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gilda
Escribir sobre una película de tal envergadura como Gilda es todo un reto para los que amamos el cine. Es también desde luego un placer , el tener la posibilidad de expresar esa pasión, e intentar, que como una enfermedad benévola, ésta pasión se contagie, y alcance a aquellas personas que no hayan , si se me permite la expresión, gozado con Gilda, o si lo han hecho que vuelvan a hacerlo de nuevo.

Gilda es, por mucho que trate de evitar el tópico, algo más que una grandísima película, y algunas de sus imágenes poseen tal capacidad de sugerencia, tanta fuerza e intensidad, que no puede olvidarse jamás. Hoy en pleno siglo XXI nos sigue asombrando el erotismo y la sensualidad de Rita Hayworth, que encarna a Gilda: huracán perturbador , mujer hechicera, perturbadora ylibre y decidida a obtener lo que quiere de de los hombres. 

Pero… ¿cuál es el secreto de Gilda?, ¿qué es lo que la hace tan especial, tan fascinante, porque sigue cautivando a los espectadores hoy en día?. Como ha sucedido con otras obras míticas del Hollywood clásico, los que llevaron a cabo esta película no pensaron, casi con seguridad en que estaban creando un mito. Como suele ocurrir, una serie de afortunados factores hicieron posible la película. 


gilda

En primer lugar una extraordinario guión en el que se entremezclan a la perfección cine negro, melodrama y toques de cine de espías. La historia escrita por E.A. Ellington, adaptada por Jo Eisinger y guionizada por Marion Parsonnet es de un atractivo irresistible: 

Cuando Johny Farrell (Glenn Ford) un jugador y buscavidas se ve envuelto en uno más de sus altercados relacionados con sus trampas de juego, es salvado por Ballin Mundson (George MacReady) el oscuro propietario de un casino y de algunos negocios sucios. Mundson contrata a Farrell para que dirija y controle su casino en Buenos Aires. Todo marcha razonablemente bien hasta que Mundson se casa con Gilda (Rita Hayworth) otra aventurera sin rumbo, que en el pasado fue la amante de Farrell… Los celos y las disputas entre ambos se harán cada vez más y más constantes. Al desaparecer Mundson todo parece que la relación entre Gilda y Johny va a consumarse, reviviendo las llamas de la pasión, pero todo se complica de nuevo. 

Los diálogos hacen avanzar a la película rápidamente y antes de darnos cuenta estamos ya instalados en esa atractiva y peligrosa sala de juego clandestina de Buenos Aires donde se canta, se baila, se ama y se odia. Dónde los negocios sucios conviven con una sensualidad y sexualidad disimulada de forma magistral a través de las insinuaciones, las metáforas, la ambigüedad y la ironía. 


gilda

En segundo lugar la acertada elección del director: Charles Vidor , el cual no destaca por aportar a sus obras un sello de auto, aunque si filmo interesantes películas como los musicales (Cover girl o Love Me or Leave Me ) sino que trata de filmar la historia de una forma lo más concreta posible, sin enfatizar el dramatismo ni alargando en exceso la duración de cada escena…el protagonismo es pues para los actores, que están todos realmente creíbles en todos sus papeles, aparte del trío protagonista hay que destacar a Joseph Calleia que interpreta al perspicaz y detective Maurice Obregon y a Steven Geray: contrapunto cómico de la historia que interpreta a Uncle Pio, un chistoso encargado del lavabo de los hombres. Tampoco se puede olvidar que Rita Hayworth era una gran bailarina. Los dos números que interpreta son magníficos, y aunque ella no canta ni "Amado mío" ni "Put The Blame On Mame" (ambas canciones escritas por Allan Roberts y Doris Fisher) sino Anita Ellis, ambas escenas, especialmente la segunda tiene que estar forzosamente en una antología de las escenas míticas de la Historia del Cine

Charles Vidor consigue una puesta en escena perfecta dónde lo que importa es cómo miran los actores, cómo hablan y cómo escuchan al que le da la replica. Con la colaboración de un magnífico director de fotografía como Rudolph Maté consigue otorgar a la película un aspecto sofisticado y elegante sin dejar de lado la precisión en los encuadres. Los primeros planos tienen una luz especial, deslumbrante, en ese sentido la presentación de Gilda no puede estar mejor filmada. Destaca también la movilidad de la cámara que recorre esa Sala de juego deslizándose casi sin que nos demos cuenta, sigue a los protagonistas y los atrapa en un espacio reducido, resaltando la tensión y el juego de mentiras y medias verdades que se establece entre ellos… En lo referente a la puesta en escena también me parece fundamental el vestuario de Rita Hayworth, obra de Jean Louis que hace que todos los trajes que se ponga en la película realcen su belleza, logrando una belleza hipnótica. 


gilda


En tercer lugar el protagonismo directo de las mujeres en la obra: la producción es de Virginia Van Up y el guión de Marion Parsonnet. Quizás por eso Gilda no sea una femme-fatale típica del cine negro, más bien es una mujer que busca sexo y cariño por igual, y que tropieza con dos hombres cuya moral torturada y sus intereses económicos hacen que sea ignorada por ellos, por eso por lo que quiere llamar a la atención y reclamar así lo que quiere. 

Inmortal e inolvidable obra maestra que refleja un momento histórico concreto: la posguerra que siguió al termino de la segunda guerra mundial y que dio paso a un mundo nuevo, a una nueva forma de entender las relaciones entre hombres y mujeres. En ese sentido el descaro y el atrevimiento de Gilda la convierten en una película cuya vigencia hoy es patente. Las discusiones entre parejas, las bofetadas entre Johny y Gilda ellos y ese poder de seducción que las mujeres ejercen sobre los hombres y que las convierten en auténticos seres dominadores en lo que se refiere al terreno amoroso es algo que está perfectamente plasmado y que hoy en día sigue siendo así… No dejéis de ver Gilda.


gilda

Director: Charles Vidor.

Intérpretes: Rita Hayworth, Glenn Ford, George Macready, Joseph Calleia, Steven Geray,


Trailer:


Reseña escrita por Juan Murillo Bodas

GILDA (1946). Odiarse es amarse sin medida.

gilda
Escribir sobre una película de tal envergadura como Gilda es todo un reto para los que amamos el cine. Es también desde luego un placer , el tener la posibilidad de expresar esa pasión, e intentar, que como una enfermedad benévola, ésta pasión se contagie, y alcance a aquellas personas que no hayan , si se me permite la expresión, gozado con Gilda, o si lo han hecho que vuelvan a hacerlo de nuevo.

Gilda es, por mucho que trate de evitar el tópico, algo más que una grandísima película, y algunas de sus imágenes poseen tal capacidad de sugerencia, tanta fuerza e intensidad, que no puede olvidarse jamás. Hoy en pleno siglo XXI nos sigue asombrando el erotismo y la sensualidad de Rita Hayworth, que encarna a Gilda: huracán perturbador , mujer hechicera, perturbadora ylibre y decidida a obtener lo que quiere de de los hombres. 

Pero… ¿cuál es el secreto de Gilda?, ¿qué es lo que la hace tan especial, tan fascinante, porque sigue cautivando a los espectadores hoy en día?. Como ha sucedido con otras obras míticas del Hollywood clásico, los que llevaron a cabo esta película no pensaron, casi con seguridad en que estaban creando un mito. Como suele ocurrir, una serie de afortunados factores hicieron posible la película. 


gilda

En primer lugar una extraordinario guión en el que se entremezclan a la perfección cine negro, melodrama y toques de cine de espías. La historia escrita por E.A. Ellington, adaptada por Jo Eisinger y guionizada por Marion Parsonnet es de un atractivo irresistible: 

Cuando Johny Farrell (Glenn Ford) un jugador y buscavidas se ve envuelto en uno más de sus altercados relacionados con sus trampas de juego, es salvado por Ballin Mundson (George MacReady) el oscuro propietario de un casino y de algunos negocios sucios. Mundson contrata a Farrell para que dirija y controle su casino en Buenos Aires. Todo marcha razonablemente bien hasta que Mundson se casa con Gilda (Rita Hayworth) otra aventurera sin rumbo, que en el pasado fue la amante de Farrell… Los celos y las disputas entre ambos se harán cada vez más y más constantes. Al desaparecer Mundson todo parece que la relación entre Gilda y Johny va a consumarse, reviviendo las llamas de la pasión, pero todo se complica de nuevo. 

Los diálogos hacen avanzar a la película rápidamente y antes de darnos cuenta estamos ya instalados en esa atractiva y peligrosa sala de juego clandestina de Buenos Aires donde se canta, se baila, se ama y se odia. Dónde los negocios sucios conviven con una sensualidad y sexualidad disimulada de forma magistral a través de las insinuaciones, las metáforas, la ambigüedad y la ironía. 


gilda

En segundo lugar la acertada elección del director: Charles Vidor , el cual no destaca por aportar a sus obras un sello de auto, aunque si filmo interesantes películas como los musicales (Cover girl o Love Me or Leave Me ) sino que trata de filmar la historia de una forma lo más concreta posible, sin enfatizar el dramatismo ni alargando en exceso la duración de cada escena…el protagonismo es pues para los actores, que están todos realmente creíbles en todos sus papeles, aparte del trío protagonista hay que destacar a Joseph Calleia que interpreta al perspicaz y detective Maurice Obregon y a Steven Geray: contrapunto cómico de la historia que interpreta a Uncle Pio, un chistoso encargado del lavabo de los hombres. Tampoco se puede olvidar que Rita Hayworth era una gran bailarina. Los dos números que interpreta son magníficos, y aunque ella no canta ni "Amado mío" ni "Put The Blame On Mame" (ambas canciones escritas por Allan Roberts y Doris Fisher) sino Anita Ellis, ambas escenas, especialmente la segunda tiene que estar forzosamente en una antología de las escenas míticas de la Historia del Cine

Charles Vidor consigue una puesta en escena perfecta dónde lo que importa es cómo miran los actores, cómo hablan y cómo escuchan al que le da la replica. Con la colaboración de un magnífico director de fotografía como Rudolph Maté consigue otorgar a la película un aspecto sofisticado y elegante sin dejar de lado la precisión en los encuadres. Los primeros planos tienen una luz especial, deslumbrante, en ese sentido la presentación de Gilda no puede estar mejor filmada. Destaca también la movilidad de la cámara que recorre esa Sala de juego deslizándose casi sin que nos demos cuenta, sigue a los protagonistas y los atrapa en un espacio reducido, resaltando la tensión y el juego de mentiras y medias verdades que se establece entre ellos… En lo referente a la puesta en escena también me parece fundamental el vestuario de Rita Hayworth, obra de Jean Louis que hace que todos los trajes que se ponga en la película realcen su belleza, logrando una belleza hipnótica. 


gilda


En tercer lugar el protagonismo directo de las mujeres en la obra: la producción es de Virginia Van Up y el guión de Marion Parsonnet. Quizás por eso Gilda no sea una femme-fatale típica del cine negro, más bien es una mujer que busca sexo y cariño por igual, y que tropieza con dos hombres cuya moral torturada y sus intereses económicos hacen que sea ignorada por ellos, por eso por lo que quiere llamar a la atención y reclamar así lo que quiere. 

Inmortal e inolvidable obra maestra que refleja un momento histórico concreto: la posguerra que siguió al termino de la segunda guerra mundial y que dio paso a un mundo nuevo, a una nueva forma de entender las relaciones entre hombres y mujeres. En ese sentido el descaro y el atrevimiento de Gilda la convierten en una película cuya vigencia hoy es patente. Las discusiones entre parejas, las bofetadas entre Johny y Gilda ellos y ese poder de seducción que las mujeres ejercen sobre los hombres y que las convierten en auténticos seres dominadores en lo que se refiere al terreno amoroso es algo que está perfectamente plasmado y que hoy en día sigue siendo así… No dejéis de ver Gilda.


gilda

Director: Charles Vidor.

Intérpretes: Rita Hayworth, Glenn Ford, George Macready, Joseph Calleia, Steven Geray,


Trailer:


Reseña escrita por Juan Murillo Bodas

un-profeta
El joven francés Malik El Djebena (Tahir Rahim) de origen árabe, ingresa en una prisión de máxima seguridad para cumplir una pena de seis años a la que ha sido condenado por un delito menor. Es prácticamente analfabeto y es un ser solitario y taciturno e incapaz de defenderse. Está completamente solo, por lo que la vida le resulta muy dura, aunque tiene facilidad de adaptación, por lo que despierta la curiosidad de los miembros de la mafia corsa, quienes controlan todos los movimientos y gestión dentro del centro penitenciario. Malik, amenazado por la mafia corsa yes obligado a matar a Rayib, otro prisionero.

Con un sólido guión firmado por el propio director y Thomas Bidegain, Un profeta cuenta la dura historia de Malik El Djebena , un joven de diecinueve años, es casi un adolescente, del cual desconocemos cualquier información, excepto su origen árabe y asistimos a la brutal evolución desde su ingreso en prisión siendo uno más entre los reclusos, hasta su transformación en alguien importante e imprescindible para los negocios de la mafia corsa. El negocio es claro, si accede a matar a otro prisionero, recibirá la protección de los mafiosos; si no, probablemente lo matarán a él.

un-profeta

Es una película que atrapa desde su inicio, una película que no es cómoda de ver, sino todo lo contrario, resulta dura y contundente; las escenas de violencia están rodadas con tal realismo y ausencia de concesiones, que en ocasiones, puede llegar a molestar a algún alma sensible. No menos austera resulta su puesta en escena, como lo son también sus diálogos. El quinto trabajo de Audiard, la plasma sin adornos, de una manera desnuda, la cual permite al espectador parecer estar presenciando una auténtica realidad, cuando lo cierto es que se está presenciando un relato ficticio.A destacar, asimismo, la fuerza en las interpretaciones, sobre todo la del joven Tahar Rahi, pero también, las del resto del reparto. Un profeta cosechó números premios, entre ellos, nominación a mejor película de habla no inglesa en los Óscar; mejor película de habla no inglesa en los Globos de oro; Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes; Mejor película de habla no inglesa Premios BAFTA; Premios del cine europeo: Mejor actor, Premio excelencia (sonido) 6 nominaciones y 9 Premios César, entre otros.


un-profeta

La cinta es un demoledor retrato de superación personal, pero también lo es sobre la corrupción en el poder, sobre la venganza y sobre la justicia. Según manifestaciones del propio director en una entrevista dejada estas preguntas sobre el personaje de Malik: "¿La sociedad corrompe al hombre? No lo diría así. Me hacía más bien la pregunta: ¿tenemos derecho a muchas vidas? ¿La vida te da una segunda oportunidad? ¿Cuál es el costo de rehacer una vida? ¿Cuáles son los beneficios y las pérdidas entre una primera y una segunda vida? Al principio, partí de un personaje sin identidad, con la pregunta “¿qué es no tener historia y escribirse una?". Pero es verdad que Malik es el producto de circunstancias que atraviesan su vida. Es un personaje que se construye en vivo y en directo”.

un-profeta



Frases de cine: "El punto de estar en prisión, es salir siendo alguien mejor al que entró".

Título original: Un prophète.

Director: Jacques Audiard.

Intérpretes: Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi,Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen,

Trailer:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

UN PROFETA (2009). Prisión y corrupción.

un-profeta
El joven francés Malik El Djebena (Tahir Rahim) de origen árabe, ingresa en una prisión de máxima seguridad para cumplir una pena de seis años a la que ha sido condenado por un delito menor. Es prácticamente analfabeto y es un ser solitario y taciturno e incapaz de defenderse. Está completamente solo, por lo que la vida le resulta muy dura, aunque tiene facilidad de adaptación, por lo que despierta la curiosidad de los miembros de la mafia corsa, quienes controlan todos los movimientos y gestión dentro del centro penitenciario. Malik, amenazado por la mafia corsa yes obligado a matar a Rayib, otro prisionero.

Con un sólido guión firmado por el propio director y Thomas Bidegain, Un profeta cuenta la dura historia de Malik El Djebena , un joven de diecinueve años, es casi un adolescente, del cual desconocemos cualquier información, excepto su origen árabe y asistimos a la brutal evolución desde su ingreso en prisión siendo uno más entre los reclusos, hasta su transformación en alguien importante e imprescindible para los negocios de la mafia corsa. El negocio es claro, si accede a matar a otro prisionero, recibirá la protección de los mafiosos; si no, probablemente lo matarán a él.

un-profeta

Es una película que atrapa desde su inicio, una película que no es cómoda de ver, sino todo lo contrario, resulta dura y contundente; las escenas de violencia están rodadas con tal realismo y ausencia de concesiones, que en ocasiones, puede llegar a molestar a algún alma sensible. No menos austera resulta su puesta en escena, como lo son también sus diálogos. El quinto trabajo de Audiard, la plasma sin adornos, de una manera desnuda, la cual permite al espectador parecer estar presenciando una auténtica realidad, cuando lo cierto es que se está presenciando un relato ficticio.A destacar, asimismo, la fuerza en las interpretaciones, sobre todo la del joven Tahar Rahi, pero también, las del resto del reparto. Un profeta cosechó números premios, entre ellos, nominación a mejor película de habla no inglesa en los Óscar; mejor película de habla no inglesa en los Globos de oro; Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes; Mejor película de habla no inglesa Premios BAFTA; Premios del cine europeo: Mejor actor, Premio excelencia (sonido) 6 nominaciones y 9 Premios César, entre otros.


un-profeta

La cinta es un demoledor retrato de superación personal, pero también lo es sobre la corrupción en el poder, sobre la venganza y sobre la justicia. Según manifestaciones del propio director en una entrevista dejada estas preguntas sobre el personaje de Malik: "¿La sociedad corrompe al hombre? No lo diría así. Me hacía más bien la pregunta: ¿tenemos derecho a muchas vidas? ¿La vida te da una segunda oportunidad? ¿Cuál es el costo de rehacer una vida? ¿Cuáles son los beneficios y las pérdidas entre una primera y una segunda vida? Al principio, partí de un personaje sin identidad, con la pregunta “¿qué es no tener historia y escribirse una?". Pero es verdad que Malik es el producto de circunstancias que atraviesan su vida. Es un personaje que se construye en vivo y en directo”.

un-profeta



Frases de cine: "El punto de estar en prisión, es salir siendo alguien mejor al que entró".

Título original: Un prophète.

Director: Jacques Audiard.

Intérpretes: Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi,Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen,

Trailer:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

el-hombre-de-bronce
El biopic de Jim Thorpe cuyo nombre indio significa Camino Luminoso, es relatado por "Pope "Warner (Charles Bickford), su entrenador, quien en un homenaje a nuestro héroe, encarnado por un maravilloso Burt Lancaster, nos remonta a su niñez cuando para no asistir a clases corría 20 kilómetros a campo traviesa para malestar de sus progenitores aunque su padre le advierte que si quiere ser alguien tendrá que prepararse. Es así que dando un salto alto en el tiempo somos transportados a la universidad de Carlisle, institución a dónde van los nativos americanos para educarse y no desperdiciar su vida. Allí Jim además de encontrar el amor descubrirá también sus dotes atléticas en más de una disciplina deportiva y se convertirá en jugador estrella de beísbol y fútbol americano hasta cuando participe en las olimpiadas de Suecia en 1912 coronándose campeón mundial en pentatlón y decatlón, medallas que le serían despojadas por un tecnicismo pues él durante un verano para ganarse algo de dinero extra para su manutención jugó profesionalmente y según las normas eso era motivo para tal sanción. Una vez llegado a la cúspide comienza el drama y a pesar de ser uno de los atletas más completos de la historia del mundo, así como el ascenso llegó a lo más alto más dura fue la caída tanto personal como profesional.


el-hombre-de-bronce

Sin duda Burt Lancaster nació para este papel, muchas de las escenas de las hazañas deportivas las interpretó él mismo haciendo gala de sus destrezas atléticas y su carismática sonrisa. La historia obviamente concentra eventos para darle mayor fuerza y, como no, al ser un retrato de un héroe americano, la decrepitud es soslayada pues el filme termina con el citado homenaje al deportista como si su vida se hubiese redimido cuando en verdad el auténtico Thorpe falleció paupérrimo y alcoholizado. El Comité Olímpico Internacional, tres décadas después admitió su error y post mortem le fueron devueltas sus preseas olímpicas a los parientes que le sobrevivieron.

Michael Curtiz, conocido todoterreno en sus realizaciones firmó esta película en la que hizo uso de material de archivo sobre todo de las olimpiadas de Suecia en 1912 y la de Los ángeles en 1932. Es de ese tipo de filmes que se hacían hace muchos años, aquellos con una buena historia, bien narrada, con una gran estrella protagonista y que nos dejaba un buen sabor de boca al final, aunque, como anteriormente lo escribí, se adulteraban ciertos hechos.

el-hombre-de-bronce

Título original: Man of Bronze.

Director: Michael Curtiz.

Intérpretes: Burt Lancaster, Charles .Bickford, Steve Cochran, Phyllis Thaxter, Dick Wesson,Jack Big Head.

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

EL HOMBRE DE BRONCE (1951). El biopic de Jim Thorpe.

el-hombre-de-bronce
El biopic de Jim Thorpe cuyo nombre indio significa Camino Luminoso, es relatado por "Pope "Warner (Charles Bickford), su entrenador, quien en un homenaje a nuestro héroe, encarnado por un maravilloso Burt Lancaster, nos remonta a su niñez cuando para no asistir a clases corría 20 kilómetros a campo traviesa para malestar de sus progenitores aunque su padre le advierte que si quiere ser alguien tendrá que prepararse. Es así que dando un salto alto en el tiempo somos transportados a la universidad de Carlisle, institución a dónde van los nativos americanos para educarse y no desperdiciar su vida. Allí Jim además de encontrar el amor descubrirá también sus dotes atléticas en más de una disciplina deportiva y se convertirá en jugador estrella de beísbol y fútbol americano hasta cuando participe en las olimpiadas de Suecia en 1912 coronándose campeón mundial en pentatlón y decatlón, medallas que le serían despojadas por un tecnicismo pues él durante un verano para ganarse algo de dinero extra para su manutención jugó profesionalmente y según las normas eso era motivo para tal sanción. Una vez llegado a la cúspide comienza el drama y a pesar de ser uno de los atletas más completos de la historia del mundo, así como el ascenso llegó a lo más alto más dura fue la caída tanto personal como profesional.


el-hombre-de-bronce

Sin duda Burt Lancaster nació para este papel, muchas de las escenas de las hazañas deportivas las interpretó él mismo haciendo gala de sus destrezas atléticas y su carismática sonrisa. La historia obviamente concentra eventos para darle mayor fuerza y, como no, al ser un retrato de un héroe americano, la decrepitud es soslayada pues el filme termina con el citado homenaje al deportista como si su vida se hubiese redimido cuando en verdad el auténtico Thorpe falleció paupérrimo y alcoholizado. El Comité Olímpico Internacional, tres décadas después admitió su error y post mortem le fueron devueltas sus preseas olímpicas a los parientes que le sobrevivieron.

Michael Curtiz, conocido todoterreno en sus realizaciones firmó esta película en la que hizo uso de material de archivo sobre todo de las olimpiadas de Suecia en 1912 y la de Los ángeles en 1932. Es de ese tipo de filmes que se hacían hace muchos años, aquellos con una buena historia, bien narrada, con una gran estrella protagonista y que nos dejaba un buen sabor de boca al final, aunque, como anteriormente lo escribí, se adulteraban ciertos hechos.

el-hombre-de-bronce

Título original: Man of Bronze.

Director: Michael Curtiz.

Intérpretes: Burt Lancaster, Charles .Bickford, Steve Cochran, Phyllis Thaxter, Dick Wesson,Jack Big Head.

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada



los-amantes-crucificados
Los amantes crucificados es, en opinión del comentarista japonés Akira Iwasaki "una película de corte clásico que no tiene equivalente en toda la obra de Mizoguchi. Aquí, el equilibrio es total, lo que no quiere decir que la película carezca de vitalidad: al contrario, en ella se siente la lucha apasionada de un individuo contra la sociedad".

Si pedimos a cualquier occidental que piense en algún cineasta japonés, el primer nombre que con seguridad le vendrá a la cabeza es el de Akira Kurosawa. Sin embargo, como todos los genios, el director de Shinagawa tuvo sus predecesores. Uno de los más importantes fue Kenji Mizoguchi, un prolífico director que despachó más de setenta películas solo entre los años 20 y 30 y que, en 1954, adaptó para la gran pantalla una obra escrita en el siglo XVII por Chikamatsu Monzaemon.

Titulada para el resto del mundo como "Los amantes crucificados", la cinta narra la historia de un matrimonio que se rompe. Pero, a diferencia de otras historias de amantes, en esta ocasión el drama sirve de excusa para describir las fuertes convenciones sociales y los terribles sacrificios que la sociedad del Japón feudal imponía a la mayoría de sus habitantes. Durante el siglo XVII los adúlteros eran crucificados porque el honor de los samurais no toleraba la vejación de que su esposa prefiriera a otro hombre, pero en la defensa de tan bárbara tradición intervenían elementos políticos, económicos y otros intereses oscuros que nada tenían que ver con la honorabilidad. Y es en este aspecto, en el de los intereses particulares, el egoísmo, la traición, la venganza y la envidia donde Mizoguchi retrata de forma diáfana la condición humana predominante en aquella sociedad feudal.


los-amantes-crucificados

La gran particularidad de este relato consiste en ir enlazando sabiamente una serie de casualidades, de malos entendidos, de rumores e hipocresías, bien alejadas del pecado de amor. En realidad, los dos amantes: Osan, casada con el señor feudal y Mohei, trabajador de la empresa del marido, descubren que comparten una historia de amor cuando ya se ha tejido en torno a ellos una tela de araña basada en mentiras interesadas, en una falsa culpabilidad de la que algunos esperan sacar rendimiento económico y otros, como el señor feudal acaudalado, seguir ocultando sus miserias conservando una buena imagen que conviene a sus negocios y su posición social. Dos personas inicialmente unidas por falsas interpretaciones y rumores, que siempre han sido leales y sinceras, se ven obligados a huir de la sinrazón en busca de la libertad. Será, así, durante su viaje será cuando descubran sus verdaderos sentimientos: Osan se dará cuenta por primera vez que, en realidad, vive ahogada en un matrimonio concertado con un hombre mayor, avaro y egoísta que jamás le presta atención. Por su parte, Mohei, que es el empleado modelo y favorito del señor feudal, esconde en lo profundo de su alma una gran adoración por la joven señora de la casa. Por eso, no duda en ayudarla al comienzo del relato cuando ella se ve presionada para pagar deudas familiares de su hermano, jugador empedernido.


los-amantes-crucificados

En un momento crucial del relato, cuando Osan está dispuesta a sacrificar su vida por el deshonor, tendrá lugar una de las más bellas declaraciones de amor jamás vistas. A partir de esa crucial y sincera exposición de sentimientos, la trama dará un giro completo y la fuga se convertirá en la verdadera historia de amor de dos amantes. Juntos descubren que, a pesar de las sucesivas traiciones que intentan separarlos procedentes de sus propias familias y antiguos amigos, aún tienen derecho a una vida juntos y que merece la pena rebelarse contra las absurdas normas de su sociedad aunque mueran en el empeño. La huida de los amantes sirve de recorrido a través de los tabúes de una de las sociedades más rígidas que jamás haya existido sobre este planeta; pero también como vehículo para acercarse a unos bucólicos paisajes que Mizoguchi representa con el talento de los grandes artistas plásticos. Ya que aunque el relato enlace diferentes lugares sobre una narración en permanente movimiento, Mizoguchi mantendrá su estilo fiel a los encuadres fijos y simétricos, su cámara apenas se mueve, y por sus planos los personajes entran y salen, se acercan o se alejan, se profundiza en sus caras o se diluyen en el entorno, pero siempre manteniendo el plano. El uso de la luz es clave en la exquisita fotografía de Kazuo Miyagawa (B&W).


los-amantes-crucificados

De esta manera, cada suceso de su largo viaje, cada encuentro, cada posada y cada padre avergonzado le sirven de excusa para acercarse a las formas de los famosos grabados que dieron a conocer Japón a los occidentales incluso antes que el cine. Mizoguchi hizo de la transición de su país hacia la modernidad uno de sus grandes temas. Murió prematuramente, a la edad de 58 años, justo cuando películas como ésta estaban al fin brindándole el reconocimiento que merecía. Considerado el más oriental de los grandes directores japoneses, sus películas entremezclan la ancestral historia de su nación con muchos de los traumas de una sociedad marcada por los desvaríos nacionalistas del siglo XX. Como cineasta, jamás alcanzó, ni probablemente alcanzará, la notoriedad de su compatriota Kurosawa; y, sin embargo, películas como” Los amantes crucificados” demuestran que Mizoguchi era un maestro de la dirección capaz de diseccionar su propio mundo y exponer un arte puramente visual al mostrarnos sus entrañas.


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Título original: Chikamatsu monogatari.

Director: Kenji Mizoguchi.

Intérpretes: Kazuo Hasegawa, Kyoko Kagawa, Yoko Minamida, Eitaro Shindo, Haruo Tanaka,Eitaro Ozawa, Chieko Naniwa, Tatsuya Ishiguro, Hiroshi Mizuno, Hisao Toake

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

LOS AMANTES CRUCIFICADOS (1954). La trágica historia de amor de Kenji Mizoguchi.



los-amantes-crucificados
Los amantes crucificados es, en opinión del comentarista japonés Akira Iwasaki "una película de corte clásico que no tiene equivalente en toda la obra de Mizoguchi. Aquí, el equilibrio es total, lo que no quiere decir que la película carezca de vitalidad: al contrario, en ella se siente la lucha apasionada de un individuo contra la sociedad".

Si pedimos a cualquier occidental que piense en algún cineasta japonés, el primer nombre que con seguridad le vendrá a la cabeza es el de Akira Kurosawa. Sin embargo, como todos los genios, el director de Shinagawa tuvo sus predecesores. Uno de los más importantes fue Kenji Mizoguchi, un prolífico director que despachó más de setenta películas solo entre los años 20 y 30 y que, en 1954, adaptó para la gran pantalla una obra escrita en el siglo XVII por Chikamatsu Monzaemon.

Titulada para el resto del mundo como "Los amantes crucificados", la cinta narra la historia de un matrimonio que se rompe. Pero, a diferencia de otras historias de amantes, en esta ocasión el drama sirve de excusa para describir las fuertes convenciones sociales y los terribles sacrificios que la sociedad del Japón feudal imponía a la mayoría de sus habitantes. Durante el siglo XVII los adúlteros eran crucificados porque el honor de los samurais no toleraba la vejación de que su esposa prefiriera a otro hombre, pero en la defensa de tan bárbara tradición intervenían elementos políticos, económicos y otros intereses oscuros que nada tenían que ver con la honorabilidad. Y es en este aspecto, en el de los intereses particulares, el egoísmo, la traición, la venganza y la envidia donde Mizoguchi retrata de forma diáfana la condición humana predominante en aquella sociedad feudal.


los-amantes-crucificados

La gran particularidad de este relato consiste en ir enlazando sabiamente una serie de casualidades, de malos entendidos, de rumores e hipocresías, bien alejadas del pecado de amor. En realidad, los dos amantes: Osan, casada con el señor feudal y Mohei, trabajador de la empresa del marido, descubren que comparten una historia de amor cuando ya se ha tejido en torno a ellos una tela de araña basada en mentiras interesadas, en una falsa culpabilidad de la que algunos esperan sacar rendimiento económico y otros, como el señor feudal acaudalado, seguir ocultando sus miserias conservando una buena imagen que conviene a sus negocios y su posición social. Dos personas inicialmente unidas por falsas interpretaciones y rumores, que siempre han sido leales y sinceras, se ven obligados a huir de la sinrazón en busca de la libertad. Será, así, durante su viaje será cuando descubran sus verdaderos sentimientos: Osan se dará cuenta por primera vez que, en realidad, vive ahogada en un matrimonio concertado con un hombre mayor, avaro y egoísta que jamás le presta atención. Por su parte, Mohei, que es el empleado modelo y favorito del señor feudal, esconde en lo profundo de su alma una gran adoración por la joven señora de la casa. Por eso, no duda en ayudarla al comienzo del relato cuando ella se ve presionada para pagar deudas familiares de su hermano, jugador empedernido.


los-amantes-crucificados

En un momento crucial del relato, cuando Osan está dispuesta a sacrificar su vida por el deshonor, tendrá lugar una de las más bellas declaraciones de amor jamás vistas. A partir de esa crucial y sincera exposición de sentimientos, la trama dará un giro completo y la fuga se convertirá en la verdadera historia de amor de dos amantes. Juntos descubren que, a pesar de las sucesivas traiciones que intentan separarlos procedentes de sus propias familias y antiguos amigos, aún tienen derecho a una vida juntos y que merece la pena rebelarse contra las absurdas normas de su sociedad aunque mueran en el empeño. La huida de los amantes sirve de recorrido a través de los tabúes de una de las sociedades más rígidas que jamás haya existido sobre este planeta; pero también como vehículo para acercarse a unos bucólicos paisajes que Mizoguchi representa con el talento de los grandes artistas plásticos. Ya que aunque el relato enlace diferentes lugares sobre una narración en permanente movimiento, Mizoguchi mantendrá su estilo fiel a los encuadres fijos y simétricos, su cámara apenas se mueve, y por sus planos los personajes entran y salen, se acercan o se alejan, se profundiza en sus caras o se diluyen en el entorno, pero siempre manteniendo el plano. El uso de la luz es clave en la exquisita fotografía de Kazuo Miyagawa (B&W).


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De esta manera, cada suceso de su largo viaje, cada encuentro, cada posada y cada padre avergonzado le sirven de excusa para acercarse a las formas de los famosos grabados que dieron a conocer Japón a los occidentales incluso antes que el cine. Mizoguchi hizo de la transición de su país hacia la modernidad uno de sus grandes temas. Murió prematuramente, a la edad de 58 años, justo cuando películas como ésta estaban al fin brindándole el reconocimiento que merecía. Considerado el más oriental de los grandes directores japoneses, sus películas entremezclan la ancestral historia de su nación con muchos de los traumas de una sociedad marcada por los desvaríos nacionalistas del siglo XX. Como cineasta, jamás alcanzó, ni probablemente alcanzará, la notoriedad de su compatriota Kurosawa; y, sin embargo, películas como” Los amantes crucificados” demuestran que Mizoguchi era un maestro de la dirección capaz de diseccionar su propio mundo y exponer un arte puramente visual al mostrarnos sus entrañas.


los-amantes-crucificados

Título original: Chikamatsu monogatari.

Director: Kenji Mizoguchi.

Intérpretes: Kazuo Hasegawa, Kyoko Kagawa, Yoko Minamida, Eitaro Shindo, Haruo Tanaka,Eitaro Ozawa, Chieko Naniwa, Tatsuya Ishiguro, Hiroshi Mizuno, Hisao Toake

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

la-noche-de-halloween
-¿Crees en el hombre del saco?-. -No-. -Deberías-. Este es el diálogo que Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) mantiene con un periodista de investigación, al ser entrevistada sobre su hermano, al tratar los acontecimientos ocurridos ahora hace 40 años. Michael Myers ha vuelto…En realidad nunca se fue. Las numerosas secuelas y el remake de Rob Zombie, se han encargado durante este tiempo de mantener viva la leyenda del sanguinario ser que mata sin explicación ninguna, sin mostrar el menor sentido de la razón en los horribles actos de barbarie y asesinato que comete, pero todas estas películas han sido borradas a la hora de poner en marcha las nuevas andanzas de Myers, teniendo en cuenta únicamente la primera de todas ellas. En realidad, al terminar de ver el film del realizador David Gordon Green, me he dado cuenta de que la historia contada por John Carpenter en el año 78 ha vuelto a repetirse, y lo curioso es que esto no es malo, sino todo lo contrario. Michael Myers (Nick Castle), el actor que lo interpretó por vez primera, vuelve a escaparse de manera similar en la que lo hizo anteriormente, y vuelve a ser perseguido por un sheriff y el doctor que ha seguido su caso durante años, un discípulo del añorado doctor Loomis (Donald Pleasance). Michael Myers regresa a Haddonfield para matar de nuevo a todo aquel que se tope con él, y hace del salvajismo, la crueldad y el sinsentido del asesinato, su particular modus operandi a la hora de tratar con todo ser humano que se pone a su alcance. Pero no todo se repite, y es que Jamie Lee Curtis, ya no es la desvalida canguro que ignora de las intenciones de su desconocido hermano. Ahora Laurie Strode después de cuatro décadas es una madre y abuela que se ha preparado durante años con un único propósito…matar a su hermano.

la-noche-de-halloween

"La Curtis" hace gala en este film de un registro interpretativo admirable y evolucionado, siendo una mujer que tiene que vivir con la pesadilla de la que no ha podido librarse durante 40 años, pesadilla que la ha convertido en una alcohólica, agorafóbica, maniática de las armas y de la autodefensa, luchando diariamente para mantenerse firme y entrenándose para lo que ella sabe que llegará, que no es más que el destino de tener que ponerse delante del miedo para afrontarlo y vencerlo, destino que ya se le vaticinaba en las clases de filosofía que se le daban en el instituto cuando todavía era una adolescente. La noche de Halloween, de 2018, es una secuela que es capaz de dejarme satisfecho, y que utilizando las bazas de la película creada por John Carpenter, sabe mantener los guiños, con algún que otro giro autorreferencial que coloca a Laurie Strode donde antes estuvo Myers, convirtiendo al gato en ratón y viceversa, aunque aquí el ratón va armado con un largo y afilado cuchillo de cocina y muestra su sobrada imaginación para crear sufrimiento y chillidos.

la-noche-de-halloween

Me quedo con secuencias tan impactantes e interesantes como la de Myers en el armario acechando a una nueva niñera con un espabilado niño mirando, el asesinato del adolescente con el tatuaje de la fecha de su muerte en el brazo, y claro un final apoteósico con tres generaciones de mujeres Strode juntas para acabar con el sádico familiar que las ha atormentado toda su vida. Celebro el regreso de Michael Myers y espero que sirva de revulsivo para relanzar la carrera de John Carpenter, que aquí hace las funciones de productor ejecutivo junto a Jamie Lee, y que ha retocado su recordado y terrorífico tema musical para adaptarlo a nuestros días, un Carpenter que ve cómo la mayoría de sus obras son revisionadas por desiguales remakes, y que en su nueva noche de Halloween ha triunfado obviando todo lo anterior para empezar de nuevo, en una reorientación que al parecer ya han tenido en cuenta las nuevas entregas de Terminator y Robocop, la clave está en volver, pero con los creadores y actores originales.

la-noche-de-halloween

Título original: Halloween.

Director: David Gordon Green.

Intérpretes: Jamie Lee Curtis, Nick Castle, Judy Greer, Miles Robbins, Virginia Gardner,Will Patton, Toby Huss, Haluk Bilginer, Jefferson Hall, Andi Matichak,Christopher Allen Nelson
Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

LA NOCHE DE HALLOWEEN (2018). Michael Myers ha vuelto.

la-noche-de-halloween
-¿Crees en el hombre del saco?-. -No-. -Deberías-. Este es el diálogo que Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) mantiene con un periodista de investigación, al ser entrevistada sobre su hermano, al tratar los acontecimientos ocurridos ahora hace 40 años. Michael Myers ha vuelto…En realidad nunca se fue. Las numerosas secuelas y el remake de Rob Zombie, se han encargado durante este tiempo de mantener viva la leyenda del sanguinario ser que mata sin explicación ninguna, sin mostrar el menor sentido de la razón en los horribles actos de barbarie y asesinato que comete, pero todas estas películas han sido borradas a la hora de poner en marcha las nuevas andanzas de Myers, teniendo en cuenta únicamente la primera de todas ellas. En realidad, al terminar de ver el film del realizador David Gordon Green, me he dado cuenta de que la historia contada por John Carpenter en el año 78 ha vuelto a repetirse, y lo curioso es que esto no es malo, sino todo lo contrario. Michael Myers (Nick Castle), el actor que lo interpretó por vez primera, vuelve a escaparse de manera similar en la que lo hizo anteriormente, y vuelve a ser perseguido por un sheriff y el doctor que ha seguido su caso durante años, un discípulo del añorado doctor Loomis (Donald Pleasance). Michael Myers regresa a Haddonfield para matar de nuevo a todo aquel que se tope con él, y hace del salvajismo, la crueldad y el sinsentido del asesinato, su particular modus operandi a la hora de tratar con todo ser humano que se pone a su alcance. Pero no todo se repite, y es que Jamie Lee Curtis, ya no es la desvalida canguro que ignora de las intenciones de su desconocido hermano. Ahora Laurie Strode después de cuatro décadas es una madre y abuela que se ha preparado durante años con un único propósito…matar a su hermano.

la-noche-de-halloween

"La Curtis" hace gala en este film de un registro interpretativo admirable y evolucionado, siendo una mujer que tiene que vivir con la pesadilla de la que no ha podido librarse durante 40 años, pesadilla que la ha convertido en una alcohólica, agorafóbica, maniática de las armas y de la autodefensa, luchando diariamente para mantenerse firme y entrenándose para lo que ella sabe que llegará, que no es más que el destino de tener que ponerse delante del miedo para afrontarlo y vencerlo, destino que ya se le vaticinaba en las clases de filosofía que se le daban en el instituto cuando todavía era una adolescente. La noche de Halloween, de 2018, es una secuela que es capaz de dejarme satisfecho, y que utilizando las bazas de la película creada por John Carpenter, sabe mantener los guiños, con algún que otro giro autorreferencial que coloca a Laurie Strode donde antes estuvo Myers, convirtiendo al gato en ratón y viceversa, aunque aquí el ratón va armado con un largo y afilado cuchillo de cocina y muestra su sobrada imaginación para crear sufrimiento y chillidos.

la-noche-de-halloween

Me quedo con secuencias tan impactantes e interesantes como la de Myers en el armario acechando a una nueva niñera con un espabilado niño mirando, el asesinato del adolescente con el tatuaje de la fecha de su muerte en el brazo, y claro un final apoteósico con tres generaciones de mujeres Strode juntas para acabar con el sádico familiar que las ha atormentado toda su vida. Celebro el regreso de Michael Myers y espero que sirva de revulsivo para relanzar la carrera de John Carpenter, que aquí hace las funciones de productor ejecutivo junto a Jamie Lee, y que ha retocado su recordado y terrorífico tema musical para adaptarlo a nuestros días, un Carpenter que ve cómo la mayoría de sus obras son revisionadas por desiguales remakes, y que en su nueva noche de Halloween ha triunfado obviando todo lo anterior para empezar de nuevo, en una reorientación que al parecer ya han tenido en cuenta las nuevas entregas de Terminator y Robocop, la clave está en volver, pero con los creadores y actores originales.

la-noche-de-halloween

Título original: Halloween.

Director: David Gordon Green.

Intérpretes: Jamie Lee Curtis, Nick Castle, Judy Greer, Miles Robbins, Virginia Gardner,Will Patton, Toby Huss, Haluk Bilginer, Jefferson Hall, Andi Matichak,Christopher Allen Nelson
Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

que-el-cielo-la-juzgue
Un joven escritor, Richard Harland (Cornel Wilde) conoce a una atractiva mujer, Ellen Berent en un tren, dando comienzo a una relación que acaba en matrimonio. GeneTierney encarna a Ellen Berent, una joven que viaja con el fin de esparcir las cenizas de su padre, recientemente fallecido. De inmediato, es espectador se hace partícipe de la dependencia que tiene la joven respecto a su padre y del desequilibrio mental que padece la misma. Pero, después de la boda, él empieza a descubrir esos signos de la inestabilidad mental de su esposa, que además parece particularmente inclinada a elaborar maquiavélicos planes para conseguir sus objetivos, sin importarle el precio que tenga que pagar por ello.

Con guión de Jo Swerling y basado en una novela de Ben Ames Williams, esta película contiene una mezcla de intriga, de cine negro con mujer fatal protagonista, pero ambientada en un decorado de Technicolor, el cual sustituye a las luces y sombras, sobre todo, a las sombras del cine negro, por los colores de la película, además de elementos románticos. Stahl nos sumerge y muestra la finísima línea que separa el amor desesperado de la perturbadora locura, centrándose en la figura de Ellen, capaz de cometer cualquier atrocidad con tal de mantener a su hombre. Stahl utiliza el melodrama y el thriller psicológico, y lo integra, mediante paralelismos con la naturaleza para mostrar los estados de ánimo de los personajes y las fases por las que transcurre la trama. Dichos personajes muestran una ambigüedad más extensa, de lo que a priori, nos puede parecer.

que-el-cielo-la-juzgue

De hecho, una de las escenas principales de la película no transcurre en el entorno urbano, sino en una localización exterior, magníficamente fotografiado por Leon Shamroy, que vio recompensado su trabajo con un Óscar de la Academia; un lago donde se revela la verdadera naturaleza y de la amenaza que supone el personaje interpretado por la bellísima Gene Tierney, la cual, venía de interpretar a "Laura", de Otto Preminger, ofrece una actuación sublime, memorable y sugestiva, mediante la inexpresividad, como detentora de la maldad humana como consecuencia de los celos. Su patología podría tener su origen en una compleja relación paterno-filial, aunque en la cinta este hecho se deja entrever de una forma sibilina. Antes de Tierney, Rita Hayworth era la principal candidata para el rol de Ellen.

Que el cielo la juzgue es una película que atrapa desde el primer momento de su visionado, con una fuerza narrativa muy intensa y magistralmente realizada por Stahl, el cual utiliza el melodrama y lo integra, mediante paralelismos con la naturaleza para mostrar los estados de ánimo de los personajes y las fases por las que transcurre la trama. Dichos personajes muestran una ambigüedad más extensa, de lo que a priori, nos puede parecer.

Notable melodrama que cuenta con la música de Alfred Newman sonando de fondo, el cual capta a la perfección, con sus notas, la diferencia entre la realidad y la pesadilla que habita en la mente de Ellen. La cinta posee una enorme fuerza narrativa y magníficamente realizado por Stahl, director también de la primera versión de "Imitación a la vida". Los celos patológicos, llegan a alcanzar un nivel tal de obsesión, por parte de quien los padece, que pueden derivar en un comportamiento de trastorno de la personalidad.

que-el-cielo-la-juzgue

Frase para recordar: "Las personas que uno ama nunca mueren."

Título original: Leave Her to Heaven.

Director: John M. Stahl.

Intérpretes: 
Gene Tierney, Cornel Wilde, Jeanne Crain, Vincent Price, Mary Philips, Ray CollinsGene Lockhart, Reed Hadley, Darryl Hickman, Chill Wills.


 Trailer:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

QUE EL CIELO LA JUZGUE (1945). Amores posesivos.

que-el-cielo-la-juzgue
Un joven escritor, Richard Harland (Cornel Wilde) conoce a una atractiva mujer, Ellen Berent en un tren, dando comienzo a una relación que acaba en matrimonio. GeneTierney encarna a Ellen Berent, una joven que viaja con el fin de esparcir las cenizas de su padre, recientemente fallecido. De inmediato, es espectador se hace partícipe de la dependencia que tiene la joven respecto a su padre y del desequilibrio mental que padece la misma. Pero, después de la boda, él empieza a descubrir esos signos de la inestabilidad mental de su esposa, que además parece particularmente inclinada a elaborar maquiavélicos planes para conseguir sus objetivos, sin importarle el precio que tenga que pagar por ello.

Con guión de Jo Swerling y basado en una novela de Ben Ames Williams, esta película contiene una mezcla de intriga, de cine negro con mujer fatal protagonista, pero ambientada en un decorado de Technicolor, el cual sustituye a las luces y sombras, sobre todo, a las sombras del cine negro, por los colores de la película, además de elementos románticos. Stahl nos sumerge y muestra la finísima línea que separa el amor desesperado de la perturbadora locura, centrándose en la figura de Ellen, capaz de cometer cualquier atrocidad con tal de mantener a su hombre. Stahl utiliza el melodrama y el thriller psicológico, y lo integra, mediante paralelismos con la naturaleza para mostrar los estados de ánimo de los personajes y las fases por las que transcurre la trama. Dichos personajes muestran una ambigüedad más extensa, de lo que a priori, nos puede parecer.

que-el-cielo-la-juzgue

De hecho, una de las escenas principales de la película no transcurre en el entorno urbano, sino en una localización exterior, magníficamente fotografiado por Leon Shamroy, que vio recompensado su trabajo con un Óscar de la Academia; un lago donde se revela la verdadera naturaleza y de la amenaza que supone el personaje interpretado por la bellísima Gene Tierney, la cual, venía de interpretar a "Laura", de Otto Preminger, ofrece una actuación sublime, memorable y sugestiva, mediante la inexpresividad, como detentora de la maldad humana como consecuencia de los celos. Su patología podría tener su origen en una compleja relación paterno-filial, aunque en la cinta este hecho se deja entrever de una forma sibilina. Antes de Tierney, Rita Hayworth era la principal candidata para el rol de Ellen.

Que el cielo la juzgue es una película que atrapa desde el primer momento de su visionado, con una fuerza narrativa muy intensa y magistralmente realizada por Stahl, el cual utiliza el melodrama y lo integra, mediante paralelismos con la naturaleza para mostrar los estados de ánimo de los personajes y las fases por las que transcurre la trama. Dichos personajes muestran una ambigüedad más extensa, de lo que a priori, nos puede parecer.

Notable melodrama que cuenta con la música de Alfred Newman sonando de fondo, el cual capta a la perfección, con sus notas, la diferencia entre la realidad y la pesadilla que habita en la mente de Ellen. La cinta posee una enorme fuerza narrativa y magníficamente realizado por Stahl, director también de la primera versión de "Imitación a la vida". Los celos patológicos, llegan a alcanzar un nivel tal de obsesión, por parte de quien los padece, que pueden derivar en un comportamiento de trastorno de la personalidad.

que-el-cielo-la-juzgue

Frase para recordar: "Las personas que uno ama nunca mueren."

Título original: Leave Her to Heaven.

Director: John M. Stahl.

Intérpretes: 
Gene Tierney, Cornel Wilde, Jeanne Crain, Vincent Price, Mary Philips, Ray CollinsGene Lockhart, Reed Hadley, Darryl Hickman, Chill Wills.


 Trailer:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez


cadena-perpetua
Posiblemente en la actualidad todo el mundo conozca a Frank Darabont por ser uno de los creadores de la serie de "The walking dead" y haber dirigido "La milla verde (1999)" y "La niebla (2007)", pero en el alejado año de 1994, era prácticamente un desconocido que había participado en el libreto de "Pesadilla en Elm Street 3 (1987)". Basada en una obra de Stephen King, Darabont se atrevió a utilizar a unos semidesconocidos Tim Robbins y Morgan Freeman como los protagonistas de un drama carcelario que en su momento pasó desapercibido en las salas de cine hasta que recibió 7 nominaciones a los Oscars, que tampoco sirvieron de mucho para obtener notoriedad en taquilla, consiguiendo el dudoso honor de colocarse en el puesto 50 el año de su estreno en EEUU. La suerte no acompañó al film ya que Forrest Gump fue la que se llevó el gato al agua en los deseados premios de Hollywood. Pero el tiempo y "la redención", no han hecho más que provocar que la película sea un film a reivindicar, colocándose en los primeros puestos de preferencia de crítica y público cinéfilo. 

La amistad entre Andy Dufresne (Robbins) y Red (Freeman) es una bella a la par que dura historia sobre la esperanza, sobre que aún en la situación más desastrosa y horrible por la que podamos pasar, el ser humano contando con las virtudes y sapiencia que posea, puede darle la vuelta al drama y convertir la oscuridad en la luz más brillante que se pueda imaginar. En cuanto Dufrense toma conciencia de dónde, cómo, y con quién se encuentra encerrado en la prisión de Shawshank, toma las riendas y se aventura a hablar con el temible guarda interpretado por Clancy Brown, con el propósito de arreglarle un problema para ahorrarle impuestos, sabiendo que él es un experto en la banca. Justo en este instante, volcando brea sobre un tejado, Andy supera sus miedos y pide a cambio del favor ofrecido, no algo para él, sino curiosamente y para sorpresa de todos, unas cervezas para sus compañeros, momento en el que tanto Red como sus colegas de celda y guardas de la cárcel, verán en el personaje interpretado por Robbins alguien especial. A partir de ahí el protagonista de "Cadena Perpetua" demuestra que el ser humano puede hacer lo mejor que sabe contando con lo que tiene, pasando por encima de haber sido sentenciado por un crimen que no ha cometido, violado, ultrajado, golpeado e incluso olvidado y engañado por el alcaide y guarda a quienes ha ayudado a ganar ingentes cantidades de dinero con el fisco y otras actividades fraudulentas, hecho que le servirá a Dufrense para tomarse una revancha digna de una mente brillante, bondadosa y justa, un hombre intachable que basa en la insistencia y la perseverancia sus métodos para sobrevivir. 

cadena-perpetua

El film de Darabont es todo un alegato de superación para sobreponerse al dolor, que se combate con benevolencia, cordialidad, profesionalidad y sobre todo una historia de amistad, la que Andy Dufrense le procesa a Red, un majestuoso Morgan Freeman que a partir de aquí se convertiría en objeto de deseo de productores y directores. De todos los asombrosos momentos de "Cadena Perpetua", quedará para el recuerdo en la historia del cine, ese en el que Dufrense saborea la libertad con las manos alzadas mientras la lluvia moja todo su cuerpo, y claro un final magnífico y sensible con el reencuentro de dos amigos que se respetan, se admiran y se quieren. En la película cabe mencionar la peculiaridad de ver el transcurso de los años a través de los póster de los símbolos sexuales de las diferentes épocas conseguidos por Red para Andy, pasando por la Rita Hayworth de "Gilda (1946)" (que tiene especial importancia en el film), la Marilyn Monroe de "La tentación vive arriba (1955)" y la Raquel Welch de "Hace un millón de años (1966)". La primera colaboración de Stephen King y Frank Darabont, al final se ha ganado un puesto de honor en la meca de la historia de Hollywood, una película a la que ha redimido el tiempo y su incuestionable calidad.

cadena-perpetua

Título original: Frank Darabont.

Director: The Shawshank Redemption.

Intérpretes: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, James Whitmore, Gil Bellows,William Sadler, Mark Rolston, Clancy Brown.

Trailer:


Escena:  


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

CADENA PERPETUA (1994). Alegato a la vida.


cadena-perpetua
Posiblemente en la actualidad todo el mundo conozca a Frank Darabont por ser uno de los creadores de la serie de "The walking dead" y haber dirigido "La milla verde (1999)" y "La niebla (2007)", pero en el alejado año de 1994, era prácticamente un desconocido que había participado en el libreto de "Pesadilla en Elm Street 3 (1987)". Basada en una obra de Stephen King, Darabont se atrevió a utilizar a unos semidesconocidos Tim Robbins y Morgan Freeman como los protagonistas de un drama carcelario que en su momento pasó desapercibido en las salas de cine hasta que recibió 7 nominaciones a los Oscars, que tampoco sirvieron de mucho para obtener notoriedad en taquilla, consiguiendo el dudoso honor de colocarse en el puesto 50 el año de su estreno en EEUU. La suerte no acompañó al film ya que Forrest Gump fue la que se llevó el gato al agua en los deseados premios de Hollywood. Pero el tiempo y "la redención", no han hecho más que provocar que la película sea un film a reivindicar, colocándose en los primeros puestos de preferencia de crítica y público cinéfilo. 

La amistad entre Andy Dufresne (Robbins) y Red (Freeman) es una bella a la par que dura historia sobre la esperanza, sobre que aún en la situación más desastrosa y horrible por la que podamos pasar, el ser humano contando con las virtudes y sapiencia que posea, puede darle la vuelta al drama y convertir la oscuridad en la luz más brillante que se pueda imaginar. En cuanto Dufrense toma conciencia de dónde, cómo, y con quién se encuentra encerrado en la prisión de Shawshank, toma las riendas y se aventura a hablar con el temible guarda interpretado por Clancy Brown, con el propósito de arreglarle un problema para ahorrarle impuestos, sabiendo que él es un experto en la banca. Justo en este instante, volcando brea sobre un tejado, Andy supera sus miedos y pide a cambio del favor ofrecido, no algo para él, sino curiosamente y para sorpresa de todos, unas cervezas para sus compañeros, momento en el que tanto Red como sus colegas de celda y guardas de la cárcel, verán en el personaje interpretado por Robbins alguien especial. A partir de ahí el protagonista de "Cadena Perpetua" demuestra que el ser humano puede hacer lo mejor que sabe contando con lo que tiene, pasando por encima de haber sido sentenciado por un crimen que no ha cometido, violado, ultrajado, golpeado e incluso olvidado y engañado por el alcaide y guarda a quienes ha ayudado a ganar ingentes cantidades de dinero con el fisco y otras actividades fraudulentas, hecho que le servirá a Dufrense para tomarse una revancha digna de una mente brillante, bondadosa y justa, un hombre intachable que basa en la insistencia y la perseverancia sus métodos para sobrevivir. 

cadena-perpetua

El film de Darabont es todo un alegato de superación para sobreponerse al dolor, que se combate con benevolencia, cordialidad, profesionalidad y sobre todo una historia de amistad, la que Andy Dufrense le procesa a Red, un majestuoso Morgan Freeman que a partir de aquí se convertiría en objeto de deseo de productores y directores. De todos los asombrosos momentos de "Cadena Perpetua", quedará para el recuerdo en la historia del cine, ese en el que Dufrense saborea la libertad con las manos alzadas mientras la lluvia moja todo su cuerpo, y claro un final magnífico y sensible con el reencuentro de dos amigos que se respetan, se admiran y se quieren. En la película cabe mencionar la peculiaridad de ver el transcurso de los años a través de los póster de los símbolos sexuales de las diferentes épocas conseguidos por Red para Andy, pasando por la Rita Hayworth de "Gilda (1946)" (que tiene especial importancia en el film), la Marilyn Monroe de "La tentación vive arriba (1955)" y la Raquel Welch de "Hace un millón de años (1966)". La primera colaboración de Stephen King y Frank Darabont, al final se ha ganado un puesto de honor en la meca de la historia de Hollywood, una película a la que ha redimido el tiempo y su incuestionable calidad.

cadena-perpetua

Título original: Frank Darabont.

Director: The Shawshank Redemption.

Intérpretes: Tim Robbins, Morgan Freeman, Bob Gunton, James Whitmore, Gil Bellows,William Sadler, Mark Rolston, Clancy Brown.

Trailer:


Escena:  


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

Me ha caído en gracia esta película pues el tema de cine dentro del cine siempre despierta en mí al cinéfilo nostálgico, y claro, la cantidad de referencias cinematográficas y extracinematográficas que contiene esta obra de los Coen da para mucha diversión, aunque la mayoría de la gente no se entere de lo que está pasando.

Allá por los 50 el star system estaba entrando en decadencia así que los grandes estudios para compensar el declive y llevar más gente a las salas optaron por las superproducciones que incluían repartos multiestelares, largometrajes de 3 horas y más de duración con temas más grandes que la vida. Y la biblia era una riquísima fuente para estas historias. Así que, qué mejor que un relato de los tiempos de Cristo para asegurar una buena venta de boletos. Otro de los eventos que coincidieron en el tiempo aquel fue la cacería de brujas Maccarthista, de la cual fueron víctimas muchas personas relacionadas al mundo del arte y en el cine en particular los escritores fueron los mayormente perjudicados. Este gremio que es el origen de toda película pues obviamente sin quien escriba la historia no hay qué rodar fue muy mal pagado en aquel entonces y aunque habría uno que otro con mejor suerte la gran mayoría escribía para el cine de manera puramente alimenticia. Los intelectuales fueron tentados con las doctrinas izquierdistas y se llenaron tanto de materialismo dialéctico pero, como hoy sabemos, una cosa es la idea y otra la práctica.

ave-cesar

Eddie Mannix (Joss Brolin) es un alto ejecutivo de los estudios Capitol que no solamente tiene que velar porque todas las producciones sigan su normal curso sino que tiene que estar atento a las vidas privadas de las estrellas pues muchas de ellas mareadas por el éxito cometen más de una indiscreción, y en la industria del cine, la imagen es todo. Así que si hay una diva soltera embarazada hay que encubrir los hechos, desaparecerla por un tiempo prudente y una vez que tenga al niño hacer aparentar que ella lo toma en adopción. También le toca negociar con directores egocéntricos y con ídolos de matiné, dar buena cara a las estandartes de la chismografía pues una columna favorable también asegura taquilla y gran taquilla es lo que mantiene el negocio.

La cosa es que en plena filmación de Ave Cesar, un relato de tiempos de Cristo, Baird Whitlock (George Clooney), el estelar, es secuestrado por un grupo que se hace llamar El futuro, el cual luego nos enteramos está formado por un grupo de escritores con ideas marxistas y que piden una fuerte cantidad de dinero al estudio como rescate mientras en sus tertulias comienzan un lavado cerebral a su rehén. Oigan con mucha atención esos diálogos porque son oro puro: El Capital explicado en fáciles lecciones para que hasta un actor mediocre lo entienda. Mientras tanto Mannix reúne a un cura, un reverendo, un rabino y a un sacerdote ortodoxo, ¿es un chiste? ¡por supuesto! como consejeros para llevar el mensaje de Dios en la película. Delirantes conclusiones amigos.

ave-cesar

Pero me estoy yendo por otros derroteros. Decía que esta película hace uso del lenguaje metacinematográfico para homenajear (y algo de crítica también hay, no duden) desde la parodia y si ponemos ojo avisor descubrimos guiños al mismísimo Cecil B. De Mille pasando por personajes que nos recuerdan a Esther Williams, Gene Kelly, Carmen Miranda por citar algunos memorables y otros menos conocidos como Kirby Grant (actor de cine y TV, protagonista de westerns tipo B) bajo la forma de Hobie Doyle (Alden Ehrenreich) uno de los héroes de este film. Me saco el sombrero ante un actor que había desestimado por largo tiempo y es que Channing Tatum realiza un maravilloso número musical digno de aplauso.

El resto del reparto incluye a Scarlett Johansson como la sirena grávida, Ralph Fiennes como un director de cine con un secreto, Tilda Wilson en un doble papel como las gemelas Tacker, las chismólogas émulas de Louella Parsons y Hedda Hopper, Frances Mc Dormand haciendo de montajista, Jonah Hill como un repugnante testaferro y Max Baer como el líder de "El futuro".

Me lo he pasado en grande con esta cinta escrita, montada, producida y dirigida por Ethan y Joel Coen, quienes al hablar de ella la califican como la cuarta película de su “Trilogía Estúpida” protagonizada por Clooney. ¿?
¡Vaya broma!

ave-cesar

Título original: 
Hail, Caesar!

Director: Joel Coen, Ethan Coen.

Intérpretes: Josh Brolin, George Clooney, Alden Ehrenreich, Tilda Swinton, Scarlett JohanssonChanning Tatum, Ralph Fiennes, Max Baker,

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Carrión

¡AVE CÉSAR! (2016). Los Coen parodia Hollywood.

Me ha caído en gracia esta película pues el tema de cine dentro del cine siempre despierta en mí al cinéfilo nostálgico, y claro, la cantidad de referencias cinematográficas y extracinematográficas que contiene esta obra de los Coen da para mucha diversión, aunque la mayoría de la gente no se entere de lo que está pasando.

Allá por los 50 el star system estaba entrando en decadencia así que los grandes estudios para compensar el declive y llevar más gente a las salas optaron por las superproducciones que incluían repartos multiestelares, largometrajes de 3 horas y más de duración con temas más grandes que la vida. Y la biblia era una riquísima fuente para estas historias. Así que, qué mejor que un relato de los tiempos de Cristo para asegurar una buena venta de boletos. Otro de los eventos que coincidieron en el tiempo aquel fue la cacería de brujas Maccarthista, de la cual fueron víctimas muchas personas relacionadas al mundo del arte y en el cine en particular los escritores fueron los mayormente perjudicados. Este gremio que es el origen de toda película pues obviamente sin quien escriba la historia no hay qué rodar fue muy mal pagado en aquel entonces y aunque habría uno que otro con mejor suerte la gran mayoría escribía para el cine de manera puramente alimenticia. Los intelectuales fueron tentados con las doctrinas izquierdistas y se llenaron tanto de materialismo dialéctico pero, como hoy sabemos, una cosa es la idea y otra la práctica.

ave-cesar

Eddie Mannix (Joss Brolin) es un alto ejecutivo de los estudios Capitol que no solamente tiene que velar porque todas las producciones sigan su normal curso sino que tiene que estar atento a las vidas privadas de las estrellas pues muchas de ellas mareadas por el éxito cometen más de una indiscreción, y en la industria del cine, la imagen es todo. Así que si hay una diva soltera embarazada hay que encubrir los hechos, desaparecerla por un tiempo prudente y una vez que tenga al niño hacer aparentar que ella lo toma en adopción. También le toca negociar con directores egocéntricos y con ídolos de matiné, dar buena cara a las estandartes de la chismografía pues una columna favorable también asegura taquilla y gran taquilla es lo que mantiene el negocio.

La cosa es que en plena filmación de Ave Cesar, un relato de tiempos de Cristo, Baird Whitlock (George Clooney), el estelar, es secuestrado por un grupo que se hace llamar El futuro, el cual luego nos enteramos está formado por un grupo de escritores con ideas marxistas y que piden una fuerte cantidad de dinero al estudio como rescate mientras en sus tertulias comienzan un lavado cerebral a su rehén. Oigan con mucha atención esos diálogos porque son oro puro: El Capital explicado en fáciles lecciones para que hasta un actor mediocre lo entienda. Mientras tanto Mannix reúne a un cura, un reverendo, un rabino y a un sacerdote ortodoxo, ¿es un chiste? ¡por supuesto! como consejeros para llevar el mensaje de Dios en la película. Delirantes conclusiones amigos.

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Pero me estoy yendo por otros derroteros. Decía que esta película hace uso del lenguaje metacinematográfico para homenajear (y algo de crítica también hay, no duden) desde la parodia y si ponemos ojo avisor descubrimos guiños al mismísimo Cecil B. De Mille pasando por personajes que nos recuerdan a Esther Williams, Gene Kelly, Carmen Miranda por citar algunos memorables y otros menos conocidos como Kirby Grant (actor de cine y TV, protagonista de westerns tipo B) bajo la forma de Hobie Doyle (Alden Ehrenreich) uno de los héroes de este film. Me saco el sombrero ante un actor que había desestimado por largo tiempo y es que Channing Tatum realiza un maravilloso número musical digno de aplauso.

El resto del reparto incluye a Scarlett Johansson como la sirena grávida, Ralph Fiennes como un director de cine con un secreto, Tilda Wilson en un doble papel como las gemelas Tacker, las chismólogas émulas de Louella Parsons y Hedda Hopper, Frances Mc Dormand haciendo de montajista, Jonah Hill como un repugnante testaferro y Max Baer como el líder de "El futuro".

Me lo he pasado en grande con esta cinta escrita, montada, producida y dirigida por Ethan y Joel Coen, quienes al hablar de ella la califican como la cuarta película de su “Trilogía Estúpida” protagonizada por Clooney. ¿?
¡Vaya broma!

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Título original: 
Hail, Caesar!

Director: Joel Coen, Ethan Coen.

Intérpretes: Josh Brolin, George Clooney, Alden Ehrenreich, Tilda Swinton, Scarlett JohanssonChanning Tatum, Ralph Fiennes, Max Baker,

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Carrión

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En un pequeño pueblo de París, Marie y Jean son una pareja de enamorados que deciden partir hacia París, quedando citados en la estación de tren. Repentinamente, el padre de Jean muere y éste no llega a tiempo de avisar a Marie. Ella lo espera y creyéndose engañada, parte sola. Un año después, el destino volverá a reunirles en la ciudad de la luz; ella se ha convertido en una dama ociosa siempre dispuesta a divertirse en fiestas de lujo. Jean, como un humilde pintor que vive con estrechez en compañía de su madre. Ambos se siguen amando, a pesar del tiempo transcurrido, pero Marie duda si volver con Jean en la pobreza o disfrutar del lujo fácil que le proporciona Pierre, su amante (Adolphe Menjou). Así, ambos se casan pero la situación se hace insostenible para Jean, que, humillado por Pierre, se suicida. Marie, se unirá entonces a la madre de Jean y, junto a ella, regresa al campo para purgar sus pecados recogiendo niños huérfanos en una granja.

Una mujer de París es la primera película de Charles Chaplin producida con entera libertad para su nueva firma United Artists, que habría creado con D. W. Griffith y los actores Douglas Fairbanks y Mary Pickford, donde deja su habitual comicidad y el mismo personaje de Charlot para interpretar tan solo un papel de extra. Chaplin consideró a este trabajo como su primer film serio, alejándolo lo máximo posible del personaje del vagabundo. Su idea era realizar un film dramático para satisfacer a su amante durante nueve años, la actriz Edna Purviance (Marie) que debutó en este film como actriz dramática.

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Así, entre agosto y noviembre de 1922, Chaplin comenzó a escribir un esbozo de argumento, ya que rodó la película sin un guión previo, fiándose más de su intuición, a medida que filmaba las escenas. En un principio, el drama iba a titularse "Destino" o bien "La mujer inmortal". Durante un año y medio estuvo rodando escenas de forma seguida, según la historia se iba desarrollando, alto totalmente inédito en aquel tiempo. Este largo período de tiempo se debió al continuo cambio en los diseños de producción, siendo éste el primer film en utilizar un decorado de cuatro paredes y techo, para dar sensación a los actores de estar dentro de una auténtica casa y hacer que se sintieran más cómodos.

La historia, contada en 82 minutos, posee cierto toque feminista, impropio de aquella época. Con una trama sencilla, llena de sensibilidad artística y humana, ofrece una sátira de la vida cotidiana de los felices años veinte, centrándose en el mundo urbano y déco parisinos. Utilizando la elipsis con gran ingenio creador, consigue una pureza de estilo y, a la vez, concibe unos personajes plenos de autenticidad y perfectamente ambientada, a pesar de estar rodada en estudios. Una mujer de París fue también la primera cinta muda en utilizar la ironía y la psicología. El propio Chaplin en su autobiografía, a firmaba: "Algunos críticos afirman que la psicología no podía expresarse en la pantalla muda; que una acción clara como, por ejemplo, el héroe apretujando bellas damas contra troncos de árboles y aspirándoles hasta las amígdalas, o bien el tirarse sillas a la cabeza en las escenas de riñas, eran sus únicos medios de expresión. Una mujer de París, fue, por lo tanto, un reto."

una-mujer-de-parís-1923

Tras su estreno, se le consideró la película más importante realizada hasta el momento, debido a su gran revolución técnica y artística dentro del cine silente, recibiendo grandes elogios de directores consagrados como Lubitsch. Adolphe Menjou se convirtió en una estrella de la noche a la mañana; pero Edna Purviance no salió tan airosa del film. Sin embargo, el público no estaba dispuesto a prescindir de la diversión que les proporcionaba el personaje de Charlot y, a pesar de que se avisaba al comienzo de la proyección que "en la película no trabaja Charles Chaplin", Una mujer de París fue un considerable fracaso comercial.

Además, debido a sus atrevidas escenas de sexo, en especial una multitudinaria orgía, y al aparente cinismo de los personajes principales, el largometraje fue prohibido en quince estados del país. Así que decidió esconder este trabajo y retirar todas las copias de la circulación. En 1976, Chaplin decidió rescatar los negativos de su film y volver a presentarlo al público con una nueva banda sonora creada por él mismo.

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Título original: A Woman of Paris: A Drama of Fate.

Director: Charles Chaplin.

Intérpretes: Edna Purviance, Carl Miller, Adolphe Menjou, Lydia Knott, Betty Morrisey,Malvina Polo, Clarence Geldart, Charles K. French.

Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

UNA MUJER DE PARÍS (1923). Prejuicios morales de la sociedad de los años 20.

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En un pequeño pueblo de París, Marie y Jean son una pareja de enamorados que deciden partir hacia París, quedando citados en la estación de tren. Repentinamente, el padre de Jean muere y éste no llega a tiempo de avisar a Marie. Ella lo espera y creyéndose engañada, parte sola. Un año después, el destino volverá a reunirles en la ciudad de la luz; ella se ha convertido en una dama ociosa siempre dispuesta a divertirse en fiestas de lujo. Jean, como un humilde pintor que vive con estrechez en compañía de su madre. Ambos se siguen amando, a pesar del tiempo transcurrido, pero Marie duda si volver con Jean en la pobreza o disfrutar del lujo fácil que le proporciona Pierre, su amante (Adolphe Menjou). Así, ambos se casan pero la situación se hace insostenible para Jean, que, humillado por Pierre, se suicida. Marie, se unirá entonces a la madre de Jean y, junto a ella, regresa al campo para purgar sus pecados recogiendo niños huérfanos en una granja.

Una mujer de París es la primera película de Charles Chaplin producida con entera libertad para su nueva firma United Artists, que habría creado con D. W. Griffith y los actores Douglas Fairbanks y Mary Pickford, donde deja su habitual comicidad y el mismo personaje de Charlot para interpretar tan solo un papel de extra. Chaplin consideró a este trabajo como su primer film serio, alejándolo lo máximo posible del personaje del vagabundo. Su idea era realizar un film dramático para satisfacer a su amante durante nueve años, la actriz Edna Purviance (Marie) que debutó en este film como actriz dramática.

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Así, entre agosto y noviembre de 1922, Chaplin comenzó a escribir un esbozo de argumento, ya que rodó la película sin un guión previo, fiándose más de su intuición, a medida que filmaba las escenas. En un principio, el drama iba a titularse "Destino" o bien "La mujer inmortal". Durante un año y medio estuvo rodando escenas de forma seguida, según la historia se iba desarrollando, alto totalmente inédito en aquel tiempo. Este largo período de tiempo se debió al continuo cambio en los diseños de producción, siendo éste el primer film en utilizar un decorado de cuatro paredes y techo, para dar sensación a los actores de estar dentro de una auténtica casa y hacer que se sintieran más cómodos.

La historia, contada en 82 minutos, posee cierto toque feminista, impropio de aquella época. Con una trama sencilla, llena de sensibilidad artística y humana, ofrece una sátira de la vida cotidiana de los felices años veinte, centrándose en el mundo urbano y déco parisinos. Utilizando la elipsis con gran ingenio creador, consigue una pureza de estilo y, a la vez, concibe unos personajes plenos de autenticidad y perfectamente ambientada, a pesar de estar rodada en estudios. Una mujer de París fue también la primera cinta muda en utilizar la ironía y la psicología. El propio Chaplin en su autobiografía, a firmaba: "Algunos críticos afirman que la psicología no podía expresarse en la pantalla muda; que una acción clara como, por ejemplo, el héroe apretujando bellas damas contra troncos de árboles y aspirándoles hasta las amígdalas, o bien el tirarse sillas a la cabeza en las escenas de riñas, eran sus únicos medios de expresión. Una mujer de París, fue, por lo tanto, un reto."

una-mujer-de-parís-1923

Tras su estreno, se le consideró la película más importante realizada hasta el momento, debido a su gran revolución técnica y artística dentro del cine silente, recibiendo grandes elogios de directores consagrados como Lubitsch. Adolphe Menjou se convirtió en una estrella de la noche a la mañana; pero Edna Purviance no salió tan airosa del film. Sin embargo, el público no estaba dispuesto a prescindir de la diversión que les proporcionaba el personaje de Charlot y, a pesar de que se avisaba al comienzo de la proyección que "en la película no trabaja Charles Chaplin", Una mujer de París fue un considerable fracaso comercial.

Además, debido a sus atrevidas escenas de sexo, en especial una multitudinaria orgía, y al aparente cinismo de los personajes principales, el largometraje fue prohibido en quince estados del país. Así que decidió esconder este trabajo y retirar todas las copias de la circulación. En 1976, Chaplin decidió rescatar los negativos de su film y volver a presentarlo al público con una nueva banda sonora creada por él mismo.

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Título original: A Woman of Paris: A Drama of Fate.

Director: Charles Chaplin.

Intérpretes: Edna Purviance, Carl Miller, Adolphe Menjou, Lydia Knott, Betty Morrisey,Malvina Polo, Clarence Geldart, Charles K. French.

Escena:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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