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El reconocido y orondo genio de Alfred Hitchcock manipuló la psicología del espectador sugestionándola del tal modo que Psicosis de manera prácticamente instantánea se convirtió en un clásico del cine y una de las obras más importantes de su director. La observación metódica de la personalidad de Norman Bates (Anthony Perkins) se inspiró en la real del taxidermista asesino de Ed Gein, un perturbado que asaltaba en su mayoría a mujeres de avanzada edad y que una vez muertas violaba y disecaba incluso despellajando sus cuerpos para hacerse un traje (al igual que Buffalo Bill de "El silencio delos corderos"). Norman Bates de la misma manera que Ed Gein aparentaba ser una inofensiva persona retraída, tímida y marginada, escondiendo el mostruo que latente se manifestaba para matar. Sobre el personaje de Bates, Hitchcock monta una trama en la que Marion Crane (Janet Leigh) es impulsada como secretaria de un banco a robar una elevada suma de dinero huyendo y encontrando refugio en un motel de carretera regentado por un particular casero que asegura vivir con su madre. La inesperada desaparición de Marion levanta la investigación del detective Arbogast (Martin Balsam) y de la hermana (Vera Miles) y pareja sentimental (John Gavin) de Crane para encontrar a la ladrona y el dinero robado. El planteamiento narrativo y visual de Hitchcock busca en todo momento interesar y sorprender (de ahí la marca de clase de Mr. Alfred: El McGuffin), de una manera inesperada con elementos tales como el asesinato de la que parece ser la protagonista, la ocultación en todo momento de la madre de Norman Bates de la que solo puede escucharse su voz.. y las motivaciones de todos los personajes que ponen en movimiento el suspense. 

psicosis

Por supuesto, la ambientación contribuye con carreteras perdidas y desolados bungalows del motel presididos por un caserón de arquitectura victoriana sombrío, en el que se intuye que habita el mal con un sótano plagado de telarañas que se extienden por las alargadas escaleras surcando habitaciones vacías con sábanas que cubren los muebles y con voces del pasado que resuenan en la cabeza de Norman. Psicosis no sería Psicosis sin la secuencia de la ducha. Secuencia miles de veces repetida, plagiada, copiada, homenajeada e incluso remakeada en la que poco a poco se atisba una amenazante sombra a través de la cortina transparente que va tomando forma mientras Janet Leigh toma una relajante ducha...Hasta que la cortina se corre, provocando un grito seguido de puñaladas con la atronadora y desasosegante música de Bernard Herrmann, todo ello con un montaje con precisión y detenimiento con multitud de planos desde distintos ángulos conformando lo que se convirtió en un mito del cine

psicosis

La película fue pionera en sacar un váter en el cine, y Hitchcock temeroso de que la censura lo eliminase se aseguró de que el retrete fuera parte indispensable en el desarrollo de la película. Datos: La escena de la ducha tardó una semana en montarse tras 78 diferentes planos dirigidos por George Tomasini. Para fingir la sangre en la película Psicosis se utilizó sirope de chocolate. El film de 1960 contiene un pequeño error, debido a que todas las personas fallecidas muestran tener las pupilas dilatadas, hecho que no se refleja en los primeros planos en el rostro de Janet Leigh y que únicamente podían haberse cambiado con efectos especiales o la utilización de lentillas. Una icónica película de suspense y terror en la que me quedo con una frase antológica: -Todos nos volvemos locos alguna vez- Anthony Perkins-. Y además de la recordada ducha mortal me acuerdo de la escena final con la fusión en imágenes del rostro de Bates con el cadáver de su madre mientras la personalidad de ella le habla fingiendo no poder matar ni una mosca...

psicosis


Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

PSICOSIS (1960). La locura de Anthony Perkins.

El reconocido y orondo genio de Alfred Hitchcock manipuló la psicología del espectador sugestionándola del tal modo que Psicosis de manera prácticamente instantánea se convirtió en un clásico del cine y una de las obras más importantes de su director. La observación metódica de la personalidad de Norman Bates (Anthony Perkins) se inspiró en la real del taxidermista asesino de Ed Gein, un perturbado que asaltaba en su mayoría a mujeres de avanzada edad y que una vez muertas violaba y disecaba incluso despellajando sus cuerpos para hacerse un traje (al igual que Buffalo Bill de "El silencio delos corderos"). Norman Bates de la misma manera que Ed Gein aparentaba ser una inofensiva persona retraída, tímida y marginada, escondiendo el mostruo que latente se manifestaba para matar. Sobre el personaje de Bates, Hitchcock monta una trama en la que Marion Crane (Janet Leigh) es impulsada como secretaria de un banco a robar una elevada suma de dinero huyendo y encontrando refugio en un motel de carretera regentado por un particular casero que asegura vivir con su madre. La inesperada desaparición de Marion levanta la investigación del detective Arbogast (Martin Balsam) y de la hermana (Vera Miles) y pareja sentimental (John Gavin) de Crane para encontrar a la ladrona y el dinero robado. El planteamiento narrativo y visual de Hitchcock busca en todo momento interesar y sorprender (de ahí la marca de clase de Mr. Alfred: El McGuffin), de una manera inesperada con elementos tales como el asesinato de la que parece ser la protagonista, la ocultación en todo momento de la madre de Norman Bates de la que solo puede escucharse su voz.. y las motivaciones de todos los personajes que ponen en movimiento el suspense. 

psicosis

Por supuesto, la ambientación contribuye con carreteras perdidas y desolados bungalows del motel presididos por un caserón de arquitectura victoriana sombrío, en el que se intuye que habita el mal con un sótano plagado de telarañas que se extienden por las alargadas escaleras surcando habitaciones vacías con sábanas que cubren los muebles y con voces del pasado que resuenan en la cabeza de Norman. Psicosis no sería Psicosis sin la secuencia de la ducha. Secuencia miles de veces repetida, plagiada, copiada, homenajeada e incluso remakeada en la que poco a poco se atisba una amenazante sombra a través de la cortina transparente que va tomando forma mientras Janet Leigh toma una relajante ducha...Hasta que la cortina se corre, provocando un grito seguido de puñaladas con la atronadora y desasosegante música de Bernard Herrmann, todo ello con un montaje con precisión y detenimiento con multitud de planos desde distintos ángulos conformando lo que se convirtió en un mito del cine

psicosis

La película fue pionera en sacar un váter en el cine, y Hitchcock temeroso de que la censura lo eliminase se aseguró de que el retrete fuera parte indispensable en el desarrollo de la película. Datos: La escena de la ducha tardó una semana en montarse tras 78 diferentes planos dirigidos por George Tomasini. Para fingir la sangre en la película Psicosis se utilizó sirope de chocolate. El film de 1960 contiene un pequeño error, debido a que todas las personas fallecidas muestran tener las pupilas dilatadas, hecho que no se refleja en los primeros planos en el rostro de Janet Leigh y que únicamente podían haberse cambiado con efectos especiales o la utilización de lentillas. Una icónica película de suspense y terror en la que me quedo con una frase antológica: -Todos nos volvemos locos alguna vez- Anthony Perkins-. Y además de la recordada ducha mortal me acuerdo de la escena final con la fusión en imágenes del rostro de Bates con el cadáver de su madre mientras la personalidad de ella le habla fingiendo no poder matar ni una mosca...

psicosis


Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

terminator 2
Esta historia comienza en Roma.....James Cameron tuvo una manifestación a través de un sueño provocado por una fiebre. En semejante pesadilla el enfermo vislumbró a unos amantes huyendo de una ola de llamaradas de la que emergía una máquina con forma humana. Año 1984 (bendito año de cine), se estrena "Terminator", film menospreciado en su estreno pero que el tiempo y los videoclubs colocarían en el lugar al que pertenece como clásico del cine de acción y ciencia ficción. James Cameron a través de las enseñanzas aprendidas en la factoría de Roger Corman pudo materializar su sueño después del desastre que significó para él su inacabado bodrio "Piraña 2 (1981)". Todos los que participaron en la película futurista de Cameron cristalizaron sus sueños de fama: William Wisher (guionista), Adam Geenberg (director de fotografía), Gale Ann Hurd (productora), Brad Fiedel (música), Linda Hamilton, Michael Bienh (actores). Pero sin duda alguna, quienes se llevaron los elogios fueron el propio James Cameron, por su inventiva y originalidad, Stan Winston, por su capacidad para crear y hacer real la imaginería de Cameron y sin lugar a dudas...El gran Arnold Schwarzenegger, que tuvo el acierto de ser el que impulsó la idea de colocarse como villano, en lugar del héroe que se pensaba en un pricipio para él en el guión, así que O.J. Simpson fue desplazado del proyecto. En una reunión para hablar de la producción para el posible rodaje, el director de "Avatar (2009)" enseñó un boceto de un dibujo en la que la cara del posible héroe se fusionaba con el endoesqueleto del villano Terminator, dibujo que abrió los ojos del gran 'Arnold' para saber en aquel instante que él debía interpretar a la máquina, teniendo un olfato providencial para el éxito. 


terminator 2

El fuerte impacto y la demanda de la película "Terminator" en Vhs, llevaron a que se propusiera por parte de los fans una secuela......1991 (año de estreno de "Terminator 2"), el viejo zorro de Cameron logra una de las segundas partes más espectaculares de todos los tiempos. Schwarzenegger pone en pantalla el cambio de registro más espectacular e inimaginable de toda su carrera, pasó de interpretar a una máquina sin conciencia, ni remordimientos, ni miedo, completamente centrada en su misión de destrucción de la humanidad, a interpretar de nuevo a la misma clase de modelo de cyborg pero con el propósito contrario que en la primera parte..Esta vez toca ser el salvador... Y toca enfrentarse a un enemigo de mercurio imperturbable Robert Patrick (que se acercaba más mediante su interpretación al ideal del director de "Titanic (1997)" para pasar desapercibido entre los humanos dada su fisonomía más normal, y que hubiera interpretado en el año 84 Lance Henriksen sino llega a ser por el cambio impuesto por el roble austriaco) ¿Saben Qué? Me importa un bledo lo que hizo la crítica con la interpretación de 'Arnold' al calcular cuánto cobró por palabra, yo solo me fijo en su calculada postura, en en los gestos milimétricamente calculados, en su frialdad y profesionalidad.... 


terminator 2

También Linda Hamilton cambia, convirtiéndose en una especie de virgen Maria armada y peligrosa con la finalidad de evitar el apocalipsis tecnológico y mecánico. "Terminator 2" es la muestra de un calculado entretenimiento sí..Pero es que además es una proyección de lo que somos realmente como persona: -Está en la naturaleza del hombre el destruirse mutuamente-. Llega a comentar la máquina...-Si una máquina un "Terminator" puede comprender el valor de la vida humana, quizás nosotros también podamos-. Un Blockbuster antológico, la primera producción Hollywoodiense en gastarse 100 millones de dólares, la película que revolucionó el mundo de los efectos especiales, la película que me inspiró grandes dosis de humanidad, valor y sensibilidad: -Ahora sé porqué lloráis, pero es algo que yo nunca podré hacer-. Como máquina, el Terminator entiende lo que John Connor siente hacia ella (apego y cariño), y la despedida final con el pulgar hacia arriba me enternece y emociona. Como fanático del film, he soñado muchas veces con que Arnold se dirigiera a mí antes de destruir la cristalera del edificio Cyberdine y cargar contra la policía con el arma multicañón para decirme aquello de...Trust me..(confía en mí)..Un niño de 11 años que se emocionó y asombró con esta obra magna del libro de oro de la ciencia ficción ...Aún sigo haciéndolo ....Sayonara Baby. Volveré.


terminator 2


Título original: Terminator 2: Judgment Day.

Director: James Cameron.

Intérpretes: Arnold SchwarzeneggerLinda HamiltonEdward FurlongRobert PatrickEarl BoenJoe MortonS. Epatha Merkerson.


Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Linda Hamilton

TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL (1991). La espectacular secuela de James Cameron.

terminator 2
Esta historia comienza en Roma.....James Cameron tuvo una manifestación a través de un sueño provocado por una fiebre. En semejante pesadilla el enfermo vislumbró a unos amantes huyendo de una ola de llamaradas de la que emergía una máquina con forma humana. Año 1984 (bendito año de cine), se estrena "Terminator", film menospreciado en su estreno pero que el tiempo y los videoclubs colocarían en el lugar al que pertenece como clásico del cine de acción y ciencia ficción. James Cameron a través de las enseñanzas aprendidas en la factoría de Roger Corman pudo materializar su sueño después del desastre que significó para él su inacabado bodrio "Piraña 2 (1981)". Todos los que participaron en la película futurista de Cameron cristalizaron sus sueños de fama: William Wisher (guionista), Adam Geenberg (director de fotografía), Gale Ann Hurd (productora), Brad Fiedel (música), Linda Hamilton, Michael Bienh (actores). Pero sin duda alguna, quienes se llevaron los elogios fueron el propio James Cameron, por su inventiva y originalidad, Stan Winston, por su capacidad para crear y hacer real la imaginería de Cameron y sin lugar a dudas...El gran Arnold Schwarzenegger, que tuvo el acierto de ser el que impulsó la idea de colocarse como villano, en lugar del héroe que se pensaba en un pricipio para él en el guión, así que O.J. Simpson fue desplazado del proyecto. En una reunión para hablar de la producción para el posible rodaje, el director de "Avatar (2009)" enseñó un boceto de un dibujo en la que la cara del posible héroe se fusionaba con el endoesqueleto del villano Terminator, dibujo que abrió los ojos del gran 'Arnold' para saber en aquel instante que él debía interpretar a la máquina, teniendo un olfato providencial para el éxito. 


terminator 2

El fuerte impacto y la demanda de la película "Terminator" en Vhs, llevaron a que se propusiera por parte de los fans una secuela......1991 (año de estreno de "Terminator 2"), el viejo zorro de Cameron logra una de las segundas partes más espectaculares de todos los tiempos. Schwarzenegger pone en pantalla el cambio de registro más espectacular e inimaginable de toda su carrera, pasó de interpretar a una máquina sin conciencia, ni remordimientos, ni miedo, completamente centrada en su misión de destrucción de la humanidad, a interpretar de nuevo a la misma clase de modelo de cyborg pero con el propósito contrario que en la primera parte..Esta vez toca ser el salvador... Y toca enfrentarse a un enemigo de mercurio imperturbable Robert Patrick (que se acercaba más mediante su interpretación al ideal del director de "Titanic (1997)" para pasar desapercibido entre los humanos dada su fisonomía más normal, y que hubiera interpretado en el año 84 Lance Henriksen sino llega a ser por el cambio impuesto por el roble austriaco) ¿Saben Qué? Me importa un bledo lo que hizo la crítica con la interpretación de 'Arnold' al calcular cuánto cobró por palabra, yo solo me fijo en su calculada postura, en en los gestos milimétricamente calculados, en su frialdad y profesionalidad.... 


terminator 2

También Linda Hamilton cambia, convirtiéndose en una especie de virgen Maria armada y peligrosa con la finalidad de evitar el apocalipsis tecnológico y mecánico. "Terminator 2" es la muestra de un calculado entretenimiento sí..Pero es que además es una proyección de lo que somos realmente como persona: -Está en la naturaleza del hombre el destruirse mutuamente-. Llega a comentar la máquina...-Si una máquina un "Terminator" puede comprender el valor de la vida humana, quizás nosotros también podamos-. Un Blockbuster antológico, la primera producción Hollywoodiense en gastarse 100 millones de dólares, la película que revolucionó el mundo de los efectos especiales, la película que me inspiró grandes dosis de humanidad, valor y sensibilidad: -Ahora sé porqué lloráis, pero es algo que yo nunca podré hacer-. Como máquina, el Terminator entiende lo que John Connor siente hacia ella (apego y cariño), y la despedida final con el pulgar hacia arriba me enternece y emociona. Como fanático del film, he soñado muchas veces con que Arnold se dirigiera a mí antes de destruir la cristalera del edificio Cyberdine y cargar contra la policía con el arma multicañón para decirme aquello de...Trust me..(confía en mí)..Un niño de 11 años que se emocionó y asombró con esta obra magna del libro de oro de la ciencia ficción ...Aún sigo haciéndolo ....Sayonara Baby. Volveré.


terminator 2


Título original: Terminator 2: Judgment Day.

Director: James Cameron.

Intérpretes: Arnold SchwarzeneggerLinda HamiltonEdward FurlongRobert PatrickEarl BoenJoe MortonS. Epatha Merkerson.


Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Linda Hamilton

mi desconfiada esposa
Ser una película menor dentro de la filmografía de uno de los más grandes directores del Hollywood dorado no es fácil. Cuando Vincente Minnelli rodó "Mi Desconfiada Esposa" era ya un reputadísimo director, autor de títulos inolvidables como "Cita en St. Louis (1944)", "Madame Bovary (1949)", "El Padre de la Novia (1950)", "Un Americano en París (1951)", "Cautivos del Mal (1952)" o "El Loco del Pelo Rojo (1956)". Además, ésta era una película que había nacido con otros artistas en mente y que tuvo que adaptarse a sus nuevos "padres de adopción". Escrita por George Wells (guionista eficaz en el género del musical y la comedia ligera) a partir de una idea de la diseñadora de vestuario Helen Rose (no por casualidad habitual en el cine de Minnelli), inicialmente la película iba a estar dirigida por Joshua Logan (en aquel momento ya autor de títulos como "Picnic (1955)" o "Bus Stop (1956)") y protagonizada por James Stewart y Grace Kelly (lo que hubiese supuesto el reencuentro de los dos actores tres años después de "La Ventana Indiscreta (1954)"). Cuando la inminente princesa de Mónaco abandonó la producción, el futuro de la cinta peligró. Stewart se echó atrás y los papeles principales recayeron en dos actores no especialmente duchos en el género de la comedia, Gregory Peck y Lauren Bacall. Aunque ya tenía en su haber títulos como "Vacaciones en Roma (1953)" o "El Millonario (1954)", Peck era más conocido por sus trabajos en dramas ("El Despertar (1946)"), películas de aventuras ("El Hidalgo de los Mares (1951)", "El Mundo en sus Manos (1952)"), westerns ("El Pistolero (1950)", "Duelo al Sol (1946)") o misterio ("Recuerda (1945)"). 


mi desconfiada esposa

Por su parte Bacall ya había protagonizado junto a Marilyn Monroe y Betty Grable "Cómo Casarse con un Millonario (1953)", pero era un rostro identificado más bien con el film noir, especialmente gracias a sus trabajos con Humphrey Bogart ("Tener y No Tener (1944)", "El Sueño Eterno (1946)", "La Senda Tenebrosa (1947)", "CayoLargo (1948)"). Además, el rodaje de "Mi Desconfiada Esposa" coincidió con la fase final del cáncer que acabó con la vida de Bogart, por lo que cogió a la actriz en un momento muy vulnerable de su vida. Englobada dentro del género de la screwball y sacando partido a la moda de la guerra de sexos que imperaba en Hollywood con motivo de la paulatina liberación de la mujer (de hecho no es difícil imaginarse a Spencer Tracy y Katharine Hepburn en los dos roles principales), la cinta nos narra la historia de amor entre dos personas de muy diferente carácter y procedencia. Mike Hagen es un periodista deportivo, rudo, sagaz, al que le gustan las apuestas, el póker y las mujeres fáciles. 


mi desconfiada esposa


Marilla Brown, por su parte, es una mujer elegante, inteligente, creativa y acostumbrada a un alto nivel de vida. Ambos coinciden en un hotel y, sin saber mucho el uno del otro, la pasión del enamoramiento les lleva a un matrimonio precipitado. Esto que ya de por sí podría ser el argumento de una película romántica al uso, no es más que el arranque de una historia que busca indagar en esa pregunta que otras películas no se atrevían a contar: ¿qué pasó después del "se casaron, vivieron felices y comieron perdices"? Pese al conservadurismo del personaje de Mike Hagen, la cinta rápidamente rompe una lanza en favor de la mujer trabajadora y el nuevo matrimonio esquiva sin dificultad el hecho de que ella tenga una posición más desahogada que él. Sin embargo, el verdadero escollo surge por los estilos de vida antagónicos. El ambiente masculino y tosco en el que se desenvuelve Mike no casa con los espacios refinados y ostentosos de Marilla, como queda reflejado en la divertida secuencia en la que los amigos de uno y otro deben compartir el lujoso piso de la pareja. En este primer bloque, Minnelli establece un curioso juego de narradores, donde todos los personajes principales son llamados a dar su versión de la historia, pero ninguno quiere realmente contar lo sucedido. Este recurso acaba desarrollándose de manera un tanto torpe, sin terminar de encajar con el tono de la película, pero permite introducir algunos guiños curiosos, así como una perspectiva más amplia de la trama. 


mi desconfiada esposa

Desde un principio, la cinta establece la perfecta química existente entre los dos actores protagonistas y elimina cualquier duda sobre sus habilidades en el terreno de la comedia. Puede que Peck y Bacall no fueran la pareja prototípica de este género, pero supieron, no sólo amoldarse a sus personajes, sino además romper con la imagen preestablecida que el público tenía de ellos. Así, el modelo de masculinidad que representaba el actor quedaba en entredicho con las continuas meteduras de pata de Mike, mientras que la femme fatale por antonomasia interpretaba a una mujer controladora que a la postre no es tan fría como quiere aparentar, sino que pierde los papeles fácilmente, llevada por su temperamento emocional. Como no podía ser menos, dada su especial relevancia en la película, un aspecto decisivo en esa descripción de los personajes es el trabajo de vestuario realizado por Helen Rose. No sólo consigue que los dos protagonistas se muestren siempre atractivos y elegantes en pantalla, sino que los diferentes cambios de vestuario serán el motor principal de algunas de las situaciones más hilarantes de la película. El choque frontal entre estos dos mundos se convierte en la base del segundo tercio de la película, donde encontramos un nutrido grupo de secundarios que vienen a apoyar a los dos protagonistas en esta contienda. 


mi desconfiada esposa

Como buena comedia, “Mi Desconfiada Esposa” sabe la importancia que tienen los personajes de reparto para dar identidad a la película, y ahí es crucial la labor de actores como Tom Helmore (el empresario multimillonario Zachary Wilde, enamorado de Marilla), Dolores Gray (Lori Shannon, la vedette ex-amante de Mike), Sam Levene (Ned Hammerstein, el hipertenso jefe del periodista), el bailarín Jack Cole (Randy Owens, coreógrafo del espectáculo en el que trabaja Marilla), Mickey Shaughnessy (el tronado ex-boxeador Maxie Stultz), Edward Platt (Martin J. Daylor, el mafioso al que investiga el protagonista) o Chuck Connors (como el matón Johnnie O). Pese a la sencillez del argumento ideado por Helen Rose, la cinta se crece gracias a la afilada frescura y el ágil ingenio de los diálogos ideados por George Wells, una golosina que el conjunto del reparto recita con esmero. Por su parte Minnelli, haga gala de su sello de autor, rodando con una extrema elegancia. Su experiencia en el campo del musical queda reflejado no sólo en el interludio en que Dolores Gray interpreta la canción "Music is Better than Words" (tema que ya había interpretado un par de años antes en "Siempre Hace Buen Tiempo (1955)" a las órdenes de Stanley Donen y Gene Kelly), sino en toda la puesta en escena de la película, donde la cámara se mueve de manera armónica con la acción, acompañando cada situación con suaves travellings y ligeros juegos de grúa con el fin de situar siempre el objetivo en el lugar clave para captar el gag humorístico. 


mi desconfiada esposa

En esto juegan también un papel fundamental el luminoso y colorido trabajo de dirección de fotografía de John Alton y la deliciosa partitura musical de André Previn. El tercer bloque de la película mueve la acción hacia otro terreno, cuando, amenazado por la mafia, Mike debe fingir ante el mundo y, sobre todo, ante Marilla que se encuentra fuera de la ciudad. Mientras, ésta se deja llevar por los celos, al descubrir que Mike había tenido un lío amoroso con Lori Shannon antes de casarse con ella. Para este trayecto final, la cinta arriesga mucho. En primer lugar rompe la química de los dos protagonistas, retratándolos por separado; además, coloca en primer plano una trama que hasta entonces era únicamente anecdótica (el enfrentamiento de Mike con el mafioso Martin Daylor) y, finalmente, cierra la historia con una escena de pelea que, a priori no encaja con el tono de la película, ni con el estilo de Minnelli. 


mi desconfiada esposa

Pese a todo esto, la película logra salir bien parada, gracias a la presencia de secundarios como Mickey Shaughnessy (quien con su Maxie Stultz consigue robarle el protagonismo a Gregory Peck) y al ingenio del director (efectivamente el clímax con el enfrentamiento con los sicarios de Daylor no pasará a los anales del cine, pero la forma que Minnelli la trae a su terreno y al mismo tiempo establece una nueva reflexión sobre el modelo de masculinidad es digno de aplauso). Todos los hándicaps que tuvo que arrastrar la película al inicio de su producción podrían haberla mandado al traste, pero afortunadamente, la conjunción de talento y saber hacer de todos los miembros de su equipo logró salvar una película que, con el paso del tiempo, se ha sabido mantener como una comedia fresca y divertida, construida sobre unos personajes antagónicos y entrañables, unos diálogos llenos de chispa e inteligencia, así como una gran elegancia en cuanto a escenografía y puesta en escena. "Mi Desconfiada Esposa" no es una de las grandes películas de Vincente Minnelli, pero, precisamente en su calidad de obra menor, es también una muestra del genio de un director capaz de sacar magia hasta de la historia más rudimentaria.  


mi desconfiada esposa

Título original: Designing Woman.

Director: Vincente Minelli.

Intérpretes: Gregory PeckLauren BacallDolores GrayTom HelmoreMickey Shaughnessy.


Trailer:



Escena:



Reseña escrita por Manuel Díaz Noda
(Autor del blog: Adivina quien viene al cine)

Información complementaria:
Lauren Bacall

MI DESCONFIADA ESPOSA (1957). La nueva era de Vincente Minelli.

mi desconfiada esposa
Ser una película menor dentro de la filmografía de uno de los más grandes directores del Hollywood dorado no es fácil. Cuando Vincente Minnelli rodó "Mi Desconfiada Esposa" era ya un reputadísimo director, autor de títulos inolvidables como "Cita en St. Louis (1944)", "Madame Bovary (1949)", "El Padre de la Novia (1950)", "Un Americano en París (1951)", "Cautivos del Mal (1952)" o "El Loco del Pelo Rojo (1956)". Además, ésta era una película que había nacido con otros artistas en mente y que tuvo que adaptarse a sus nuevos "padres de adopción". Escrita por George Wells (guionista eficaz en el género del musical y la comedia ligera) a partir de una idea de la diseñadora de vestuario Helen Rose (no por casualidad habitual en el cine de Minnelli), inicialmente la película iba a estar dirigida por Joshua Logan (en aquel momento ya autor de títulos como "Picnic (1955)" o "Bus Stop (1956)") y protagonizada por James Stewart y Grace Kelly (lo que hubiese supuesto el reencuentro de los dos actores tres años después de "La Ventana Indiscreta (1954)"). Cuando la inminente princesa de Mónaco abandonó la producción, el futuro de la cinta peligró. Stewart se echó atrás y los papeles principales recayeron en dos actores no especialmente duchos en el género de la comedia, Gregory Peck y Lauren Bacall. Aunque ya tenía en su haber títulos como "Vacaciones en Roma (1953)" o "El Millonario (1954)", Peck era más conocido por sus trabajos en dramas ("El Despertar (1946)"), películas de aventuras ("El Hidalgo de los Mares (1951)", "El Mundo en sus Manos (1952)"), westerns ("El Pistolero (1950)", "Duelo al Sol (1946)") o misterio ("Recuerda (1945)"). 


mi desconfiada esposa

Por su parte Bacall ya había protagonizado junto a Marilyn Monroe y Betty Grable "Cómo Casarse con un Millonario (1953)", pero era un rostro identificado más bien con el film noir, especialmente gracias a sus trabajos con Humphrey Bogart ("Tener y No Tener (1944)", "El Sueño Eterno (1946)", "La Senda Tenebrosa (1947)", "CayoLargo (1948)"). Además, el rodaje de "Mi Desconfiada Esposa" coincidió con la fase final del cáncer que acabó con la vida de Bogart, por lo que cogió a la actriz en un momento muy vulnerable de su vida. Englobada dentro del género de la screwball y sacando partido a la moda de la guerra de sexos que imperaba en Hollywood con motivo de la paulatina liberación de la mujer (de hecho no es difícil imaginarse a Spencer Tracy y Katharine Hepburn en los dos roles principales), la cinta nos narra la historia de amor entre dos personas de muy diferente carácter y procedencia. Mike Hagen es un periodista deportivo, rudo, sagaz, al que le gustan las apuestas, el póker y las mujeres fáciles. 


mi desconfiada esposa


Marilla Brown, por su parte, es una mujer elegante, inteligente, creativa y acostumbrada a un alto nivel de vida. Ambos coinciden en un hotel y, sin saber mucho el uno del otro, la pasión del enamoramiento les lleva a un matrimonio precipitado. Esto que ya de por sí podría ser el argumento de una película romántica al uso, no es más que el arranque de una historia que busca indagar en esa pregunta que otras películas no se atrevían a contar: ¿qué pasó después del "se casaron, vivieron felices y comieron perdices"? Pese al conservadurismo del personaje de Mike Hagen, la cinta rápidamente rompe una lanza en favor de la mujer trabajadora y el nuevo matrimonio esquiva sin dificultad el hecho de que ella tenga una posición más desahogada que él. Sin embargo, el verdadero escollo surge por los estilos de vida antagónicos. El ambiente masculino y tosco en el que se desenvuelve Mike no casa con los espacios refinados y ostentosos de Marilla, como queda reflejado en la divertida secuencia en la que los amigos de uno y otro deben compartir el lujoso piso de la pareja. En este primer bloque, Minnelli establece un curioso juego de narradores, donde todos los personajes principales son llamados a dar su versión de la historia, pero ninguno quiere realmente contar lo sucedido. Este recurso acaba desarrollándose de manera un tanto torpe, sin terminar de encajar con el tono de la película, pero permite introducir algunos guiños curiosos, así como una perspectiva más amplia de la trama. 


mi desconfiada esposa

Desde un principio, la cinta establece la perfecta química existente entre los dos actores protagonistas y elimina cualquier duda sobre sus habilidades en el terreno de la comedia. Puede que Peck y Bacall no fueran la pareja prototípica de este género, pero supieron, no sólo amoldarse a sus personajes, sino además romper con la imagen preestablecida que el público tenía de ellos. Así, el modelo de masculinidad que representaba el actor quedaba en entredicho con las continuas meteduras de pata de Mike, mientras que la femme fatale por antonomasia interpretaba a una mujer controladora que a la postre no es tan fría como quiere aparentar, sino que pierde los papeles fácilmente, llevada por su temperamento emocional. Como no podía ser menos, dada su especial relevancia en la película, un aspecto decisivo en esa descripción de los personajes es el trabajo de vestuario realizado por Helen Rose. No sólo consigue que los dos protagonistas se muestren siempre atractivos y elegantes en pantalla, sino que los diferentes cambios de vestuario serán el motor principal de algunas de las situaciones más hilarantes de la película. El choque frontal entre estos dos mundos se convierte en la base del segundo tercio de la película, donde encontramos un nutrido grupo de secundarios que vienen a apoyar a los dos protagonistas en esta contienda. 


mi desconfiada esposa

Como buena comedia, “Mi Desconfiada Esposa” sabe la importancia que tienen los personajes de reparto para dar identidad a la película, y ahí es crucial la labor de actores como Tom Helmore (el empresario multimillonario Zachary Wilde, enamorado de Marilla), Dolores Gray (Lori Shannon, la vedette ex-amante de Mike), Sam Levene (Ned Hammerstein, el hipertenso jefe del periodista), el bailarín Jack Cole (Randy Owens, coreógrafo del espectáculo en el que trabaja Marilla), Mickey Shaughnessy (el tronado ex-boxeador Maxie Stultz), Edward Platt (Martin J. Daylor, el mafioso al que investiga el protagonista) o Chuck Connors (como el matón Johnnie O). Pese a la sencillez del argumento ideado por Helen Rose, la cinta se crece gracias a la afilada frescura y el ágil ingenio de los diálogos ideados por George Wells, una golosina que el conjunto del reparto recita con esmero. Por su parte Minnelli, haga gala de su sello de autor, rodando con una extrema elegancia. Su experiencia en el campo del musical queda reflejado no sólo en el interludio en que Dolores Gray interpreta la canción "Music is Better than Words" (tema que ya había interpretado un par de años antes en "Siempre Hace Buen Tiempo (1955)" a las órdenes de Stanley Donen y Gene Kelly), sino en toda la puesta en escena de la película, donde la cámara se mueve de manera armónica con la acción, acompañando cada situación con suaves travellings y ligeros juegos de grúa con el fin de situar siempre el objetivo en el lugar clave para captar el gag humorístico. 


mi desconfiada esposa

En esto juegan también un papel fundamental el luminoso y colorido trabajo de dirección de fotografía de John Alton y la deliciosa partitura musical de André Previn. El tercer bloque de la película mueve la acción hacia otro terreno, cuando, amenazado por la mafia, Mike debe fingir ante el mundo y, sobre todo, ante Marilla que se encuentra fuera de la ciudad. Mientras, ésta se deja llevar por los celos, al descubrir que Mike había tenido un lío amoroso con Lori Shannon antes de casarse con ella. Para este trayecto final, la cinta arriesga mucho. En primer lugar rompe la química de los dos protagonistas, retratándolos por separado; además, coloca en primer plano una trama que hasta entonces era únicamente anecdótica (el enfrentamiento de Mike con el mafioso Martin Daylor) y, finalmente, cierra la historia con una escena de pelea que, a priori no encaja con el tono de la película, ni con el estilo de Minnelli. 


mi desconfiada esposa

Pese a todo esto, la película logra salir bien parada, gracias a la presencia de secundarios como Mickey Shaughnessy (quien con su Maxie Stultz consigue robarle el protagonismo a Gregory Peck) y al ingenio del director (efectivamente el clímax con el enfrentamiento con los sicarios de Daylor no pasará a los anales del cine, pero la forma que Minnelli la trae a su terreno y al mismo tiempo establece una nueva reflexión sobre el modelo de masculinidad es digno de aplauso). Todos los hándicaps que tuvo que arrastrar la película al inicio de su producción podrían haberla mandado al traste, pero afortunadamente, la conjunción de talento y saber hacer de todos los miembros de su equipo logró salvar una película que, con el paso del tiempo, se ha sabido mantener como una comedia fresca y divertida, construida sobre unos personajes antagónicos y entrañables, unos diálogos llenos de chispa e inteligencia, así como una gran elegancia en cuanto a escenografía y puesta en escena. "Mi Desconfiada Esposa" no es una de las grandes películas de Vincente Minnelli, pero, precisamente en su calidad de obra menor, es también una muestra del genio de un director capaz de sacar magia hasta de la historia más rudimentaria.  


mi desconfiada esposa

Título original: Designing Woman.

Director: Vincente Minelli.

Intérpretes: Gregory PeckLauren BacallDolores GrayTom HelmoreMickey Shaughnessy.


Trailer:



Escena:



Reseña escrita por Manuel Díaz Noda
(Autor del blog: Adivina quien viene al cine)

Información complementaria:
Lauren Bacall

old boy
¿Qué pecado cometió O'Da Esu para ser encerrado en una habitación durante 15 años con la única compañía de una televisión?.. El protagonista (Choi Min-sik) se muestra como un parlanchín bonachón y simpático ebrio que sin explicación aparente es confinado en un habitáculo en el que la soledad, la privación de libertad y comunicación son las que sufre a lo largo de un presidio injustificado de alguien que quiere vengarse de la manera más retorcida y dolorosa posible. Una vez liberado O'Da Esu indagará sin descanso para vengarse de su carcelero. Después de pasar por un radical cambio psicológico y físico, todos nos preguntamos ¿Quién tramó el infinito presidio?¿Cuáles son las intenciones de la perversa mente captora de O'Da Esu?. "Old Boy" dirigida por Park Chan-Wook es la adaptación del cómic de Garon Tsuchiya que el director Koreano quiso para ser su segunda historia que trataba la Venganza en el ser humano. El film ganó en 2004 el premio a mejor película en el festival de Sitges de cine fantástico y terror que llamó mi atención desde el principio con una estética, historia y complicada narrativa que me enganchó y apasionó. La enrevesada trama muestra a un atormentado protagonista que te arroja a la desesperación contagiado por su dolor y actitud suicida durante su encierro incompresible, para después tomar las riendas de la situación centrándose en el ejercicio físico, la paciencia y el objetivo de conseguir la libertad y satisfacer la necesidad incontrolable de vengarse. 


old boy

El villano contrincante en la sombra de O'Da Esu tejerá una dolorosa trampa digna de la más trágica mitología griega cargada de odio, crueldad y violencia. Me llaman increíblemente la atención escenas como la comparación de la soledad con las hormigas y la mítica secuencia de la lucha con el martillo (siendo este artilugio tomado también como arma a partir de "Oldboy" por Ryan Gosling en "Drive (2011)" y por Di Caprio en "Django desencadenado (2013)"). La película fue estrenada recientemente en versión remake por el dierctor Spike Lee y con Josh Broslin como protagonísta, después de barajarse a Spielberg como candidato y de nombres como el de Will Smith. Un film inquietante, cargado de suspense, dolor, violencia y fatalismo. Como dijo el actor japonés Sonny Chiba en "Kill Bill": La Venganza es como un bosque en el que, en cuanto te introduces quizás no salgas jamás perdiéndote en él. La Venganza es un tema recurrente en el cine, pero en las manos del director Park Chan-Wook se convierte en una obra demoledora.


old boy


Director: Park Chan-Wook.

Intérpretes: Choi Min-sikYu Ji-taeKang Hye-jeongJi Dae-hanOh Dal-suKim Byeong-ok.


Trailer:



Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

OLDBOY (2003). La venganza de Choi Min-sik.

old boy
¿Qué pecado cometió O'Da Esu para ser encerrado en una habitación durante 15 años con la única compañía de una televisión?.. El protagonista (Choi Min-sik) se muestra como un parlanchín bonachón y simpático ebrio que sin explicación aparente es confinado en un habitáculo en el que la soledad, la privación de libertad y comunicación son las que sufre a lo largo de un presidio injustificado de alguien que quiere vengarse de la manera más retorcida y dolorosa posible. Una vez liberado O'Da Esu indagará sin descanso para vengarse de su carcelero. Después de pasar por un radical cambio psicológico y físico, todos nos preguntamos ¿Quién tramó el infinito presidio?¿Cuáles son las intenciones de la perversa mente captora de O'Da Esu?. "Old Boy" dirigida por Park Chan-Wook es la adaptación del cómic de Garon Tsuchiya que el director Koreano quiso para ser su segunda historia que trataba la Venganza en el ser humano. El film ganó en 2004 el premio a mejor película en el festival de Sitges de cine fantástico y terror que llamó mi atención desde el principio con una estética, historia y complicada narrativa que me enganchó y apasionó. La enrevesada trama muestra a un atormentado protagonista que te arroja a la desesperación contagiado por su dolor y actitud suicida durante su encierro incompresible, para después tomar las riendas de la situación centrándose en el ejercicio físico, la paciencia y el objetivo de conseguir la libertad y satisfacer la necesidad incontrolable de vengarse. 


old boy

El villano contrincante en la sombra de O'Da Esu tejerá una dolorosa trampa digna de la más trágica mitología griega cargada de odio, crueldad y violencia. Me llaman increíblemente la atención escenas como la comparación de la soledad con las hormigas y la mítica secuencia de la lucha con el martillo (siendo este artilugio tomado también como arma a partir de "Oldboy" por Ryan Gosling en "Drive (2011)" y por Di Caprio en "Django desencadenado (2013)"). La película fue estrenada recientemente en versión remake por el dierctor Spike Lee y con Josh Broslin como protagonísta, después de barajarse a Spielberg como candidato y de nombres como el de Will Smith. Un film inquietante, cargado de suspense, dolor, violencia y fatalismo. Como dijo el actor japonés Sonny Chiba en "Kill Bill": La Venganza es como un bosque en el que, en cuanto te introduces quizás no salgas jamás perdiéndote en él. La Venganza es un tema recurrente en el cine, pero en las manos del director Park Chan-Wook se convierte en una obra demoledora.


old boy


Director: Park Chan-Wook.

Intérpretes: Choi Min-sikYu Ji-taeKang Hye-jeongJi Dae-hanOh Dal-suKim Byeong-ok.


Trailer:



Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

marathon man
John Schlesinger "Cowboy de Medianoche (1969)" adaptó la novela de William Goldman para el cine con una trama que levantó especialmente mi interés la primera vez que la vi. Con esencia de cine negro, intriga, tensión y thriller que ya en el prólogo del film da a entender que el fantasma de la barbarie de los campos de concentración todavía permanece en los supervivientes y ciudadanos de New York en los años 70's. Dos ancianos (uno nazi y el otro judío) tienen un accidente con sus automóviles acabando en tragedia. El comienzo de la película desencadenará los acontecimientos de la historia poniendo en el centro de la trama a un joven universitario Dustin Hoffman que vive afligido por el suicidio de su padre en extrañas circunstancias y por un hermano Roy Scheider que resulta estar metido en unos oscuros negocios relacionados con diamantes de las ricas familias judías que fueron exterminadas en los campos de concentración. El personaje de Hoffman utiliza como válvula de escape sus esfuerzos en correr y entrenarse en carreras de maratón por Central Park para apaciguar "sus demonios personales" derivados de la soledad, la presión de sus estudios y los recuerdos de su fallecido padre...Hasta que, una mujer aparece en la vida del triste estudiante, comenzando una relación sentimental que coincide con la visita de su hermano que será quien le desvele el problema al que se enfrentan poniedo en tela de juicio las intenciones de la mujer recientemente aparecida. 


marathon man

A partir de aquí y con la llegada de un veterano nazi al que da vida un malévolo y cruel Laurence Olivier todo empieza a complicarse en una agotadora carrera con espías, muertes, engaños y traiciones que llevan a nuestro maratoniano protagonista a sufrir la persecución del "Ángel Blanco" ("Olivier" basado en un personaje real) y a conocer a un supuesto amigo e investigador William Devane. El "Ángel Blanco" debido al desconocimiento, la desconfianza y la avaricia con el tráfico de diamantes judíos perseguirá sin cuartel al sufrido deportista que llevará a una memorable a la vez que desagradable sesión de tortura para sonsacar lo que él cree que puede hacer confesar con la reiterativa pregunta: ¿Están a salvo?..Mientras tortura y taladra los dientes a un inocente que no sabe lo que está ocurriendo en unas escenas tan desgarradoras como crispantes para el espectador. El corredor de Hoffman utilizará todo su potencial físico y psíquico para escapar de sus incisivos perseguidores y desvelar qué es lo que está ocurriendo con su misteriosa novia, el supuesto amigo de su hermano, la cruel personalidad del veterano nazi y los diamantes de los que todo el mundo le habla. 


marathon man

Secuencias como el prólogo, las carreras de Hoffman entre las alambradas junto al río Hudson, la insoportable tortura odontológica, la impactante muerte de Roy Scheider después de sufrir más intentos de asesinato, el reconocimiento en las calles del torturador nazi por una avejentada anciana judía y un dependiente de una joyería que sufrieron sus torturas, además del portentoso final en los depósitos del agua corriente en el que se enfrentan el resabiado deportista y el villano tramposo de Laurence Olivier con su "particular clase alimenticia" tragando diamantes incentivada por Hoffman, convierten la película de Schlesinger en una maravillosa pieza de intriga cinematográfica plagada de tensiones dramáticas, romance fastuoso, tintes del desgraciado holocausto, misterio y diamantes. Todo ello encerrado en un film con un atormentado corredor perseguido por un misterioso y terrorífico nazi. Una película inquietante y magistral...


marathon man


Director:  John Schlesinger.

Intérpretes: Dustin Hoffman, Laurence Oliver,  Roy Scheider,  Marthe Keller.

Trailer:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

MARATHON MAN (1976). La carreras de Dustin Hoffman.

marathon man
John Schlesinger "Cowboy de Medianoche (1969)" adaptó la novela de William Goldman para el cine con una trama que levantó especialmente mi interés la primera vez que la vi. Con esencia de cine negro, intriga, tensión y thriller que ya en el prólogo del film da a entender que el fantasma de la barbarie de los campos de concentración todavía permanece en los supervivientes y ciudadanos de New York en los años 70's. Dos ancianos (uno nazi y el otro judío) tienen un accidente con sus automóviles acabando en tragedia. El comienzo de la película desencadenará los acontecimientos de la historia poniendo en el centro de la trama a un joven universitario Dustin Hoffman que vive afligido por el suicidio de su padre en extrañas circunstancias y por un hermano Roy Scheider que resulta estar metido en unos oscuros negocios relacionados con diamantes de las ricas familias judías que fueron exterminadas en los campos de concentración. El personaje de Hoffman utiliza como válvula de escape sus esfuerzos en correr y entrenarse en carreras de maratón por Central Park para apaciguar "sus demonios personales" derivados de la soledad, la presión de sus estudios y los recuerdos de su fallecido padre...Hasta que, una mujer aparece en la vida del triste estudiante, comenzando una relación sentimental que coincide con la visita de su hermano que será quien le desvele el problema al que se enfrentan poniedo en tela de juicio las intenciones de la mujer recientemente aparecida. 


marathon man

A partir de aquí y con la llegada de un veterano nazi al que da vida un malévolo y cruel Laurence Olivier todo empieza a complicarse en una agotadora carrera con espías, muertes, engaños y traiciones que llevan a nuestro maratoniano protagonista a sufrir la persecución del "Ángel Blanco" ("Olivier" basado en un personaje real) y a conocer a un supuesto amigo e investigador William Devane. El "Ángel Blanco" debido al desconocimiento, la desconfianza y la avaricia con el tráfico de diamantes judíos perseguirá sin cuartel al sufrido deportista que llevará a una memorable a la vez que desagradable sesión de tortura para sonsacar lo que él cree que puede hacer confesar con la reiterativa pregunta: ¿Están a salvo?..Mientras tortura y taladra los dientes a un inocente que no sabe lo que está ocurriendo en unas escenas tan desgarradoras como crispantes para el espectador. El corredor de Hoffman utilizará todo su potencial físico y psíquico para escapar de sus incisivos perseguidores y desvelar qué es lo que está ocurriendo con su misteriosa novia, el supuesto amigo de su hermano, la cruel personalidad del veterano nazi y los diamantes de los que todo el mundo le habla. 


marathon man

Secuencias como el prólogo, las carreras de Hoffman entre las alambradas junto al río Hudson, la insoportable tortura odontológica, la impactante muerte de Roy Scheider después de sufrir más intentos de asesinato, el reconocimiento en las calles del torturador nazi por una avejentada anciana judía y un dependiente de una joyería que sufrieron sus torturas, además del portentoso final en los depósitos del agua corriente en el que se enfrentan el resabiado deportista y el villano tramposo de Laurence Olivier con su "particular clase alimenticia" tragando diamantes incentivada por Hoffman, convierten la película de Schlesinger en una maravillosa pieza de intriga cinematográfica plagada de tensiones dramáticas, romance fastuoso, tintes del desgraciado holocausto, misterio y diamantes. Todo ello encerrado en un film con un atormentado corredor perseguido por un misterioso y terrorífico nazi. Una película inquietante y magistral...


marathon man


Director:  John Schlesinger.

Intérpretes: Dustin Hoffman, Laurence Oliver,  Roy Scheider,  Marthe Keller.

Trailer:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

los profesionales
Dentro del género del western hay directores que se destacan aunque solamente realicen una o tres películas del género, como fue el caso del director de esta obra maestra del género: Richard Brooks. Cada una de sus películas erran imprevisibles, eléctricas y desbordantes, porque te permitían disfrutarlas una vez al año como si nunca las hubieras visto. Este western crepuscular lo tiene todo: grandes diálogos, grandes personajes que llenan la pantalla tanto con su presencia como con sus diálogos llenos de ingenio y decepción vital y humana. Muestra a una serie de personajes desencantados de la vida embarcados en un viaje geográficos por las áridas tierras mexicanas analizando su propio interior para encontrar las nueva motivaciones que le haga ver porque están dentro de una aventura peligrosa. Bajo una apariencia liviana "Los Profesionales" oculta un trayecto amargo y terrible que le da la vuelta al género para retratar el doloroso marco de unas amistades traicionadas. A través de sus hechos y de sus palabras, los personajes hablan de las amistades que ahora son parte del pasado, los sueños que fueron más allá del peligro, del amor por una vida infinita llena de pequeños momentos de ida y de vuelta en donde todo vale ya sea por dinero o por lealtad. La película está llena de grandes momentos como el tiroteo entre los hombres de Jack Palance y el personaje de Burt Lancaster en paisaje desolado mientras disertan a gritos sobre el sentido de la revolución. O como Lee Marvin demuestra que ellos son mejores que aquellos que se creen mejores por estar una posición social más alta. Un western crepuscular en más alto sentido de la palabra que queda resumido en estas palabras que pronuncia uno de los personajes: "Nos quedamos porque nos enamoramos. Nos vamos porque nos desencantamos. Regresamos porque nos sentimos solos. Morimos porque es inevitable. Son ustedes unos hijos de puta. Sí, señor, pero lo nuestro es de nacimiento y, sin embargo, usted se ha hecho a sí mismo". Vean esta película si aman el cine porque con ella descubrirán que el género es la ropa que puede guardar en su interior obras cinematográficas que llenan nuestras vidas.


los profesionales



Título original: The professionals.

Director: Richard Brooks.


Intérpretes: Lee Marvin, Burt Lancaster, Robert Ryan, Claudia Cardinale, Jack Palance.

Trailer: 


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Victoriano Javier Santana Cabrera

Información complementaria:

LOS PROFESIONALES (1966). Los mercenarios de Richard Brooks.

los profesionales
Dentro del género del western hay directores que se destacan aunque solamente realicen una o tres películas del género, como fue el caso del director de esta obra maestra del género: Richard Brooks. Cada una de sus películas erran imprevisibles, eléctricas y desbordantes, porque te permitían disfrutarlas una vez al año como si nunca las hubieras visto. Este western crepuscular lo tiene todo: grandes diálogos, grandes personajes que llenan la pantalla tanto con su presencia como con sus diálogos llenos de ingenio y decepción vital y humana. Muestra a una serie de personajes desencantados de la vida embarcados en un viaje geográficos por las áridas tierras mexicanas analizando su propio interior para encontrar las nueva motivaciones que le haga ver porque están dentro de una aventura peligrosa. Bajo una apariencia liviana "Los Profesionales" oculta un trayecto amargo y terrible que le da la vuelta al género para retratar el doloroso marco de unas amistades traicionadas. A través de sus hechos y de sus palabras, los personajes hablan de las amistades que ahora son parte del pasado, los sueños que fueron más allá del peligro, del amor por una vida infinita llena de pequeños momentos de ida y de vuelta en donde todo vale ya sea por dinero o por lealtad. La película está llena de grandes momentos como el tiroteo entre los hombres de Jack Palance y el personaje de Burt Lancaster en paisaje desolado mientras disertan a gritos sobre el sentido de la revolución. O como Lee Marvin demuestra que ellos son mejores que aquellos que se creen mejores por estar una posición social más alta. Un western crepuscular en más alto sentido de la palabra que queda resumido en estas palabras que pronuncia uno de los personajes: "Nos quedamos porque nos enamoramos. Nos vamos porque nos desencantamos. Regresamos porque nos sentimos solos. Morimos porque es inevitable. Son ustedes unos hijos de puta. Sí, señor, pero lo nuestro es de nacimiento y, sin embargo, usted se ha hecho a sí mismo". Vean esta película si aman el cine porque con ella descubrirán que el género es la ropa que puede guardar en su interior obras cinematográficas que llenan nuestras vidas.


los profesionales



Título original: The professionals.

Director: Richard Brooks.


Intérpretes: Lee Marvin, Burt Lancaster, Robert Ryan, Claudia Cardinale, Jack Palance.

Trailer: 


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Victoriano Javier Santana Cabrera

Información complementaria:

una cara con ángel
La trama comienza en la revista de modas Quality, de la que Maggie Prescott (Kay Thompson) es su editora, quien anda buscando algo nuevo, frescura para la revista. Al mismo tiempo busca una nueva cara para presentar la nueva colección del modisto Paul Duval en París. Su fiel fotógrafo, Dick Avery (Fred Astaire), dará con la chica perfecta mientras realizan un reportaje en una librería: una joven muy tímida y bastante culta, apasionada por la filosofía, en especial por el movimiento "el empaticalismo" (una corriente basada en la empatía) que es además la dependienta de dicha librería. Es Jo Stocktom (Audrey Hepburn), en quien Dick descubre una belleza totalmente natural y cuya sonrisa despierta toda su inspiración. Una vez convencida, viajan a París. En la ciudad Jo parece más interesada por conocer al profesor Baker, precursor del empaticalismo, que por su nueva y flamante carrera de modelo. Pero es inevitable que la chica se acabe enamorando perdidamente del fotógrafo… Divertida y muy agradable comedia musical de los años 50, dirigida por un auténtico experto en el género, el simpar y genial Stanley Donen, quien ya nos había regalado probablemente la mayor obra maestra del género junto al inolvidable Gene Kelly cuatro años antes: "Cantando bajo la lluvia (1952)". Otras maravillas del género dirigidas por Donen son también sin duda "Un día en Nueva York (1949)" "Bodas Reales (1951)" y "Siete novias para siete hermanos (1954)", entre otras de su extensa filmografía. Además, Donen era un ferviente admirador de Fred Astaire. 

una cara con ángel

Pero Donen no sólo cultivó el género musical. Realizó importantes comedias como la divertida "Página en Blanco (1960)", sobre los líos entrelazados de dos matrimonios con un reparto de lujo: Cary Grant, Jean Simmons, Robert Mitchum y Deborah Kerr, "Arabesco (1966)", divertido homenaje al cine de Hitchcock (antes haría lo propio con "Charada (1963)"), "La Escalera (1969)", tragicomedia sobre dos homosexuales maduros protagonizada por Rex Harrison y Richard Burton, etcétera. Además "Una cara con Ángel" fue la primera película con la maravillosa Audrey Hepburn de protagonista, realizando otras dos joyas junto a la mítica actriz: "Charada (1963)", coprotagonizada por Cary Grant y con un plantel de secundarios realmente antológico, y "Dos en laCarretera (1967)", coprotagonizada por Albert Finney que es una ácida y a la vez romántica visión de las vicisitudes de un matrimonio. En ambas, Donen contó con la colaboración del gran Henry Mancini en sus bandas sonoras. Fred Astaire, uno de los dos reyes del género musical (el otro es Gene Kelly, por supuesto) realiza uno de sus mejores trabajos como el protagonista masculino. Astaire desarrolló su carrera teatral y cinematográfica a lo largo de setenta y seis años nada menos, habiendo protagonizado 32 películas musicales, siendo las más populares las coprotagonizadas por Ginger Rogers, siendo ambos una mítica pareja de baile dentro del cine musical.

una cara con ángel

Juntos protagonizaron algunas de las mejores películas de la década de los años treinta en Hollywood: "La alegre divorciada (1934)", "Roberta (1935)", "Sombrero de Copa (1935)", "Sigamos la flota (1936)", "En alas de la danza (1936)", "Ritmo Loco (1937)", "Amanda (1938)". Fred Astaire consiguió dos innovaciones fundamentales en el cine musical: la primera, el filmar todo un número de baile, con una cámara estacionaria, durante una única toma. La segunda, que todos los temas musicales así como los bailes estuvieran lo más plenamente integrados en el argumento, para no aburrir al público y para no romper el ritmo narrativo de la película. Muy importantes fueron sus colaboraciones con el coreógrafo Hermes Pan. En los años 40 Astaire trabajó en películas como "Al fin solos (1940)", "Bailando nace el amor (1945)" y "Desfile de Pascua (1948)", manteniendo un éxito dilatado en el tiempo. Astaire no sólo era un excelente bailarín sino que también era muy exigente con su trabajo y el del equipo de cada película, casi hasta el delirio. Pero es lo que tienen los más grandes. En la década de los 50 ya trabajó con Donen en "Bodas Reales", exitoso musical de la Metro en 1951. 

una cara con ángel

En 1953, junto a Cyd Charisse nos regaló la maravillosa "Melodias de Broadway (1955)", de Vincente Minnelli, otra joya del género. Junto a la joven Leslie Caron ("Gigi (1958)"), protagonizó en 1955 la deliciosa "Papá piernas Largas", de Jean Negulesco. Y llegó "Una cara con ángel", a los 57 años de edad, dando la réplica a una entonces mucho más joven que él, Audrey Hepburn, que tenía 27 años, treinta menos que Fred. Pero la magia del cine hace que olvidemos totalmente esa importante diferencia de edad entre ambos. Su química resultó total. Después de esta película, Astaire protagonizó "La hora final (1959)" a las órdenes de Stanley Kramer, un film postapocalíptico ambientado en una posible época post III guerra mundial, demostrando el actor que también podía con otros géneros que no fueran el musical. Después vendrían "La Dama de negro (1962)", de Richard Quine y "El valle del Arcoiris (1967)" de un entonces joven Francis Ford Coppola. Posteriormente La Metro le contrató pare rememorar junto a Gene Kelly la época de oro del musical en el documental "Érase una vez en Hollywood (1974)". Otra película importante del actor fue la magnífica "El coloso en llamas (1974)" de John Guillermin e Irving Allen, donde Astaire realizaba una soberbia interpretación. 

una cara con ángel

Audrey Hepburn, tras haber entrado por la puerta triunfal de Hollywood tres años antes, con la inolvidable "Vacaciones en Roma (1953)", posteriormente "Sabrina (1954)" y "Guerra y Paz (1956)", nos volvió a deleitar con su mágica presencia en este delicioso musical. Su química con Astaire fue perfecta y Donen quedó absolutamente maravillado con ella, ya que volvió a dirigirla en "Charada (1963)" y "Dos en la carretera (1966)". Cantó las canciones con su propia voz, algo que no le dejaron volver a hacer en "My FairLady (1964)", a pesar de no estar ni desentonada ni desafinada, pero Warner prefirió la voz de una mezzo soprano para las canciones. En "Una cara con Ángel" sin embargo, Audrey pudo lucirse, y aún no teniendo una gran voz lo hizo bastante más que dignamente. Audrey solía resultar en sus papeles cuando le daba la réplica un hombre mayor que ella, como pasa aquí con Fred Astaire, con Humphrey Bogart en "Sabrina", con Gary Cooper en "Ariane (1957)", con Cary Grant en "Charada (1963)" y no digamos ya con Rex Harrison en "My Fair Lady (1964)". Audrey admiraba mucho a Fred Astaire, siendo una gran fan de él y Ginger Rogers cuando era una niña. 

una cara con ángel

Ni podía imaginarse que coprotagonizaría una película con el mítico actor y bailarín. Su interpretación así como su mágica sonrisa volvieron a ser un triunfo en esta película de Donen. Un dato muy importante es que el modisto Hubert de Givenchy diseñó el vestuario de Audrey, como haría en la mayor parte de su carrera, siendo el más espectacular el diseñado para la actriz en la mítica "Desayuno con Diamantes (1961)". La actriz Kay Thompson, la divertida Maggie, editora de la revista, era una experta en el musical, había sido durante años profesora de coro en la Metro Goldwyn Mayer. Era compositora, cantante y actriz. Fue la profesora de canto de estrellas como Judy Garldand, June Allyson y Frank Sinatra. Esta ambiciosa producción de Paramount llegó a los 4 millones de dólares de la época, y la película contó con todo un plantel de profesionales "prestados" de la Metro Goldwyn Mayer. 

una cara con ángel

La banda sonora fue compuesta para el teatro por el popular compositor George Gershwin con la colaboración de su hermano Ira Gershwin, a quienes conoció personalmente Fred Astaire, y tiene canciones inolvidables, destacando "I love your funny face" que canta magníficamente Fred Astaire, "Think Pink" que canta al principio de la película Kay Thompson y la maravillosa canción cantada por los tres protagonistas al llegar a la mítica París, de la que Donen nos regaló maravillosos planos, rodados en exteriores, de los Campos Elíseos, El Sena o la Torre Eiffel, entre otros. Fue rodada en el sistema habitualmente utilizado en la época por Paramount: VistaVision (el sistema preferido por Hitchcock). "Una cara con Ángel" supuso todo un aire de frescura y originalidad para la época, por sus coreografías, sus personajes y su visión de la moda en plenos años 50. Toda una joya del género y uno de los mejores trabajos de Stanley Donen. Una maravilla. 

Frase para recordar: "Con el "empaticalismo" se pone usted en el lugar de otro semejante, ¿me ha comprendido?".

una cara con ángel

Título original: Funny face.

Director: Stanley Donnen.

Intérpretes: Audrey HepburnFred AstaireKay ThompsonMichel AuclairRobert Flemyng,DovimaSuzy ParkerSunny Hartnett.

Trailer:


Escena:



Información complementaria:

Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego
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UNA CARA CON ÁNGEL (1957). Audrey Hepburn y Fred Astaire en el musical de Stanley Donen.

una cara con ángel
La trama comienza en la revista de modas Quality, de la que Maggie Prescott (Kay Thompson) es su editora, quien anda buscando algo nuevo, frescura para la revista. Al mismo tiempo busca una nueva cara para presentar la nueva colección del modisto Paul Duval en París. Su fiel fotógrafo, Dick Avery (Fred Astaire), dará con la chica perfecta mientras realizan un reportaje en una librería: una joven muy tímida y bastante culta, apasionada por la filosofía, en especial por el movimiento "el empaticalismo" (una corriente basada en la empatía) que es además la dependienta de dicha librería. Es Jo Stocktom (Audrey Hepburn), en quien Dick descubre una belleza totalmente natural y cuya sonrisa despierta toda su inspiración. Una vez convencida, viajan a París. En la ciudad Jo parece más interesada por conocer al profesor Baker, precursor del empaticalismo, que por su nueva y flamante carrera de modelo. Pero es inevitable que la chica se acabe enamorando perdidamente del fotógrafo… Divertida y muy agradable comedia musical de los años 50, dirigida por un auténtico experto en el género, el simpar y genial Stanley Donen, quien ya nos había regalado probablemente la mayor obra maestra del género junto al inolvidable Gene Kelly cuatro años antes: "Cantando bajo la lluvia (1952)". Otras maravillas del género dirigidas por Donen son también sin duda "Un día en Nueva York (1949)" "Bodas Reales (1951)" y "Siete novias para siete hermanos (1954)", entre otras de su extensa filmografía. Además, Donen era un ferviente admirador de Fred Astaire. 

una cara con ángel

Pero Donen no sólo cultivó el género musical. Realizó importantes comedias como la divertida "Página en Blanco (1960)", sobre los líos entrelazados de dos matrimonios con un reparto de lujo: Cary Grant, Jean Simmons, Robert Mitchum y Deborah Kerr, "Arabesco (1966)", divertido homenaje al cine de Hitchcock (antes haría lo propio con "Charada (1963)"), "La Escalera (1969)", tragicomedia sobre dos homosexuales maduros protagonizada por Rex Harrison y Richard Burton, etcétera. Además "Una cara con Ángel" fue la primera película con la maravillosa Audrey Hepburn de protagonista, realizando otras dos joyas junto a la mítica actriz: "Charada (1963)", coprotagonizada por Cary Grant y con un plantel de secundarios realmente antológico, y "Dos en laCarretera (1967)", coprotagonizada por Albert Finney que es una ácida y a la vez romántica visión de las vicisitudes de un matrimonio. En ambas, Donen contó con la colaboración del gran Henry Mancini en sus bandas sonoras. Fred Astaire, uno de los dos reyes del género musical (el otro es Gene Kelly, por supuesto) realiza uno de sus mejores trabajos como el protagonista masculino. Astaire desarrolló su carrera teatral y cinematográfica a lo largo de setenta y seis años nada menos, habiendo protagonizado 32 películas musicales, siendo las más populares las coprotagonizadas por Ginger Rogers, siendo ambos una mítica pareja de baile dentro del cine musical.

una cara con ángel

Juntos protagonizaron algunas de las mejores películas de la década de los años treinta en Hollywood: "La alegre divorciada (1934)", "Roberta (1935)", "Sombrero de Copa (1935)", "Sigamos la flota (1936)", "En alas de la danza (1936)", "Ritmo Loco (1937)", "Amanda (1938)". Fred Astaire consiguió dos innovaciones fundamentales en el cine musical: la primera, el filmar todo un número de baile, con una cámara estacionaria, durante una única toma. La segunda, que todos los temas musicales así como los bailes estuvieran lo más plenamente integrados en el argumento, para no aburrir al público y para no romper el ritmo narrativo de la película. Muy importantes fueron sus colaboraciones con el coreógrafo Hermes Pan. En los años 40 Astaire trabajó en películas como "Al fin solos (1940)", "Bailando nace el amor (1945)" y "Desfile de Pascua (1948)", manteniendo un éxito dilatado en el tiempo. Astaire no sólo era un excelente bailarín sino que también era muy exigente con su trabajo y el del equipo de cada película, casi hasta el delirio. Pero es lo que tienen los más grandes. En la década de los 50 ya trabajó con Donen en "Bodas Reales", exitoso musical de la Metro en 1951. 

una cara con ángel

En 1953, junto a Cyd Charisse nos regaló la maravillosa "Melodias de Broadway (1955)", de Vincente Minnelli, otra joya del género. Junto a la joven Leslie Caron ("Gigi (1958)"), protagonizó en 1955 la deliciosa "Papá piernas Largas", de Jean Negulesco. Y llegó "Una cara con ángel", a los 57 años de edad, dando la réplica a una entonces mucho más joven que él, Audrey Hepburn, que tenía 27 años, treinta menos que Fred. Pero la magia del cine hace que olvidemos totalmente esa importante diferencia de edad entre ambos. Su química resultó total. Después de esta película, Astaire protagonizó "La hora final (1959)" a las órdenes de Stanley Kramer, un film postapocalíptico ambientado en una posible época post III guerra mundial, demostrando el actor que también podía con otros géneros que no fueran el musical. Después vendrían "La Dama de negro (1962)", de Richard Quine y "El valle del Arcoiris (1967)" de un entonces joven Francis Ford Coppola. Posteriormente La Metro le contrató pare rememorar junto a Gene Kelly la época de oro del musical en el documental "Érase una vez en Hollywood (1974)". Otra película importante del actor fue la magnífica "El coloso en llamas (1974)" de John Guillermin e Irving Allen, donde Astaire realizaba una soberbia interpretación. 

una cara con ángel

Audrey Hepburn, tras haber entrado por la puerta triunfal de Hollywood tres años antes, con la inolvidable "Vacaciones en Roma (1953)", posteriormente "Sabrina (1954)" y "Guerra y Paz (1956)", nos volvió a deleitar con su mágica presencia en este delicioso musical. Su química con Astaire fue perfecta y Donen quedó absolutamente maravillado con ella, ya que volvió a dirigirla en "Charada (1963)" y "Dos en la carretera (1966)". Cantó las canciones con su propia voz, algo que no le dejaron volver a hacer en "My FairLady (1964)", a pesar de no estar ni desentonada ni desafinada, pero Warner prefirió la voz de una mezzo soprano para las canciones. En "Una cara con Ángel" sin embargo, Audrey pudo lucirse, y aún no teniendo una gran voz lo hizo bastante más que dignamente. Audrey solía resultar en sus papeles cuando le daba la réplica un hombre mayor que ella, como pasa aquí con Fred Astaire, con Humphrey Bogart en "Sabrina", con Gary Cooper en "Ariane (1957)", con Cary Grant en "Charada (1963)" y no digamos ya con Rex Harrison en "My Fair Lady (1964)". Audrey admiraba mucho a Fred Astaire, siendo una gran fan de él y Ginger Rogers cuando era una niña. 

una cara con ángel

Ni podía imaginarse que coprotagonizaría una película con el mítico actor y bailarín. Su interpretación así como su mágica sonrisa volvieron a ser un triunfo en esta película de Donen. Un dato muy importante es que el modisto Hubert de Givenchy diseñó el vestuario de Audrey, como haría en la mayor parte de su carrera, siendo el más espectacular el diseñado para la actriz en la mítica "Desayuno con Diamantes (1961)". La actriz Kay Thompson, la divertida Maggie, editora de la revista, era una experta en el musical, había sido durante años profesora de coro en la Metro Goldwyn Mayer. Era compositora, cantante y actriz. Fue la profesora de canto de estrellas como Judy Garldand, June Allyson y Frank Sinatra. Esta ambiciosa producción de Paramount llegó a los 4 millones de dólares de la época, y la película contó con todo un plantel de profesionales "prestados" de la Metro Goldwyn Mayer. 

una cara con ángel

La banda sonora fue compuesta para el teatro por el popular compositor George Gershwin con la colaboración de su hermano Ira Gershwin, a quienes conoció personalmente Fred Astaire, y tiene canciones inolvidables, destacando "I love your funny face" que canta magníficamente Fred Astaire, "Think Pink" que canta al principio de la película Kay Thompson y la maravillosa canción cantada por los tres protagonistas al llegar a la mítica París, de la que Donen nos regaló maravillosos planos, rodados en exteriores, de los Campos Elíseos, El Sena o la Torre Eiffel, entre otros. Fue rodada en el sistema habitualmente utilizado en la época por Paramount: VistaVision (el sistema preferido por Hitchcock). "Una cara con Ángel" supuso todo un aire de frescura y originalidad para la época, por sus coreografías, sus personajes y su visión de la moda en plenos años 50. Toda una joya del género y uno de los mejores trabajos de Stanley Donen. Una maravilla. 

Frase para recordar: "Con el "empaticalismo" se pone usted en el lugar de otro semejante, ¿me ha comprendido?".

una cara con ángel

Título original: Funny face.

Director: Stanley Donnen.

Intérpretes: Audrey HepburnFred AstaireKay ThompsonMichel AuclairRobert Flemyng,DovimaSuzy ParkerSunny Hartnett.

Trailer:


Escena:



Información complementaria:

Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego
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