar la figura del personaje real Vassili Zaitev, considerado por sus compatriotas como un auténtico héroe.

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El relato cinematográfico goza de un inicio absolutamente magistral de puro cine bélico de acción con un gran despliegue visual. Partiendo de una escena casi minimalista, donde un niño pastor es enseñado a disparar con rifle contra los lobos que atacan al ganado, un gran salto en el tiempo fílmico permitirá arrojar a nuestro protagonista, junto con el resto del ejército soviético, contra los alemanes en una contienda cruel y sangrienta a orillas del Volga. Estos primeros minutos de metraje, pese a la dureza de sus imágenes, nos deleitan con asombrosas escenas de acción, ya sea con excelentes planos aéreos, magníficas escenas marítimas atravesando el Volga y batallas sanguinarias por tierra, donde los soldados mueren acribillados por los alemanes, obligados a mantenerse en sus puestos, ya que desde la retaguardia los pocos supervivientes que intentaban volver eran asesinados por los propios Soviéticos.

En este marco de miseria humana resurge la figura de un soldado, que tras sobrevivir entre los cadáveres agazapado junto a la figura de un comisario político interpretado por Joseph Fiennes, es capaz de afinar su puntería y cazar como a lobos depredadores a un grupo de oficiales alemanes. Esta proeza inicial le salvará la vida y lo convertirá en el héroe que la resistencia soviética necesita para mantener los ánimos y no rendirse frente al enemigo. De este modo, se consigue un nuevo salto estético y narrativo dentro de un relato bélico. La batalla multitudinaria es sustituida por el enfrentamiento solitario de un francotirador que va aniquilando únicamente oficiales alemanes como único modo de vencer al enemigo sin apenas armas o batallones.

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Este relato de recreación bélica se va completando en su desarrollo gracias al envío por parte de los alemanes de su mejor francotirador, el Mayor König, Ed Harris, para que elimine a Vassili. De nuevo el salto de forma y contenido del film pasa a centrarse en el duelo a muerte que mantiene estos dos grandes tiradores. Un duelo actoral y de personajes perfectamente ejecutado.

Este intenso y maquiavélico enfrentamiento desvelará las motivaciones y el mundo emocional de los dos grandes implicados en la contienda. La guerra queda así focalizada y representada únicamente por dos personajes encargados de mantener el hilo narrativo y la tensión de esta terrible contienda.
El director y guionista logra muy hábilmente encapsular el conflicto bélico en la lucha de voluntades y talento entre los dos cazadores. Sus confrontaciones son un reflejo de las estrategias y preparación de los respectivos ejércitos y ayudan enormemente a entender la idiosincrasia de ambos pueblos. De nuevo, Jean-Jacques Annaud demuestra su destreza al profundizar en la complejidad humana, sus contradicciones y sus motivaciones. No sólo enfrenta a dos máquinas de matar, Vassili y el Mayor Köning, el director también sabe reflejar en la pantalla las debilidades y las motivaciones más profundas, que entre tantas muertes absurdas, tanta miseria y masacre, dan algo de esperanza al ser humano.

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Hay quien opina que el guión languidece en altibajos durante la parte central del metraje. Sin embargo, los aspectos técnicos del film son impecables, desde los impresionantes escenarios que muestran la devastación que la guerra ha ocasionado en Stalingrado, hasta los dinámicos efectos que dan vibrante vida a los ataques aéreos y marítimos iniciales. El caos entre tantas muertes y la destrucción de una gran ciudad, ahora en ruinas, retratan vivamente la atrocidad de la guerra y la increíble adaptación del ser humano para sobrevivir en ese entorno.

Los primeros minutos del film son puro cine bélico de acción con planos excelentemente logrados, dotados de gran belleza plástica y estética, muy del estilo de Jean-Jacques Annaud, el cual demuestra una portentosa habilidad para trasladar la gran batalla a un escenario íntimo donde las escenas de acción, entre disparos por miras telescópicas, escondites y posiciones casi imposibles, colocan al espectador en angulaciones espectaculares conseguidas por la portentosa cámara.

Jean-Jacques Annaud con un notable cambio de ritmo en la trama sumerge las escenas de acción en un suspense y una tensión muy logradas, y lo hace a través de una historia, la de un personaje y sus seres queridos, a través de su enemigo y rival, reflejando al mismo tiempo el otro lado de la gran contienda, el que se lidió entre civiles en la retaguardia del gran frente.

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Título original: Enemy at the Gates.

Director: Jean-Jacques Annaud.

Intérpretes: Jude LawJoseph FiennesRachel WeiszEd HarrisBob HoskinsRon PerlmanEva MattesGabriel ThomsonMatthias Habich.

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B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

ENEMIGOS A LAS PUERTAS (2001). La bala que pudo cambiar la historia.

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En el año 1942, antes de que se librara la gran batalla de Stalingrado durante La Segunda Guerra Mundial, el frente Soviético intenta frenar la invasión de las tropas alemanas. El dominio de los alemanes sobre territorio soviético les otorga un gran poder geográfico. Además el avance de las tropas, la invasión soviética tiene como doble objetivo alcanzar los nacimientos de petróleo cercanos a los Urales. Si los alemanes logran abastecerse con el combustible necesario, Europa caerá bajo su fuego. En aquel momento, la ciudad de Stalingrado ha sido arrasada y sitiada, pese a todo, se sigue manteniendo como punto clave y estratégico, no sólo para salvaguardar la dignidad de los soviéticos, sino para evitar que los alemanes alcancen los pozos de petróleo. Stalingrado se convierte así en un enclave de primer orden para frenar la invasión nazi.

Jean-Jacques Annaud construye un film bélico en torno a la figura del famoso francotirador, Vassili Zaitsev (Jude Law) y a la ciudad de Stalingrado para ir engarzando un relato dotado tanto de escenas multitudinarias de acción, como de elementos más íntimos y personales. De este modo, el director equilibra dos mundos opuestos. La muerte, el dolor y la desolación son tan importantes en pantalla como la motivación de los pocos Soviéticos que resisten en una ciudad destruida. El guión elaborado por el propio director en compañía de Alain Godard, no se limita a ensalzar la figura del personaje real Vassili Zaitev, considerado por sus compatriotas como un auténtico héroe.

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El relato cinematográfico goza de un inicio absolutamente magistral de puro cine bélico de acción con un gran despliegue visual. Partiendo de una escena casi minimalista, donde un niño pastor es enseñado a disparar con rifle contra los lobos que atacan al ganado, un gran salto en el tiempo fílmico permitirá arrojar a nuestro protagonista, junto con el resto del ejército soviético, contra los alemanes en una contienda cruel y sangrienta a orillas del Volga. Estos primeros minutos de metraje, pese a la dureza de sus imágenes, nos deleitan con asombrosas escenas de acción, ya sea con excelentes planos aéreos, magníficas escenas marítimas atravesando el Volga y batallas sanguinarias por tierra, donde los soldados mueren acribillados por los alemanes, obligados a mantenerse en sus puestos, ya que desde la retaguardia los pocos supervivientes que intentaban volver eran asesinados por los propios Soviéticos.

En este marco de miseria humana resurge la figura de un soldado, que tras sobrevivir entre los cadáveres agazapado junto a la figura de un comisario político interpretado por Joseph Fiennes, es capaz de afinar su puntería y cazar como a lobos depredadores a un grupo de oficiales alemanes. Esta proeza inicial le salvará la vida y lo convertirá en el héroe que la resistencia soviética necesita para mantener los ánimos y no rendirse frente al enemigo. De este modo, se consigue un nuevo salto estético y narrativo dentro de un relato bélico. La batalla multitudinaria es sustituida por el enfrentamiento solitario de un francotirador que va aniquilando únicamente oficiales alemanes como único modo de vencer al enemigo sin apenas armas o batallones.

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Este relato de recreación bélica se va completando en su desarrollo gracias al envío por parte de los alemanes de su mejor francotirador, el Mayor König, Ed Harris, para que elimine a Vassili. De nuevo el salto de forma y contenido del film pasa a centrarse en el duelo a muerte que mantiene estos dos grandes tiradores. Un duelo actoral y de personajes perfectamente ejecutado.

Este intenso y maquiavélico enfrentamiento desvelará las motivaciones y el mundo emocional de los dos grandes implicados en la contienda. La guerra queda así focalizada y representada únicamente por dos personajes encargados de mantener el hilo narrativo y la tensión de esta terrible contienda.
El director y guionista logra muy hábilmente encapsular el conflicto bélico en la lucha de voluntades y talento entre los dos cazadores. Sus confrontaciones son un reflejo de las estrategias y preparación de los respectivos ejércitos y ayudan enormemente a entender la idiosincrasia de ambos pueblos. De nuevo, Jean-Jacques Annaud demuestra su destreza al profundizar en la complejidad humana, sus contradicciones y sus motivaciones. No sólo enfrenta a dos máquinas de matar, Vassili y el Mayor Köning, el director también sabe reflejar en la pantalla las debilidades y las motivaciones más profundas, que entre tantas muertes absurdas, tanta miseria y masacre, dan algo de esperanza al ser humano.

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Hay quien opina que el guión languidece en altibajos durante la parte central del metraje. Sin embargo, los aspectos técnicos del film son impecables, desde los impresionantes escenarios que muestran la devastación que la guerra ha ocasionado en Stalingrado, hasta los dinámicos efectos que dan vibrante vida a los ataques aéreos y marítimos iniciales. El caos entre tantas muertes y la destrucción de una gran ciudad, ahora en ruinas, retratan vivamente la atrocidad de la guerra y la increíble adaptación del ser humano para sobrevivir en ese entorno.

Los primeros minutos del film son puro cine bélico de acción con planos excelentemente logrados, dotados de gran belleza plástica y estética, muy del estilo de Jean-Jacques Annaud, el cual demuestra una portentosa habilidad para trasladar la gran batalla a un escenario íntimo donde las escenas de acción, entre disparos por miras telescópicas, escondites y posiciones casi imposibles, colocan al espectador en angulaciones espectaculares conseguidas por la portentosa cámara.

Jean-Jacques Annaud con un notable cambio de ritmo en la trama sumerge las escenas de acción en un suspense y una tensión muy logradas, y lo hace a través de una historia, la de un personaje y sus seres queridos, a través de su enemigo y rival, reflejando al mismo tiempo el otro lado de la gran contienda, el que se lidió entre civiles en la retaguardia del gran frente.

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Título original: Enemy at the Gates.

Director: Jean-Jacques Annaud.

Intérpretes: Jude LawJoseph FiennesRachel WeiszEd HarrisBob HoskinsRon PerlmanEva MattesGabriel ThomsonMatthias Habich.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

la-reina-de-áfrica
Congo Belga, 1914. Al fallecer el reverendo Sawyer durante la Primera Guerra Mundial, su hermana Rose una cristiana metodista, estricta y solterona (Katharine Hepburn) atrapada en medio del conflicto bélico, se tiene que ocupar sola de la mansión, que ha sido abandonada por los nativos debido al avance de las tropas alemanas. En pleno fervor patriótico, Rose convencen al maquinista borrachín, bebedor de ginebra Charlie Allnutt (Humphrey Bogart), quien transporta en su vieja embarcación "The African Queen" explosivos destinados a las explotaciones mineras, para que la conduzca río abajo por río Uganda y juntos hundan al petrolero enemigo, a los alemanes, con un torpedo de fabricación casera.

Con guión de James Agee y John Huston, basada en la novela homónima de Cecil Scott Forester, 1935, La Reina de África, es una reconocida obra maestra del género de aventuras, debido a la excelente dirección de Huston, aunque se comenta que Huston estaba más interesado en cazar elefantes que en filmar esta obra maestra, ya que era un consumado cazador, y así lo cuenta uno de los guionistas no acreditados de la película, Pieter Viertel, marido de Deborah Kerr, en su novela "Cazador Blanco, Corazón negro" utilizada por Clint Eastwood para su película sobre este rodaje con el mismo nombre. Pero sin duda, al duelo interpretativo de la pareja Bogart-Hepburn y el hecho de retratar de una manera muy sutil la mentalidad imperialista y el espíritu y ocaso de los poderes coloniales. La aventura, sin embargo, va a quedar en segundo plano en favor de la relación amorosa de Charlie y Rose.

la-reina-de-áfrica

El film está lleno de exóticas imágenes fluviales rodado en espacios naturales africanos, el cual fue enormemente accidentado, pues gran parte del equipo sufrió de malaria y disentería sufriendo horribles diarreas debido a las insalubres aguas que tuvieron que beber, así como plagas de hormigas e insectos varios, a excepción de Boogey y Huston, ya que éstos no bebían agua, sino whiskey. Rodado enteramente en Uganda y las secuencias fluviales se filmaron en el río Lualaba y en el lago Uganda. Las dificultades del rodaje obligaron a todo el equipo a trasladarse a Londres para acabar la película. Se rodaron en estudio todas las escenas en que Kate y Bogart empujan en el agua la 'Reina de África' y aquellas en que el barco es arrastrado por las aguas de los rápidos.

Cuando John Huston llamó a Humphrey Bogart para ofrecerle el papel, éste le comentó a su esposa Lauren Bacall: "El Monstruo quiere que vaya a rodar en plena selva africana, con cuarenta grados a la sombra, en una aldea plagada de mosquitos y rodeada de animales salvajes. Naturalmente, he aceptado..."Bogart interpretó su personaje con una entrega fascinante y una ironía socarrona, con el que consiguió el único Óscar de su carrera. Hepburn no le anda a la zaga, dándole una réplica perfecta. Ambos están sublimes, en perfecta química y a Huston le corresponde el mérito de haber conseguido la mejor pareja de actores veteranos tan dispares como ellos para realizar una película romántica y de aventuras, fotografiando la selva de una forma muy atractiva por Jack Cardiff, en la que se contiene unos brillantes diálogos, llenos de humor, ingenio, pero también de ternura.

la-reina-de-áfrica

Durante la travesía, llena de aventuras y fatalidades por el río, Rose y Charlie experimentan lo impenetrable que es la vida en la jungla, y Rose se va rindiendo poco a poco, al encanto poco convencional de Charly. Ambos sufren una evolución en sus personalidades durante la travesía, aboliendo sus roles arquetípicos, ella, una puritana y remilgada misionera inglesa, se dulcifica, gracias al amor que siente por Charly. Él, un desastroso y borracho capitán norteamericano de un barco de vapor, se convierte en un hombre valiente y responsable, después de dejar al alcohol.

Ambos encarnan un mundo socialmente opuesto, ambos son antagonistas, se detestaban y se sirvieron mutuamente como tabla de salvación de sus vidas de perdedores, mediante el acercamiento paulatino de uno hacia el otro, del todo convincente; el destino los une y poco a poco, la azarosa travesía, a modo viaje catártico se encargará de ir creando un precioso y digno romance, y dejando una entretenida, deliciosa y conmovedora película llena de humor y ternura. La Reina de África pertenece a ese tipo película, que aunque habiéndola revisado decenas de veces, siempre nos deja con una agradable sensación. La sensación que solo nos dejas algunas auténticas maravillas del género.

la-reina-de-áfrica

Frase para recordar: -¡“Ya no me da pena, vieja loca solterona, cantadora de salmos!”

Título original: The African Queen.

Director: John Huston.

Intérpretes: Humphrey BogartKatharine HepburnRobert MorleyPeter BullTheodore BikelWalter GotellPeter Swanwick.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

LA REINA DE ÁFRICA (1951). Las exóticas aventuras de Humphrey Bogart y Katharine Hepburn.

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Congo Belga, 1914. Al fallecer el reverendo Sawyer durante la Primera Guerra Mundial, su hermana Rose una cristiana metodista, estricta y solterona (Katharine Hepburn) atrapada en medio del conflicto bélico, se tiene que ocupar sola de la mansión, que ha sido abandonada por los nativos debido al avance de las tropas alemanas. En pleno fervor patriótico, Rose convencen al maquinista borrachín, bebedor de ginebra Charlie Allnutt (Humphrey Bogart), quien transporta en su vieja embarcación "The African Queen" explosivos destinados a las explotaciones mineras, para que la conduzca río abajo por río Uganda y juntos hundan al petrolero enemigo, a los alemanes, con un torpedo de fabricación casera.

Con guión de James Agee y John Huston, basada en la novela homónima de Cecil Scott Forester, 1935, La Reina de África, es una reconocida obra maestra del género de aventuras, debido a la excelente dirección de Huston, aunque se comenta que Huston estaba más interesado en cazar elefantes que en filmar esta obra maestra, ya que era un consumado cazador, y así lo cuenta uno de los guionistas no acreditados de la película, Pieter Viertel, marido de Deborah Kerr, en su novela "Cazador Blanco, Corazón negro" utilizada por Clint Eastwood para su película sobre este rodaje con el mismo nombre. Pero sin duda, al duelo interpretativo de la pareja Bogart-Hepburn y el hecho de retratar de una manera muy sutil la mentalidad imperialista y el espíritu y ocaso de los poderes coloniales. La aventura, sin embargo, va a quedar en segundo plano en favor de la relación amorosa de Charlie y Rose.

la-reina-de-áfrica

El film está lleno de exóticas imágenes fluviales rodado en espacios naturales africanos, el cual fue enormemente accidentado, pues gran parte del equipo sufrió de malaria y disentería sufriendo horribles diarreas debido a las insalubres aguas que tuvieron que beber, así como plagas de hormigas e insectos varios, a excepción de Boogey y Huston, ya que éstos no bebían agua, sino whiskey. Rodado enteramente en Uganda y las secuencias fluviales se filmaron en el río Lualaba y en el lago Uganda. Las dificultades del rodaje obligaron a todo el equipo a trasladarse a Londres para acabar la película. Se rodaron en estudio todas las escenas en que Kate y Bogart empujan en el agua la 'Reina de África' y aquellas en que el barco es arrastrado por las aguas de los rápidos.

Cuando John Huston llamó a Humphrey Bogart para ofrecerle el papel, éste le comentó a su esposa Lauren Bacall: "El Monstruo quiere que vaya a rodar en plena selva africana, con cuarenta grados a la sombra, en una aldea plagada de mosquitos y rodeada de animales salvajes. Naturalmente, he aceptado..."Bogart interpretó su personaje con una entrega fascinante y una ironía socarrona, con el que consiguió el único Óscar de su carrera. Hepburn no le anda a la zaga, dándole una réplica perfecta. Ambos están sublimes, en perfecta química y a Huston le corresponde el mérito de haber conseguido la mejor pareja de actores veteranos tan dispares como ellos para realizar una película romántica y de aventuras, fotografiando la selva de una forma muy atractiva por Jack Cardiff, en la que se contiene unos brillantes diálogos, llenos de humor, ingenio, pero también de ternura.

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Durante la travesía, llena de aventuras y fatalidades por el río, Rose y Charlie experimentan lo impenetrable que es la vida en la jungla, y Rose se va rindiendo poco a poco, al encanto poco convencional de Charly. Ambos sufren una evolución en sus personalidades durante la travesía, aboliendo sus roles arquetípicos, ella, una puritana y remilgada misionera inglesa, se dulcifica, gracias al amor que siente por Charly. Él, un desastroso y borracho capitán norteamericano de un barco de vapor, se convierte en un hombre valiente y responsable, después de dejar al alcohol.

Ambos encarnan un mundo socialmente opuesto, ambos son antagonistas, se detestaban y se sirvieron mutuamente como tabla de salvación de sus vidas de perdedores, mediante el acercamiento paulatino de uno hacia el otro, del todo convincente; el destino los une y poco a poco, la azarosa travesía, a modo viaje catártico se encargará de ir creando un precioso y digno romance, y dejando una entretenida, deliciosa y conmovedora película llena de humor y ternura. La Reina de África pertenece a ese tipo película, que aunque habiéndola revisado decenas de veces, siempre nos deja con una agradable sensación. La sensación que solo nos dejas algunas auténticas maravillas del género.

la-reina-de-áfrica

Frase para recordar: -¡“Ya no me da pena, vieja loca solterona, cantadora de salmos!”

Título original: The African Queen.

Director: John Huston.

Intérpretes: Humphrey BogartKatharine HepburnRobert MorleyPeter BullTheodore BikelWalter GotellPeter Swanwick.

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Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

peggy-sue-se-casó
¿Y si el viaje en el tiempo se nos permitiera en nuestro propio cuerpo y para darnos una segunda oportunidad? Esta vez no para modificar los hechos presentes sino para aprovechar nuestra juventud con la experiencia y conocimientos ganados con los años. ¿Volveríamos a enamorarnos de quien nos enamoramos? ¿Volveríamos a rechazar a gente motivados por nuestros, entonces, estúpidos prejuicios? ¿Nos tomaríamos el tiempo suficiente para dedicarle el tiempo suficiente a nuestra familia sabiendo que es su amor lo más importante e incondicional? ¿Haríamos quizá algo aventurado pero que por aquella época no nos pareció lo correcto o fue solo por temor al qué dirían? A Peggy Sue le ocurrió.

En el año 1985, Francis Ford Coppola recibió esta película de encargo. Por aquel entonces necesitaba dinero, el vil metal, caso contrario el edificio Sentinel, sede del Zoetrope, tenía que venderse. La remuneración recibida por Rip Van Winkle y Captain Eo no fueron suficientes y esperaba que con esta fantasía podría equilibrar su finanzas, eso sí, el guión original fue modificado pues mientras Kathleen Turner terminaba de filmar "La joya del Nilo (1985)", Francis convirtió una comedia ligera en un estudio sobre el paso del tiempo, la familia, el amor y la nostalgia.

peggy-sue-se-casó

Peggy Sue es una mujer cuarentona en proceso de divorcio con su esposo Charlie, novios desde la secundaria e involucrados en un matrimonio rutinario donde él ha optado por ser infiel. Se celebran los 25 años de graduación del cole e igual que hace cuarto de siglo ella es coronada reina, sin embargo sufre un desmayo y al despertar se encuentra que ha vuelto en el tiempo.

El éxito de Regreso al futuro el año anterior eclipsó totalmente a este filme. No es por criticar el filme de Robert Zemeckis, que es excepcional por más de una razón, sin embargo toda la atención se volcó a las aventuras de Marty McFly y casi nadie reparó en esta historia a pesar que tuvo 3 nominaciones al Óscar incluyendo a mejor actriz. Peggy Sue se casó, es algo así como un híbrido entre una fábula y una parábola, no importa si el espectador no se cree lo del viaje al pasado porque muy bien puede ser un ensueño de la protagonista y lo que acontece pueden ser solo los deseos de ella para alterar un presente sin futuro. Las escenas de los años 60 donde fue feliz son filmadas con mucho brillo especialmente la visita a la casa de sus abuelos, aquel reencuentro la emociona (y creo que a nosotros por igual) al punto de las lágrimas. Peggy Sue sabe que un día los perdió pero es en esta escena de recuperación donde se da cuenta que las cosas pueden ir por otro sendero y rechazará al bobalicón de su actual marido (estrella musical de pueblo), hará amistad con el nerd de su clase pues él puede admitir la posibilidad de que ella venga de otro tiempo y se dará el gusto de tener una noche de pasión con el rebelde que algún día le dedicará un poema agradeciéndole una noche maravillosa. No obstante y para recordar la marca de fábrica, Coppola insistirá en los valores de familia, lo cual también incluye un desenlace donde la aceptación se levanta sobre el conformismo.

peggy-sue-se-casó

Pues Charlie (Nicholas Cage, antes que se crea superstar) tampoco es que aceptará fácilmente que su amada se le vaya y luchará por ella, cosa que recordará a Peggy Sue que hubo un instante en el cual ella lo amó con locura, que es cierto que la vida te lleva a dónde menos te esperas, pero que es uno mismo quien permite que las cosas sean así porque si no luchas por lo que quieres y dejas que sean las circunstancias las que dominen tu destino, entonces ¿para qué vives?

Hay una escena muy divertida en la cual podemos ver la determinación del novio por mantener su relación. El abuelo de la muchacha, masón perteneciente a una logia presuntamente fundada por un viajero del tiempo, organiza una ceremonia para devolverla a su época y en medio de la tormenta se va la luz, circunstancia que aprovecha el chico para secuestrar a su pretendida aunque los otros piensen que tuvieron éxito y se van a celebrar. Charlie ha decidido quedarse con ella y aquello provoca que Peggy Sue se replantee su situación.

Una película “menor” del gran Coppola, pero sigue siendo del gran maestro a pesar de lo edulcorada que pudiera parecer a primera vista. Peggy Sue se casó y bien diríamos que si el matrimonio no funciona para qué continuar con una farsa, no obstante no es el contrato matrimonial lo que perdura sino el vínculo emocional y afectivo lo que conduce a una reinvención de una relación agotada pero todavía viva.

peggy-sue-se-casó

Título original: Peggy Sue Got Married.

Director: Francis Ford Coppola.

Intérpretes: Kathleen TurnerNicolas CageBarry MillerHelen HuntJim CarreyJoan AllenCatherine HicksKevin J. O'ConnorLisa Jane Persky

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

PEGGY SUE SE CASÓ (1986). El viaje en el tiempo de Kathleen Turner.

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¿Y si el viaje en el tiempo se nos permitiera en nuestro propio cuerpo y para darnos una segunda oportunidad? Esta vez no para modificar los hechos presentes sino para aprovechar nuestra juventud con la experiencia y conocimientos ganados con los años. ¿Volveríamos a enamorarnos de quien nos enamoramos? ¿Volveríamos a rechazar a gente motivados por nuestros, entonces, estúpidos prejuicios? ¿Nos tomaríamos el tiempo suficiente para dedicarle el tiempo suficiente a nuestra familia sabiendo que es su amor lo más importante e incondicional? ¿Haríamos quizá algo aventurado pero que por aquella época no nos pareció lo correcto o fue solo por temor al qué dirían? A Peggy Sue le ocurrió.

En el año 1985, Francis Ford Coppola recibió esta película de encargo. Por aquel entonces necesitaba dinero, el vil metal, caso contrario el edificio Sentinel, sede del Zoetrope, tenía que venderse. La remuneración recibida por Rip Van Winkle y Captain Eo no fueron suficientes y esperaba que con esta fantasía podría equilibrar su finanzas, eso sí, el guión original fue modificado pues mientras Kathleen Turner terminaba de filmar "La joya del Nilo (1985)", Francis convirtió una comedia ligera en un estudio sobre el paso del tiempo, la familia, el amor y la nostalgia.

peggy-sue-se-casó

Peggy Sue es una mujer cuarentona en proceso de divorcio con su esposo Charlie, novios desde la secundaria e involucrados en un matrimonio rutinario donde él ha optado por ser infiel. Se celebran los 25 años de graduación del cole e igual que hace cuarto de siglo ella es coronada reina, sin embargo sufre un desmayo y al despertar se encuentra que ha vuelto en el tiempo.

El éxito de Regreso al futuro el año anterior eclipsó totalmente a este filme. No es por criticar el filme de Robert Zemeckis, que es excepcional por más de una razón, sin embargo toda la atención se volcó a las aventuras de Marty McFly y casi nadie reparó en esta historia a pesar que tuvo 3 nominaciones al Óscar incluyendo a mejor actriz. Peggy Sue se casó, es algo así como un híbrido entre una fábula y una parábola, no importa si el espectador no se cree lo del viaje al pasado porque muy bien puede ser un ensueño de la protagonista y lo que acontece pueden ser solo los deseos de ella para alterar un presente sin futuro. Las escenas de los años 60 donde fue feliz son filmadas con mucho brillo especialmente la visita a la casa de sus abuelos, aquel reencuentro la emociona (y creo que a nosotros por igual) al punto de las lágrimas. Peggy Sue sabe que un día los perdió pero es en esta escena de recuperación donde se da cuenta que las cosas pueden ir por otro sendero y rechazará al bobalicón de su actual marido (estrella musical de pueblo), hará amistad con el nerd de su clase pues él puede admitir la posibilidad de que ella venga de otro tiempo y se dará el gusto de tener una noche de pasión con el rebelde que algún día le dedicará un poema agradeciéndole una noche maravillosa. No obstante y para recordar la marca de fábrica, Coppola insistirá en los valores de familia, lo cual también incluye un desenlace donde la aceptación se levanta sobre el conformismo.

peggy-sue-se-casó

Pues Charlie (Nicholas Cage, antes que se crea superstar) tampoco es que aceptará fácilmente que su amada se le vaya y luchará por ella, cosa que recordará a Peggy Sue que hubo un instante en el cual ella lo amó con locura, que es cierto que la vida te lleva a dónde menos te esperas, pero que es uno mismo quien permite que las cosas sean así porque si no luchas por lo que quieres y dejas que sean las circunstancias las que dominen tu destino, entonces ¿para qué vives?

Hay una escena muy divertida en la cual podemos ver la determinación del novio por mantener su relación. El abuelo de la muchacha, masón perteneciente a una logia presuntamente fundada por un viajero del tiempo, organiza una ceremonia para devolverla a su época y en medio de la tormenta se va la luz, circunstancia que aprovecha el chico para secuestrar a su pretendida aunque los otros piensen que tuvieron éxito y se van a celebrar. Charlie ha decidido quedarse con ella y aquello provoca que Peggy Sue se replantee su situación.

Una película “menor” del gran Coppola, pero sigue siendo del gran maestro a pesar de lo edulcorada que pudiera parecer a primera vista. Peggy Sue se casó y bien diríamos que si el matrimonio no funciona para qué continuar con una farsa, no obstante no es el contrato matrimonial lo que perdura sino el vínculo emocional y afectivo lo que conduce a una reinvención de una relación agotada pero todavía viva.

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Título original: Peggy Sue Got Married.

Director: Francis Ford Coppola.

Intérpretes: Kathleen TurnerNicolas CageBarry MillerHelen HuntJim CarreyJoan AllenCatherine HicksKevin J. O'ConnorLisa Jane Persky

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B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

viaje-al-fin-del-universo
En el año 2163 la nave Ikarie-Xb1 es enviada desde la Tierra a explorar el "Planeta Blanco", perteneciente a la galaxia Alfa Centauri. Viajando a una velocidad cercana a  la luz, el viaje durará aproximadamente 28 meses, aunque debido a los efectos de la relatividad habrán pasado 15 años en la Tierra cuando los miembros de la  tripulación lleguen a su destino."El tiempo vuela".

Estrenada en un momento tan fascinante para el cine de su país como fue la "Nueva Ola Checoeslovaca (1963-1969)", "Ikarie Xb-1" o "Voyage to the End of the universe", como fue renombrada por la mítica productora de Serie B  American International Pictures, (con recorte de 20 minutos y rodaje de un nuevo final mas comercial) es uno de los escasos ejemplos de cine de ciencia ficción surgidos en la Europa del Este,al igual que el film soviético "Planeta Bur (1962)", y junto a esa obra maestra indiscutible del género que acometió Andrei Tarkovsky, "Solaris (1972)". Precisamente Ikarie Xb-1 está basada, al igual que el film de Tarkovsky, en una novela de Stanislaw Lem, "La nube de Magallanes", y al contrario de lo que opinaba Lem sobre la adaptación de Solaris: "Este tío convirtió mi libro en Crimen y castigo", para el novelista polaco, Ikarie Xb-1 fue la mejor adaptación al cine de una de sus novelas.

viaje-al-fin-del-universo

Aunque en este film de Jindrich Polák se dejan ver influencias de "Planeta Prohibido (1956)", sobre todo en el claro homenaje a su robot, Robby, ya que entre los tripulantes de la nave se encuentra otro robot, Patrick, con un diseño muy parecido, es más comentada  su influencia en el cine de ciencia-ficción posterior. En los magníficos decorados de la nave así como los vestuarios de los científicos, muchos estudiosos han visto similitudes con "2001: una odisea del espacio (1968)" de Stanley Kubrick, aspecto fácilmente corroborable tras el visionado de ambos films. Pero es más llamativo aún que la American International Pictures rodara un final alternativo para su distribución americana, sustituyendo el final de la película checa ; tras un viaje lleno de dificultades, donde pierden a dos de sus miembros debido a una explosión nuclear al encontrar una nave abandonada cuyos pasajeros  con aspecto del siglo XX se encuentran todos muertos, y tras sufrir toda la tripulación  colapsos mentales debido a la radiación emitida por la "Estrella Oscura", el Ikarie Xb-1 consigue llegar al "Planeta Blanco" y sus equipos electrónicos detectan que existe vida en el  nuevo destino.Sin embargo el final no puede ser mas abierto, ya que el film termina justo cuando la nave empieza a vislumbrar el relieve del planeta y sus formas, que aunque no lleguemos a reconocer,nos son profundamente familiares.El final rodado por la AIP sustituía ese críptico final por otro bastante mas obvio : lo que encuentran los tripulantes al llegar al "Planeta Blanco" es la ciudad de Nueva York y la Estatua de la Libertad... y como todos sabemos en la posterior "El planeta de los simios (1968)" de Franklin J. Schaffner encontramos un final muy similar.

viaje-al-fin-del-universo

En el guión, escrito conjuntamente con el director del film Jindrich Polák, encontramos a otro de los artífices de la Nueva Ola Checoeslovaca; Pavel Juráček, también director y guionista formado en la inflluyente  FAMU de Praga al igual que todos los miembros de tan original e importante movimiento fílmico que aún espera un reconocimiento tan destacado como el que sí tuvieron sus coetáneos de la  Novelle Vague o el Free Cinema. En el apartado técnico destacar la gran  fotografía en blanco y negro de Jan Kališ, con una inquietante profundidad de campo dentro de la nave, que en ocasiones un montaje demasiado brusco amenaza con romper su atmósfera y narrativa.La banda sonora, como casi siempre en el cine de ciencia ficción, tiene gran peso en la película, como demuestra esa original y siniestra música de Zdeněk Liška en momentos tan sugerentes como el baile de etiqueta que organizan dentro de la nave.

A pesar del  éxito a su paso por el  Festival de Cine de Ciencia Ficción de Trieste en 1963, hasta 2005 que se editó en DVD en su versión original checa, la única forma de verla en Occidente era a través de la horrenda y mutilada versión de la AIP y el festival de Cannes de 2016 incluyó pases especiales de su restauración para que los aficionados al género descubran uno de los clásicos mas interesantes de la ciencia-ficción europea.

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Título original: Ikarie XB-1.

Director: Jindrich Polák.

Intérpretes: Zdenek Stepánek, Frantisek Smolík, Dana Medrická, Irena Kacírková, Radovan Lukavský, Otto Lackovic, Miroslav Machácek.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

VIAJE AL FIN DEL UNIVERSO (1963). El clásico de ciencia ficción de serie B de Jindrich Polák.

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En el año 2163 la nave Ikarie-Xb1 es enviada desde la Tierra a explorar el "Planeta Blanco", perteneciente a la galaxia Alfa Centauri. Viajando a una velocidad cercana a  la luz, el viaje durará aproximadamente 28 meses, aunque debido a los efectos de la relatividad habrán pasado 15 años en la Tierra cuando los miembros de la  tripulación lleguen a su destino."El tiempo vuela".

Estrenada en un momento tan fascinante para el cine de su país como fue la "Nueva Ola Checoeslovaca (1963-1969)", "Ikarie Xb-1" o "Voyage to the End of the universe", como fue renombrada por la mítica productora de Serie B  American International Pictures, (con recorte de 20 minutos y rodaje de un nuevo final mas comercial) es uno de los escasos ejemplos de cine de ciencia ficción surgidos en la Europa del Este,al igual que el film soviético "Planeta Bur (1962)", y junto a esa obra maestra indiscutible del género que acometió Andrei Tarkovsky, "Solaris (1972)". Precisamente Ikarie Xb-1 está basada, al igual que el film de Tarkovsky, en una novela de Stanislaw Lem, "La nube de Magallanes", y al contrario de lo que opinaba Lem sobre la adaptación de Solaris: "Este tío convirtió mi libro en Crimen y castigo", para el novelista polaco, Ikarie Xb-1 fue la mejor adaptación al cine de una de sus novelas.

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Aunque en este film de Jindrich Polák se dejan ver influencias de "Planeta Prohibido (1956)", sobre todo en el claro homenaje a su robot, Robby, ya que entre los tripulantes de la nave se encuentra otro robot, Patrick, con un diseño muy parecido, es más comentada  su influencia en el cine de ciencia-ficción posterior. En los magníficos decorados de la nave así como los vestuarios de los científicos, muchos estudiosos han visto similitudes con "2001: una odisea del espacio (1968)" de Stanley Kubrick, aspecto fácilmente corroborable tras el visionado de ambos films. Pero es más llamativo aún que la American International Pictures rodara un final alternativo para su distribución americana, sustituyendo el final de la película checa ; tras un viaje lleno de dificultades, donde pierden a dos de sus miembros debido a una explosión nuclear al encontrar una nave abandonada cuyos pasajeros  con aspecto del siglo XX se encuentran todos muertos, y tras sufrir toda la tripulación  colapsos mentales debido a la radiación emitida por la "Estrella Oscura", el Ikarie Xb-1 consigue llegar al "Planeta Blanco" y sus equipos electrónicos detectan que existe vida en el  nuevo destino.Sin embargo el final no puede ser mas abierto, ya que el film termina justo cuando la nave empieza a vislumbrar el relieve del planeta y sus formas, que aunque no lleguemos a reconocer,nos son profundamente familiares.El final rodado por la AIP sustituía ese críptico final por otro bastante mas obvio : lo que encuentran los tripulantes al llegar al "Planeta Blanco" es la ciudad de Nueva York y la Estatua de la Libertad... y como todos sabemos en la posterior "El planeta de los simios (1968)" de Franklin J. Schaffner encontramos un final muy similar.

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En el guión, escrito conjuntamente con el director del film Jindrich Polák, encontramos a otro de los artífices de la Nueva Ola Checoeslovaca; Pavel Juráček, también director y guionista formado en la inflluyente  FAMU de Praga al igual que todos los miembros de tan original e importante movimiento fílmico que aún espera un reconocimiento tan destacado como el que sí tuvieron sus coetáneos de la  Novelle Vague o el Free Cinema. En el apartado técnico destacar la gran  fotografía en blanco y negro de Jan Kališ, con una inquietante profundidad de campo dentro de la nave, que en ocasiones un montaje demasiado brusco amenaza con romper su atmósfera y narrativa.La banda sonora, como casi siempre en el cine de ciencia ficción, tiene gran peso en la película, como demuestra esa original y siniestra música de Zdeněk Liška en momentos tan sugerentes como el baile de etiqueta que organizan dentro de la nave.

A pesar del  éxito a su paso por el  Festival de Cine de Ciencia Ficción de Trieste en 1963, hasta 2005 que se editó en DVD en su versión original checa, la única forma de verla en Occidente era a través de la horrenda y mutilada versión de la AIP y el festival de Cannes de 2016 incluyó pases especiales de su restauración para que los aficionados al género descubran uno de los clásicos mas interesantes de la ciencia-ficción europea.

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Título original: Ikarie XB-1.

Director: Jindrich Polák.

Intérpretes: Zdenek Stepánek, Frantisek Smolík, Dana Medrická, Irena Kacírková, Radovan Lukavský, Otto Lackovic, Miroslav Machácek.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

paris-texas
La escena de apertura de la película es un gran plano aéreo del desierto, donde tras un recorrido espectacular al nivel de las cumbres, el mismo plano se centra en la pequeña figura de un hombre que camina en mitad del desierto. Vestido con traje de chaqueta y tras dar su último sorbo de agua, sigue caminando por parajes salvajes hasta llegar a una pequeña gasolinera. Su cara está muy quemada por el sol, su aspecto está muy descuidado y una barba le cubre el rostro. Al intentar probar un trozo de hielo, se niega a coger cerveza de la nevera, cae desplomado en el acto.

Un doctor de un pequeño pueblo cerca de la frontera mexicana con Texas lo examina e intenta interrogarlo. El paciente permanece casi inmóvil, despierto, pero desconectado completamente del medio, no contesta ni una sola pregunta sobre su identidad. Entre sus pertenencias hay una tarjeta de visita que pertenece a su hermano (Dean Stockwell). El hermano no duda en ir a recogerlo tras haber pasado cuatro años sin saber nada de él y haber acogido, como si fuera su propio hijo, al pequeño sobrino de tres años que fue abandonado una noche en la puerta de su casa .

Nuestro protagonista se llama Travis (Harry Dean Stanton), que años atrás había tenido un hijo con su bella mujer Jane, (Nastassja Kinski). Ambos desaparecieron dejando atrás a su hijo común. Ahora, Travis, no recuerda nada de lo sucedido en los últimos cuatro años y su hermano será el encargado de devolverle , poco a poco sus recuerdos, al llevarlo a su casa en Los Angeles, donde se reencontrará con su hijo biológico y con los sucesos de su pasado que debe aprender a afrontar.

paris-texas

Uno de los puntos más destacables por lo que la película obtuvo un gran reconocimiento, es, entre otras cosas, por la forma de capturar a través de la cámara el espíritu de Texas. Wim Wenders demuestra un especial sentido visual que traslada en su forma majestuosa de mostrarnos el paisaje, ya sea del desierto, la carretera, pequeños pueblos o la gran urbe.

Paris,Texas es un relato cinematográfico magnífico, ya que en contadas ocasiones, es tan difícil escribir o hablar de una película. París, Texas, no puede llegar a describirse con palabras, hay que disfrutar viéndola y oyéndola.

La historia es impecable desde el punto de vista narrativo, con el ritmo adecuado para mantener la intriga del espectador y el montaje preciso para que cada imagen subraye la intensidad que se está contando. La película, a pesar de su largo metraje, hipnotiza, mantiene la atención del espectador. No es sólo la historia que se cuenta, es cómo se cuenta donde reside el verdadero arte de Wim Wenders.
Pese a los grandes planos abiertos en el desierto o la carretera, no sobra ni un minuto.

paris-texas

Wim Wenders es capaz de relatar con detalle una compleja historia acerca de lo que es amor, del concepto idealizado que podemos llegar a tener del mismo y en lo que puede llegar a convertirse en una vida real. Un compendio de intensas emociones donde cabe el dolor, la ira, el arrepentimiento, el precio de la libertad, la incomunicación, la soledad y la dificultad para aprender a amar realmente.

Con un excelente guion del polifacético Sam Shepard, la historia es trasladada a la pantalla de forma magnética mediante un lenguaje cinematográfico exquisito. Imágenes que se disfrutan en cada encuadre y que resultan de la colaboración del director con el maestro de fotografía Robby Múller, acompañado por los acordes de guitarra del gran Ry Cooder, consiguen una película conmovedora, preciosista, singular y cuidada hasta el mínimo detalle en multitud de aspectos, algunos de los cuales pasan desapercibidos al ojo del espectador, aunque consiguen su objetivo de inquietar sus emociones en lo más profundo.

Sam Shepard, además de reconocido actor, ha sido calificado por la crítica, desde sus primeras obras en la década de 1960, como heredero de los grandes autores estadounidenses. Shepard es guionista, actor y músico. Ha alcanzado fama entre el gran público por su faceta como guionista y actor cinematográfico con películas tan conocidas como "Elegidos para la gloria", "Magnolias de acero", "El informe Pelícano", "Black Hawk Down" o este film.

paris-texas

"Conocía a unas personas... Una pareja. Estaban muy enamorados. La chica era muy joven. Unos 17 o 18 años. Él era bastante mayor. Era un poco salvaje y rebelde. Ella era muy guapa... Y juntos convirtieron todo en una aventura. A ella le gustaba eso. Incluso ir al supermercado se convertía en una aventura. Siempre estaban riendo por tonterías. A él le encantaba hacerla reír. Y no se preocupaban de lo demás. Porque lo único que querían era estar juntos. Siempre estaban juntos... Eran muy felices. Y él la quería más... de lo que creía posible. No soportaba estar lejos de ella durante el día, cuando iba a trabajar. Dejaba los trabajos por estar con ella en casa. Cuando se terminaba el dinero, buscaba otro trabajo. Y lo volvía a dejar. Al poco tiempo, ella empezó a preocuparse... Por el dinero, supongo. Por no tener suficiente. Por no saber cuándo llegaría el próximo ingreso. Él empezó a destrozarse por dentro... Pues tenía que trabajar para mantenerla pero no soportaba estar separado de ella... Cuanto más tiempo estaba lejos de ella, más loco se volvía. Pero después empeoró, se volvió loco de verdad. Empezó a imaginar cosas extrañas... Pensó que veía a otros hombres cuando él no estaba. Cuando volvía a casa, la acusaba de pasar el día con otro. Gritaba y rompía cosas en la caravana... Sí. Vivían en una caravana... Después empezó a beber mucho... y a llegar tarde para ponerla a prueba... Ver si se ponía celosa. Él quería que se pusiera celosa y no lo conseguía. Se preocupaba por él, pero eso lo desesperaba más... Porque pensaba que si no se ponía celosa era porque él no le importaba. Para él los celos eran una muestra de amor. Entonces, una noche le dijo que estaba embarazada. Estaba de tres o cuatro meses y él ni lo sabía. Todo cambió de repente. Dejó de beber y consiguió un trabajo fijo. Estaba convencido de que sí lo amaba porque ella llevaba a su hijo. Él pensaba dedicarse a formar un hogar para ella. Pero empezó a ocurrir algo raro... Ni siquiera lo notó al principio. Pero ella empezó a cambiar. Desde que nació el niño empezó a molestarle todo lo que le rodeaba. Se enfadaba por todo. Hasta el niño le parecía una injusticia. Él seguía intentando que todo fuera bien para ella. Le compraba cosas, la sacaba a cenar una vez a la semana. Pero nada parecía satisfacerla. Durante dos años luchó por volver a estar unidos como al principio. Pero por fin se dio cuenta de que nunca lo conseguiría. Así que volvió a la bebida. Pero esta vez en serio. Cuando llegaba tarde a casa, no estaba ni preocupada ni celosa. Sólo enfurecida. Le acusaba de tenerla atada, por haberle hecho un hijo. Le dijo que soñaba con escaparse. Sólo soñaba con una cosa. Con escapar. Se veía a sí misma corriendo por la noche, desnuda por una carretera, atravesando campos y cauces de ríos, siempre corriendo. Y siempre justo cuando estaba a punto de conseguirlo, él aparecía. Siempre la atrapaba. Aparecía justo para detenerla..." ('Paris, Texas', Wim Wenders).

paris-texas

Director: Wim Wenders.

Intérpretes: Harry Dean StantonNastassja KinskiDean StockwellAurore ClémentHunter CarsonBernhard Wicki.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

PARÍS, TEXAS (1984). El viaje emocional de Wim Wenders.

paris-texas
La escena de apertura de la película es un gran plano aéreo del desierto, donde tras un recorrido espectacular al nivel de las cumbres, el mismo plano se centra en la pequeña figura de un hombre que camina en mitad del desierto. Vestido con traje de chaqueta y tras dar su último sorbo de agua, sigue caminando por parajes salvajes hasta llegar a una pequeña gasolinera. Su cara está muy quemada por el sol, su aspecto está muy descuidado y una barba le cubre el rostro. Al intentar probar un trozo de hielo, se niega a coger cerveza de la nevera, cae desplomado en el acto.

Un doctor de un pequeño pueblo cerca de la frontera mexicana con Texas lo examina e intenta interrogarlo. El paciente permanece casi inmóvil, despierto, pero desconectado completamente del medio, no contesta ni una sola pregunta sobre su identidad. Entre sus pertenencias hay una tarjeta de visita que pertenece a su hermano (Dean Stockwell). El hermano no duda en ir a recogerlo tras haber pasado cuatro años sin saber nada de él y haber acogido, como si fuera su propio hijo, al pequeño sobrino de tres años que fue abandonado una noche en la puerta de su casa .

Nuestro protagonista se llama Travis (Harry Dean Stanton), que años atrás había tenido un hijo con su bella mujer Jane, (Nastassja Kinski). Ambos desaparecieron dejando atrás a su hijo común. Ahora, Travis, no recuerda nada de lo sucedido en los últimos cuatro años y su hermano será el encargado de devolverle , poco a poco sus recuerdos, al llevarlo a su casa en Los Angeles, donde se reencontrará con su hijo biológico y con los sucesos de su pasado que debe aprender a afrontar.

paris-texas

Uno de los puntos más destacables por lo que la película obtuvo un gran reconocimiento, es, entre otras cosas, por la forma de capturar a través de la cámara el espíritu de Texas. Wim Wenders demuestra un especial sentido visual que traslada en su forma majestuosa de mostrarnos el paisaje, ya sea del desierto, la carretera, pequeños pueblos o la gran urbe.

Paris,Texas es un relato cinematográfico magnífico, ya que en contadas ocasiones, es tan difícil escribir o hablar de una película. París, Texas, no puede llegar a describirse con palabras, hay que disfrutar viéndola y oyéndola.

La historia es impecable desde el punto de vista narrativo, con el ritmo adecuado para mantener la intriga del espectador y el montaje preciso para que cada imagen subraye la intensidad que se está contando. La película, a pesar de su largo metraje, hipnotiza, mantiene la atención del espectador. No es sólo la historia que se cuenta, es cómo se cuenta donde reside el verdadero arte de Wim Wenders.
Pese a los grandes planos abiertos en el desierto o la carretera, no sobra ni un minuto.

paris-texas

Wim Wenders es capaz de relatar con detalle una compleja historia acerca de lo que es amor, del concepto idealizado que podemos llegar a tener del mismo y en lo que puede llegar a convertirse en una vida real. Un compendio de intensas emociones donde cabe el dolor, la ira, el arrepentimiento, el precio de la libertad, la incomunicación, la soledad y la dificultad para aprender a amar realmente.

Con un excelente guion del polifacético Sam Shepard, la historia es trasladada a la pantalla de forma magnética mediante un lenguaje cinematográfico exquisito. Imágenes que se disfrutan en cada encuadre y que resultan de la colaboración del director con el maestro de fotografía Robby Múller, acompañado por los acordes de guitarra del gran Ry Cooder, consiguen una película conmovedora, preciosista, singular y cuidada hasta el mínimo detalle en multitud de aspectos, algunos de los cuales pasan desapercibidos al ojo del espectador, aunque consiguen su objetivo de inquietar sus emociones en lo más profundo.

Sam Shepard, además de reconocido actor, ha sido calificado por la crítica, desde sus primeras obras en la década de 1960, como heredero de los grandes autores estadounidenses. Shepard es guionista, actor y músico. Ha alcanzado fama entre el gran público por su faceta como guionista y actor cinematográfico con películas tan conocidas como "Elegidos para la gloria", "Magnolias de acero", "El informe Pelícano", "Black Hawk Down" o este film.

paris-texas

"Conocía a unas personas... Una pareja. Estaban muy enamorados. La chica era muy joven. Unos 17 o 18 años. Él era bastante mayor. Era un poco salvaje y rebelde. Ella era muy guapa... Y juntos convirtieron todo en una aventura. A ella le gustaba eso. Incluso ir al supermercado se convertía en una aventura. Siempre estaban riendo por tonterías. A él le encantaba hacerla reír. Y no se preocupaban de lo demás. Porque lo único que querían era estar juntos. Siempre estaban juntos... Eran muy felices. Y él la quería más... de lo que creía posible. No soportaba estar lejos de ella durante el día, cuando iba a trabajar. Dejaba los trabajos por estar con ella en casa. Cuando se terminaba el dinero, buscaba otro trabajo. Y lo volvía a dejar. Al poco tiempo, ella empezó a preocuparse... Por el dinero, supongo. Por no tener suficiente. Por no saber cuándo llegaría el próximo ingreso. Él empezó a destrozarse por dentro... Pues tenía que trabajar para mantenerla pero no soportaba estar separado de ella... Cuanto más tiempo estaba lejos de ella, más loco se volvía. Pero después empeoró, se volvió loco de verdad. Empezó a imaginar cosas extrañas... Pensó que veía a otros hombres cuando él no estaba. Cuando volvía a casa, la acusaba de pasar el día con otro. Gritaba y rompía cosas en la caravana... Sí. Vivían en una caravana... Después empezó a beber mucho... y a llegar tarde para ponerla a prueba... Ver si se ponía celosa. Él quería que se pusiera celosa y no lo conseguía. Se preocupaba por él, pero eso lo desesperaba más... Porque pensaba que si no se ponía celosa era porque él no le importaba. Para él los celos eran una muestra de amor. Entonces, una noche le dijo que estaba embarazada. Estaba de tres o cuatro meses y él ni lo sabía. Todo cambió de repente. Dejó de beber y consiguió un trabajo fijo. Estaba convencido de que sí lo amaba porque ella llevaba a su hijo. Él pensaba dedicarse a formar un hogar para ella. Pero empezó a ocurrir algo raro... Ni siquiera lo notó al principio. Pero ella empezó a cambiar. Desde que nació el niño empezó a molestarle todo lo que le rodeaba. Se enfadaba por todo. Hasta el niño le parecía una injusticia. Él seguía intentando que todo fuera bien para ella. Le compraba cosas, la sacaba a cenar una vez a la semana. Pero nada parecía satisfacerla. Durante dos años luchó por volver a estar unidos como al principio. Pero por fin se dio cuenta de que nunca lo conseguiría. Así que volvió a la bebida. Pero esta vez en serio. Cuando llegaba tarde a casa, no estaba ni preocupada ni celosa. Sólo enfurecida. Le acusaba de tenerla atada, por haberle hecho un hijo. Le dijo que soñaba con escaparse. Sólo soñaba con una cosa. Con escapar. Se veía a sí misma corriendo por la noche, desnuda por una carretera, atravesando campos y cauces de ríos, siempre corriendo. Y siempre justo cuando estaba a punto de conseguirlo, él aparecía. Siempre la atrapaba. Aparecía justo para detenerla..." ('Paris, Texas', Wim Wenders).

paris-texas

Director: Wim Wenders.

Intérpretes: Harry Dean StantonNastassja KinskiDean StockwellAurore ClémentHunter CarsonBernhard Wicki.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

el-sargento-york
El sargento York narra la verdadera historia de uno de los héroes nacionales americanos de la Primera Guerra Mundial en el bienio de 1916 a 1918, Alvin C. York. Un modesto granjero de Tennessee, algo bruto, con gran corazón y pacifista convencido y que se declara objetor de conciencia, el cual es obligado a alistarse en 1917. Tras leer la historia de su país, al final siente la necesidad de combatir para defender los ideales de su patria. Sin embargo, cuando regresó como triunfador del frente europeo, ya que fue héroe a pesar suyo, rechazaría los ofrecimientos que le hicieran para enriquecerse, y solo aceptó del Estado un terreno fértil para poderse casar.

Se trata de una película controvertida, debido al tono claramente propagandístico, pero que se entiende por el contexto sociopolítico en que fue realizada, muy poco antes de que los Estados Unidos entrasen en la contienda tras el ataque de Pearl Harbor.

Con un sólido guion, en el que intervinieron John Huston y el propio realizador, entre otros, basado en los diarios y la biografía de Alvin C. York, se reconstruyeron algunas de las principales batallas francesas, de forma realista y espectacular. Asimismo, constituyó la consagración de Gary Cooper como galán, obteniendo su primer Óscar por este trabajo.

el-sargento-york

Howard Hawks presenta un relato donde desmenuza la evolución de un hombre sencillo y puro, que cree poder hacerlo todo por sí mismo, pero que en el fondo cuenta con la ayuda de Dios para lograrlo, dada la religiosidad de York y su creencia de que no hay que matar a ningún ser humano. Entonces, ¿Cómo conciliarlo con el hecho de ser llamado a filas para ir a combatir contra los alemanes en el frente de Francia? Para ello se recurre a transformar la creencia de York en un discurso sobre la democracia de la mano de un oficial en el cuartel, con la ayuda de la figura de Daniel Boone y un libro sobre la historia de América. Un retrato en esencia muy americano, de ciudadano medio, al que la fe religiosa, por indeterminada que sea, anima para las grandes gestas.

Con una acumulación impecable de elementos técnicos necesarios para rodar las escenas de las batallas y con una interpretación extraordinaria, Howard Hawks consigue realizar un magnífico film de guerra. Así, el Reverendo Rosief Pile es encarnando por el magnífico Walter Brennan, un sólido actor con más de 200 interpretaciones, cincuenta años de carrera y ganador de tres premios Óscar, y que ha brillado con la misma intensidad que los protagonistas a los que acompañó a lo largo de su dilatada carrera.

el-sargento-york

Alvin York, no daba permiso para rodar la cinta si su personaje no era interpretado por Gary Cooper el cual evoluciona su personaje, desde el granjero inicial, vital, enérgico, algo simple poco ilustrado, hasta el héroe militar en el que se convierte debido a su valor y entrega a la causa, defendiendo, como no puede ser de otra manera, la libertad americana.

Si bien, puede resultar una cinta algo blanda, en su tratamiento hacia el conflicto bélico, puesto que donde más incide es en los valores personales y no en el propio conflicto bélico, El sargento York es una película importante, amén de su resultado, sino como reflejo de la mentalidad de una época, así como un testimonio histórico de lo que pensaban muchos norteamericanos sobre la Gran Guerra o, pensarían después, influidos por esta cinta, rodada precisamente en plena segunda contienda.

el-sargento-york

Frase para recordar:

"York, ¿qué cree usted que buscaba Daniel Boon al adentrarse en esas tierras desconocidas? ¿buscaría nuevas tierras? ..Buscaba mucho más, algo que un hombre no puede ver con los ojos ni tocar con las manos, algo que algunos hombres no saben lo que vale hasta que lo pierden: la libertad, hermosa palabra, libertad. Yo creo que buscaba eso".

Título original: Sergeant York.

Director: Howard Hawks.

Intérpretes: Gary CooperWalter BrennanGeorge TobiasJoan LeslieWard BondMargaret WycherlyStanley RidgesNoah Beery Jr.Pat Flaherty.

Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

EL SARGENTO YORK (1941). Gary Cooper, el héroe nacional americano.

el-sargento-york
El sargento York narra la verdadera historia de uno de los héroes nacionales americanos de la Primera Guerra Mundial en el bienio de 1916 a 1918, Alvin C. York. Un modesto granjero de Tennessee, algo bruto, con gran corazón y pacifista convencido y que se declara objetor de conciencia, el cual es obligado a alistarse en 1917. Tras leer la historia de su país, al final siente la necesidad de combatir para defender los ideales de su patria. Sin embargo, cuando regresó como triunfador del frente europeo, ya que fue héroe a pesar suyo, rechazaría los ofrecimientos que le hicieran para enriquecerse, y solo aceptó del Estado un terreno fértil para poderse casar.

Se trata de una película controvertida, debido al tono claramente propagandístico, pero que se entiende por el contexto sociopolítico en que fue realizada, muy poco antes de que los Estados Unidos entrasen en la contienda tras el ataque de Pearl Harbor.

Con un sólido guion, en el que intervinieron John Huston y el propio realizador, entre otros, basado en los diarios y la biografía de Alvin C. York, se reconstruyeron algunas de las principales batallas francesas, de forma realista y espectacular. Asimismo, constituyó la consagración de Gary Cooper como galán, obteniendo su primer Óscar por este trabajo.

el-sargento-york

Howard Hawks presenta un relato donde desmenuza la evolución de un hombre sencillo y puro, que cree poder hacerlo todo por sí mismo, pero que en el fondo cuenta con la ayuda de Dios para lograrlo, dada la religiosidad de York y su creencia de que no hay que matar a ningún ser humano. Entonces, ¿Cómo conciliarlo con el hecho de ser llamado a filas para ir a combatir contra los alemanes en el frente de Francia? Para ello se recurre a transformar la creencia de York en un discurso sobre la democracia de la mano de un oficial en el cuartel, con la ayuda de la figura de Daniel Boone y un libro sobre la historia de América. Un retrato en esencia muy americano, de ciudadano medio, al que la fe religiosa, por indeterminada que sea, anima para las grandes gestas.

Con una acumulación impecable de elementos técnicos necesarios para rodar las escenas de las batallas y con una interpretación extraordinaria, Howard Hawks consigue realizar un magnífico film de guerra. Así, el Reverendo Rosief Pile es encarnando por el magnífico Walter Brennan, un sólido actor con más de 200 interpretaciones, cincuenta años de carrera y ganador de tres premios Óscar, y que ha brillado con la misma intensidad que los protagonistas a los que acompañó a lo largo de su dilatada carrera.

el-sargento-york

Alvin York, no daba permiso para rodar la cinta si su personaje no era interpretado por Gary Cooper el cual evoluciona su personaje, desde el granjero inicial, vital, enérgico, algo simple poco ilustrado, hasta el héroe militar en el que se convierte debido a su valor y entrega a la causa, defendiendo, como no puede ser de otra manera, la libertad americana.

Si bien, puede resultar una cinta algo blanda, en su tratamiento hacia el conflicto bélico, puesto que donde más incide es en los valores personales y no en el propio conflicto bélico, El sargento York es una película importante, amén de su resultado, sino como reflejo de la mentalidad de una época, así como un testimonio histórico de lo que pensaban muchos norteamericanos sobre la Gran Guerra o, pensarían después, influidos por esta cinta, rodada precisamente en plena segunda contienda.

el-sargento-york

Frase para recordar:

"York, ¿qué cree usted que buscaba Daniel Boon al adentrarse en esas tierras desconocidas? ¿buscaría nuevas tierras? ..Buscaba mucho más, algo que un hombre no puede ver con los ojos ni tocar con las manos, algo que algunos hombres no saben lo que vale hasta que lo pierden: la libertad, hermosa palabra, libertad. Yo creo que buscaba eso".

Título original: Sergeant York.

Director: Howard Hawks.

Intérpretes: Gary CooperWalter BrennanGeorge TobiasJoan LeslieWard BondMargaret WycherlyStanley RidgesNoah Beery Jr.Pat Flaherty.

Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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