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el experimento
A raíz de un experimento científico que duraría dos semanas, veinte hombres que cobrarían diariamente por ello, ingresan voluntariamente en una cárcel ficticia. A ocho de los participantes se les asigna el papel de guardianes, y a doce de ellos, el rol de prisioneros, los cuales  deberán obedecer las órdenes y los guardias, mantener el orden en el Centro penitenciario. El film se basa en el libro The Black Box de Mario Giordano, que a su vez tiene como fuente el famoso experimento de la Cárcel de Stanford llevado a cabo en 1971, que fue un estudio psicológico llevado a cabo por un grupo de investigadores, encabezado por el Philip Zimbardo de la Universidad de Stanford, sobre las conductas desarrolladas por el hombre, dependiendo de los roles sociales que ejerza y contextuado en una situación límite como la vida en una prisión. En definitiva, el objetivo del estudio era conocer el impacto que tenía el rol en cada uno, creer ser preso, o creer ser guardia. Dicho experimento, en todo momento televisado, se les fue de las manos rápidamente y se convirtió en una lucha por la supervivencia personal. Varios de los prisioneros padecieron graves trastornos emocionales como consecuencia del trato vejatorio y humillante por parte de los guardias. El film, consigue una perfecta ambientación del entorno, se convierte en  opresiva y agobiante, y el director, Olliver Hirschbiegel, autor también de "El Hundimiento (2004)" imprime un brutal realismo a la cinta y nos planta una interesante cuestión acerca del uso de poder de una persona sobre otra.

el experimento

Una lúcida reflexión sobre si una buena persona, lo puede conseguir siendo dentro de un ambiente violento y la evolución que su comportamiento desarrolle. Este film, además del interés cinematográfico que más o menos pueda tener, tiene un interés añadido en el campo de la Psicología Social y Conductal. Autoridad y poder son dos conceptos que se refieren a maneras diferentes de organizar los grupos sociales e influir jerárquicamente en el comportamiento de los individuos. El poder es la existencia de una relación de causalidad, es decir, de causa y efecto y se ejerce a través de medios coercitivos, y el cumplimiento o incumplimiento comporta unas consecuencias para el individuo. La autoridad, en cambio, es una invitación a una determinada norma de conducta y porque faculta al que la posee a poder generar un comportamiento en los otros. Todo esto nos lleva a desmontar las afirmaciones de Rousseau quien afirmaba que el hombre primitivamente, era bueno, puro y feliz, pero ha sido la civilización quien lo ha corrompido para acercarnos a  Hobbes, que en su observación de la conducta humana concluía que "Homo homini lupus"; que el ser humano es un animal egoísta, y que la base de ese egoísmo es la propia supervivencia, llegando a la permanente competición y estado de guerra contra todos para satisfacer su deseo de posesión, siendo los motivos de eterno conflicto entre el ser humano la competición, la inseguridad y la gloria.

el experimento


Título original: Das experiment.

Director: Olliver Hirschbiegel.

Intérpretes: Moritz Bleibtreu, Maren Eggert, Christian Berkel, Justus von Dohnanyi, Oliver Stokowski, Timo Dierkes.

Trailer:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

Información complementaria:

EL EXPERIMENTO (2001). El estudio psicológico sobre la conducta humana.

el experimento
A raíz de un experimento científico que duraría dos semanas, veinte hombres que cobrarían diariamente por ello, ingresan voluntariamente en una cárcel ficticia. A ocho de los participantes se les asigna el papel de guardianes, y a doce de ellos, el rol de prisioneros, los cuales  deberán obedecer las órdenes y los guardias, mantener el orden en el Centro penitenciario. El film se basa en el libro The Black Box de Mario Giordano, que a su vez tiene como fuente el famoso experimento de la Cárcel de Stanford llevado a cabo en 1971, que fue un estudio psicológico llevado a cabo por un grupo de investigadores, encabezado por el Philip Zimbardo de la Universidad de Stanford, sobre las conductas desarrolladas por el hombre, dependiendo de los roles sociales que ejerza y contextuado en una situación límite como la vida en una prisión. En definitiva, el objetivo del estudio era conocer el impacto que tenía el rol en cada uno, creer ser preso, o creer ser guardia. Dicho experimento, en todo momento televisado, se les fue de las manos rápidamente y se convirtió en una lucha por la supervivencia personal. Varios de los prisioneros padecieron graves trastornos emocionales como consecuencia del trato vejatorio y humillante por parte de los guardias. El film, consigue una perfecta ambientación del entorno, se convierte en  opresiva y agobiante, y el director, Olliver Hirschbiegel, autor también de "El Hundimiento (2004)" imprime un brutal realismo a la cinta y nos planta una interesante cuestión acerca del uso de poder de una persona sobre otra.

el experimento

Una lúcida reflexión sobre si una buena persona, lo puede conseguir siendo dentro de un ambiente violento y la evolución que su comportamiento desarrolle. Este film, además del interés cinematográfico que más o menos pueda tener, tiene un interés añadido en el campo de la Psicología Social y Conductal. Autoridad y poder son dos conceptos que se refieren a maneras diferentes de organizar los grupos sociales e influir jerárquicamente en el comportamiento de los individuos. El poder es la existencia de una relación de causalidad, es decir, de causa y efecto y se ejerce a través de medios coercitivos, y el cumplimiento o incumplimiento comporta unas consecuencias para el individuo. La autoridad, en cambio, es una invitación a una determinada norma de conducta y porque faculta al que la posee a poder generar un comportamiento en los otros. Todo esto nos lleva a desmontar las afirmaciones de Rousseau quien afirmaba que el hombre primitivamente, era bueno, puro y feliz, pero ha sido la civilización quien lo ha corrompido para acercarnos a  Hobbes, que en su observación de la conducta humana concluía que "Homo homini lupus"; que el ser humano es un animal egoísta, y que la base de ese egoísmo es la propia supervivencia, llegando a la permanente competición y estado de guerra contra todos para satisfacer su deseo de posesión, siendo los motivos de eterno conflicto entre el ser humano la competición, la inseguridad y la gloria.

el experimento


Título original: Das experiment.

Director: Olliver Hirschbiegel.

Intérpretes: Moritz Bleibtreu, Maren Eggert, Christian Berkel, Justus von Dohnanyi, Oliver Stokowski, Timo Dierkes.

Trailer:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

Información complementaria:

vivir es fácil con los ojos cerrados
El título de "Vivir es fácil con los ojos cerrados", me hace pensar en la desastrosa, penosa y cegadora crisis social, económica y laboral que se vive en nuestro país. "Vivir es fácil con los ojos cerrados", traslada al espectador a la época de los años 60, en la que productores Hollywodienses todavía tenían los ojos puestos en tierras españolas para rodar películas tales como las del imperio Bronston con "El Cid (1961)" y "La caída del imperio romano (1964)", además de spaguetti western con la moda impuesta por Sergio Leone y Sergio Corbucci en la localidad de Almería. El comienzo en dicha localidad de una película protagonizada por el Beatle John Lennon ("Cómo gané la guerra de Richard Lester") hará que un profesor que utiliza las letras del grupo inglés para dar clases a sus alumnos Antonio (Javier Cámara), emprenda un viaje con su pequeño Seat con el sueño por cumplir de hablar con el compositor de "Imagine" e intercambiar opiniones sobre su música. Antonio se encontrará con dos inesperados autoestopistas (Natalia de Molina) en el papel de una chica que huye del estigma de ser madre soltera y que escapa de un lugar en el que se recluye a las jóvenes con embarazos no deseados y (Francesc Colomer), encarnando a un chico adolescente que toma la decisión de escapar de casa por la estricta disciplina que impone su padre (Jorge Sanz) y la sumisión de su madre (Ariadna Gil). Los dos jóvenes vivirán el sueño del idealista profesor en busca de su Beatle favorito, mientras éste a base de entusiasmo, cordialidad y simpática conversación les enseñará a ver la vida y a afrontar sus problemas desde un ángulo diferente con el apoyo de el que se convierte en un alegre mentor y amigo que les ofrece lo mismo que el título de una de sus canciones favoritas del cuarteto de Liverpool "Help" (Ayuda). Una ayuda ofrecida con compresión y entendimiento a una juventud ávida por cumplir sus sueños para vivir una vida mejor, con más libertad y mayor capacidad de decisión. 

vivir es fácil con los ojos cerrados

El profesor que interpreta Javier Cámara le ha servido con su Goya para culminar con una carrera como actor admirable, que va desde su simpático comienzo en la t.v con "Ay Señor Señor" y "Siete vidas", pasando por su interesante carrera en cine con personajes tan reconocibles como el paleto gafoso de "Torrente: El brazo tonto de la ley (1998)", el actor porno amateur de "Torremolinos 73 (2003)" y el destacado chef gay de "Fuera de carta (2008)". Aquí Cámara a base de una sensible, comprensiva y entusiasta interpretación se convierte en lo más destacado de la película de David Trueba, en la que podemos apreciar una España de los 60's con un entorno rural, que basa en el turismo su mayor fuente de ingresos para su sustento y supervivencia. Una España decadente plagada de niños sucios, famélicos y sin escuela, con una sociedad que se está pareciendo peligrosamente demasiado a la actual a través de una juventud perdida en una sociedad empobrecida y sin previsión de futuro. Es ésta una película que muestra un pasado que puede convertirse en un más que cercano futuro, que hace que hoy en día más de uno tenga que cerrar los ojos a la realidad actual para soñar con una sociedad española mejor: Vivir es fácil con los ojos cerrados pero es muy complicado con ellos abiertos...Me quedo con dos momentos: Uno en el que Antonio-Javier Cámara afirma que el futuro de los jóvenes en este país está tapiado y el otro en el que en un ejercicio de valor y libertad el llamado "quinto Beatle" (personaje inspirado en la realidad sucedida a Juan Carrión) intenta que el campesino tirano que le ha pegado a su protegido, le pida perdón al chico por su abuso de poder siendo también agredido, pero viendo que es imposible utilizar la razón y la dialéctica con semejante "borrico" el alegre profesor se toma la justicia por su mano con una simpática treta pergeñada con su automóvil. Una road movie a la española, sencillo, agradable de ver y que da que pensar...

vivir es fácil con los ojos cerrados

Director: David Trueba.

Intérpretes: Javier CámaraNatalia de MolinaFrancesc ColomerRamón FontserèJorge SanzAriadna Gil.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

VIVIR ES FÁCIL CON LOS OJOS CERRADOS (2013). La road movie de David Trueba.

vivir es fácil con los ojos cerrados
El título de "Vivir es fácil con los ojos cerrados", me hace pensar en la desastrosa, penosa y cegadora crisis social, económica y laboral que se vive en nuestro país. "Vivir es fácil con los ojos cerrados", traslada al espectador a la época de los años 60, en la que productores Hollywodienses todavía tenían los ojos puestos en tierras españolas para rodar películas tales como las del imperio Bronston con "El Cid (1961)" y "La caída del imperio romano (1964)", además de spaguetti western con la moda impuesta por Sergio Leone y Sergio Corbucci en la localidad de Almería. El comienzo en dicha localidad de una película protagonizada por el Beatle John Lennon ("Cómo gané la guerra de Richard Lester") hará que un profesor que utiliza las letras del grupo inglés para dar clases a sus alumnos Antonio (Javier Cámara), emprenda un viaje con su pequeño Seat con el sueño por cumplir de hablar con el compositor de "Imagine" e intercambiar opiniones sobre su música. Antonio se encontrará con dos inesperados autoestopistas (Natalia de Molina) en el papel de una chica que huye del estigma de ser madre soltera y que escapa de un lugar en el que se recluye a las jóvenes con embarazos no deseados y (Francesc Colomer), encarnando a un chico adolescente que toma la decisión de escapar de casa por la estricta disciplina que impone su padre (Jorge Sanz) y la sumisión de su madre (Ariadna Gil). Los dos jóvenes vivirán el sueño del idealista profesor en busca de su Beatle favorito, mientras éste a base de entusiasmo, cordialidad y simpática conversación les enseñará a ver la vida y a afrontar sus problemas desde un ángulo diferente con el apoyo de el que se convierte en un alegre mentor y amigo que les ofrece lo mismo que el título de una de sus canciones favoritas del cuarteto de Liverpool "Help" (Ayuda). Una ayuda ofrecida con compresión y entendimiento a una juventud ávida por cumplir sus sueños para vivir una vida mejor, con más libertad y mayor capacidad de decisión. 

vivir es fácil con los ojos cerrados

El profesor que interpreta Javier Cámara le ha servido con su Goya para culminar con una carrera como actor admirable, que va desde su simpático comienzo en la t.v con "Ay Señor Señor" y "Siete vidas", pasando por su interesante carrera en cine con personajes tan reconocibles como el paleto gafoso de "Torrente: El brazo tonto de la ley (1998)", el actor porno amateur de "Torremolinos 73 (2003)" y el destacado chef gay de "Fuera de carta (2008)". Aquí Cámara a base de una sensible, comprensiva y entusiasta interpretación se convierte en lo más destacado de la película de David Trueba, en la que podemos apreciar una España de los 60's con un entorno rural, que basa en el turismo su mayor fuente de ingresos para su sustento y supervivencia. Una España decadente plagada de niños sucios, famélicos y sin escuela, con una sociedad que se está pareciendo peligrosamente demasiado a la actual a través de una juventud perdida en una sociedad empobrecida y sin previsión de futuro. Es ésta una película que muestra un pasado que puede convertirse en un más que cercano futuro, que hace que hoy en día más de uno tenga que cerrar los ojos a la realidad actual para soñar con una sociedad española mejor: Vivir es fácil con los ojos cerrados pero es muy complicado con ellos abiertos...Me quedo con dos momentos: Uno en el que Antonio-Javier Cámara afirma que el futuro de los jóvenes en este país está tapiado y el otro en el que en un ejercicio de valor y libertad el llamado "quinto Beatle" (personaje inspirado en la realidad sucedida a Juan Carrión) intenta que el campesino tirano que le ha pegado a su protegido, le pida perdón al chico por su abuso de poder siendo también agredido, pero viendo que es imposible utilizar la razón y la dialéctica con semejante "borrico" el alegre profesor se toma la justicia por su mano con una simpática treta pergeñada con su automóvil. Una road movie a la española, sencillo, agradable de ver y que da que pensar...

vivir es fácil con los ojos cerrados

Director: David Trueba.

Intérpretes: Javier CámaraNatalia de MolinaFrancesc ColomerRamón FontserèJorge SanzAriadna Gil.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

el crepúsculo de los dioses
Un cadáver, aparece flotando en una antigua mansión situada en Sunset Boulevard. A su alrededor, toda una pléyade de periodistas y policías.

"Pobre tipo, siempre quiso una piscina….pero el precio resultó ser demasiado alto".

El propio finado se encarga de narrar la historia, con su voz en off y mediante un magnífico flashback, nos adentraremos en un oscuro mundo donde la prioridad no será resolver el asesinato, sino conocer toda una serie de complejos personajes que dan entidad a ese puzzle llamado Hollywood. Una paradójica y amarga descripción de todas las personas, de sus extrañas vidas y del entramado que conforma la famosa industria cinematográfica. Se nos mostrará a una gran estrella del cine mudo, Norma Desmond (Gloria Swanson), ya en su vejez, incapaz de asumir el paso del tiempo, la ausencia de notoriedad, halagos y caprichos que le brindó su antigua fama. Siempre junto a ella, su fiel y abnegado criado, Max von Mayerling, (Erich von Stroheim), y como no, nuestro protagonista, Joe Gillis (William Holden) un escritor de guiones que atraviesa penurias económicas y está apunto de claudicar, de abandonar sus antiguos sueños de triunfar en Hollywood. Todos ellos son personajes que comparten, de muy distinta manera, la sensación de sentirse fracasados. Aunque intenten disimularlo, están dominados por sus miedos. Una narración que intenta despojar de glamour al concepto de éxito en el cine. Ya que todos los personajes, triunfadores o no, con éxitos pasados o anhelando un éxito futuro, siguen sin encontrar lo que realmente les puede hacer felices. La industria del cine vista a través de sus perdedores y su faceta más humana. Durante el relato, magníficamente construido y narrado, se nos muestran dos mundos que conviven bajo un mismo techo. Norma Desmond, con sus grandes pasiones, obsesiones y ego desmedido (icono de narcisismo cinematográfico) es incapaz de asumir el tiempo real y presente. Ella ha ubicado su zona de confort en un pasado melancólico del que se resiste a salir por miedo a comprobar los cambios, los avances técnicos de la industria, la llegada del cine sonoro. Encerrada en su propia burbuja, cuidada y alentada por otro interesante y oscuro personaje, su mayordomo Max.


el crepúsculo de los dioses

"Yo soy grande. Son las películas las que se han hecho pequeñas."

En el polo opuesto, representado otra manera bien distinta de lidiar con el mundo presente, tenemos a un escritor de guiones arruinado que no consigue ningún trabajo que le permita seguir en la industria. Sus amigos sobreviven como pequeños personajes anónimos y terrenales, sin grandes designios que cumplir, pero afanados entusiastas de su trabajo. Personajes como la experta y joven arreglista de guiones Betty, (Nancy Olson), capaz con su sencillez y entusiasmo de hacer aflorar verdaderos sentimientos en nuestro cínico protagonista.

Momento en el que Joe se da cuenta, por fin, que Betty y él se han enamorado:

Joe: – ¿Qué ha pasado?
Betty: – Pasaste tú.


el crepúsculo de los dioses

Con un estilo Noir, Billy Wilder elabora esta gran crítica, con su peculiar cinismo y acidez, del mundo del cine. Un retrato del cine dentro del cine, basado en la bellísima fotografía en B/N de John F. Seitz el cual sería el encargado de trasladar mediante el empleo de la luz y las sombras esa atmósfera, esa realidad cinematográfica heredada del expresionismo alemán, urbana y sombría, cuya elaboración estética está al servicio de las emociones de los protagonistas, donde la simbología de los objetos presentados alcanza una gran intensidad. El juego de sombras en el interior de la mansión de Norma es capaz de recrear todo un mundo de lujos y recuerdos que atrapa, cautiva y retiene con sorpresa al espectador, sin posibilidad de escape, haciéndonos partícipes del estado de ánimo del guionista Joe. Años más tarde, estando ya arruinado, con un estilo cinematográfico bien distinto, en tecnicolor, volvería a mostrarnos cómo la industria olvida y arroja pronto a la basura todo aquello que deja de dar grandes beneficios. "Fedora (1978)", ha sido considerada por muchos como su legado final y su segundo gran capítulo donde critica sin compasión su amado mundo del cine. El brillante guión fue resultado de la colaboración del tándem Wilder/Charles Brackett –llamados también "Brackett and Wilder, la pareja más feliz de Hollywood". Juntos firmaron trece guiones, entre ellos, grandes clásicos como "Ninotchka (1939)", "Bola de fuego (1941)", "Días sin huella (1945)" y esta obra que resultaría ser su última colaboración. Wilder, recordando sus inicios de guionista para la gran empresa del cine, no deja escapar ni una sola frase sin ironía. Ni un solo diálogo sin doble sentido. Cada plano, cada personaje y cada una de sus acciones suponen una crítica hacia una industria que dejó a sus grandes estrellas, a sus iconos iniciales a un lado para seguir avanzando con las nuevas tecnologías. Dentro de los aspectos técnicos, la idea de comenzar con el plano de Joe Gillis flotando boca abajo resultó ser completamente impactante. Pero al que le tocó ingeniárselas para llevar a cabo la escena y realizarla con los medios disponibles en la época fue al director artístico, John Meehan. Las indicaciones de Wilder fueron precisas:

- "Chico, el plano que quiero es la panorámica de un pescado".


el crepúsculo de los dioses

Quería un plano desde abajo, mostrando tanto el cuerpo de Gillis como a la policía y a los fotógrafos de pie, al borde de la piscina. Meehan experimentó con ello hasta que se le ocurrió la idea de rodar la escena, a través de un espejo en la parte inferior de un tanque de agua, en el estudio. Desde el ángulo de la derecha, la cámara podría tomar la imagen reflejada en el espejo sin tener que introducir una cámara bajo el agua, lo que implicaría costes enormes tanto en dinero como en tiempo. En cuanto a la elección de sus personajes, la relación Norma Desmond/ Max el mayordomo, no deja de ser un retorcido guiño a la realidad. Puso como mayordomo a uno de los grandes pioneros de la dirección, quien encumbró con sus films a la propia Gloria Swanson, todo sea dicho. Tal y como Max hizo con Norma. A lo largo de la cinta aparecen múltiples detalles que pueden y deben considerarse un homenaje a la historia del cine silente. Se nos permite ver en una proyección privada, "La reina Kelly" en una de sus escenas. Se nombra en las conversaciones a la Garbo y a Valentino. Además, cuenta con la particularidad de la aparición en escena de grandes mitos interpretándose a sí mismos. Uno de ellos es Cecil B. DeMille, el personaje más humano, más compasivo y más tierno de la película. Y es que, DeMille, nos deja una escena memorable de su propia carrera e historia al permitirnos acceder, junto con Norma, al plató donde estaba filmando "Sansón y DalilaOtra escena mítica que nos envuelve en una dulce nostalgia, es la de la partida de cartas de viejas glorias del cine de los años veinte, "las figuras de cera": Buster Keaton, Anna Q. Nilsson, H.B. Warner y Hedda Hooper. Con la presencia del gran Buster Keaton, brillante momento donde Buster dice "paso" en el juego. Los propios estudios Paramont alcanzan una gran relevancia, más allá de ser un simple escenario, pasan a ser un personaje más del reparto. Y así, entre escenarios y personajes reales del cine, presenciamos una interesante historia del devenir del cine y del complejo mundo psicológico de los personajes que lo constituyeron.

 “Nadie abandona a una estrella. Por eso es una estrella.”

Una obra magistral, completa y redonda que puede presumir de varios elementos, entre ellos de contar con una de las mejores escenas finales de la historia del cine.


el crepúsculo de los dioses

Título original: Sunset Blvd.

Director: Billy Wilder.

Intérpretes: William HoldenGloria SwansonErich von StroheimNancy OlsonFred ClarkJack WebbLloyd GoughCecil B. DeMilleHedda Hopper.


Trailer:


Escena:




Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

Información complementaria: 

EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (1950). Billy Wilder y el cine dentro del cine.

el crepúsculo de los dioses
Un cadáver, aparece flotando en una antigua mansión situada en Sunset Boulevard. A su alrededor, toda una pléyade de periodistas y policías.

"Pobre tipo, siempre quiso una piscina….pero el precio resultó ser demasiado alto".

El propio finado se encarga de narrar la historia, con su voz en off y mediante un magnífico flashback, nos adentraremos en un oscuro mundo donde la prioridad no será resolver el asesinato, sino conocer toda una serie de complejos personajes que dan entidad a ese puzzle llamado Hollywood. Una paradójica y amarga descripción de todas las personas, de sus extrañas vidas y del entramado que conforma la famosa industria cinematográfica. Se nos mostrará a una gran estrella del cine mudo, Norma Desmond (Gloria Swanson), ya en su vejez, incapaz de asumir el paso del tiempo, la ausencia de notoriedad, halagos y caprichos que le brindó su antigua fama. Siempre junto a ella, su fiel y abnegado criado, Max von Mayerling, (Erich von Stroheim), y como no, nuestro protagonista, Joe Gillis (William Holden) un escritor de guiones que atraviesa penurias económicas y está apunto de claudicar, de abandonar sus antiguos sueños de triunfar en Hollywood. Todos ellos son personajes que comparten, de muy distinta manera, la sensación de sentirse fracasados. Aunque intenten disimularlo, están dominados por sus miedos. Una narración que intenta despojar de glamour al concepto de éxito en el cine. Ya que todos los personajes, triunfadores o no, con éxitos pasados o anhelando un éxito futuro, siguen sin encontrar lo que realmente les puede hacer felices. La industria del cine vista a través de sus perdedores y su faceta más humana. Durante el relato, magníficamente construido y narrado, se nos muestran dos mundos que conviven bajo un mismo techo. Norma Desmond, con sus grandes pasiones, obsesiones y ego desmedido (icono de narcisismo cinematográfico) es incapaz de asumir el tiempo real y presente. Ella ha ubicado su zona de confort en un pasado melancólico del que se resiste a salir por miedo a comprobar los cambios, los avances técnicos de la industria, la llegada del cine sonoro. Encerrada en su propia burbuja, cuidada y alentada por otro interesante y oscuro personaje, su mayordomo Max.


el crepúsculo de los dioses

"Yo soy grande. Son las películas las que se han hecho pequeñas."

En el polo opuesto, representado otra manera bien distinta de lidiar con el mundo presente, tenemos a un escritor de guiones arruinado que no consigue ningún trabajo que le permita seguir en la industria. Sus amigos sobreviven como pequeños personajes anónimos y terrenales, sin grandes designios que cumplir, pero afanados entusiastas de su trabajo. Personajes como la experta y joven arreglista de guiones Betty, (Nancy Olson), capaz con su sencillez y entusiasmo de hacer aflorar verdaderos sentimientos en nuestro cínico protagonista.

Momento en el que Joe se da cuenta, por fin, que Betty y él se han enamorado:

Joe: – ¿Qué ha pasado?
Betty: – Pasaste tú.


el crepúsculo de los dioses

Con un estilo Noir, Billy Wilder elabora esta gran crítica, con su peculiar cinismo y acidez, del mundo del cine. Un retrato del cine dentro del cine, basado en la bellísima fotografía en B/N de John F. Seitz el cual sería el encargado de trasladar mediante el empleo de la luz y las sombras esa atmósfera, esa realidad cinematográfica heredada del expresionismo alemán, urbana y sombría, cuya elaboración estética está al servicio de las emociones de los protagonistas, donde la simbología de los objetos presentados alcanza una gran intensidad. El juego de sombras en el interior de la mansión de Norma es capaz de recrear todo un mundo de lujos y recuerdos que atrapa, cautiva y retiene con sorpresa al espectador, sin posibilidad de escape, haciéndonos partícipes del estado de ánimo del guionista Joe. Años más tarde, estando ya arruinado, con un estilo cinematográfico bien distinto, en tecnicolor, volvería a mostrarnos cómo la industria olvida y arroja pronto a la basura todo aquello que deja de dar grandes beneficios. "Fedora (1978)", ha sido considerada por muchos como su legado final y su segundo gran capítulo donde critica sin compasión su amado mundo del cine. El brillante guión fue resultado de la colaboración del tándem Wilder/Charles Brackett –llamados también "Brackett and Wilder, la pareja más feliz de Hollywood". Juntos firmaron trece guiones, entre ellos, grandes clásicos como "Ninotchka (1939)", "Bola de fuego (1941)", "Días sin huella (1945)" y esta obra que resultaría ser su última colaboración. Wilder, recordando sus inicios de guionista para la gran empresa del cine, no deja escapar ni una sola frase sin ironía. Ni un solo diálogo sin doble sentido. Cada plano, cada personaje y cada una de sus acciones suponen una crítica hacia una industria que dejó a sus grandes estrellas, a sus iconos iniciales a un lado para seguir avanzando con las nuevas tecnologías. Dentro de los aspectos técnicos, la idea de comenzar con el plano de Joe Gillis flotando boca abajo resultó ser completamente impactante. Pero al que le tocó ingeniárselas para llevar a cabo la escena y realizarla con los medios disponibles en la época fue al director artístico, John Meehan. Las indicaciones de Wilder fueron precisas:

- "Chico, el plano que quiero es la panorámica de un pescado".


el crepúsculo de los dioses

Quería un plano desde abajo, mostrando tanto el cuerpo de Gillis como a la policía y a los fotógrafos de pie, al borde de la piscina. Meehan experimentó con ello hasta que se le ocurrió la idea de rodar la escena, a través de un espejo en la parte inferior de un tanque de agua, en el estudio. Desde el ángulo de la derecha, la cámara podría tomar la imagen reflejada en el espejo sin tener que introducir una cámara bajo el agua, lo que implicaría costes enormes tanto en dinero como en tiempo. En cuanto a la elección de sus personajes, la relación Norma Desmond/ Max el mayordomo, no deja de ser un retorcido guiño a la realidad. Puso como mayordomo a uno de los grandes pioneros de la dirección, quien encumbró con sus films a la propia Gloria Swanson, todo sea dicho. Tal y como Max hizo con Norma. A lo largo de la cinta aparecen múltiples detalles que pueden y deben considerarse un homenaje a la historia del cine silente. Se nos permite ver en una proyección privada, "La reina Kelly" en una de sus escenas. Se nombra en las conversaciones a la Garbo y a Valentino. Además, cuenta con la particularidad de la aparición en escena de grandes mitos interpretándose a sí mismos. Uno de ellos es Cecil B. DeMille, el personaje más humano, más compasivo y más tierno de la película. Y es que, DeMille, nos deja una escena memorable de su propia carrera e historia al permitirnos acceder, junto con Norma, al plató donde estaba filmando "Sansón y DalilaOtra escena mítica que nos envuelve en una dulce nostalgia, es la de la partida de cartas de viejas glorias del cine de los años veinte, "las figuras de cera": Buster Keaton, Anna Q. Nilsson, H.B. Warner y Hedda Hooper. Con la presencia del gran Buster Keaton, brillante momento donde Buster dice "paso" en el juego. Los propios estudios Paramont alcanzan una gran relevancia, más allá de ser un simple escenario, pasan a ser un personaje más del reparto. Y así, entre escenarios y personajes reales del cine, presenciamos una interesante historia del devenir del cine y del complejo mundo psicológico de los personajes que lo constituyeron.

 “Nadie abandona a una estrella. Por eso es una estrella.”

Una obra magistral, completa y redonda que puede presumir de varios elementos, entre ellos de contar con una de las mejores escenas finales de la historia del cine.


el crepúsculo de los dioses

Título original: Sunset Blvd.

Director: Billy Wilder.

Intérpretes: William HoldenGloria SwansonErich von StroheimNancy OlsonFred ClarkJack WebbLloyd GoughCecil B. DeMilleHedda Hopper.


Trailer:


Escena:




Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

Información complementaria: 

muchachos
El cineasta Raúl Jiménez Pastor se formó profesionalmente para el cine en el South Thames College, un Centro Público de Formación Profesional ubicado en Londres, entre 1995 y 1998. Allí realiza algunos trabajos en el Canal Universitario Generación 2000, también de Londres. El regreso a España se produce en 1999 y comienza su andadura en la isla, combinando trabajos para la Televisión Canaria, Azul Televisión y el Canal 60. Raúl ha trabajado en Publicidad, en la realización de Documentales para productoras como Digitalia o Volcano Films, entre otras. Desde 2002 a 2008 se ha encargado de la producción y realización de los cortometrajes realizados en la Escuela de Actores de Canarias, ha producido videoclips, y reportajes musicales para artistas como Paquito de Rivera, Amparanoia o Vargas Blues Band, entre otros. A partir de 2006, Raúl se empeña en llevar el cine como actividad cultural a los barrios de diversos municipios canarios, realizando así talleres de formación técnica, encargándose de la producción y montaje de cortometrajes y documentales realizados por vecinos. Destacan los Talleres Laguna Acción! donde, en diferentes localidades del municipio lagunero, Raúl forma todos los años a cineastas, que realizan su cortometraje de manera colectiva, con vistas a su estreno en una gala que tiene lugar en el Teatro Leal, con la exhibición de todos los cortometrajes a concurso y un premio para el que resulta seleccionado por el jurado. El sábado 6 de diciembre de 2014, tuvo lugar en el Teatro Leal de la ciudad de La Laguna, la VII Muestrade Talleres de cine del proyecto La Laguna Acción!, dentro de los actos culturales de la Noche en BlancoEl debut en el largometraje de Raúl Jiménez Pastor, sin mención expresa,  nos traslada a conocidas localizaciones de algunos barrios de la ciudad de San Cristóbal de La Laguna. Allí se entrecruzan las historias vitales de un amplio espectro de personajes, historias que componen de manera muy realista un retrato nada complaciente del día a día azotado de manera implacable por la crisis económica.

muchachos

Tres adolescentes, dos jóvenes con un futuro poco prometedor, los padres de algunos de ellos, un anciano muy vehemente y con ramalazos anarquistas, un estudiante de política con poca experiencia vital y profesional, su novia, la nieta del anciano, son algunos de los personajes que desfilan por este drama con brotes de comedia y alguna dosis de realismo mágico, ese movimiento literario (generalmente vinculado a la literatura hispanoamericana), caracterizado por mostrar lo que nos puede parecer irreal y extraño, como algo cotidiano. Ezequiel es un adolescente de 15 años trabaja de forma ilegal en una ferretería. La situación en su casa es muy precaria y complicada. Su padre, también llamado Ezequiel, interpretado de modo sensacional por Manolo Guerra, actor vinculado profundamente a la filmografía de su director, es desempleado de larga duración. Ezequiel es un hombre honrado y trabajador, víctima de la obligatoria falta de actividad. Sus intentos por encontrar trabajo son inútiles. En su búsqueda de empleo se expone a situaciones poco cómodas y nada usuales. En las mismas calles, Manolito, interpretado por el actor Miguel Ángel Batista Rey, un delincuente común, vendedor de sustancias estupefacientes, tiene atemorizado al vecindario. Manolito tiene al menos un hermano en la cárcel y todo el mundo lo respeta, al tiempo que le temen, de modo que cada día se encuentra más solo por su áspero carácter. Su adicción a las drogas le lleva a realizar diversos atracos en zonas comerciales de la ciudad. Por otro lado, Federico interpretado por Antonio Cifo, viudo y abuelo de la estanquera del barrio, se siente mayor y cree que no tiene nada que ofrecer a la vida, pese a ser un hombre cultivado y de aguda reflexión. Su única familia es su nieta y un perro. Echa de menos a su difunta esposa. Su nieta, Dácil, no duda en llevarlo a un centro de la tercera edad donde, pese a su terquedad e ideas preconcebidas, logra relacionarse con los demás. Allí conoce a gente mayor como él, pero un poco más pletóricos de optimismo y parecen contagiarle algo de felicidad. 

muchachos

Filmada principalmente en el municipio de La Laguna, con alguna puntual localización en  los municipios de El Rosario y Tegueste, sin subvención de ninguna clase y con un plan de un año y medio de rodaje, durante los fines de semana y cuando se pudo, Muchachos es un trabajo cinematográfico riguroso, serio, con ciertos detalles formales que revelan virtuosismo. Un correctísimo filme coral, un inteligente retrato de diversos personajes de distintas edades y circunstancias personales y sociales, cuyas vidas, como decíamos, se entrecruzan. El devenir del filme constituye una historia abierta, con algún apunte de esperanza, y estupendos brotes de comedia (que consigue arrancar la risa del espectador desde la desesperación y la flaqueza), sin perder de vista el duro retrato de una sociedad, sacudida por el desempleo, el paro y la marginalidad. Pese a ser una película de cierta aspereza, Muchachos está orientada a un espectro muy amplio de público, y consigue combinar, con cierta habilidad, el propósito de entretener, con su consideración de obra de compromiso social. El cine de referencia de Raúl Jiménez es el de denuncia social, el cine latino americano, con "Los olvidados (1950)", de Luis Buñuel, a la cabeza, a la que el cineasta canario mira más de una vez con cierta referencia. Muchachos constituye un formidable debut en el largometraje, una estupenda película social, que recorre temas muy próximos, muy a pie de calle. Detrás de la realización del filme hay un equipo técnico importante, compuesto por nombres relevantes de nuestra cinematografía que, sin duda, merecen ser mencionados. Raúl Jiménez se ocupa de la realización, del guión y de la fotografía. La realizadora Fátima Lutzardo, aparece acreditada como Ayudante de Dirección y Coaching en Muchachos, donde incluso tiene un pequeño papel como actriz. Ella es la realizadora de "La Nada Cotidiana (2013)", una película que ha sido exhibida en el Festival de cine de las Palmas de Gran Canaria, en la Cineteca de Madrid, La Muestra de cine de Segovia, entre otros; El cineasta David Cánovas, es el encargado del montaje del filme. 

muchachos

Cánovas, experimentado cineasta, es el director, entre otros, del cortometraje "El Intruso (2005)", nominado al premio Goya (un atractivo ejercicio de cine dentro de cine, con José Coronado). Se formó en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, en la misma promoción que Mateo Gil o Alejandro Amenábar. Raúl Jiménez y David Cánovas habían trabajado juntos en el cortometraje "Mascarita (2013)", filmado en el Carnaval de La Palma y cuyo guión adapta un relato del escritor palmero Anelio Rodríguez Concepción. Guacimara Rodríguez, es la productora de Muchachos, pero también actriz en los mencionados filmes La Nada Cotidiana, y Mascarita. Guacimara es la protagonista del siguiente largometraje de Raúl Jiménez. El otro nombre importante en el equipo técnico de la película es el músico Pablo Cebrián, autor de la banda sonora del filme. Canario de nacimiento, Cebrián lleva afincado en Madrid desde hace más de 15 años. Es compositor, productor musical, se ha encargado de poner música a informativos Telecinco, ha ganado 4 Promax Awards y mantiene una gran conexión con el sector musical y de audiovisuales en Canarias, lo que permite su vinculación a películas como la que nos ocupa. Muchachos fue seleccionada para ser exhibida en el festival de cine Iberoamericano de Huelva, en su 39 edición, celebrada en noviembre de 2013. La sección Rábida del Festival Onubense, es una de las más características del certamen. Los expertos en el Festival tienen claro que el interés de los títulos de la sección está garantizado y que constituye una forma muy apropiada y realista de tomarle el pulso a la cinematografía Iberoamericana del ultimo año. De los doce títulos exhibidos en la sección en la mencionada edición de 2013, tres fueron españoles. Muchachos, comparte honores con "La partida (2012)", de Antonio Hens y "Esto no es una cita (2012)", de Guillermo Groizard. El filme ha podido verse en el TEA, donde se exhibió como parte de su programación regular de fin de semana, en el Espacio Cultural Aguere, en la Asociación de Vecinos de Geneto en La Laguna y el viernes 16 de enero de 2015, el marco de exhibición fue el Aula de Cine Jurídico del Colegio de Abogados de Santa Cruz de Tenerife. El próximo sábado 24 de enero de 2015 Muchachos podrá verse en el Teatro Unión de Tejina a las 20.30 horas. El día anterior, viernes 23, a las 20.30 horas en el mismo lugar, se exhibirá una selección de cortometrajes de los 7 años de los Talleres de Cine Laguna Acción!, talleres de cine Coordinados por Raúl Jiménez.

muchachos


Director: Raúl Jiménez.

Intérpretes: Antonio Cifo, Miguel A. Batista Rey, Iván Prieto Abdul, Manolo Guerra, Alba Pérez, Edgar García.

Trailer:



Reseña escrita por Manuel García de Mesa

Información complementaria:

MUCHACHOS (2013). El debut del cineasta canario Raúl Jiménez.

muchachos
El cineasta Raúl Jiménez Pastor se formó profesionalmente para el cine en el South Thames College, un Centro Público de Formación Profesional ubicado en Londres, entre 1995 y 1998. Allí realiza algunos trabajos en el Canal Universitario Generación 2000, también de Londres. El regreso a España se produce en 1999 y comienza su andadura en la isla, combinando trabajos para la Televisión Canaria, Azul Televisión y el Canal 60. Raúl ha trabajado en Publicidad, en la realización de Documentales para productoras como Digitalia o Volcano Films, entre otras. Desde 2002 a 2008 se ha encargado de la producción y realización de los cortometrajes realizados en la Escuela de Actores de Canarias, ha producido videoclips, y reportajes musicales para artistas como Paquito de Rivera, Amparanoia o Vargas Blues Band, entre otros. A partir de 2006, Raúl se empeña en llevar el cine como actividad cultural a los barrios de diversos municipios canarios, realizando así talleres de formación técnica, encargándose de la producción y montaje de cortometrajes y documentales realizados por vecinos. Destacan los Talleres Laguna Acción! donde, en diferentes localidades del municipio lagunero, Raúl forma todos los años a cineastas, que realizan su cortometraje de manera colectiva, con vistas a su estreno en una gala que tiene lugar en el Teatro Leal, con la exhibición de todos los cortometrajes a concurso y un premio para el que resulta seleccionado por el jurado. El sábado 6 de diciembre de 2014, tuvo lugar en el Teatro Leal de la ciudad de La Laguna, la VII Muestrade Talleres de cine del proyecto La Laguna Acción!, dentro de los actos culturales de la Noche en BlancoEl debut en el largometraje de Raúl Jiménez Pastor, sin mención expresa,  nos traslada a conocidas localizaciones de algunos barrios de la ciudad de San Cristóbal de La Laguna. Allí se entrecruzan las historias vitales de un amplio espectro de personajes, historias que componen de manera muy realista un retrato nada complaciente del día a día azotado de manera implacable por la crisis económica.

muchachos

Tres adolescentes, dos jóvenes con un futuro poco prometedor, los padres de algunos de ellos, un anciano muy vehemente y con ramalazos anarquistas, un estudiante de política con poca experiencia vital y profesional, su novia, la nieta del anciano, son algunos de los personajes que desfilan por este drama con brotes de comedia y alguna dosis de realismo mágico, ese movimiento literario (generalmente vinculado a la literatura hispanoamericana), caracterizado por mostrar lo que nos puede parecer irreal y extraño, como algo cotidiano. Ezequiel es un adolescente de 15 años trabaja de forma ilegal en una ferretería. La situación en su casa es muy precaria y complicada. Su padre, también llamado Ezequiel, interpretado de modo sensacional por Manolo Guerra, actor vinculado profundamente a la filmografía de su director, es desempleado de larga duración. Ezequiel es un hombre honrado y trabajador, víctima de la obligatoria falta de actividad. Sus intentos por encontrar trabajo son inútiles. En su búsqueda de empleo se expone a situaciones poco cómodas y nada usuales. En las mismas calles, Manolito, interpretado por el actor Miguel Ángel Batista Rey, un delincuente común, vendedor de sustancias estupefacientes, tiene atemorizado al vecindario. Manolito tiene al menos un hermano en la cárcel y todo el mundo lo respeta, al tiempo que le temen, de modo que cada día se encuentra más solo por su áspero carácter. Su adicción a las drogas le lleva a realizar diversos atracos en zonas comerciales de la ciudad. Por otro lado, Federico interpretado por Antonio Cifo, viudo y abuelo de la estanquera del barrio, se siente mayor y cree que no tiene nada que ofrecer a la vida, pese a ser un hombre cultivado y de aguda reflexión. Su única familia es su nieta y un perro. Echa de menos a su difunta esposa. Su nieta, Dácil, no duda en llevarlo a un centro de la tercera edad donde, pese a su terquedad e ideas preconcebidas, logra relacionarse con los demás. Allí conoce a gente mayor como él, pero un poco más pletóricos de optimismo y parecen contagiarle algo de felicidad. 

muchachos

Filmada principalmente en el municipio de La Laguna, con alguna puntual localización en  los municipios de El Rosario y Tegueste, sin subvención de ninguna clase y con un plan de un año y medio de rodaje, durante los fines de semana y cuando se pudo, Muchachos es un trabajo cinematográfico riguroso, serio, con ciertos detalles formales que revelan virtuosismo. Un correctísimo filme coral, un inteligente retrato de diversos personajes de distintas edades y circunstancias personales y sociales, cuyas vidas, como decíamos, se entrecruzan. El devenir del filme constituye una historia abierta, con algún apunte de esperanza, y estupendos brotes de comedia (que consigue arrancar la risa del espectador desde la desesperación y la flaqueza), sin perder de vista el duro retrato de una sociedad, sacudida por el desempleo, el paro y la marginalidad. Pese a ser una película de cierta aspereza, Muchachos está orientada a un espectro muy amplio de público, y consigue combinar, con cierta habilidad, el propósito de entretener, con su consideración de obra de compromiso social. El cine de referencia de Raúl Jiménez es el de denuncia social, el cine latino americano, con "Los olvidados (1950)", de Luis Buñuel, a la cabeza, a la que el cineasta canario mira más de una vez con cierta referencia. Muchachos constituye un formidable debut en el largometraje, una estupenda película social, que recorre temas muy próximos, muy a pie de calle. Detrás de la realización del filme hay un equipo técnico importante, compuesto por nombres relevantes de nuestra cinematografía que, sin duda, merecen ser mencionados. Raúl Jiménez se ocupa de la realización, del guión y de la fotografía. La realizadora Fátima Lutzardo, aparece acreditada como Ayudante de Dirección y Coaching en Muchachos, donde incluso tiene un pequeño papel como actriz. Ella es la realizadora de "La Nada Cotidiana (2013)", una película que ha sido exhibida en el Festival de cine de las Palmas de Gran Canaria, en la Cineteca de Madrid, La Muestra de cine de Segovia, entre otros; El cineasta David Cánovas, es el encargado del montaje del filme. 

muchachos

Cánovas, experimentado cineasta, es el director, entre otros, del cortometraje "El Intruso (2005)", nominado al premio Goya (un atractivo ejercicio de cine dentro de cine, con José Coronado). Se formó en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense de Madrid, en la misma promoción que Mateo Gil o Alejandro Amenábar. Raúl Jiménez y David Cánovas habían trabajado juntos en el cortometraje "Mascarita (2013)", filmado en el Carnaval de La Palma y cuyo guión adapta un relato del escritor palmero Anelio Rodríguez Concepción. Guacimara Rodríguez, es la productora de Muchachos, pero también actriz en los mencionados filmes La Nada Cotidiana, y Mascarita. Guacimara es la protagonista del siguiente largometraje de Raúl Jiménez. El otro nombre importante en el equipo técnico de la película es el músico Pablo Cebrián, autor de la banda sonora del filme. Canario de nacimiento, Cebrián lleva afincado en Madrid desde hace más de 15 años. Es compositor, productor musical, se ha encargado de poner música a informativos Telecinco, ha ganado 4 Promax Awards y mantiene una gran conexión con el sector musical y de audiovisuales en Canarias, lo que permite su vinculación a películas como la que nos ocupa. Muchachos fue seleccionada para ser exhibida en el festival de cine Iberoamericano de Huelva, en su 39 edición, celebrada en noviembre de 2013. La sección Rábida del Festival Onubense, es una de las más características del certamen. Los expertos en el Festival tienen claro que el interés de los títulos de la sección está garantizado y que constituye una forma muy apropiada y realista de tomarle el pulso a la cinematografía Iberoamericana del ultimo año. De los doce títulos exhibidos en la sección en la mencionada edición de 2013, tres fueron españoles. Muchachos, comparte honores con "La partida (2012)", de Antonio Hens y "Esto no es una cita (2012)", de Guillermo Groizard. El filme ha podido verse en el TEA, donde se exhibió como parte de su programación regular de fin de semana, en el Espacio Cultural Aguere, en la Asociación de Vecinos de Geneto en La Laguna y el viernes 16 de enero de 2015, el marco de exhibición fue el Aula de Cine Jurídico del Colegio de Abogados de Santa Cruz de Tenerife. El próximo sábado 24 de enero de 2015 Muchachos podrá verse en el Teatro Unión de Tejina a las 20.30 horas. El día anterior, viernes 23, a las 20.30 horas en el mismo lugar, se exhibirá una selección de cortometrajes de los 7 años de los Talleres de Cine Laguna Acción!, talleres de cine Coordinados por Raúl Jiménez.

muchachos


Director: Raúl Jiménez.

Intérpretes: Antonio Cifo, Miguel A. Batista Rey, Iván Prieto Abdul, Manolo Guerra, Alba Pérez, Edgar García.

Trailer:



Reseña escrita por Manuel García de Mesa

Información complementaria:

ocho apellidos vascos
Antes de ver por vez primera "Ocho apellidos vascos", ya habían llegado a mis oídos multitud de opiniones (la mayoría favorables), de la famosa película-fenómeno. Pude observar en los noticiarios cómo en los cines de todas las comunidades autónomas españolas, se abarrotaban en masa todas los salas ante el film ideado por Emilio Martínez Lázaro ("Al otro lado de la cama (2002)") y por Borja Cobeaga ("Pagafantas (2009)"). Tengo la impresión de que ni ellos mismo esperaban que su película se convirtiera en un film que engroisaría la cantidad más alta en toda la historia del cine español en cuanto a recaudación. El prodigio de "Ocho apellidos vascos" debería ser sometido a estudio para encontrar la fórmula del éxito, y levantar a un cine español que se encuentra de capa caída. El portento de semejante proeza para la taquilla en España con el presente film, ha corroborado que una de las mejores campañas de publicidad para una película es sin duda la recomendación de persona a persona (el famoso boca a boca). Y si en "Lo imposible (2012)" la intensa y multitudinaria campaña en televisión fue la clave para el triunfo, aquí las conversaciones personales y las recomendaciones han jugado un papel esencial para la abultada taquilla. "Ocho apellidos vascos" ha sabido recoger las mieles cosechadas del programa de televisión "Vaya Semanita" para sembrar el fruto que ha madurado en los cines, explotando los topicazos de dos pueblos españoles tan dispares como los vascos y los andaluces. Las manidas vulgaridades que etiquetan a las comunidades andaluza y vasca son exploradas con comicidad y trazo grueso. Tanto la tenaz y liante Clara Lago como el debutante actor y monologuista despistado de Dani Rovira, crean una trama de enredo amoroso que cual romance acelerado e inesperado enciende la mecha del "nudo marinero" que entre confusiones y torpezas acabará por moldear una comedia muy simpática. 


ocho apellidos vascos

Un campechano y exageradísimo Karra Elejalde en el papel de "vascorro" papá pescador de atunes y una cómplice estupenda anfitriona como aquí muestra una encantadora Carmen Machi, contribuyen sobremanera a la telaraña de confusiones y embrollos para que una hija (Lago) encuentre el cariño de su padre alejado, y ella misma sea tocada por un inesperado y alocado amor en forma de pueblerino andaluz con el que no tenía aparentemente nada en común. Este delirante film ha sabido enganchar a un público debido a la complicidad que tiene el hacer una sana saña irónica, con la que todo español ha etiquetado en algún chiste o conversación a los sureños andaluces y a los norteños vascuences. Las charlas de los personajes con los rituales típicos y los sellos de identidad de dos pueblos tan diferentes, son el caldo de cultivo de las risas del espectador que encuentra un atractiva y asequible comedieta bajo la que subyace algún meloso romance y un nostálgico reencuentro familiar, plagado de confusiones. En definitiva, un acertado hito en el cine español, necesitado de este género y de otros para subsistir como cultura que fomente el negocio... Y pensar que la ira desatada por una vasca, en un tablao flamenco vestida de faralaes que escucha cómo comparan los apellidos de su pueblo con una enfermedad venérea por las ocurrencias de un monologuista andaluz, sean la pólvora de esta historia romántica, es cuanto menos ocurrente, encantador y gracioso. Gonorrea no es un apellido vasco...Próximamente segunda parte a la vista...


ocho apellidos vascos


Director: Emilio Martínez Lázaro.

Intérpretes: Dani RoviraClara LagoCarmen MachiKarra ElejaldeAlfonso SánchezAlberto López.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

OCHO APELLIDOS VASCOS (2014). El fenómeno taquillero español.

ocho apellidos vascos
Antes de ver por vez primera "Ocho apellidos vascos", ya habían llegado a mis oídos multitud de opiniones (la mayoría favorables), de la famosa película-fenómeno. Pude observar en los noticiarios cómo en los cines de todas las comunidades autónomas españolas, se abarrotaban en masa todas los salas ante el film ideado por Emilio Martínez Lázaro ("Al otro lado de la cama (2002)") y por Borja Cobeaga ("Pagafantas (2009)"). Tengo la impresión de que ni ellos mismo esperaban que su película se convirtiera en un film que engroisaría la cantidad más alta en toda la historia del cine español en cuanto a recaudación. El prodigio de "Ocho apellidos vascos" debería ser sometido a estudio para encontrar la fórmula del éxito, y levantar a un cine español que se encuentra de capa caída. El portento de semejante proeza para la taquilla en España con el presente film, ha corroborado que una de las mejores campañas de publicidad para una película es sin duda la recomendación de persona a persona (el famoso boca a boca). Y si en "Lo imposible (2012)" la intensa y multitudinaria campaña en televisión fue la clave para el triunfo, aquí las conversaciones personales y las recomendaciones han jugado un papel esencial para la abultada taquilla. "Ocho apellidos vascos" ha sabido recoger las mieles cosechadas del programa de televisión "Vaya Semanita" para sembrar el fruto que ha madurado en los cines, explotando los topicazos de dos pueblos españoles tan dispares como los vascos y los andaluces. Las manidas vulgaridades que etiquetan a las comunidades andaluza y vasca son exploradas con comicidad y trazo grueso. Tanto la tenaz y liante Clara Lago como el debutante actor y monologuista despistado de Dani Rovira, crean una trama de enredo amoroso que cual romance acelerado e inesperado enciende la mecha del "nudo marinero" que entre confusiones y torpezas acabará por moldear una comedia muy simpática. 


ocho apellidos vascos

Un campechano y exageradísimo Karra Elejalde en el papel de "vascorro" papá pescador de atunes y una cómplice estupenda anfitriona como aquí muestra una encantadora Carmen Machi, contribuyen sobremanera a la telaraña de confusiones y embrollos para que una hija (Lago) encuentre el cariño de su padre alejado, y ella misma sea tocada por un inesperado y alocado amor en forma de pueblerino andaluz con el que no tenía aparentemente nada en común. Este delirante film ha sabido enganchar a un público debido a la complicidad que tiene el hacer una sana saña irónica, con la que todo español ha etiquetado en algún chiste o conversación a los sureños andaluces y a los norteños vascuences. Las charlas de los personajes con los rituales típicos y los sellos de identidad de dos pueblos tan diferentes, son el caldo de cultivo de las risas del espectador que encuentra un atractiva y asequible comedieta bajo la que subyace algún meloso romance y un nostálgico reencuentro familiar, plagado de confusiones. En definitiva, un acertado hito en el cine español, necesitado de este género y de otros para subsistir como cultura que fomente el negocio... Y pensar que la ira desatada por una vasca, en un tablao flamenco vestida de faralaes que escucha cómo comparan los apellidos de su pueblo con una enfermedad venérea por las ocurrencias de un monologuista andaluz, sean la pólvora de esta historia romántica, es cuanto menos ocurrente, encantador y gracioso. Gonorrea no es un apellido vasco...Próximamente segunda parte a la vista...


ocho apellidos vascos


Director: Emilio Martínez Lázaro.

Intérpretes: Dani RoviraClara LagoCarmen MachiKarra ElejaldeAlfonso SánchezAlberto López.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

love story
Oliver Barret es una joven deportista que estudia en la Universidad de Harvard, proviene de una familia adinerada y mantiene duros conflictos con su padre dado el elevado grado de perfección que le exige éste. Jennifer Cavilleri, por otro lado, es una joven luchadora y extrovertida, con gran pasión por la música clásica y proveniente de una familia humilde, y que ha diferencia de Oliver cuenta con un padre tolerante y comprensivo. Ambos se conocerán gracias a caprichos del destino provocando un fuerte enamoramiento entre ellos desde su primer encuentro. Un amor incondicional que les ayudará a sobrellevar todos los obstáculos que se le presentan por el camino. "Love Story" es un drama romántico basado en la novela homónima del escritor y también guionista Erich Segal (autor también de la surrealista película de animación de los Beatles "Yellow submarine (1968)"). El gran éxito de su libro hizo que muchas productoras cinematográficas se fijaran en él, siendo la Paramount Pictures la que se llevara finalmente el gato al agua en comprar sus derechos. Una apuesta segura para la productora que le supuso grandes beneficios para sus arcas, y es que "Love Story" se convertiría en una de las películas más taquilleras y populares de los años 70. El elegido para su adaptación cinematográfica fue Artur Hiller, un director iniciado en el mundo de la televisión y donde se caracterizaría por contar con una mediocre filmografía en su haber, teniendo como títulos más destacados, la mencionada "Love Story", el musical "El hombre de la Mancha (1972)", la divertida "El expreso de Chicago (1976)", donde reuniría por primera vez en la gran pantalla a la pareja cómica Richard Pryor y Gene Wilder y el drama" Author, Author (1980)" con un Al Pacino como protagonista principal del film.

love story

"Love Story" a pesar de ser muy criticada por su exceso de "edulcorante" y su "tufillo" a tramas de "novela rosa" fue y es uno de los títulos románticos más conocidos de la historia del cine. En ella se ponía de manifiesto la fuerza del amor por encima de todas las cosas, incluso de la propia muerte, siendo un elemento fundamental para solventar los contratiempos y obstáculos que se presentan en la vida. Los conflictos sociales entre ricos y pobres y la lucha por la libertad y la independencia de los jóvenes frente la opresión de ciertos padres también iban a tener buena parte de presencia en la trama del film. "Love Story" supuso el lanzamiento al estrellato de la pareja protagonista formada por Ryan O´Neal y Ali MacGraw haciendo para ambos los años 70 un espaldarazo definitivo para su éxito profesional. Un éxito que decaería para los dos con la llegada de la década de los 80. Mientras el bueno de Ryan O.Neal tuvo la oportunidad de trabajar con directores de la talla de Blake Edwards en el curioso western "Dos hombres contra el Oeste (1971)", Peter Bogdanovich, donde participaría en la comedia "¿Qué me pasa doctor? (1971)" junto a Barbra Streisand y con Stanley Kubrick en el drama de época "Barry Lyndon (1975)", Ali MacGraw aprovecharía su popularidad para trabajar junto a Sam Pekinpah en la adrenalínica "La huida (1972)" y en "Convoy (1978)" junto a Kris Kristofferson.

love story

Cabe destacar entre los secundarios la presencia de un veterano Ray Milland ("Días sin huella (1945)", "Crimen perfecto (1954)") como padre de Oliver, un triunfador nato obsesionado con que su hijo coja su mismo camino, y un jovencísimo Tommy Lee Jones que debutaba en la gran pantalla, haciendo de uno de los compañeros universitarios del mencionado Oliver. La película tampoco pasó desapercibida para los miembros de la academia, teniendo un total de 7 canditaturas, donde entre ellas iba a estar incluida mejor película, mejor director y mejor actor y actriz. No obstante, solo obtendría una estatuilla como mejor banda sonora gracias a la emotiva melodía de Francis Lai, sin dudas el elemento más destacable de la obra ya que en su conjunto el film de Hiller no pasa de película correcta y que vista hoy en día nos puede resultar algo simplona e ingenua, a pesar de ello es una película a tener en cuenta por la enorme repercusión que tuvo en su época, especialmente entre el público juvenil que conocían sus primeros amores, y en películas posteriores que trataron este género cinematográfico. En el año 1978, con la intención de repetir el éxito de "Love Story", se llevaría a cabo una secuela titulada "Historia de Oliver". Una película escrita por el propio Erich Segal y donde se mostraba al joven Oliver intentando olvidar a su amada Jenny a través de los brazos de otra mujer. Sobra decir que dicho film fue un total fiasco y no alcanzó ni por asomo el sobresaliente éxito de su película predecesora.

love story


Frase para recordar: "Amar significa no decir nunca lo siento".

Director: Artur Hiller.

Intérpretes: Ali MacGraw, Ryan O'Neal, Ray Milland, John Marley, Russell Nype, Katherine Balfour.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria:
Ray Milland 

LOVE STORY (1970). El romance de Ali MacGraw y Ryan O´Neal.

love story
Oliver Barret es una joven deportista que estudia en la Universidad de Harvard, proviene de una familia adinerada y mantiene duros conflictos con su padre dado el elevado grado de perfección que le exige éste. Jennifer Cavilleri, por otro lado, es una joven luchadora y extrovertida, con gran pasión por la música clásica y proveniente de una familia humilde, y que ha diferencia de Oliver cuenta con un padre tolerante y comprensivo. Ambos se conocerán gracias a caprichos del destino provocando un fuerte enamoramiento entre ellos desde su primer encuentro. Un amor incondicional que les ayudará a sobrellevar todos los obstáculos que se le presentan por el camino. "Love Story" es un drama romántico basado en la novela homónima del escritor y también guionista Erich Segal (autor también de la surrealista película de animación de los Beatles "Yellow submarine (1968)"). El gran éxito de su libro hizo que muchas productoras cinematográficas se fijaran en él, siendo la Paramount Pictures la que se llevara finalmente el gato al agua en comprar sus derechos. Una apuesta segura para la productora que le supuso grandes beneficios para sus arcas, y es que "Love Story" se convertiría en una de las películas más taquilleras y populares de los años 70. El elegido para su adaptación cinematográfica fue Artur Hiller, un director iniciado en el mundo de la televisión y donde se caracterizaría por contar con una mediocre filmografía en su haber, teniendo como títulos más destacados, la mencionada "Love Story", el musical "El hombre de la Mancha (1972)", la divertida "El expreso de Chicago (1976)", donde reuniría por primera vez en la gran pantalla a la pareja cómica Richard Pryor y Gene Wilder y el drama" Author, Author (1980)" con un Al Pacino como protagonista principal del film.

love story

"Love Story" a pesar de ser muy criticada por su exceso de "edulcorante" y su "tufillo" a tramas de "novela rosa" fue y es uno de los títulos románticos más conocidos de la historia del cine. En ella se ponía de manifiesto la fuerza del amor por encima de todas las cosas, incluso de la propia muerte, siendo un elemento fundamental para solventar los contratiempos y obstáculos que se presentan en la vida. Los conflictos sociales entre ricos y pobres y la lucha por la libertad y la independencia de los jóvenes frente la opresión de ciertos padres también iban a tener buena parte de presencia en la trama del film. "Love Story" supuso el lanzamiento al estrellato de la pareja protagonista formada por Ryan O´Neal y Ali MacGraw haciendo para ambos los años 70 un espaldarazo definitivo para su éxito profesional. Un éxito que decaería para los dos con la llegada de la década de los 80. Mientras el bueno de Ryan O.Neal tuvo la oportunidad de trabajar con directores de la talla de Blake Edwards en el curioso western "Dos hombres contra el Oeste (1971)", Peter Bogdanovich, donde participaría en la comedia "¿Qué me pasa doctor? (1971)" junto a Barbra Streisand y con Stanley Kubrick en el drama de época "Barry Lyndon (1975)", Ali MacGraw aprovecharía su popularidad para trabajar junto a Sam Pekinpah en la adrenalínica "La huida (1972)" y en "Convoy (1978)" junto a Kris Kristofferson.

love story

Cabe destacar entre los secundarios la presencia de un veterano Ray Milland ("Días sin huella (1945)", "Crimen perfecto (1954)") como padre de Oliver, un triunfador nato obsesionado con que su hijo coja su mismo camino, y un jovencísimo Tommy Lee Jones que debutaba en la gran pantalla, haciendo de uno de los compañeros universitarios del mencionado Oliver. La película tampoco pasó desapercibida para los miembros de la academia, teniendo un total de 7 canditaturas, donde entre ellas iba a estar incluida mejor película, mejor director y mejor actor y actriz. No obstante, solo obtendría una estatuilla como mejor banda sonora gracias a la emotiva melodía de Francis Lai, sin dudas el elemento más destacable de la obra ya que en su conjunto el film de Hiller no pasa de película correcta y que vista hoy en día nos puede resultar algo simplona e ingenua, a pesar de ello es una película a tener en cuenta por la enorme repercusión que tuvo en su época, especialmente entre el público juvenil que conocían sus primeros amores, y en películas posteriores que trataron este género cinematográfico. En el año 1978, con la intención de repetir el éxito de "Love Story", se llevaría a cabo una secuela titulada "Historia de Oliver". Una película escrita por el propio Erich Segal y donde se mostraba al joven Oliver intentando olvidar a su amada Jenny a través de los brazos de otra mujer. Sobra decir que dicho film fue un total fiasco y no alcanzó ni por asomo el sobresaliente éxito de su película predecesora.

love story


Frase para recordar: "Amar significa no decir nunca lo siento".

Director: Artur Hiller.

Intérpretes: Ali MacGraw, Ryan O'Neal, Ray Milland, John Marley, Russell Nype, Katherine Balfour.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria:
Ray Milland 

diarios de motocicleta
En 1952, el estudiante de medicina de veintitrés años Ernesto Guevara de la Serna decide posponer su último semestre de estudios para acompañar a su amigo Alberto Granado en un viaje de cuatro meses y ocho mil kilómetros a través de toda América del Sur. Los dos quieren ver todo lo que sólo han leído en los libros, saliendo de Buenos Aires para llegar a Venezuela. Sin embargo, no todo en este viaje va según lo previsto, de las averías de la motocicleta a las discusiones entre los dos jóvenes, por no mencionar la falta crónica de dinero y los problemas en los que se meten por amor. Será el encuentro casual con un par de comunistas en el desierto chileno y una visita al hospital para leprosos en el Amazonas peruano lo que les ayude a aclarar las ideas sobre lo que ambos quieren de la vida y de su amistad. Ernesto Guevara alías "Fuser", de 23 años y a punto de terminar su carrera de Medicina. Joven, idealista, jugador de fútbol, aquejado de asma, de una gran sinceridad y un pésimo sentido del ritmo.Y su compañero, Alberto Granado de 29 años, licenciado en Bioquímica, "casanova" empedernido, de buen comer y beber, buen bailarín, y gran amigo de Ernesto, emprendieron un viaje que respondía a una ilusión que tenían los dos por conocer las realidades de Sudamérica y escapar de la vida "monótona" que llevaban en Argentina. Esto dio pie a un periplo en una motocicleta Norton 500, “La Poderosa” (que acaba convirtiéndose durante un tiempo en un personaje más de la película), que les llevó a un viaje iniciático por toda la crudeza de la realidad sudamericana: el hambre, la miseria, la violencia, las expropiaciones forzosas, la persecución política (esto queda patente en la pareja que se encuentran de camino por el desierto chileno), el trabajo inhumano (la Compañía Anaconda estadounidense), el trabajo infantil, etc. 


diarios de motocicleta

El itinerario comenzó a finales de diciembre de 1951, en Córdoba (Argentina), continuó por la provincia de Buenos Aires, La Pampa, la cordillera de los Andes, Chile, Perú, Colombia y Venezuela... En este punto es donde la pareja de viajeros se separa y cada uno se dirige a su destino: Alberto hacia su vida de médico en Cabo Blanco; y Ernesto, lleno de dudas, a acabar su carrera y a encontrarse con su futuro como revolucionario. El ritmo dentro de la película es un in crescendo continuo. Podemos encontrar la tradicional división argumental: presentación, nudo y desenlace. La historia comienza como un viaje de aventureros acomodados, y poco a poco se va convirtiendo más en un choque con la realidad y un descubrimiento de la miseria a la que está sometida gran parte de la población. Y el final es un camino abierto por los cambios del viaje. En cierta manera se podría decir que el verdadero personaje de la película es "el camino". La ruta vista tanto como camino iniciático, de cambio, puesto que los dos protagonistas empiezan el viaje con una expectativa, ilusiones, ambiciones y la realidad con la que se encuentran les lleva a replantearse sus convicciones, anhelos, etc... 


diarios de motocicleta

Pero también el director nos enseña el camino físico; es decir, nos enseña parte de la América india: la de las rutas no oficiales, con un paisaje precioso que incita a visitarlo, a disfrutar con sus parajes, a conocer a la gente que vive allí, a preocuparse por lo que pasa. Visto no de forma turística, sino como reivindicación de la "Naturaleza madre". La película, lejos de caer en una mitificación del futuro “Che”, nos presenta a Ernesto Guevara y a Alberto Granado como la historia sobre dos amigos de viaje. No permitió el director que la historia pasada estuviera impregnada del futuro de los personajes (recordemos que Ernesto, no fue "Che" hasta sus contactos con los disidentes cubanos en México) y, por tanto, sólo pequeñas pinceladas y ramalazos del personaje nos dejan entrever en lo que se convertirá después de este viaje para sus convicciones y creencias. "Diarios de Motocicleta" conserva el espíritu del viaje, el aire reivindicativo, algo crítico, de los dos aventureros y del territorio por el que circularon.

…"Constituimos una sola raza mestiza desde México hasta el estrecho de Magallanes"…

"No es este el relato de unos años impresionantes, es un trozo de dos vidas tomado en un momento en que cursaron juntas un determinado trecho, con identidades y conjunciones de sueños. ¿Fue nuestra visión demasiado estrecha, demasiado parcial, demasiado apresurada? ¿Fueron nuestras conclusiones demasiado rígidas? Tal vez. Pero ese vagar sin rumbo por nuestra mayúscula América me ha cambiado más de lo que creí. Yo, ya no soy yo. Por lo menos no soy el mismo yo interior." (Ernesto Guevara de la Serna).


diarios de motocicleta


Director: Walter Salles.

Intérpretes: Gael García Bernal, Rodrigo de la SernaMia MaestroMercedes MoránJorge Chiarella.


Trailer:


B.S.O.:




Reseña escrita por Ramón Abello Miñano

Información complementaria:

DIARIOS DE MOTOCICLETA (2004). El largo viaje de Ernesto Guevara.

diarios de motocicleta
En 1952, el estudiante de medicina de veintitrés años Ernesto Guevara de la Serna decide posponer su último semestre de estudios para acompañar a su amigo Alberto Granado en un viaje de cuatro meses y ocho mil kilómetros a través de toda América del Sur. Los dos quieren ver todo lo que sólo han leído en los libros, saliendo de Buenos Aires para llegar a Venezuela. Sin embargo, no todo en este viaje va según lo previsto, de las averías de la motocicleta a las discusiones entre los dos jóvenes, por no mencionar la falta crónica de dinero y los problemas en los que se meten por amor. Será el encuentro casual con un par de comunistas en el desierto chileno y una visita al hospital para leprosos en el Amazonas peruano lo que les ayude a aclarar las ideas sobre lo que ambos quieren de la vida y de su amistad. Ernesto Guevara alías "Fuser", de 23 años y a punto de terminar su carrera de Medicina. Joven, idealista, jugador de fútbol, aquejado de asma, de una gran sinceridad y un pésimo sentido del ritmo.Y su compañero, Alberto Granado de 29 años, licenciado en Bioquímica, "casanova" empedernido, de buen comer y beber, buen bailarín, y gran amigo de Ernesto, emprendieron un viaje que respondía a una ilusión que tenían los dos por conocer las realidades de Sudamérica y escapar de la vida "monótona" que llevaban en Argentina. Esto dio pie a un periplo en una motocicleta Norton 500, “La Poderosa” (que acaba convirtiéndose durante un tiempo en un personaje más de la película), que les llevó a un viaje iniciático por toda la crudeza de la realidad sudamericana: el hambre, la miseria, la violencia, las expropiaciones forzosas, la persecución política (esto queda patente en la pareja que se encuentran de camino por el desierto chileno), el trabajo inhumano (la Compañía Anaconda estadounidense), el trabajo infantil, etc. 


diarios de motocicleta

El itinerario comenzó a finales de diciembre de 1951, en Córdoba (Argentina), continuó por la provincia de Buenos Aires, La Pampa, la cordillera de los Andes, Chile, Perú, Colombia y Venezuela... En este punto es donde la pareja de viajeros se separa y cada uno se dirige a su destino: Alberto hacia su vida de médico en Cabo Blanco; y Ernesto, lleno de dudas, a acabar su carrera y a encontrarse con su futuro como revolucionario. El ritmo dentro de la película es un in crescendo continuo. Podemos encontrar la tradicional división argumental: presentación, nudo y desenlace. La historia comienza como un viaje de aventureros acomodados, y poco a poco se va convirtiendo más en un choque con la realidad y un descubrimiento de la miseria a la que está sometida gran parte de la población. Y el final es un camino abierto por los cambios del viaje. En cierta manera se podría decir que el verdadero personaje de la película es "el camino". La ruta vista tanto como camino iniciático, de cambio, puesto que los dos protagonistas empiezan el viaje con una expectativa, ilusiones, ambiciones y la realidad con la que se encuentran les lleva a replantearse sus convicciones, anhelos, etc... 


diarios de motocicleta

Pero también el director nos enseña el camino físico; es decir, nos enseña parte de la América india: la de las rutas no oficiales, con un paisaje precioso que incita a visitarlo, a disfrutar con sus parajes, a conocer a la gente que vive allí, a preocuparse por lo que pasa. Visto no de forma turística, sino como reivindicación de la "Naturaleza madre". La película, lejos de caer en una mitificación del futuro “Che”, nos presenta a Ernesto Guevara y a Alberto Granado como la historia sobre dos amigos de viaje. No permitió el director que la historia pasada estuviera impregnada del futuro de los personajes (recordemos que Ernesto, no fue "Che" hasta sus contactos con los disidentes cubanos en México) y, por tanto, sólo pequeñas pinceladas y ramalazos del personaje nos dejan entrever en lo que se convertirá después de este viaje para sus convicciones y creencias. "Diarios de Motocicleta" conserva el espíritu del viaje, el aire reivindicativo, algo crítico, de los dos aventureros y del territorio por el que circularon.

…"Constituimos una sola raza mestiza desde México hasta el estrecho de Magallanes"…

"No es este el relato de unos años impresionantes, es un trozo de dos vidas tomado en un momento en que cursaron juntas un determinado trecho, con identidades y conjunciones de sueños. ¿Fue nuestra visión demasiado estrecha, demasiado parcial, demasiado apresurada? ¿Fueron nuestras conclusiones demasiado rígidas? Tal vez. Pero ese vagar sin rumbo por nuestra mayúscula América me ha cambiado más de lo que creí. Yo, ya no soy yo. Por lo menos no soy el mismo yo interior." (Ernesto Guevara de la Serna).


diarios de motocicleta


Director: Walter Salles.

Intérpretes: Gael García Bernal, Rodrigo de la SernaMia MaestroMercedes MoránJorge Chiarella.


Trailer:


B.S.O.:




Reseña escrita por Ramón Abello Miñano

Información complementaria:

amor en conserva
¿Qué tienen en común: Ingentes cantidades de latas de sardinas, una trama con las joyas de los zares rusos de por medio, una obra teatral con una pequeña historia de amor incluida, el debut de Marilyn Monroe en el cine, y todo ello en una misma película?....Respuesta: Los hermanos Marx, "Amor en conserva" es la prueba de que, por muy malas referencias que se tuviera de la última película de los Marx, ya quisieran tener más films actuales la frescura, el humor y el desenfreno que el film del que hablo a continuación. Ya no estamos en la década de los 30´s, en la que Harpo, Groucho y Chico eran los reyes de la comedia en películas memorables tales como "Sopa de Ganso (1933)" y "Una noche en la ópera (1935)", pero cabe reseñar en "Amor en conserva" todas sus virtudes. Al más puro comienzo del mejor cine negro, con una introducción de Groucho a modo de investigador privado riéndose del clásico cine del género, se nos da el pistoletazo de salida entre excepcionales números musicales al piano y arpa con unos virtuosos Harpo y Chico Marx, que despliegan su arte musical enteramente satisfactorio mientras se desarrolla la tronchante acción de la trama. Las deslenguadas bromas de Groucho son un ingrediente más de la delicia cinematográfica, todavía sin tener en cuenta el lío que se arma con unos diamantes que van a parar a una lata de sardinas que pululan por una obra de teatro que peligra en no realizarse por falta de medios económicos. Aquí hizo su debut una arrebatadora Marilyn Monroe, contoneándose y centrando todas las miradas en su escultural cuerpo e insinuantes y voluptuosas formas de diva sexual. Toda esta ecuación alocada tiene su climax con una extraordinaria persecución en las azoteas de los edificios de New York, con "el mudito" de los Marx perseguido por los secuaces rusos haciendo alarde de sus surrealistas locuras de escapismo entre los inmensos carteles luminosos de publicidad de la época, que resultan tan curiosas como desternillantes..."Amor en conserva" es un lujo de principio a fin por su humor, por su parodia del cine negro, por su desternillante trama, por sus atractivos números musicales, por las bromas y descerebradas formas de sus 3 protagonistas y por supuesto, por la comentada Monroe...Esta película se mantiene perfectamente conservada en la memoria del amante del buen cine clásico-cómico, erigiéndose como muchísimo más que el debut de la icónica rubia y última colaboración de los hermanos Marx.

amor en conserva

Título original: Love happy.

Director: David Miller.

Intérpretes: Groucho Marx, Harpo Marx,Chico Marx, Ilona Massey, Vera-Ellen, Marion Hutton, Raymond Burr, Marilyn Monroe.


Escena:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

AMOR EN CONSERVA (1949). Marilyn Monroe en la comedia de los hermanos Marx.

amor en conserva
¿Qué tienen en común: Ingentes cantidades de latas de sardinas, una trama con las joyas de los zares rusos de por medio, una obra teatral con una pequeña historia de amor incluida, el debut de Marilyn Monroe en el cine, y todo ello en una misma película?....Respuesta: Los hermanos Marx, "Amor en conserva" es la prueba de que, por muy malas referencias que se tuviera de la última película de los Marx, ya quisieran tener más films actuales la frescura, el humor y el desenfreno que el film del que hablo a continuación. Ya no estamos en la década de los 30´s, en la que Harpo, Groucho y Chico eran los reyes de la comedia en películas memorables tales como "Sopa de Ganso (1933)" y "Una noche en la ópera (1935)", pero cabe reseñar en "Amor en conserva" todas sus virtudes. Al más puro comienzo del mejor cine negro, con una introducción de Groucho a modo de investigador privado riéndose del clásico cine del género, se nos da el pistoletazo de salida entre excepcionales números musicales al piano y arpa con unos virtuosos Harpo y Chico Marx, que despliegan su arte musical enteramente satisfactorio mientras se desarrolla la tronchante acción de la trama. Las deslenguadas bromas de Groucho son un ingrediente más de la delicia cinematográfica, todavía sin tener en cuenta el lío que se arma con unos diamantes que van a parar a una lata de sardinas que pululan por una obra de teatro que peligra en no realizarse por falta de medios económicos. Aquí hizo su debut una arrebatadora Marilyn Monroe, contoneándose y centrando todas las miradas en su escultural cuerpo e insinuantes y voluptuosas formas de diva sexual. Toda esta ecuación alocada tiene su climax con una extraordinaria persecución en las azoteas de los edificios de New York, con "el mudito" de los Marx perseguido por los secuaces rusos haciendo alarde de sus surrealistas locuras de escapismo entre los inmensos carteles luminosos de publicidad de la época, que resultan tan curiosas como desternillantes..."Amor en conserva" es un lujo de principio a fin por su humor, por su parodia del cine negro, por su desternillante trama, por sus atractivos números musicales, por las bromas y descerebradas formas de sus 3 protagonistas y por supuesto, por la comentada Monroe...Esta película se mantiene perfectamente conservada en la memoria del amante del buen cine clásico-cómico, erigiéndose como muchísimo más que el debut de la icónica rubia y última colaboración de los hermanos Marx.

amor en conserva

Título original: Love happy.

Director: David Miller.

Intérpretes: Groucho Marx, Harpo Marx,Chico Marx, Ilona Massey, Vera-Ellen, Marion Hutton, Raymond Burr, Marilyn Monroe.


Escena:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

NOS MENCIONAN EN ANTENA 3

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