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hunger
Centrada en la los últimos días de la vida de Bobbry Sands, (Michael Fassbender), encerrado en "Maze Prison", una cárcel de máxima seguridad de Irlanda del Norte, nos cuenta los sucesos que vivieron varios presos del IRA encarcelados en 1981. Las inhumanas condiciones a las que fueron sometidos estos presos bajo el Gobierno Thatcher y la falta de cumplimiento de los acuerdos para alcanzar el Status de presos políticos condujeron hacia la huelga de hambre por dichos presos. Algunos de ellos murieron, entre ellos nuestro protagonista.  Un película realmente cruda, directa, hiriente, impactante y espeluznante, de un realismo fotográfico preciso que con gran sabiduría es alternado con un lirismo estético. Un ejercicio de cine impresionante donde el mosaico de imágenes es magistralmente conducido por un espléndido montaje, capaz de alternar el zoom, los primeros planos de partes del cuerpo y los planos amplios: geométricos, claustrofóbicos. Especial mención para el plano- secuencia estático único y central en la cinta, donde Bobby Sans (Fassbender) hace su declaración de intenciones frente al clérigo (Liam Cunningham). La gran triada sobre la que se sustenta la película es el mencionado montaje, su preciosista fotografía de la mano de Sean Bobbitt y la colosal actuación de Fassbender con su progresivo adelgazamiento y deterioro físico. Una cinta que consigue transmitir su mensaje de denuncia mediante la transmisión de sensaciones. Poco queda reservado para los discursos, tan sólo la gran escena rodada en plano fijo de unos 23 minutos donde Bobby explica sus principios y el por qué de sus actos frente al  clérigo. No hay lugar para  discursos infértiles, nuestro protagonista no es hombre de palabras vacías, sino de hechos y como tales son narrados visualmente.

hunger

La trama del film está constituida por tres bloques o etapas:
La primera etapa ilustra el día a día de la conflictiva coexistencia de guardas y reclusos en la prisión de Maze (también conocida como Long Kesh).  Nunca unas imágenes me habían producido estas sensaciones tan desagradables, y nunca antes había sido capaz de visualizar tanta violencia en una pantalla de cine. No es una violencia de sangre y sesos esparcidos. Se trata de una violencia cruda y primitiva,  con crueldad ilimitada.  Es aquí donde se nos describe la vida del guardia de prisiones Raymond Lohan (Stuart Graham) y los presos republicanos Davey Gillen (Brian Milligan) y Gerry Campbell (Liam McMahon), condenados a seis y doce años, respectivamente.  La primera aparición en pantalla del personaje principal de la trama, Bobby Sands (Michael Fassbender), enlaza con la segunda parte o segundo acto, partiendo de la espeluznante escena donde un cuerpo especial antidisturbios somete a los presos a un brutal y vejatorio control de seguridad, para, posteriormente, asearlos mediante el uso de la fuerza.  La segunda etapa se corresponde con una intensa escena de veintitrés minutos (diecisiete y medio de ellos en un único plano- secuencia), que he mencionado anteriormente, en la que Bobby Sands y el Padre Dominic Moran (Liam Cunningham) discuten acerca de la decisión del primero de iniciar una nueva huelga de hambre en prisión. La parte final o tercer acto describe en imágenes la paulatina e inclemente demacración del cuerpo de Sands hasta su inexorable muerte, en lo que el periodista Dave Calhoun ha acertado en llamar “an expressionist portrait of dying” (un retrato expresionista de la muerte).  Con las largas secuencias y un montaje pausado, sereno, poético, con predominio de silencios de todo tipo, alternados por repentinos brotes de violencia atronadora, Steve Mac Queen consigue una de las cintas más desgarradoras, impactantes y crudas de la historia del cine.

hunger


Director: Steve McQueen.


Intérpretes: Michael Fassbender, Liam Cunningham, Liam McMahon, Lalor Roddy, Stuart Graham, Brian Milligan.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

HUNGER (2008). El desgarrador drama carcelario de Steve McQueen.

hunger
Centrada en la los últimos días de la vida de Bobbry Sands, (Michael Fassbender), encerrado en "Maze Prison", una cárcel de máxima seguridad de Irlanda del Norte, nos cuenta los sucesos que vivieron varios presos del IRA encarcelados en 1981. Las inhumanas condiciones a las que fueron sometidos estos presos bajo el Gobierno Thatcher y la falta de cumplimiento de los acuerdos para alcanzar el Status de presos políticos condujeron hacia la huelga de hambre por dichos presos. Algunos de ellos murieron, entre ellos nuestro protagonista.  Un película realmente cruda, directa, hiriente, impactante y espeluznante, de un realismo fotográfico preciso que con gran sabiduría es alternado con un lirismo estético. Un ejercicio de cine impresionante donde el mosaico de imágenes es magistralmente conducido por un espléndido montaje, capaz de alternar el zoom, los primeros planos de partes del cuerpo y los planos amplios: geométricos, claustrofóbicos. Especial mención para el plano- secuencia estático único y central en la cinta, donde Bobby Sans (Fassbender) hace su declaración de intenciones frente al clérigo (Liam Cunningham). La gran triada sobre la que se sustenta la película es el mencionado montaje, su preciosista fotografía de la mano de Sean Bobbitt y la colosal actuación de Fassbender con su progresivo adelgazamiento y deterioro físico. Una cinta que consigue transmitir su mensaje de denuncia mediante la transmisión de sensaciones. Poco queda reservado para los discursos, tan sólo la gran escena rodada en plano fijo de unos 23 minutos donde Bobby explica sus principios y el por qué de sus actos frente al  clérigo. No hay lugar para  discursos infértiles, nuestro protagonista no es hombre de palabras vacías, sino de hechos y como tales son narrados visualmente.

hunger

La trama del film está constituida por tres bloques o etapas:
La primera etapa ilustra el día a día de la conflictiva coexistencia de guardas y reclusos en la prisión de Maze (también conocida como Long Kesh).  Nunca unas imágenes me habían producido estas sensaciones tan desagradables, y nunca antes había sido capaz de visualizar tanta violencia en una pantalla de cine. No es una violencia de sangre y sesos esparcidos. Se trata de una violencia cruda y primitiva,  con crueldad ilimitada.  Es aquí donde se nos describe la vida del guardia de prisiones Raymond Lohan (Stuart Graham) y los presos republicanos Davey Gillen (Brian Milligan) y Gerry Campbell (Liam McMahon), condenados a seis y doce años, respectivamente.  La primera aparición en pantalla del personaje principal de la trama, Bobby Sands (Michael Fassbender), enlaza con la segunda parte o segundo acto, partiendo de la espeluznante escena donde un cuerpo especial antidisturbios somete a los presos a un brutal y vejatorio control de seguridad, para, posteriormente, asearlos mediante el uso de la fuerza.  La segunda etapa se corresponde con una intensa escena de veintitrés minutos (diecisiete y medio de ellos en un único plano- secuencia), que he mencionado anteriormente, en la que Bobby Sands y el Padre Dominic Moran (Liam Cunningham) discuten acerca de la decisión del primero de iniciar una nueva huelga de hambre en prisión. La parte final o tercer acto describe en imágenes la paulatina e inclemente demacración del cuerpo de Sands hasta su inexorable muerte, en lo que el periodista Dave Calhoun ha acertado en llamar “an expressionist portrait of dying” (un retrato expresionista de la muerte).  Con las largas secuencias y un montaje pausado, sereno, poético, con predominio de silencios de todo tipo, alternados por repentinos brotes de violencia atronadora, Steve Mac Queen consigue una de las cintas más desgarradoras, impactantes y crudas de la historia del cine.

hunger


Director: Steve McQueen.


Intérpretes: Michael Fassbender, Liam Cunningham, Liam McMahon, Lalor Roddy, Stuart Graham, Brian Milligan.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

a.i. inteligencia artificial
Tres de los proyectos cinematográficos de Kubrick (de los muchos que hubiera querido abarcar) que quedaron inacabados después de su inesperada muerte al terminar "Eyes Wide Shut (1999)", fueron su intento de adaptar a cine la figura de Napoleón Bonaparte, su aproximación al Holocausto nazi (que abandonó dando su aprobación a "La listade Schindler (1993)") y "otra" de sus obsesiones, que era poner en pantalla el sentimiento humano más antiguo de la historia de la civilización: "El amor maternal" aquí visto por un ser artificial en forma de niño, trasladando la historia de Brian Aldiss, que se acercaba de alguna manera al cuento de Carlo Collodi "Pinocho" pero llevado a un mundo futuro. El proyecto "A.I.", que intentaría reflejar a través de un ser artificial el análisis de una máquina para poder procesar sentimientos humanos. Steven Spielberg, como muchos aseguran durante el transcurso de rodaje de 'Inteligencia Artificial', se vio poseído por la personalidad de Kubrick para reflejar en pantalla uno de los sueños del creador de "2001: Un odisea del espacio (1968)". Durante muchos años Steven Spielberg y Stanley Kubrick se asociaron para llevar un proyecto soñado hace décadas por el segundo. Stanley se centró tanto por el proyecto de actualizar el cuento de Pinocho en un mundo futuro, que incluso hizo colocar en el domicilio de Spielberg un teléfono, exclusivamente para hablar del plan cinematográfico. Tras la muerte de Kubrick, Spielberg a modo de homenaje, afrontó en solitario 'Inteligencia Artificial’, portentosa película que sirve para hablar sobre si el ser humano está preparado para responder al cariño que se le procesa, en este caso el de una máquina programada para amar.

a.i. inteligencia artificial

Aparte de esta paradoja entre el ser humano y el robot, "A.I." es un festival de efectos especiales al servicio de la historia, creados por el reconocido artista Stan Winston, que fueron nominados al Oscar, como su también extraordinaria banda sonora del compositor-genio John Williams, con una partitura tan tierna como bella e íntima en la que destaca "For Always" de Lara Fabian, que también fue nominada a una estatuilla. Un film que sirve para ahondar sobre las responsabilidades afectivas del ser humano con los demás, para aprender más sobre nosotros mismos y nuestra naturaleza humana, a través de un niño artificial cuyos sentimientos son absolutamente verdaderos. Un cuento de hadas para adultos con bases científicas y psicológicas de peso emocional. Spielberg, Kubrick, Williams, Winston y las interpretaciones de un elenco actoral admirable conformaron una cinta de culto que en el año de su estreno fue incomprendida, pero que tiene la habilidad de impresionar y sorprender a todo tipo de espectadores. Un film en el que participaron William Hurt, como padre y creador del 'meca' David, además de actores de la talla de Meryl Streep y Robin Williams poniendo voz a algunos de los personajes animados, que aparecen de guías del ex-niño prodigio Haley Joel Osment convertido en robot, que tomará como compañero de su búsqueda de convertirse en un niño de verdad a la máquina-humanoide "Gigoló Joe" (Jude Law). A Asimov seguro que le hubiese encantado A.I. y es más que posible que a Kubrick también.

a.i. inteligencia artificial


Director: Steven Spielberg.

Intérpretes: Haley Joel Osment, Jude Law, Frances O'Connor, Sam Robards, William Hurt,Brendan Gleeson, Jake Thomas.

Trailer:


B.S.O.:





Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

A.I. INTELIGENCIA ARTIFICIAL (2001). El niño robot de Spielberg.

a.i. inteligencia artificial
Tres de los proyectos cinematográficos de Kubrick (de los muchos que hubiera querido abarcar) que quedaron inacabados después de su inesperada muerte al terminar "Eyes Wide Shut (1999)", fueron su intento de adaptar a cine la figura de Napoleón Bonaparte, su aproximación al Holocausto nazi (que abandonó dando su aprobación a "La listade Schindler (1993)") y "otra" de sus obsesiones, que era poner en pantalla el sentimiento humano más antiguo de la historia de la civilización: "El amor maternal" aquí visto por un ser artificial en forma de niño, trasladando la historia de Brian Aldiss, que se acercaba de alguna manera al cuento de Carlo Collodi "Pinocho" pero llevado a un mundo futuro. El proyecto "A.I.", que intentaría reflejar a través de un ser artificial el análisis de una máquina para poder procesar sentimientos humanos. Steven Spielberg, como muchos aseguran durante el transcurso de rodaje de 'Inteligencia Artificial', se vio poseído por la personalidad de Kubrick para reflejar en pantalla uno de los sueños del creador de "2001: Un odisea del espacio (1968)". Durante muchos años Steven Spielberg y Stanley Kubrick se asociaron para llevar un proyecto soñado hace décadas por el segundo. Stanley se centró tanto por el proyecto de actualizar el cuento de Pinocho en un mundo futuro, que incluso hizo colocar en el domicilio de Spielberg un teléfono, exclusivamente para hablar del plan cinematográfico. Tras la muerte de Kubrick, Spielberg a modo de homenaje, afrontó en solitario 'Inteligencia Artificial’, portentosa película que sirve para hablar sobre si el ser humano está preparado para responder al cariño que se le procesa, en este caso el de una máquina programada para amar.

a.i. inteligencia artificial

Aparte de esta paradoja entre el ser humano y el robot, "A.I." es un festival de efectos especiales al servicio de la historia, creados por el reconocido artista Stan Winston, que fueron nominados al Oscar, como su también extraordinaria banda sonora del compositor-genio John Williams, con una partitura tan tierna como bella e íntima en la que destaca "For Always" de Lara Fabian, que también fue nominada a una estatuilla. Un film que sirve para ahondar sobre las responsabilidades afectivas del ser humano con los demás, para aprender más sobre nosotros mismos y nuestra naturaleza humana, a través de un niño artificial cuyos sentimientos son absolutamente verdaderos. Un cuento de hadas para adultos con bases científicas y psicológicas de peso emocional. Spielberg, Kubrick, Williams, Winston y las interpretaciones de un elenco actoral admirable conformaron una cinta de culto que en el año de su estreno fue incomprendida, pero que tiene la habilidad de impresionar y sorprender a todo tipo de espectadores. Un film en el que participaron William Hurt, como padre y creador del 'meca' David, además de actores de la talla de Meryl Streep y Robin Williams poniendo voz a algunos de los personajes animados, que aparecen de guías del ex-niño prodigio Haley Joel Osment convertido en robot, que tomará como compañero de su búsqueda de convertirse en un niño de verdad a la máquina-humanoide "Gigoló Joe" (Jude Law). A Asimov seguro que le hubiese encantado A.I. y es más que posible que a Kubrick también.

a.i. inteligencia artificial


Director: Steven Spielberg.

Intérpretes: Haley Joel Osment, Jude Law, Frances O'Connor, Sam Robards, William Hurt,Brendan Gleeson, Jake Thomas.

Trailer:


B.S.O.:





Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

decálogo capítulo 1
Primero de los diez mediometrajes que componen "El Decálogo", realizados por el director Krzysztof Kieslowski y el guionista Krzysztof Piesiewicz, elaborados inicialmente para la televisión. Cada capítulo toma como referente uno de los Diez Mandamientos de la religión Católica. A través de cada uno de estos capítulos, Kieslowski pretende analizar las contradicciones morales que acompañan a todo ser humano. Un profesor universitario, Krzysztof, (Henryk Baranowsky) vive con su único hijo Pawel (Wojciech Klata), tras haberse separado de su esposa. Entre ambos existe una auténtica relación de complicidad y cariño, están fuertemente unidos y comparten las mismas aficiones en un ambiente familiar donde Pawel se siente feliz, lo que le ha permitido desarrollar un gran potencial de habilidades. Es un niño precozmente curioso e inteligente, educado entre la mentalidad científica y pragmática del padre y la espiritualidad de su tía Irena (Maja Komorowska), hermana del padre. Estimulado por su padre, son grandes apasionados de todo lo que se puede medir, de la ciencia y la razón, del ajedrez, y fundamentalmente comparten su pasión por el Ordenador, que ya desde la primera escena se nos presenta como objeto fundamental en la casa y en la relaciones familiares. Los pequeños juegos que entre padre e hijo se establecen pasan por resolver problemas matemáticos en el ordenador, establecer predicciones y medidas. El padre, desde su perspectiva científica y material, pretende mantener un control matemático sobre cualquier acontecimiento. Pero un día su hijo Pawel, tras ver a un perro del vecindario muerto planteará la gran pregunta: ¿Qué es la muerte?. Tras una contestación por parte del padre, completamente racional y científica su hijo le recuerda las enseñanzas acerca del alma que su tía le ha mostrado.

decálogo capítulo 1

"Pawel: ¿Por qué se muere la gente?
Krzysztof: De un ataque al corazón, de cáncer, por un accidente o de viejo.
Pawel: Me refería a qué es la muerte.
Krzysztof: ¿La muerte? El corazón deja de bombear sangre y no llega al cerebro. Y luego todo se detiene, se para... muere y se termina.
Pawel: ¿Y entonces que queda?
Krzysztof: Las acciones. El recuerdo de lo que hiciste, tu recuerdo. El recuerdo es importante. Recuerdas a alguien por dar brincos o por ser buena persona. Recuerdas la cara, la sonrisa que tenía, si le faltaba un diente. Es demasiado temprano Pawel. ¿Qué esperas de mi? Es muy temprano…..
Pawel: Dejemos que su alma descanse en paz. No has dicho nada del alma.
Krzysztof: Es una forma de despedirse. El alma no existe.
Pawel: La tía Irena dice que sí...
Krzysztof: Algunos encuentran la vida más fácil creyendo esto.
Pawel:¿Y tú?
Krzysztof:¿Yo? De hecho no lo sé... ¿En qué estas pensando?
Pawel: Esta mañana estaba contento por haber resuelto el problema. Y vino una paloma a comerse las migas. Cuando encontré aquel perro muerto de camino a la tienda me arrodillé y pensé: ¿Para qué sirve? ¿Para qué saber cuanto tarda Peggy en coger a Gustavo? - en referencia al problema matemático resuelto en la mañana -. No tiene sentido.
Krzysztof: ¿Qué perro?
Pawel: El de los ojos amarillos. Siempre estaba en la basura. Daba mucha pena, ¿sabes? [...] Quizá se encuentre mejor dondequiera que esté.".

decálogo capítulo 1

La presencia del ordenador como eje en torno al cual gira el episodio, se muestra en varias ocasiones. La Ciencia en su papel de ocupar el lugar del conocimiento absoluto pasa a ser un nuevo Dios, un nuevo poder que no admite dudas. En un momento dado se escenifica la presencia del ordenador como el nuevo falso ídolo cuando éste parece encenderse sólo. El padre, tratando al aparato de colega, le pregunta socarronamente qué quiere y, misteriosamente, se escribe en la pantalla del ordenador "I am ready" (Estoy listo). El ordenador como moderno ejemplo de la Ciencia es elevado aquí como la nueva imagen que Krzysztof, el científico,  ha puesto por delante de la creencia en Dios.
"Yo, el Señor, soy tu Dios, que te he sacado del país de Egipto, de la casa de servidumbre. No habrá para tí otros dioses delante de mi. No te harás imagen ni escultura alguna, no de lo que hay arriba en los cielos,  ni de lo que hay abajo en la tierra, ni de lo que hay en las aguas debajo de la tierra. No te postrarás ante ellas ni les darás culto. Porque yo, Yahvé tu Dios, soy un Dios celoso, que castigo la iniquidad de los padres en los hijos hasta la tercera y cuarta generación de los que me odian, y tengo misericordia por millares con los que me aman y guardan mis mandamientos (Éxodo, 20, 1-6)".

decálogo capítulo 1

Kieslowski, un cineasta comprometido con su tiempo, gran maestro de los silencios y de la fotografía que combina a la perfección con grandes piezas musicales, nos plantea grandes dilemas con pocos diálogos. Es capaz de dejarnos completamente desolados con el escaso metraje de 75 minutos. Basándose en tres pilares fundamentales: el guión, elaborado por él mismo en colaboración con Krzysztof Piesiewicz, la fotografía de Wieslaw Zdort perfectamente orquestada por la banda sonora de Zbigniew Preisner y la actuación de los tres actores, especialmente del niño con sus primeros planos centrados en su mirada, consigue un relato complejo imposible de olvidar. Como es habitual en este director, utilizará simbología visual para crear una particular atmósfera donde se plantea un dilema que, en mi caso, me conmovió hasta las lágrimas, la tristeza y el abatimiento absoluto. Sin embargo, este director no se consideraba un hombre capaz de dar respuestas a los enigmas de la condición humana, de su existencia o del sentido de ésta. Paso a copiar sus palabras que ayudarán al mejor entendimiento de su cine.

decálogo capítulo 1

 "El conocimiento del artesano se limita a sus habilidades. Por ejemplo, yo sé mucho sobre lentes, sobre la sala de edición. Sé para qué sirven los diferentes botones de la cámara. Más o menos sé cómo utilizar un micrófono. Eso lo sé, pero no es verdadero conocimiento. Conocimiento real es saber cómo se vive, para qué vivir... Cosas como esas". Kieslowski, es su inspiración esencialmente existencialista, a lo Kierkegaard, dice lo siguiente:

"La fe es la libertad, porque significa la posibilidad de elección, es una elección continua. La religión elimina esta posibilidad. Le dice muy claramente al hombre: tienes que vivir así y asá, tienes que hacer esto y lo otro, tal día tienes que estar en la iglesia y tal otro no comerás carne. La fe no presupone nada de todo esto. En general no se dedica a la esfera de los deberes. La fe es tu propia relación, tu propia imagen de ese alguien a quien llamamos dios y que existe en cada uno de nosotros. De otra forma no podría explicarse el sentido de nuestra vida. Acumular bienes, traer el mundo a las siguientes generaciones para que ellas puedan acumular más bienes, es demasiado poco para creer en algún sentido de la vida. " Como veremos a lo largo de todos los capítulos del Decálogo, se plantea un diálogo entre la moral y la ética, sobre la dificultad de juzgar ciertos hechos cuando de verdad se comprenden los factores que en ellos intervienen. Dadas sus características no es de extrañar que Bergman la seleccionara entre las cinco películas de las que más se benefició.

decálogo capítulo 1



Título original: Dekalog, jeden - Dekalog 1

Director: Krzysztof Kieslowski.

Intérpretes: Henryk Baranowski, Wojciech Klata, Maja Komorowska, Artur Barcis, Aleksandra Majsiuk, Ewa Kania.

Escena:


  
Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

DECÁLOGO. CAPÍTULO 1 (1989). Amarás a Dios sobre todas las cosas.

decálogo capítulo 1
Primero de los diez mediometrajes que componen "El Decálogo", realizados por el director Krzysztof Kieslowski y el guionista Krzysztof Piesiewicz, elaborados inicialmente para la televisión. Cada capítulo toma como referente uno de los Diez Mandamientos de la religión Católica. A través de cada uno de estos capítulos, Kieslowski pretende analizar las contradicciones morales que acompañan a todo ser humano. Un profesor universitario, Krzysztof, (Henryk Baranowsky) vive con su único hijo Pawel (Wojciech Klata), tras haberse separado de su esposa. Entre ambos existe una auténtica relación de complicidad y cariño, están fuertemente unidos y comparten las mismas aficiones en un ambiente familiar donde Pawel se siente feliz, lo que le ha permitido desarrollar un gran potencial de habilidades. Es un niño precozmente curioso e inteligente, educado entre la mentalidad científica y pragmática del padre y la espiritualidad de su tía Irena (Maja Komorowska), hermana del padre. Estimulado por su padre, son grandes apasionados de todo lo que se puede medir, de la ciencia y la razón, del ajedrez, y fundamentalmente comparten su pasión por el Ordenador, que ya desde la primera escena se nos presenta como objeto fundamental en la casa y en la relaciones familiares. Los pequeños juegos que entre padre e hijo se establecen pasan por resolver problemas matemáticos en el ordenador, establecer predicciones y medidas. El padre, desde su perspectiva científica y material, pretende mantener un control matemático sobre cualquier acontecimiento. Pero un día su hijo Pawel, tras ver a un perro del vecindario muerto planteará la gran pregunta: ¿Qué es la muerte?. Tras una contestación por parte del padre, completamente racional y científica su hijo le recuerda las enseñanzas acerca del alma que su tía le ha mostrado.

decálogo capítulo 1

"Pawel: ¿Por qué se muere la gente?
Krzysztof: De un ataque al corazón, de cáncer, por un accidente o de viejo.
Pawel: Me refería a qué es la muerte.
Krzysztof: ¿La muerte? El corazón deja de bombear sangre y no llega al cerebro. Y luego todo se detiene, se para... muere y se termina.
Pawel: ¿Y entonces que queda?
Krzysztof: Las acciones. El recuerdo de lo que hiciste, tu recuerdo. El recuerdo es importante. Recuerdas a alguien por dar brincos o por ser buena persona. Recuerdas la cara, la sonrisa que tenía, si le faltaba un diente. Es demasiado temprano Pawel. ¿Qué esperas de mi? Es muy temprano…..
Pawel: Dejemos que su alma descanse en paz. No has dicho nada del alma.
Krzysztof: Es una forma de despedirse. El alma no existe.
Pawel: La tía Irena dice que sí...
Krzysztof: Algunos encuentran la vida más fácil creyendo esto.
Pawel:¿Y tú?
Krzysztof:¿Yo? De hecho no lo sé... ¿En qué estas pensando?
Pawel: Esta mañana estaba contento por haber resuelto el problema. Y vino una paloma a comerse las migas. Cuando encontré aquel perro muerto de camino a la tienda me arrodillé y pensé: ¿Para qué sirve? ¿Para qué saber cuanto tarda Peggy en coger a Gustavo? - en referencia al problema matemático resuelto en la mañana -. No tiene sentido.
Krzysztof: ¿Qué perro?
Pawel: El de los ojos amarillos. Siempre estaba en la basura. Daba mucha pena, ¿sabes? [...] Quizá se encuentre mejor dondequiera que esté.".

decálogo capítulo 1

La presencia del ordenador como eje en torno al cual gira el episodio, se muestra en varias ocasiones. La Ciencia en su papel de ocupar el lugar del conocimiento absoluto pasa a ser un nuevo Dios, un nuevo poder que no admite dudas. En un momento dado se escenifica la presencia del ordenador como el nuevo falso ídolo cuando éste parece encenderse sólo. El padre, tratando al aparato de colega, le pregunta socarronamente qué quiere y, misteriosamente, se escribe en la pantalla del ordenador "I am ready" (Estoy listo). El ordenador como moderno ejemplo de la Ciencia es elevado aquí como la nueva imagen que Krzysztof, el científico,  ha puesto por delante de la creencia en Dios.
"Yo, el Señor, soy tu Dios, que te he sacado del país de Egipto, de la casa de servidumbre. No habrá para tí otros dioses delante de mi. No te harás imagen ni escultura alguna, no de lo que hay arriba en los cielos,  ni de lo que hay abajo en la tierra, ni de lo que hay en las aguas debajo de la tierra. No te postrarás ante ellas ni les darás culto. Porque yo, Yahvé tu Dios, soy un Dios celoso, que castigo la iniquidad de los padres en los hijos hasta la tercera y cuarta generación de los que me odian, y tengo misericordia por millares con los que me aman y guardan mis mandamientos (Éxodo, 20, 1-6)".

decálogo capítulo 1

Kieslowski, un cineasta comprometido con su tiempo, gran maestro de los silencios y de la fotografía que combina a la perfección con grandes piezas musicales, nos plantea grandes dilemas con pocos diálogos. Es capaz de dejarnos completamente desolados con el escaso metraje de 75 minutos. Basándose en tres pilares fundamentales: el guión, elaborado por él mismo en colaboración con Krzysztof Piesiewicz, la fotografía de Wieslaw Zdort perfectamente orquestada por la banda sonora de Zbigniew Preisner y la actuación de los tres actores, especialmente del niño con sus primeros planos centrados en su mirada, consigue un relato complejo imposible de olvidar. Como es habitual en este director, utilizará simbología visual para crear una particular atmósfera donde se plantea un dilema que, en mi caso, me conmovió hasta las lágrimas, la tristeza y el abatimiento absoluto. Sin embargo, este director no se consideraba un hombre capaz de dar respuestas a los enigmas de la condición humana, de su existencia o del sentido de ésta. Paso a copiar sus palabras que ayudarán al mejor entendimiento de su cine.

decálogo capítulo 1

 "El conocimiento del artesano se limita a sus habilidades. Por ejemplo, yo sé mucho sobre lentes, sobre la sala de edición. Sé para qué sirven los diferentes botones de la cámara. Más o menos sé cómo utilizar un micrófono. Eso lo sé, pero no es verdadero conocimiento. Conocimiento real es saber cómo se vive, para qué vivir... Cosas como esas". Kieslowski, es su inspiración esencialmente existencialista, a lo Kierkegaard, dice lo siguiente:

"La fe es la libertad, porque significa la posibilidad de elección, es una elección continua. La religión elimina esta posibilidad. Le dice muy claramente al hombre: tienes que vivir así y asá, tienes que hacer esto y lo otro, tal día tienes que estar en la iglesia y tal otro no comerás carne. La fe no presupone nada de todo esto. En general no se dedica a la esfera de los deberes. La fe es tu propia relación, tu propia imagen de ese alguien a quien llamamos dios y que existe en cada uno de nosotros. De otra forma no podría explicarse el sentido de nuestra vida. Acumular bienes, traer el mundo a las siguientes generaciones para que ellas puedan acumular más bienes, es demasiado poco para creer en algún sentido de la vida. " Como veremos a lo largo de todos los capítulos del Decálogo, se plantea un diálogo entre la moral y la ética, sobre la dificultad de juzgar ciertos hechos cuando de verdad se comprenden los factores que en ellos intervienen. Dadas sus características no es de extrañar que Bergman la seleccionara entre las cinco películas de las que más se benefició.

decálogo capítulo 1



Título original: Dekalog, jeden - Dekalog 1

Director: Krzysztof Kieslowski.

Intérpretes: Henryk Baranowski, Wojciech Klata, Maja Komorowska, Artur Barcis, Aleksandra Majsiuk, Ewa Kania.

Escena:


  
Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

los inmortales
El actor francés Christopher Lambert después de convertirse con coherencia en el mítico Tarzán en la genial película "Greystoke (1984)", se embarcó junto al director Russell Mulcahy en la original y épica "Los inmortales", una genialidad de film de mitades de los 80's, en la que Connor Mcleod en una cruenta batalla en pleno siglo XVI es consciente al ser mortalmente herido, de que él no es como los demás (al curar milagrosamente). Acusado de brujería en su poblado escocés deberá huir. Una vez establecido en un lugar lejano será Juan Ramírez Sánchez Villalobos (Sean Connery) espadero mayor de su majestad Carlos I de España) quien le haga saber su auténtica razón de existir, él es un inmortal condenado a vagar durante los siglos luchando con los de su especie y cuya única manera de morir es que le corten la cabeza hasta que... sólo quede uno. Ésta es pues la premisa argumental en una película completamente entretenida, cargada de acción, romance, efectismo, una banda sonora espectacular, y porqué no decirlo también con historia (en el film viajamos desde la antigua Escocia del siglo XVI, pasando por el clasicismo del siglo XVIII, a la segunda guerra mundial hasta la actualidad de los años 80's del siglo XX). También me gustaría añadir, que además de una convincente actuación de Christopher Lambert, está también la portentosa actuación de un Sean Connery en estado de gracia, absolutamente arrebatador en su personaje de Juan Villalobos, capaz de generar simpatía a los segundos de presentarse en el film. De igual manera pero en el caso opuesto, se encuentra un Clancy Brown interpretando a Er Kurgan un desalmado animal bestia y sin escrúpulos que mata por placer y que sumiría a los humanos en las tinieblas si él fuera el que reclamara el premio ofrecido si resultara ser el único inmortal que quedara en pie. 

los inmortales

Connor McLeod con las enseñanzas administradas por Ramírez tendrá que enfrentarse a lo largo de los siglos a todo aquel que quiera su cabeza, para aspirar a ser el único de los inmortales que quede vivo para pedir su deseo. Con unos movimientos de cámara que vuela por todos lados, facilitados por la Stedycam (ingenio inventado por Kubrick), una dirección artística variada, unos efectos especiales hoy algo trasnochados y con unos enfrentamientos esgrimísticos de altura, "Los Inmortales" es un muy digno espectáculo de aventuras y acción de los años 80's que tuvo el placer de contar con la apreciada participación musical del grupo Queen (con magníficas canciones) y la maravillosa banda sonora de Michael Kamen. Me quedo con secuencias tan geniales como las del entrenamiento de Ramírez a Mcleod, el enfrentamiento en el aparcamiento del Madison Square Garden, el duelo final con Kurgan y las bellas imágenes de McLeod con su amada mientras pasan los años con el acompañamiento musical de Queen "Who wants to live forever". En mi recuerdo sólo queda una película de toda la franquicia inmortal...La primera.

los inmortales


Título original: Highlander.

Director: Russell Mulcahy.

Intérpretes: Christopher Lambert, Sean Connery, Roxanne Hart, Beatie Edney, Clancy Brown, Alan North, Jon Polito, Sheila Gish.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

LOS INMORTALES (1986). Sólo puede quedar uno.

los inmortales
El actor francés Christopher Lambert después de convertirse con coherencia en el mítico Tarzán en la genial película "Greystoke (1984)", se embarcó junto al director Russell Mulcahy en la original y épica "Los inmortales", una genialidad de film de mitades de los 80's, en la que Connor Mcleod en una cruenta batalla en pleno siglo XVI es consciente al ser mortalmente herido, de que él no es como los demás (al curar milagrosamente). Acusado de brujería en su poblado escocés deberá huir. Una vez establecido en un lugar lejano será Juan Ramírez Sánchez Villalobos (Sean Connery) espadero mayor de su majestad Carlos I de España) quien le haga saber su auténtica razón de existir, él es un inmortal condenado a vagar durante los siglos luchando con los de su especie y cuya única manera de morir es que le corten la cabeza hasta que... sólo quede uno. Ésta es pues la premisa argumental en una película completamente entretenida, cargada de acción, romance, efectismo, una banda sonora espectacular, y porqué no decirlo también con historia (en el film viajamos desde la antigua Escocia del siglo XVI, pasando por el clasicismo del siglo XVIII, a la segunda guerra mundial hasta la actualidad de los años 80's del siglo XX). También me gustaría añadir, que además de una convincente actuación de Christopher Lambert, está también la portentosa actuación de un Sean Connery en estado de gracia, absolutamente arrebatador en su personaje de Juan Villalobos, capaz de generar simpatía a los segundos de presentarse en el film. De igual manera pero en el caso opuesto, se encuentra un Clancy Brown interpretando a Er Kurgan un desalmado animal bestia y sin escrúpulos que mata por placer y que sumiría a los humanos en las tinieblas si él fuera el que reclamara el premio ofrecido si resultara ser el único inmortal que quedara en pie. 

los inmortales

Connor McLeod con las enseñanzas administradas por Ramírez tendrá que enfrentarse a lo largo de los siglos a todo aquel que quiera su cabeza, para aspirar a ser el único de los inmortales que quede vivo para pedir su deseo. Con unos movimientos de cámara que vuela por todos lados, facilitados por la Stedycam (ingenio inventado por Kubrick), una dirección artística variada, unos efectos especiales hoy algo trasnochados y con unos enfrentamientos esgrimísticos de altura, "Los Inmortales" es un muy digno espectáculo de aventuras y acción de los años 80's que tuvo el placer de contar con la apreciada participación musical del grupo Queen (con magníficas canciones) y la maravillosa banda sonora de Michael Kamen. Me quedo con secuencias tan geniales como las del entrenamiento de Ramírez a Mcleod, el enfrentamiento en el aparcamiento del Madison Square Garden, el duelo final con Kurgan y las bellas imágenes de McLeod con su amada mientras pasan los años con el acompañamiento musical de Queen "Who wants to live forever". En mi recuerdo sólo queda una película de toda la franquicia inmortal...La primera.

los inmortales


Título original: Highlander.

Director: Russell Mulcahy.

Intérpretes: Christopher Lambert, Sean Connery, Roxanne Hart, Beatie Edney, Clancy Brown, Alan North, Jon Polito, Sheila Gish.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

mujeres en venecia
Cecil Fox (Rex Harrison) es un excéntrico millonario americano que vuelve a su residencia en Venecia, un palacio. Asiste a una representación privada de la obra "Volpone", la cual interrumpe, desconcertando al equipo de actores."Volpone" o "El zorro" es una obra teatral de 1906 que trata sobre la lujuria y la avaricia. Su sirviente se llama “Mosca”. La película es un homenaje a la obra de teatro. Cecil Fox sería Volpone o "el zorro", el aristócrata protagonista- Fox siginifica “zorro”en inglés- y "Mosca" es McFly (Cliff Robertson), su fiel sirviente, al que Fox contrata para que le ayude a montar una especie de charada o juego macabro al reunir a sus tres ex amantes asegurando que se está muriendo y tiene una gran fortuna- en realidad Fox está completamente arruinado- y que no tiene un heredero. Se presentan en la residencia Merle McGill (Edie Adams), una estrella de cine con importantes deudas fiscales, la princesa Dominique (Capucine), arruinada, y "Estrella Solitaria" Sheridan (Susan Hayward), una millonaria hipocondríaca que viaja junto a su enfermera Sara Watkins (Maggie Smith). Las tres se pelean por quedarse con la supuesta herencia, aunque juega con ventaja "Estrella solitaria" al ser la esposa legal de Fox. En uno de los mejores y geniales momentos de la película en la que se luce sobre todo el genial Rex Harrison, Fox finge un ataque al corazón. Sin embargo, e inesperadamente el guión preparado por Fox y MacFly se rompe al ser encontrada muerta la señora Sheridan y entra en escena el inspector Rizzi (Adolfo Celi). La enfermera Watkins cree saber quien es el asesino/a de "Estrella solitaria" y se lo dice a Fox, teniendo ambos una conversación sobre lo que es el tiempo y el uso que de él hacemos los seres humanos que es quizá lo mejor de la película. Joseph Leo Mankiewicz volvió a contar con uno de sus actores favoritos, Rex Harrison, después de habernos regalado tres joyas con el popular actor inglés como fueron "El fantasma y la Señora Muir (1946)", junto a Gene Tierney y George Sanders, otro de sus actores fetiches, "Escape (1948)", junto a Peggy Cummins, y la super colosal producción "Cleopatra (1963)", junto a Elizabeth Taylor y Richard Burton, en la que Rex Harrison hace de un Julio César ya viejo y epiléptico en la recta final de su vida que es todo un ejemplo de magistral interpretación, y que le valió la nominación al Oscar al mejor actor en 1963.

mujeres en venecia

Mankiewicz, antes que director, fue un importante guionista que escribió para películas como "Million Dollar (1932)" o "El pan nuestro de cada día (1934)". Por "El enemigo público nº 1 (1935)", de S.W. Van Dyke, consiguió en Oscar en el apartado de mejor guión. Como productor las obras maestras "Furia (1936)" de Fritz Lang o "Historias deFiladelfia (1940)", de George Cukor. Su Ópera prima como director fue "El Castillo de DragonWyk (1944)", con la bellísima Gene Tierney, Vincent Price, Jessica Tandy, después continuaría con "El Fantasma y la Sra Muir (1946)" y "Carta a tres esposas (1949)", siendo también el guionista y por la que obtuvo el Oscar al mejor director y al mejor guión original. Kirk Douglas y Linda Darnell interpretaron sus papeles magistralmente. Posteriormente, tras la magnífica "Odio entre hermanos (1949)", con Edward G.Robinson, Richard Conte y Susan Hayward, nos regalaría Mankiewicz una de las mejores obras de arte de la historia del séptimo arte, que trata sobre los entresijos del mundo del teatro dentro del cine, la magnífica película "Eva al Desnudo (1950)", que se llevó seis merecidos Oscars incluyendo los relativos a la mejor película, mejor director y mejor actor de reparto, un genial George Sanders, en el papel del ácido crítico de teatro Addison de Witt. Bette Davis es Margo Channing, la vieja gloria de la escena que ve como la nueva actriz, Eva Harrington (Anne Baxter) irrumpe con las peores artes en su mundo, fingiéndose una admiradora de Margo. Tras la irregular "Murmullos en la ciudad (1951)" con Cary Grant, llega "Operación Cicerón (1952)", inquietante cinta de espionaje con James Mason. Al año siguiente "Julio Cesar (1953)", otra de las grandes del director, con un Marlon Brando, procedente de "The Actor's Studio" que da lo mejor de sí como Marco Antonio, siendo Louis Calhern un magnífico Julio César y James Mason el traidor Bruto, completando el soberbio reparto Greer Garson (Calpurnia), Deborah Kerr (Portia), Edmund O'Brien (Casca), John Gielgud (Casio).

mujeres en venecia

El guión sigue la obra de William Shakespeare. Al año siguiente "La condesa descalza", de la cual ya escribí una reseña en el blog, maravillosa, y Mankiewicz probó en el genero musical con la deliciosa "Ellos y ellas (1955)", con Marlon Brando, Frank Sinatra, Jean Simmons y Vivian Blaine. La tremenda "De repente, el últimoverano (1959)", fue otra de sus mejores películas con un duelo interpretativo entre Katharine Hepburn, Elizabeth Taylor y Montgomery Clift que es toda una gozada. En 1963 Mankiewicz retoma el gran fracaso financiero de la Fox que supuso "Cleopatra", primero en manos de Robert Mamoullian, con Elizabeth Taylor en una de sus mejores interpretaciones, sin lugar a dudas, un correcto Richard Burton y un enorme, enorme y con mayúsculas Rex Harrison en una de sus grandes y más sentidas interpretaciones como el popular personaje histórico Julio César. La cinta obtuvo 4 Oscars quedándose Harrison sin el que justamente la Academia debió otorgarle, a mi juicio, aunque al año siguiente se lo dieron, muy acertadamente, por "My Fair Lady (1964)". Tras la película que nos ocupa, que se puede decir que es todo un ensayo de "La Huella", llegaría precisamente la popular película de 1972, y de la que se acaba de hacer hace pocos años un innecesario y absurdo remake con el propio Caine y Judge Law, y que es todo un juego teatral y un ejercicio de soberbias interpretaciones en la que Mankiewicz desborda todo su enorme talento. Laurence Olivier y Michael Caine bordaron sus personajes y es otra de las películas más importantes del genial director. Reginald Carey (Rex) Harrison (1908-1990), apodado popularmente "Sexy Rexy", es uno de las grandes figuras de la escena británica que el Reino Unido ha aportado a Hollywood. Entre sus grandes películas cabe destacar la muy buena adaptación de la obra de Bernard Shaw "Mayor Barbara (1941)", junto a Wendy Hiller, "Ana y el rey de Siam (1946)", primera adaptación de la popular novela de Margaret Landon, junto a Irene Dunne. En 1946 también nos regalaría su maravilloso personaje del fantasma del capitan Gregg en "El fantasma y la señora Muir" y su genial interpretación en "Un espíritu burlón" de David Lean, un año antes. Tras "Débil es la carne (1946)", "El talismán (1954)", en la que interpreta a Saladino durante las Cruzadas, fue escogido por Moss Hart para el papel del profesor de fonética Henry Higgins en la producción musical de Broadway de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe "My Fair Lady", versión musical de la popular y ácida comedia teatral de George Bernard Shaw "Pigmalión", personaje que marcó la carrera de Rex ya que aportó mucho de su peculiar carácter al personaje y siempre se ha dicho que Rex Harrison tenía mucho de Henry Higgins y que Henry Higgins tenía mucho de Rex Harrison.

mujeres en venecia

Coprotagonizó la obra junto a una muy jovencita Julie Andrews. Compaginó sus más de 2717 representaciones de la popular obra, entre Nueva York y Londres, con su intervención en la flojilla pero deliciosa comedia de Vincente Minnelli "Mamá nos complica la vida (1958)", junto al que fue el gran amor de su vida, Kay kendall y la muy lograda "Un grito en la niebla (1960)", de David Miller, junto a una estupenda Doris Day. Tras "Cleopatra", fue finalmente escogido por Jack L.Warner para repetir su éxito en la escena con el profesor Higgins en la obra maestra de George Cukor "My Fair Lady (1964)", por la que ganó el Oscar al mejor actor y en la que irradia una magia especial junto a la maravillosa Audrey Hepburn. Carol Reed le llamó para interpretar al Papa julio II en "El tormento y el éxtasis (1965)" en la que el actor tiene un magistral duelo interpretativo con Charlton Heston que interpreta al mítico pintor y escultor renacentista Miguel Ángel. Tras la floja comedia coral de Anthony Asquith "El Rolls-royce amarillo (1965)", interviene en la deliciosa "El extravagante Doctor Dolittle (1967)" de Richad Feischer, en la que vuelve a lucirse en una comedia musical diciendo las canciones a su manera tan peculiar, como ya hizo con "My Fair Lady". Posteriormente Mankiewicz vuelve a contar con él para la película que nos ocupa y después volvió a sorprender en un nuevo rol esta vez de homosexual, junto a Richard Burton en la agridulce comedia de Stanley Donen "La escalera". Posteriormente Rex Harrison volvió al cine a formar parte de repartos corales en películas como "El quinto mosquetero" o "El príncipe y el mendigo", además de intervenir en la popular miniserie "Anastasia", con Amy Irving de protagonista. Llegó a volver a interpretar a su personaje favorito, el profesor Higgins, en un nuevo montaje del musical, en Broadway, en 1981. La popularidad de su personaje hizo que se llegara a denominar al sombrero que usaba como el "Higgins" en las más selectas sombrererías de caballeros. La reina Isabel II de Inglaterra le dio el título de Sir a los 80 años. Le dan una buena réplica a Harrison en la película Cliff Robertson, quien ganó un Oscar al mejor actor por "Charly (1968)" e intervino en clásicos como "Picnic (1955)" de Joshua Logan, en la que interpretó a Alan Benson, "La brigada del diablo (1968)", o "Comando en el Mar de China (1970)", siendo más dilatada su carrera en Televisión. Después ha tenido muchos altibajos en una carrera cinematográfica bastante irregular. Más recientemente le hemos podido ver en la saga de Spider-man de 2004. 


mujeres en venecia

Ha tenido una importante presencia como actor de reparto. Además, tenemos a la genial, y aún en activo, Maggie Smith como la enfermera de "Lone Star" Sheridan (Hayward), la muy hábil enfermera que intenta desenmarañar toda la oscura trama, primero con el inesperado asesinato de su señora y después intentando prevenir a Fox, el propio autor del misterioso juego, porque cree que su vida corre peligro también. "Maggie Smith (1934)" es una de las grandes damas del cine británico. Debutó en Oxford playhouse, en el teatro, con la obra "Noche de reyes". Ha tenido una larga y fructífera carrera teatral. En cuanto a la parte cinematográfica, tras breves papeles en la gran pantalla , du primer gran papel le vino con "Otelo (1964)",de Stuart Burge, junto a Laurence Olivier en la que interpretó a Desdemona, siendo su segundo gran papel el de la enfermera Wakins en "Mujeres en Venecia", en la que tiene una magistral y larga conversación con Rex Harrison (Cecil Fox) cuando acude a prevenirle de que alguien quiere matarle. Después interpretó "Los mejores años de Miss Broddie (1969)", con un enorme éxito, y a la Tía Augusta en la comedia de George Cukor "Viajes con mi tía (1972)", en la que tiene una genial escena junto a José Luis López Vázquez, una de las grandes estrellas del cine español. Posteriormente Smith ha sido pieza fundamental para formar parte de repartos corales y de lujo en películas como "Un cadáver a los postres (1976)", "Muerte en el Nilo (1978)", "California Suite (1978)" o "Muerte bajo el sol (1981)". Gran popularidad han tenido también sus intervenciones en las dos películas de "Sister Act", junto a Whoopi Goldberg, en los años 90 y en la saga de Harry Potter, más recientemente. Está a punto de estrenarse su último trabajo, "El nuevo exótico Hotel Marygold". Será un verdadero placer volver a ver a Miss Smith, que siempre es todo un lujo verla actuar. Completan el reparto dos grandes como Susan Hayward, quien ganó el Oscar a la mejor actriz por su desgarradora e impactante actuación en "¡Quiero vivir! (1958)", de Robert Wise, y Capucine, muy popular gracias a la saga de Blake Edwards "La Pantera Rosa". Adolfo Celi está bastante bien como el Inspector. Quizás Edie Addams sea la más flojita de un soberbio reparto, pero también está correcta. Estamos ante una película muy teatral pero que a su vez entretiene bastante. Se nota la dirección del maestro Mankiewicz que una vez más saca lo mejor de sus actores. Desde luego recomiendo volver a verla y a quien aún no haya descubierto esta pequeña joya, asomarse a ella.

mujeres en venecia


Frase para recordar: "La gente valora muy poco el tiempo. La gente vulgar, como en todo elige lo que es mayor, no lo que es mejor...hasta el tiempo...Sólo piden vivir cien largos y miserables años... y se sienten estafados si viven cincuenta maravillosos...Cantidad..¡sí! Calidad...¡no!".


Título original: The honey pot.

Director: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Rex Harrison, Susan Hayward, Maggie Smith, Cliff Robertson, Capucine, Edie Adams, Adolfo Celi.


Escena:





Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

MUJERES EN VENECIA (1967). Las amantes de Rex Harrison.

mujeres en venecia
Cecil Fox (Rex Harrison) es un excéntrico millonario americano que vuelve a su residencia en Venecia, un palacio. Asiste a una representación privada de la obra "Volpone", la cual interrumpe, desconcertando al equipo de actores."Volpone" o "El zorro" es una obra teatral de 1906 que trata sobre la lujuria y la avaricia. Su sirviente se llama “Mosca”. La película es un homenaje a la obra de teatro. Cecil Fox sería Volpone o "el zorro", el aristócrata protagonista- Fox siginifica “zorro”en inglés- y "Mosca" es McFly (Cliff Robertson), su fiel sirviente, al que Fox contrata para que le ayude a montar una especie de charada o juego macabro al reunir a sus tres ex amantes asegurando que se está muriendo y tiene una gran fortuna- en realidad Fox está completamente arruinado- y que no tiene un heredero. Se presentan en la residencia Merle McGill (Edie Adams), una estrella de cine con importantes deudas fiscales, la princesa Dominique (Capucine), arruinada, y "Estrella Solitaria" Sheridan (Susan Hayward), una millonaria hipocondríaca que viaja junto a su enfermera Sara Watkins (Maggie Smith). Las tres se pelean por quedarse con la supuesta herencia, aunque juega con ventaja "Estrella solitaria" al ser la esposa legal de Fox. En uno de los mejores y geniales momentos de la película en la que se luce sobre todo el genial Rex Harrison, Fox finge un ataque al corazón. Sin embargo, e inesperadamente el guión preparado por Fox y MacFly se rompe al ser encontrada muerta la señora Sheridan y entra en escena el inspector Rizzi (Adolfo Celi). La enfermera Watkins cree saber quien es el asesino/a de "Estrella solitaria" y se lo dice a Fox, teniendo ambos una conversación sobre lo que es el tiempo y el uso que de él hacemos los seres humanos que es quizá lo mejor de la película. Joseph Leo Mankiewicz volvió a contar con uno de sus actores favoritos, Rex Harrison, después de habernos regalado tres joyas con el popular actor inglés como fueron "El fantasma y la Señora Muir (1946)", junto a Gene Tierney y George Sanders, otro de sus actores fetiches, "Escape (1948)", junto a Peggy Cummins, y la super colosal producción "Cleopatra (1963)", junto a Elizabeth Taylor y Richard Burton, en la que Rex Harrison hace de un Julio César ya viejo y epiléptico en la recta final de su vida que es todo un ejemplo de magistral interpretación, y que le valió la nominación al Oscar al mejor actor en 1963.

mujeres en venecia

Mankiewicz, antes que director, fue un importante guionista que escribió para películas como "Million Dollar (1932)" o "El pan nuestro de cada día (1934)". Por "El enemigo público nº 1 (1935)", de S.W. Van Dyke, consiguió en Oscar en el apartado de mejor guión. Como productor las obras maestras "Furia (1936)" de Fritz Lang o "Historias deFiladelfia (1940)", de George Cukor. Su Ópera prima como director fue "El Castillo de DragonWyk (1944)", con la bellísima Gene Tierney, Vincent Price, Jessica Tandy, después continuaría con "El Fantasma y la Sra Muir (1946)" y "Carta a tres esposas (1949)", siendo también el guionista y por la que obtuvo el Oscar al mejor director y al mejor guión original. Kirk Douglas y Linda Darnell interpretaron sus papeles magistralmente. Posteriormente, tras la magnífica "Odio entre hermanos (1949)", con Edward G.Robinson, Richard Conte y Susan Hayward, nos regalaría Mankiewicz una de las mejores obras de arte de la historia del séptimo arte, que trata sobre los entresijos del mundo del teatro dentro del cine, la magnífica película "Eva al Desnudo (1950)", que se llevó seis merecidos Oscars incluyendo los relativos a la mejor película, mejor director y mejor actor de reparto, un genial George Sanders, en el papel del ácido crítico de teatro Addison de Witt. Bette Davis es Margo Channing, la vieja gloria de la escena que ve como la nueva actriz, Eva Harrington (Anne Baxter) irrumpe con las peores artes en su mundo, fingiéndose una admiradora de Margo. Tras la irregular "Murmullos en la ciudad (1951)" con Cary Grant, llega "Operación Cicerón (1952)", inquietante cinta de espionaje con James Mason. Al año siguiente "Julio Cesar (1953)", otra de las grandes del director, con un Marlon Brando, procedente de "The Actor's Studio" que da lo mejor de sí como Marco Antonio, siendo Louis Calhern un magnífico Julio César y James Mason el traidor Bruto, completando el soberbio reparto Greer Garson (Calpurnia), Deborah Kerr (Portia), Edmund O'Brien (Casca), John Gielgud (Casio).

mujeres en venecia

El guión sigue la obra de William Shakespeare. Al año siguiente "La condesa descalza", de la cual ya escribí una reseña en el blog, maravillosa, y Mankiewicz probó en el genero musical con la deliciosa "Ellos y ellas (1955)", con Marlon Brando, Frank Sinatra, Jean Simmons y Vivian Blaine. La tremenda "De repente, el últimoverano (1959)", fue otra de sus mejores películas con un duelo interpretativo entre Katharine Hepburn, Elizabeth Taylor y Montgomery Clift que es toda una gozada. En 1963 Mankiewicz retoma el gran fracaso financiero de la Fox que supuso "Cleopatra", primero en manos de Robert Mamoullian, con Elizabeth Taylor en una de sus mejores interpretaciones, sin lugar a dudas, un correcto Richard Burton y un enorme, enorme y con mayúsculas Rex Harrison en una de sus grandes y más sentidas interpretaciones como el popular personaje histórico Julio César. La cinta obtuvo 4 Oscars quedándose Harrison sin el que justamente la Academia debió otorgarle, a mi juicio, aunque al año siguiente se lo dieron, muy acertadamente, por "My Fair Lady (1964)". Tras la película que nos ocupa, que se puede decir que es todo un ensayo de "La Huella", llegaría precisamente la popular película de 1972, y de la que se acaba de hacer hace pocos años un innecesario y absurdo remake con el propio Caine y Judge Law, y que es todo un juego teatral y un ejercicio de soberbias interpretaciones en la que Mankiewicz desborda todo su enorme talento. Laurence Olivier y Michael Caine bordaron sus personajes y es otra de las películas más importantes del genial director. Reginald Carey (Rex) Harrison (1908-1990), apodado popularmente "Sexy Rexy", es uno de las grandes figuras de la escena británica que el Reino Unido ha aportado a Hollywood. Entre sus grandes películas cabe destacar la muy buena adaptación de la obra de Bernard Shaw "Mayor Barbara (1941)", junto a Wendy Hiller, "Ana y el rey de Siam (1946)", primera adaptación de la popular novela de Margaret Landon, junto a Irene Dunne. En 1946 también nos regalaría su maravilloso personaje del fantasma del capitan Gregg en "El fantasma y la señora Muir" y su genial interpretación en "Un espíritu burlón" de David Lean, un año antes. Tras "Débil es la carne (1946)", "El talismán (1954)", en la que interpreta a Saladino durante las Cruzadas, fue escogido por Moss Hart para el papel del profesor de fonética Henry Higgins en la producción musical de Broadway de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe "My Fair Lady", versión musical de la popular y ácida comedia teatral de George Bernard Shaw "Pigmalión", personaje que marcó la carrera de Rex ya que aportó mucho de su peculiar carácter al personaje y siempre se ha dicho que Rex Harrison tenía mucho de Henry Higgins y que Henry Higgins tenía mucho de Rex Harrison.

mujeres en venecia

Coprotagonizó la obra junto a una muy jovencita Julie Andrews. Compaginó sus más de 2717 representaciones de la popular obra, entre Nueva York y Londres, con su intervención en la flojilla pero deliciosa comedia de Vincente Minnelli "Mamá nos complica la vida (1958)", junto al que fue el gran amor de su vida, Kay kendall y la muy lograda "Un grito en la niebla (1960)", de David Miller, junto a una estupenda Doris Day. Tras "Cleopatra", fue finalmente escogido por Jack L.Warner para repetir su éxito en la escena con el profesor Higgins en la obra maestra de George Cukor "My Fair Lady (1964)", por la que ganó el Oscar al mejor actor y en la que irradia una magia especial junto a la maravillosa Audrey Hepburn. Carol Reed le llamó para interpretar al Papa julio II en "El tormento y el éxtasis (1965)" en la que el actor tiene un magistral duelo interpretativo con Charlton Heston que interpreta al mítico pintor y escultor renacentista Miguel Ángel. Tras la floja comedia coral de Anthony Asquith "El Rolls-royce amarillo (1965)", interviene en la deliciosa "El extravagante Doctor Dolittle (1967)" de Richad Feischer, en la que vuelve a lucirse en una comedia musical diciendo las canciones a su manera tan peculiar, como ya hizo con "My Fair Lady". Posteriormente Mankiewicz vuelve a contar con él para la película que nos ocupa y después volvió a sorprender en un nuevo rol esta vez de homosexual, junto a Richard Burton en la agridulce comedia de Stanley Donen "La escalera". Posteriormente Rex Harrison volvió al cine a formar parte de repartos corales en películas como "El quinto mosquetero" o "El príncipe y el mendigo", además de intervenir en la popular miniserie "Anastasia", con Amy Irving de protagonista. Llegó a volver a interpretar a su personaje favorito, el profesor Higgins, en un nuevo montaje del musical, en Broadway, en 1981. La popularidad de su personaje hizo que se llegara a denominar al sombrero que usaba como el "Higgins" en las más selectas sombrererías de caballeros. La reina Isabel II de Inglaterra le dio el título de Sir a los 80 años. Le dan una buena réplica a Harrison en la película Cliff Robertson, quien ganó un Oscar al mejor actor por "Charly (1968)" e intervino en clásicos como "Picnic (1955)" de Joshua Logan, en la que interpretó a Alan Benson, "La brigada del diablo (1968)", o "Comando en el Mar de China (1970)", siendo más dilatada su carrera en Televisión. Después ha tenido muchos altibajos en una carrera cinematográfica bastante irregular. Más recientemente le hemos podido ver en la saga de Spider-man de 2004. 


mujeres en venecia

Ha tenido una importante presencia como actor de reparto. Además, tenemos a la genial, y aún en activo, Maggie Smith como la enfermera de "Lone Star" Sheridan (Hayward), la muy hábil enfermera que intenta desenmarañar toda la oscura trama, primero con el inesperado asesinato de su señora y después intentando prevenir a Fox, el propio autor del misterioso juego, porque cree que su vida corre peligro también. "Maggie Smith (1934)" es una de las grandes damas del cine británico. Debutó en Oxford playhouse, en el teatro, con la obra "Noche de reyes". Ha tenido una larga y fructífera carrera teatral. En cuanto a la parte cinematográfica, tras breves papeles en la gran pantalla , du primer gran papel le vino con "Otelo (1964)",de Stuart Burge, junto a Laurence Olivier en la que interpretó a Desdemona, siendo su segundo gran papel el de la enfermera Wakins en "Mujeres en Venecia", en la que tiene una magistral y larga conversación con Rex Harrison (Cecil Fox) cuando acude a prevenirle de que alguien quiere matarle. Después interpretó "Los mejores años de Miss Broddie (1969)", con un enorme éxito, y a la Tía Augusta en la comedia de George Cukor "Viajes con mi tía (1972)", en la que tiene una genial escena junto a José Luis López Vázquez, una de las grandes estrellas del cine español. Posteriormente Smith ha sido pieza fundamental para formar parte de repartos corales y de lujo en películas como "Un cadáver a los postres (1976)", "Muerte en el Nilo (1978)", "California Suite (1978)" o "Muerte bajo el sol (1981)". Gran popularidad han tenido también sus intervenciones en las dos películas de "Sister Act", junto a Whoopi Goldberg, en los años 90 y en la saga de Harry Potter, más recientemente. Está a punto de estrenarse su último trabajo, "El nuevo exótico Hotel Marygold". Será un verdadero placer volver a ver a Miss Smith, que siempre es todo un lujo verla actuar. Completan el reparto dos grandes como Susan Hayward, quien ganó el Oscar a la mejor actriz por su desgarradora e impactante actuación en "¡Quiero vivir! (1958)", de Robert Wise, y Capucine, muy popular gracias a la saga de Blake Edwards "La Pantera Rosa". Adolfo Celi está bastante bien como el Inspector. Quizás Edie Addams sea la más flojita de un soberbio reparto, pero también está correcta. Estamos ante una película muy teatral pero que a su vez entretiene bastante. Se nota la dirección del maestro Mankiewicz que una vez más saca lo mejor de sus actores. Desde luego recomiendo volver a verla y a quien aún no haya descubierto esta pequeña joya, asomarse a ella.

mujeres en venecia


Frase para recordar: "La gente valora muy poco el tiempo. La gente vulgar, como en todo elige lo que es mayor, no lo que es mejor...hasta el tiempo...Sólo piden vivir cien largos y miserables años... y se sienten estafados si viven cincuenta maravillosos...Cantidad..¡sí! Calidad...¡no!".


Título original: The honey pot.

Director: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Rex Harrison, Susan Hayward, Maggie Smith, Cliff Robertson, Capucine, Edie Adams, Adolfo Celi.


Escena:





Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

seven
La edición número 48 del festival de Sitges homenajeará al film "Seven" por su 20 aniversario. La película de David Ficher que dirigió después de la malograda "Alien 3 (1992)" evidenció el particularísimo ojo de este director para captar una ambientación tenebrista fuera de lo normal y que comenzaba a reflejar la sombría maestría de alguien a quien le que le gusta jugar, y en este caso a un juego pesadillesco difícil de olvidar para el espectador dada su habilidad para permanecer y dejar sello, tanto en el cine de los 90's como posteriormente. Todos los días el hombre contemporáneo es rodeado por injusticias, desigualdades, sinsentido por doquier y lo realmente perturbador y triste, es que después de asistir a todas las desgracias que se repiten día tras día, nos hemos vuelto impermeables a la lluvia en forma de fatalidad cotidiana (lluvia que no deja de caer en esta película de 1995, pero que puede aplicarse y mojar a cualquier época del siglo XX y XXI)... Bajo el telón de fondo de una ciudad húmeda y sombría, en la que la lluvia parece eterna, David Ficher revienta las conciencias con esta obra magna de intriga y misterio con apariencia de "buddy movie" con un veterano y cerebral William Somerset (Morgan Freeman) y un impetuoso y locuaz David Mills (Brad Pitt). Todo cambiará para estos agentes de policía en cuanto aborden la investigación de unos brutales asesinatos que guardan un desmoralizador mensaje. Se7en va muchísimo más allá de lo que nadie antes se había atrevido a reflejar en lo que a los asesinos en serie se refiere, con unos crímenes de un depravado que intenta sermonear a todo el género humano. Conforme transcurre el film vamos siendo conscientes de que cada asesinato es tomado por este depravado "Juan Nadie", como un acto de denuncia social. 

seven

Cada retorcido crimen se revela como una obra de arte macabra que busca desesperadamente una llamada al orden al ser humano, el ser humano actual que no es consciente de los pecados capitales que comete cada día y que pasa su intrascendental vida haciéndose daño así mismo y a los demás, sin el menor conocimiento de su capacidad para hacer el mal. Kevin Spacey en una corta pero intensa actuación se convierte por obra y gracia de este film en un mártir injustificado (premiado como mejor actor de reparto por el círculo de críticos de New York), cuyos fines son poner al hombre delante de un espejo para reflejar sus miserias, tomando como inspiración las obras: "Los cuentos de Canterbury de Chaunce" y "La divina comedia de Dante". Cada brutal acto que la pareja de agentes presencia les lleva a través de las pistas dejadas por Doe a la siguiente escena del crimen, cada cual más desasosegante que la anterior, sembradas por la ira, la gula, la lujuria, la envidia, la pereza, la soberbia y la avaricia (pecados que el espectador nunca olvidará una vez vista "Se7en"). Los crímenes vistos aquí provocan una sensación de fatalidad e impotencia que nos llevará a la triste, intensa y desesperante obra final de este escultor del mal. El final de "Se7en" nos da paso a la esperanza del comportamiento humano con la voz en off de Freman parafraseando a Hemingway:-"El mundo es un buen lugar por el que merece la pena luchar"...sólo estoy de acuerdo con la segunda parte-. Paradójica frase de un Hemingway que se llegó a suicidar...

seven


Director: David Fincher.

Intérpretes: Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, John C. McGinley, Richard Roundtree.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

SEVEN (1995). David Fincher y sus 7 pecados capitales.

seven
La edición número 48 del festival de Sitges homenajeará al film "Seven" por su 20 aniversario. La película de David Ficher que dirigió después de la malograda "Alien 3 (1992)" evidenció el particularísimo ojo de este director para captar una ambientación tenebrista fuera de lo normal y que comenzaba a reflejar la sombría maestría de alguien a quien le que le gusta jugar, y en este caso a un juego pesadillesco difícil de olvidar para el espectador dada su habilidad para permanecer y dejar sello, tanto en el cine de los 90's como posteriormente. Todos los días el hombre contemporáneo es rodeado por injusticias, desigualdades, sinsentido por doquier y lo realmente perturbador y triste, es que después de asistir a todas las desgracias que se repiten día tras día, nos hemos vuelto impermeables a la lluvia en forma de fatalidad cotidiana (lluvia que no deja de caer en esta película de 1995, pero que puede aplicarse y mojar a cualquier época del siglo XX y XXI)... Bajo el telón de fondo de una ciudad húmeda y sombría, en la que la lluvia parece eterna, David Ficher revienta las conciencias con esta obra magna de intriga y misterio con apariencia de "buddy movie" con un veterano y cerebral William Somerset (Morgan Freeman) y un impetuoso y locuaz David Mills (Brad Pitt). Todo cambiará para estos agentes de policía en cuanto aborden la investigación de unos brutales asesinatos que guardan un desmoralizador mensaje. Se7en va muchísimo más allá de lo que nadie antes se había atrevido a reflejar en lo que a los asesinos en serie se refiere, con unos crímenes de un depravado que intenta sermonear a todo el género humano. Conforme transcurre el film vamos siendo conscientes de que cada asesinato es tomado por este depravado "Juan Nadie", como un acto de denuncia social. 

seven

Cada retorcido crimen se revela como una obra de arte macabra que busca desesperadamente una llamada al orden al ser humano, el ser humano actual que no es consciente de los pecados capitales que comete cada día y que pasa su intrascendental vida haciéndose daño así mismo y a los demás, sin el menor conocimiento de su capacidad para hacer el mal. Kevin Spacey en una corta pero intensa actuación se convierte por obra y gracia de este film en un mártir injustificado (premiado como mejor actor de reparto por el círculo de críticos de New York), cuyos fines son poner al hombre delante de un espejo para reflejar sus miserias, tomando como inspiración las obras: "Los cuentos de Canterbury de Chaunce" y "La divina comedia de Dante". Cada brutal acto que la pareja de agentes presencia les lleva a través de las pistas dejadas por Doe a la siguiente escena del crimen, cada cual más desasosegante que la anterior, sembradas por la ira, la gula, la lujuria, la envidia, la pereza, la soberbia y la avaricia (pecados que el espectador nunca olvidará una vez vista "Se7en"). Los crímenes vistos aquí provocan una sensación de fatalidad e impotencia que nos llevará a la triste, intensa y desesperante obra final de este escultor del mal. El final de "Se7en" nos da paso a la esperanza del comportamiento humano con la voz en off de Freman parafraseando a Hemingway:-"El mundo es un buen lugar por el que merece la pena luchar"...sólo estoy de acuerdo con la segunda parte-. Paradójica frase de un Hemingway que se llegó a suicidar...

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Director: David Fincher.

Intérpretes: Brad Pitt, Morgan Freeman, Gwyneth Paltrow, Kevin Spacey, John C. McGinley, Richard Roundtree.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

los duelistas
Dos años después del estreno del excelente e incomprendido film de Kubrik "Barry Lyndon (1975)", nacía "Los Duelistas", película con la que Ridley Scott conseguiría despuntar dentro del panorama cinematográfico. Fue premiada como "mejor ópera prima" en el Festival de Cannes del año 1977. Basada en la novela del polifacético Joseph Conrad y con guión adaptado de Gerald Vaughan-Hughes, Ridley Scott consigue trasladar al cine de forma impecable y soberbia este interesante relato. La ambientación de época está cuidada hasta el mínimo detalle. Con un diseño de producción muy acertado, una impecable fotografía y un gran reparto actoral se logra alcanzar un lenguaje visual tan excelente, que tal y como diría el maestro Hitchcock de cualquier gran película: "Puedes quitarle el volumen y seguir perfectamente la historia". Fiel a la novela de Joseph Conrad, el argumento nos traslada a la época de las campañas napoleónicas entre 1801-1815. Aunque más que centrarse en el desarrollo militar de la época, la cámara se centra en dos jóvenes oficiales del 4º y 7º de Húsares: el aristócrata Armand D´Hubert (Keith Carradine) y el teniente del 7º, Ferraud (Harvey Keitel). La contienda napoleónica sirve de telón de fondo para describir dos personalidades opuestas, dos polos antagónicos. Ambos oficiales representan dos símbolos de la época: D´Hubert representaría al soldado con formación, culto y de buena familia, tranquilo y racional. Su capacidad de reflexionar antes de actuar le permite adaptarse a los diferentes regímenes políticos que la vida le propone, es un claro superviviente.

los duelistas

Por el contrario, su antagonista, el oficial Feraud, es un fiel representante del movimiento ultra napoleónico, impulsivo, irascible e irracional, capaz de morir por sus principios. La única cualidad que los une es su sentido del honor. Con estos dos perfiles, nace una leyenda entre dos hombres destinados a enfrentarse en duelo durante años, mientras duran todas la campañas de Napoleón en Europa e incluso después, cuando ya ha sido desterrado a Elba y se ha restaurado el sistema monárquico. Ambos se introducen en una espiral, mantenida en el transcurso de los años, que los va acompañando en sus diferentes etapas de vida, sin que ninguno de ellos, y siempre guiados por motivos bien diferentes, pueda salir de ella.  Llegan a enfrentarse uno contra otro hasta la saciedad, creándose así la leyenda de los dos mejores espadachines del ejército napoleónico. El honor es el espíritu que inunda todo el relato. Sus espadas, su lucha de egos y su peculiar interés por forjarse como guerreros, como hombres de palabra, se convierte en toda una declaración de principios y el en el auténtico motor de sus vidas.


los duelistas

Esta excelente obra cinematográfica es una joya visual donde cada encuadre y cada fotograma, tanto de los paisajes como de los interiores, permite destacar los detalles importantes, en planos fijos o siguiendo el movimiento de las espadas. Los paisajes que sirven de encuadre a los duelos siempre gozan de una luz tenue, ya sea del atardecer como del amanecer. Una luz que suaviza los colores y aporta una bruma que envuelve, que dulcifica cada sangriento encuentro y lo transforma, pese a su crudeza, en una obra de arte. Nada mejor que la luz del sol indirecta y la niebla para crear una atmósfera dramática y naturalista al mismo tiempo. Se consiguieron imágenes impactantes en escenarios naturales que fueron estratégicamente resaltados con diferentes filtros y grandes cantidades de humo. Se dice que la luz empleada por Tidy, es tan excelente que podría ganar la mismísima aprobación del pintor Vermeer. R. Scott, refiriéndose a la colaboración con su director de fotografía en este film o: "Frank sabía lo que yo quería y conseguía plasmarlo como a mí me gustaba. Poco me importaba si el fotograma estallaba, o si  el encuadre era totalmente oscuro, Frank sabía perfectamente hasta dónde podíamos llegar". 

los duelistas


Título original: The duellists.

Director: Ridley Scott.


Intérpretes: Keith Carradine, Harvey Keitel, Edward Fox, Albert Finney, Cristina Raines, Robert Stephens.

Trailer:


Escena:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

LOS DUELISTAS (1977). La ópera prima de Ridley Scott.

los duelistas
Dos años después del estreno del excelente e incomprendido film de Kubrik "Barry Lyndon (1975)", nacía "Los Duelistas", película con la que Ridley Scott conseguiría despuntar dentro del panorama cinematográfico. Fue premiada como "mejor ópera prima" en el Festival de Cannes del año 1977. Basada en la novela del polifacético Joseph Conrad y con guión adaptado de Gerald Vaughan-Hughes, Ridley Scott consigue trasladar al cine de forma impecable y soberbia este interesante relato. La ambientación de época está cuidada hasta el mínimo detalle. Con un diseño de producción muy acertado, una impecable fotografía y un gran reparto actoral se logra alcanzar un lenguaje visual tan excelente, que tal y como diría el maestro Hitchcock de cualquier gran película: "Puedes quitarle el volumen y seguir perfectamente la historia". Fiel a la novela de Joseph Conrad, el argumento nos traslada a la época de las campañas napoleónicas entre 1801-1815. Aunque más que centrarse en el desarrollo militar de la época, la cámara se centra en dos jóvenes oficiales del 4º y 7º de Húsares: el aristócrata Armand D´Hubert (Keith Carradine) y el teniente del 7º, Ferraud (Harvey Keitel). La contienda napoleónica sirve de telón de fondo para describir dos personalidades opuestas, dos polos antagónicos. Ambos oficiales representan dos símbolos de la época: D´Hubert representaría al soldado con formación, culto y de buena familia, tranquilo y racional. Su capacidad de reflexionar antes de actuar le permite adaptarse a los diferentes regímenes políticos que la vida le propone, es un claro superviviente.

los duelistas

Por el contrario, su antagonista, el oficial Feraud, es un fiel representante del movimiento ultra napoleónico, impulsivo, irascible e irracional, capaz de morir por sus principios. La única cualidad que los une es su sentido del honor. Con estos dos perfiles, nace una leyenda entre dos hombres destinados a enfrentarse en duelo durante años, mientras duran todas la campañas de Napoleón en Europa e incluso después, cuando ya ha sido desterrado a Elba y se ha restaurado el sistema monárquico. Ambos se introducen en una espiral, mantenida en el transcurso de los años, que los va acompañando en sus diferentes etapas de vida, sin que ninguno de ellos, y siempre guiados por motivos bien diferentes, pueda salir de ella.  Llegan a enfrentarse uno contra otro hasta la saciedad, creándose así la leyenda de los dos mejores espadachines del ejército napoleónico. El honor es el espíritu que inunda todo el relato. Sus espadas, su lucha de egos y su peculiar interés por forjarse como guerreros, como hombres de palabra, se convierte en toda una declaración de principios y el en el auténtico motor de sus vidas.


los duelistas

Esta excelente obra cinematográfica es una joya visual donde cada encuadre y cada fotograma, tanto de los paisajes como de los interiores, permite destacar los detalles importantes, en planos fijos o siguiendo el movimiento de las espadas. Los paisajes que sirven de encuadre a los duelos siempre gozan de una luz tenue, ya sea del atardecer como del amanecer. Una luz que suaviza los colores y aporta una bruma que envuelve, que dulcifica cada sangriento encuentro y lo transforma, pese a su crudeza, en una obra de arte. Nada mejor que la luz del sol indirecta y la niebla para crear una atmósfera dramática y naturalista al mismo tiempo. Se consiguieron imágenes impactantes en escenarios naturales que fueron estratégicamente resaltados con diferentes filtros y grandes cantidades de humo. Se dice que la luz empleada por Tidy, es tan excelente que podría ganar la mismísima aprobación del pintor Vermeer. R. Scott, refiriéndose a la colaboración con su director de fotografía en este film o: "Frank sabía lo que yo quería y conseguía plasmarlo como a mí me gustaba. Poco me importaba si el fotograma estallaba, o si  el encuadre era totalmente oscuro, Frank sabía perfectamente hasta dónde podíamos llegar". 

los duelistas


Título original: The duellists.

Director: Ridley Scott.


Intérpretes: Keith Carradine, Harvey Keitel, Edward Fox, Albert Finney, Cristina Raines, Robert Stephens.

Trailer:


Escena:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

blade runner
El 18 de Marzo del presente año se reestrenará una de las obras de ciencia ficción más prestigiosas en la historia del cine: Blade Runner. Después de los duelos napoleónicos entre Keith Carradine y Harvey Keitel en "Los Duelistas (1977)" y ganarse una estupenda reputación como director de anuncios publicitarios, Ridley Scott metamorfoseó el terror y la sci-fi para crear a la viscosa criatura, "Alien" de 1979, con la que mostró su originalidad y particular visión de la ciencia ficción para ofrecer ambientaciones nunca vistas, y que 3 años después le convertirían con Blade Runner en todo un referente a seguir en el cine fantástico. Tomando el relato de Philip K. Dick "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?" (título imposible para estrenar una película) se nos relata un mundo futuro superpoblado, con una argamasa cultural y lingüística cargada de fosforescencia de neón, tecnología punta y elementos orientalizados que han contribuido al llamado movimiento Cyberpunk. En el film unos androides creados por la corporación Tyrell denominados como Nexus 6, son obligados a trabajar en los confines del universo en yacimientos mineros y se rebelarán contra sus creadores... Siendo conscientes de que tienen fecha de caducidad, viajan al planeta Tierra puesto que necesitan encontrar la manera de frenar su extinción no escatimando en muertes humanas para ver cumplida su finalidad, que no es otra que la de sobrevivir. 

blade runner

Por otro lado la compañía creadora de estos "robots" iguales al hombre en todo salvo en su superioridad física e intelecto, contratan al personaje interpretado por Harrison Ford "Rick Deckard", que es el mejor experto en acabar con los "humanos artificiales", el más experimentado de los Blade Runner, que en su implacable caza será testigo de que el propósito de los Nexus es el mismo que el del ser humano: Encontrar las respuestas que todo hombre se hace a lo largo de su vida ¿Quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos, tenemos alma? Blade Runner a mi juicio es una simbiosis del género negro, la ciencia ficción, la excelencia visual en lo que a efectos especiales se refiere (creados por Douglas Trumbull "Encuentros en la tercera fase (1977)", "2001: Una odisea del espacio (1968)") y la onírica musical de Vangelis. Escuchar el maravilloso e inolvidable monólogo de Rutger Hauer que improvisó para la película y que no estaba en el guión original es de tal belleza y profundidad, que después de asistir a la impasividad y frialdad de su pesonaje sobre los seres humanos, realmente sientes empatía por él cuando llega su hora de morir. 

blade runner

Escuchar hablar a Roy Batty-Hauer de los confines del universo, de las maravillas de la galaxia, de mundos lejanos y que todos esos momentos se pierdan en el tiempo como lagrimas en la lluvia, provocan en el Blade Runner-Ford un cambio de mentalidad suficiente para alejarse del inhumano mundo en el que vive, huyendo con su enamorada androide Sean Young. Como curiosidades comentar que las secuencias finales que pueden apreciarse en este film, fueron prestadas por Stanley Kubrick de su película "El Resplandor (1980)", que Blade Runner fue injustamente incomprendida fracasando en taquilla recaudando poco más de 30 millones de dólares en EEUU, que el tiempo reconciliaría a la crítica y público con los merecidos elogios de la obra de Philip K. Dick (que no vivió para ver su obra trasladada a cine) y que las teorías, declaraciones y diversas versiones de su director Ridley Scott como la de los fanáticos de la película, todavía hoy a base de unicornios, figuras de papiroflexia y ensoñaciones, mantienen viva la leyenda del "afilado corredor". Blade Runner pronto conocerá una secuela producida por Scott y dirigida por Denis Villeneuve, director de "Prisioneros (2013)" y que tendrá de nuevo a Ford después de recuperarse de su accidente aéreo, del que afortunadamente ha salido ileso.

blade runner


Director: Ridley Scott.

Intérpretes: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Daryl Hannah.

Traler:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

BLADE RUNNER (1982). Se reestrena en la gran pantalla el clásico de Ridley Scott.

blade runner
El 18 de Marzo del presente año se reestrenará una de las obras de ciencia ficción más prestigiosas en la historia del cine: Blade Runner. Después de los duelos napoleónicos entre Keith Carradine y Harvey Keitel en "Los Duelistas (1977)" y ganarse una estupenda reputación como director de anuncios publicitarios, Ridley Scott metamorfoseó el terror y la sci-fi para crear a la viscosa criatura, "Alien" de 1979, con la que mostró su originalidad y particular visión de la ciencia ficción para ofrecer ambientaciones nunca vistas, y que 3 años después le convertirían con Blade Runner en todo un referente a seguir en el cine fantástico. Tomando el relato de Philip K. Dick "¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?" (título imposible para estrenar una película) se nos relata un mundo futuro superpoblado, con una argamasa cultural y lingüística cargada de fosforescencia de neón, tecnología punta y elementos orientalizados que han contribuido al llamado movimiento Cyberpunk. En el film unos androides creados por la corporación Tyrell denominados como Nexus 6, son obligados a trabajar en los confines del universo en yacimientos mineros y se rebelarán contra sus creadores... Siendo conscientes de que tienen fecha de caducidad, viajan al planeta Tierra puesto que necesitan encontrar la manera de frenar su extinción no escatimando en muertes humanas para ver cumplida su finalidad, que no es otra que la de sobrevivir. 

blade runner

Por otro lado la compañía creadora de estos "robots" iguales al hombre en todo salvo en su superioridad física e intelecto, contratan al personaje interpretado por Harrison Ford "Rick Deckard", que es el mejor experto en acabar con los "humanos artificiales", el más experimentado de los Blade Runner, que en su implacable caza será testigo de que el propósito de los Nexus es el mismo que el del ser humano: Encontrar las respuestas que todo hombre se hace a lo largo de su vida ¿Quiénes somos, de dónde venimos, a dónde vamos, tenemos alma? Blade Runner a mi juicio es una simbiosis del género negro, la ciencia ficción, la excelencia visual en lo que a efectos especiales se refiere (creados por Douglas Trumbull "Encuentros en la tercera fase (1977)", "2001: Una odisea del espacio (1968)") y la onírica musical de Vangelis. Escuchar el maravilloso e inolvidable monólogo de Rutger Hauer que improvisó para la película y que no estaba en el guión original es de tal belleza y profundidad, que después de asistir a la impasividad y frialdad de su pesonaje sobre los seres humanos, realmente sientes empatía por él cuando llega su hora de morir. 

blade runner

Escuchar hablar a Roy Batty-Hauer de los confines del universo, de las maravillas de la galaxia, de mundos lejanos y que todos esos momentos se pierdan en el tiempo como lagrimas en la lluvia, provocan en el Blade Runner-Ford un cambio de mentalidad suficiente para alejarse del inhumano mundo en el que vive, huyendo con su enamorada androide Sean Young. Como curiosidades comentar que las secuencias finales que pueden apreciarse en este film, fueron prestadas por Stanley Kubrick de su película "El Resplandor (1980)", que Blade Runner fue injustamente incomprendida fracasando en taquilla recaudando poco más de 30 millones de dólares en EEUU, que el tiempo reconciliaría a la crítica y público con los merecidos elogios de la obra de Philip K. Dick (que no vivió para ver su obra trasladada a cine) y que las teorías, declaraciones y diversas versiones de su director Ridley Scott como la de los fanáticos de la película, todavía hoy a base de unicornios, figuras de papiroflexia y ensoñaciones, mantienen viva la leyenda del "afilado corredor". Blade Runner pronto conocerá una secuela producida por Scott y dirigida por Denis Villeneuve, director de "Prisioneros (2013)" y que tendrá de nuevo a Ford después de recuperarse de su accidente aéreo, del que afortunadamente ha salido ileso.

blade runner


Director: Ridley Scott.

Intérpretes: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Daryl Hannah.

Traler:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

las noches de cabiria
Las  noches de Cabiria demuestra que Fellini se encontraba en plena forma. A pesar de que la película puede dar la impresión de que le puede faltar algo de estructura, no es cierto, es completamente intencionado, puesto que al final, todo encaja con absoluta precisión y en su lugar correspondiente. Cabiria (Giulietta Masina), fantástica su actuación, tanto aquí como en "La Strada (1954)", es una prostituta que hace tiempo, ya ha dejado atrás su juventud, a la que su amante arroja al agua. Después de rescatarla, se hace cargo de ella un actor famoso, siendo explotada nuevamente de diversas maneras. En un music-hall un mago la hipnotiza, y ella habla de su infancia y de sus sueños de una manera tan inocente y tan conmovedora que un joven del público pide su mano. Ella expone sus más íntimos deseos de una forma ingenua, tal y como ella es.  Pero todo esto no le sirve de nada a Cabiria, pues la acción del joven se encamina únicamente para aprovecharse de ella, y, al final, se encuentra más o menos donde estaba en un principio. Cabiria es toda ella un contraste, una contradicción permanente entre su fachada exterior de prostituta dura, fuerte, experimentada y luchadora, como siempre lo ha hecho, con una vida desordenada y caótica  y, su yo interior, ingenuo y hasta infantil, se podría decir casi con algo de pureza en la que todavía aspira a sueños de adolescencia. La cinta, producida por Dino de Laurentis y con guión del propio director junto a Ennio Flaiano, contiene diálogos adicionales de Pier Paolo Pasolini con música de Nino Rota. Obtuvo ese año el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y en el Festival de Cannes y San Sebastián, Masina se hizo con el premio a la mejor actriz y Premio OCIC (Mención especial).

las noches de cabiria

Cabiria es un Fellini que mira al exterior, más que hacia al interior, como haría cada vez más en películas como "Fellini 81/2 (1963)" y "Roma (1972)". Es quizá menos espectacular visualmente hablando que otras obras del director, pero no por ello menos impresionante y conmovedora. Católica y profunda creyente, Cabiria, se encomienda a San Antonio y busca desesperadamente abandonar su profesión, se avergüenza de ella, busca a un hombre del que enamorarse y que la saque del fondo, porque ella posee bondad para ofrecer, pero el resto se muestra cruel con ella, haciéndole ver que sus sueños y quimeras de romanticismo barato, nunca se verán realizados. Una y otra vez se alzará después de la caída y seguirá en su empeño de poder algún día volver a empezar de nuevo. Las  noches de Cabiria es un mordaz y cruel relato, con algunas pinceladas de optimismo, pero pocas, de una  Cenicienta moderna en el que Fellini nos dice que los cuentos de hadas modernos no necesariamente terminan bien.

las noches de cabiria

 Frase para recordar: "¿Entonces es verdad, me quiere usted? ¿Habla de veras? ¿No trata de engañarme? ¿Me quiere usted de verdad?".

Título original: Le notti di Cabiria

Director: Federino Fellini.

Intérpretes: Giulietta Masina, François Périer, Amedeo Nazzari, Aldo Silvani, Franca Marzi,Ennio Girolami.

Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

LAS NOCHES DE CABIRIA (1957). El mundo de la prostitución por Fellini.

las noches de cabiria
Las  noches de Cabiria demuestra que Fellini se encontraba en plena forma. A pesar de que la película puede dar la impresión de que le puede faltar algo de estructura, no es cierto, es completamente intencionado, puesto que al final, todo encaja con absoluta precisión y en su lugar correspondiente. Cabiria (Giulietta Masina), fantástica su actuación, tanto aquí como en "La Strada (1954)", es una prostituta que hace tiempo, ya ha dejado atrás su juventud, a la que su amante arroja al agua. Después de rescatarla, se hace cargo de ella un actor famoso, siendo explotada nuevamente de diversas maneras. En un music-hall un mago la hipnotiza, y ella habla de su infancia y de sus sueños de una manera tan inocente y tan conmovedora que un joven del público pide su mano. Ella expone sus más íntimos deseos de una forma ingenua, tal y como ella es.  Pero todo esto no le sirve de nada a Cabiria, pues la acción del joven se encamina únicamente para aprovecharse de ella, y, al final, se encuentra más o menos donde estaba en un principio. Cabiria es toda ella un contraste, una contradicción permanente entre su fachada exterior de prostituta dura, fuerte, experimentada y luchadora, como siempre lo ha hecho, con una vida desordenada y caótica  y, su yo interior, ingenuo y hasta infantil, se podría decir casi con algo de pureza en la que todavía aspira a sueños de adolescencia. La cinta, producida por Dino de Laurentis y con guión del propio director junto a Ennio Flaiano, contiene diálogos adicionales de Pier Paolo Pasolini con música de Nino Rota. Obtuvo ese año el Oscar a la mejor película de habla no inglesa y en el Festival de Cannes y San Sebastián, Masina se hizo con el premio a la mejor actriz y Premio OCIC (Mención especial).

las noches de cabiria

Cabiria es un Fellini que mira al exterior, más que hacia al interior, como haría cada vez más en películas como "Fellini 81/2 (1963)" y "Roma (1972)". Es quizá menos espectacular visualmente hablando que otras obras del director, pero no por ello menos impresionante y conmovedora. Católica y profunda creyente, Cabiria, se encomienda a San Antonio y busca desesperadamente abandonar su profesión, se avergüenza de ella, busca a un hombre del que enamorarse y que la saque del fondo, porque ella posee bondad para ofrecer, pero el resto se muestra cruel con ella, haciéndole ver que sus sueños y quimeras de romanticismo barato, nunca se verán realizados. Una y otra vez se alzará después de la caída y seguirá en su empeño de poder algún día volver a empezar de nuevo. Las  noches de Cabiria es un mordaz y cruel relato, con algunas pinceladas de optimismo, pero pocas, de una  Cenicienta moderna en el que Fellini nos dice que los cuentos de hadas modernos no necesariamente terminan bien.

las noches de cabiria

 Frase para recordar: "¿Entonces es verdad, me quiere usted? ¿Habla de veras? ¿No trata de engañarme? ¿Me quiere usted de verdad?".

Título original: Le notti di Cabiria

Director: Federino Fellini.

Intérpretes: Giulietta Masina, François Périer, Amedeo Nazzari, Aldo Silvani, Franca Marzi,Ennio Girolami.

Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

danko: calor rojo
El director Walter Hill, enamorado del western en películas como "Forajidos de leyenda (1980)" y "Wild Bill (1995)" entre otras, creó el subgénero de las "buddy movies" en los 80's con su conseguida colaboración entre Nick Nolte y Eddie Murphy que tendría su secuela con "48 horas más (1990)". En 1987 llegaría la reina de las películas de colegas con "Arma letal" de Richard Donner, cumpliendo con el patrón de "poli blanco" junto a "poli negro" y un año más tarde Hill tuvo la genial idea de poner en pantalla el entendimiento internacional entre las dos potencias mundiales de la guerra fría frente a frente, como si de una película western fronteriza se tratara dirigiendo "Danko: Calor Rojo". Dado el recién nombramiento por aquella época de Mijaíl Gorbachov y su apertura hacia el capitalismo estadounidense, la conocida "Perestroika", la URSS que refleja el director Walter Hill es una muestra de un régimen comunista lleno de monumentos e ídolos del pasado ya en abandono por el pueblo ruso que mira con ilusión hacia un posible cambio político (obsevar la cómica reacción de los policías rusos en su comisaría al nombrar a América). Pero la tradición y la disciplina soviética que todavía marcan al país, se verán amenazadas por las mafias que ya han tomado contacto con el 'veneno americano' que supone el tráfico de drogas, que es controlado por un peligroso y escurridizo criminal georgiano, conocido como Víctor Rosta "Ed O´Ross". Aquí es donde un rígido y estricto capitán de policía "El inmenso Arnold" irá a los Estados Unidos de América en busca del criminal asesino narcotraficante después de aniquilar a su hermano y con la misión de encontrar a Víctor antes de que expanda el tráfico de drogas en un Moscú todavía reticente en adoptar las maneras americanas. 

danko: calor rojo

El capitán Ivan Danko se aliará con un policía parlanchín desastroso e irascible en los zapatos de un sarcástico James Belushi, para capturar al criminal que ahora persiguen tanto los EEUU como la antigua Unión Soviética. Me encantan las insensibles maneras de Arnold encarnando a su policía capitán comunista sin mostrar ningún tipo de sensación, representando al gobierno ruso de la época como si de una máquina se tratara. El momento en el que el protagonista de "Conan el bárbaro", aparece por vez primera en Danko: Calor Rojo entre las brumas de la sauna mostrando su descomunal figura antes de liarse a puñetazos (algo que Stallone repetiría muchos años después, pero con muchísima menos trascendencia visual con el mismo director en "Una bala en la cabeza (2013)") me resultó espectacular visualizando su contundencia y salvajismo. Un Schwarzenegger-Danko con mirada de tiburón buscando su presa que muestra una inexpresividad casi en todo momento hacia las payasadas de Belushi, un capitán ruso que desconoce la cultura occidental: -Capitalistas- dice al ver en la televisión una película porno, y que utilizando sus contundentes maneras violentas ante la mirada atónita de su 'yanqui' compañero (secuencia de la "ley Miranda" y referencia a "Harry el sucio" incluidas) mientras avanza la progresiva muestra de admiración y entendimiento entre los "opuestos" policías conversando el uno con el otro ya sea en un café o conduciendo un coche, van ofreciendo un estupendo regusto que deja un agradable "poso" de calidad al subgénero, a base de "acción ochentera de la buena".

danko: calor rojo

La virilidad con brochazos de ironía que se aprecian en Danko: Calor Rojo no hacen sino corroborar la efectividad y estupenda química entre el ruso imperturbable y el payaso americano. Tanto Arnold como Belushi son capaces de crear una extraña pareja que podría equipararse sin titubear a la unión musical de "Pavarotti" con "Marilyn Manson" llegando a fusionarse de una manera tan simpática y contundente que nadie podría negar su efectividad. Un par de datos interesantes: Danko, Calor Rojo fue la primera película americana en rodarse en la Plaza Roja de Moscú y después de terminar el film, y de que los chicos hicieran de las suyas destrozándolo todo a su paso, los servicios de mantenimiento de la ciudad de Chicago tuvieron que dedicar horas extras para arreglar los numerosos desperfectos provocados en el mobiliario urbano...Una película de acción con trasfondos políticos y ejemplares maneras de "buddy movie" para recordar y revisionar dada su espectacularidad, inesperada mezcla de protagonistas en estado de gracia y estupendo sabor añejo, los dorados años 80's. Schwarzenegger lo volvió a conseguir: El espectáculo estaba servido. -¿Conoce Miranda?-. -¿Quién es esa Zorra?-. ¡Zas! en toda la boca.

danko: calor rojo


Título original: Red heat.

Director: Walter Hill.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, James Belushi, Peter Boyle, Ed O'Ross, Laurence Fishburne.

Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

DANKO: CALOR ROJO (1988). Las aventuras soviéticas de Schwarzenegger.

danko: calor rojo
El director Walter Hill, enamorado del western en películas como "Forajidos de leyenda (1980)" y "Wild Bill (1995)" entre otras, creó el subgénero de las "buddy movies" en los 80's con su conseguida colaboración entre Nick Nolte y Eddie Murphy que tendría su secuela con "48 horas más (1990)". En 1987 llegaría la reina de las películas de colegas con "Arma letal" de Richard Donner, cumpliendo con el patrón de "poli blanco" junto a "poli negro" y un año más tarde Hill tuvo la genial idea de poner en pantalla el entendimiento internacional entre las dos potencias mundiales de la guerra fría frente a frente, como si de una película western fronteriza se tratara dirigiendo "Danko: Calor Rojo". Dado el recién nombramiento por aquella época de Mijaíl Gorbachov y su apertura hacia el capitalismo estadounidense, la conocida "Perestroika", la URSS que refleja el director Walter Hill es una muestra de un régimen comunista lleno de monumentos e ídolos del pasado ya en abandono por el pueblo ruso que mira con ilusión hacia un posible cambio político (obsevar la cómica reacción de los policías rusos en su comisaría al nombrar a América). Pero la tradición y la disciplina soviética que todavía marcan al país, se verán amenazadas por las mafias que ya han tomado contacto con el 'veneno americano' que supone el tráfico de drogas, que es controlado por un peligroso y escurridizo criminal georgiano, conocido como Víctor Rosta "Ed O´Ross". Aquí es donde un rígido y estricto capitán de policía "El inmenso Arnold" irá a los Estados Unidos de América en busca del criminal asesino narcotraficante después de aniquilar a su hermano y con la misión de encontrar a Víctor antes de que expanda el tráfico de drogas en un Moscú todavía reticente en adoptar las maneras americanas. 

danko: calor rojo

El capitán Ivan Danko se aliará con un policía parlanchín desastroso e irascible en los zapatos de un sarcástico James Belushi, para capturar al criminal que ahora persiguen tanto los EEUU como la antigua Unión Soviética. Me encantan las insensibles maneras de Arnold encarnando a su policía capitán comunista sin mostrar ningún tipo de sensación, representando al gobierno ruso de la época como si de una máquina se tratara. El momento en el que el protagonista de "Conan el bárbaro", aparece por vez primera en Danko: Calor Rojo entre las brumas de la sauna mostrando su descomunal figura antes de liarse a puñetazos (algo que Stallone repetiría muchos años después, pero con muchísima menos trascendencia visual con el mismo director en "Una bala en la cabeza (2013)") me resultó espectacular visualizando su contundencia y salvajismo. Un Schwarzenegger-Danko con mirada de tiburón buscando su presa que muestra una inexpresividad casi en todo momento hacia las payasadas de Belushi, un capitán ruso que desconoce la cultura occidental: -Capitalistas- dice al ver en la televisión una película porno, y que utilizando sus contundentes maneras violentas ante la mirada atónita de su 'yanqui' compañero (secuencia de la "ley Miranda" y referencia a "Harry el sucio" incluidas) mientras avanza la progresiva muestra de admiración y entendimiento entre los "opuestos" policías conversando el uno con el otro ya sea en un café o conduciendo un coche, van ofreciendo un estupendo regusto que deja un agradable "poso" de calidad al subgénero, a base de "acción ochentera de la buena".

danko: calor rojo

La virilidad con brochazos de ironía que se aprecian en Danko: Calor Rojo no hacen sino corroborar la efectividad y estupenda química entre el ruso imperturbable y el payaso americano. Tanto Arnold como Belushi son capaces de crear una extraña pareja que podría equipararse sin titubear a la unión musical de "Pavarotti" con "Marilyn Manson" llegando a fusionarse de una manera tan simpática y contundente que nadie podría negar su efectividad. Un par de datos interesantes: Danko, Calor Rojo fue la primera película americana en rodarse en la Plaza Roja de Moscú y después de terminar el film, y de que los chicos hicieran de las suyas destrozándolo todo a su paso, los servicios de mantenimiento de la ciudad de Chicago tuvieron que dedicar horas extras para arreglar los numerosos desperfectos provocados en el mobiliario urbano...Una película de acción con trasfondos políticos y ejemplares maneras de "buddy movie" para recordar y revisionar dada su espectacularidad, inesperada mezcla de protagonistas en estado de gracia y estupendo sabor añejo, los dorados años 80's. Schwarzenegger lo volvió a conseguir: El espectáculo estaba servido. -¿Conoce Miranda?-. -¿Quién es esa Zorra?-. ¡Zas! en toda la boca.

danko: calor rojo


Título original: Red heat.

Director: Walter Hill.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, James Belushi, Peter Boyle, Ed O'Ross, Laurence Fishburne.

Trailer:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

el último mohicano
"El último mohicano", está basada en la novela histórica del autor estadounidense James Fenimore Cooper, publicada por vez primera en febrero de 1826. Sin embargo, en la película se introducen algunos cambios respecto a la novela para potenciar los elementos de acción en detrimento del rigor histórico."The Last of the Mohicans: A Narrative of 1757" es el segundo libro de la pentalogía Leatherstocking Tales y el más conocido. "The Pathfinder", publicado 14 años después en 1840, es su secuela. El relato histórico se desarrolla en el año 1757, a orillas del río Hudson, durante La guerra de los Siete Años, cuando Francia y Gran Bretaña combatieron por el control de las colonias de la nueva América. Durante esta guerra, los franceses recabaron la ayuda de tribus nativas americanas para luchar contra los más numerosos colonos británicos en esta región. En realidad, existió una pequeña confusión durante la elaboración de la novela al describir las tribus nativas de la época. Cooper llamó a uno de sus principales personajes "Uncas" por el conocido sachem o jefe principal: "mohegan" que había sido aliado de los ingleses en la Connecticut del siglo XVII. Pero Cooper parece confundir o fusionar los nombres de dos tribus, los "mohegan" y los "mahican" o mohicanos. Con su libro, sin ninguna mala intención, Cooper contribuyó a confundir el conocimiento popular de las tribus nativas. Después de la muerte de John Uncas en 1842, el último descendiente masculino de Uncas, el Newark Daily Advertiser escribió, "Last of the Mohegans Gone", lamentando la extinción de la tribu. El escritor no se percató de que el pueblo mohegan aún existía. De hecho, "Los mahican" vivían en el valle del río Hudson y siguen sobreviviendo hoy como una tribu india reconocida federalmente como la comunidad Stockbridge-Munsee en Wisconsin. Volviendo al núcleo principal del relato en pantalla que fue adaptado por el propio Michael Mann en colaboración con Christopher Crowe, nos encontramos en la primavera de 1757. El teniente coronel George Monro (Maurice Roëves) es ahora comandante en jefe de la guarnición de Fort William Henry, ubicado en el Lago George (Nueva York). 

el último mohicano

La acción comienza con el asedio del Fuerte y la solicitud de más tropas y refuerzos por parte del coronel. Sus mensajeros son matados y sus solicitudes interceptadas por los franceses. Durante la primavera, una pequeña columna de relevo se dirige hacia el fuerte con las dos hijas del coronel entre sus filas: Cora (Madeleine Stowe) y Alice (Jodhi May). Pero durante el trayecto sufren una emboscada traicionadas por el propio guía que en realidad pertenece a la tribu de los hurones: Mawa (Wes Studi). Nathaniel (Daniel Day-Lewis) es el hijo adoptivo semicaucásico de un indio que se considera el último de los mohicanos. Durante una cacería, Nathaniel, apodado "Ojo de Halcón" (Hawkeye), Uncas (Eric Schweig) y su padre Chingachgook (Russell Means) detectan huellas de indios hostiles y los siguen. Es así como son testigos del ataque de la tribu Hurón hacia los ingleses que intenta secuestrar a las dos mujeres. La guarnición es asesinada en su mayor parte, pero las hijas de Munro sobreviven gracias a la intervención de los Mohicanos y son conducidas junto con el Oficial Duncan (Steven Waddington) hacia el fuerte que, lejos de representar un punto de protección, está siendo asediado hasta las últimas consecuencias. Simultáneamente a los hechos, Francia e Inglaterra están en guerra por el territorio de Canadá, y el fuerte que está siendo defendido por Munro constituye un punto estratégico, ya que está situado en la frontera que separa la parte canadiense de la estadounidense. 

el último mohicano

Será la derrota del Fuerte la que determine la evacuación de varios civiles, entre ellos las dos hijas del Coronel, a través de territorios hostiles con el objetivo de llegar a la costa. La columna sufrirá nuevos ataques, el coronel muere en manos de Mawa, quien sacándole el corazón con su cuchillo recitará: "Cabeza gris; tus hijas caerán bajo mi cuchillo", en venganza por la derrota sufrida previamente. Durante esta nueva gran batalla, Cora es rescatada por Nathaniel, que logrará intercambiarla por el oficial inglés Duncan, quien se entregará por amor a Cora. Y llegado a este punto del metraje, aunque el espectador crea que ya ha presenciado todo tipo de muertes en la pantalla, Michael Mann nos está preparando para una de las escenas más poderosas, tan repletas de dramatismo y acción que puedan llegar a alcanzar una singular belleza. Varias muertes son encadenadas al ritmo de la música y enmarcadas en un acantilado. Las imágenes de esta gran escena consiguen transmitir profundas emociones: Amor, odio y venganza con una coreografía perfecta. El "hermano" de Nathaniel, Uncas, muere al tratar de salvar a Alice por amor, luchando contra Mawa para salvarla. Más tarde ésta, enamorada de Uncas, se arroja por el barranco. El padre de Uncas se venga matando a Mawa en una pelea a muerte, y lo logra quedando así "El último Mohicano".

el último mohicano

Tenemos por tanto, un inicio de escena con la muerte por sacrificio del oficial Duncan, seguida de la muerte de Uncas en las manos violentas y vengativas de Mawa, seguida de un suicidio por amor de Alice y finalizada con la venganza de un padre por la muerte de su hijo, ya que Chingachgook, en dura batalla mata por fín al malvado Mawa. Michael Mann se atreve con este remake y nos regala una gran película de aventuras ambientada en la América colonial del Siglo XVIII, aderezada con dos emotivas historias de amor donde las escenas de acción e incluso las muertes, están cargadas del mismo gran lirismo. Para mí, los tres puntos fuertes de la cinta, además de la mano de su director son: la banda sonora de Trevor Jones Y Randy Edelman, la excelente fotografía de Dante Spinotti enmarcada en bellos parajes naturales junto con las escenas de acción perfectamente recreadas, sutil y cuidadosamente montadas al ritmo de la música. Con estos elementos ya sería una gran cinta, pero si añadimos la gran presencia de Daniel Day-Lewis: Hawkeye -Ojo de halcón, tenemos una composición casi perfecta. No son necesarios grandes diálogos en esta cinta de acción y aventuras. Daniel con su lenguaje corporal, sus miradas y su fuerza interpretativa consigue por sí solo llenar la pantalla con la misma fuerza que las magníficas escenas de acción, batalla y grandes muertes.

el último mohicano



Título original: The last of the mohicans.

Director: Michael Mann.

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Madeleine Stowe, Wes Studi, Jodhi May, Russell Means, Eric Schweig, Steven Waddington.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

EL ÚLTIMO MOHICANO (1992). Las épicas aventuras de Daniel Day-Lewis.

el último mohicano
"El último mohicano", está basada en la novela histórica del autor estadounidense James Fenimore Cooper, publicada por vez primera en febrero de 1826. Sin embargo, en la película se introducen algunos cambios respecto a la novela para potenciar los elementos de acción en detrimento del rigor histórico."The Last of the Mohicans: A Narrative of 1757" es el segundo libro de la pentalogía Leatherstocking Tales y el más conocido. "The Pathfinder", publicado 14 años después en 1840, es su secuela. El relato histórico se desarrolla en el año 1757, a orillas del río Hudson, durante La guerra de los Siete Años, cuando Francia y Gran Bretaña combatieron por el control de las colonias de la nueva América. Durante esta guerra, los franceses recabaron la ayuda de tribus nativas americanas para luchar contra los más numerosos colonos británicos en esta región. En realidad, existió una pequeña confusión durante la elaboración de la novela al describir las tribus nativas de la época. Cooper llamó a uno de sus principales personajes "Uncas" por el conocido sachem o jefe principal: "mohegan" que había sido aliado de los ingleses en la Connecticut del siglo XVII. Pero Cooper parece confundir o fusionar los nombres de dos tribus, los "mohegan" y los "mahican" o mohicanos. Con su libro, sin ninguna mala intención, Cooper contribuyó a confundir el conocimiento popular de las tribus nativas. Después de la muerte de John Uncas en 1842, el último descendiente masculino de Uncas, el Newark Daily Advertiser escribió, "Last of the Mohegans Gone", lamentando la extinción de la tribu. El escritor no se percató de que el pueblo mohegan aún existía. De hecho, "Los mahican" vivían en el valle del río Hudson y siguen sobreviviendo hoy como una tribu india reconocida federalmente como la comunidad Stockbridge-Munsee en Wisconsin. Volviendo al núcleo principal del relato en pantalla que fue adaptado por el propio Michael Mann en colaboración con Christopher Crowe, nos encontramos en la primavera de 1757. El teniente coronel George Monro (Maurice Roëves) es ahora comandante en jefe de la guarnición de Fort William Henry, ubicado en el Lago George (Nueva York). 

el último mohicano

La acción comienza con el asedio del Fuerte y la solicitud de más tropas y refuerzos por parte del coronel. Sus mensajeros son matados y sus solicitudes interceptadas por los franceses. Durante la primavera, una pequeña columna de relevo se dirige hacia el fuerte con las dos hijas del coronel entre sus filas: Cora (Madeleine Stowe) y Alice (Jodhi May). Pero durante el trayecto sufren una emboscada traicionadas por el propio guía que en realidad pertenece a la tribu de los hurones: Mawa (Wes Studi). Nathaniel (Daniel Day-Lewis) es el hijo adoptivo semicaucásico de un indio que se considera el último de los mohicanos. Durante una cacería, Nathaniel, apodado "Ojo de Halcón" (Hawkeye), Uncas (Eric Schweig) y su padre Chingachgook (Russell Means) detectan huellas de indios hostiles y los siguen. Es así como son testigos del ataque de la tribu Hurón hacia los ingleses que intenta secuestrar a las dos mujeres. La guarnición es asesinada en su mayor parte, pero las hijas de Munro sobreviven gracias a la intervención de los Mohicanos y son conducidas junto con el Oficial Duncan (Steven Waddington) hacia el fuerte que, lejos de representar un punto de protección, está siendo asediado hasta las últimas consecuencias. Simultáneamente a los hechos, Francia e Inglaterra están en guerra por el territorio de Canadá, y el fuerte que está siendo defendido por Munro constituye un punto estratégico, ya que está situado en la frontera que separa la parte canadiense de la estadounidense. 

el último mohicano

Será la derrota del Fuerte la que determine la evacuación de varios civiles, entre ellos las dos hijas del Coronel, a través de territorios hostiles con el objetivo de llegar a la costa. La columna sufrirá nuevos ataques, el coronel muere en manos de Mawa, quien sacándole el corazón con su cuchillo recitará: "Cabeza gris; tus hijas caerán bajo mi cuchillo", en venganza por la derrota sufrida previamente. Durante esta nueva gran batalla, Cora es rescatada por Nathaniel, que logrará intercambiarla por el oficial inglés Duncan, quien se entregará por amor a Cora. Y llegado a este punto del metraje, aunque el espectador crea que ya ha presenciado todo tipo de muertes en la pantalla, Michael Mann nos está preparando para una de las escenas más poderosas, tan repletas de dramatismo y acción que puedan llegar a alcanzar una singular belleza. Varias muertes son encadenadas al ritmo de la música y enmarcadas en un acantilado. Las imágenes de esta gran escena consiguen transmitir profundas emociones: Amor, odio y venganza con una coreografía perfecta. El "hermano" de Nathaniel, Uncas, muere al tratar de salvar a Alice por amor, luchando contra Mawa para salvarla. Más tarde ésta, enamorada de Uncas, se arroja por el barranco. El padre de Uncas se venga matando a Mawa en una pelea a muerte, y lo logra quedando así "El último Mohicano".

el último mohicano

Tenemos por tanto, un inicio de escena con la muerte por sacrificio del oficial Duncan, seguida de la muerte de Uncas en las manos violentas y vengativas de Mawa, seguida de un suicidio por amor de Alice y finalizada con la venganza de un padre por la muerte de su hijo, ya que Chingachgook, en dura batalla mata por fín al malvado Mawa. Michael Mann se atreve con este remake y nos regala una gran película de aventuras ambientada en la América colonial del Siglo XVIII, aderezada con dos emotivas historias de amor donde las escenas de acción e incluso las muertes, están cargadas del mismo gran lirismo. Para mí, los tres puntos fuertes de la cinta, además de la mano de su director son: la banda sonora de Trevor Jones Y Randy Edelman, la excelente fotografía de Dante Spinotti enmarcada en bellos parajes naturales junto con las escenas de acción perfectamente recreadas, sutil y cuidadosamente montadas al ritmo de la música. Con estos elementos ya sería una gran cinta, pero si añadimos la gran presencia de Daniel Day-Lewis: Hawkeye -Ojo de halcón, tenemos una composición casi perfecta. No son necesarios grandes diálogos en esta cinta de acción y aventuras. Daniel con su lenguaje corporal, sus miradas y su fuerza interpretativa consigue por sí solo llenar la pantalla con la misma fuerza que las magníficas escenas de acción, batalla y grandes muertes.

el último mohicano



Título original: The last of the mohicans.

Director: Michael Mann.

Intérpretes: Daniel Day-Lewis, Madeleine Stowe, Wes Studi, Jodhi May, Russell Means, Eric Schweig, Steven Waddington.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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