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¿qué fue de Baby Jane?
Las carreras cinematográficas de Bette Davis y Joan Crawford fueron muy similares. Ambas sin tener un físico especialmente atractivo gozaron de una notable fama y popularidad durante una época (años 30 y 50) en donde las "Star System" era lo que más se demandaba. Por aquel entonces, las productoras buscaban actrices bellas para que formaran parte de sus películas, pero Bette Davis y Joan Crawford lo sobrellevaron perfectamente gracias a su fuerte personalidad y enorme carácter que tan bien supieron plasmar con los personajes cinematográficos que eligieron durante su trayectoria profesional. Y fue esa presencia en la gran pantalla de mujeres de armas a tomar lo que las llevaron a ganarse la simpatía tanto por parte de la crítica como del público. De sobra es conocido que entre ambas actrices hubo una dura rivalidad tanto personal como profesional hasta el extremo de que no podían ni verse ni en pintura, hecho que aprovecharía Robert Aldrich ("Doce del patíbulo (1967)") para reunirlas (por primera vez) en el año 1.962 con "¿Qué fue de Baby Jane?", un film escrito por el guionista Lukas Heller ("El vuelo del fénix (1965)") basándose en la novela homónima de Henry Farrell (novelista que también colaboraría con Alfred Hitchcock en los guiones de la serie televisiva "Alfred Hitchcock presents").

¿qué fue de Baby Jane?

La obra nos hablaba de la relación de odio y envidia que mantienen dos hermanas, Jane Hudson y Blanche, dos populares artistas que gozaron en su momento de la fama y el reconocimiento del público pero que ahora viven solas en una lúgubre mansión de Hollywood. Antes de los títulos de créditos, Aldrich iniciaría el film con dos prólogos que son claves para entender la destructiva actitud de las dos hermanas durante el transcurso de la película. Un primer prólogo centrado en el año 1917 exhibiendo a Jane Hudson como una niña prodigio apodada "Baby Jane". Ésta es una estrella infantil que canta y baila como los ángeles y donde es mimada por su padre (vamos que la tiene consentida y malcriada). Jane Hudson goza de tanta fama que posee hasta de una muñeca con sus misma facciones. En ese periodo podemos observar como la gloria y popularidad de Hudson contrasta con la situación de su hermana Blanche, una niña sin cualidades artisticas y desplazada a un segundo plano a la vista de su padre. Un hecho que hará que la envidia domine su existencia. Con el paso de los años (año 1935), esa situación cambia, mostrándonos a una crecida Blanche transformada en una éxitosa actriz de Hollywood, hecho que difiere con la actual situación de su hermana Jane que ha perdido la gracia de su niñez para convertirse en una mala actriz.

¿qué fue de Baby Jane?

Al termino de los prólogos y con unos impresionantes títulos de crédito, el director nos traslada al año 1961, con unas envejecidas hermanas olvidadas por el público y con una Blanche minusválida a causa de una accidente de tráfico. En este momento Aldrich nos ofrece un gótico thriller psicológico al más puro estilo Hitchcock donde envidia, odio, locura y las consecuencias del abandono de la fama cubren la atención de la trama, bueno aparte de ver las "perrerías" que sufre Blanche por parte de su hermana. "¿Qué fue de Baby Jane?" fue un vehículo perfecto para el lucimiento de ambas actrices, Davis y Crawford realizan un titánico "tour de force" interpretativo y donde esa rivalidad fuera de la pantalla fue esencial para transmitir mayor realismo a sus personajes. Las dos resultan creíbles en sus roles, a pesar de que Bette Davis roce por momentos un exceso de histrionismo. El personaje de Baby Jane es memorable, Bette Davis refleja a esa mujer anclada en el éxito del pasado, que no asume el paso de los años, caracterizada por su estrambótica y trastornada personalidad y con un físico sacado de las brujas de cuentos infantiles. Se comenta que Bette Davis para dar mayor pinta de perturbada y demente evitaba quitarse el maquillaje después del día de rodaje. Por el otro lado, Joan Crawford también nos convence con su personaje desvalido, una sufrida mujer que hace de hermana "buena" pero que esconde un oscuro pasado clave en el desenlace de los hechos.

¿qué fue de Baby Jane?

Son geniales los ataques de ira y de maldad de Baby Jane sobre su hermana, siendo inolvidables la escena de la brutal paliza o los almuerzos y cenas que prepara (una veces dándole de comer un canario que le daba compañía y en otras dándole una rata que deambula por el sótano). Otra escena muy recordada de esta magnífica película es ver a una chalada Jane Hudson, vestida de niña pequeña y cantando su éxito infantil "I´ve written a letter to daddy". Acompañando a estas dos divas nos encontraríamos al actor de "peso" Victor Bouno, en el papel de Eawind, un pianista en desempleo sobreprotegido por la figura de su madre y que ve a Hudson la persona idónea para obtener algo de dinero. A Victor Bouno, lo veríamos también en "Cuatro ganngster de Chicago (1964)" y en "La historia más grande jamás contada (1965)", un actor que moriría desgraciadamente a la precoz edad de 43 años a causa de un infarto.

¿qué fue de Baby Jane?

En el film también podemos ver (enchufismo o no) a la hija de la propia Bette Davis, Barbara Merrill, encarnado a la hija de la vecina que vive al lado de las hermanas en cuestión. Durante el film contemplaríamos breves escenas de filmes de Bette Davis en su etapa joven, entre ellas "Los gangster del aire (1933)" de Alfred E. Green y "Ex-Lady" de Robert Florey. Sin dudas un guiño cinéfilo que realiza Robert Aldrich. Robert Aldrich intentó volver a reunir a Bette Davis y a Joan Crawford en el año 1964 con el film "Canción de cuna para un cadáver (1964)", pero no fue posible ya que Joan estaba enferma por aquella fecha. A pesar de ello volvimos a disfrutar de una gran Bette Davis acompañada esta vez de otra "grande" del celuloide, Olivia de Havilland. En el año 1991, se realizó un remake de esta obra hecha expresamente para la televisión, la cuál fue dirigida por David Greene e interpretada por Vanessa Redgrave y Lynn Redgrave, hermanas en la vida real que aquí también encarnan a hermanas en el film.

¿qué fue de Baby Jane? 1962

Frase para recordar: "Mamá dice que soy un ángel y papá dice que soy una hermosura. Pero cuando me vuelvo mal y soy respondona y descarada, dice mamá que soy un diablillo y papá dice que no le gusto nada. Que ustedes me lo expliquen desearía porque soy una niña todavía".

Título original: What Ever Happened to Baby Jane?

Director: Robert Aldrich.

Intérpretes: Bette Davis, Joan Crawford, Victor Buono, Wesley Addy, Julie Allred, Anne Barton, Marjorie Bennett, Bert Freed.

Escena: 


B.S.O.:  


Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria:
Victor Buono

¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (1962). La rivalidad de Bette Davis y Joan Crawford.

¿qué fue de Baby Jane?
Las carreras cinematográficas de Bette Davis y Joan Crawford fueron muy similares. Ambas sin tener un físico especialmente atractivo gozaron de una notable fama y popularidad durante una época (años 30 y 50) en donde las "Star System" era lo que más se demandaba. Por aquel entonces, las productoras buscaban actrices bellas para que formaran parte de sus películas, pero Bette Davis y Joan Crawford lo sobrellevaron perfectamente gracias a su fuerte personalidad y enorme carácter que tan bien supieron plasmar con los personajes cinematográficos que eligieron durante su trayectoria profesional. Y fue esa presencia en la gran pantalla de mujeres de armas a tomar lo que las llevaron a ganarse la simpatía tanto por parte de la crítica como del público. De sobra es conocido que entre ambas actrices hubo una dura rivalidad tanto personal como profesional hasta el extremo de que no podían ni verse ni en pintura, hecho que aprovecharía Robert Aldrich ("Doce del patíbulo (1967)") para reunirlas (por primera vez) en el año 1.962 con "¿Qué fue de Baby Jane?", un film escrito por el guionista Lukas Heller ("El vuelo del fénix (1965)") basándose en la novela homónima de Henry Farrell (novelista que también colaboraría con Alfred Hitchcock en los guiones de la serie televisiva "Alfred Hitchcock presents").

¿qué fue de Baby Jane?

La obra nos hablaba de la relación de odio y envidia que mantienen dos hermanas, Jane Hudson y Blanche, dos populares artistas que gozaron en su momento de la fama y el reconocimiento del público pero que ahora viven solas en una lúgubre mansión de Hollywood. Antes de los títulos de créditos, Aldrich iniciaría el film con dos prólogos que son claves para entender la destructiva actitud de las dos hermanas durante el transcurso de la película. Un primer prólogo centrado en el año 1917 exhibiendo a Jane Hudson como una niña prodigio apodada "Baby Jane". Ésta es una estrella infantil que canta y baila como los ángeles y donde es mimada por su padre (vamos que la tiene consentida y malcriada). Jane Hudson goza de tanta fama que posee hasta de una muñeca con sus misma facciones. En ese periodo podemos observar como la gloria y popularidad de Hudson contrasta con la situación de su hermana Blanche, una niña sin cualidades artisticas y desplazada a un segundo plano a la vista de su padre. Un hecho que hará que la envidia domine su existencia. Con el paso de los años (año 1935), esa situación cambia, mostrándonos a una crecida Blanche transformada en una éxitosa actriz de Hollywood, hecho que difiere con la actual situación de su hermana Jane que ha perdido la gracia de su niñez para convertirse en una mala actriz.

¿qué fue de Baby Jane?

Al termino de los prólogos y con unos impresionantes títulos de crédito, el director nos traslada al año 1961, con unas envejecidas hermanas olvidadas por el público y con una Blanche minusválida a causa de una accidente de tráfico. En este momento Aldrich nos ofrece un gótico thriller psicológico al más puro estilo Hitchcock donde envidia, odio, locura y las consecuencias del abandono de la fama cubren la atención de la trama, bueno aparte de ver las "perrerías" que sufre Blanche por parte de su hermana. "¿Qué fue de Baby Jane?" fue un vehículo perfecto para el lucimiento de ambas actrices, Davis y Crawford realizan un titánico "tour de force" interpretativo y donde esa rivalidad fuera de la pantalla fue esencial para transmitir mayor realismo a sus personajes. Las dos resultan creíbles en sus roles, a pesar de que Bette Davis roce por momentos un exceso de histrionismo. El personaje de Baby Jane es memorable, Bette Davis refleja a esa mujer anclada en el éxito del pasado, que no asume el paso de los años, caracterizada por su estrambótica y trastornada personalidad y con un físico sacado de las brujas de cuentos infantiles. Se comenta que Bette Davis para dar mayor pinta de perturbada y demente evitaba quitarse el maquillaje después del día de rodaje. Por el otro lado, Joan Crawford también nos convence con su personaje desvalido, una sufrida mujer que hace de hermana "buena" pero que esconde un oscuro pasado clave en el desenlace de los hechos.

¿qué fue de Baby Jane?

Son geniales los ataques de ira y de maldad de Baby Jane sobre su hermana, siendo inolvidables la escena de la brutal paliza o los almuerzos y cenas que prepara (una veces dándole de comer un canario que le daba compañía y en otras dándole una rata que deambula por el sótano). Otra escena muy recordada de esta magnífica película es ver a una chalada Jane Hudson, vestida de niña pequeña y cantando su éxito infantil "I´ve written a letter to daddy". Acompañando a estas dos divas nos encontraríamos al actor de "peso" Victor Bouno, en el papel de Eawind, un pianista en desempleo sobreprotegido por la figura de su madre y que ve a Hudson la persona idónea para obtener algo de dinero. A Victor Bouno, lo veríamos también en "Cuatro ganngster de Chicago (1964)" y en "La historia más grande jamás contada (1965)", un actor que moriría desgraciadamente a la precoz edad de 43 años a causa de un infarto.

¿qué fue de Baby Jane?

En el film también podemos ver (enchufismo o no) a la hija de la propia Bette Davis, Barbara Merrill, encarnado a la hija de la vecina que vive al lado de las hermanas en cuestión. Durante el film contemplaríamos breves escenas de filmes de Bette Davis en su etapa joven, entre ellas "Los gangster del aire (1933)" de Alfred E. Green y "Ex-Lady" de Robert Florey. Sin dudas un guiño cinéfilo que realiza Robert Aldrich. Robert Aldrich intentó volver a reunir a Bette Davis y a Joan Crawford en el año 1964 con el film "Canción de cuna para un cadáver (1964)", pero no fue posible ya que Joan estaba enferma por aquella fecha. A pesar de ello volvimos a disfrutar de una gran Bette Davis acompañada esta vez de otra "grande" del celuloide, Olivia de Havilland. En el año 1991, se realizó un remake de esta obra hecha expresamente para la televisión, la cuál fue dirigida por David Greene e interpretada por Vanessa Redgrave y Lynn Redgrave, hermanas en la vida real que aquí también encarnan a hermanas en el film.

¿qué fue de Baby Jane? 1962

Frase para recordar: "Mamá dice que soy un ángel y papá dice que soy una hermosura. Pero cuando me vuelvo mal y soy respondona y descarada, dice mamá que soy un diablillo y papá dice que no le gusto nada. Que ustedes me lo expliquen desearía porque soy una niña todavía".

Título original: What Ever Happened to Baby Jane?

Director: Robert Aldrich.

Intérpretes: Bette Davis, Joan Crawford, Victor Buono, Wesley Addy, Julie Allred, Anne Barton, Marjorie Bennett, Bert Freed.

Escena: 


B.S.O.:  


Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria:
Victor Buono

el lobo de wall street
Echándole un vistazo con perspectiva al polémico film de Scorsese, uno entiende los porqués de su nulo reconocimiento en los Oscars. Y es que lo políticamente incorrecto además de escandaloso para todo americano (tan puritanos ellos), se corona como lo más destacado de una historia plagada de depravación, avaricia, lujuria y drogas de todo tipo, con la escalada a la gloria de un joven que responde al nombre de Jordan Belfort (Di Caprio) en el negocio de vender la nada y lo intangible a cambio de un cuantioso porcentaje de beneficios. Como broker en bolsa Belfort es contagiado de una agresiva enfermedad por el personaje de Matthew McConaughey, enfermedad que consiste en agudizar el sentido para la mentira prometiendo el todo a cambio de la nada. Así que el egoísmo y la chulería a base de golpearse el pecho cual gorila es rápidamente adquirido por el joven aprendiz enfermo ya de ambición. El engaño bursátil y la especulación ofrecidos con afilada verborrea telefónica se convierten en las armas con las que Jordan Belfort construye su imperio junto con un excéntrico obeso de ridícula prótesis dental blanqueada hasta el extremo (Jonah Hill), que al igual que el personaje de Di Caprio ansía la riqueza para poder dar rienda suelta a sus desenfrenos sexuales y sus vicios de estupefacientes y lujo desmesurado. Scorsese sabe moverse cual escurridiza anguila para narrar las miserias del ser humano, ya sea con su reconocida afinidad para hablar sobre la mafia con sus fastuosas actividades o como aquí para contar el ascenso de una bestia enferma de Babilonia (el New York de los años 80's y 90's del s.XX) que sacia con prostitutas y extremas actitudes sexuales su depravación a base de abultadas e ilegales cantidades de dinero para pagarlo todo. 

el lobo de wall street

El dinero ganado mediante las sucias actividades bursátiles y la especulación ofrecidas como si se tratase de un preciosísimo regalo sorpresa envuelto con el más llamativo de los lazos y brillante papel en forma de infundios y tecnicísmos verbales, hace ganar millones a todos aquellos que colaboran con Belfort. Regalo sorpresa que en la mayoria de los casos para el cliente está vacío después de invertir a causa de las falsas promesas que le han convencido para poner su dinero. Di Caprio-Belfort a las órdenes de Scorsese exprime un fragmento de la corrupta biografía de un sabio retorcido y mentiroso que se convierte en el rey de su particular mundo en un lujoso transalántico (¿Posible ironía hacia Titanic?), que chocará contra el F.B.I. en forma de iceberg destructivo que hundirá irremediablemente el imperio 'Belfort' fundamentado en la corrupción y el fraude. "El Lobo de Wall Street" es pues una molesta película a la par que divertida, que hace reflexionar sobre todo aquello a lo que está dispuesto a llegar a hacer el ser humano para escalar puestos en una sociedad que sólo da cabida al prestigio que ofrece el dinero y las mujeres, independientemente de los medios utilizados para conseguir el éxito aunque éste arruine a muchos para el enriquecimiento y despiporre de unos pocos. 

el lobo de wall street

Personajes de candente actualidad ya sea en la clase política o en reconocidas entidades bancarias en España vienen a mi mente mientras observo todo el despilfarro de determinadas personalidades que se han aprovechado de todos los ciudadanos, al igual que la compañía inversora de la película. Supongo que las tarjetas opacas de Miguel Blesa, Rodrigo Rato (y los suyos), todos ellos unidos a Fabra, Luis Bárcenas, todos los implicados en el caso Gürtel, todos los culpables de la deblace en las cajas de ahorros, los organizadores de fraudes con las preferentes bancarias, los engañadores de los cursillos ficticios por los sindicatos y demás ladrones y sinvergüenzas se verán reconocidos como hipócritas avariciosos y mentirosos al igual que el Jordan Belfort del presente film. Todos aquellos que han contribuido de manera directa a que suframos la crisis económica actual. En definitiva, hay mucho Lobo de Wall Street por ahí suelto, demasiadas bestias enfermas de Babilonia, que con sus mentiras, robos y excesos han hundido el bienestar del que antes disfrutábamos y que de manera injustificada casi ninguno es encarcelado contraviniendo las leyes que deberían amparar a la igualdad de todo ciudadano español. Para más inri, si uno de estos repelentes ladrones es culpabilizado y encerrado, con el tiempo después de cumplir su condena es presentado en televisión como gurú y telepredicador al igual que Mario Conde (ex-banquero), siendo capaz de vendernos un bolígrafo aunque no nos hiciera falta. La vergüenza del estado español, son sus particulares políticos y banqueros lobos del Íbex 35.


Título original: The Wolf of Wall Street.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie, Kyle Chandler, Cristin Milioti, Rob Reiner, Matthew McConaughey.

Trailer:
 

Escena:


B.S.O.:

  

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

EL LOBO DE WALL STREET (2013). Los desenfrenos de Leonardo DiCaprio.

el lobo de wall street
Echándole un vistazo con perspectiva al polémico film de Scorsese, uno entiende los porqués de su nulo reconocimiento en los Oscars. Y es que lo políticamente incorrecto además de escandaloso para todo americano (tan puritanos ellos), se corona como lo más destacado de una historia plagada de depravación, avaricia, lujuria y drogas de todo tipo, con la escalada a la gloria de un joven que responde al nombre de Jordan Belfort (Di Caprio) en el negocio de vender la nada y lo intangible a cambio de un cuantioso porcentaje de beneficios. Como broker en bolsa Belfort es contagiado de una agresiva enfermedad por el personaje de Matthew McConaughey, enfermedad que consiste en agudizar el sentido para la mentira prometiendo el todo a cambio de la nada. Así que el egoísmo y la chulería a base de golpearse el pecho cual gorila es rápidamente adquirido por el joven aprendiz enfermo ya de ambición. El engaño bursátil y la especulación ofrecidos con afilada verborrea telefónica se convierten en las armas con las que Jordan Belfort construye su imperio junto con un excéntrico obeso de ridícula prótesis dental blanqueada hasta el extremo (Jonah Hill), que al igual que el personaje de Di Caprio ansía la riqueza para poder dar rienda suelta a sus desenfrenos sexuales y sus vicios de estupefacientes y lujo desmesurado. Scorsese sabe moverse cual escurridiza anguila para narrar las miserias del ser humano, ya sea con su reconocida afinidad para hablar sobre la mafia con sus fastuosas actividades o como aquí para contar el ascenso de una bestia enferma de Babilonia (el New York de los años 80's y 90's del s.XX) que sacia con prostitutas y extremas actitudes sexuales su depravación a base de abultadas e ilegales cantidades de dinero para pagarlo todo. 

el lobo de wall street

El dinero ganado mediante las sucias actividades bursátiles y la especulación ofrecidas como si se tratase de un preciosísimo regalo sorpresa envuelto con el más llamativo de los lazos y brillante papel en forma de infundios y tecnicísmos verbales, hace ganar millones a todos aquellos que colaboran con Belfort. Regalo sorpresa que en la mayoria de los casos para el cliente está vacío después de invertir a causa de las falsas promesas que le han convencido para poner su dinero. Di Caprio-Belfort a las órdenes de Scorsese exprime un fragmento de la corrupta biografía de un sabio retorcido y mentiroso que se convierte en el rey de su particular mundo en un lujoso transalántico (¿Posible ironía hacia Titanic?), que chocará contra el F.B.I. en forma de iceberg destructivo que hundirá irremediablemente el imperio 'Belfort' fundamentado en la corrupción y el fraude. "El Lobo de Wall Street" es pues una molesta película a la par que divertida, que hace reflexionar sobre todo aquello a lo que está dispuesto a llegar a hacer el ser humano para escalar puestos en una sociedad que sólo da cabida al prestigio que ofrece el dinero y las mujeres, independientemente de los medios utilizados para conseguir el éxito aunque éste arruine a muchos para el enriquecimiento y despiporre de unos pocos. 

el lobo de wall street

Personajes de candente actualidad ya sea en la clase política o en reconocidas entidades bancarias en España vienen a mi mente mientras observo todo el despilfarro de determinadas personalidades que se han aprovechado de todos los ciudadanos, al igual que la compañía inversora de la película. Supongo que las tarjetas opacas de Miguel Blesa, Rodrigo Rato (y los suyos), todos ellos unidos a Fabra, Luis Bárcenas, todos los implicados en el caso Gürtel, todos los culpables de la deblace en las cajas de ahorros, los organizadores de fraudes con las preferentes bancarias, los engañadores de los cursillos ficticios por los sindicatos y demás ladrones y sinvergüenzas se verán reconocidos como hipócritas avariciosos y mentirosos al igual que el Jordan Belfort del presente film. Todos aquellos que han contribuido de manera directa a que suframos la crisis económica actual. En definitiva, hay mucho Lobo de Wall Street por ahí suelto, demasiadas bestias enfermas de Babilonia, que con sus mentiras, robos y excesos han hundido el bienestar del que antes disfrutábamos y que de manera injustificada casi ninguno es encarcelado contraviniendo las leyes que deberían amparar a la igualdad de todo ciudadano español. Para más inri, si uno de estos repelentes ladrones es culpabilizado y encerrado, con el tiempo después de cumplir su condena es presentado en televisión como gurú y telepredicador al igual que Mario Conde (ex-banquero), siendo capaz de vendernos un bolígrafo aunque no nos hiciera falta. La vergüenza del estado español, son sus particulares políticos y banqueros lobos del Íbex 35.


Título original: The Wolf of Wall Street.

Director: Martin Scorsese.

Intérpretes: Leonardo DiCaprio, Jonah Hill, Margot Robbie, Kyle Chandler, Cristin Milioti, Rob Reiner, Matthew McConaughey.

Trailer:
 

Escena:


B.S.O.:

  

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

el hombre de acero
¡¡Aunque parezca increíble Henry Cavill lo consiguió!!. Su Superman destila sobriedad, cercanía y calidez. El último hijo de Krypton es encarnado por un actor inglés conocido por la serie 'Los Tudor' e "Innmortals" que ha demostardo que no sólo podía conseguir un parecido razonable con el hombre de acero en el cómic sino que su carisma y ganas dan la evidencia de que puede ser un gran Superman para el s.XXI. La unión de personalidades como el guionista de prestigio David S. Goyer y la eficaz audacia de Cristopher Nolan en su "Batman" han guiado en producción y guión al sobrado Zack Snyder ("300 (2006)", "Watchmen (2009)") para dar al héroe de la capa roja una nueva oportunidad de mostrarse a las nuevas generaciones. Los títulos de crédito del comienzo de la película muestran una pátina especial al enseñar los sellos de Warner, Legendary Pictures y D.C. con una especie de óxido metálico como si el peso de la antigüedad que cumple Superman con sus 75 años se hubieran tomado en cuenta para homenajear al cómic que le vio nacer a la vez que su posterior éxito cinematográfico. El hombre de acero desde mi particular punto de vista mantiene la ilusión e inspiración del personaje hacia un público que jamás le olvidará gracias a la pericia de los artífices que empezaron la saga en 1978, sobretodo Cristopher Reeve, Richard Donner y John Williams. Pero los tiempos han cambiado y la manera de hacer cine también, así que el relevo Henry Cavill, Zack Snyder y Hans Zimmer en sus respectivos puestos de actor, director y banda sonora han intentado mantener la esencia del héroe que hizo soñar a todo tipo de generaciones que han crecido con el superhéroe de D.C. que nació con la inspiración mesiánica que le insuflaron Jerry Siegel y Joe Shuster

el hombre de acero

Es posible que algunos juzguen al film de pretencioso (que lo es), de efectista (que también) pero...El personaje merece ser grandioso y espectacular, y de eso Zack Snyder está más que experimentado. La desmesurada infografía de este Superman actual quizá abrume al espectador con dispares opiniones en cuanto a su potencial visual exageradamente barroquizado. Aunque también tengo que resaltar que nuestro héroe en esta reinvención da la oportunidad al gran público y consumidor de ver, juzgar y seguir una franquicia nueva con el ímpetu y fuerza con las ganas con las que se desarrollaron los 2 primeros films que iniciaron los años 80. En lo referido al reparto, Rusell Crowe recoge en un papel más desarrollado admirablemete el testigo dejado por la huella de Marlon Brando, al igual que Kevin Costner lo hace con Glenn Ford en los papeles de padre y padrastro de Clark Kent/ Kal-El y Lois Lane/ Amy Adams que es introducida de una manera interesante en la historia como vínculo de unión entre el Kryptoniano y los seres humanos. El general Zod interpretado por Michel Shannon supera en carisma y verosimilitud a lo que llegó a hacer Terence Stamp como villano. En definitiva, la película "El hombre de acero" recrea una nueva saga con iniciativa narrativa y propuestas visuales que derrochan exceso. Un Superman con nueva cara que consigue a base esfuerzo y perfecto semblante un punto de vista admirable y novedoso para los nuevos tiempos y que esperemos tenga una continuidad que desarrolle todavía mejor a la leyenda encarnada por Cavill sin necesidad de nublar las retinas del espectador con tanto efecto especial. Mi adorado Cristopher Reeve no necesitó de tanto despliegue infográfico para ganarse al público. Cavill está en el camino correcto al encarnar a Superman desde un punto de vista tan diferente como grandioso para levantarse y volar a la altura de Reeve. Veremos qué es capaz de ofrecernos "Superman Vs. Batman (Dawn of justice)" en 2016....

el hombre de acero


Título original: Man of steel.

Director: Zack Snyder.

Intérpretes: Henry Cavill, Amy Adams, Russell Crowe, Michael Shannon, Kevin Costner, Laurence Fishburne, Diane Lane.

Trailer: 


B.S.O.:

 

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Zack Snyder 

EL HOMBRE DE ACERO (2013). Henry Cavill es Superman.

el hombre de acero
¡¡Aunque parezca increíble Henry Cavill lo consiguió!!. Su Superman destila sobriedad, cercanía y calidez. El último hijo de Krypton es encarnado por un actor inglés conocido por la serie 'Los Tudor' e "Innmortals" que ha demostardo que no sólo podía conseguir un parecido razonable con el hombre de acero en el cómic sino que su carisma y ganas dan la evidencia de que puede ser un gran Superman para el s.XXI. La unión de personalidades como el guionista de prestigio David S. Goyer y la eficaz audacia de Cristopher Nolan en su "Batman" han guiado en producción y guión al sobrado Zack Snyder ("300 (2006)", "Watchmen (2009)") para dar al héroe de la capa roja una nueva oportunidad de mostrarse a las nuevas generaciones. Los títulos de crédito del comienzo de la película muestran una pátina especial al enseñar los sellos de Warner, Legendary Pictures y D.C. con una especie de óxido metálico como si el peso de la antigüedad que cumple Superman con sus 75 años se hubieran tomado en cuenta para homenajear al cómic que le vio nacer a la vez que su posterior éxito cinematográfico. El hombre de acero desde mi particular punto de vista mantiene la ilusión e inspiración del personaje hacia un público que jamás le olvidará gracias a la pericia de los artífices que empezaron la saga en 1978, sobretodo Cristopher Reeve, Richard Donner y John Williams. Pero los tiempos han cambiado y la manera de hacer cine también, así que el relevo Henry Cavill, Zack Snyder y Hans Zimmer en sus respectivos puestos de actor, director y banda sonora han intentado mantener la esencia del héroe que hizo soñar a todo tipo de generaciones que han crecido con el superhéroe de D.C. que nació con la inspiración mesiánica que le insuflaron Jerry Siegel y Joe Shuster

el hombre de acero

Es posible que algunos juzguen al film de pretencioso (que lo es), de efectista (que también) pero...El personaje merece ser grandioso y espectacular, y de eso Zack Snyder está más que experimentado. La desmesurada infografía de este Superman actual quizá abrume al espectador con dispares opiniones en cuanto a su potencial visual exageradamente barroquizado. Aunque también tengo que resaltar que nuestro héroe en esta reinvención da la oportunidad al gran público y consumidor de ver, juzgar y seguir una franquicia nueva con el ímpetu y fuerza con las ganas con las que se desarrollaron los 2 primeros films que iniciaron los años 80. En lo referido al reparto, Rusell Crowe recoge en un papel más desarrollado admirablemete el testigo dejado por la huella de Marlon Brando, al igual que Kevin Costner lo hace con Glenn Ford en los papeles de padre y padrastro de Clark Kent/ Kal-El y Lois Lane/ Amy Adams que es introducida de una manera interesante en la historia como vínculo de unión entre el Kryptoniano y los seres humanos. El general Zod interpretado por Michel Shannon supera en carisma y verosimilitud a lo que llegó a hacer Terence Stamp como villano. En definitiva, la película "El hombre de acero" recrea una nueva saga con iniciativa narrativa y propuestas visuales que derrochan exceso. Un Superman con nueva cara que consigue a base esfuerzo y perfecto semblante un punto de vista admirable y novedoso para los nuevos tiempos y que esperemos tenga una continuidad que desarrolle todavía mejor a la leyenda encarnada por Cavill sin necesidad de nublar las retinas del espectador con tanto efecto especial. Mi adorado Cristopher Reeve no necesitó de tanto despliegue infográfico para ganarse al público. Cavill está en el camino correcto al encarnar a Superman desde un punto de vista tan diferente como grandioso para levantarse y volar a la altura de Reeve. Veremos qué es capaz de ofrecernos "Superman Vs. Batman (Dawn of justice)" en 2016....

el hombre de acero


Título original: Man of steel.

Director: Zack Snyder.

Intérpretes: Henry Cavill, Amy Adams, Russell Crowe, Michael Shannon, Kevin Costner, Laurence Fishburne, Diane Lane.

Trailer: 


B.S.O.:

 

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Zack Snyder 

superman
Se cumplían 40 años del superhéroe en el cómic de D.C. en 1978 (y faltaban 2 para mi nacimiento), por lo que me han contado en el año 78 tanto abuelos como padres e hijos se concentraban haciendo colas en las entradas de los cines esperando poder ver y disfrutar de este acontecimiento cinematográfico. El artesano y director espectáculo Richard Donner, capaz de llevar al cine a la pareja de policías más famosa del cine en "Arma Letal (1987)" y meter a una cuadrilla de chavales pueblerinos a pelear con unos divertidos mafiosos buscando un tesoro pirata con "Los Goonies (1985)" o relatar el nacimiento del anticristo en "La profecía (1976)", tuvo el honor de llevar al superhéroe del cómic a celuloide con la majestuosa historia de Mario Puzo (guionista de "El Padrino"). Donner insufló su artesanía y saber hacer acompañado de un plantel de actores de ensueño, unos efectos especiales entrañables y una música antológica del grande por siempre John Williams en una película que es cuidada con detenimiento tanto en las formas como en el fondo convirtiendo a "Superman" en la película blockbuster de la época, con calidad de magnificencia en cine homenajeando al personaje creado por Jerry Siegel y Joe Shuster en 1938. Cristopher Reeve fue elegido para encarnar al héroe de la capa roja después de un largo casting por el que pasaron (ahí es nada: Paul Newman y atención, si no me he informado mal, también ¡¡Schwarzenegger!!). Reeve inmortalizó al hombre de acero elevándolo a los altares del entretenimiento y llevando consigo hasta el día de su muerte a base de coraje, carisma y convicción al superhéroe. Supeman de 1978 es una obra maestra que se divide en una majestuosa primera parte en la que el héroe es guiado por sus 2 padres ejemplares: Marlon Brando y Glenn Ford mostrando el nacimiento, desarrollo y conversión en hombre del héroe hasta llegar al apartado palacio de hielo y lugar de reposo y meditación del Kriptoniano, para pasar a una segunda en la que se revelará el álter-ego periodista torpe Clark Kent y su enfrentamiento a la mente criminal del estupendo Lex Luthor (Gene Hackman) mientras se enamora de su compañera e incisiva periodista Lois Lane. Superman es pues una digna, honorable y espectacular película para toda la familia que enseña a un mesías que vuela y que hace soñar (todavía) a millares de generaciones juveniles que son inspiradas por la verdad y justicia superheróica. Y todavía llegaría un "Superman II (1980)" que se colocaría a la altura y calidad de su antecesora.


Director: Richard Donner.

Intérpretes: Christopher Reeve, Gene Hackman, Margot Kidder, Marlon Brando.

Trailer:

 
B.S.O.:

 


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

SUPERMAN (1978). En la memoria de Christopher Reeve.

superman
Se cumplían 40 años del superhéroe en el cómic de D.C. en 1978 (y faltaban 2 para mi nacimiento), por lo que me han contado en el año 78 tanto abuelos como padres e hijos se concentraban haciendo colas en las entradas de los cines esperando poder ver y disfrutar de este acontecimiento cinematográfico. El artesano y director espectáculo Richard Donner, capaz de llevar al cine a la pareja de policías más famosa del cine en "Arma Letal (1987)" y meter a una cuadrilla de chavales pueblerinos a pelear con unos divertidos mafiosos buscando un tesoro pirata con "Los Goonies (1985)" o relatar el nacimiento del anticristo en "La profecía (1976)", tuvo el honor de llevar al superhéroe del cómic a celuloide con la majestuosa historia de Mario Puzo (guionista de "El Padrino"). Donner insufló su artesanía y saber hacer acompañado de un plantel de actores de ensueño, unos efectos especiales entrañables y una música antológica del grande por siempre John Williams en una película que es cuidada con detenimiento tanto en las formas como en el fondo convirtiendo a "Superman" en la película blockbuster de la época, con calidad de magnificencia en cine homenajeando al personaje creado por Jerry Siegel y Joe Shuster en 1938. Cristopher Reeve fue elegido para encarnar al héroe de la capa roja después de un largo casting por el que pasaron (ahí es nada: Paul Newman y atención, si no me he informado mal, también ¡¡Schwarzenegger!!). Reeve inmortalizó al hombre de acero elevándolo a los altares del entretenimiento y llevando consigo hasta el día de su muerte a base de coraje, carisma y convicción al superhéroe. Supeman de 1978 es una obra maestra que se divide en una majestuosa primera parte en la que el héroe es guiado por sus 2 padres ejemplares: Marlon Brando y Glenn Ford mostrando el nacimiento, desarrollo y conversión en hombre del héroe hasta llegar al apartado palacio de hielo y lugar de reposo y meditación del Kriptoniano, para pasar a una segunda en la que se revelará el álter-ego periodista torpe Clark Kent y su enfrentamiento a la mente criminal del estupendo Lex Luthor (Gene Hackman) mientras se enamora de su compañera e incisiva periodista Lois Lane. Superman es pues una digna, honorable y espectacular película para toda la familia que enseña a un mesías que vuela y que hace soñar (todavía) a millares de generaciones juveniles que son inspiradas por la verdad y justicia superheróica. Y todavía llegaría un "Superman II (1980)" que se colocaría a la altura y calidad de su antecesora.


Director: Richard Donner.

Intérpretes: Christopher Reeve, Gene Hackman, Margot Kidder, Marlon Brando.

Trailer:

 
B.S.O.:

 


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

Como muchos saben desde el día 24 de septiembre "Las mejores películas de la historia del cine" está participando en los Premios Bitácoras, concurso donde se eligen a los mejores blogs del año en sus respectivas categorías. En nuestro caso estamos participando en la categoría de mejor blog de cine y TV y hasta el día 14 de noviembre todos los seguidores de este blog pueden dejar su voto para intentar estar en la final de Madrid del día 28 de noviembre que se celebrará en la Casa Encendida..

Para los que nos quieran votar y tengan dudas de cómo hacerlo les añado el post que explica paso a paso como se realiza.


Una vez más agradecerles todo el apoyo recibido a "Las mejores películas de la historia del cine".

¿Cómo votar en los Premios Bitácoras?


A continuación les añado algunos personajes famosos que nos han votado.

premios bitácoras

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premios bitácoras

premios bitácoras X

Las mejores películas de la historia del cine en los Premios Bitácoras 2.014.

Como muchos saben desde el día 24 de septiembre "Las mejores películas de la historia del cine" está participando en los Premios Bitácoras, concurso donde se eligen a los mejores blogs del año en sus respectivas categorías. En nuestro caso estamos participando en la categoría de mejor blog de cine y TV y hasta el día 14 de noviembre todos los seguidores de este blog pueden dejar su voto para intentar estar en la final de Madrid del día 28 de noviembre que se celebrará en la Casa Encendida..

Para los que nos quieran votar y tengan dudas de cómo hacerlo les añado el post que explica paso a paso como se realiza.


Una vez más agradecerles todo el apoyo recibido a "Las mejores películas de la historia del cine".

¿Cómo votar en los Premios Bitácoras?


A continuación les añado algunos personajes famosos que nos han votado.

premios bitácoras

premios bitácoras

premios bitácoras

premios bitácoras

premios bitácoras X

mentiras arriesgadas
Schwarzenegger buscó durante mucho tiempo la complicada alquimia entre el cine de acción, la comedia y el espectáculo para todas las edades. De este modo y para cumplir con su compromiso de entretener a todos los públicos, se fijó en una película francesa de Claude Zidi como medio para conseguir su soñada finalidad. James Cameron se convirtió en el cómplice perfecto para materializar el objetivo del gran Arnold con Harry Tasker, un James Bond al servicio secreto de los Estados Unidos americanos que desempeña su labor con precisión, chulería y efectividad en todo lo que hace...Pero todas estas virtudes conllevan una carencia en su vida familiar, descuidando a su esposa Jamie Lee Curtis y su adolescente y rebelde hija Eliza Dushku que desconocen las peligrosas misiones del agente secreto y padre de familia. 10 años después del primer Terminator y 3 del segundo, el tándem Cameron-Schwarzenegger volvía a engrasar la maquinaria del espectáculo, de la magnificencia del "entertainment" al estilo Hollywood a base de un humor genial, acción desenfrenada y un despliegue abrumador servido por la empresa de efectos especiales creada por Cameron (la Digital Domain, que recibió una nominación al Oscar por el film). Arnold enciende la acción en un cúmulo de secuencias cargadas de entusiasmo con persecuciones, ráfagas de metralleta, violencia física y un sentido de la maravilla combinándolo con la ironía, carisma y bestialidad propias del mejor agente secreto británico, pero a "lo yanqui", alejando el "sex appeal" mujeriego de Bond por un entorno familliar. El gran Arnold se supera a sí mismo de tal manera tanto en la acción como en el humor, que parece que contínuamente impregnara el estilo y elegancia del Tango que se marca primero con la bella y corrupta Tia Carrere y después con su mujer al final de la cinta. 

mentiras arriesgadas

No puedo olvidarme de una Jamie Lee Curtis que se añade a la marca de clase de James Cameron para mostrar un estilo femenino fuerte, contundente y valiente como ya lo hicieron en su momento Linda Hamilton en la saga "Terminator", Sigourney Weaver en "Aliens" o Kate Winslet en "Titanic". Aquí "La Curtis" es capaz de conciliar un personaje sumido en la rutina familiar y el desgaste, soportando la insesibilidad de su marido y empezando una supuesta infidelidad con el personaje de un payasesco Bill Paxton, que será lo que desencadene la involucración de Schwarzenegger al enterarse de lo que parece ser un engaño conyugal, haciendo converger la vida personal de los personajes con la trama de espionaje y terrorismo. Curtis impresiona con su patética ama de casa soñadora, cargada de ganas de vivir aventuras que la hagan sentirse viva, a la vez que deja boquiabierto al espectador con su striptease acalorado y desternillante con su marido mirando. "Mentiras Arriesgadas" es un más difícil todavía en espectáculo cómico- acción que consigue con creces la finalidad del disfrute del espectador en todos los sentidos, una inyección de adrenalina con buenas intenciones para dejar claro que cuando el director de "Avatar" y el protagonísta de "Terminator" se juntan pueden conseguir lo que se proponen: Entretener, divertir, asombrar y en este caso..Para toda la familia, con malos..Muy malos (árabes fanáticos), buenos..Muy buenos (Arnold y compañía) y una familia a la que hay que atender y amar (como moraleja y mensaje de la película). En definitiva, un film con un James Bond, héroe de acción familiar y musculado.

mentiras arriesgadas

Título original: True lies.

Director: James Cameron.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Jamie Lee Curtis, Tom Arnold, Bill Paxton, Charlton Heston, Tia Carrere.

Trailer:


B.S.O.:

 
Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

MENTIRAS ARRIESGADAS (1994). El reencuentro de Schwarzenegger con James Cameron.

mentiras arriesgadas
Schwarzenegger buscó durante mucho tiempo la complicada alquimia entre el cine de acción, la comedia y el espectáculo para todas las edades. De este modo y para cumplir con su compromiso de entretener a todos los públicos, se fijó en una película francesa de Claude Zidi como medio para conseguir su soñada finalidad. James Cameron se convirtió en el cómplice perfecto para materializar el objetivo del gran Arnold con Harry Tasker, un James Bond al servicio secreto de los Estados Unidos americanos que desempeña su labor con precisión, chulería y efectividad en todo lo que hace...Pero todas estas virtudes conllevan una carencia en su vida familiar, descuidando a su esposa Jamie Lee Curtis y su adolescente y rebelde hija Eliza Dushku que desconocen las peligrosas misiones del agente secreto y padre de familia. 10 años después del primer Terminator y 3 del segundo, el tándem Cameron-Schwarzenegger volvía a engrasar la maquinaria del espectáculo, de la magnificencia del "entertainment" al estilo Hollywood a base de un humor genial, acción desenfrenada y un despliegue abrumador servido por la empresa de efectos especiales creada por Cameron (la Digital Domain, que recibió una nominación al Oscar por el film). Arnold enciende la acción en un cúmulo de secuencias cargadas de entusiasmo con persecuciones, ráfagas de metralleta, violencia física y un sentido de la maravilla combinándolo con la ironía, carisma y bestialidad propias del mejor agente secreto británico, pero a "lo yanqui", alejando el "sex appeal" mujeriego de Bond por un entorno familliar. El gran Arnold se supera a sí mismo de tal manera tanto en la acción como en el humor, que parece que contínuamente impregnara el estilo y elegancia del Tango que se marca primero con la bella y corrupta Tia Carrere y después con su mujer al final de la cinta. 

mentiras arriesgadas

No puedo olvidarme de una Jamie Lee Curtis que se añade a la marca de clase de James Cameron para mostrar un estilo femenino fuerte, contundente y valiente como ya lo hicieron en su momento Linda Hamilton en la saga "Terminator", Sigourney Weaver en "Aliens" o Kate Winslet en "Titanic". Aquí "La Curtis" es capaz de conciliar un personaje sumido en la rutina familiar y el desgaste, soportando la insesibilidad de su marido y empezando una supuesta infidelidad con el personaje de un payasesco Bill Paxton, que será lo que desencadene la involucración de Schwarzenegger al enterarse de lo que parece ser un engaño conyugal, haciendo converger la vida personal de los personajes con la trama de espionaje y terrorismo. Curtis impresiona con su patética ama de casa soñadora, cargada de ganas de vivir aventuras que la hagan sentirse viva, a la vez que deja boquiabierto al espectador con su striptease acalorado y desternillante con su marido mirando. "Mentiras Arriesgadas" es un más difícil todavía en espectáculo cómico- acción que consigue con creces la finalidad del disfrute del espectador en todos los sentidos, una inyección de adrenalina con buenas intenciones para dejar claro que cuando el director de "Avatar" y el protagonísta de "Terminator" se juntan pueden conseguir lo que se proponen: Entretener, divertir, asombrar y en este caso..Para toda la familia, con malos..Muy malos (árabes fanáticos), buenos..Muy buenos (Arnold y compañía) y una familia a la que hay que atender y amar (como moraleja y mensaje de la película). En definitiva, un film con un James Bond, héroe de acción familiar y musculado.

mentiras arriesgadas

Título original: True lies.

Director: James Cameron.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Jamie Lee Curtis, Tom Arnold, Bill Paxton, Charlton Heston, Tia Carrere.

Trailer:


B.S.O.:

 
Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

Samuel Bronston después de ser todo un icónico productor de Hollywod en películas de época rodadas en España, tocó fondo con el descalabro comercial de 'La Caída del imperio romano'. Un péplum maravilloso al mando del genial Anthony Mann que ya estaba más que acostumbrado a este tipo de retos históricos demostrando su valía en "El Cid (1961)". Mann se mueve de una manera excepcional tanto en las secuencias de diálogo íntimas como en las secuencias de grandes masas humanas, dejando perplejo al espectador en todo tipo de ámbitos. El director de "Winchester 73 (1950)" aprovecha un lujo de reparto en el que el depravado Cristopher Plummer se lleva la palma con su personificación del emperador Cómodo. El histrionismo, locura y depravación de este emperador romano es equiparable al de sus antecesores, poniéndo como ejemplo al "Nerón" de Peter Ustinov en "Quo Vadis (1951)". Alec Guiness por su parte demuestra una vez más su clase y distinción actoral en el papel de uno de los mejor considerados emperadores de la historia del imperio italiano Marco Aurelio que con su capacidad de estadista y filosofía para el diálogo y entendimiénto entre distintas culturas, intenta someter pacíficamente a los bárbaros que amenazan por desectructurar el imperio de la omnipresente Roma.

la caída del imperio romano

En el interior de la narración subyace una historia de amor entre un Stephen Boyd (General) y Lucilla (la hija de Marco Aurelio y hermana de Cómodo) que es arrastrada entre grandes batallas, pugnas políticas y ambiciones fraudulentas para comprender el porqué de la caída de uno de los imperios más longevos de toda la historia de la humanidad. Toda una serie de actores de la talla de James Mason, Mel Ferrer y Omar Sharif pasean su "poderío" actoral entre los magníficos decorados de cartón piedra, vestuario fidedignamente manufacturado, armaduras, armas, cuádrigas y los exteriores ofrecidos por nuestra España (puntera por aquel entonces en albergar films de corte Hollywoodiense de la talla de "Patton (1970)" y "Doctor Zhivago (1965)" por citar sólo dos de las muchísimas producciones que se dieron en nuestra patria).

la caída del imperio romano

Una época que tocó a su fín hasta la llegada de Sergio Leone y sus westerns en Almería, ya que "La caída del imperio Romano" desveló el cansancio y la sobreexplotación de este tipo de películas en el público, a pesar de que es una genialidad magnífica que posiblemente convirtió en defectos sus excesos maravillosos. Este último péplum sumió en un profundo vacío al género que tan buenos resultados artísticos y comerciales habían dado hasta entonces, de tal modo que no se volvió al género de sandalias, capa y espada hasta el siglo XXI, curiosamente con un film que tiene más de un punto en común (incluidos personajes) con una arriesgada apuesta de los estudios Dreamworks con Spielberg a la cabeza en la producción y con el maestro Ridley Scott en la dirección, un film que tomando como referencia este último gran peplum del s. XX que fue "La caída del imperio Romano" llevó al siguiente siglo a las "películas de Romanos" convirtiéndolo en un género frecuentado por más cineastas a partir de su creación. Una película llamada: "Gladiator"...

la caída del imperio romano


Título original: The Fall of the Roman Empire.

Director: Anthony Mann.

Intérpretes: Sophia Loren, Stephen Boyd, Christopher Plummer, Alec Guinness, James Mason, Mel Ferrer, Anthony Quayle, Eric Porter.

Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

LA CAÍDA DEL IMPERIO ROMANO (1964). El peplum de Anthony Mann.

Samuel Bronston después de ser todo un icónico productor de Hollywod en películas de época rodadas en España, tocó fondo con el descalabro comercial de 'La Caída del imperio romano'. Un péplum maravilloso al mando del genial Anthony Mann que ya estaba más que acostumbrado a este tipo de retos históricos demostrando su valía en "El Cid (1961)". Mann se mueve de una manera excepcional tanto en las secuencias de diálogo íntimas como en las secuencias de grandes masas humanas, dejando perplejo al espectador en todo tipo de ámbitos. El director de "Winchester 73 (1950)" aprovecha un lujo de reparto en el que el depravado Cristopher Plummer se lleva la palma con su personificación del emperador Cómodo. El histrionismo, locura y depravación de este emperador romano es equiparable al de sus antecesores, poniéndo como ejemplo al "Nerón" de Peter Ustinov en "Quo Vadis (1951)". Alec Guiness por su parte demuestra una vez más su clase y distinción actoral en el papel de uno de los mejor considerados emperadores de la historia del imperio italiano Marco Aurelio que con su capacidad de estadista y filosofía para el diálogo y entendimiénto entre distintas culturas, intenta someter pacíficamente a los bárbaros que amenazan por desectructurar el imperio de la omnipresente Roma.

la caída del imperio romano

En el interior de la narración subyace una historia de amor entre un Stephen Boyd (General) y Lucilla (la hija de Marco Aurelio y hermana de Cómodo) que es arrastrada entre grandes batallas, pugnas políticas y ambiciones fraudulentas para comprender el porqué de la caída de uno de los imperios más longevos de toda la historia de la humanidad. Toda una serie de actores de la talla de James Mason, Mel Ferrer y Omar Sharif pasean su "poderío" actoral entre los magníficos decorados de cartón piedra, vestuario fidedignamente manufacturado, armaduras, armas, cuádrigas y los exteriores ofrecidos por nuestra España (puntera por aquel entonces en albergar films de corte Hollywoodiense de la talla de "Patton (1970)" y "Doctor Zhivago (1965)" por citar sólo dos de las muchísimas producciones que se dieron en nuestra patria).

la caída del imperio romano

Una época que tocó a su fín hasta la llegada de Sergio Leone y sus westerns en Almería, ya que "La caída del imperio Romano" desveló el cansancio y la sobreexplotación de este tipo de películas en el público, a pesar de que es una genialidad magnífica que posiblemente convirtió en defectos sus excesos maravillosos. Este último péplum sumió en un profundo vacío al género que tan buenos resultados artísticos y comerciales habían dado hasta entonces, de tal modo que no se volvió al género de sandalias, capa y espada hasta el siglo XXI, curiosamente con un film que tiene más de un punto en común (incluidos personajes) con una arriesgada apuesta de los estudios Dreamworks con Spielberg a la cabeza en la producción y con el maestro Ridley Scott en la dirección, un film que tomando como referencia este último gran peplum del s. XX que fue "La caída del imperio Romano" llevó al siguiente siglo a las "películas de Romanos" convirtiéndolo en un género frecuentado por más cineastas a partir de su creación. Una película llamada: "Gladiator"...

la caída del imperio romano


Título original: The Fall of the Roman Empire.

Director: Anthony Mann.

Intérpretes: Sophia Loren, Stephen Boyd, Christopher Plummer, Alec Guinness, James Mason, Mel Ferrer, Anthony Quayle, Eric Porter.

Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

drácula
Aprovechando el próximo estreno de "Drácula: La leyenda jamás contada (2014)" yo siempre que el personaje clásico vuelve a las pantallas, no puedo dejar de pensar en el actor que más veces a interpretado al imperecedero conde rumano, que no es otro que Christopher Lee, y por eso en mi subconsciente "Drácula" es Lee. Ya sé que muchos otros se han puesto la capa: Max Shreck (no reconocido), Bela Lugosi, Gary Oldman, Jack Palance, Frank Langella, Gerard Butler....Pero yo todavía recuerdo programas como "Alucine" en la 2 de T.V.E. o "Noche de lobos" en Antena 3 en las que veía a Lee enfundado con su capa negra y roja luchando con el no menos antológico Peter Cushing (actores fetiche de la clásica productora inglesa de películas de terror Hammer). Si mis datos son correctos después de Sherlock Holmes, el príncipe transilvano como personaje adaptado de la literatura al cine, ha sido el que más adaptaciones cinematográficas ha tenido (más de 100). Es más que posible que el loco irlandés de Bram Stoker si hubiera podido disfrutar más de las mieles de su reconocido personaje (murió a los 65 años) de seguro que el alcohol y las mujeres de dudosa reputación de su época podrían haber sido gozados infinitamente, a causa de la riqueza y los jugosos dividendos del éxito posterior del noble degustador de sangre. "Drácula" sigue vivo como leyenda verídica influenciada por Vlad el Empalador, como inmortal en celuloide y como eterno demonio en las páginas del ávido lector amante de las historias de terror clásicas. 

drácula

Un personaje que embrujó y persiguió hasta la muerte a Lugosi y que encandiló a Coppola para concebir su particular y ficticio punto de vista sobre el cruel rumano, con una sorprendente y abrumadora interpretación de Oldman ayudado por la estupenda ambientación Romántico-Gótica. El clásico chupasangre ha vuelto recientemente en una estupenda novela escrita por un familiar de Stoker, Dacre Stoker llamada: "Drácula el no muerto" (de la que espero ansioso su adaptación cinematográfica)...Han pasado más de 100 años de la muerte de Stoker pero el personaje que le hizo famoso seguirá vivo, es decir: "No-muerto". Lee para deleite del buen aficionado al cine de terror continuamente volvía a resurgir de sus cenizas y sentó cátedra en posteriores encarnaciones del diabólico personaje. Siempre se tendría en cuenta lo que el gran Cristopher aportó con sus muecas al abrír la boca, su gesticulación y su penetrante mirada mezclando la líbido con la drepredación. Un maldito bendecido en cine y literatura por la inmortalidad y que continúa entre nosotros....

drácula 1958


Director: Terence Fisher.

Intérpretes: Christopher Lee, Peter Cushing, Michael Gough, Melissa Stribling, Valerie Gaunt, Carol Marsh.


Trailer:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Christopher Lee

DRÁCULA (1958). En el recuerdo de Christopher Lee.

drácula
Aprovechando el próximo estreno de "Drácula: La leyenda jamás contada (2014)" yo siempre que el personaje clásico vuelve a las pantallas, no puedo dejar de pensar en el actor que más veces a interpretado al imperecedero conde rumano, que no es otro que Christopher Lee, y por eso en mi subconsciente "Drácula" es Lee. Ya sé que muchos otros se han puesto la capa: Max Shreck (no reconocido), Bela Lugosi, Gary Oldman, Jack Palance, Frank Langella, Gerard Butler....Pero yo todavía recuerdo programas como "Alucine" en la 2 de T.V.E. o "Noche de lobos" en Antena 3 en las que veía a Lee enfundado con su capa negra y roja luchando con el no menos antológico Peter Cushing (actores fetiche de la clásica productora inglesa de películas de terror Hammer). Si mis datos son correctos después de Sherlock Holmes, el príncipe transilvano como personaje adaptado de la literatura al cine, ha sido el que más adaptaciones cinematográficas ha tenido (más de 100). Es más que posible que el loco irlandés de Bram Stoker si hubiera podido disfrutar más de las mieles de su reconocido personaje (murió a los 65 años) de seguro que el alcohol y las mujeres de dudosa reputación de su época podrían haber sido gozados infinitamente, a causa de la riqueza y los jugosos dividendos del éxito posterior del noble degustador de sangre. "Drácula" sigue vivo como leyenda verídica influenciada por Vlad el Empalador, como inmortal en celuloide y como eterno demonio en las páginas del ávido lector amante de las historias de terror clásicas. 

drácula

Un personaje que embrujó y persiguió hasta la muerte a Lugosi y que encandiló a Coppola para concebir su particular y ficticio punto de vista sobre el cruel rumano, con una sorprendente y abrumadora interpretación de Oldman ayudado por la estupenda ambientación Romántico-Gótica. El clásico chupasangre ha vuelto recientemente en una estupenda novela escrita por un familiar de Stoker, Dacre Stoker llamada: "Drácula el no muerto" (de la que espero ansioso su adaptación cinematográfica)...Han pasado más de 100 años de la muerte de Stoker pero el personaje que le hizo famoso seguirá vivo, es decir: "No-muerto". Lee para deleite del buen aficionado al cine de terror continuamente volvía a resurgir de sus cenizas y sentó cátedra en posteriores encarnaciones del diabólico personaje. Siempre se tendría en cuenta lo que el gran Cristopher aportó con sus muecas al abrír la boca, su gesticulación y su penetrante mirada mezclando la líbido con la drepredación. Un maldito bendecido en cine y literatura por la inmortalidad y que continúa entre nosotros....

drácula 1958


Director: Terence Fisher.

Intérpretes: Christopher Lee, Peter Cushing, Michael Gough, Melissa Stribling, Valerie Gaunt, Carol Marsh.


Trailer:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:
Christopher Lee

la cabina
Hoy en día nos queda lejos, pero antes de los móviles, las tablets y el wasap la mayor parte de los humanos utilizábamos las cabinas telefónicas para poder comunicarnos con los demás. Una pequeña estructura metálica y de cristal que nos protegía de la lluvia o el viento mientras hablamos por teléfono y que más de una vez acabábamos desquiciados ante la espera de que ésta quedara libre. Recuerdos nostálgicos aparte, la cabina telefónica fue el medio de comunicación elegido por Antonio Mercero para sorprendernos en el año 1.972 con "La cabina", un corto que dirigió y co-escribió con José Luis Garcí ("El crack  (1981)") y que se ha convertido con el paso de los años en un título de culto dentro del panorama nacional. "La cabina" nos mostraba la angustiosa experiencia de un hombre (José Luis López Vazquez) que tras intentar realizar una llamada en una cabina, quedaría atrapado dentro de ella, con la posterior frustración de no poder salir a pesar de los intentos (inútiles) de ayuda que recibe desde el exterior. Antonio Mercero para quienes no lo conozcan fue un director de cine español, autor de títulos como "La guerra de papá (1977)" o "Esperame en el cielo (1988)" y creador de las famosas series televisivas "made in Spain" "Verano azul" o "Farmacia de guardia", de las cuáles le hicieron ganarse cierta popularidad en el mundo de la pequeña pantalla. Tiene también, a parte de la mencionada "La cabina", un corto que merece ser recordado y que se titula "Los pajaritos (1974)", un interesante título donde el realizador criticaba con cierto tono de humor la contaminación de las grandes ciudades.

la cabina

"La cabina" causaría cierto revuelo entre los espectadores de la época, y es que si el "Tiburón (1975)" de Spielberg consiguió que temiéramos bañarnos en la playa ante el resquemor de que nos apareciera un tiburón que nos hincara el diente y si Hitchcock consiguió que con su "Psicosis (1960)" nos inquietara visitar un motel en plena noche ante el peligro de que un psicópata con traumas infantiles visitará nuestra habitación para clavarnos un cuchillo, Antonio Mercero conseguiría que una inofensiva cabina se convirtiera en una autentica pesadilla para los que la usábamos, y es que después de ver su corto pocos se atrevían a cerrar completamente la puerta de una cabina una vez dentro de ella. "La cabina" de Antonio Mercero fue tildada en la fecha de su estreno como una punzante crítica sobre la dictadura franquista y la sociedad que había por aquel entonces en aquella época, a pesar de que en entrevistas realizadas al cineasta siempre desmintió de que ese fuera su propósito con el corto. En ella se refleja las miserias de una sociedad inmune a las desgracias del prójimo y donde el infortunio ajeno es utilizado como un medio de espectáculo y a la vez un bálsamo para sobrellevar mejor los problemas.

la cabina

En "La cabina" Mercero trata a los habitantes del pueblo como observadores morbosos que se regocijan del sufrimiento de un pobre hombre atrapado en una cabina, en ella son frecuentes las escenas surrealistas y con cierto tono ridículo (ver como ponen un sofá en plena calle para ver más cómodamente el "espectáculo") e incluso cruel, unos traviesos niños mofándose tras el cristal de la angustia que vive el protagonista. Antonio Mercero también se ríe de la autoridad, reflejándo a los policías como patéticos e ineptos a la hora de tratar de salvar al pobre José Luis López Vazquez (quizás para visualizar de manera metafórica la ineficacia de la autoridad en los años del poder franquista). Como papel protagonista tendríamos a José Luis López Vázquez, alejado de su rol más cómico para mostrarnos a un personaje cargado de dramatismo, el actor sabe captar el grado de angustia que sufre su personaje prácticamente con el manejo de la expresión gestual y sin pronunciar apenas palabra, nos hace participe de su agonía y nos hace sentir en nuestra piel su grado de desesperación que vive atrapado entre las cuatro paredes de la cabina. Cuatro paredes que le separarían de la libertad.

la cabina

Son terribles sus momentos de recuerdo viendo una y otra vez como se cierra la puerta de la cabina al igual que los momentos previos de su pesadilla (como pasea con su hijo) conciente de que una mala jugada del destino acabará con su vida. Los movimientos de cámara (combinación de planos picados y contrapicados  de la cabina junto a otros primeros planos mostrando las expresiones faciales del actor) son fundamentales para plasmar el claustrofóbico espacio que se encuentra encerrado José Luis López Vázquez. Entre sus escenas hay que destacar el encuentro fortuito de Jose Luis López Vazquez con otro "desgraciado" (rol encarnado por Agustín Gonzalez) que permanece encerrado en otra cabina mientras son desplazados a un lugar que desconocen. Una angustiosa escena que muestra a dos personas indefensas ante el terrible destino que les espera. Sin olvidarme de la secuencia inicial sin música montando la cabina (como si de un monstruo se tratase) o ese instante del lugar donde es llevado, una especie de fábrica convertida en cementerio para vivos. A finales de año 1.998, Retevisión contrataría a Jose Luis López Vázquez, para que volviese a meterse dentro de una cabina, en esta ocasión para un anuncio que pregonaba la libertad de mercado de la telefonía, monopolizada por aquel entonces por la todopoderosa Telefónica. Un anuncio donde veríamos al bueno de José Luis López Vazquez como salía de la cabina tras muchos años estando dentro.

Frase para recordar: "¿Qué le pasa? Que no puede salir, no se preocupe".

la cabina


Director: Antonio Mercero.

Intérpretes: José Luis López Vázquez, Agustín González, Goyo Lebrero, Tito García, Carmen Martínez Sierra, Carmen Luján, María Vico.

Corto:



Información complementaria:
José Luis López Vázquez 

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por: 

LA CABINA (1972). La angustia de José Luis López Vázquez.

la cabina
Hoy en día nos queda lejos, pero antes de los móviles, las tablets y el wasap la mayor parte de los humanos utilizábamos las cabinas telefónicas para poder comunicarnos con los demás. Una pequeña estructura metálica y de cristal que nos protegía de la lluvia o el viento mientras hablamos por teléfono y que más de una vez acabábamos desquiciados ante la espera de que ésta quedara libre. Recuerdos nostálgicos aparte, la cabina telefónica fue el medio de comunicación elegido por Antonio Mercero para sorprendernos en el año 1.972 con "La cabina", un corto que dirigió y co-escribió con José Luis Garcí ("El crack  (1981)") y que se ha convertido con el paso de los años en un título de culto dentro del panorama nacional. "La cabina" nos mostraba la angustiosa experiencia de un hombre (José Luis López Vazquez) que tras intentar realizar una llamada en una cabina, quedaría atrapado dentro de ella, con la posterior frustración de no poder salir a pesar de los intentos (inútiles) de ayuda que recibe desde el exterior. Antonio Mercero para quienes no lo conozcan fue un director de cine español, autor de títulos como "La guerra de papá (1977)" o "Esperame en el cielo (1988)" y creador de las famosas series televisivas "made in Spain" "Verano azul" o "Farmacia de guardia", de las cuáles le hicieron ganarse cierta popularidad en el mundo de la pequeña pantalla. Tiene también, a parte de la mencionada "La cabina", un corto que merece ser recordado y que se titula "Los pajaritos (1974)", un interesante título donde el realizador criticaba con cierto tono de humor la contaminación de las grandes ciudades.

la cabina

"La cabina" causaría cierto revuelo entre los espectadores de la época, y es que si el "Tiburón (1975)" de Spielberg consiguió que temiéramos bañarnos en la playa ante el resquemor de que nos apareciera un tiburón que nos hincara el diente y si Hitchcock consiguió que con su "Psicosis (1960)" nos inquietara visitar un motel en plena noche ante el peligro de que un psicópata con traumas infantiles visitará nuestra habitación para clavarnos un cuchillo, Antonio Mercero conseguiría que una inofensiva cabina se convirtiera en una autentica pesadilla para los que la usábamos, y es que después de ver su corto pocos se atrevían a cerrar completamente la puerta de una cabina una vez dentro de ella. "La cabina" de Antonio Mercero fue tildada en la fecha de su estreno como una punzante crítica sobre la dictadura franquista y la sociedad que había por aquel entonces en aquella época, a pesar de que en entrevistas realizadas al cineasta siempre desmintió de que ese fuera su propósito con el corto. En ella se refleja las miserias de una sociedad inmune a las desgracias del prójimo y donde el infortunio ajeno es utilizado como un medio de espectáculo y a la vez un bálsamo para sobrellevar mejor los problemas.

la cabina

En "La cabina" Mercero trata a los habitantes del pueblo como observadores morbosos que se regocijan del sufrimiento de un pobre hombre atrapado en una cabina, en ella son frecuentes las escenas surrealistas y con cierto tono ridículo (ver como ponen un sofá en plena calle para ver más cómodamente el "espectáculo") e incluso cruel, unos traviesos niños mofándose tras el cristal de la angustia que vive el protagonista. Antonio Mercero también se ríe de la autoridad, reflejándo a los policías como patéticos e ineptos a la hora de tratar de salvar al pobre José Luis López Vazquez (quizás para visualizar de manera metafórica la ineficacia de la autoridad en los años del poder franquista). Como papel protagonista tendríamos a José Luis López Vázquez, alejado de su rol más cómico para mostrarnos a un personaje cargado de dramatismo, el actor sabe captar el grado de angustia que sufre su personaje prácticamente con el manejo de la expresión gestual y sin pronunciar apenas palabra, nos hace participe de su agonía y nos hace sentir en nuestra piel su grado de desesperación que vive atrapado entre las cuatro paredes de la cabina. Cuatro paredes que le separarían de la libertad.

la cabina

Son terribles sus momentos de recuerdo viendo una y otra vez como se cierra la puerta de la cabina al igual que los momentos previos de su pesadilla (como pasea con su hijo) conciente de que una mala jugada del destino acabará con su vida. Los movimientos de cámara (combinación de planos picados y contrapicados  de la cabina junto a otros primeros planos mostrando las expresiones faciales del actor) son fundamentales para plasmar el claustrofóbico espacio que se encuentra encerrado José Luis López Vázquez. Entre sus escenas hay que destacar el encuentro fortuito de Jose Luis López Vazquez con otro "desgraciado" (rol encarnado por Agustín Gonzalez) que permanece encerrado en otra cabina mientras son desplazados a un lugar que desconocen. Una angustiosa escena que muestra a dos personas indefensas ante el terrible destino que les espera. Sin olvidarme de la secuencia inicial sin música montando la cabina (como si de un monstruo se tratase) o ese instante del lugar donde es llevado, una especie de fábrica convertida en cementerio para vivos. A finales de año 1.998, Retevisión contrataría a Jose Luis López Vázquez, para que volviese a meterse dentro de una cabina, en esta ocasión para un anuncio que pregonaba la libertad de mercado de la telefonía, monopolizada por aquel entonces por la todopoderosa Telefónica. Un anuncio donde veríamos al bueno de José Luis López Vazquez como salía de la cabina tras muchos años estando dentro.

Frase para recordar: "¿Qué le pasa? Que no puede salir, no se preocupe".

la cabina


Director: Antonio Mercero.

Intérpretes: José Luis López Vázquez, Agustín González, Goyo Lebrero, Tito García, Carmen Martínez Sierra, Carmen Luján, María Vico.

Corto:



Información complementaria:
José Luis López Vázquez 

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por: 

Con la vergonzosa e hiriente para todo ciudadano situación actual en lo referente al mundo de la política y la banca que están llevando a nuestro país a la debacle, no puedo dejar de pensar que esta película del año 1988 se adelantó a su época cual profecía de Nostradamus. En el film, los obreros y trabajadores de clase media (es decir casi todos los seres humanos del planeta) se ven obligados a vivir en guetos y chabolas ya que la crisis económica los ha dejado a todos en el paro y obligados a vivir "el día a día" con resignación y miseria, mientras unos pocos (alienígenas) disfrutan sometiendo a la mayoría de la humanidad.. Desde las "altas esferas" se obliga a: No pensar, someterse, consumir, ver la televisión y considerar el dinero como a un Dios. Todos estos tiránicos pensamientos son inducidos de manera subliminal por unos alienígenas (clases de alta gama) con forma de humanos que a través de la televisión y los carteles publicitarios del mundo entero tienen hipnotizada a la población mundial ¿Les suena de algo?. Pues alejando "lo de los exreterrestres" exactamente igual que en la sociedad actual. Una sociedad que a través de la política fomenta la individualidad por encima del bien común y que tiene tiranizado y explotado al ser humano. Unos políticos (extraterrestres) que aborrecen que nos unamos y protestemos por la justicia, la igualdad y nuestros derechos constitucionales (un trabajo y vivienda dignos). En el film de Carpenter los antidisturbios y la policía se encargan de apartar y acabar con todo aquel que alce la voz para desmantelar la conspiración extraterrestre...¿Les suena de algo?. A mí sí ..


Y es que si cambias a los aliens de esta película por los políticos actuales tenemos el perfecto reflejo del nuevo orden social en el que nos tienen embobados, hipnotizados y engañados con sus mentiras y eufemismos y utilizando las dudosa fuerzas de la ley para acabar con cualquier voz que clame por la justicia y por cualquier derecho constitucional. Lanzo una pregunta al aire: ¿Cómo es posible que seamos testigos de tanta injusticia, robos, saqueos y desigualdad hacia el ciudadano, mediante ejemplos tales como: El caso Gürtel, las preferentes, los Eres y la cantidad de corruptos intocables, y que nos mostremos tan impasibles y tan poco sensibles ante la demoledora situación de los desahucios, el paro y la cantidad de recortes que amenazan el bienestar social general?..Quizá realmente al igual que en el film de Carpenter estemos hipnotizados de verdad. El ex -luchador Rody Piper fue el encargado de protagonizar esta adaptación de la historia corta "Las 8 de la mañana" en la que un simple obrero de la construcción al borde de la exclusión social encuentra unas gafas de sol que le revelan la realidad. 


Hemos sido conquistados y amansados a través del consumismo y el analfabetismo por unos seres concentrados en tenernos como al ganado, alimentados con el dinero y la televisión, sin ser conscientes de la auténtica realidad social, tan desigual como injusta. Rody Piper encabezará la revolución para intentar terminar con los aliens y mostrarlos al mundo entero para concienciar al ser humano de que si se une a su semejantes podemos realizar grandes cosas. A pesar de que los efectos especiales y el maquillaje están totalmente anticuados y desfasados, hoy en día el discurso de cine social planteado por el maestro John Carpenter a través de la ciencia ficción es totalmente revelador, reaccinario y su declaración de principios para terminar con las injusticias y sembrar la cordura en la política actual dejando a un lado sus aspiraciones personales para ocuparse de las necesidades humanas, es totalmente tan actual como necesario. Una interesantísima película que mezcla la ciencia ficción con una denuncia social que bien podía considerarse como una mezcla entre "Los Lunes al sol (2002)" de Aranoa sumada a "Un día de furia (1992)" de Joel Schumacher y "La guerra de los mundos" de H.G. Wells. Algo habrá que hacer contra este nuevo orden social extraterrestre...



Título original: They live.

Director: John Carpenter.

Intérpretes: Roddy Piper, Keith David, Meg Foster, John Lawrence, Raymond St. Jacques, Peter Jason.

Trailer:


 B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

ESTÁN VIVOS (1988). La crítica social de John Carpenter.

Con la vergonzosa e hiriente para todo ciudadano situación actual en lo referente al mundo de la política y la banca que están llevando a nuestro país a la debacle, no puedo dejar de pensar que esta película del año 1988 se adelantó a su época cual profecía de Nostradamus. En el film, los obreros y trabajadores de clase media (es decir casi todos los seres humanos del planeta) se ven obligados a vivir en guetos y chabolas ya que la crisis económica los ha dejado a todos en el paro y obligados a vivir "el día a día" con resignación y miseria, mientras unos pocos (alienígenas) disfrutan sometiendo a la mayoría de la humanidad.. Desde las "altas esferas" se obliga a: No pensar, someterse, consumir, ver la televisión y considerar el dinero como a un Dios. Todos estos tiránicos pensamientos son inducidos de manera subliminal por unos alienígenas (clases de alta gama) con forma de humanos que a través de la televisión y los carteles publicitarios del mundo entero tienen hipnotizada a la población mundial ¿Les suena de algo?. Pues alejando "lo de los exreterrestres" exactamente igual que en la sociedad actual. Una sociedad que a través de la política fomenta la individualidad por encima del bien común y que tiene tiranizado y explotado al ser humano. Unos políticos (extraterrestres) que aborrecen que nos unamos y protestemos por la justicia, la igualdad y nuestros derechos constitucionales (un trabajo y vivienda dignos). En el film de Carpenter los antidisturbios y la policía se encargan de apartar y acabar con todo aquel que alce la voz para desmantelar la conspiración extraterrestre...¿Les suena de algo?. A mí sí ..


Y es que si cambias a los aliens de esta película por los políticos actuales tenemos el perfecto reflejo del nuevo orden social en el que nos tienen embobados, hipnotizados y engañados con sus mentiras y eufemismos y utilizando las dudosa fuerzas de la ley para acabar con cualquier voz que clame por la justicia y por cualquier derecho constitucional. Lanzo una pregunta al aire: ¿Cómo es posible que seamos testigos de tanta injusticia, robos, saqueos y desigualdad hacia el ciudadano, mediante ejemplos tales como: El caso Gürtel, las preferentes, los Eres y la cantidad de corruptos intocables, y que nos mostremos tan impasibles y tan poco sensibles ante la demoledora situación de los desahucios, el paro y la cantidad de recortes que amenazan el bienestar social general?..Quizá realmente al igual que en el film de Carpenter estemos hipnotizados de verdad. El ex -luchador Rody Piper fue el encargado de protagonizar esta adaptación de la historia corta "Las 8 de la mañana" en la que un simple obrero de la construcción al borde de la exclusión social encuentra unas gafas de sol que le revelan la realidad. 


Hemos sido conquistados y amansados a través del consumismo y el analfabetismo por unos seres concentrados en tenernos como al ganado, alimentados con el dinero y la televisión, sin ser conscientes de la auténtica realidad social, tan desigual como injusta. Rody Piper encabezará la revolución para intentar terminar con los aliens y mostrarlos al mundo entero para concienciar al ser humano de que si se une a su semejantes podemos realizar grandes cosas. A pesar de que los efectos especiales y el maquillaje están totalmente anticuados y desfasados, hoy en día el discurso de cine social planteado por el maestro John Carpenter a través de la ciencia ficción es totalmente revelador, reaccinario y su declaración de principios para terminar con las injusticias y sembrar la cordura en la política actual dejando a un lado sus aspiraciones personales para ocuparse de las necesidades humanas, es totalmente tan actual como necesario. Una interesantísima película que mezcla la ciencia ficción con una denuncia social que bien podía considerarse como una mezcla entre "Los Lunes al sol (2002)" de Aranoa sumada a "Un día de furia (1992)" de Joel Schumacher y "La guerra de los mundos" de H.G. Wells. Algo habrá que hacer contra este nuevo orden social extraterrestre...



Título original: They live.

Director: John Carpenter.

Intérpretes: Roddy Piper, Keith David, Meg Foster, John Lawrence, Raymond St. Jacques, Peter Jason.

Trailer:


 B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Información complementaria:

la pasión de juana de arco
Considerado de manera unívoca como uno de los grandes maestros del cine, el realizador Carl Theodor Dreyer, nace en Copenhage, Dinamarca, el 3 de febrero de 1889. Hijo ilegítimo de un terrateniente danés y una sirvienta sueca, fue adoptado por el tipógrafo Carl Theodor Dreyer y su esposa Marie. El futuro cineasta pasó una infancia bastante desdichada, por lo que se ausentó del hogar familiar a los 17 años y desempeñó diversos trabajos como empleado en oficina de telégrafos, hasta comenzar a trabajar como periodista, bien de enviado especial, bien como retratista de personajes sociales de la época. Todo ello le condujo a los primeros contactos con el cine. Escribe un primer guión en 1912 y se convierte en asesor y escritor de guiones para Nordisk films Kompagni. Dirigió su primera película en 1919 "El presidente (1919)", que parte de guión ajeno, "La viuda del Párroco (1920)" y luego "Las Páginas del Libro de Satán (1921)", ambas escritas por Dreyer. Esta última relata cuatro momentos históricos donde puede verse la implacable huella del Diablo en la historia de la humanidad, en una estructura fílmica deudora claramente de "Intolerancia (1917)", el fresco histórico del cineasta David Wark Griffith, admirado por Dreyer. Filmó algunos títulos repartidos entre Noruega y Alemania, regresando a su país para dirigir "El amo de Casa (1925)", cuyo éxito no solo en su tierra, sino también en Francia, le abrió las puertas para la que sería su primera gran obra inmortal, "Juana de Arco (1928)". En 1930 Dreyer aún en Francia rueda Vampyr, su primera película sonora, considerada por el mismo “un ejercicio de estilo”. 

la pasión de juana de arco

Una película magistralmente perturbadora, un retrato de la poética del terror. Su carrera como cineasta tuvo un parón hasta 1940, dirigiendo a partir de entonces algunos documentales y cortometrajes, hasta retomar la realización de largometrajes, que se reanuda con "Dies Irae (1943)", en torno a un triángulo amoroso, con la superstición y la crueldad cristiana de fondo, ambientada en 1623. El film constituye todo un ejemplo de austeridad visual y cuenta con unas composiciones bellísimas inspiradas en la pintura de la época. Su siguiente película, "Ordet (1955)" conocida entre nosotros como "La Palabra", es un drama ambientado entre campesinos de la inhóspita zona oeste de Jutlandia, donde una joven muere como consecuencia de un parto, pero vuelve a la vida gracias a un acto de fe. Sobriedad de decorados, bellas composiciones, el uso de planos secuencia de hasta ocho minutos caracterizan una de las grandes obras maestras de todos los tiempos, ganadora del León de Oro en La Mostra de Venecia de 1955. Su última película fue "Gertrud (1964)", dirigida con 75 años, Dreyer compone un fresco que casi no contiene primeros planos, pero sí leves travellings o movimientos de cámara sobre railes, y nuevamente, secuencias largas. En 11 minutos la película tiene sólo 88 tomas, muy pocos decorados y una única secuencia exterior. Constituye, no sólo el testamento fílmico sino también el ultimo gran retrato femenino de su director, una mujer libre, intelectual, de gran fuerza que rechaza a los hombres de su vida, prefiriendo vivir de acuerdo con sus normas personales. Dreyer intentó infructuosamente conseguir financiación en EEUU para llevar a cabo la filmación de su guión (reescrito en 1950, durante su estancia en Independence, Missouri, EEUU.), sobre la vida de Jesucristo, titulado Jesús de Nazaret, permaneciendo como uno de los proyectos malditos o no realizados del siglo XX. Ese guión está editado en castellano por Ediciones Sígueme.



la pasión de juana de arco

Centrándonos en La Pasión de Juana de Arco, como apuntábamos más arriba, el realizador danés Carl Theodore Dreyer, después del enorme éxito cosechado en su país con el largometraje "El amo de Casa", recibe el encargo de la Societé General Des films para proponer un tema concreto que cristalizase en una película artística con la que irrumpir en el mercado francés e internacional. El cineasta propuso tres retratos de otras tantas mujeres en la historia de Francia: María Antonieta, Catalina de Médicis y Juana de Arco, la joven doncella de Orleans, una campesina que por mandato divino llevó a Francia a la victoria contra los ingleses y fue  procesada y quemada por brujería en la hoguera en 1431. En aquellos años su proceso había servido de inspiración para una obra teatral reciente de mucho éxito internacional, escrita de George Bernard Shaw (que sería llevada al cine por Otto Preminger en 1957). La joven mártir había sido canonizada por el Papa en 1920 y una película de 1917 dirigida por Cecil B. de Mille, titulada "Joan the Woman", había consagrado a su realizador para la causa de las superproducciones con enorme despliegue de medios, y provistas de múltiples connotaciones religiosas. Dreyer decidió eludir el aliento épico concomitante de la historia. Se concentra en el controvertido proceso realizado contra la joven en el Castillo de Ruán, en manos de Warwick, su Gobernador, que presiona al Tribunal Eclesiástico, compuesto fundamentalmente de anglófilos, presidido por el Obispo Cauchon, que ha de juzgarla, mientras el rey Carlos VII la ha abandonado a su suerte. Los 29 interrogatorios a los que Juana fue sometida la joven, se reconducen a uno solo, respetando la unidad de tiempo y lugar, practicado el ultimo día de la vida de la joven, el 30 de mayo de 1431. El realizador opta por un decorado sencillo: el Palacio de Justicia de Ruán, un puente levadizo, un potro de tortura, un patíbulo, siguiendo de manera implacable la simplicidad máxima que se había propuesto. La puesta en escena, completamente austera, descansa en el uso casi obsesivo del primer plano, de modo que casi nos perdemos en el tiempo y el espacio donde transcurre la acción. La película ha sido descrita  como una continua serie de primeros planos o una sinfonía de caras. Dreyer, en palabras del historiador Ib Monty “…eleva el drama por encima del tiempo y del espacio”.El historiador canadiense John Kobal, en su libro Las cien mejores películas, apunta sobre las elecciones artísticas del film:



La película requería un director de una integridad fanática para resolver el original problema que él mismo había establecido, crear una profunda experiencia espiritual a partir de la persecución demoníaca de Juana por parte de sus jueces eclesiásticos, cuestionándola, tratando de engañarla, deformando sus motivos con palabras, todo ello en un ambiente sin sonido”.



la pasión de juana de arco

Los actores, en clara sinergia con las intenciones del realizador, comparecen ante la cámara desprovistos de maquillaje. A la protagonista, la actriz francesa Renée Falconetti (actriz de La Comedia Francesa, el Teatro Nacional de Francia, subvencionado por el Estado y fundado en 1680), Dreyer le pidió que se rapase el pelo y que se colocase cadenas reales que le literalmente le herían la carne. Los actores, en definitiva, se convierten en el instrumento definitivo, en aras de enfatizar el drama, con los primerísimos planos. El resultado es definido por el guionista, realizador y crítico de cine, Paul Schrader en su libro “El estilo transcendental en el cine: Ozu, Bresson, Dreyer”, como “el progreso espiritual del alma de Juana”. André Bazin, el mentor de los cineastas de la Nouvelle vage, y fundador de la prestigiosa revista Cahiers du cinema, definió este largometraje como un film “atravesado por el ultrasonido del alma”. El propio Dreyer, reflexionaría sobre su trabajo en este film en el siguiente sentido:


Quería interpretar un himno al triunfo del alma sobre la vida. Todo lo humano es expresado en su rostro, del mismo modo que su cara es el espejo del alma”. “Mi intención al filmar Juana de Arco era, mas allá de los adornos de la leyenda, descubrir la tragedia humana, detrás de la aureola gloriosa, descubrir a la muchacha que se llama Juana. Quería mostrar que los héroes de esta historia también fueron humanos”.



la pasión de juana de arco

"La Pasión de Juana de Arco" no cosechó demasiado éxito de público, pero fue adorada, no solo por los vanguardistas como Jean Cocteau, sino que ha seguido impresionando a posteriores generaciones de cineastas y cinéfilos. El cine de Dreyer, en definitiva contienen sufrimiento, maldad, aflicción y muerte en grandes dosis, pero el cineasta trata de captar también el triunfo del espíritu humano. Se definía a sí mismo como un humanista liberal y su preocupación como artista era el ser humano como individuo, tratando de preservar la objetividad en su quimera. En Dinamarca se le tuvo siempre como una persona solitaria. En su época no había nadie comparable a él en su entorno. Cuentan los que le conocían, que le encantaba una buena conversación sobre cine, desprovista de adulación personal, franca, sincera y directa. Su influencia en otros cineastas, es más ejemplar, que inmediata o directa, pues nunca fue artífice de corriente alguna, destinada a marcar tendencia. La influencia de Dreyer es más puntual y concreta. El historiador Scott Eyman escribe en su libro biográfico sobre John Ford “Print the legend, la vida y época de John Ford”, en su página 124 lo siguiente:



Ford nunca fue un gran aficionado a ir al cine, pero iba si estaba convencido de que la película tenía el suficiente interés. Por aquella época Brian Desmond Hurst le arrastró a ver La pasión de Juana de Arco, de Dreyer, en un cine de Vine Street. Al parecer, Ford no se mostró nada impresionado, pero al día siguiente Desmond Hurst vio que Ford volvía al cine a echar otro vistazo”.



El también historiador Joseph McBride en su libro sobre el cineasta irlandés “Tras la pista de John Ford” en su página 685, apunta la influencia de Dreyer en la película "El Hombre que mató a Liberty Valance (1962)". Dice McBride:



A nivel visual, tiene más en común con los dramas intimistas de Carl Theodor Dreyer que con Centauros del desierto y otros Westerns de Ford, en los que el entorno físico es una presencia tan importante como la de los personajes. Ford hace prácticamente una abstracción del telón de fondo de la película para realzar la importancia de los diálogos, el lenguaje emocional de rostros y cuerpos, así como el uso simbólico de gestos y objetos”. 



la pasión de juana de arco

Probablemente uno de los homenajes más hermosos que se le han rendido nunca al cineasta danés, vino por parte del francés Jean-Luc Godard, en la película "Vivir su vida (1962)". Contiene una secuencia donde el personaje que interpreta Anna Karina está viendo La Pasión de Juana de Arco en una sala de cine de París. La hermosura de la escena, reside en alcanzar el objetivo de Dreyer en toda su obra “tocar el corazón de cada espectador como ser individual”. "La Pasión de Juana de Arco" ha sufrido con el devenir de los años un martirio similar al de la joven doncella de Orleans. Antes de su estreno francés, al no poder impedir la Prémiere, el Arzobispo de París exigió una censura de la obra. Se practicaron cortes importantes, en lo que sin duda fue un desafortunado remontaje, practicado a espaldas del artista. El 6 de diciembre de 1928, en un fuego que consumió los laboratorios de los estudios UFA de Berlín, se destruyó el negativo original concebido por su realizador. Dreyer reconstruye con su montadora la película, usando tomas alternativas descartadas. Un segundo incendio, esta vez en los laboratorios Boulogne-Billancourt en 1929, destruyó con esa copia. Entre los años 30 y los 40, proliferan copias corruptas de la película, que poco a poco los historiadores de cine fueron desautorizando por no recoger el espíritu del artista creador, además de sufrir la propia desautorización de éste, quien durante años se esforzó por elevar su voz dejando claro que dichas copias no constituían su película. En 1981, Mientras se hacía una limpieza en unos armarios en Kikemarkby Kehus, un instituto mental cerca de Oslo, Noruega, un trabajador encontró varias latas de película, que se enviaron al Instituto Noruego, donde estuvieron 3 años sin que nadie ni siquiera las abriese. Cuando finalmente se procedió a abrir las latas, se toparon con una copia de la película íntegra y un documento solicitando la aprobación del censor, fechada en 1928. En otras palabras hallaron una copia certificada de la versión inicial y original del realizador. Gracias al hallazgo casual y anecdótico en el referido manicomio, "La Pasión de Juana de Arco" ha podido ser mostrada a generaciones posteriores y vamos a poder visualizarla hoy aquí en todo su esplendor, después de haber sido denunciada, censurada, quemada y mutilada, y podremos verla tal y como fue concebida.  

la pasión de juana de arco

Título original: La passion de Jeanne d'Arc

Director: Carl Theodor Dreyer.

Intérpretes: Renée Jeanne Falconetti, Eugene Silvain, Maurice Schutz, Michel Simon, Antonin Artaud.

Trailer:



Reseña escrita por Manuel García de Mesa

Información complementaria:
Carl Theodor Dreyer 

LA PASIÓN DE JUANA DE ARCO (1928). El martirio del cuerpo y la pervivencia del espiritú según Carl Theodore Dreyer.

la pasión de juana de arco
Considerado de manera unívoca como uno de los grandes maestros del cine, el realizador Carl Theodor Dreyer, nace en Copenhage, Dinamarca, el 3 de febrero de 1889. Hijo ilegítimo de un terrateniente danés y una sirvienta sueca, fue adoptado por el tipógrafo Carl Theodor Dreyer y su esposa Marie. El futuro cineasta pasó una infancia bastante desdichada, por lo que se ausentó del hogar familiar a los 17 años y desempeñó diversos trabajos como empleado en oficina de telégrafos, hasta comenzar a trabajar como periodista, bien de enviado especial, bien como retratista de personajes sociales de la época. Todo ello le condujo a los primeros contactos con el cine. Escribe un primer guión en 1912 y se convierte en asesor y escritor de guiones para Nordisk films Kompagni. Dirigió su primera película en 1919 "El presidente (1919)", que parte de guión ajeno, "La viuda del Párroco (1920)" y luego "Las Páginas del Libro de Satán (1921)", ambas escritas por Dreyer. Esta última relata cuatro momentos históricos donde puede verse la implacable huella del Diablo en la historia de la humanidad, en una estructura fílmica deudora claramente de "Intolerancia (1917)", el fresco histórico del cineasta David Wark Griffith, admirado por Dreyer. Filmó algunos títulos repartidos entre Noruega y Alemania, regresando a su país para dirigir "El amo de Casa (1925)", cuyo éxito no solo en su tierra, sino también en Francia, le abrió las puertas para la que sería su primera gran obra inmortal, "Juana de Arco (1928)". En 1930 Dreyer aún en Francia rueda Vampyr, su primera película sonora, considerada por el mismo “un ejercicio de estilo”. 

la pasión de juana de arco

Una película magistralmente perturbadora, un retrato de la poética del terror. Su carrera como cineasta tuvo un parón hasta 1940, dirigiendo a partir de entonces algunos documentales y cortometrajes, hasta retomar la realización de largometrajes, que se reanuda con "Dies Irae (1943)", en torno a un triángulo amoroso, con la superstición y la crueldad cristiana de fondo, ambientada en 1623. El film constituye todo un ejemplo de austeridad visual y cuenta con unas composiciones bellísimas inspiradas en la pintura de la época. Su siguiente película, "Ordet (1955)" conocida entre nosotros como "La Palabra", es un drama ambientado entre campesinos de la inhóspita zona oeste de Jutlandia, donde una joven muere como consecuencia de un parto, pero vuelve a la vida gracias a un acto de fe. Sobriedad de decorados, bellas composiciones, el uso de planos secuencia de hasta ocho minutos caracterizan una de las grandes obras maestras de todos los tiempos, ganadora del León de Oro en La Mostra de Venecia de 1955. Su última película fue "Gertrud (1964)", dirigida con 75 años, Dreyer compone un fresco que casi no contiene primeros planos, pero sí leves travellings o movimientos de cámara sobre railes, y nuevamente, secuencias largas. En 11 minutos la película tiene sólo 88 tomas, muy pocos decorados y una única secuencia exterior. Constituye, no sólo el testamento fílmico sino también el ultimo gran retrato femenino de su director, una mujer libre, intelectual, de gran fuerza que rechaza a los hombres de su vida, prefiriendo vivir de acuerdo con sus normas personales. Dreyer intentó infructuosamente conseguir financiación en EEUU para llevar a cabo la filmación de su guión (reescrito en 1950, durante su estancia en Independence, Missouri, EEUU.), sobre la vida de Jesucristo, titulado Jesús de Nazaret, permaneciendo como uno de los proyectos malditos o no realizados del siglo XX. Ese guión está editado en castellano por Ediciones Sígueme.



la pasión de juana de arco

Centrándonos en La Pasión de Juana de Arco, como apuntábamos más arriba, el realizador danés Carl Theodore Dreyer, después del enorme éxito cosechado en su país con el largometraje "El amo de Casa", recibe el encargo de la Societé General Des films para proponer un tema concreto que cristalizase en una película artística con la que irrumpir en el mercado francés e internacional. El cineasta propuso tres retratos de otras tantas mujeres en la historia de Francia: María Antonieta, Catalina de Médicis y Juana de Arco, la joven doncella de Orleans, una campesina que por mandato divino llevó a Francia a la victoria contra los ingleses y fue  procesada y quemada por brujería en la hoguera en 1431. En aquellos años su proceso había servido de inspiración para una obra teatral reciente de mucho éxito internacional, escrita de George Bernard Shaw (que sería llevada al cine por Otto Preminger en 1957). La joven mártir había sido canonizada por el Papa en 1920 y una película de 1917 dirigida por Cecil B. de Mille, titulada "Joan the Woman", había consagrado a su realizador para la causa de las superproducciones con enorme despliegue de medios, y provistas de múltiples connotaciones religiosas. Dreyer decidió eludir el aliento épico concomitante de la historia. Se concentra en el controvertido proceso realizado contra la joven en el Castillo de Ruán, en manos de Warwick, su Gobernador, que presiona al Tribunal Eclesiástico, compuesto fundamentalmente de anglófilos, presidido por el Obispo Cauchon, que ha de juzgarla, mientras el rey Carlos VII la ha abandonado a su suerte. Los 29 interrogatorios a los que Juana fue sometida la joven, se reconducen a uno solo, respetando la unidad de tiempo y lugar, practicado el ultimo día de la vida de la joven, el 30 de mayo de 1431. El realizador opta por un decorado sencillo: el Palacio de Justicia de Ruán, un puente levadizo, un potro de tortura, un patíbulo, siguiendo de manera implacable la simplicidad máxima que se había propuesto. La puesta en escena, completamente austera, descansa en el uso casi obsesivo del primer plano, de modo que casi nos perdemos en el tiempo y el espacio donde transcurre la acción. La película ha sido descrita  como una continua serie de primeros planos o una sinfonía de caras. Dreyer, en palabras del historiador Ib Monty “…eleva el drama por encima del tiempo y del espacio”.El historiador canadiense John Kobal, en su libro Las cien mejores películas, apunta sobre las elecciones artísticas del film:



La película requería un director de una integridad fanática para resolver el original problema que él mismo había establecido, crear una profunda experiencia espiritual a partir de la persecución demoníaca de Juana por parte de sus jueces eclesiásticos, cuestionándola, tratando de engañarla, deformando sus motivos con palabras, todo ello en un ambiente sin sonido”.



la pasión de juana de arco

Los actores, en clara sinergia con las intenciones del realizador, comparecen ante la cámara desprovistos de maquillaje. A la protagonista, la actriz francesa Renée Falconetti (actriz de La Comedia Francesa, el Teatro Nacional de Francia, subvencionado por el Estado y fundado en 1680), Dreyer le pidió que se rapase el pelo y que se colocase cadenas reales que le literalmente le herían la carne. Los actores, en definitiva, se convierten en el instrumento definitivo, en aras de enfatizar el drama, con los primerísimos planos. El resultado es definido por el guionista, realizador y crítico de cine, Paul Schrader en su libro “El estilo transcendental en el cine: Ozu, Bresson, Dreyer”, como “el progreso espiritual del alma de Juana”. André Bazin, el mentor de los cineastas de la Nouvelle vage, y fundador de la prestigiosa revista Cahiers du cinema, definió este largometraje como un film “atravesado por el ultrasonido del alma”. El propio Dreyer, reflexionaría sobre su trabajo en este film en el siguiente sentido:


Quería interpretar un himno al triunfo del alma sobre la vida. Todo lo humano es expresado en su rostro, del mismo modo que su cara es el espejo del alma”. “Mi intención al filmar Juana de Arco era, mas allá de los adornos de la leyenda, descubrir la tragedia humana, detrás de la aureola gloriosa, descubrir a la muchacha que se llama Juana. Quería mostrar que los héroes de esta historia también fueron humanos”.



la pasión de juana de arco

"La Pasión de Juana de Arco" no cosechó demasiado éxito de público, pero fue adorada, no solo por los vanguardistas como Jean Cocteau, sino que ha seguido impresionando a posteriores generaciones de cineastas y cinéfilos. El cine de Dreyer, en definitiva contienen sufrimiento, maldad, aflicción y muerte en grandes dosis, pero el cineasta trata de captar también el triunfo del espíritu humano. Se definía a sí mismo como un humanista liberal y su preocupación como artista era el ser humano como individuo, tratando de preservar la objetividad en su quimera. En Dinamarca se le tuvo siempre como una persona solitaria. En su época no había nadie comparable a él en su entorno. Cuentan los que le conocían, que le encantaba una buena conversación sobre cine, desprovista de adulación personal, franca, sincera y directa. Su influencia en otros cineastas, es más ejemplar, que inmediata o directa, pues nunca fue artífice de corriente alguna, destinada a marcar tendencia. La influencia de Dreyer es más puntual y concreta. El historiador Scott Eyman escribe en su libro biográfico sobre John Ford “Print the legend, la vida y época de John Ford”, en su página 124 lo siguiente:



Ford nunca fue un gran aficionado a ir al cine, pero iba si estaba convencido de que la película tenía el suficiente interés. Por aquella época Brian Desmond Hurst le arrastró a ver La pasión de Juana de Arco, de Dreyer, en un cine de Vine Street. Al parecer, Ford no se mostró nada impresionado, pero al día siguiente Desmond Hurst vio que Ford volvía al cine a echar otro vistazo”.



El también historiador Joseph McBride en su libro sobre el cineasta irlandés “Tras la pista de John Ford” en su página 685, apunta la influencia de Dreyer en la película "El Hombre que mató a Liberty Valance (1962)". Dice McBride:



A nivel visual, tiene más en común con los dramas intimistas de Carl Theodor Dreyer que con Centauros del desierto y otros Westerns de Ford, en los que el entorno físico es una presencia tan importante como la de los personajes. Ford hace prácticamente una abstracción del telón de fondo de la película para realzar la importancia de los diálogos, el lenguaje emocional de rostros y cuerpos, así como el uso simbólico de gestos y objetos”. 



la pasión de juana de arco

Probablemente uno de los homenajes más hermosos que se le han rendido nunca al cineasta danés, vino por parte del francés Jean-Luc Godard, en la película "Vivir su vida (1962)". Contiene una secuencia donde el personaje que interpreta Anna Karina está viendo La Pasión de Juana de Arco en una sala de cine de París. La hermosura de la escena, reside en alcanzar el objetivo de Dreyer en toda su obra “tocar el corazón de cada espectador como ser individual”. "La Pasión de Juana de Arco" ha sufrido con el devenir de los años un martirio similar al de la joven doncella de Orleans. Antes de su estreno francés, al no poder impedir la Prémiere, el Arzobispo de París exigió una censura de la obra. Se practicaron cortes importantes, en lo que sin duda fue un desafortunado remontaje, practicado a espaldas del artista. El 6 de diciembre de 1928, en un fuego que consumió los laboratorios de los estudios UFA de Berlín, se destruyó el negativo original concebido por su realizador. Dreyer reconstruye con su montadora la película, usando tomas alternativas descartadas. Un segundo incendio, esta vez en los laboratorios Boulogne-Billancourt en 1929, destruyó con esa copia. Entre los años 30 y los 40, proliferan copias corruptas de la película, que poco a poco los historiadores de cine fueron desautorizando por no recoger el espíritu del artista creador, además de sufrir la propia desautorización de éste, quien durante años se esforzó por elevar su voz dejando claro que dichas copias no constituían su película. En 1981, Mientras se hacía una limpieza en unos armarios en Kikemarkby Kehus, un instituto mental cerca de Oslo, Noruega, un trabajador encontró varias latas de película, que se enviaron al Instituto Noruego, donde estuvieron 3 años sin que nadie ni siquiera las abriese. Cuando finalmente se procedió a abrir las latas, se toparon con una copia de la película íntegra y un documento solicitando la aprobación del censor, fechada en 1928. En otras palabras hallaron una copia certificada de la versión inicial y original del realizador. Gracias al hallazgo casual y anecdótico en el referido manicomio, "La Pasión de Juana de Arco" ha podido ser mostrada a generaciones posteriores y vamos a poder visualizarla hoy aquí en todo su esplendor, después de haber sido denunciada, censurada, quemada y mutilada, y podremos verla tal y como fue concebida.  

la pasión de juana de arco

Título original: La passion de Jeanne d'Arc

Director: Carl Theodor Dreyer.

Intérpretes: Renée Jeanne Falconetti, Eugene Silvain, Maurice Schutz, Michel Simon, Antonin Artaud.

Trailer:



Reseña escrita por Manuel García de Mesa

Información complementaria:
Carl Theodor Dreyer 

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