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la vaquilla
Hay que tener cautela y respeto cuando se habla de la guerra civil española, teniendo en cuenta todo tipo de sensibilidades e ideales. Tema que muchos tomarán como demasiado recurrente y trillado en nuestro cine. Pero el caso es que ya sea en cine o en cualquier otro ámbito que haga referencia a nuestra historia, siempre es instructivo a la par que herramienta memorística un séptimo arte para que los recuerdos no se pierdan, aunque algunos se empeñen en acusar de que con ésto se abren heridas pasadas. La lucha del bando republicano (con mayor número de defunciones) contra el bando nacional (con su golpe de estado contra la condición política de la época) provocan todavía hoy en día controversia y odios que curiosamente fueron tomados en la mitad de los años 80 por el guionista Rafael Azcona ("El verdugo (1963)", "Ay Carmela! (1990)") y el director Luis García Berlanga ("Todos a la cárcel (1993)", "Plácido (1961)") con ironía e inteligente desparpajo para narrar los hechos de la película ubicada en plena guerra civil. En un pueblo tomado por los nacionales y separado por trincheras del grupo guerrillero republicano, se escucha el anuncio en una tregua para intercambiar víveres y otros elementos que una corrida de toros va a celebrarse con posterior baile. Lo que hace que dada la hambruna y la falta de medios de la parte republicana se decida en forma de misión agrupar a un comando integrado ahí es nada por: Alfredo Landa, Santiago Ramos, Guillermo Montesinos y José Sacristán entre otros, para robar la vaquila aguando las fiestas a los nacionales en conmemoración de la Virgen de Agosto. 

la vaquilla

Nuestros zafios y brutos héroes se adentran pues a hurtadillas en el pueblo para conseguir sus objetivos de dejar sin res a sus contrarios que no destacan tampoco por su astucia para interceptar la cómica misión. El film "La vaquilla" es capaz de hacer reír viendo a todos los enemigos en el conflicto sufrido del año 36 al 39 juntos bañándose desnudos en el río entre otras secuencias graciosas como la del oficial republicano (José Sacristán) afeitando a uno nacional (Agustín González) o cómo son reclutados todos los infiltrados saliendo de un prostíbulo para participar en una procesión. Me encantan Alfredo Landa con su reconocidísima capacidad actoral para fingir ese mal carácter que tanto me gusta verle con un personaje centrado en mantener la disciplina militar (se sea de un bando o de otro), un Santiago Ramos con su chulesca personalidad de torero que luego resulta ser un cobardica que se caga en los pantalones (literalmente), un Pepe Sacristán que como oficial y peluquero amenaza a todos sus subordinados con cortarles el pelo y un Guillermo Montesinos obsesionado por ver a su novia, que le está siendo infiel con un oficial fascista (Juanjo Puigcorbé). 

la vaquilla

Luis García Berlanga crea una simpática película con un tema muy serio y peliagudo que discurre cual carrera de encierro sanferminero con unos personajes que reflejan sus roles de lo que fue un desgraciado acontecimiento para aquellos que lo vivieron y para sus descendientes. Así pues aparecen como caricatura los estirados y ultracatólicos soldados de derechas acompañando a toda la estirpe ecleseástica por un lado, unidos a señoritos y terratenientes con siervos que omiten sus ideales para conservar su inferior status y su vida. Y por otro el hambriento ejército republicano con sus toscas maneras de actuar sin prácticamente medios y con el único objetivo de estropear los festejos para saciar el apetito que les acucia. La película "La Vaquilla" apuntilla los tópicos que se tiene de los dos bandos españoles enfrentados, no sólo para hacer reír al espectador (dado su resaltado sentido cómico) sino también para hacer reflexionar lo que fue la guerra civil española....La secuencia final de la vaquilla (principal elemento que desata la trama) pudriéndose mientras los buitres la devoran me hace pensar que a veces los humanos dejamos las principales razones por las que lucharon nuestros antepasados (tanto de un bando como de otro) olvidadas y abandonadas. Los desastres de la historia deben recordarse para que no vuelvan a ocurrir, aprendiendo de nuestros errores para que no vuelvan a repetirse en el futuro, la memoria y el respeto deben primar ante todo y películas como "La Vaquilla" aún con humor, reflejan una época que no debemos dejar en el olvido.

la vaquilla
Director: Luis García Berlanga.

Intérpretes: Alfredo Landa, Guillermo Montesinos, Santiago Ramos, José Sacristán, Carles Velat, Eduardo Calvo, Violeta Cela, Agustín González.

Escena:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

LA VAQUILLA (1985). La irónica visión de la guerra civil española por Luis G. Berlanga.

la vaquilla
Hay que tener cautela y respeto cuando se habla de la guerra civil española, teniendo en cuenta todo tipo de sensibilidades e ideales. Tema que muchos tomarán como demasiado recurrente y trillado en nuestro cine. Pero el caso es que ya sea en cine o en cualquier otro ámbito que haga referencia a nuestra historia, siempre es instructivo a la par que herramienta memorística un séptimo arte para que los recuerdos no se pierdan, aunque algunos se empeñen en acusar de que con ésto se abren heridas pasadas. La lucha del bando republicano (con mayor número de defunciones) contra el bando nacional (con su golpe de estado contra la condición política de la época) provocan todavía hoy en día controversia y odios que curiosamente fueron tomados en la mitad de los años 80 por el guionista Rafael Azcona ("El verdugo (1963)", "Ay Carmela! (1990)") y el director Luis García Berlanga ("Todos a la cárcel (1993)", "Plácido (1961)") con ironía e inteligente desparpajo para narrar los hechos de la película ubicada en plena guerra civil. En un pueblo tomado por los nacionales y separado por trincheras del grupo guerrillero republicano, se escucha el anuncio en una tregua para intercambiar víveres y otros elementos que una corrida de toros va a celebrarse con posterior baile. Lo que hace que dada la hambruna y la falta de medios de la parte republicana se decida en forma de misión agrupar a un comando integrado ahí es nada por: Alfredo Landa, Santiago Ramos, Guillermo Montesinos y José Sacristán entre otros, para robar la vaquila aguando las fiestas a los nacionales en conmemoración de la Virgen de Agosto. 

la vaquilla

Nuestros zafios y brutos héroes se adentran pues a hurtadillas en el pueblo para conseguir sus objetivos de dejar sin res a sus contrarios que no destacan tampoco por su astucia para interceptar la cómica misión. El film "La vaquilla" es capaz de hacer reír viendo a todos los enemigos en el conflicto sufrido del año 36 al 39 juntos bañándose desnudos en el río entre otras secuencias graciosas como la del oficial republicano (José Sacristán) afeitando a uno nacional (Agustín González) o cómo son reclutados todos los infiltrados saliendo de un prostíbulo para participar en una procesión. Me encantan Alfredo Landa con su reconocidísima capacidad actoral para fingir ese mal carácter que tanto me gusta verle con un personaje centrado en mantener la disciplina militar (se sea de un bando o de otro), un Santiago Ramos con su chulesca personalidad de torero que luego resulta ser un cobardica que se caga en los pantalones (literalmente), un Pepe Sacristán que como oficial y peluquero amenaza a todos sus subordinados con cortarles el pelo y un Guillermo Montesinos obsesionado por ver a su novia, que le está siendo infiel con un oficial fascista (Juanjo Puigcorbé). 

la vaquilla

Luis García Berlanga crea una simpática película con un tema muy serio y peliagudo que discurre cual carrera de encierro sanferminero con unos personajes que reflejan sus roles de lo que fue un desgraciado acontecimiento para aquellos que lo vivieron y para sus descendientes. Así pues aparecen como caricatura los estirados y ultracatólicos soldados de derechas acompañando a toda la estirpe ecleseástica por un lado, unidos a señoritos y terratenientes con siervos que omiten sus ideales para conservar su inferior status y su vida. Y por otro el hambriento ejército republicano con sus toscas maneras de actuar sin prácticamente medios y con el único objetivo de estropear los festejos para saciar el apetito que les acucia. La película "La Vaquilla" apuntilla los tópicos que se tiene de los dos bandos españoles enfrentados, no sólo para hacer reír al espectador (dado su resaltado sentido cómico) sino también para hacer reflexionar lo que fue la guerra civil española....La secuencia final de la vaquilla (principal elemento que desata la trama) pudriéndose mientras los buitres la devoran me hace pensar que a veces los humanos dejamos las principales razones por las que lucharon nuestros antepasados (tanto de un bando como de otro) olvidadas y abandonadas. Los desastres de la historia deben recordarse para que no vuelvan a ocurrir, aprendiendo de nuestros errores para que no vuelvan a repetirse en el futuro, la memoria y el respeto deben primar ante todo y películas como "La Vaquilla" aún con humor, reflejan una época que no debemos dejar en el olvido.

la vaquilla
Director: Luis García Berlanga.

Intérpretes: Alfredo Landa, Guillermo Montesinos, Santiago Ramos, José Sacristán, Carles Velat, Eduardo Calvo, Violeta Cela, Agustín González.

Escena:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

él
Francisco Galván es un respetado y estimado millonario que se enamora perdidamente de una mujer (Gloria Milalta) durante una ceremonia de Jueves Santo. A pesar de descubrir de que se trata la novia de su amigo (Raúl Conde), Galván no descansará en su empeño de conquistar el amor de Gloria. Su constancia y perseverancia hará que finalmente consiga su próposito, el de tenerla a su lado y casarse con ella. Después de la boda saldrá a relucir la verdadera personalidad de Galván, extremadamente celoso y paranoico convirtiendo la vida de Gloria en una autentica pesadilla difícil de escapar. Para "Él", su novena película en tierra aztecas, Luis Buñuel se inspiraría en la novela homónima de la escritora tinerfeña Mercedes Pinto para plasmar en su obra un enfermizo retrato sobre los celos, las obsesiones y la violencia de género. Buñuel reflejaría la sociedad machista que se vivía en aquella época y que por desgracia continúa existiendo en nuestros días, mostrando la figura de la mujer como un mero objeto, sin voz ni voto ante los caprichos del hombre y sumisa ante el maltrato psicológico y físico por parte de éste. Para la pareja protagonista Luis Buñuel acertaría de pleno, contando con dos artistas cinematográficos latinoamericanos de primer nivel que supieron transmitir a la perfección los roles de sus personajes, siendo creíbles sus acciones y actitudes en el transcurso de la trama. Por un lado tendríamos a Arturo de Córdoba encarnando a Francisco Galván, un actor clave en la "época de Oro del cine mexicano" y una de las figuras más internacionales del cine azteca, donde saltaría a la industria hollywoodente para participar en películas como "El pirata y la dama (1943)", "La rubia de los cabellos de fuego (1945)" y en el clásico de Sam Wood "Por quién doblan las campanas (1943)".
 
él

Arturo en la obra de Luis Buñuel interpretaría a uno de sus personajes más oscuros y retorcidos dentro de su carrera profesional, el de Francisco Galván. Un hombre que mostraría una doble personalidad: una como un hombre simpático, amable y todo un caballero a la vista de la gente (vamos de puertas para afuera) contrastando con su actitud celosa, posesiva y obsesiva que mantiene con su mujer. Por el otro lado, acompañando a Arturo de Córdova nos encontraríamos con la argentina Delia Garcés en la piel de la sufrida Gloria, una actriz que compaginaría trabajos en su país natal (Argentina) con otros en tierras mexicanas además de tener sus pinitos en territorio español protagonizando "Rebeldía (1954)", un drama religioso junto a Fernado Fernán Gómez y Fernando Rey. En "Él" como he mencionado antes daría vida a Gloria, una mujer paciente y sumisa y que me atrevería catalogar como "una mártir en un entorno machista", tristemente ignorada por los demás y donde es tachada de culpable (hasta por su propia madre) de los problemas que sufre su matrimonio. Cabe destacar como Buñuel realiza un duro paralelismo entre Gloria y unos terrenos que ansía poseer Francisco, muestra como el personaje de Arturo de Córdova trata a ambos por igual, como meros objetos, unas posesiones que éste tiene derecho a tener porque se le antoja. Sin dudas un cruel comparación que resalta el realizador la personalidad de Francisco y como éste trata a Gloria, un hombre que no piensa en los sentimientos que vive ella, si es feliz o no con la vida que le ha obligado mantener.

él

Como suele ocurrir en las obras de Buñuel, en "Él" las altas esferas y la religión estarían presentes en el film para realizar su particular crítica. "Él" dispone de un sinfín de escenas para destacar y donde resaltaría la.memorable escena inicial del lavado de pies, una secuencia realizada sin palabras y que consigue transmitir magistralmente el amor a primera vista de Galván. Una secuencia de complicidad entre los dos protagonistas y de cierto erotismo, centrada en los pies femeninos y en particular en los de Gloria, que incentiva a un virginal Francisco a caer locamente enamorado de ella. Hago también mención la maravillosa escena desde el campanario, una secuencia donde no soló muestra la actitud misógena del personaje de Arturo de Córdoba (humilla a Gloria amenazándola de tirarla al vacío) sino su desprecio a las personas en general al comparar a éstas desde las alturas como simples gusanos y que pregona su intención de aplastarlos si fuera Dios. Una escena que Alfred Hitchcock, homenajearía en la mítica "Vértigo (1958)", y es que el maestro del suspense siempre declaró ser un acérrimo fan del cine de Luis Buñuel. Cabe destacar la técnica que utiliza el realizador para narrar la historia, combinando el tiempo presente con el uso de flashback que desgranan el pasado de la pareja y nos muestra con detalles cada fase que vive la pareja protagonista. Como curiosidad, Luis Buñuel realizaría un cameo ejerciendo de uno de los monjes que aparece en la Iglesia.

Información adicional:
Más películas de Luis Buñuel

él

Frase para recordar: "Me hace daño la felicidad de los tontos". 

Director: Luis Buñuel.

Intérpretes: Arturo de Córdova, Delia Garcés, Aurora Walker, Carlos Martínez Baena, Manuel Dondé, Rafael Banquells, Fernando Casanova, Luis Beristaín.


Escena:



Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria:
Delia Garcés

ÉL (1952). El mundo de los celos y la violencia machista por Luis Buñuel.

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Francisco Galván es un respetado y estimado millonario que se enamora perdidamente de una mujer (Gloria Milalta) durante una ceremonia de Jueves Santo. A pesar de descubrir de que se trata la novia de su amigo (Raúl Conde), Galván no descansará en su empeño de conquistar el amor de Gloria. Su constancia y perseverancia hará que finalmente consiga su próposito, el de tenerla a su lado y casarse con ella. Después de la boda saldrá a relucir la verdadera personalidad de Galván, extremadamente celoso y paranoico convirtiendo la vida de Gloria en una autentica pesadilla difícil de escapar. Para "Él", su novena película en tierra aztecas, Luis Buñuel se inspiraría en la novela homónima de la escritora tinerfeña Mercedes Pinto para plasmar en su obra un enfermizo retrato sobre los celos, las obsesiones y la violencia de género. Buñuel reflejaría la sociedad machista que se vivía en aquella época y que por desgracia continúa existiendo en nuestros días, mostrando la figura de la mujer como un mero objeto, sin voz ni voto ante los caprichos del hombre y sumisa ante el maltrato psicológico y físico por parte de éste. Para la pareja protagonista Luis Buñuel acertaría de pleno, contando con dos artistas cinematográficos latinoamericanos de primer nivel que supieron transmitir a la perfección los roles de sus personajes, siendo creíbles sus acciones y actitudes en el transcurso de la trama. Por un lado tendríamos a Arturo de Córdoba encarnando a Francisco Galván, un actor clave en la "época de Oro del cine mexicano" y una de las figuras más internacionales del cine azteca, donde saltaría a la industria hollywoodente para participar en películas como "El pirata y la dama (1943)", "La rubia de los cabellos de fuego (1945)" y en el clásico de Sam Wood "Por quién doblan las campanas (1943)".
 
él

Arturo en la obra de Luis Buñuel interpretaría a uno de sus personajes más oscuros y retorcidos dentro de su carrera profesional, el de Francisco Galván. Un hombre que mostraría una doble personalidad: una como un hombre simpático, amable y todo un caballero a la vista de la gente (vamos de puertas para afuera) contrastando con su actitud celosa, posesiva y obsesiva que mantiene con su mujer. Por el otro lado, acompañando a Arturo de Córdova nos encontraríamos con la argentina Delia Garcés en la piel de la sufrida Gloria, una actriz que compaginaría trabajos en su país natal (Argentina) con otros en tierras mexicanas además de tener sus pinitos en territorio español protagonizando "Rebeldía (1954)", un drama religioso junto a Fernado Fernán Gómez y Fernando Rey. En "Él" como he mencionado antes daría vida a Gloria, una mujer paciente y sumisa y que me atrevería catalogar como "una mártir en un entorno machista", tristemente ignorada por los demás y donde es tachada de culpable (hasta por su propia madre) de los problemas que sufre su matrimonio. Cabe destacar como Buñuel realiza un duro paralelismo entre Gloria y unos terrenos que ansía poseer Francisco, muestra como el personaje de Arturo de Córdova trata a ambos por igual, como meros objetos, unas posesiones que éste tiene derecho a tener porque se le antoja. Sin dudas un cruel comparación que resalta el realizador la personalidad de Francisco y como éste trata a Gloria, un hombre que no piensa en los sentimientos que vive ella, si es feliz o no con la vida que le ha obligado mantener.

él

Como suele ocurrir en las obras de Buñuel, en "Él" las altas esferas y la religión estarían presentes en el film para realizar su particular crítica. "Él" dispone de un sinfín de escenas para destacar y donde resaltaría la.memorable escena inicial del lavado de pies, una secuencia realizada sin palabras y que consigue transmitir magistralmente el amor a primera vista de Galván. Una secuencia de complicidad entre los dos protagonistas y de cierto erotismo, centrada en los pies femeninos y en particular en los de Gloria, que incentiva a un virginal Francisco a caer locamente enamorado de ella. Hago también mención la maravillosa escena desde el campanario, una secuencia donde no soló muestra la actitud misógena del personaje de Arturo de Córdoba (humilla a Gloria amenazándola de tirarla al vacío) sino su desprecio a las personas en general al comparar a éstas desde las alturas como simples gusanos y que pregona su intención de aplastarlos si fuera Dios. Una escena que Alfred Hitchcock, homenajearía en la mítica "Vértigo (1958)", y es que el maestro del suspense siempre declaró ser un acérrimo fan del cine de Luis Buñuel. Cabe destacar la técnica que utiliza el realizador para narrar la historia, combinando el tiempo presente con el uso de flashback que desgranan el pasado de la pareja y nos muestra con detalles cada fase que vive la pareja protagonista. Como curiosidad, Luis Buñuel realizaría un cameo ejerciendo de uno de los monjes que aparece en la Iglesia.

Información adicional:
Más películas de Luis Buñuel

él

Frase para recordar: "Me hace daño la felicidad de los tontos". 

Director: Luis Buñuel.

Intérpretes: Arturo de Córdova, Delia Garcés, Aurora Walker, Carlos Martínez Baena, Manuel Dondé, Rafael Banquells, Fernando Casanova, Luis Beristaín.


Escena:



Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria:
Delia Garcés

latalante
Esta obra de Jean Vigo puede ser considerada como el inicio del Realismo Poético francés, ya que su obra representa una nítida quiebra de estética en relación con el cine de vanguardia que imperaba en la Francia hasta entonces. El realismo poético fue el lazo que unió de 1930-1945 a René Clair, Jean Vigo, Jean Renoir, Marcel Carné, Jacques Becker, Jean Grémillon, Jacques Feyder y Julien Duvivier. Los cineastas del realismo poético crearán historias urbanas, protagonizadas por personajes de clase obrera y artistas a través de una mirada realista que, sin embargo, busca el lirismo. Es una manera intimista de contemplar la realidad y reproducirla sin artificios. Se busca la belleza en los elementos más simples de una realidad, que siempre aparece con toda su crudeza. Cualquier objeto perteneciente a la realidad de esos personajes, como tal, posee una importancia más allá de su condición material y así es representado. El realismo poético enfrenta los sentimientos humanos y, a menudo, la buena voluntad de los hombres con las crueldades de su destino. Desde el punto de vista visual, el realismo poético se caracteriza por una fuerte iluminación con grandes contrastes lumínicos. Sin embargo, Jean Vigo logró diferenciarse de sus colegas realizando películas muy personales, dotadas de un sello propio que le permitió hacerse un hueco entre los mejores con muy pocas obras. Estaba dotado tanto de una gran sensibilidad artística como de una importante conciencia política, ya que era hijo del anarquista español Eugenio Bonaventura. En su corta vida elaboró dos documentales: "El nadador (1931)" y "A propósito de Niza (1930)", extraordinario montaje de imágenes rodadas con una cámara de segunda mano no visible para los transeúntes donde nos muestra la gran diferencia entre ricos y pobres, entre burguesía y los suburbios de la ciudad. 

latalante

Un mediometraje, "Cero en conducta (1933)" criticando las normas de un internado de niños, y un único largo L ´Atalante, filmada justo antes de morir por tuberculosis a la edad de 29 años. En la primera escena de L´Atalante observamos el cortejo nupcial de una boda rural. Jean, (Jean Dasté), el patrón de una modesta barca, y Juliette, (Dita Parlo) una bella joven que jamás ha salido de su pueblo, contraen matrimonio. Ya desde el comienzo se nos muestra esa mezcla de contrastes entre la belleza y la cotidianidad. La escena costumbrista y rural de una delicada novia paseando finaliza con su peculiar transporte, alzada con un remo, para acceder al interior de una humilde barcaza donde los novios iniciarán su Luna de Miel. No es de extrañar que la cara de la novia, más que felicidad, irradie miedo y que su comitiva de boda con ese aire tan formal represente las estrictas normas burguesas. Al otro lado, en el interior del barco, la espera el Tío Jules, (Michel Simon) un lobo de mar, marinero ya curtido en años de aspecto mugriento, cuya piel está cubierta por tatuajes. Jules, con sus escasas normas de decoro, su generosidad y su carácter jovial representa una visión opuesta a los convencionalismos sociales de la época. Además de Tío Jules, les acompaña un jovencísimo grumete, (Louis Lefebvre). Todos juntos, navegarán por los canales del Sena, sin abandonar ni por un momento las actividades habituales de un barco. Pronto la vida en común de la joven pareja tropezará con varias dificultades. 

latalante

La cansada rutina de navegar continuamente, la falta de intimidad de la pareja y el choque real con la falta del ideal romántico que supone trabajar en un barco las 24 horas del día, terminarán desgastando la relación de los recién casados. Su única esperanza parece residir en pasar una velada a solas en París, la Ciudad de la Luz, que jamás ha sido visitada por nuestra protagonista. La visita a la gran Ciudad será el desencadenante de grandes emociones, desilusiones y desencuentros que harán reflexionar a cada miembro de la pareja por separado sobre cuál es su destino más deseado. Basada en el guión del propio Vigo, junto con Albert Riera y el argumento de Jean Guinèe, la historia va más allá del melodrama. Nos permite conocer la crudeza de vivir en el interior de una pequeña barca y en los barrios de los suburbios visitados durante la visita a París, donde la policía derriba a golpes a un carterista con aspecto famélico y las largas colas de parados constituyen el principal paisaje de la zona. Pero en ningún momento, pese a mostrar un barco viejo, lleno de gatos con camarotes diminutos donde la limpieza brilla por su ausencia, la excelente fotografía de Boris Kaufman y Louis Berger, no hacen otra cosa que deleitarnos con maravillosos encuadres, aún en los espacios minúsculos, la cámara busca angulaciones casi imposibles. Jean Vigo dota de una belleza peculiar a sus fotogramas. Utiliza magníficos movimientos de cámara y un montaje original donde introduce, a modo de efectos especiales ocasionales, las imágenes oníricas que cada miembro de la pareja mantiene estando separados. Estas bellas imágenes de los sueños representan el recuerdo sensual que cada uno mantiene del otro. Visualmente, con gran efectismo, se va mostrando la evolución hacia la madurez emocional como viaje personal e individual de dos recién casados en un contexto histórico y social marcado por los apuros económicos sufridos en los humildes barrios franceses de la época.

latalante
 
Director: Jean Vigo.

Intérpretes: Jean Dasté, Dita Parlo, Michel Simon, Gilles Margaritis, Louis Lefebvre, Maurice Gilles, Raphaël Diligent.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

Información complementaria:
Jean Vigo

L`ATALANTE (1934). El inicio del realismo poético francés.

latalante
Esta obra de Jean Vigo puede ser considerada como el inicio del Realismo Poético francés, ya que su obra representa una nítida quiebra de estética en relación con el cine de vanguardia que imperaba en la Francia hasta entonces. El realismo poético fue el lazo que unió de 1930-1945 a René Clair, Jean Vigo, Jean Renoir, Marcel Carné, Jacques Becker, Jean Grémillon, Jacques Feyder y Julien Duvivier. Los cineastas del realismo poético crearán historias urbanas, protagonizadas por personajes de clase obrera y artistas a través de una mirada realista que, sin embargo, busca el lirismo. Es una manera intimista de contemplar la realidad y reproducirla sin artificios. Se busca la belleza en los elementos más simples de una realidad, que siempre aparece con toda su crudeza. Cualquier objeto perteneciente a la realidad de esos personajes, como tal, posee una importancia más allá de su condición material y así es representado. El realismo poético enfrenta los sentimientos humanos y, a menudo, la buena voluntad de los hombres con las crueldades de su destino. Desde el punto de vista visual, el realismo poético se caracteriza por una fuerte iluminación con grandes contrastes lumínicos. Sin embargo, Jean Vigo logró diferenciarse de sus colegas realizando películas muy personales, dotadas de un sello propio que le permitió hacerse un hueco entre los mejores con muy pocas obras. Estaba dotado tanto de una gran sensibilidad artística como de una importante conciencia política, ya que era hijo del anarquista español Eugenio Bonaventura. En su corta vida elaboró dos documentales: "El nadador (1931)" y "A propósito de Niza (1930)", extraordinario montaje de imágenes rodadas con una cámara de segunda mano no visible para los transeúntes donde nos muestra la gran diferencia entre ricos y pobres, entre burguesía y los suburbios de la ciudad. 

latalante

Un mediometraje, "Cero en conducta (1933)" criticando las normas de un internado de niños, y un único largo L ´Atalante, filmada justo antes de morir por tuberculosis a la edad de 29 años. En la primera escena de L´Atalante observamos el cortejo nupcial de una boda rural. Jean, (Jean Dasté), el patrón de una modesta barca, y Juliette, (Dita Parlo) una bella joven que jamás ha salido de su pueblo, contraen matrimonio. Ya desde el comienzo se nos muestra esa mezcla de contrastes entre la belleza y la cotidianidad. La escena costumbrista y rural de una delicada novia paseando finaliza con su peculiar transporte, alzada con un remo, para acceder al interior de una humilde barcaza donde los novios iniciarán su Luna de Miel. No es de extrañar que la cara de la novia, más que felicidad, irradie miedo y que su comitiva de boda con ese aire tan formal represente las estrictas normas burguesas. Al otro lado, en el interior del barco, la espera el Tío Jules, (Michel Simon) un lobo de mar, marinero ya curtido en años de aspecto mugriento, cuya piel está cubierta por tatuajes. Jules, con sus escasas normas de decoro, su generosidad y su carácter jovial representa una visión opuesta a los convencionalismos sociales de la época. Además de Tío Jules, les acompaña un jovencísimo grumete, (Louis Lefebvre). Todos juntos, navegarán por los canales del Sena, sin abandonar ni por un momento las actividades habituales de un barco. Pronto la vida en común de la joven pareja tropezará con varias dificultades. 

latalante

La cansada rutina de navegar continuamente, la falta de intimidad de la pareja y el choque real con la falta del ideal romántico que supone trabajar en un barco las 24 horas del día, terminarán desgastando la relación de los recién casados. Su única esperanza parece residir en pasar una velada a solas en París, la Ciudad de la Luz, que jamás ha sido visitada por nuestra protagonista. La visita a la gran Ciudad será el desencadenante de grandes emociones, desilusiones y desencuentros que harán reflexionar a cada miembro de la pareja por separado sobre cuál es su destino más deseado. Basada en el guión del propio Vigo, junto con Albert Riera y el argumento de Jean Guinèe, la historia va más allá del melodrama. Nos permite conocer la crudeza de vivir en el interior de una pequeña barca y en los barrios de los suburbios visitados durante la visita a París, donde la policía derriba a golpes a un carterista con aspecto famélico y las largas colas de parados constituyen el principal paisaje de la zona. Pero en ningún momento, pese a mostrar un barco viejo, lleno de gatos con camarotes diminutos donde la limpieza brilla por su ausencia, la excelente fotografía de Boris Kaufman y Louis Berger, no hacen otra cosa que deleitarnos con maravillosos encuadres, aún en los espacios minúsculos, la cámara busca angulaciones casi imposibles. Jean Vigo dota de una belleza peculiar a sus fotogramas. Utiliza magníficos movimientos de cámara y un montaje original donde introduce, a modo de efectos especiales ocasionales, las imágenes oníricas que cada miembro de la pareja mantiene estando separados. Estas bellas imágenes de los sueños representan el recuerdo sensual que cada uno mantiene del otro. Visualmente, con gran efectismo, se va mostrando la evolución hacia la madurez emocional como viaje personal e individual de dos recién casados en un contexto histórico y social marcado por los apuros económicos sufridos en los humildes barrios franceses de la época.

latalante
 
Director: Jean Vigo.

Intérpretes: Jean Dasté, Dita Parlo, Michel Simon, Gilles Margaritis, Louis Lefebvre, Maurice Gilles, Raphaël Diligent.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

Información complementaria:
Jean Vigo

la caida de la casa usher
"La caída de la casa Usher" (junto con la máscara de la muerte roja) de todas las adaptaciones cinematográficas que ha tenido la obra de Edgar Allan Poe es la que más llamó mi atención. Un inesperado huésped Philip Winthrop (Mark Damon) llega a través de yermos parajes cubiertos de niebla hasta las puertas de la mansión Usher, declarando ser el prometido de Madeline Usher (Myra Fahey) que junto con Roderick Usher (Vincent Price) son los últimos del linaje de un árbol genealógico plagado de asesinos, criminales y perturbados. El pecado y la obsesión familiar que recaen cual maldición sobre la mente de Roderick Usher se traduce en una enfermedad psicológica que afecta y contagia a su hermana, que permanece al cuidado del mayordomo de la familia (Harry Ellerbe), intentando evitar por todos los medios que "la semilla Usher" se propague. La locura que Vincent Price sabe imprimir mediante sus abiertos ojos y su gesticulación teatral a su personaje con un semblante que muestra depravación absoluta, intentando evitar por todos los medios que su hermana se despose extendiéndose así lo que él ve como una auténtica maldición familiar desatarán sus demonios interiores y la ira de Winthrop, que desconoce las razones de tan controlador y compulsivo comportamiento hacia Madeline. La recreación de la mansión Usher con sus gruesas paredes resquebrajadas e interiores plagados de tapices, chimeneas y escalones que terminan en lúgubres catacumbas reflejan una decrepitud que no es sino la expresión de un linaje condenado. Una arquitectura que es fiel reflejo de los dos únicos descendientes con Roderick anclado y presionado por sus demonios interiores y su hermana que quiere alejarse de "su mal ancestral" casándose y abandonando el hogar maldito. 

la caida de la casa usher

La muestra de Price-Usher a su posible cuñado de la condenación familiar enseñándole los atemorizadores retratos de sus antecesores que él pinta con trazos que desdibujan los rostros de aspectos sombríos y fantasmagóricos, a la vez que le cuenta las terribles personalidades de cada uno de los diferentes integrantes de sus antepasados son expresados a modo de advertencia, para convencerle de que extender el legado Usher casándose con su hermana sería un error. Error que Winthrop no está dispuesto a admitir...La historia y superchería del patriarca de los Usher no convencerán al prometido de su hermana desatando unos acontecimientos terribles plagados de locura y destrucción. Los elementos de la narrativa de "La caída de la casa Usher" se traducen en una historia gótica que infecta de locura a todos los personajes, inquilinos éstos de un edificio repleto de demonios del pasado que atormentan la mente de todos ellos y que llevarán inexorablemente a la caída de la mansión Usher, destruyendo todo el linaje que apagará cualquier atisbo de esperanza por la cordura y la estabilidad familiar. Roger Corman comenzaba así una colaboración con el fallecido maestro de la sombra literaria (Edgar Allan Poe) adaptando muchas de sus obras con el protagonismo de un Vincent Price perturbador y antológico. La secuencia del sueño en la que se ve a toda la familia Usher interactuando en la mente de Philip y lo que ocurrirá con la pobre Madeline producen espasmos de terror elegante y clásico. La película fue rodada en tan sólo 15 días consiguiendo un éxito abrumador en taquilla, no así tanto en la crítica de aquella época. El film se declaró por la "National Film Registy" de interés cultural en 2005, haciendo una copia del mismo para que dure para la eternidad y poder ser apreciado por los espectadores de generación en generación.

la caida de la casa usher 1960
Título original: The fall of the house of Usher.

Director: Roger Corman.

Intérpretes: Vincent PriceMark DamonMyrna FaheyHarry EllerbeGeorge PaulBill BorzageGéraldine Paulette.

Trailer:

Escena:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

LA CAÍDA DE LA CASA USHER (1960). La siniestra casa de Roger Corman.

la caida de la casa usher
"La caída de la casa Usher" (junto con la máscara de la muerte roja) de todas las adaptaciones cinematográficas que ha tenido la obra de Edgar Allan Poe es la que más llamó mi atención. Un inesperado huésped Philip Winthrop (Mark Damon) llega a través de yermos parajes cubiertos de niebla hasta las puertas de la mansión Usher, declarando ser el prometido de Madeline Usher (Myra Fahey) que junto con Roderick Usher (Vincent Price) son los últimos del linaje de un árbol genealógico plagado de asesinos, criminales y perturbados. El pecado y la obsesión familiar que recaen cual maldición sobre la mente de Roderick Usher se traduce en una enfermedad psicológica que afecta y contagia a su hermana, que permanece al cuidado del mayordomo de la familia (Harry Ellerbe), intentando evitar por todos los medios que "la semilla Usher" se propague. La locura que Vincent Price sabe imprimir mediante sus abiertos ojos y su gesticulación teatral a su personaje con un semblante que muestra depravación absoluta, intentando evitar por todos los medios que su hermana se despose extendiéndose así lo que él ve como una auténtica maldición familiar desatarán sus demonios interiores y la ira de Winthrop, que desconoce las razones de tan controlador y compulsivo comportamiento hacia Madeline. La recreación de la mansión Usher con sus gruesas paredes resquebrajadas e interiores plagados de tapices, chimeneas y escalones que terminan en lúgubres catacumbas reflejan una decrepitud que no es sino la expresión de un linaje condenado. Una arquitectura que es fiel reflejo de los dos únicos descendientes con Roderick anclado y presionado por sus demonios interiores y su hermana que quiere alejarse de "su mal ancestral" casándose y abandonando el hogar maldito. 

la caida de la casa usher

La muestra de Price-Usher a su posible cuñado de la condenación familiar enseñándole los atemorizadores retratos de sus antecesores que él pinta con trazos que desdibujan los rostros de aspectos sombríos y fantasmagóricos, a la vez que le cuenta las terribles personalidades de cada uno de los diferentes integrantes de sus antepasados son expresados a modo de advertencia, para convencerle de que extender el legado Usher casándose con su hermana sería un error. Error que Winthrop no está dispuesto a admitir...La historia y superchería del patriarca de los Usher no convencerán al prometido de su hermana desatando unos acontecimientos terribles plagados de locura y destrucción. Los elementos de la narrativa de "La caída de la casa Usher" se traducen en una historia gótica que infecta de locura a todos los personajes, inquilinos éstos de un edificio repleto de demonios del pasado que atormentan la mente de todos ellos y que llevarán inexorablemente a la caída de la mansión Usher, destruyendo todo el linaje que apagará cualquier atisbo de esperanza por la cordura y la estabilidad familiar. Roger Corman comenzaba así una colaboración con el fallecido maestro de la sombra literaria (Edgar Allan Poe) adaptando muchas de sus obras con el protagonismo de un Vincent Price perturbador y antológico. La secuencia del sueño en la que se ve a toda la familia Usher interactuando en la mente de Philip y lo que ocurrirá con la pobre Madeline producen espasmos de terror elegante y clásico. La película fue rodada en tan sólo 15 días consiguiendo un éxito abrumador en taquilla, no así tanto en la crítica de aquella época. El film se declaró por la "National Film Registy" de interés cultural en 2005, haciendo una copia del mismo para que dure para la eternidad y poder ser apreciado por los espectadores de generación en generación.

la caida de la casa usher 1960
Título original: The fall of the house of Usher.

Director: Roger Corman.

Intérpretes: Vincent PriceMark DamonMyrna FaheyHarry EllerbeGeorge PaulBill BorzageGéraldine Paulette.

Trailer:

Escena:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

la vuelta al mundo en 80 días
Londres, año 1872. Phileas Fogg (David Niven) es un reputado caballero inglés, millonario, algo estirado y solitario. Fogg vive obsesionado con el tiempo, los relojes y la puntualidad. Pertenece al Club Reformista (Reform Club). Sus mayordomos no le aguantan y por ello le duran cada vez menos tiempo, hasta que un día la agencia de colocación de mayordomos le envía al peculiar Picaporte (Mario Moreno "Cantinflas"), ex acróbata circense. Al mismo tiempo, Fogg, mantiene una mañana una interesante discusión con sus compañeros del club sobre el espectacular avance de los medios de transporte tras la Revolución Industrial y acaba apostando 20.000 libras a que es capaz de dar la vuelta al mundo en tan sólo 80 días, algo casi impensable en aquella época. Emprende de inmediato su aventurada "locura" junto a su nuevo mayordomo llevándoles a vivir emocionantes y peligrosas aventuras, empezando por un divertido viaje en globo. En su paso por la India, Fogg rescata a una joven princesa viuda llamada Aouda (Shirley MacLaine) a la que habían condenado a morir en la hoguera junto a los restos de su difunto esposo. Desde ese momento la bellísima princesa les acompañará en su largo viaje, al que también se sumará el inspector de Scotland Yard Fix (Robert Newton), quien cree que Fogg es el autor del robo al Banco de Inglaterra (de 55.000 libras) al haberse producido su viaje a la vez que el suceso, lo que levanta las sospechas del investigador. Enorme superproducción que adapta la popular novela del genial Julio Verne, todo un visionario de su tiempo, a cargo del ambicioso Michael Todd, quien empleó su famoso sistema de proyección Todd-AO, inventado por él y ya utilizado previamente con la popular película musical de Fed Zinnemann "Oklahoma (1955)", adaptación de la obra de Broadway que fue dos veces rodada, una empleando el sistema CinemaScope, y otra en Todd-AO, filmando dos veces cada escena. En el transcurso de la producción Todd conoció a una joven Elizabeth Taylor, convirtiéndose en su tercer marido, de hecho recogieron juntos el Óscar a la mejor película. Para la dirección, aunque en un principio pensó en John Farrow, contrató a Michael Anderson, importante director aunque con una irregular carrera, en la que habría que destacar "Operación Crossbow (1965)" y la muy popular adaptación de una novela de Morris West, "Las sandalias del Pescador (1968)", con un enorme Anthony Quinn en el papel de un controvertido papa de origen ruso. Aunque, como confesó el propio Anderson, la dirigió más Michael Todd que él, siendo más un empeño personal del productor. John Farrow se encargó de adaptar el guión de la obra de Verne. Se rodó en el tiempo récord de 75 días empleando exteriores en 13 países. 

la vuelta al mundo en 80 días

El sistema Todd-AO, que fue remplazado en los años 60 por SuperPanavisión70mm, consistía en el empleo del sistema de 65mm empleando 6 canales de alta fidelidad de audio y con un aspect ratio 2.20:1. Todd utilizó esta enorme superproducción, plagada de cameos de populares estrellas del cine de los años 30, 40 y 50, para lucir su formato de proyección y jugar con la panorámica de la cámara, como muy bien se puede comprobar en la primera escena, en la que se produce el cambio de la Guardia Real en el Palacio de Buckingham, sonando el himno británico. En la primera escena en la que aparece Picaporte (Cantinflas), en la que monta en monociclo, así como en todas las bellas estampas de los lugares filmados, ya que se rodó en numerosos exteriores. Espectacular resultó también la famosa persecución de los indios cuando montan en el ferrocarril, en su paso por los Estados Unidos de América, nación muy reciente entonces a la par que salvaje como ya podemos comprobar en el texto original de Verne. Controvertida fue la elección del popular actor mejicano, Cantinflas, para encarnar a un mayordomo que recordemos, según la novela de Verne, era francés, así que para el papel pincipal fue muy acertado Todd al escoger al muy británico David Niven, con esa elegancia suya tan característica. David Niven (1910-1983) empezó su dilatada carrera ya en Hollywood con la popular "Rebelión a bordo (1935)", de Frank Lloyd. Enseguida le siguieron notables éxitos destacando "La ciudad sin ley (1935)" de Howard Hawks, "Desengaño (1936)", de William Wyler, "La carga de la Brigada ligera (1936)", de Micael Curtiz, "El prisionero de Zenda (1937)", de John Cronwell y "Cumbres borrascosas (1939)". En los años 40 se dedicó más al teatro aunque nos dejó la interesante "Escalera al cielo (1946)" de Michael Powell y Emeric Pressburger. En los 50 destacan sus interpretaciones en "La luna es azul (1953)", de Otto Preminger, "La vuelta al mundo en 80 días (1956)", y las muy buenas películas de corte dramático "Mesas separadas (1958)", de Delbert Mann (por la que Niven ganó el Óscar al mejor actor) y "Buenos días, tristeza (1959)", de Otto Preminger, junto a una muy joven Jean Seberg. En los años 60, y continuando el enorme auge y popularidad de la década precedente, Niven intervino en "Los cañones de Navarone (1961)", de J.Lee Thompson, "55 días en Pekín (1963)", de Nicholas Ray (ambiciosa superproducción de Samuel Broston) y la popularísima y disparatada comedia de Blake Edwards "LaPantera Rosa (1964)", encabezando un reparto de lujo junto a Peter Sellers, Claudia Cardinale, Capucine y Robert Wagner. Volvió a intervenir en otra popular comedia sesentera: "Casino Royale (1967)", de John Huston. Tras años retirado, volvió a la alta comedia de lujo con la estupenda y magistral comedia "Un cadáver a los postres (1976)", de Robert Moore, junto a unos geniales Peter Falk, Maggie Smith y Elsa Lanchester. Siguió siendo uno de los preferidos para integrar repartos repletos de estrellas, como puede verse en "Muerte en el Nilo (1981)", de John Guillermin, genial adaptación de la homónima obra de Agatha Christie. Volvió a intervenir en la popular saga "La Pantera Rosa", casi 20 años después de la original, con dos de las siguientes entregas de la serie: "Tras la pista de la Pantera Rosa (1982)" y "La maldición de la Pantera Rosa (1983)", volviendo a interpretar a Sir Charles Lytton. Tras esta película Niven falleció, a los 73 años de edad, dejando un enorme hueco en el séptimo arte. 

la vuelta al mundo en 80 días

Para el papel de Picaporte Todd eligió a Mario Moreno "Cantinflas" (1911-1993) a quien le admiraba mucho. El popular actor y comediante mejicano ya era enormemente conocido y admirado más allá de las fronteras de su país. Se ha llegado a decir que el popular personaje creado por Mario Moreno, "Cantinflas" ha sido el Charles Chaplin mejicano. Fue, al mismo tiempo, que de ideología conservadora, un gran defensor de los más desfavorecidos en Méjico. Entre sus conocidas películas cabe destacar "Así es mi tierra (1937)", "Ahí está el detalle (1940)", "Los tres mosqueteros (1942)", "El siete machos (1950)", "El bolero de Raquel (1956)", "Sube y baja (1958)", "El padrecito (1964)", "Su excelencia (1966)" o "Por mis pistolas (1968)", casi todas del director Miguel M. Delgado. Su popularidad le llevó a intervenir en dos conocidas superproducciones hollywodienses: "La vuelta al mundo en 80 días (1956)" y "Pepe (1960)", de George Sidney, en la que el actor intentó, aunque con menor éxito repetir la formula de sucesivos cameos o apariciones estelares de populares actores norteamericanos, en este caso como Edward G.Robinson y un divertido guiño a la comedia de Billy Wilder "Con faldas y a lo loco (1959)", con unos hilarantes Jack Lemmon y Tony Curtis volviendo a interpretar sus personajes travestidos de Daphne y Josephine. En la película que nos ocupa, el actor dobló su propia voz para nuestro doblaje, siendo ayudado en algunas escenas por un entonces joven Alfredo Landa, en algunas partes, haciéndolo magistralmente pues ni se nota cuando es Landa o cuando es "Cantinflas" quien pone la voz a su personaje. El éxito de Mario Moreno llevó a Hanna Barbera a producir una serie de dibujos animados con la colaboración del propio actor poniendo su voz a su personaje animado. William Hanna y Joseph Barbera ya hicieron series similares con Abbot y Costello y Laurel y Hardy (el gordo y el flaco). La química entre Niven y el popular actor mejicano, siendo tan diferentes en sus caracteres, resultó muy convincente, la verdad. Para el papel de la princesa Aouda Todd escogió a una muy joven Shirley MacLaine, quien ya había entrado por la puerta grande en el cine, interveniendo en la película "Artistas y Modelos (1955)", de Bessy Sparowbrush, junto a Jerry Lewis y Dean Martin, y en la muy buena comedia negra de Alfred Hitchcock "¿Pero quién mató aHarry? (1955)". Después de "La Vuelta al mundo en 80 días" intervino en el melodrama "Como un Torrente (1958)" de Vincente Minnelli. En los años 60 intervino en dos míticas películas de Billy Wilder: la obra maestra "ElApartamento (1960)" y la disparatada y loca comedia "Irma la dulce (1963)" ambas junto a Jack Lemmon formando una de las mejores parejas románticas de la historia del séptimo arte. También triunfó en el género musical con la películas "Can-Can (1960)" y "Noches de la ciudad (1969)". 

la vuelta al mundo en 80 días

Impresionó su soberbia y sobrecogedora interpretación de la profesora lesbiana enamorada de su compañera (también magistral Audrey Hepburn) en "La Calumnia (1961)", de William Wyler. Otras conocidas películas suyas son "Dos mulas y una mujer (1970)", junto a Clint Eastwood, "Bienvenido Mr Chance (1979)", junto a Peter Sellers, "La fuerza del cariño (1983)", popular y oscarizado melodrama de James L.Brooks y "Magnolias de Acero (1989)", de Herbert Ross. La película es pionera en utilizar los cameos (intervenciones breves de grandes estrellas), llegando a ser hasta 44, como Buster Keaton en el papel de un revisor de tren. Marlene Dietrich, Frank Sinatra y George Rafft intervienen en una divertida secuencia en una cantina del Oeste, John Carradine en el papel de norteamericano propietario de la compañía de Ferrocarriles que continuamente intenta irritar a Fogg al que inicialmente no soporta por su estiramiento británico y le llega a llamar "Cara de limón podrido" pero acabarán, gracias al destino, siendo amigos. A Fernandell le vemos como el un cochero que les lleva a la estación, al empezar el viaje. En el "Henrietta" podemos ver a Victor Mclaghen. John Gielgud es Mr Foster, el anterior mayordomo de Fogg, Noel Coward el agente de empleo. En el paso de los protagonistas por España nos encontramos con Cesar Romero y el torero Luis Miguel Dominguín, en la escena an la que "Cantinflas" sale a torear (él sabía hacerlo muy bien en la vida real). Entre los miembros del club Reformista tenemos a Trevor Howard, Basil Sidney, Ronald Squire y Robert Morley. También intervienen Peter Lorre, Glynish Johns, Charles Boyer, Ronald Colman y Joe E. Brown por citar a otros cinco grandes. Y así hasta casi el medio centenar de apariciones estelares, siendo uno de los grandes reclamos de la película y que le dio unos excelentes resultados de taquilla. La cinta termina con unos créditos animados de Saul Bass (autor también de los créditos de "Con la muerte en los talones (1959)", "Éxodo (1960)" o "West Side Story (1961)" entre otras muchas) que son toda una delicia. 

la vuelta al mundo en 80 días

La gente no abandonaba el cine hasta que no acababan. La banda sonora corrió a cargo de Victor Young. La película compitió en los Óscars de Hollywood con películas que también fueron enormes superproducciones y de larga duración ( con obertura e intermedio incluídos), como "El Rey y Yo” de Walter Lang, que se hizo con 5 estatuillas, "Guerra y Paz"de King Vidor, "Los diez mandamientos" de Cecil B.De Mille, "Gigante" de George Stevens, y "La Gran Prueba" de William Wyler. Obtuvo 5 premios incluyendo los relativos a la mejor película, mejor guión adaptado, mejor montaje, mejor fotografía y mejor banda sonora original. De la obra de Julio Verne se hizo una nueva versión, en televisión, con Pierce Brosnan como protagonista y en cine, con notables variaciones del texto original, en 2004. Pero la mejor versión televisada fue sin duda la popular serie de dibujos animados "La vuelta al mundo de Willy Fog" de 1983 producida por BRB internacional, a cargo de Claudio Biern Boyd en la que, siguiendo la fórmula de "D'Artacán y los tres mosqueperros", fueron empleados animales para encarnar a los protagonistas. Willy Fog (Phileas Fogg) era un león, Rigodón ( Picaporte) un gato, la princesa Romy (Aouda) una pantera, etc.. con las populares canciones del grupo Mocedades. Los dibujos fueron producidos en Japón por Nippon Animation. Muy buenas adataciones de otras novelas de Julio Verne son "20.000 leguas de viaje submarino (1954)", producción de Wal Disney, dirigida por Richard Fleischer, con James Mason, Kirk Douglas y Peter Lorre, siendo allí magistralmente usado el sistema CinemaScope y "Viaje al centro de la Tierra (1959)", de Henry Levin, con Pat Boone y James Mason. En definitiva, "La vuelta al mundo en 80 días" es una de esas entrañables macro producciones, que además del plano técnico, cuida su plano artístico con un plantel de magníficos actores con excelentes interpretaciones, una bellísima y cuidada fotografía de sus exteriores y con la que se puede disfrutar una larga tarde de fin de semana.

la vuelta al mundo en 80 días
 
Frase para recordar:
"Un inglés nunca bromea con las apuestas, señor.
Caballeros, tengo depositada en el Banco Baring la suma de 20.000 libras y estoy dispuesto a apostar todo o parte de ella para mi aseveración, es decir que puedo dar la vuelta completa al mundo en 80 días, o lo que es igual, en 1.920 horas, o sea, 115.200 minutos".


Título original: Around the World in 80 Days.

Director: Michael Anderson.

Intérpretes: David Niven, Mario Moreno "Cantinflas", Charles Boyer, Robert Newton, Ronald Colman, Marlene Dietrich, Frank Sinatra, Shirley MacLaine, Peter Lorre.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

Información complementaria:
Michael Anderson

LA VUELTA EN MUNDO EN 80 DÍAS (1956). El clásico de Julio Verne por Michael Anderson.

la vuelta al mundo en 80 días
Londres, año 1872. Phileas Fogg (David Niven) es un reputado caballero inglés, millonario, algo estirado y solitario. Fogg vive obsesionado con el tiempo, los relojes y la puntualidad. Pertenece al Club Reformista (Reform Club). Sus mayordomos no le aguantan y por ello le duran cada vez menos tiempo, hasta que un día la agencia de colocación de mayordomos le envía al peculiar Picaporte (Mario Moreno "Cantinflas"), ex acróbata circense. Al mismo tiempo, Fogg, mantiene una mañana una interesante discusión con sus compañeros del club sobre el espectacular avance de los medios de transporte tras la Revolución Industrial y acaba apostando 20.000 libras a que es capaz de dar la vuelta al mundo en tan sólo 80 días, algo casi impensable en aquella época. Emprende de inmediato su aventurada "locura" junto a su nuevo mayordomo llevándoles a vivir emocionantes y peligrosas aventuras, empezando por un divertido viaje en globo. En su paso por la India, Fogg rescata a una joven princesa viuda llamada Aouda (Shirley MacLaine) a la que habían condenado a morir en la hoguera junto a los restos de su difunto esposo. Desde ese momento la bellísima princesa les acompañará en su largo viaje, al que también se sumará el inspector de Scotland Yard Fix (Robert Newton), quien cree que Fogg es el autor del robo al Banco de Inglaterra (de 55.000 libras) al haberse producido su viaje a la vez que el suceso, lo que levanta las sospechas del investigador. Enorme superproducción que adapta la popular novela del genial Julio Verne, todo un visionario de su tiempo, a cargo del ambicioso Michael Todd, quien empleó su famoso sistema de proyección Todd-AO, inventado por él y ya utilizado previamente con la popular película musical de Fed Zinnemann "Oklahoma (1955)", adaptación de la obra de Broadway que fue dos veces rodada, una empleando el sistema CinemaScope, y otra en Todd-AO, filmando dos veces cada escena. En el transcurso de la producción Todd conoció a una joven Elizabeth Taylor, convirtiéndose en su tercer marido, de hecho recogieron juntos el Óscar a la mejor película. Para la dirección, aunque en un principio pensó en John Farrow, contrató a Michael Anderson, importante director aunque con una irregular carrera, en la que habría que destacar "Operación Crossbow (1965)" y la muy popular adaptación de una novela de Morris West, "Las sandalias del Pescador (1968)", con un enorme Anthony Quinn en el papel de un controvertido papa de origen ruso. Aunque, como confesó el propio Anderson, la dirigió más Michael Todd que él, siendo más un empeño personal del productor. John Farrow se encargó de adaptar el guión de la obra de Verne. Se rodó en el tiempo récord de 75 días empleando exteriores en 13 países. 

la vuelta al mundo en 80 días

El sistema Todd-AO, que fue remplazado en los años 60 por SuperPanavisión70mm, consistía en el empleo del sistema de 65mm empleando 6 canales de alta fidelidad de audio y con un aspect ratio 2.20:1. Todd utilizó esta enorme superproducción, plagada de cameos de populares estrellas del cine de los años 30, 40 y 50, para lucir su formato de proyección y jugar con la panorámica de la cámara, como muy bien se puede comprobar en la primera escena, en la que se produce el cambio de la Guardia Real en el Palacio de Buckingham, sonando el himno británico. En la primera escena en la que aparece Picaporte (Cantinflas), en la que monta en monociclo, así como en todas las bellas estampas de los lugares filmados, ya que se rodó en numerosos exteriores. Espectacular resultó también la famosa persecución de los indios cuando montan en el ferrocarril, en su paso por los Estados Unidos de América, nación muy reciente entonces a la par que salvaje como ya podemos comprobar en el texto original de Verne. Controvertida fue la elección del popular actor mejicano, Cantinflas, para encarnar a un mayordomo que recordemos, según la novela de Verne, era francés, así que para el papel pincipal fue muy acertado Todd al escoger al muy británico David Niven, con esa elegancia suya tan característica. David Niven (1910-1983) empezó su dilatada carrera ya en Hollywood con la popular "Rebelión a bordo (1935)", de Frank Lloyd. Enseguida le siguieron notables éxitos destacando "La ciudad sin ley (1935)" de Howard Hawks, "Desengaño (1936)", de William Wyler, "La carga de la Brigada ligera (1936)", de Micael Curtiz, "El prisionero de Zenda (1937)", de John Cronwell y "Cumbres borrascosas (1939)". En los años 40 se dedicó más al teatro aunque nos dejó la interesante "Escalera al cielo (1946)" de Michael Powell y Emeric Pressburger. En los 50 destacan sus interpretaciones en "La luna es azul (1953)", de Otto Preminger, "La vuelta al mundo en 80 días (1956)", y las muy buenas películas de corte dramático "Mesas separadas (1958)", de Delbert Mann (por la que Niven ganó el Óscar al mejor actor) y "Buenos días, tristeza (1959)", de Otto Preminger, junto a una muy joven Jean Seberg. En los años 60, y continuando el enorme auge y popularidad de la década precedente, Niven intervino en "Los cañones de Navarone (1961)", de J.Lee Thompson, "55 días en Pekín (1963)", de Nicholas Ray (ambiciosa superproducción de Samuel Broston) y la popularísima y disparatada comedia de Blake Edwards "LaPantera Rosa (1964)", encabezando un reparto de lujo junto a Peter Sellers, Claudia Cardinale, Capucine y Robert Wagner. Volvió a intervenir en otra popular comedia sesentera: "Casino Royale (1967)", de John Huston. Tras años retirado, volvió a la alta comedia de lujo con la estupenda y magistral comedia "Un cadáver a los postres (1976)", de Robert Moore, junto a unos geniales Peter Falk, Maggie Smith y Elsa Lanchester. Siguió siendo uno de los preferidos para integrar repartos repletos de estrellas, como puede verse en "Muerte en el Nilo (1981)", de John Guillermin, genial adaptación de la homónima obra de Agatha Christie. Volvió a intervenir en la popular saga "La Pantera Rosa", casi 20 años después de la original, con dos de las siguientes entregas de la serie: "Tras la pista de la Pantera Rosa (1982)" y "La maldición de la Pantera Rosa (1983)", volviendo a interpretar a Sir Charles Lytton. Tras esta película Niven falleció, a los 73 años de edad, dejando un enorme hueco en el séptimo arte. 

la vuelta al mundo en 80 días

Para el papel de Picaporte Todd eligió a Mario Moreno "Cantinflas" (1911-1993) a quien le admiraba mucho. El popular actor y comediante mejicano ya era enormemente conocido y admirado más allá de las fronteras de su país. Se ha llegado a decir que el popular personaje creado por Mario Moreno, "Cantinflas" ha sido el Charles Chaplin mejicano. Fue, al mismo tiempo, que de ideología conservadora, un gran defensor de los más desfavorecidos en Méjico. Entre sus conocidas películas cabe destacar "Así es mi tierra (1937)", "Ahí está el detalle (1940)", "Los tres mosqueteros (1942)", "El siete machos (1950)", "El bolero de Raquel (1956)", "Sube y baja (1958)", "El padrecito (1964)", "Su excelencia (1966)" o "Por mis pistolas (1968)", casi todas del director Miguel M. Delgado. Su popularidad le llevó a intervenir en dos conocidas superproducciones hollywodienses: "La vuelta al mundo en 80 días (1956)" y "Pepe (1960)", de George Sidney, en la que el actor intentó, aunque con menor éxito repetir la formula de sucesivos cameos o apariciones estelares de populares actores norteamericanos, en este caso como Edward G.Robinson y un divertido guiño a la comedia de Billy Wilder "Con faldas y a lo loco (1959)", con unos hilarantes Jack Lemmon y Tony Curtis volviendo a interpretar sus personajes travestidos de Daphne y Josephine. En la película que nos ocupa, el actor dobló su propia voz para nuestro doblaje, siendo ayudado en algunas escenas por un entonces joven Alfredo Landa, en algunas partes, haciéndolo magistralmente pues ni se nota cuando es Landa o cuando es "Cantinflas" quien pone la voz a su personaje. El éxito de Mario Moreno llevó a Hanna Barbera a producir una serie de dibujos animados con la colaboración del propio actor poniendo su voz a su personaje animado. William Hanna y Joseph Barbera ya hicieron series similares con Abbot y Costello y Laurel y Hardy (el gordo y el flaco). La química entre Niven y el popular actor mejicano, siendo tan diferentes en sus caracteres, resultó muy convincente, la verdad. Para el papel de la princesa Aouda Todd escogió a una muy joven Shirley MacLaine, quien ya había entrado por la puerta grande en el cine, interveniendo en la película "Artistas y Modelos (1955)", de Bessy Sparowbrush, junto a Jerry Lewis y Dean Martin, y en la muy buena comedia negra de Alfred Hitchcock "¿Pero quién mató aHarry? (1955)". Después de "La Vuelta al mundo en 80 días" intervino en el melodrama "Como un Torrente (1958)" de Vincente Minnelli. En los años 60 intervino en dos míticas películas de Billy Wilder: la obra maestra "ElApartamento (1960)" y la disparatada y loca comedia "Irma la dulce (1963)" ambas junto a Jack Lemmon formando una de las mejores parejas románticas de la historia del séptimo arte. También triunfó en el género musical con la películas "Can-Can (1960)" y "Noches de la ciudad (1969)". 

la vuelta al mundo en 80 días

Impresionó su soberbia y sobrecogedora interpretación de la profesora lesbiana enamorada de su compañera (también magistral Audrey Hepburn) en "La Calumnia (1961)", de William Wyler. Otras conocidas películas suyas son "Dos mulas y una mujer (1970)", junto a Clint Eastwood, "Bienvenido Mr Chance (1979)", junto a Peter Sellers, "La fuerza del cariño (1983)", popular y oscarizado melodrama de James L.Brooks y "Magnolias de Acero (1989)", de Herbert Ross. La película es pionera en utilizar los cameos (intervenciones breves de grandes estrellas), llegando a ser hasta 44, como Buster Keaton en el papel de un revisor de tren. Marlene Dietrich, Frank Sinatra y George Rafft intervienen en una divertida secuencia en una cantina del Oeste, John Carradine en el papel de norteamericano propietario de la compañía de Ferrocarriles que continuamente intenta irritar a Fogg al que inicialmente no soporta por su estiramiento británico y le llega a llamar "Cara de limón podrido" pero acabarán, gracias al destino, siendo amigos. A Fernandell le vemos como el un cochero que les lleva a la estación, al empezar el viaje. En el "Henrietta" podemos ver a Victor Mclaghen. John Gielgud es Mr Foster, el anterior mayordomo de Fogg, Noel Coward el agente de empleo. En el paso de los protagonistas por España nos encontramos con Cesar Romero y el torero Luis Miguel Dominguín, en la escena an la que "Cantinflas" sale a torear (él sabía hacerlo muy bien en la vida real). Entre los miembros del club Reformista tenemos a Trevor Howard, Basil Sidney, Ronald Squire y Robert Morley. También intervienen Peter Lorre, Glynish Johns, Charles Boyer, Ronald Colman y Joe E. Brown por citar a otros cinco grandes. Y así hasta casi el medio centenar de apariciones estelares, siendo uno de los grandes reclamos de la película y que le dio unos excelentes resultados de taquilla. La cinta termina con unos créditos animados de Saul Bass (autor también de los créditos de "Con la muerte en los talones (1959)", "Éxodo (1960)" o "West Side Story (1961)" entre otras muchas) que son toda una delicia. 

la vuelta al mundo en 80 días

La gente no abandonaba el cine hasta que no acababan. La banda sonora corrió a cargo de Victor Young. La película compitió en los Óscars de Hollywood con películas que también fueron enormes superproducciones y de larga duración ( con obertura e intermedio incluídos), como "El Rey y Yo” de Walter Lang, que se hizo con 5 estatuillas, "Guerra y Paz"de King Vidor, "Los diez mandamientos" de Cecil B.De Mille, "Gigante" de George Stevens, y "La Gran Prueba" de William Wyler. Obtuvo 5 premios incluyendo los relativos a la mejor película, mejor guión adaptado, mejor montaje, mejor fotografía y mejor banda sonora original. De la obra de Julio Verne se hizo una nueva versión, en televisión, con Pierce Brosnan como protagonista y en cine, con notables variaciones del texto original, en 2004. Pero la mejor versión televisada fue sin duda la popular serie de dibujos animados "La vuelta al mundo de Willy Fog" de 1983 producida por BRB internacional, a cargo de Claudio Biern Boyd en la que, siguiendo la fórmula de "D'Artacán y los tres mosqueperros", fueron empleados animales para encarnar a los protagonistas. Willy Fog (Phileas Fogg) era un león, Rigodón ( Picaporte) un gato, la princesa Romy (Aouda) una pantera, etc.. con las populares canciones del grupo Mocedades. Los dibujos fueron producidos en Japón por Nippon Animation. Muy buenas adataciones de otras novelas de Julio Verne son "20.000 leguas de viaje submarino (1954)", producción de Wal Disney, dirigida por Richard Fleischer, con James Mason, Kirk Douglas y Peter Lorre, siendo allí magistralmente usado el sistema CinemaScope y "Viaje al centro de la Tierra (1959)", de Henry Levin, con Pat Boone y James Mason. En definitiva, "La vuelta al mundo en 80 días" es una de esas entrañables macro producciones, que además del plano técnico, cuida su plano artístico con un plantel de magníficos actores con excelentes interpretaciones, una bellísima y cuidada fotografía de sus exteriores y con la que se puede disfrutar una larga tarde de fin de semana.

la vuelta al mundo en 80 días
 
Frase para recordar:
"Un inglés nunca bromea con las apuestas, señor.
Caballeros, tengo depositada en el Banco Baring la suma de 20.000 libras y estoy dispuesto a apostar todo o parte de ella para mi aseveración, es decir que puedo dar la vuelta completa al mundo en 80 días, o lo que es igual, en 1.920 horas, o sea, 115.200 minutos".


Título original: Around the World in 80 Days.

Director: Michael Anderson.

Intérpretes: David Niven, Mario Moreno "Cantinflas", Charles Boyer, Robert Newton, Ronald Colman, Marlene Dietrich, Frank Sinatra, Shirley MacLaine, Peter Lorre.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

Información complementaria:
Michael Anderson

apocalypse now
La película de Coppola se considera como la odisea cinematográfica más dificil de rodar en toda la historia del cine. Las adversidades atmosféricas, la complicada situación geográfica y política, los delirios de Marlon Brando y una multitud de problemas encadenados estuvieron a punto de dar al traste con esta producción que adapta la obra: En el corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, que Coppola guionizó junto al portentoso e infravalorado John Milius ("Conan enBárbaro (1982)", "Adiós al rey (1988)"...). De alguna manera la travesía que hace el personaje de Martin Sheen para encontrar a Brando-Kurtz y matarlo debido a su locura y depravación de militar de alto rango que se ha convertido en un semidios de la guerra, me recueda al viaje que realizan los muertos en la mitología griega por el río Estigio en la barca de Caronte para llegar al inframundo. La enajenación de los militares americanos en el infierno de Vietnam es más que palpable, de ahí se traduce su mensaje de recalcado antibelicismo. Robert Duvall dirigiendo esa marcha de libélulas mecánicas disparando y bombardeando con la marcha Valkiria de Wagner, centrando más interés en el las olas que en el asalto para hacer surf, con ese monólogo sobre el olor a victoria del napalm, que resuena todavía en todo aficionado al cine que se precie. Los compañeros de Sheen surfeando y bailando al son de los Rolling Stone y Jim Morrison son la imágen de una época que EEUU trató de ocultar y tergiversar. El violento e injustificado abordaje a un barco matando a todos los tripulantes para sólo salvar a un cachorrito de perro muestran el salvajismo y sinsentido de aquella guerra. La llegada al infierno del que Brando es dueño y señor con sus palabras de inclasiflicable metalingüística hablando de las contradicciones del hombre y los traumas de experiencias en la batalla son toda una alegoría sobre el absurdo del ser humano belicoso. 

apocalypse now

Toda la película se convierte por obra y gracia de unos selváticos ambientes oscuros y apocalípticos en una muestra de denuncia en contra de cualquier conflicto. Las sombras y claroscuros del director Vittorio Storaro intensifican las tinieblas en las interpretaciones de la película, los planos de Coppola favorecen una especie de estado de ensoñación continua a causa de una posible aspiración opiácea. Apocalypse Now clarifica que el desastre, la locura y la muerte son la única recompensa para aquellos que luchan por ideales de dudosa finalidad....Y esa finalidad (como el coronel Kurtz susurra entre sombras) es el HORROR. Un horror rodado tanto fuera como dentro de plano para todos los integrantes del film, como para todos aquellos espectadores que tengan la ocasión de apreciarlo. Una película que sufrió los caprichos de Marlon Brando dadas sus reiteradas ausencias en el rodaje, el sorprendente cambio de aspecto que mostró con sobrepeso y rapada de cráneo (que Coppola intentó disimular con la oscuridad en su rostro), las repetidas improvisaciones y la obstinación por reflejar su propia personalidad desquiciada en el personaje de Kurtz, intensificaron la leyenda de un film bélico mítico, que se postula en un primer lugar seguido a mi juicio de "Platoon (1986)" y "La chaqueta metálica (1987)".

apocalypse now 1979

Director: Francis Ford Coppola.


Intérpretes: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Frederic Forrest, Laurence Fishburne, Sam Bottoms, Albert Hall, Dennis Hopper, G.D Spradlin, Christian Marquand.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Martin Sheen 

APOCALYPSE NOW (1979). El clásico bélico de Francis Ford Coppola.

apocalypse now
La película de Coppola se considera como la odisea cinematográfica más dificil de rodar en toda la historia del cine. Las adversidades atmosféricas, la complicada situación geográfica y política, los delirios de Marlon Brando y una multitud de problemas encadenados estuvieron a punto de dar al traste con esta producción que adapta la obra: En el corazón de las tinieblas de Joseph Conrad, que Coppola guionizó junto al portentoso e infravalorado John Milius ("Conan enBárbaro (1982)", "Adiós al rey (1988)"...). De alguna manera la travesía que hace el personaje de Martin Sheen para encontrar a Brando-Kurtz y matarlo debido a su locura y depravación de militar de alto rango que se ha convertido en un semidios de la guerra, me recueda al viaje que realizan los muertos en la mitología griega por el río Estigio en la barca de Caronte para llegar al inframundo. La enajenación de los militares americanos en el infierno de Vietnam es más que palpable, de ahí se traduce su mensaje de recalcado antibelicismo. Robert Duvall dirigiendo esa marcha de libélulas mecánicas disparando y bombardeando con la marcha Valkiria de Wagner, centrando más interés en el las olas que en el asalto para hacer surf, con ese monólogo sobre el olor a victoria del napalm, que resuena todavía en todo aficionado al cine que se precie. Los compañeros de Sheen surfeando y bailando al son de los Rolling Stone y Jim Morrison son la imágen de una época que EEUU trató de ocultar y tergiversar. El violento e injustificado abordaje a un barco matando a todos los tripulantes para sólo salvar a un cachorrito de perro muestran el salvajismo y sinsentido de aquella guerra. La llegada al infierno del que Brando es dueño y señor con sus palabras de inclasiflicable metalingüística hablando de las contradicciones del hombre y los traumas de experiencias en la batalla son toda una alegoría sobre el absurdo del ser humano belicoso. 

apocalypse now

Toda la película se convierte por obra y gracia de unos selváticos ambientes oscuros y apocalípticos en una muestra de denuncia en contra de cualquier conflicto. Las sombras y claroscuros del director Vittorio Storaro intensifican las tinieblas en las interpretaciones de la película, los planos de Coppola favorecen una especie de estado de ensoñación continua a causa de una posible aspiración opiácea. Apocalypse Now clarifica que el desastre, la locura y la muerte son la única recompensa para aquellos que luchan por ideales de dudosa finalidad....Y esa finalidad (como el coronel Kurtz susurra entre sombras) es el HORROR. Un horror rodado tanto fuera como dentro de plano para todos los integrantes del film, como para todos aquellos espectadores que tengan la ocasión de apreciarlo. Una película que sufrió los caprichos de Marlon Brando dadas sus reiteradas ausencias en el rodaje, el sorprendente cambio de aspecto que mostró con sobrepeso y rapada de cráneo (que Coppola intentó disimular con la oscuridad en su rostro), las repetidas improvisaciones y la obstinación por reflejar su propia personalidad desquiciada en el personaje de Kurtz, intensificaron la leyenda de un film bélico mítico, que se postula en un primer lugar seguido a mi juicio de "Platoon (1986)" y "La chaqueta metálica (1987)".

apocalypse now 1979

Director: Francis Ford Coppola.


Intérpretes: Martin Sheen, Marlon Brando, Robert Duvall, Frederic Forrest, Laurence Fishburne, Sam Bottoms, Albert Hall, Dennis Hopper, G.D Spradlin, Christian Marquand.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Martin Sheen 

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