ARTÍCULOS DESTACADOS
ARTÍCULOS
yo-confieso
En 1953 Alfred Hitchcock estrenó una de sus películas más controvertidas. Tanto que le llevó casi una década sacarla a flote y se necesitaron de hasta una docena de guionistas para pulir el libreto de la obra en la que se basaba Yo confieso. Los que acabaron firmando el film fueron George Tabori y William Archibald. En primera instancia el actor protagonista debía ser Cary Grant pero este declinó el papel por su peliagudo tratamiento. Es decir un sacerdote que en el pasado había tenido un idilio con una mujer ahora casada. Idilio que será sacado a la luz tras un asesinato con  culpable claro (para el espectador). Y usado en contra del cura para que confiese el asesinato. Asesinato que no cometió. Pero que por el secreto de confesión tampoco puede desvelar

Finalmente fue Montgomery Clift el actor que daría vida al padre Michael Logan en una de sus actuaciones más recordadas. Clift venía de protagonizar dos años antes Un lugar en el sol (George Stevens) por la que fue nominado al Oscar. Las relaciones entre el director y la estrella, conocido actor del método. No fueron fáciles. Pero sí que se mantuvieron dentro de la cordialidad, por más que Clift no era ni por asomo de las primeras opciones para el personaje. Karl Malden ganador de un premio de la Academia por la monumental Un tranvía llamado deseo (1951) interpretaría uno de sus clásicos papeles de policía. En este caso un detective tremendamente hostigador que se vanagloria de cerrar todos sus casos. Anne Baxter tendría a su cargo el difícil papel de Ruth Grandfort. La joven enamorada de Logan cuando este aún no se había ordenado al sacerdocio, que  tendrá un papel clave en el film. Baxter era una conocida femme-fatale del cine negro. No en vano fue la coprotagonista de El filo de la navaja (Edmund Goulding, 1946).

yo-confieso

Aunque sobre decirlo estando Alfred Hitchcock de por medio. En Yo confieso estamos ante un film con una temática peliaguda y complicada. Además de ante una obra cuyo largo flashback con voz en off a cargo de Ruth (Baxter) ya vale por toda la película. Ojo a como esta todo visualizado sin ningún dialogo. Solo narrado por la voz que cuenta el pasado que envolvía a los personajes de Logan y Ruth. Una muestra de genialidad puramente Hitchcockniana de la que autores como De Palma, Spielberg o Zemeckis tomaron notas para sus películas en varios momentos de sus filmografías. Además tenemos una cinta que se mueve como si fuera una partida de cartas. Con los personajes jugando sus bazas como mejor les conviene. Algo también extensible a su director. Ojo a como se van cargando las tintas sobre los hombros de Logan. El único que sabe quien fue el asesino (junto al espectador, un truco muy de su autor) pero que se debe a un código. De igual manera que sirvió a él en su pasado en el ejercito. Lo servirá ahora en el sacerdocio. Aunque ello le cueste la vida. También da mucho juego como va moviéndose como una conciencia pérfida el personaje de Otto (O.E. Hasse). Además otro punto añadido es la forma en que Karl Malden encara su papel. El de un sabueso que se relame ante un caso que puede hacerle subir como la espuma. Véase cuando insta al fiscal del distrito a llamar a Ruth a su casa en plena noche. En cuanto a Clift aquí entrega una actuación realmente notable. Interiorizada como en él era costumbre y contenida. Siguiendo la línea del menos es más. No a tan buen nivel como el resto rinde Baxter. Demasiado teatral. No hay más que ver como no cambia su expresión y la mirada arriba en la secuencia que tiene junto a Clift a bordo del barco. Otros detalles dignos de reseñar van sobre el personaje de Villete (Ovila Légaré) quien a pesar de comenzar la cinta ya muerto reaparece en diversos flashbacks como  una figura nada inocente. Una característica clásica del film noir. El muerto no era un santo.

yo-confieso

Como no, en Yo confieso tenemos cameo de su director. Aquí muy pronto y un plano general. Cruzando la calle. Y además. Dos guiños seguidos a la figura de Humphrey Bogart. Un cartel de Sin conciencia (The enforcer, 1951) donde Bogie daba vida a un implacable fiscal del distrito a la caza de un eminente mafioso. Y cuando Logan mira un escaparate en donde un maniquí porta un traje con la famosa pajarita que inmortalizara Bogart. Como apunte final la cinta se rodó en la capital de Canadá, Quebec. Por aquello de la tan conocida moral americana. Además Hitchcock fue instado a recordar en varias ocasiones que el film estaba allí localizado y no en EEUU. Insertando varios carteles y puntualizando que la acción tenía lugar en Canadá. Apuntar que este film se estrenó en España con un doblaje censurado para cines. Algo que luego se corregiría con su doblaje para TVE con la voz de Clift a cargo del gran Rogelio Hernandez.

A pesar de su indudable calidad artística. Yo confieso fue recibida con frialdad. El hecho de que en el año siguiente su director firmara dos de sus obras más recordadas e imitadas; Crimen perfecto (1954) y La ventana indiscreta (1954) hizo que el film acabara ciertamente olvidado. Aunque el tiempo fue dándole más fama. Varios años después Hitchcock regresaría a un argumento similar con Falso culpable (1956) protagonizada por Henry Fonda. Y es que aquello de presentar a un personaje señalado por todos o confundido con otro siempre le dio mucho juego al maestro.

yo-confieso

Título original: I Confess.

Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Montgomery CliftAnne BaxterKarl MaldenBrian AherneO.E. HasseDolly HaasRoger DannCharles André.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Jonathan Glez

YO CONFIESO (1953). Culpable de inocencia.

yo-confieso
En 1953 Alfred Hitchcock estrenó una de sus películas más controvertidas. Tanto que le llevó casi una década sacarla a flote y se necesitaron de hasta una docena de guionistas para pulir el libreto de la obra en la que se basaba Yo confieso. Los que acabaron firmando el film fueron George Tabori y William Archibald. En primera instancia el actor protagonista debía ser Cary Grant pero este declinó el papel por su peliagudo tratamiento. Es decir un sacerdote que en el pasado había tenido un idilio con una mujer ahora casada. Idilio que será sacado a la luz tras un asesinato con  culpable claro (para el espectador). Y usado en contra del cura para que confiese el asesinato. Asesinato que no cometió. Pero que por el secreto de confesión tampoco puede desvelar

Finalmente fue Montgomery Clift el actor que daría vida al padre Michael Logan en una de sus actuaciones más recordadas. Clift venía de protagonizar dos años antes Un lugar en el sol (George Stevens) por la que fue nominado al Oscar. Las relaciones entre el director y la estrella, conocido actor del método. No fueron fáciles. Pero sí que se mantuvieron dentro de la cordialidad, por más que Clift no era ni por asomo de las primeras opciones para el personaje. Karl Malden ganador de un premio de la Academia por la monumental Un tranvía llamado deseo (1951) interpretaría uno de sus clásicos papeles de policía. En este caso un detective tremendamente hostigador que se vanagloria de cerrar todos sus casos. Anne Baxter tendría a su cargo el difícil papel de Ruth Grandfort. La joven enamorada de Logan cuando este aún no se había ordenado al sacerdocio, que  tendrá un papel clave en el film. Baxter era una conocida femme-fatale del cine negro. No en vano fue la coprotagonista de El filo de la navaja (Edmund Goulding, 1946).

yo-confieso

Aunque sobre decirlo estando Alfred Hitchcock de por medio. En Yo confieso estamos ante un film con una temática peliaguda y complicada. Además de ante una obra cuyo largo flashback con voz en off a cargo de Ruth (Baxter) ya vale por toda la película. Ojo a como esta todo visualizado sin ningún dialogo. Solo narrado por la voz que cuenta el pasado que envolvía a los personajes de Logan y Ruth. Una muestra de genialidad puramente Hitchcockniana de la que autores como De Palma, Spielberg o Zemeckis tomaron notas para sus películas en varios momentos de sus filmografías. Además tenemos una cinta que se mueve como si fuera una partida de cartas. Con los personajes jugando sus bazas como mejor les conviene. Algo también extensible a su director. Ojo a como se van cargando las tintas sobre los hombros de Logan. El único que sabe quien fue el asesino (junto al espectador, un truco muy de su autor) pero que se debe a un código. De igual manera que sirvió a él en su pasado en el ejercito. Lo servirá ahora en el sacerdocio. Aunque ello le cueste la vida. También da mucho juego como va moviéndose como una conciencia pérfida el personaje de Otto (O.E. Hasse). Además otro punto añadido es la forma en que Karl Malden encara su papel. El de un sabueso que se relame ante un caso que puede hacerle subir como la espuma. Véase cuando insta al fiscal del distrito a llamar a Ruth a su casa en plena noche. En cuanto a Clift aquí entrega una actuación realmente notable. Interiorizada como en él era costumbre y contenida. Siguiendo la línea del menos es más. No a tan buen nivel como el resto rinde Baxter. Demasiado teatral. No hay más que ver como no cambia su expresión y la mirada arriba en la secuencia que tiene junto a Clift a bordo del barco. Otros detalles dignos de reseñar van sobre el personaje de Villete (Ovila Légaré) quien a pesar de comenzar la cinta ya muerto reaparece en diversos flashbacks como  una figura nada inocente. Una característica clásica del film noir. El muerto no era un santo.

yo-confieso

Como no, en Yo confieso tenemos cameo de su director. Aquí muy pronto y un plano general. Cruzando la calle. Y además. Dos guiños seguidos a la figura de Humphrey Bogart. Un cartel de Sin conciencia (The enforcer, 1951) donde Bogie daba vida a un implacable fiscal del distrito a la caza de un eminente mafioso. Y cuando Logan mira un escaparate en donde un maniquí porta un traje con la famosa pajarita que inmortalizara Bogart. Como apunte final la cinta se rodó en la capital de Canadá, Quebec. Por aquello de la tan conocida moral americana. Además Hitchcock fue instado a recordar en varias ocasiones que el film estaba allí localizado y no en EEUU. Insertando varios carteles y puntualizando que la acción tenía lugar en Canadá. Apuntar que este film se estrenó en España con un doblaje censurado para cines. Algo que luego se corregiría con su doblaje para TVE con la voz de Clift a cargo del gran Rogelio Hernandez.

A pesar de su indudable calidad artística. Yo confieso fue recibida con frialdad. El hecho de que en el año siguiente su director firmara dos de sus obras más recordadas e imitadas; Crimen perfecto (1954) y La ventana indiscreta (1954) hizo que el film acabara ciertamente olvidado. Aunque el tiempo fue dándole más fama. Varios años después Hitchcock regresaría a un argumento similar con Falso culpable (1956) protagonizada por Henry Fonda. Y es que aquello de presentar a un personaje señalado por todos o confundido con otro siempre le dio mucho juego al maestro.

yo-confieso

Título original: I Confess.

Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Montgomery CliftAnne BaxterKarl MaldenBrian AherneO.E. HasseDolly HaasRoger DannCharles André.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Jonathan Glez

tarde-para-la-ira
Curro se prepara para salir de prisión tras cumplir condena por participar en un atraco a una joyería. Entretanto, su pareja entabla una relación con José, un taciturno personaje que frecuenta el bar del barrio.


Minimizo deliberadamente la sinopsis del guión porque con mas datos sería fácil caer en un spoiler que desbaratara el gran giro argumental en el que se sostiene el peso de este excelente debut en la dirección de Raúl Arévalo a quien recordamos todavía como el joven inspector de "La Isla Mínima (2014)". Esa vuelta de tuerca, apoyada en las excelentes interpretaciones de Antonio de la Torre y Luis Callejo amén de un puñado de secundarios competentes, le bastan a Arévalo para contar, y contar bien, la historia de dos personajes unidos en una espiral de violencia seca y despiadada. Sin florituras ni tiempos muertos que vamos tarde.



tarde-para-la-ira

Road Movie arrabalera, Tarde para la ira nos hace compartir una búsqueda apresurada y feroz por barrios y poblaciones limítrofes con el Madrid metropolitano. Por el camino nos da tiempo a echar un vistazo rápido a un universo de trilleros, traficantes y antiguos delincuentes reciclados en inofensivos ciudadanos. Pero siempre hay quien no olvida las cuentas pendientes y mucho menos , las perdona. Podrá ser tarde para la Ira pero desde luego, no lo es para la venganza que como todo el mundo sabe, se cocina fría o por lo menos, templada. Es interesante como el alejamiento en el tiempo de los hechos que generan la acción presente, influye aviesamente en los personajes que apenas se reconocen a si mismos cuando la fuerza de un pasado tenebroso irrumpe de nuevo en sus vidas.

No será tarde pues para aplaudir a Raúl Arévalo e incorporarlo como miembro de pleno derecho a ese selecto club de directores que de un tiempo a esta parte han ido renovando y revitalizando el thriller hispano. Da casi miedo el desparpajo y la solidez con la que este director ha acometido su ópera prima desdeñando estridencias ,agarrándonos por el cuello de principio a fin de su película y sobretodo, demostrando que se puede hacer una excelente película con un par de buenas ideas y claridad a la hora de plasmarlas. Vamos tarde pero estamos en el buen camino. Arévalo,contamos contigo!

tarde-para-la-ira

Director: Raúl Arévalo.

Intérpretes: Antonio de la TorreLuis CallejoRuth DíazManolo SoloAlicia RubioRaúl Jiménez.
Trailer:


Reseña escrita por George Suckelectronic

TARDE PARA LA IRA (2016). La ópera prima de Raúl Arévalo.

tarde-para-la-ira
Curro se prepara para salir de prisión tras cumplir condena por participar en un atraco a una joyería. Entretanto, su pareja entabla una relación con José, un taciturno personaje que frecuenta el bar del barrio.


Minimizo deliberadamente la sinopsis del guión porque con mas datos sería fácil caer en un spoiler que desbaratara el gran giro argumental en el que se sostiene el peso de este excelente debut en la dirección de Raúl Arévalo a quien recordamos todavía como el joven inspector de "La Isla Mínima (2014)". Esa vuelta de tuerca, apoyada en las excelentes interpretaciones de Antonio de la Torre y Luis Callejo amén de un puñado de secundarios competentes, le bastan a Arévalo para contar, y contar bien, la historia de dos personajes unidos en una espiral de violencia seca y despiadada. Sin florituras ni tiempos muertos que vamos tarde.



tarde-para-la-ira

Road Movie arrabalera, Tarde para la ira nos hace compartir una búsqueda apresurada y feroz por barrios y poblaciones limítrofes con el Madrid metropolitano. Por el camino nos da tiempo a echar un vistazo rápido a un universo de trilleros, traficantes y antiguos delincuentes reciclados en inofensivos ciudadanos. Pero siempre hay quien no olvida las cuentas pendientes y mucho menos , las perdona. Podrá ser tarde para la Ira pero desde luego, no lo es para la venganza que como todo el mundo sabe, se cocina fría o por lo menos, templada. Es interesante como el alejamiento en el tiempo de los hechos que generan la acción presente, influye aviesamente en los personajes que apenas se reconocen a si mismos cuando la fuerza de un pasado tenebroso irrumpe de nuevo en sus vidas.

No será tarde pues para aplaudir a Raúl Arévalo e incorporarlo como miembro de pleno derecho a ese selecto club de directores que de un tiempo a esta parte han ido renovando y revitalizando el thriller hispano. Da casi miedo el desparpajo y la solidez con la que este director ha acometido su ópera prima desdeñando estridencias ,agarrándonos por el cuello de principio a fin de su película y sobretodo, demostrando que se puede hacer una excelente película con un par de buenas ideas y claridad a la hora de plasmarlas. Vamos tarde pero estamos en el buen camino. Arévalo,contamos contigo!

tarde-para-la-ira

Director: Raúl Arévalo.

Intérpretes: Antonio de la TorreLuis CallejoRuth DíazManolo SoloAlicia RubioRaúl Jiménez.
Trailer:


Reseña escrita por George Suckelectronic

el-color-del-dinero
Con esta película Martin Scorsese toma la acertada decisión de no reescribir el personaje de Eddie Felson. Un cuarto de siglo después de la brillante obra de Robert Rossen: "El buscavidas" Scorsese decide mostrarnos cómo ha envejecido el arrogante joven que aspiraba a ganar a los mejores. El mismo actor protagonista, Paul Newman ha envejecido como su personaje, basado en la misma novela de Walter Tevis. Sin embargo, esta vez el guión es de Richard Price y la diferencia con Robert Rossen es bastante notable, y no porque no se profundice en las inseguridades, miedos y cinismo de nuestro protagonista, sino porque la forma de mostrarlo en pantalla es diametralmente opuesta.

Si Rossen con un estilo sobrio y conmovedor nos plantea la dificultad que tiene un joven para creer en sí mismo, para avanzar en un mundillo cruel y despiadado, dominado por personajes mezquinos con diálogos punzantes e hirientes hasta lo más profundo, Scorsese se mantiene en su línea de crear un lenguaje visual propio y expresar con los movimientos de cámara una extensión del personaje de Rossen.

En este film, Eddie Felson tiene 25 años más, es un superviviente que sigue deambulando por el submundo de los juegos del billar. Ya no es jugador, sus aspiraciones se limitan a ganar dinero con la venta de alcohol de baja calidad, engañando con etiquetas falsas y utilizando a un mediocre jugador de billar, John Turturro, adicto a la cocaína para pequeños timos. Eddie se ha convertido en un cínico que se engaña a sí mismo y a los demás y que piensa exclusivamente en el dinero como auténtico y único motor de vida.

el-color-del-dinero

Un día, en una sala de juego, conoce a Vincent, un jovencísimo y casi debutante Tom Cruise, un brillante jugador de billar, tan arrogante y tan seguro de sí mismo que es capaz de llamar la atención por donde pasa. Tom Cruise realiza así uno de sus mejores papeles, ya que su forma tan inmadura de comportarse como el rey de la pista, acompañado de bailes y excesos cada vez que golpea el taco, le va a la perfección. Pese a su gran alarde en la mesa de billar, posee una ingenuidad que intenta enmascarar acompañándose de una atractiva novia, Mary Elizabeth Mastrantonio, bastante mayor que él. Ella se encarga de sus apuestas en las partidas y parece ser la única capaz de asumir que la genialidad con el taco en la mesa de billar de Vincent puede proporcionar dinero. Vincent por su parte sólo juega por diversión y para demostrar que él es el mejor, el dinero parece no tener ninguna importancia. Procedente de una buena familia y con un trabajo estable, todavía no conoce el submundo de las apuestas y la guerra por un puñado de dólares. Eddie, aparecerá en su vida para demostrarle que con el billar se puede ganar mucho dinero, jugando en pequeños locales, dejándose ganar para luego realizar grandes timos.

"No importa los premios que ganes, el mejor es siempre el que consigue más dinero, no importa cómo".

Con ese objetivo, el de ganar dinero, los tres emprenden un viaje juntos cuya meta final será un Torneo en Atlantic City. Por el camino van recorriendo la antigua ruta que Eddie conoció bien en sus tiempos de jugador. Intentarán ir sacando dinero con pequeños timos hasta alcanzar el gran torneo, donde la meta no será ganar el primer puesto, sino ganar la máxima cantidad de dinero en las apuestas paralelas al campeonato.

el-color-del-dinero

El binomio Paul Newman/ Martin Scorsese adquiere tal compenetración que funciona hasta niveles muy profundos. Allí donde parecía poco probable volver a indagar con la misma maestría que 25 años antes hiciera el gran Rossen, la cámara siempre inquieta del maestro Scorsese con sus encuadres y su "fast Dolly zoom" consiguen una puesta en escena espectacular donde la fuerza del director se acopla a la perfección con los sentimientos de Felson, un Newman en estado de gracia y que recibió un Oscar por esta interpretación (aunque se negó a recogerlo). Scorsese sabe sacar partido de toda la veteranía de un gran actor y plasmar el interior del personaje, con un lenguaje visual de manera inmejorable.

La película posee uno de los mejores trabajos de montaje de una de las habituales colaboradoras del director, Thelma Schoonmaker, que atendiendo a las inquietudes de Scorsese, convierte un típico cambio de plano en todo un mundo con vida propia y ritmo interno. Todas las secuencias en las que Felson mira la mesa de billar, la cámara realiza portentosos travellings, a veces simulando ser la bola, que junto al efectivo montaje, transmiten el interior de Felson, donde algo está renaciendo y removiéndose, a punto de salir con fuerza: Su antiguo yo.

el-color-del-dinero

Scorsese tenía la intención de filmar la película en blanco y negro, pero algún ejecutivo de la productora debió poner el grito en el cielo. Lo cierto es que el tratamiento que Scorsese le da a un deporte como el billar se asemeja a lo que hizo con el boxeo en la monumental : "Toro salvaje (1980)". Sus movimientos de cámara giran en torno a la mesa de billar, al igual que hiciera con el cuadrilátero de boxeo y tal como Scorsese refirió aprender de la película "Las zapatillas rojas (1948)", lo que realmente se mueve con la cámara está alrededor del objeto que se está mirando. Scorsese declaró que este trabajo ha sido la única película que terminó por debajo de la fecha límite de rodaje y empleando menos del presupuesto asignado. Se nota que la dirigió con ganas, con energía y con garra. Además contaba con todo un elenco espléndido de secundarios de lujo, no famosos por aquel tiempo como John Turturro y Forest Whitaker, junto con el cameo de Iggy Pop.

La fotografía a color de Michael Ballhaus es capaz de mostrar la esencia y la decadente atmósfera de aquellos barrios en los que antaño el billar era su eje, ahora convertidos en zonas marginales donde la cocaína y otras drogas son las que realmente mueven las ganancias.

Scorsese enfrenta la juventud llena de talento e ingenuidad frente a la experiencia de una vida que arrastra graves heridas, aunque el mensaje parece ser el mismo. Más importante que ganar o perder, más importante que el dinero es la actitud con la que enfrentarse a los miedos y las dificultades. La honestidad con uno mismo es lo más importante y eso es lo único que nadie puede arrebatarte.

el-color-del-dinero

Título original: The Color of Money.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Paul NewmanTom CruiseMary Elizabeth MastrantonioJohn TurturroHelen ShaverForest WhitakerBill Cobbs.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

EL COLOR DEL DINERO (1986). El regreso de Eddie Felson.

el-color-del-dinero
Con esta película Martin Scorsese toma la acertada decisión de no reescribir el personaje de Eddie Felson. Un cuarto de siglo después de la brillante obra de Robert Rossen: "El buscavidas" Scorsese decide mostrarnos cómo ha envejecido el arrogante joven que aspiraba a ganar a los mejores. El mismo actor protagonista, Paul Newman ha envejecido como su personaje, basado en la misma novela de Walter Tevis. Sin embargo, esta vez el guión es de Richard Price y la diferencia con Robert Rossen es bastante notable, y no porque no se profundice en las inseguridades, miedos y cinismo de nuestro protagonista, sino porque la forma de mostrarlo en pantalla es diametralmente opuesta.

Si Rossen con un estilo sobrio y conmovedor nos plantea la dificultad que tiene un joven para creer en sí mismo, para avanzar en un mundillo cruel y despiadado, dominado por personajes mezquinos con diálogos punzantes e hirientes hasta lo más profundo, Scorsese se mantiene en su línea de crear un lenguaje visual propio y expresar con los movimientos de cámara una extensión del personaje de Rossen.

En este film, Eddie Felson tiene 25 años más, es un superviviente que sigue deambulando por el submundo de los juegos del billar. Ya no es jugador, sus aspiraciones se limitan a ganar dinero con la venta de alcohol de baja calidad, engañando con etiquetas falsas y utilizando a un mediocre jugador de billar, John Turturro, adicto a la cocaína para pequeños timos. Eddie se ha convertido en un cínico que se engaña a sí mismo y a los demás y que piensa exclusivamente en el dinero como auténtico y único motor de vida.

el-color-del-dinero

Un día, en una sala de juego, conoce a Vincent, un jovencísimo y casi debutante Tom Cruise, un brillante jugador de billar, tan arrogante y tan seguro de sí mismo que es capaz de llamar la atención por donde pasa. Tom Cruise realiza así uno de sus mejores papeles, ya que su forma tan inmadura de comportarse como el rey de la pista, acompañado de bailes y excesos cada vez que golpea el taco, le va a la perfección. Pese a su gran alarde en la mesa de billar, posee una ingenuidad que intenta enmascarar acompañándose de una atractiva novia, Mary Elizabeth Mastrantonio, bastante mayor que él. Ella se encarga de sus apuestas en las partidas y parece ser la única capaz de asumir que la genialidad con el taco en la mesa de billar de Vincent puede proporcionar dinero. Vincent por su parte sólo juega por diversión y para demostrar que él es el mejor, el dinero parece no tener ninguna importancia. Procedente de una buena familia y con un trabajo estable, todavía no conoce el submundo de las apuestas y la guerra por un puñado de dólares. Eddie, aparecerá en su vida para demostrarle que con el billar se puede ganar mucho dinero, jugando en pequeños locales, dejándose ganar para luego realizar grandes timos.

"No importa los premios que ganes, el mejor es siempre el que consigue más dinero, no importa cómo".

Con ese objetivo, el de ganar dinero, los tres emprenden un viaje juntos cuya meta final será un Torneo en Atlantic City. Por el camino van recorriendo la antigua ruta que Eddie conoció bien en sus tiempos de jugador. Intentarán ir sacando dinero con pequeños timos hasta alcanzar el gran torneo, donde la meta no será ganar el primer puesto, sino ganar la máxima cantidad de dinero en las apuestas paralelas al campeonato.

el-color-del-dinero

El binomio Paul Newman/ Martin Scorsese adquiere tal compenetración que funciona hasta niveles muy profundos. Allí donde parecía poco probable volver a indagar con la misma maestría que 25 años antes hiciera el gran Rossen, la cámara siempre inquieta del maestro Scorsese con sus encuadres y su "fast Dolly zoom" consiguen una puesta en escena espectacular donde la fuerza del director se acopla a la perfección con los sentimientos de Felson, un Newman en estado de gracia y que recibió un Oscar por esta interpretación (aunque se negó a recogerlo). Scorsese sabe sacar partido de toda la veteranía de un gran actor y plasmar el interior del personaje, con un lenguaje visual de manera inmejorable.

La película posee uno de los mejores trabajos de montaje de una de las habituales colaboradoras del director, Thelma Schoonmaker, que atendiendo a las inquietudes de Scorsese, convierte un típico cambio de plano en todo un mundo con vida propia y ritmo interno. Todas las secuencias en las que Felson mira la mesa de billar, la cámara realiza portentosos travellings, a veces simulando ser la bola, que junto al efectivo montaje, transmiten el interior de Felson, donde algo está renaciendo y removiéndose, a punto de salir con fuerza: Su antiguo yo.

el-color-del-dinero

Scorsese tenía la intención de filmar la película en blanco y negro, pero algún ejecutivo de la productora debió poner el grito en el cielo. Lo cierto es que el tratamiento que Scorsese le da a un deporte como el billar se asemeja a lo que hizo con el boxeo en la monumental : "Toro salvaje (1980)". Sus movimientos de cámara giran en torno a la mesa de billar, al igual que hiciera con el cuadrilátero de boxeo y tal como Scorsese refirió aprender de la película "Las zapatillas rojas (1948)", lo que realmente se mueve con la cámara está alrededor del objeto que se está mirando. Scorsese declaró que este trabajo ha sido la única película que terminó por debajo de la fecha límite de rodaje y empleando menos del presupuesto asignado. Se nota que la dirigió con ganas, con energía y con garra. Además contaba con todo un elenco espléndido de secundarios de lujo, no famosos por aquel tiempo como John Turturro y Forest Whitaker, junto con el cameo de Iggy Pop.

La fotografía a color de Michael Ballhaus es capaz de mostrar la esencia y la decadente atmósfera de aquellos barrios en los que antaño el billar era su eje, ahora convertidos en zonas marginales donde la cocaína y otras drogas son las que realmente mueven las ganancias.

Scorsese enfrenta la juventud llena de talento e ingenuidad frente a la experiencia de una vida que arrastra graves heridas, aunque el mensaje parece ser el mismo. Más importante que ganar o perder, más importante que el dinero es la actitud con la que enfrentarse a los miedos y las dificultades. La honestidad con uno mismo es lo más importante y eso es lo único que nadie puede arrebatarte.

el-color-del-dinero

Título original: The Color of Money.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Paul NewmanTom CruiseMary Elizabeth MastrantonioJohn TurturroHelen ShaverForest WhitakerBill Cobbs.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

la-autopsia-de-jane-doe
Tommy y Austin Tilden regentan una morgue y un crematorio en Virginia. Un día el sheriff local les entrega un cadáver sin nombre, bautizado como Jane Doe según la tradición policial, encontrado intacto en la escena de un macabro crimen. Pronto, padre e hijo descubrirán que el nuevo encargo no es mera rutina y que, aunque por fuera el cuerpo está en perfecto estado, el interior de Jane Doe es la plaza de un ritual que extiende sus efectos a lo largo de los siglos.

De vez en cuando el tan explotado y a veces ninguneado por la critica género del terror, nos deja perlas únicas y de un valor por encima de la media de tantos subproductos slasher gore, mockumentarys de saldo, survivals de jardin de infancia y exorcismos varios. Este film del noruego André Øvredal autor de la estimable "The Troll Hunter" y recompensado en el Festival de Sitges 2016 con el Premio Especial del Jurado por el mismo, es un claro ejemplo de que hay vida mas allá de un genero que la mayoría de las veces da tantos síntomas de desgaste como de hastío.

Con un guión de Ian Goldberg y Richard Naing, la acción se situará en un pequeño pueblo en el que una familia regenta una morgue a la que llega el cadáver de una víctima de asesinato no identificada (de ahí el nombre de Jane Doe). A medida que van haciendo averiguaciones sobre quién se encuentra en su depósito de cadáveres y cómo ha sido asesinada, irán descubriendo una serie de extrañas pistas para descifrar una serie de misterios que quizá sería mejor dejar sin resolver.

la-autopsia-de-jane-doe

The Autopsy of Jane Doe impacta pero permanece fiel a los cánones establecidos en la época dorada del género, los años 70 y 80 con referencias explicitas al mejor Carpenter. Es un terror inteligente y no exento de sustos memorables, pero mantiene al espectador en vilo generando una tensión absorbente y desvelando detalles de la trama poco a poco.

El realizador ha sabido manejar y combinar los elementos de su película y a sus protagonistas de una manera magistral. Una funeraria, una noche oscura y solitaria, dos hombres solos y un cadáver sin nombre lleno de oscuros, terrible y mortales secretos. La planificación de escenas giran alrededor del cuerpo presente de Jane Doe como centro neurálgico de la acción siempre dosificada con muy buen gusto incluso en las escenas más gore, pero siempre in crescendo transportándonos en un viaje estremecedor pero fascinante, donde el misticismo y los rituales mas arcanos se dan la mano con la ciencia y la investigación, y en el cual por momentos los dos actores principales (el siempre brillante Brian Cox y el solvente Emile Hirsch como padre e hijo) nos recordaran a un Holmes y Watson actuales.

Una historia de lo mas interesante y original aunque de gran clasicismo, muy deudora de la serie B, pero de esa serie B que tanto nos gusta y que tan buenos momentos nos ha dejado y que no puedo dejar de recomendar como una de las mejores y mas estimulantes propuestas (sino la mejor) del género en este año 2016.

la-autopsia-de-jane-doe

Título original: The Autopsy of Jane Doe.

Director: André Øvredal.

Intérpretes: Emile HirschBrian CoxOphelia LovibondMichael McElhattonOlwen KellyJane Perry.

Trailer:


Reseña escrita por Ramón Abelló Miñano

LA AUTOPSIA DE JANE DOE (2016). Misterio en la morgue.

la-autopsia-de-jane-doe
Tommy y Austin Tilden regentan una morgue y un crematorio en Virginia. Un día el sheriff local les entrega un cadáver sin nombre, bautizado como Jane Doe según la tradición policial, encontrado intacto en la escena de un macabro crimen. Pronto, padre e hijo descubrirán que el nuevo encargo no es mera rutina y que, aunque por fuera el cuerpo está en perfecto estado, el interior de Jane Doe es la plaza de un ritual que extiende sus efectos a lo largo de los siglos.

De vez en cuando el tan explotado y a veces ninguneado por la critica género del terror, nos deja perlas únicas y de un valor por encima de la media de tantos subproductos slasher gore, mockumentarys de saldo, survivals de jardin de infancia y exorcismos varios. Este film del noruego André Øvredal autor de la estimable "The Troll Hunter" y recompensado en el Festival de Sitges 2016 con el Premio Especial del Jurado por el mismo, es un claro ejemplo de que hay vida mas allá de un genero que la mayoría de las veces da tantos síntomas de desgaste como de hastío.

Con un guión de Ian Goldberg y Richard Naing, la acción se situará en un pequeño pueblo en el que una familia regenta una morgue a la que llega el cadáver de una víctima de asesinato no identificada (de ahí el nombre de Jane Doe). A medida que van haciendo averiguaciones sobre quién se encuentra en su depósito de cadáveres y cómo ha sido asesinada, irán descubriendo una serie de extrañas pistas para descifrar una serie de misterios que quizá sería mejor dejar sin resolver.

la-autopsia-de-jane-doe

The Autopsy of Jane Doe impacta pero permanece fiel a los cánones establecidos en la época dorada del género, los años 70 y 80 con referencias explicitas al mejor Carpenter. Es un terror inteligente y no exento de sustos memorables, pero mantiene al espectador en vilo generando una tensión absorbente y desvelando detalles de la trama poco a poco.

El realizador ha sabido manejar y combinar los elementos de su película y a sus protagonistas de una manera magistral. Una funeraria, una noche oscura y solitaria, dos hombres solos y un cadáver sin nombre lleno de oscuros, terrible y mortales secretos. La planificación de escenas giran alrededor del cuerpo presente de Jane Doe como centro neurálgico de la acción siempre dosificada con muy buen gusto incluso en las escenas más gore, pero siempre in crescendo transportándonos en un viaje estremecedor pero fascinante, donde el misticismo y los rituales mas arcanos se dan la mano con la ciencia y la investigación, y en el cual por momentos los dos actores principales (el siempre brillante Brian Cox y el solvente Emile Hirsch como padre e hijo) nos recordaran a un Holmes y Watson actuales.

Una historia de lo mas interesante y original aunque de gran clasicismo, muy deudora de la serie B, pero de esa serie B que tanto nos gusta y que tan buenos momentos nos ha dejado y que no puedo dejar de recomendar como una de las mejores y mas estimulantes propuestas (sino la mejor) del género en este año 2016.

la-autopsia-de-jane-doe

Título original: The Autopsy of Jane Doe.

Director: André Øvredal.

Intérpretes: Emile HirschBrian CoxOphelia LovibondMichael McElhattonOlwen KellyJane Perry.

Trailer:


Reseña escrita por Ramón Abelló Miñano

el-protegido
El sexto sentido, Señales, El bosque, son películas en las que Shyamalan ha dejado su impronta con su nombre y apellidos antes incluso que el título de las películas que ha dirigido, en la manera que también antaño hicieron genios del suspense y el terror del talante de Hitchcock y John Carpenter. A mi juicio, una de las películas más redondas de M. Night es El protegido, y digo esto puesto que en plena ebullición del cine de superhéroes a principios del nuevo milenio, nos llegó un superhéroe con las medidas de Bruce Willis, 

Con un inicio perturbador de un bebé que tiene el síndrome de los huesos de cristal, que con el tiempo se convertirá en devorador de cómics (afición incentivada por su madre), y que una vez llegado a la edad adulta tiene una revelación: Si él es un humano indefinidamente frágil, tiene que haber un opuesto, alguien indestructible, alguien sobrehumano, un ser capaz de hacer prodigios maravillosos, hazañas que al igual que en las viñetas de sus cómics, sean equiparables a la mitología griega, que diluída en la mente del personaje de Samuel L. Jackson conviertan en realidad, lo que en ojos de cualquiera solo podría haber ficción. Con una elegante e intrigante puesta en escena M. Night Shyamalan ofreció un nuevo recital de suspense con un superhéroe que desconoce su potencial, que ni siquiera se ha planteado porqué nunca ha estado enfermo, o porqué es vigilante de seguridad dedicándose a proteger a los demás, o a qué es debida su tristeza existencial con una esposa (Robin Wright) a la que está perdiendo.

el-protegido

Bruce Willis me asombró de nuevo después de "El sexto sentido", con un personaje que podría ser cualquiera de nosotros, en unas circunstancias inauditas, que no llega a entender su destino hasta que la oscura figura del "señor de cristal" se cruza en su gris y triste vida. Mi atención de espectador se sobrecogió con escenas del acierto y la tensión tales como la noticia a Willis de que es el único superviviente de un accidente de tren mientras desenfocada la imagen, fluye la sangre de una de las víctimas, las revelaciones en el estadio de fútbol, la sorpresa de la resistencia y la fuerza con el levantamiento de pesas, la amenaza del hijo del superhéroe sabiendo que aún disparándole, no le iba a producir ningún daño....Todo hasta llegar a ese final donde el humano deja de serlo para buscar su sino, para revelarse como lo que es, para abandonar su condición de normal y ser lo que estaba destinado a ser. La vida es un cómic demasiado complejo y grande como para caber en viñetas, y aquí, en El Protegido se nos demostraba que si se cree, si se llega a entender, la mente y los prodigios humanos pueden sobrepasar toda frontera incomprensible, reivindicándose como una realidad fantástica...Y de igual modo, en el caso opuesto si existen los superhéroes, también los supervillanos....villanos con mentes perturbadas de huesos de cristal y otros con la capacidad de convertirse en diversos personajes encerrados en uno solo, hasta liberar a una bestia latente en uno de ellos....Hasta aquí puedo leer....

el-protegido

Título original: Unbreakable.

Director: M. Night Shyamalan.

Intérpretes: Bruce WillisSamuel L. JacksonRobin WrightSpencer Treat ClarkCharlayne WoodardEamonn WalkerLeslie Stefanson.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

EL PROTEGIDO (2000). Superhéroes de carne y hueso.

el-protegido
El sexto sentido, Señales, El bosque, son películas en las que Shyamalan ha dejado su impronta con su nombre y apellidos antes incluso que el título de las películas que ha dirigido, en la manera que también antaño hicieron genios del suspense y el terror del talante de Hitchcock y John Carpenter. A mi juicio, una de las películas más redondas de M. Night es El protegido, y digo esto puesto que en plena ebullición del cine de superhéroes a principios del nuevo milenio, nos llegó un superhéroe con las medidas de Bruce Willis, 

Con un inicio perturbador de un bebé que tiene el síndrome de los huesos de cristal, que con el tiempo se convertirá en devorador de cómics (afición incentivada por su madre), y que una vez llegado a la edad adulta tiene una revelación: Si él es un humano indefinidamente frágil, tiene que haber un opuesto, alguien indestructible, alguien sobrehumano, un ser capaz de hacer prodigios maravillosos, hazañas que al igual que en las viñetas de sus cómics, sean equiparables a la mitología griega, que diluída en la mente del personaje de Samuel L. Jackson conviertan en realidad, lo que en ojos de cualquiera solo podría haber ficción. Con una elegante e intrigante puesta en escena M. Night Shyamalan ofreció un nuevo recital de suspense con un superhéroe que desconoce su potencial, que ni siquiera se ha planteado porqué nunca ha estado enfermo, o porqué es vigilante de seguridad dedicándose a proteger a los demás, o a qué es debida su tristeza existencial con una esposa (Robin Wright) a la que está perdiendo.

el-protegido

Bruce Willis me asombró de nuevo después de "El sexto sentido", con un personaje que podría ser cualquiera de nosotros, en unas circunstancias inauditas, que no llega a entender su destino hasta que la oscura figura del "señor de cristal" se cruza en su gris y triste vida. Mi atención de espectador se sobrecogió con escenas del acierto y la tensión tales como la noticia a Willis de que es el único superviviente de un accidente de tren mientras desenfocada la imagen, fluye la sangre de una de las víctimas, las revelaciones en el estadio de fútbol, la sorpresa de la resistencia y la fuerza con el levantamiento de pesas, la amenaza del hijo del superhéroe sabiendo que aún disparándole, no le iba a producir ningún daño....Todo hasta llegar a ese final donde el humano deja de serlo para buscar su sino, para revelarse como lo que es, para abandonar su condición de normal y ser lo que estaba destinado a ser. La vida es un cómic demasiado complejo y grande como para caber en viñetas, y aquí, en El Protegido se nos demostraba que si se cree, si se llega a entender, la mente y los prodigios humanos pueden sobrepasar toda frontera incomprensible, reivindicándose como una realidad fantástica...Y de igual modo, en el caso opuesto si existen los superhéroes, también los supervillanos....villanos con mentes perturbadas de huesos de cristal y otros con la capacidad de convertirse en diversos personajes encerrados en uno solo, hasta liberar a una bestia latente en uno de ellos....Hasta aquí puedo leer....

el-protegido

Título original: Unbreakable.

Director: M. Night Shyamalan.

Intérpretes: Bruce WillisSamuel L. JacksonRobin WrightSpencer Treat ClarkCharlayne WoodardEamonn WalkerLeslie Stefanson.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

zootrópolis
Lo que distingue y hace superior una película de animación de estas características es que entretenga y divierta no solo a los peques sino a todos los miembros de la familia y creerme aunque Pixar nos tenga malacostumbrados en estos quehaceres es algo sumamente complicadísimo. Disney desde que reflotara de la mano de su filial en este sentido también va por el buen camino. Zootrópolis es una buena muestra de lo que estoy hablando, cumple sobradamente con el precepto de una gran apuesta de la productora. Byron Howard (Enredados) y Rich Moore (Rompe Ralph, Los Simpsons) aprueban con nota alta en estos quehaceres.

Cimentada en bases seguras pero construida con dosis de originalidad y atrevimiento, Disney vuelve a su antigua tradición de animales parlantes en el que la productora tiene un gran legado y que tantos éxitos le proporciono en el pasado. Podéis creerme cuando digo que aunque hayamos visto millones de películas de animales antropomorfizados, Zootrópolis juega con esta premisa con un ingenio inaudito, mostrándonos una suerte de universo alternativo donde no hay humanos, pero en el cual los animales se han civilizado.

zootrópolis

Como ya he comentado, esta cinta de animación nos presenta un mundo habitado únicamente por animales (mamiferos) en el que el astuto zorro Nick Wilde, acusado de un delito que no ha cometido, y la soñadora coneja Judy Hops se unirán para destapar al responsable de una conspiración que busca a toda costa que los dos vayan a la cárcel. La trama en si sería una buddy movie imposible (un zorro y una coneja) con tintes de cine negro, en la que gracias a un guión trabajado con muchos guiños cinéfilos y sobre todo con un buen sentido del humor, mezcla a la perfección varios discursos en una misma línea argumental (desde la consecución de los sueños hasta una sofisticada alegoría social), haciendo las delicias de todo tipo de público que se acerque a ella. Lo más sorprendente es que los giros argumentales no se ven venir desde el minuto cero, lo que es de agradecer. Para los cinéfilos tiene un añadido extra, los guiños, que no son pocos. Yo personalmente me quedo con el de El padrino y Canción triste de Hill Street.

zootrópolis

La entrada a la moderna metrópoli mamífera de Zootrópolis es absolutamente espectacular. Un tren de máxima velocidad nos lleva de viaje a través de sus fascinantes distritos con diferentes hábitats como la desértica Sahara Square, la gélida Tundratown o la selvática Rainforest District. Un montaje que desborda imaginación, que con su portentoso diseño nos revela una ciudad prodigiosa llena de vida y adaptada a todo tipo de clase animal.

Cabe recalcar que uno de los puntos fuertes de este film es su magistral sentido del humor, el cual se puede apreciar en numerosas escenas pero si tuviera que resaltar una por encima de todas sería la de los perezosos como funcionarios del estado es simplemente hilarante, para más recochineo el amigo de Nick se llama Flash (relámpago)...brutal y la escena final con el tal Flash, buenísima.

zootrópolis

Lo peor, no todo iban a ser cosas buenas… es Shakira metida con calzador como una gacela de anchas caderas promocionando su nuevo single. Lo siento, no la soporto, que se vaya a cantarle al Pique.

Zootrópolis no marcará un antes y un después en el cine de animación y a pesar de estar a cierta distancia de las grandes obras de Pixar, ofrece un buen divertimento a toda la familia, un guión lleno de sorpresas, un auténtico goce visual y una moraleja la mar de fina. Si tenéis la oportunidad de verla, no lo dudéis.

zootrópolis

Director: Byron HowardRich MooreJared Bush.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Pepe Mata

ZOOTRÓPOLIS (2016). La ciudad mamífera de Disney.

zootrópolis
Lo que distingue y hace superior una película de animación de estas características es que entretenga y divierta no solo a los peques sino a todos los miembros de la familia y creerme aunque Pixar nos tenga malacostumbrados en estos quehaceres es algo sumamente complicadísimo. Disney desde que reflotara de la mano de su filial en este sentido también va por el buen camino. Zootrópolis es una buena muestra de lo que estoy hablando, cumple sobradamente con el precepto de una gran apuesta de la productora. Byron Howard (Enredados) y Rich Moore (Rompe Ralph, Los Simpsons) aprueban con nota alta en estos quehaceres.

Cimentada en bases seguras pero construida con dosis de originalidad y atrevimiento, Disney vuelve a su antigua tradición de animales parlantes en el que la productora tiene un gran legado y que tantos éxitos le proporciono en el pasado. Podéis creerme cuando digo que aunque hayamos visto millones de películas de animales antropomorfizados, Zootrópolis juega con esta premisa con un ingenio inaudito, mostrándonos una suerte de universo alternativo donde no hay humanos, pero en el cual los animales se han civilizado.

zootrópolis

Como ya he comentado, esta cinta de animación nos presenta un mundo habitado únicamente por animales (mamiferos) en el que el astuto zorro Nick Wilde, acusado de un delito que no ha cometido, y la soñadora coneja Judy Hops se unirán para destapar al responsable de una conspiración que busca a toda costa que los dos vayan a la cárcel. La trama en si sería una buddy movie imposible (un zorro y una coneja) con tintes de cine negro, en la que gracias a un guión trabajado con muchos guiños cinéfilos y sobre todo con un buen sentido del humor, mezcla a la perfección varios discursos en una misma línea argumental (desde la consecución de los sueños hasta una sofisticada alegoría social), haciendo las delicias de todo tipo de público que se acerque a ella. Lo más sorprendente es que los giros argumentales no se ven venir desde el minuto cero, lo que es de agradecer. Para los cinéfilos tiene un añadido extra, los guiños, que no son pocos. Yo personalmente me quedo con el de El padrino y Canción triste de Hill Street.

zootrópolis

La entrada a la moderna metrópoli mamífera de Zootrópolis es absolutamente espectacular. Un tren de máxima velocidad nos lleva de viaje a través de sus fascinantes distritos con diferentes hábitats como la desértica Sahara Square, la gélida Tundratown o la selvática Rainforest District. Un montaje que desborda imaginación, que con su portentoso diseño nos revela una ciudad prodigiosa llena de vida y adaptada a todo tipo de clase animal.

Cabe recalcar que uno de los puntos fuertes de este film es su magistral sentido del humor, el cual se puede apreciar en numerosas escenas pero si tuviera que resaltar una por encima de todas sería la de los perezosos como funcionarios del estado es simplemente hilarante, para más recochineo el amigo de Nick se llama Flash (relámpago)...brutal y la escena final con el tal Flash, buenísima.

zootrópolis

Lo peor, no todo iban a ser cosas buenas… es Shakira metida con calzador como una gacela de anchas caderas promocionando su nuevo single. Lo siento, no la soporto, que se vaya a cantarle al Pique.

Zootrópolis no marcará un antes y un después en el cine de animación y a pesar de estar a cierta distancia de las grandes obras de Pixar, ofrece un buen divertimento a toda la familia, un guión lleno de sorpresas, un auténtico goce visual y una moraleja la mar de fina. Si tenéis la oportunidad de verla, no lo dudéis.

zootrópolis

Director: Byron HowardRich MooreJared Bush.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Pepe Mata

el-precio-del-poder
Remake de un clásico de 50 años antes: Caracortada, terror del hampa (1932), dirigido por Howard Hawks y escrito por Ben Hetch, inspirado en la vida del mafioso Al Capone, película que también provocó protestas por su violencia implícita y, curiosamente, algún crítico asalariado del capo la tildó como "una versión distorsionada de los valores empresariales de América" o algo así.

En 1983, escrita por Oliver Stone, nuestro viejo amigo Brian de Palma, actualizaba el tema del ascenso de un delincuente de poca monta que se convertía en un auténtico rey del crimen organizado, esta vez venía de Cuba, durante el éxodo de 125000 isleños cuando Fidel Castro permitió que desde el puerto de Mariel salieran opositores al régimen y de paso, purificó sus cárceles, pues una quinta parte eran individuos con antecedentes criminales. Así llega Tony Montana a Florida acompañado de su fiel amigo Manny Rivera y desde el comienzo sabemos que este angelito llegará lejos en el submundo del hampa.

Caracortada, obvio apodo para un sujeto con una cicatriz en el lado izquierdo del rostro, cuya maldad le facilitará el camino desde sicario a segundo de un mafioso local y posteriormente, al traicionarlo, a hampón mayor y zar del narcotráfico. Precisamente el vicio hacia la cocaína tanto suyo como de su esposa marcarán su declive, sumados a su comportamiento totalmente antisocial, su amor evidentemente incestuoso hacia su hermana y su gusto por las armas, confluyendo en un sangriento desenlace.


el-precio-del-poder

Tony Montana es una caracterización brutal de Al Pacino que nos hace olvidar que ya había interpretado otros personajes. El contenido Michael Corleone se psicopatiza en un repulsivo ser hiperquinético que no mide obstáculos hasta llegar a su objetivo, aunque tiene sus principios: ¡Todo lo que tengo son mis bolas y mi palabra y no las romperé por nadie!, así como tampoco se mete con mujeres (a menos que quiera algo de ellas) y niños. Pero Pacino le brinda también simpatía al tipo pues siendo otro quisiéramos que ya sea baleado a los 20 minutos de la película, sino que estupefactos admiramos su recorrido hacia la cúspide. ¿Qué quieres? Le pregunta su amigo Manny. Quiero el mundo y todo lo que hay en él, le responderá, y justamente eso tendrá al final en forma de un enorme globo terráqueo colgando sobre su cadáver: The world is yours.

Como su mano derecha está Steven Bauer, un cubano (el único cubano de la película) nacionalizado americano que comenzó llamándose Esteban "Ricky" Echeverría y que de una serie divertida llamada Que pasa USA saltó a la fama con este personaje que también será víctima de la paranoia de su amigazo solo por el pecado de enamorarse de la hermana del psicótico (spoiler que seguramente todo el mundo sabe) y que contribuye al desastre total que está por venir.

En papeles secundarios aparecen Michelle Pfeiffer recién salidita de Grease 2, luciendo una belleza condenada a la destrucción, primero amante del criminal Frank López (Robert Loggia) y luego mujer de Montana. Mary Elizabeth Mastrantonio encarna a Gina, la fraternal carne del deseo. Y en papeles mucho menos importantes reconocemos a Gregg Henry, Harris Yulin, Paul Shenar (Alejandro Sosa, rey de la coca boliviano) y a un tal F. Murray Abraham.


el-precio-del-poder

Brian de Palma de una manera vertiginosa, quizá para subliminalmente hablarnos del efecto del polvo blanco, dirige esta explosiva, sangrienta (aunque la verdad, se sugiere más de lo que se muestra), ochentera (música disco y sintetizadores) película , criticada por el exceso de lenguaje obsceno (hay fucks por doquier), que llevó a la ejecución de 2 versiones, la una para cine y otra descafeinada para la tv. Brian sustituyó a Sidney Lumet, que fuera el elegido por Martin Bregman y quien sugirió los cambios de localidad (Chicago por Miami) y el tipo de droga (alcohol por coca), pero un desacuerdo con el guión lo dejó fuera. Guión escrito por Oliver Stone que necesitaba reivindicarse del fracaso del filme de terror La mano (1981) (remake de Las manos de Orlac) donde ejerció de director. Con eso la carga política y crítica al sistema ya iba por buen camino, recordemos que se iniciaba la era Reagan, capitalismo en estado puro. La música trepidante estuvo a cargo de Giorgio Moroder. Push it to the limit, daba el pincelazo adecuado para retratar el ambiente de la época.

El apoteósico final con un alucinante Tony, hiperexcitado con la coca y la adrenalina, metralleta en mano (say hello to my Little friend) llevándose a más de una veintena de sicarios cual Rambo forma parte de la historia del cine. En la versión de los 30, Caracortada cae bajo el fuego de los hombres de la ley. Aquí, no pudiendo ser de otra manera pues su destino está ya escrito, son los suyos, los narcos, quienes le dan fin.


el-precio-del-poder

Título original: Scarface.

Director: Brian De Palma.

Intérpretes: Al PacinoSteven BauerMichelle PfeifferMary Elizabeth MastrantonioRobert LoggiaMiriam ColonF. Murray Abraham.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

EL PRECIO DEL PODER (1983). Al Pacino es Tony Montana.

el-precio-del-poder
Remake de un clásico de 50 años antes: Caracortada, terror del hampa (1932), dirigido por Howard Hawks y escrito por Ben Hetch, inspirado en la vida del mafioso Al Capone, película que también provocó protestas por su violencia implícita y, curiosamente, algún crítico asalariado del capo la tildó como "una versión distorsionada de los valores empresariales de América" o algo así.

En 1983, escrita por Oliver Stone, nuestro viejo amigo Brian de Palma, actualizaba el tema del ascenso de un delincuente de poca monta que se convertía en un auténtico rey del crimen organizado, esta vez venía de Cuba, durante el éxodo de 125000 isleños cuando Fidel Castro permitió que desde el puerto de Mariel salieran opositores al régimen y de paso, purificó sus cárceles, pues una quinta parte eran individuos con antecedentes criminales. Así llega Tony Montana a Florida acompañado de su fiel amigo Manny Rivera y desde el comienzo sabemos que este angelito llegará lejos en el submundo del hampa.

Caracortada, obvio apodo para un sujeto con una cicatriz en el lado izquierdo del rostro, cuya maldad le facilitará el camino desde sicario a segundo de un mafioso local y posteriormente, al traicionarlo, a hampón mayor y zar del narcotráfico. Precisamente el vicio hacia la cocaína tanto suyo como de su esposa marcarán su declive, sumados a su comportamiento totalmente antisocial, su amor evidentemente incestuoso hacia su hermana y su gusto por las armas, confluyendo en un sangriento desenlace.


el-precio-del-poder

Tony Montana es una caracterización brutal de Al Pacino que nos hace olvidar que ya había interpretado otros personajes. El contenido Michael Corleone se psicopatiza en un repulsivo ser hiperquinético que no mide obstáculos hasta llegar a su objetivo, aunque tiene sus principios: ¡Todo lo que tengo son mis bolas y mi palabra y no las romperé por nadie!, así como tampoco se mete con mujeres (a menos que quiera algo de ellas) y niños. Pero Pacino le brinda también simpatía al tipo pues siendo otro quisiéramos que ya sea baleado a los 20 minutos de la película, sino que estupefactos admiramos su recorrido hacia la cúspide. ¿Qué quieres? Le pregunta su amigo Manny. Quiero el mundo y todo lo que hay en él, le responderá, y justamente eso tendrá al final en forma de un enorme globo terráqueo colgando sobre su cadáver: The world is yours.

Como su mano derecha está Steven Bauer, un cubano (el único cubano de la película) nacionalizado americano que comenzó llamándose Esteban "Ricky" Echeverría y que de una serie divertida llamada Que pasa USA saltó a la fama con este personaje que también será víctima de la paranoia de su amigazo solo por el pecado de enamorarse de la hermana del psicótico (spoiler que seguramente todo el mundo sabe) y que contribuye al desastre total que está por venir.

En papeles secundarios aparecen Michelle Pfeiffer recién salidita de Grease 2, luciendo una belleza condenada a la destrucción, primero amante del criminal Frank López (Robert Loggia) y luego mujer de Montana. Mary Elizabeth Mastrantonio encarna a Gina, la fraternal carne del deseo. Y en papeles mucho menos importantes reconocemos a Gregg Henry, Harris Yulin, Paul Shenar (Alejandro Sosa, rey de la coca boliviano) y a un tal F. Murray Abraham.


el-precio-del-poder

Brian de Palma de una manera vertiginosa, quizá para subliminalmente hablarnos del efecto del polvo blanco, dirige esta explosiva, sangrienta (aunque la verdad, se sugiere más de lo que se muestra), ochentera (música disco y sintetizadores) película , criticada por el exceso de lenguaje obsceno (hay fucks por doquier), que llevó a la ejecución de 2 versiones, la una para cine y otra descafeinada para la tv. Brian sustituyó a Sidney Lumet, que fuera el elegido por Martin Bregman y quien sugirió los cambios de localidad (Chicago por Miami) y el tipo de droga (alcohol por coca), pero un desacuerdo con el guión lo dejó fuera. Guión escrito por Oliver Stone que necesitaba reivindicarse del fracaso del filme de terror La mano (1981) (remake de Las manos de Orlac) donde ejerció de director. Con eso la carga política y crítica al sistema ya iba por buen camino, recordemos que se iniciaba la era Reagan, capitalismo en estado puro. La música trepidante estuvo a cargo de Giorgio Moroder. Push it to the limit, daba el pincelazo adecuado para retratar el ambiente de la época.

El apoteósico final con un alucinante Tony, hiperexcitado con la coca y la adrenalina, metralleta en mano (say hello to my Little friend) llevándose a más de una veintena de sicarios cual Rambo forma parte de la historia del cine. En la versión de los 30, Caracortada cae bajo el fuego de los hombres de la ley. Aquí, no pudiendo ser de otra manera pues su destino está ya escrito, son los suyos, los narcos, quienes le dan fin.


el-precio-del-poder

Título original: Scarface.

Director: Brian De Palma.

Intérpretes: Al PacinoSteven BauerMichelle PfeifferMary Elizabeth MastrantonioRobert LoggiaMiriam ColonF. Murray Abraham.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

legionario
El pasado jueves 16 de febrero tuvo lugar el preestreno del film "Legionario" en los Multicines Tenerife. Un evento organizado por Charlas de Cine y que estuvo amenizado por la proyección de dicho film y una posterior charla compuesta por el director, actor principal y productora de la película. En ella pudimos disfrutar de sus vivencias en el rodaje, contándonos anécdotas durante la realización de la película, todo ello en un ambiente distendido donde el público pudo expresar sus impresiones del largometraje en cuestión.

Legionario supone el debut detrás de las cámaras del mexicano Eduardo H. Garza, también encargado de la fotografía y la escritura del guión. En su primera película Garza nos narra la historia de Santos, un soldado que tras participar en una misión en Afganistan regresa a casa para encontrarse con su novia. Su felicidad durará poco después de asistir a una fiesta de bienvenida organizado por sus amigos y despertarse acostado al lado del cadáver de una mujer.

 Con un bajo presupuesto (aunque no lo parezca al ver sus escenas bélicas y de acción) la películas tardaría 5 años en ver la luz debido a  los escasos medios que disponían para llevarla a cabo y sus problemas de conseguir un distribuidor.  El film, que combina el género bélico con el thriller psicológico, sería rodado en su totalidad en la Comunidad de Madrid, incluso las escenas de Afganistan donde harían uso de un campo de paintball situado en Boadilla del Monte para mostrarnos las escenas de guerra. 


legionario

A pesar de que a simple vista pueda parecernos un film que busca transmitir un mensaje antibelicista, el propósito del realizador no fue otro que expresar lo que se siente al perder a un ser querido, como el amor puede desatar ira y locura cuando esa persona que quieres desaparece de tu vida. 

La película, realizada la mayor parte del tiempo con largos planos secuencias y de movimientos de cámara en primera persona, se caracteriza por mantenerlos en vilo los escasos 80 minutos de duración. Haciendo uso de giros narrativos que nos hace confundir hasta la conclusión de la misma con un final sorprendente y a la vez impactante.

Destaca la actuación de Raúl Tejón que lleva gran parte del peso del film, con un personaje complejo de realizar pero que el actor lo lleva a cabo de manera notable, sin desentonar en ningún momento, mostrando su desparpajo delante de las cámaras y que le deparará, sin lugar a dudas, un gran futuro en el mundo del cine.

Acompañando al protagonista podemos encontrarnos con la actriz Diana Palazón, que al igual que Raúl es conocida por participar en series televisivas a pesar de también contar con pequeños papeles en películas como "Planta 4º" o "Gente Pez".

Cabe resaltar el apartado musical compuesto por Eduardo Ardibe, autor de la partitura de "El bola".


legionario

Director: Eduardo H. Garza.

Intérpretes: Raúl TejónDiana PalazónLuis MottolaJuanjo SanjoséMarta CanaldaCamilo VásquezNacho FresnedaArturo de la TorreElio Godino.

Trailer:


Instantes del preestreno y la charla organizada al final de la proyección (Fotos a cargo de Dolores Portero):










Reseña escrita por Jesús Fariña

LEGIONARIO (2017). La ópera prima de Eduardo H. Garza.

legionario
El pasado jueves 16 de febrero tuvo lugar el preestreno del film "Legionario" en los Multicines Tenerife. Un evento organizado por Charlas de Cine y que estuvo amenizado por la proyección de dicho film y una posterior charla compuesta por el director, actor principal y productora de la película. En ella pudimos disfrutar de sus vivencias en el rodaje, contándonos anécdotas durante la realización de la película, todo ello en un ambiente distendido donde el público pudo expresar sus impresiones del largometraje en cuestión.

Legionario supone el debut detrás de las cámaras del mexicano Eduardo H. Garza, también encargado de la fotografía y la escritura del guión. En su primera película Garza nos narra la historia de Santos, un soldado que tras participar en una misión en Afganistan regresa a casa para encontrarse con su novia. Su felicidad durará poco después de asistir a una fiesta de bienvenida organizado por sus amigos y despertarse acostado al lado del cadáver de una mujer.

 Con un bajo presupuesto (aunque no lo parezca al ver sus escenas bélicas y de acción) la películas tardaría 5 años en ver la luz debido a  los escasos medios que disponían para llevarla a cabo y sus problemas de conseguir un distribuidor.  El film, que combina el género bélico con el thriller psicológico, sería rodado en su totalidad en la Comunidad de Madrid, incluso las escenas de Afganistan donde harían uso de un campo de paintball situado en Boadilla del Monte para mostrarnos las escenas de guerra. 


legionario

A pesar de que a simple vista pueda parecernos un film que busca transmitir un mensaje antibelicista, el propósito del realizador no fue otro que expresar lo que se siente al perder a un ser querido, como el amor puede desatar ira y locura cuando esa persona que quieres desaparece de tu vida. 

La película, realizada la mayor parte del tiempo con largos planos secuencias y de movimientos de cámara en primera persona, se caracteriza por mantenerlos en vilo los escasos 80 minutos de duración. Haciendo uso de giros narrativos que nos hace confundir hasta la conclusión de la misma con un final sorprendente y a la vez impactante.

Destaca la actuación de Raúl Tejón que lleva gran parte del peso del film, con un personaje complejo de realizar pero que el actor lo lleva a cabo de manera notable, sin desentonar en ningún momento, mostrando su desparpajo delante de las cámaras y que le deparará, sin lugar a dudas, un gran futuro en el mundo del cine.

Acompañando al protagonista podemos encontrarnos con la actriz Diana Palazón, que al igual que Raúl es conocida por participar en series televisivas a pesar de también contar con pequeños papeles en películas como "Planta 4º" o "Gente Pez".

Cabe resaltar el apartado musical compuesto por Eduardo Ardibe, autor de la partitura de "El bola".


legionario

Director: Eduardo H. Garza.

Intérpretes: Raúl TejónDiana PalazónLuis MottolaJuanjo SanjoséMarta CanaldaCamilo VásquezNacho FresnedaArturo de la TorreElio Godino.

Trailer:


Instantes del preestreno y la charla organizada al final de la proyección (Fotos a cargo de Dolores Portero):










Reseña escrita por Jesús Fariña

gentleman-jim
"Gentleman Jim" es una original película del maestro Raoul Walsh basada en las memorias de James J. Corbett, uno de los pioneros en desarrollar el deporte del boxeo tal y como lo conocemos hoy en día. Se trata de un relato atípico de boxeo, un deporte que el cine ha sabido retratar desde diferentes perspectivas que abarcan desde el Cine Noir hasta el cine de denuncia social, pasando por épicas autobiografías o relatos de visceral violencia con especial intensidad física.

En este caso Walsh, el gran narrador de relatos, cineasta por excelencia que supo cultivar todo tipo de géneros y sus intersecciones, nos deleita con una obra tan original como inclasificable, ya que no se trata de un film oscuro o especialmente violento, sino de una aguda mezcla entre comedia, sátira social y cine de acción.

Durante el metraje predomina un ritmo sobresaliente, una descripción precisa del entorno social de finales del S. XIX y una muy certera aproximación a esa transición entre peleas callejeras de fortachones casi salvajes y la creación de una verdadera disciplina deportiva. Ambientado en San Francisco, el relato toma como eje central el período en el que Corbett se convirtió en el primer campeón del mundo de los pesos pesados, hacia 1892, cuando derrotó a John L. Sullivan, tras la entrada en vigor de las llamadas reglas de Queensberry, que exigían la utilización de unos guantes hinchados para proteger los nudillos, un cuadrilátero con unas medidas determinadas y establecían la duración del combate.


gentleman-jim

"Voy a traer al entrenador del príncipe de Inglaterra. Si no puedes convertir a los boxeadores en caballeros, habrá que convertir a los caballeros en boxeadores".

Con este párrafo se define la mayor parte del mensaje del film. El boxeo es mucho más que una salvaje demostración de fuerza física, es un deporte y como tal debe ser considerado.

Raoul Walsh con el guión elaborado por Vincent Lawrence y Horace McCoy, rescata del recuerdo la figura y las memorias de todo un personaje que él mismo conoció en vida. Y para representarlo qué mejor elección que la de uno de sus actores con fama de elegante vividor que además había practicado el boxeo durante su juventud: Errol Flynn, quien supo darle el carisma y la picaresca que requería el protagonista.

Mucho se ha escrito sobre Errol, si bien es cierto que Raoul Walsh supo sacarle el máximo partido como actor en las siete colaboraciones que hicieron juntos, y este film es buena prueba de ello.Por todos es conocido que Errol era amigo de las juergas, las dos grandes aficiones del actor fueron la bebida y el sexo:

"Me gusta el whisky viejo y las mujeres jóvenes".


gentleman-jim

Probó el opio, la marihuana y todo tipo de afrodisiacos, "en especial la cocaína untada en la punta del pene". En cuanto al alcohol llegó a inyectar vodka en naranjas para consumirlo en el plató sin que pudieran recriminarle su adicción. Pero lo que más le destrozó anímicamente fue que lo rechazaran como "no apto" para combatir en la Segunda Guerra Mundial por problemas de salud, lo cual, conociendo sus excesos, no parece nada raro. Al salir esto a la luz, afectó muy negativamente a su imagen de héroe imbatible. Tan duramente estaba herido su ego, que al rodar este film casi sufre un ataque al corazón por empeñarse en rodar él mismo las escenas del combate.

Como resultado de esta gran colaboración entre un genio del cine y un carismático protagonista nos queda una deliciosa obra sobre el deporte del boxeo, donde destaca la maestría de un gran narrador de relatos que nos acerca a una época histórica de grandes cambios con un ritmo vibrante muy cercano al cine de acción, con unos diálogos chispeantes característicos de una buena comedia y una ambientación y puesta en escena donde se perciben atisbos de un cine social. Todo ello envuelto por la característica lucidez, vitalidad y entusiasmo viril del gran Raoul Walsh.


gentleman-jim

Director: Raoul Walsh.

Intérpretes: Errol FlynnAlexis SmithJack CarsonAlan HaleJohn LoderWilliam FrawleyMinor WatsonWard BondMadeleine LeBeau.

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

GENTLEMAN JIM (1942). Errol Flynn es el boxeador James Corbett.

gentleman-jim
"Gentleman Jim" es una original película del maestro Raoul Walsh basada en las memorias de James J. Corbett, uno de los pioneros en desarrollar el deporte del boxeo tal y como lo conocemos hoy en día. Se trata de un relato atípico de boxeo, un deporte que el cine ha sabido retratar desde diferentes perspectivas que abarcan desde el Cine Noir hasta el cine de denuncia social, pasando por épicas autobiografías o relatos de visceral violencia con especial intensidad física.

En este caso Walsh, el gran narrador de relatos, cineasta por excelencia que supo cultivar todo tipo de géneros y sus intersecciones, nos deleita con una obra tan original como inclasificable, ya que no se trata de un film oscuro o especialmente violento, sino de una aguda mezcla entre comedia, sátira social y cine de acción.

Durante el metraje predomina un ritmo sobresaliente, una descripción precisa del entorno social de finales del S. XIX y una muy certera aproximación a esa transición entre peleas callejeras de fortachones casi salvajes y la creación de una verdadera disciplina deportiva. Ambientado en San Francisco, el relato toma como eje central el período en el que Corbett se convirtió en el primer campeón del mundo de los pesos pesados, hacia 1892, cuando derrotó a John L. Sullivan, tras la entrada en vigor de las llamadas reglas de Queensberry, que exigían la utilización de unos guantes hinchados para proteger los nudillos, un cuadrilátero con unas medidas determinadas y establecían la duración del combate.


gentleman-jim

"Voy a traer al entrenador del príncipe de Inglaterra. Si no puedes convertir a los boxeadores en caballeros, habrá que convertir a los caballeros en boxeadores".

Con este párrafo se define la mayor parte del mensaje del film. El boxeo es mucho más que una salvaje demostración de fuerza física, es un deporte y como tal debe ser considerado.

Raoul Walsh con el guión elaborado por Vincent Lawrence y Horace McCoy, rescata del recuerdo la figura y las memorias de todo un personaje que él mismo conoció en vida. Y para representarlo qué mejor elección que la de uno de sus actores con fama de elegante vividor que además había practicado el boxeo durante su juventud: Errol Flynn, quien supo darle el carisma y la picaresca que requería el protagonista.

Mucho se ha escrito sobre Errol, si bien es cierto que Raoul Walsh supo sacarle el máximo partido como actor en las siete colaboraciones que hicieron juntos, y este film es buena prueba de ello.Por todos es conocido que Errol era amigo de las juergas, las dos grandes aficiones del actor fueron la bebida y el sexo:

"Me gusta el whisky viejo y las mujeres jóvenes".


gentleman-jim

Probó el opio, la marihuana y todo tipo de afrodisiacos, "en especial la cocaína untada en la punta del pene". En cuanto al alcohol llegó a inyectar vodka en naranjas para consumirlo en el plató sin que pudieran recriminarle su adicción. Pero lo que más le destrozó anímicamente fue que lo rechazaran como "no apto" para combatir en la Segunda Guerra Mundial por problemas de salud, lo cual, conociendo sus excesos, no parece nada raro. Al salir esto a la luz, afectó muy negativamente a su imagen de héroe imbatible. Tan duramente estaba herido su ego, que al rodar este film casi sufre un ataque al corazón por empeñarse en rodar él mismo las escenas del combate.

Como resultado de esta gran colaboración entre un genio del cine y un carismático protagonista nos queda una deliciosa obra sobre el deporte del boxeo, donde destaca la maestría de un gran narrador de relatos que nos acerca a una época histórica de grandes cambios con un ritmo vibrante muy cercano al cine de acción, con unos diálogos chispeantes característicos de una buena comedia y una ambientación y puesta en escena donde se perciben atisbos de un cine social. Todo ello envuelto por la característica lucidez, vitalidad y entusiasmo viril del gran Raoul Walsh.


gentleman-jim

Director: Raoul Walsh.

Intérpretes: Errol FlynnAlexis SmithJack CarsonAlan HaleJohn LoderWilliam FrawleyMinor WatsonWard BondMadeleine LeBeau.

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

NOS MENCIONAN EN ANTENA 3

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.015

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.014

FINALISTAS EN LOS PREMIOS BITÁCORAS 2.012

SÍGUENOS EN FEEDLY

follow us in feedly

AVISO LEGAL

Licencia Creative Commons
Las mejores películas de la historia del cine por Jesús Fariña se encuentra bajo una Licencia Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 3.0 Unported.
back to top