ARTÍCULOS DESTACADOS
ARTÍCULOS
apache
Se trata de la segunda película como director de Robert Aldrich producida por su propio protagonista, Burt Lancaster y basada en la novela de Paul Wellman "Bronco Apache". A diferencia de algunos westerns en donde se nos presenta una imagen de los indios más secundaria, en "Apache" Aldrich construye un acercamiento a la figura de la tribu guerrera algo más respetuosa y más cercana al realismo que al misticismo o el maniqueísmo.

Massai (Lancaster), es el único de su tribu que se resiente a rendirse ante el hombre blanco, mantiene su orgullo de raza y reivindica mantener su forma de vida. Aun así, nunca se aleja de ser un ser humano complejo y lleno de contradicciones. Lancaster representa a la perfección a un líder apache de gran presencia y personalidad que sólo entiende el sentido de su propia vida como un guerrero: Fuerte, independiente y sin ningún tipo de sometimiento, lo cual considera una debilidad. 

Después de la rendición del jefe Apache Gerónimo (Monte Blue), el ejército estadounidense envía a todos los varones jóvenes de la tribu apache muy lejos de donde viven sus familias. Apresados con grilletes son enviados bajo vigilancia hacia una reserva india de Florida. Massai, que desde el comienzo del film es apresado contra su voluntad para formar parte del grupo de rendidos, consigue escapar durante el trayecto el tren. Iniciará así un largo viaje de vuelta hacia sus tierras, con la esperanza de liderar nuevas luchas contra los soldados. Sin embargo, en su largo camino luchará por la supervivencia, recorrerá la dureza del desierto, el ajetreado mundo de la civilización y conocerá otras formas de vida, como la de los cheyennes que han conseguido sus propias plantaciones de maíz a pesar de haberse rendido y vivir en reservas. De vuelta a su poblado, intenta convencer al jefe indio y su hija Nalinle (Jean Peters), de que planten maíz para conseguir su libertad y autonomía frente al sometimiento del hombre blanco, pero de nuevo es capturado, iniciándose así su segunda gran escapada y aventura, convirtiéndose en un hombre cada vez más indómito, escurridizo, vengativo y cruel. Sin embargo, durante su vida itinerante, la presencia y compañía de Nalinle aportará una nueva perspectiva que les permita cambiar sus vidas sin perder su orgullo.

apache

"Apache" junto a otros films como "Flecha rota" de Delmer Daves fueron de los pocos de la época que ensalzaron la figura de los indígenas en contra del hombre blanco. Aldrich consiguió una obra rica en matices, con una interpretación de Lancaster muy apropiada a su condición física de atleta. Son muy destacables las escenas de Lancaster corriendo y saltando entre las rocas, realizando verdaderas piruetas mientras salta y dispara al mismo tiempo.
La fotografía de Ernest Laszlo se encarga de ensalzar las cualidades de un paisaje que se extiende desde las llanuras pasando por los ríos hasta los montes más agrestes constituidos por rocas. Un paisaje de gran belleza que siempre está presente como representación de lo que significa para la tribu que habita dichas tierras, un sitio de donde pretende desplazarlo el hombre blanco y que Massai se niega a abandonar.

Aldrich repetiría con Lancaster en otro film de similar temática: "La venganza de Ulzana (1972)". En definitiva, un notable western olvidado e infravalorado.

apache-1954

Director: Robert Aldrich.

Intérpretes: 
Burt Lancaster, Jean Peters, Charles Bronson, John Dehner, John McIntire,Paul Guilfoyle, Ian MacDonald, Monte Blue.

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

APACHE (1954). Un indio llamado Burt Lancaster.

apache
Se trata de la segunda película como director de Robert Aldrich producida por su propio protagonista, Burt Lancaster y basada en la novela de Paul Wellman "Bronco Apache". A diferencia de algunos westerns en donde se nos presenta una imagen de los indios más secundaria, en "Apache" Aldrich construye un acercamiento a la figura de la tribu guerrera algo más respetuosa y más cercana al realismo que al misticismo o el maniqueísmo.

Massai (Lancaster), es el único de su tribu que se resiente a rendirse ante el hombre blanco, mantiene su orgullo de raza y reivindica mantener su forma de vida. Aun así, nunca se aleja de ser un ser humano complejo y lleno de contradicciones. Lancaster representa a la perfección a un líder apache de gran presencia y personalidad que sólo entiende el sentido de su propia vida como un guerrero: Fuerte, independiente y sin ningún tipo de sometimiento, lo cual considera una debilidad. 

Después de la rendición del jefe Apache Gerónimo (Monte Blue), el ejército estadounidense envía a todos los varones jóvenes de la tribu apache muy lejos de donde viven sus familias. Apresados con grilletes son enviados bajo vigilancia hacia una reserva india de Florida. Massai, que desde el comienzo del film es apresado contra su voluntad para formar parte del grupo de rendidos, consigue escapar durante el trayecto el tren. Iniciará así un largo viaje de vuelta hacia sus tierras, con la esperanza de liderar nuevas luchas contra los soldados. Sin embargo, en su largo camino luchará por la supervivencia, recorrerá la dureza del desierto, el ajetreado mundo de la civilización y conocerá otras formas de vida, como la de los cheyennes que han conseguido sus propias plantaciones de maíz a pesar de haberse rendido y vivir en reservas. De vuelta a su poblado, intenta convencer al jefe indio y su hija Nalinle (Jean Peters), de que planten maíz para conseguir su libertad y autonomía frente al sometimiento del hombre blanco, pero de nuevo es capturado, iniciándose así su segunda gran escapada y aventura, convirtiéndose en un hombre cada vez más indómito, escurridizo, vengativo y cruel. Sin embargo, durante su vida itinerante, la presencia y compañía de Nalinle aportará una nueva perspectiva que les permita cambiar sus vidas sin perder su orgullo.

apache

"Apache" junto a otros films como "Flecha rota" de Delmer Daves fueron de los pocos de la época que ensalzaron la figura de los indígenas en contra del hombre blanco. Aldrich consiguió una obra rica en matices, con una interpretación de Lancaster muy apropiada a su condición física de atleta. Son muy destacables las escenas de Lancaster corriendo y saltando entre las rocas, realizando verdaderas piruetas mientras salta y dispara al mismo tiempo.
La fotografía de Ernest Laszlo se encarga de ensalzar las cualidades de un paisaje que se extiende desde las llanuras pasando por los ríos hasta los montes más agrestes constituidos por rocas. Un paisaje de gran belleza que siempre está presente como representación de lo que significa para la tribu que habita dichas tierras, un sitio de donde pretende desplazarlo el hombre blanco y que Massai se niega a abandonar.

Aldrich repetiría con Lancaster en otro film de similar temática: "La venganza de Ulzana (1972)". En definitiva, un notable western olvidado e infravalorado.

apache-1954

Director: Robert Aldrich.

Intérpretes: 
Burt Lancaster, Jean Peters, Charles Bronson, John Dehner, John McIntire,Paul Guilfoyle, Ian MacDonald, Monte Blue.

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

primera-plana
Ewan Williams, convicto por asesinar a un policía espera en la cárcel el momento de su hora final por muerte en la horca. En la sala de prensa del Tribunal Supremo, un grupo de periodistas espera el indulto o la confirmación de la sentencia, para publicar la noticia en "primera plana". Hilddy Johnson (Jack Lemmon), periodista estrella del rotativo que tendría que cubrir la información, va abandonar la carrera y la cobertura de la crónica para contraer matrimonio. Pero Walter Burns (Walter Matthau) el director del periódico, utilizará todo tipo de ardides y trucos para retenerlo y que abandone la idea de casarse.

Basada en una famosa pieza teatral de éxito en Brodway y que había sido llevada a la pantalla por Lewis Milestone y Howard Hawks, en 1931 y 1940, respectivamente, y de la mano de la Universal, Primera plana es una excelsa obra del cine americano realizada por el veterano Wilder. Una sensacional comedia de costumbres o, de malas costumbres, para ser más exactos, ambientada en la época previa a la Depresión USA, que burla burlando, pone en solfa a toda una sociedad, sistema judicial y prensa amarilla incluidos, mostrando a la prensa de una forma despiadada y sin escrúpulos. La acción se desarrolla en el Chicago de 1929, en vísperas de la ejecución de un supuesto anarquista. Wilder y Diamond situaron su Primera plana el 6 de junio de 1929 y ampliaron el área de los sucesos mencionados, que pasaron de Chicago y sus alrededores, a repasar toda la historia de Estados Unidos. Wilder vuelve a su vieja forma satírica utilizada en "Con faldas y a lo loco (1959)" "El apartamento (1960)" o "En bandeja de plata (1966)" logrando realizar un gran film, resucitando el no menos tradicional recurso de Hollywood: llevar al cine célebres obras escénicas, apoyadas en un notable plantel de actores y la colaboración habitual del adaptador y guionista I.A.L. Diamond.

primera-plana

Con esta fórmula, el maestro Wilder no ha defraudado. Su aguda y afilada sátira que, ya lo hizo con creces en "El crepúsculo de los dioses (1950)", no deja títere con cabeza. Y si en algunos momentos se ensaña con la profesión periodística, tema que también se ocupó en la magistral "El gran carnaval (1951)", el film, nunca pierde el tono de farsa crítica y de divertimento propios del autor. De ahí que la cinta divierta enormemente, los gags sean continuos y muy eficaces y que guste más al espectador dispuesto a apreciar el carácter festivo de la película. Con toda seguridad que Wilder aportó su experiencia personal como reportero en Viena y Berlín en los años 20, al igual que Diamond, también ex periodista. Al igual que "El gran carnaval", Primera plana presenta un mundo en el que cualquiera con un cargo de poder es corrupto. El crudo retrato de la privilegiada relación entre la prensa y el poder político.

primera-plana

La relación entre Hildy Johnson y Walter Burns, el director del Examiner y su periodista estrella se inspira directamente en los años en los que Charles MacArthur (autor de la obra teatral) trabajó bajo las órdenes de Walter Howey, su director en el Herald and Examiner de William Randolph Hearst. Como el propio Wilder afirmaba: "En aquellos días, un periodista era una mezcla de detective privado y poeta. Si eras bueno, podías mejorar la historia; te sentías como un inventor, un descubridor, un explorador, un dramaturgo...Dabas rienda suelta a lo que había en tu interior: la historia comenzaba con algo bastante simple y tú la convertías en Los tres mosqueteros.
Además, estaba la dedicación a tiempo completo –la noción de una familia era impossible para un lobo solitario–, y la camaradería y la rivalidad en la sala de prensa... Los reporteros solían tener problemas o colaborar con la policía, no había término medio. Como demostramos en Primera plana, la policía tiene la tendencia a proteger a los culpables..."

primera-plana

Menos exagerado que en otras ocasiones, aunque no con menos carga de acidez, el genial Wilder demuestra, una vez más, su talla como cineasta, su solidez narrativa, que evoca con precisión el contexto sociopolítico estadounidenses de los finales años 20, se reafirma con la dirección de actores: los sin par Jack Lemmon y Walter Matthau, bien secundados por un reparto de rostros conocidos. Sin embargo, pese a que la historia parecía ajustarse muy bien a su perfil como director, Wilder no fue la primera opción de la Universal para dirigir el proyecto. El ofrecimiento del ejecutivo Jennings Lang para ponerse de nuevo tras las cámaras con casi 70 años sólo le llegó tras la negativa de Joseph L. MankiewiczTodo ello hace de Primera plana, a pesar de su carga de cinismo, un film testimonial de categoría e imprescindible del género.

primera-plana

Frases para recordar:


"-Walter Burns: Al infierno el terremoto de Nicaragua. Me importa un pimiento que haya cien mil muertos. ¿El campeonato de liga? Inclúyelo. No, no, no. No toques al comandante Bart y a los pingüinos, es de interés humano.
Hildy Johnson: Menciono lo aficionado que es el alcalde a ese burdel chino?
Walter Burns: Menciónalo, no omitas nada. Eso será un buen golpe."

Título original: The Front Page

Director: Billy Wilder

Intérpretes: Jack Lemmon, Walter Matthau, Susan Sarandon, Vincent Gardenia, David WayneAllen Garfield, Austin Pendleton, Charles Durning, Herb Edelman, Martin Gabel.

Trailer:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

PRIMERA PLANA (1974). Prensa y poder político.

primera-plana
Ewan Williams, convicto por asesinar a un policía espera en la cárcel el momento de su hora final por muerte en la horca. En la sala de prensa del Tribunal Supremo, un grupo de periodistas espera el indulto o la confirmación de la sentencia, para publicar la noticia en "primera plana". Hilddy Johnson (Jack Lemmon), periodista estrella del rotativo que tendría que cubrir la información, va abandonar la carrera y la cobertura de la crónica para contraer matrimonio. Pero Walter Burns (Walter Matthau) el director del periódico, utilizará todo tipo de ardides y trucos para retenerlo y que abandone la idea de casarse.

Basada en una famosa pieza teatral de éxito en Brodway y que había sido llevada a la pantalla por Lewis Milestone y Howard Hawks, en 1931 y 1940, respectivamente, y de la mano de la Universal, Primera plana es una excelsa obra del cine americano realizada por el veterano Wilder. Una sensacional comedia de costumbres o, de malas costumbres, para ser más exactos, ambientada en la época previa a la Depresión USA, que burla burlando, pone en solfa a toda una sociedad, sistema judicial y prensa amarilla incluidos, mostrando a la prensa de una forma despiadada y sin escrúpulos. La acción se desarrolla en el Chicago de 1929, en vísperas de la ejecución de un supuesto anarquista. Wilder y Diamond situaron su Primera plana el 6 de junio de 1929 y ampliaron el área de los sucesos mencionados, que pasaron de Chicago y sus alrededores, a repasar toda la historia de Estados Unidos. Wilder vuelve a su vieja forma satírica utilizada en "Con faldas y a lo loco (1959)" "El apartamento (1960)" o "En bandeja de plata (1966)" logrando realizar un gran film, resucitando el no menos tradicional recurso de Hollywood: llevar al cine célebres obras escénicas, apoyadas en un notable plantel de actores y la colaboración habitual del adaptador y guionista I.A.L. Diamond.

primera-plana

Con esta fórmula, el maestro Wilder no ha defraudado. Su aguda y afilada sátira que, ya lo hizo con creces en "El crepúsculo de los dioses (1950)", no deja títere con cabeza. Y si en algunos momentos se ensaña con la profesión periodística, tema que también se ocupó en la magistral "El gran carnaval (1951)", el film, nunca pierde el tono de farsa crítica y de divertimento propios del autor. De ahí que la cinta divierta enormemente, los gags sean continuos y muy eficaces y que guste más al espectador dispuesto a apreciar el carácter festivo de la película. Con toda seguridad que Wilder aportó su experiencia personal como reportero en Viena y Berlín en los años 20, al igual que Diamond, también ex periodista. Al igual que "El gran carnaval", Primera plana presenta un mundo en el que cualquiera con un cargo de poder es corrupto. El crudo retrato de la privilegiada relación entre la prensa y el poder político.

primera-plana

La relación entre Hildy Johnson y Walter Burns, el director del Examiner y su periodista estrella se inspira directamente en los años en los que Charles MacArthur (autor de la obra teatral) trabajó bajo las órdenes de Walter Howey, su director en el Herald and Examiner de William Randolph Hearst. Como el propio Wilder afirmaba: "En aquellos días, un periodista era una mezcla de detective privado y poeta. Si eras bueno, podías mejorar la historia; te sentías como un inventor, un descubridor, un explorador, un dramaturgo...Dabas rienda suelta a lo que había en tu interior: la historia comenzaba con algo bastante simple y tú la convertías en Los tres mosqueteros.
Además, estaba la dedicación a tiempo completo –la noción de una familia era impossible para un lobo solitario–, y la camaradería y la rivalidad en la sala de prensa... Los reporteros solían tener problemas o colaborar con la policía, no había término medio. Como demostramos en Primera plana, la policía tiene la tendencia a proteger a los culpables..."

primera-plana

Menos exagerado que en otras ocasiones, aunque no con menos carga de acidez, el genial Wilder demuestra, una vez más, su talla como cineasta, su solidez narrativa, que evoca con precisión el contexto sociopolítico estadounidenses de los finales años 20, se reafirma con la dirección de actores: los sin par Jack Lemmon y Walter Matthau, bien secundados por un reparto de rostros conocidos. Sin embargo, pese a que la historia parecía ajustarse muy bien a su perfil como director, Wilder no fue la primera opción de la Universal para dirigir el proyecto. El ofrecimiento del ejecutivo Jennings Lang para ponerse de nuevo tras las cámaras con casi 70 años sólo le llegó tras la negativa de Joseph L. MankiewiczTodo ello hace de Primera plana, a pesar de su carga de cinismo, un film testimonial de categoría e imprescindible del género.

primera-plana

Frases para recordar:


"-Walter Burns: Al infierno el terremoto de Nicaragua. Me importa un pimiento que haya cien mil muertos. ¿El campeonato de liga? Inclúyelo. No, no, no. No toques al comandante Bart y a los pingüinos, es de interés humano.
Hildy Johnson: Menciono lo aficionado que es el alcalde a ese burdel chino?
Walter Burns: Menciónalo, no omitas nada. Eso será un buen golpe."

Título original: The Front Page

Director: Billy Wilder

Intérpretes: Jack Lemmon, Walter Matthau, Susan Sarandon, Vincent Gardenia, David WayneAllen Garfield, Austin Pendleton, Charles Durning, Herb Edelman, Martin Gabel.

Trailer:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

Redescubrir películas sobre inmigrantes, sin papeles y refugiados es uno de los recursos más útiles para entender la situación que viven estas personas. El cine ha permitido realizar trabajos que transmiten la realidad de los refugiados y de aquellos que se ven obligados a abandonar su hogar.

Además, teniendo en cuenta que los movimientos que surgen motivados por guerras y situaciones de poco entendimiento cada vez son más, resulta muy importante entender cada punto de vista.

5 películas sobre inmigrantes y refugiados


La definición de derechos humanos es clara al respecto. Un refugiado es una persona que, por temor a ser perseguida por motivos de raza, religión, nacionalidad, etc., se ve obligada a abandonar su país y no puede/quiere acogerse a la protección del mismo.

La diferencia con el migrante es que éste elige, en cierto modo, libremente moverse para mejorar su calidad de vida.

No obstante, tanto inmigrantes como refugiados sufren en ese viaje y desde el primer mundo no se conocen las barreras a las que se enfrentan.

Por eso, las películas sobre inmigrantes y refugiados son perfectas para compartir conocimiento, experiencias y realidad. Aquí tienes 5 películas con las que puedes concienciarte de la necesidad de ayudar a los refugiados.

1.- Kandahar



La protagonista de Kandahar es Nafas, una periodista afgana que se ve obligada a huir a Canadá con su familia por la Guerra Civil de los talibanes. No obstante, su hermana debe quedarse porque ha perdido las dos piernas en una explosión.

Pasado el tiempo, la periodista Nafas recibe una carta de su hermana en la que es consciente de la situación que está viviendo. La angustia y el miedo se apoderan de ella. De hecho, su hermana le comunica que antes de la llegada del próximo eclipse de Sol acabará con su vida. Ante esta noticia, Nafas coge el primer vuelo de vuelta.

2.- En este mundo



Enayat y Jamal son los grandes protagonistas de otra de las películas sobre inmigrantes y refugiados que necesitas ver para entender la situación que viven.

Los protagonistas son dos jóvenes afganos que viven en un campo de refugiados de Peshawar. Por lo tanto, esta es una de las películas sobre inmigrantes y refugiados que mejor plasmará esa realidad que tanto cuesta ver.

Ambos sueñan constantemente con irse a vivir a Inglaterra. Sin embargo, ese viaje está repleto de barreras, ya que para llegar hasta allí tienen que cruzar países como Irán, Turquía, Italia o Francia.

3.- Las tortugas también vuelan



Los habitantes de un pueblo pequeño de Kurdistán están buscando, de forma desesperada, una antena que les permita escuchar las noticias del ataque de Estados Unidos contra Iraq.

Mientras tanto, los niños, guiados por un joven, sobreviven gracias a la localización y venta de minas antipersona.

4.- La buena mentira


La buena mentira es una de las películas sobre inmigrantes y refugiados más actuales. Es del año 2014. Pero también, se trata de una película que consigue impactar al espectador porque narra una historia real.

Se trata de la vida de un joven refugiado de la guerra civil sudanesa. Junto a otros niños perdidos de Sudán, gana una lotería para vivir en Estados Unidos. No obstante, tras su llegada a América, los jóvenes se quedan a cargo de Carrie,una trabajadora social. Y ésta, consciente de las privaciones que han sufrido, intenta enseñarles a desenvolverse en el mundo moderno.

5.- Welcome



El protagonista de otra de las películas sobre inmigrantes y refugiados es Bilal, un joven de 17 años del Kurdistán iraní.

Bilal se atreve a cruzar Oriente Próximo y Europa para encontrarse con su novia. Ya que acaba de emigrar a Inglaterra. No obstante, no todo el viaje es sencillo. En cuanto llega a Francia, le impiden cruzar el Canal de la Mancha. Algo que no echa atrás al joven, ya que opta por nadar los 32 kilómetros del canal.

Las mejores películas sobre inmigrantes para entender la situación de los refugiados.

Redescubrir películas sobre inmigrantes, sin papeles y refugiados es uno de los recursos más útiles para entender la situación que viven estas personas. El cine ha permitido realizar trabajos que transmiten la realidad de los refugiados y de aquellos que se ven obligados a abandonar su hogar.

Además, teniendo en cuenta que los movimientos que surgen motivados por guerras y situaciones de poco entendimiento cada vez son más, resulta muy importante entender cada punto de vista.

5 películas sobre inmigrantes y refugiados


La definición de derechos humanos es clara al respecto. Un refugiado es una persona que, por temor a ser perseguida por motivos de raza, religión, nacionalidad, etc., se ve obligada a abandonar su país y no puede/quiere acogerse a la protección del mismo.

La diferencia con el migrante es que éste elige, en cierto modo, libremente moverse para mejorar su calidad de vida.

No obstante, tanto inmigrantes como refugiados sufren en ese viaje y desde el primer mundo no se conocen las barreras a las que se enfrentan.

Por eso, las películas sobre inmigrantes y refugiados son perfectas para compartir conocimiento, experiencias y realidad. Aquí tienes 5 películas con las que puedes concienciarte de la necesidad de ayudar a los refugiados.

1.- Kandahar



La protagonista de Kandahar es Nafas, una periodista afgana que se ve obligada a huir a Canadá con su familia por la Guerra Civil de los talibanes. No obstante, su hermana debe quedarse porque ha perdido las dos piernas en una explosión.

Pasado el tiempo, la periodista Nafas recibe una carta de su hermana en la que es consciente de la situación que está viviendo. La angustia y el miedo se apoderan de ella. De hecho, su hermana le comunica que antes de la llegada del próximo eclipse de Sol acabará con su vida. Ante esta noticia, Nafas coge el primer vuelo de vuelta.

2.- En este mundo



Enayat y Jamal son los grandes protagonistas de otra de las películas sobre inmigrantes y refugiados que necesitas ver para entender la situación que viven.

Los protagonistas son dos jóvenes afganos que viven en un campo de refugiados de Peshawar. Por lo tanto, esta es una de las películas sobre inmigrantes y refugiados que mejor plasmará esa realidad que tanto cuesta ver.

Ambos sueñan constantemente con irse a vivir a Inglaterra. Sin embargo, ese viaje está repleto de barreras, ya que para llegar hasta allí tienen que cruzar países como Irán, Turquía, Italia o Francia.

3.- Las tortugas también vuelan



Los habitantes de un pueblo pequeño de Kurdistán están buscando, de forma desesperada, una antena que les permita escuchar las noticias del ataque de Estados Unidos contra Iraq.

Mientras tanto, los niños, guiados por un joven, sobreviven gracias a la localización y venta de minas antipersona.

4.- La buena mentira


La buena mentira es una de las películas sobre inmigrantes y refugiados más actuales. Es del año 2014. Pero también, se trata de una película que consigue impactar al espectador porque narra una historia real.

Se trata de la vida de un joven refugiado de la guerra civil sudanesa. Junto a otros niños perdidos de Sudán, gana una lotería para vivir en Estados Unidos. No obstante, tras su llegada a América, los jóvenes se quedan a cargo de Carrie,una trabajadora social. Y ésta, consciente de las privaciones que han sufrido, intenta enseñarles a desenvolverse en el mundo moderno.

5.- Welcome



El protagonista de otra de las películas sobre inmigrantes y refugiados es Bilal, un joven de 17 años del Kurdistán iraní.

Bilal se atreve a cruzar Oriente Próximo y Europa para encontrarse con su novia. Ya que acaba de emigrar a Inglaterra. No obstante, no todo el viaje es sencillo. En cuanto llega a Francia, le impiden cruzar el Canal de la Mancha. Algo que no echa atrás al joven, ya que opta por nadar los 32 kilómetros del canal.

gilda
Escribir sobre una película de tal envergadura como Gilda es todo un reto para los que amamos el cine. Es también desde luego un placer , el tener la posibilidad de expresar esa pasión, e intentar, que como una enfermedad benévola, ésta pasión se contagie, y alcance a aquellas personas que no hayan , si se me permite la expresión, gozado con Gilda, o si lo han hecho que vuelvan a hacerlo de nuevo.

Gilda es, por mucho que trate de evitar el tópico, algo más que una grandísima película, y algunas de sus imágenes poseen tal capacidad de sugerencia, tanta fuerza e intensidad, que no puede olvidarse jamás. Hoy en pleno siglo XXI nos sigue asombrando el erotismo y la sensualidad de Rita Hayworth, que encarna a Gilda: huracán perturbador , mujer hechicera, perturbadora ylibre y decidida a obtener lo que quiere de de los hombres. 

Pero… ¿cuál es el secreto de Gilda?, ¿qué es lo que la hace tan especial, tan fascinante, porque sigue cautivando a los espectadores hoy en día?. Como ha sucedido con otras obras míticas del Hollywood clásico, los que llevaron a cabo esta película no pensaron, casi con seguridad en que estaban creando un mito. Como suele ocurrir, una serie de afortunados factores hicieron posible la película. 


gilda

En primer lugar una extraordinario guión en el que se entremezclan a la perfección cine negro, melodrama y toques de cine de espías. La historia escrita por E.A. Ellington, adaptada por Jo Eisinger y guionizada por Marion Parsonnet es de un atractivo irresistible: 

Cuando Johny Farrell (Glenn Ford) un jugador y buscavidas se ve envuelto en uno más de sus altercados relacionados con sus trampas de juego, es salvado por Ballin Mundson (George MacReady) el oscuro propietario de un casino y de algunos negocios sucios. Mundson contrata a Farrell para que dirija y controle su casino en Buenos Aires. Todo marcha razonablemente bien hasta que Mundson se casa con Gilda (Rita Hayworth) otra aventurera sin rumbo, que en el pasado fue la amante de Farrell… Los celos y las disputas entre ambos se harán cada vez más y más constantes. Al desaparecer Mundson todo parece que la relación entre Gilda y Johny va a consumarse, reviviendo las llamas de la pasión, pero todo se complica de nuevo. 

Los diálogos hacen avanzar a la película rápidamente y antes de darnos cuenta estamos ya instalados en esa atractiva y peligrosa sala de juego clandestina de Buenos Aires donde se canta, se baila, se ama y se odia. Dónde los negocios sucios conviven con una sensualidad y sexualidad disimulada de forma magistral a través de las insinuaciones, las metáforas, la ambigüedad y la ironía. 


gilda

En segundo lugar la acertada elección del director: Charles Vidor , el cual no destaca por aportar a sus obras un sello de auto, aunque si filmo interesantes películas como los musicales (Cover girl o Love Me or Leave Me ) sino que trata de filmar la historia de una forma lo más concreta posible, sin enfatizar el dramatismo ni alargando en exceso la duración de cada escena…el protagonismo es pues para los actores, que están todos realmente creíbles en todos sus papeles, aparte del trío protagonista hay que destacar a Joseph Calleia que interpreta al perspicaz y detective Maurice Obregon y a Steven Geray: contrapunto cómico de la historia que interpreta a Uncle Pio, un chistoso encargado del lavabo de los hombres. Tampoco se puede olvidar que Rita Hayworth era una gran bailarina. Los dos números que interpreta son magníficos, y aunque ella no canta ni "Amado mío" ni "Put The Blame On Mame" (ambas canciones escritas por Allan Roberts y Doris Fisher) sino Anita Ellis, ambas escenas, especialmente la segunda tiene que estar forzosamente en una antología de las escenas míticas de la Historia del Cine

Charles Vidor consigue una puesta en escena perfecta dónde lo que importa es cómo miran los actores, cómo hablan y cómo escuchan al que le da la replica. Con la colaboración de un magnífico director de fotografía como Rudolph Maté consigue otorgar a la película un aspecto sofisticado y elegante sin dejar de lado la precisión en los encuadres. Los primeros planos tienen una luz especial, deslumbrante, en ese sentido la presentación de Gilda no puede estar mejor filmada. Destaca también la movilidad de la cámara que recorre esa Sala de juego deslizándose casi sin que nos demos cuenta, sigue a los protagonistas y los atrapa en un espacio reducido, resaltando la tensión y el juego de mentiras y medias verdades que se establece entre ellos… En lo referente a la puesta en escena también me parece fundamental el vestuario de Rita Hayworth, obra de Jean Louis que hace que todos los trajes que se ponga en la película realcen su belleza, logrando una belleza hipnótica. 


gilda


En tercer lugar el protagonismo directo de las mujeres en la obra: la producción es de Virginia Van Up y el guión de Marion Parsonnet. Quizás por eso Gilda no sea una femme-fatale típica del cine negro, más bien es una mujer que busca sexo y cariño por igual, y que tropieza con dos hombres cuya moral torturada y sus intereses económicos hacen que sea ignorada por ellos, por eso por lo que quiere llamar a la atención y reclamar así lo que quiere. 

Inmortal e inolvidable obra maestra que refleja un momento histórico concreto: la posguerra que siguió al termino de la segunda guerra mundial y que dio paso a un mundo nuevo, a una nueva forma de entender las relaciones entre hombres y mujeres. En ese sentido el descaro y el atrevimiento de Gilda la convierten en una película cuya vigencia hoy es patente. Las discusiones entre parejas, las bofetadas entre Johny y Gilda ellos y ese poder de seducción que las mujeres ejercen sobre los hombres y que las convierten en auténticos seres dominadores en lo que se refiere al terreno amoroso es algo que está perfectamente plasmado y que hoy en día sigue siendo así… No dejéis de ver Gilda.


gilda

Director: Charles Vidor.

Intérpretes: Rita Hayworth, Glenn Ford, George Macready, Joseph Calleia, Steven Geray,


Trailer:


Reseña escrita por Juan Murillo Bodas

GILDA (1946). Odiarse es amarse sin medida.

gilda
Escribir sobre una película de tal envergadura como Gilda es todo un reto para los que amamos el cine. Es también desde luego un placer , el tener la posibilidad de expresar esa pasión, e intentar, que como una enfermedad benévola, ésta pasión se contagie, y alcance a aquellas personas que no hayan , si se me permite la expresión, gozado con Gilda, o si lo han hecho que vuelvan a hacerlo de nuevo.

Gilda es, por mucho que trate de evitar el tópico, algo más que una grandísima película, y algunas de sus imágenes poseen tal capacidad de sugerencia, tanta fuerza e intensidad, que no puede olvidarse jamás. Hoy en pleno siglo XXI nos sigue asombrando el erotismo y la sensualidad de Rita Hayworth, que encarna a Gilda: huracán perturbador , mujer hechicera, perturbadora ylibre y decidida a obtener lo que quiere de de los hombres. 

Pero… ¿cuál es el secreto de Gilda?, ¿qué es lo que la hace tan especial, tan fascinante, porque sigue cautivando a los espectadores hoy en día?. Como ha sucedido con otras obras míticas del Hollywood clásico, los que llevaron a cabo esta película no pensaron, casi con seguridad en que estaban creando un mito. Como suele ocurrir, una serie de afortunados factores hicieron posible la película. 


gilda

En primer lugar una extraordinario guión en el que se entremezclan a la perfección cine negro, melodrama y toques de cine de espías. La historia escrita por E.A. Ellington, adaptada por Jo Eisinger y guionizada por Marion Parsonnet es de un atractivo irresistible: 

Cuando Johny Farrell (Glenn Ford) un jugador y buscavidas se ve envuelto en uno más de sus altercados relacionados con sus trampas de juego, es salvado por Ballin Mundson (George MacReady) el oscuro propietario de un casino y de algunos negocios sucios. Mundson contrata a Farrell para que dirija y controle su casino en Buenos Aires. Todo marcha razonablemente bien hasta que Mundson se casa con Gilda (Rita Hayworth) otra aventurera sin rumbo, que en el pasado fue la amante de Farrell… Los celos y las disputas entre ambos se harán cada vez más y más constantes. Al desaparecer Mundson todo parece que la relación entre Gilda y Johny va a consumarse, reviviendo las llamas de la pasión, pero todo se complica de nuevo. 

Los diálogos hacen avanzar a la película rápidamente y antes de darnos cuenta estamos ya instalados en esa atractiva y peligrosa sala de juego clandestina de Buenos Aires donde se canta, se baila, se ama y se odia. Dónde los negocios sucios conviven con una sensualidad y sexualidad disimulada de forma magistral a través de las insinuaciones, las metáforas, la ambigüedad y la ironía. 


gilda

En segundo lugar la acertada elección del director: Charles Vidor , el cual no destaca por aportar a sus obras un sello de auto, aunque si filmo interesantes películas como los musicales (Cover girl o Love Me or Leave Me ) sino que trata de filmar la historia de una forma lo más concreta posible, sin enfatizar el dramatismo ni alargando en exceso la duración de cada escena…el protagonismo es pues para los actores, que están todos realmente creíbles en todos sus papeles, aparte del trío protagonista hay que destacar a Joseph Calleia que interpreta al perspicaz y detective Maurice Obregon y a Steven Geray: contrapunto cómico de la historia que interpreta a Uncle Pio, un chistoso encargado del lavabo de los hombres. Tampoco se puede olvidar que Rita Hayworth era una gran bailarina. Los dos números que interpreta son magníficos, y aunque ella no canta ni "Amado mío" ni "Put The Blame On Mame" (ambas canciones escritas por Allan Roberts y Doris Fisher) sino Anita Ellis, ambas escenas, especialmente la segunda tiene que estar forzosamente en una antología de las escenas míticas de la Historia del Cine

Charles Vidor consigue una puesta en escena perfecta dónde lo que importa es cómo miran los actores, cómo hablan y cómo escuchan al que le da la replica. Con la colaboración de un magnífico director de fotografía como Rudolph Maté consigue otorgar a la película un aspecto sofisticado y elegante sin dejar de lado la precisión en los encuadres. Los primeros planos tienen una luz especial, deslumbrante, en ese sentido la presentación de Gilda no puede estar mejor filmada. Destaca también la movilidad de la cámara que recorre esa Sala de juego deslizándose casi sin que nos demos cuenta, sigue a los protagonistas y los atrapa en un espacio reducido, resaltando la tensión y el juego de mentiras y medias verdades que se establece entre ellos… En lo referente a la puesta en escena también me parece fundamental el vestuario de Rita Hayworth, obra de Jean Louis que hace que todos los trajes que se ponga en la película realcen su belleza, logrando una belleza hipnótica. 


gilda


En tercer lugar el protagonismo directo de las mujeres en la obra: la producción es de Virginia Van Up y el guión de Marion Parsonnet. Quizás por eso Gilda no sea una femme-fatale típica del cine negro, más bien es una mujer que busca sexo y cariño por igual, y que tropieza con dos hombres cuya moral torturada y sus intereses económicos hacen que sea ignorada por ellos, por eso por lo que quiere llamar a la atención y reclamar así lo que quiere. 

Inmortal e inolvidable obra maestra que refleja un momento histórico concreto: la posguerra que siguió al termino de la segunda guerra mundial y que dio paso a un mundo nuevo, a una nueva forma de entender las relaciones entre hombres y mujeres. En ese sentido el descaro y el atrevimiento de Gilda la convierten en una película cuya vigencia hoy es patente. Las discusiones entre parejas, las bofetadas entre Johny y Gilda ellos y ese poder de seducción que las mujeres ejercen sobre los hombres y que las convierten en auténticos seres dominadores en lo que se refiere al terreno amoroso es algo que está perfectamente plasmado y que hoy en día sigue siendo así… No dejéis de ver Gilda.


gilda

Director: Charles Vidor.

Intérpretes: Rita Hayworth, Glenn Ford, George Macready, Joseph Calleia, Steven Geray,


Trailer:


Reseña escrita por Juan Murillo Bodas

un-profeta
El joven francés Malik El Djebena (Tahir Rahim) de origen árabe, ingresa en una prisión de máxima seguridad para cumplir una pena de seis años a la que ha sido condenado por un delito menor. Es prácticamente analfabeto y es un ser solitario y taciturno e incapaz de defenderse. Está completamente solo, por lo que la vida le resulta muy dura, aunque tiene facilidad de adaptación, por lo que despierta la curiosidad de los miembros de la mafia corsa, quienes controlan todos los movimientos y gestión dentro del centro penitenciario. Malik, amenazado por la mafia corsa yes obligado a matar a Rayib, otro prisionero.

Con un sólido guión firmado por el propio director y Thomas Bidegain, Un profeta cuenta la dura historia de Malik El Djebena , un joven de diecinueve años, es casi un adolescente, del cual desconocemos cualquier información, excepto su origen árabe y asistimos a la brutal evolución desde su ingreso en prisión siendo uno más entre los reclusos, hasta su transformación en alguien importante e imprescindible para los negocios de la mafia corsa. El negocio es claro, si accede a matar a otro prisionero, recibirá la protección de los mafiosos; si no, probablemente lo matarán a él.

un-profeta

Es una película que atrapa desde su inicio, una película que no es cómoda de ver, sino todo lo contrario, resulta dura y contundente; las escenas de violencia están rodadas con tal realismo y ausencia de concesiones, que en ocasiones, puede llegar a molestar a algún alma sensible. No menos austera resulta su puesta en escena, como lo son también sus diálogos. El quinto trabajo de Audiard, la plasma sin adornos, de una manera desnuda, la cual permite al espectador parecer estar presenciando una auténtica realidad, cuando lo cierto es que se está presenciando un relato ficticio.A destacar, asimismo, la fuerza en las interpretaciones, sobre todo la del joven Tahar Rahi, pero también, las del resto del reparto. Un profeta cosechó números premios, entre ellos, nominación a mejor película de habla no inglesa en los Óscar; mejor película de habla no inglesa en los Globos de oro; Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes; Mejor película de habla no inglesa Premios BAFTA; Premios del cine europeo: Mejor actor, Premio excelencia (sonido) 6 nominaciones y 9 Premios César, entre otros.


un-profeta

La cinta es un demoledor retrato de superación personal, pero también lo es sobre la corrupción en el poder, sobre la venganza y sobre la justicia. Según manifestaciones del propio director en una entrevista dejada estas preguntas sobre el personaje de Malik: "¿La sociedad corrompe al hombre? No lo diría así. Me hacía más bien la pregunta: ¿tenemos derecho a muchas vidas? ¿La vida te da una segunda oportunidad? ¿Cuál es el costo de rehacer una vida? ¿Cuáles son los beneficios y las pérdidas entre una primera y una segunda vida? Al principio, partí de un personaje sin identidad, con la pregunta “¿qué es no tener historia y escribirse una?". Pero es verdad que Malik es el producto de circunstancias que atraviesan su vida. Es un personaje que se construye en vivo y en directo”.

un-profeta



Frases de cine: "El punto de estar en prisión, es salir siendo alguien mejor al que entró".

Título original: Un prophète.

Director: Jacques Audiard.

Intérpretes: Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi,Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen,

Trailer:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

UN PROFETA (2009). Prisión y corrupción.

un-profeta
El joven francés Malik El Djebena (Tahir Rahim) de origen árabe, ingresa en una prisión de máxima seguridad para cumplir una pena de seis años a la que ha sido condenado por un delito menor. Es prácticamente analfabeto y es un ser solitario y taciturno e incapaz de defenderse. Está completamente solo, por lo que la vida le resulta muy dura, aunque tiene facilidad de adaptación, por lo que despierta la curiosidad de los miembros de la mafia corsa, quienes controlan todos los movimientos y gestión dentro del centro penitenciario. Malik, amenazado por la mafia corsa yes obligado a matar a Rayib, otro prisionero.

Con un sólido guión firmado por el propio director y Thomas Bidegain, Un profeta cuenta la dura historia de Malik El Djebena , un joven de diecinueve años, es casi un adolescente, del cual desconocemos cualquier información, excepto su origen árabe y asistimos a la brutal evolución desde su ingreso en prisión siendo uno más entre los reclusos, hasta su transformación en alguien importante e imprescindible para los negocios de la mafia corsa. El negocio es claro, si accede a matar a otro prisionero, recibirá la protección de los mafiosos; si no, probablemente lo matarán a él.

un-profeta

Es una película que atrapa desde su inicio, una película que no es cómoda de ver, sino todo lo contrario, resulta dura y contundente; las escenas de violencia están rodadas con tal realismo y ausencia de concesiones, que en ocasiones, puede llegar a molestar a algún alma sensible. No menos austera resulta su puesta en escena, como lo son también sus diálogos. El quinto trabajo de Audiard, la plasma sin adornos, de una manera desnuda, la cual permite al espectador parecer estar presenciando una auténtica realidad, cuando lo cierto es que se está presenciando un relato ficticio.A destacar, asimismo, la fuerza en las interpretaciones, sobre todo la del joven Tahar Rahi, pero también, las del resto del reparto. Un profeta cosechó números premios, entre ellos, nominación a mejor película de habla no inglesa en los Óscar; mejor película de habla no inglesa en los Globos de oro; Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes; Mejor película de habla no inglesa Premios BAFTA; Premios del cine europeo: Mejor actor, Premio excelencia (sonido) 6 nominaciones y 9 Premios César, entre otros.


un-profeta

La cinta es un demoledor retrato de superación personal, pero también lo es sobre la corrupción en el poder, sobre la venganza y sobre la justicia. Según manifestaciones del propio director en una entrevista dejada estas preguntas sobre el personaje de Malik: "¿La sociedad corrompe al hombre? No lo diría así. Me hacía más bien la pregunta: ¿tenemos derecho a muchas vidas? ¿La vida te da una segunda oportunidad? ¿Cuál es el costo de rehacer una vida? ¿Cuáles son los beneficios y las pérdidas entre una primera y una segunda vida? Al principio, partí de un personaje sin identidad, con la pregunta “¿qué es no tener historia y escribirse una?". Pero es verdad que Malik es el producto de circunstancias que atraviesan su vida. Es un personaje que se construye en vivo y en directo”.

un-profeta



Frases de cine: "El punto de estar en prisión, es salir siendo alguien mejor al que entró".

Título original: Un prophète.

Director: Jacques Audiard.

Intérpretes: Tahar Rahim, Niels Arestrup, Adel Bencherif, Reda Kateb, Hichem Yacoubi,Jean-Philippe Ricci, Gilles Cohen,

Trailer:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

el-hombre-de-bronce
El biopic de Jim Thorpe cuyo nombre indio significa Camino Luminoso, es relatado por "Pope "Warner (Charles Bickford), su entrenador, quien en un homenaje a nuestro héroe, encarnado por un maravilloso Burt Lancaster, nos remonta a su niñez cuando para no asistir a clases corría 20 kilómetros a campo traviesa para malestar de sus progenitores aunque su padre le advierte que si quiere ser alguien tendrá que prepararse. Es así que dando un salto alto en el tiempo somos transportados a la universidad de Carlisle, institución a dónde van los nativos americanos para educarse y no desperdiciar su vida. Allí Jim además de encontrar el amor descubrirá también sus dotes atléticas en más de una disciplina deportiva y se convertirá en jugador estrella de beísbol y fútbol americano hasta cuando participe en las olimpiadas de Suecia en 1912 coronándose campeón mundial en pentatlón y decatlón, medallas que le serían despojadas por un tecnicismo pues él durante un verano para ganarse algo de dinero extra para su manutención jugó profesionalmente y según las normas eso era motivo para tal sanción. Una vez llegado a la cúspide comienza el drama y a pesar de ser uno de los atletas más completos de la historia del mundo, así como el ascenso llegó a lo más alto más dura fue la caída tanto personal como profesional.


el-hombre-de-bronce

Sin duda Burt Lancaster nació para este papel, muchas de las escenas de las hazañas deportivas las interpretó él mismo haciendo gala de sus destrezas atléticas y su carismática sonrisa. La historia obviamente concentra eventos para darle mayor fuerza y, como no, al ser un retrato de un héroe americano, la decrepitud es soslayada pues el filme termina con el citado homenaje al deportista como si su vida se hubiese redimido cuando en verdad el auténtico Thorpe falleció paupérrimo y alcoholizado. El Comité Olímpico Internacional, tres décadas después admitió su error y post mortem le fueron devueltas sus preseas olímpicas a los parientes que le sobrevivieron.

Michael Curtiz, conocido todoterreno en sus realizaciones firmó esta película en la que hizo uso de material de archivo sobre todo de las olimpiadas de Suecia en 1912 y la de Los ángeles en 1932. Es de ese tipo de filmes que se hacían hace muchos años, aquellos con una buena historia, bien narrada, con una gran estrella protagonista y que nos dejaba un buen sabor de boca al final, aunque, como anteriormente lo escribí, se adulteraban ciertos hechos.

el-hombre-de-bronce

Título original: Man of Bronze.

Director: Michael Curtiz.

Intérpretes: Burt Lancaster, Charles .Bickford, Steve Cochran, Phyllis Thaxter, Dick Wesson,Jack Big Head.

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

EL HOMBRE DE BRONCE (1951). El biopic de Jim Thorpe.

el-hombre-de-bronce
El biopic de Jim Thorpe cuyo nombre indio significa Camino Luminoso, es relatado por "Pope "Warner (Charles Bickford), su entrenador, quien en un homenaje a nuestro héroe, encarnado por un maravilloso Burt Lancaster, nos remonta a su niñez cuando para no asistir a clases corría 20 kilómetros a campo traviesa para malestar de sus progenitores aunque su padre le advierte que si quiere ser alguien tendrá que prepararse. Es así que dando un salto alto en el tiempo somos transportados a la universidad de Carlisle, institución a dónde van los nativos americanos para educarse y no desperdiciar su vida. Allí Jim además de encontrar el amor descubrirá también sus dotes atléticas en más de una disciplina deportiva y se convertirá en jugador estrella de beísbol y fútbol americano hasta cuando participe en las olimpiadas de Suecia en 1912 coronándose campeón mundial en pentatlón y decatlón, medallas que le serían despojadas por un tecnicismo pues él durante un verano para ganarse algo de dinero extra para su manutención jugó profesionalmente y según las normas eso era motivo para tal sanción. Una vez llegado a la cúspide comienza el drama y a pesar de ser uno de los atletas más completos de la historia del mundo, así como el ascenso llegó a lo más alto más dura fue la caída tanto personal como profesional.


el-hombre-de-bronce

Sin duda Burt Lancaster nació para este papel, muchas de las escenas de las hazañas deportivas las interpretó él mismo haciendo gala de sus destrezas atléticas y su carismática sonrisa. La historia obviamente concentra eventos para darle mayor fuerza y, como no, al ser un retrato de un héroe americano, la decrepitud es soslayada pues el filme termina con el citado homenaje al deportista como si su vida se hubiese redimido cuando en verdad el auténtico Thorpe falleció paupérrimo y alcoholizado. El Comité Olímpico Internacional, tres décadas después admitió su error y post mortem le fueron devueltas sus preseas olímpicas a los parientes que le sobrevivieron.

Michael Curtiz, conocido todoterreno en sus realizaciones firmó esta película en la que hizo uso de material de archivo sobre todo de las olimpiadas de Suecia en 1912 y la de Los ángeles en 1932. Es de ese tipo de filmes que se hacían hace muchos años, aquellos con una buena historia, bien narrada, con una gran estrella protagonista y que nos dejaba un buen sabor de boca al final, aunque, como anteriormente lo escribí, se adulteraban ciertos hechos.

el-hombre-de-bronce

Título original: Man of Bronze.

Director: Michael Curtiz.

Intérpretes: Burt Lancaster, Charles .Bickford, Steve Cochran, Phyllis Thaxter, Dick Wesson,Jack Big Head.

Trailer:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada



los-amantes-crucificados
Los amantes crucificados es, en opinión del comentarista japonés Akira Iwasaki "una película de corte clásico que no tiene equivalente en toda la obra de Mizoguchi. Aquí, el equilibrio es total, lo que no quiere decir que la película carezca de vitalidad: al contrario, en ella se siente la lucha apasionada de un individuo contra la sociedad".

Si pedimos a cualquier occidental que piense en algún cineasta japonés, el primer nombre que con seguridad le vendrá a la cabeza es el de Akira Kurosawa. Sin embargo, como todos los genios, el director de Shinagawa tuvo sus predecesores. Uno de los más importantes fue Kenji Mizoguchi, un prolífico director que despachó más de setenta películas solo entre los años 20 y 30 y que, en 1954, adaptó para la gran pantalla una obra escrita en el siglo XVII por Chikamatsu Monzaemon.

Titulada para el resto del mundo como "Los amantes crucificados", la cinta narra la historia de un matrimonio que se rompe. Pero, a diferencia de otras historias de amantes, en esta ocasión el drama sirve de excusa para describir las fuertes convenciones sociales y los terribles sacrificios que la sociedad del Japón feudal imponía a la mayoría de sus habitantes. Durante el siglo XVII los adúlteros eran crucificados porque el honor de los samurais no toleraba la vejación de que su esposa prefiriera a otro hombre, pero en la defensa de tan bárbara tradición intervenían elementos políticos, económicos y otros intereses oscuros que nada tenían que ver con la honorabilidad. Y es en este aspecto, en el de los intereses particulares, el egoísmo, la traición, la venganza y la envidia donde Mizoguchi retrata de forma diáfana la condición humana predominante en aquella sociedad feudal.


los-amantes-crucificados

La gran particularidad de este relato consiste en ir enlazando sabiamente una serie de casualidades, de malos entendidos, de rumores e hipocresías, bien alejadas del pecado de amor. En realidad, los dos amantes: Osan, casada con el señor feudal y Mohei, trabajador de la empresa del marido, descubren que comparten una historia de amor cuando ya se ha tejido en torno a ellos una tela de araña basada en mentiras interesadas, en una falsa culpabilidad de la que algunos esperan sacar rendimiento económico y otros, como el señor feudal acaudalado, seguir ocultando sus miserias conservando una buena imagen que conviene a sus negocios y su posición social. Dos personas inicialmente unidas por falsas interpretaciones y rumores, que siempre han sido leales y sinceras, se ven obligados a huir de la sinrazón en busca de la libertad. Será, así, durante su viaje será cuando descubran sus verdaderos sentimientos: Osan se dará cuenta por primera vez que, en realidad, vive ahogada en un matrimonio concertado con un hombre mayor, avaro y egoísta que jamás le presta atención. Por su parte, Mohei, que es el empleado modelo y favorito del señor feudal, esconde en lo profundo de su alma una gran adoración por la joven señora de la casa. Por eso, no duda en ayudarla al comienzo del relato cuando ella se ve presionada para pagar deudas familiares de su hermano, jugador empedernido.


los-amantes-crucificados

En un momento crucial del relato, cuando Osan está dispuesta a sacrificar su vida por el deshonor, tendrá lugar una de las más bellas declaraciones de amor jamás vistas. A partir de esa crucial y sincera exposición de sentimientos, la trama dará un giro completo y la fuga se convertirá en la verdadera historia de amor de dos amantes. Juntos descubren que, a pesar de las sucesivas traiciones que intentan separarlos procedentes de sus propias familias y antiguos amigos, aún tienen derecho a una vida juntos y que merece la pena rebelarse contra las absurdas normas de su sociedad aunque mueran en el empeño. La huida de los amantes sirve de recorrido a través de los tabúes de una de las sociedades más rígidas que jamás haya existido sobre este planeta; pero también como vehículo para acercarse a unos bucólicos paisajes que Mizoguchi representa con el talento de los grandes artistas plásticos. Ya que aunque el relato enlace diferentes lugares sobre una narración en permanente movimiento, Mizoguchi mantendrá su estilo fiel a los encuadres fijos y simétricos, su cámara apenas se mueve, y por sus planos los personajes entran y salen, se acercan o se alejan, se profundiza en sus caras o se diluyen en el entorno, pero siempre manteniendo el plano. El uso de la luz es clave en la exquisita fotografía de Kazuo Miyagawa (B&W).


los-amantes-crucificados

De esta manera, cada suceso de su largo viaje, cada encuentro, cada posada y cada padre avergonzado le sirven de excusa para acercarse a las formas de los famosos grabados que dieron a conocer Japón a los occidentales incluso antes que el cine. Mizoguchi hizo de la transición de su país hacia la modernidad uno de sus grandes temas. Murió prematuramente, a la edad de 58 años, justo cuando películas como ésta estaban al fin brindándole el reconocimiento que merecía. Considerado el más oriental de los grandes directores japoneses, sus películas entremezclan la ancestral historia de su nación con muchos de los traumas de una sociedad marcada por los desvaríos nacionalistas del siglo XX. Como cineasta, jamás alcanzó, ni probablemente alcanzará, la notoriedad de su compatriota Kurosawa; y, sin embargo, películas como” Los amantes crucificados” demuestran que Mizoguchi era un maestro de la dirección capaz de diseccionar su propio mundo y exponer un arte puramente visual al mostrarnos sus entrañas.


los-amantes-crucificados

Título original: Chikamatsu monogatari.

Director: Kenji Mizoguchi.

Intérpretes: Kazuo Hasegawa, Kyoko Kagawa, Yoko Minamida, Eitaro Shindo, Haruo Tanaka,Eitaro Ozawa, Chieko Naniwa, Tatsuya Ishiguro, Hiroshi Mizuno, Hisao Toake

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

LOS AMANTES CRUCIFICADOS (1954). La trágica historia de amor de Kenji Mizoguchi.



los-amantes-crucificados
Los amantes crucificados es, en opinión del comentarista japonés Akira Iwasaki "una película de corte clásico que no tiene equivalente en toda la obra de Mizoguchi. Aquí, el equilibrio es total, lo que no quiere decir que la película carezca de vitalidad: al contrario, en ella se siente la lucha apasionada de un individuo contra la sociedad".

Si pedimos a cualquier occidental que piense en algún cineasta japonés, el primer nombre que con seguridad le vendrá a la cabeza es el de Akira Kurosawa. Sin embargo, como todos los genios, el director de Shinagawa tuvo sus predecesores. Uno de los más importantes fue Kenji Mizoguchi, un prolífico director que despachó más de setenta películas solo entre los años 20 y 30 y que, en 1954, adaptó para la gran pantalla una obra escrita en el siglo XVII por Chikamatsu Monzaemon.

Titulada para el resto del mundo como "Los amantes crucificados", la cinta narra la historia de un matrimonio que se rompe. Pero, a diferencia de otras historias de amantes, en esta ocasión el drama sirve de excusa para describir las fuertes convenciones sociales y los terribles sacrificios que la sociedad del Japón feudal imponía a la mayoría de sus habitantes. Durante el siglo XVII los adúlteros eran crucificados porque el honor de los samurais no toleraba la vejación de que su esposa prefiriera a otro hombre, pero en la defensa de tan bárbara tradición intervenían elementos políticos, económicos y otros intereses oscuros que nada tenían que ver con la honorabilidad. Y es en este aspecto, en el de los intereses particulares, el egoísmo, la traición, la venganza y la envidia donde Mizoguchi retrata de forma diáfana la condición humana predominante en aquella sociedad feudal.


los-amantes-crucificados

La gran particularidad de este relato consiste en ir enlazando sabiamente una serie de casualidades, de malos entendidos, de rumores e hipocresías, bien alejadas del pecado de amor. En realidad, los dos amantes: Osan, casada con el señor feudal y Mohei, trabajador de la empresa del marido, descubren que comparten una historia de amor cuando ya se ha tejido en torno a ellos una tela de araña basada en mentiras interesadas, en una falsa culpabilidad de la que algunos esperan sacar rendimiento económico y otros, como el señor feudal acaudalado, seguir ocultando sus miserias conservando una buena imagen que conviene a sus negocios y su posición social. Dos personas inicialmente unidas por falsas interpretaciones y rumores, que siempre han sido leales y sinceras, se ven obligados a huir de la sinrazón en busca de la libertad. Será, así, durante su viaje será cuando descubran sus verdaderos sentimientos: Osan se dará cuenta por primera vez que, en realidad, vive ahogada en un matrimonio concertado con un hombre mayor, avaro y egoísta que jamás le presta atención. Por su parte, Mohei, que es el empleado modelo y favorito del señor feudal, esconde en lo profundo de su alma una gran adoración por la joven señora de la casa. Por eso, no duda en ayudarla al comienzo del relato cuando ella se ve presionada para pagar deudas familiares de su hermano, jugador empedernido.


los-amantes-crucificados

En un momento crucial del relato, cuando Osan está dispuesta a sacrificar su vida por el deshonor, tendrá lugar una de las más bellas declaraciones de amor jamás vistas. A partir de esa crucial y sincera exposición de sentimientos, la trama dará un giro completo y la fuga se convertirá en la verdadera historia de amor de dos amantes. Juntos descubren que, a pesar de las sucesivas traiciones que intentan separarlos procedentes de sus propias familias y antiguos amigos, aún tienen derecho a una vida juntos y que merece la pena rebelarse contra las absurdas normas de su sociedad aunque mueran en el empeño. La huida de los amantes sirve de recorrido a través de los tabúes de una de las sociedades más rígidas que jamás haya existido sobre este planeta; pero también como vehículo para acercarse a unos bucólicos paisajes que Mizoguchi representa con el talento de los grandes artistas plásticos. Ya que aunque el relato enlace diferentes lugares sobre una narración en permanente movimiento, Mizoguchi mantendrá su estilo fiel a los encuadres fijos y simétricos, su cámara apenas se mueve, y por sus planos los personajes entran y salen, se acercan o se alejan, se profundiza en sus caras o se diluyen en el entorno, pero siempre manteniendo el plano. El uso de la luz es clave en la exquisita fotografía de Kazuo Miyagawa (B&W).


los-amantes-crucificados

De esta manera, cada suceso de su largo viaje, cada encuentro, cada posada y cada padre avergonzado le sirven de excusa para acercarse a las formas de los famosos grabados que dieron a conocer Japón a los occidentales incluso antes que el cine. Mizoguchi hizo de la transición de su país hacia la modernidad uno de sus grandes temas. Murió prematuramente, a la edad de 58 años, justo cuando películas como ésta estaban al fin brindándole el reconocimiento que merecía. Considerado el más oriental de los grandes directores japoneses, sus películas entremezclan la ancestral historia de su nación con muchos de los traumas de una sociedad marcada por los desvaríos nacionalistas del siglo XX. Como cineasta, jamás alcanzó, ni probablemente alcanzará, la notoriedad de su compatriota Kurosawa; y, sin embargo, películas como” Los amantes crucificados” demuestran que Mizoguchi era un maestro de la dirección capaz de diseccionar su propio mundo y exponer un arte puramente visual al mostrarnos sus entrañas.


los-amantes-crucificados

Título original: Chikamatsu monogatari.

Director: Kenji Mizoguchi.

Intérpretes: Kazuo Hasegawa, Kyoko Kagawa, Yoko Minamida, Eitaro Shindo, Haruo Tanaka,Eitaro Ozawa, Chieko Naniwa, Tatsuya Ishiguro, Hiroshi Mizuno, Hisao Toake

Trailer:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

la-noche-de-halloween
-¿Crees en el hombre del saco?-. -No-. -Deberías-. Este es el diálogo que Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) mantiene con un periodista de investigación, al ser entrevistada sobre su hermano, al tratar los acontecimientos ocurridos ahora hace 40 años. Michael Myers ha vuelto…En realidad nunca se fue. Las numerosas secuelas y el remake de Rob Zombie, se han encargado durante este tiempo de mantener viva la leyenda del sanguinario ser que mata sin explicación ninguna, sin mostrar el menor sentido de la razón en los horribles actos de barbarie y asesinato que comete, pero todas estas películas han sido borradas a la hora de poner en marcha las nuevas andanzas de Myers, teniendo en cuenta únicamente la primera de todas ellas. En realidad, al terminar de ver el film del realizador David Gordon Green, me he dado cuenta de que la historia contada por John Carpenter en el año 78 ha vuelto a repetirse, y lo curioso es que esto no es malo, sino todo lo contrario. Michael Myers (Nick Castle), el actor que lo interpretó por vez primera, vuelve a escaparse de manera similar en la que lo hizo anteriormente, y vuelve a ser perseguido por un sheriff y el doctor que ha seguido su caso durante años, un discípulo del añorado doctor Loomis (Donald Pleasance). Michael Myers regresa a Haddonfield para matar de nuevo a todo aquel que se tope con él, y hace del salvajismo, la crueldad y el sinsentido del asesinato, su particular modus operandi a la hora de tratar con todo ser humano que se pone a su alcance. Pero no todo se repite, y es que Jamie Lee Curtis, ya no es la desvalida canguro que ignora de las intenciones de su desconocido hermano. Ahora Laurie Strode después de cuatro décadas es una madre y abuela que se ha preparado durante años con un único propósito…matar a su hermano.

la-noche-de-halloween

"La Curtis" hace gala en este film de un registro interpretativo admirable y evolucionado, siendo una mujer que tiene que vivir con la pesadilla de la que no ha podido librarse durante 40 años, pesadilla que la ha convertido en una alcohólica, agorafóbica, maniática de las armas y de la autodefensa, luchando diariamente para mantenerse firme y entrenándose para lo que ella sabe que llegará, que no es más que el destino de tener que ponerse delante del miedo para afrontarlo y vencerlo, destino que ya se le vaticinaba en las clases de filosofía que se le daban en el instituto cuando todavía era una adolescente. La noche de Halloween, de 2018, es una secuela que es capaz de dejarme satisfecho, y que utilizando las bazas de la película creada por John Carpenter, sabe mantener los guiños, con algún que otro giro autorreferencial que coloca a Laurie Strode donde antes estuvo Myers, convirtiendo al gato en ratón y viceversa, aunque aquí el ratón va armado con un largo y afilado cuchillo de cocina y muestra su sobrada imaginación para crear sufrimiento y chillidos.

la-noche-de-halloween

Me quedo con secuencias tan impactantes e interesantes como la de Myers en el armario acechando a una nueva niñera con un espabilado niño mirando, el asesinato del adolescente con el tatuaje de la fecha de su muerte en el brazo, y claro un final apoteósico con tres generaciones de mujeres Strode juntas para acabar con el sádico familiar que las ha atormentado toda su vida. Celebro el regreso de Michael Myers y espero que sirva de revulsivo para relanzar la carrera de John Carpenter, que aquí hace las funciones de productor ejecutivo junto a Jamie Lee, y que ha retocado su recordado y terrorífico tema musical para adaptarlo a nuestros días, un Carpenter que ve cómo la mayoría de sus obras son revisionadas por desiguales remakes, y que en su nueva noche de Halloween ha triunfado obviando todo lo anterior para empezar de nuevo, en una reorientación que al parecer ya han tenido en cuenta las nuevas entregas de Terminator y Robocop, la clave está en volver, pero con los creadores y actores originales.

la-noche-de-halloween

Título original: Halloween.

Director: David Gordon Green.

Intérpretes: Jamie Lee Curtis, Nick Castle, Judy Greer, Miles Robbins, Virginia Gardner,Will Patton, Toby Huss, Haluk Bilginer, Jefferson Hall, Andi Matichak,Christopher Allen Nelson
Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

LA NOCHE DE HALLOWEEN (2018). Michael Myers ha vuelto.

la-noche-de-halloween
-¿Crees en el hombre del saco?-. -No-. -Deberías-. Este es el diálogo que Laurie Strode (Jamie Lee Curtis) mantiene con un periodista de investigación, al ser entrevistada sobre su hermano, al tratar los acontecimientos ocurridos ahora hace 40 años. Michael Myers ha vuelto…En realidad nunca se fue. Las numerosas secuelas y el remake de Rob Zombie, se han encargado durante este tiempo de mantener viva la leyenda del sanguinario ser que mata sin explicación ninguna, sin mostrar el menor sentido de la razón en los horribles actos de barbarie y asesinato que comete, pero todas estas películas han sido borradas a la hora de poner en marcha las nuevas andanzas de Myers, teniendo en cuenta únicamente la primera de todas ellas. En realidad, al terminar de ver el film del realizador David Gordon Green, me he dado cuenta de que la historia contada por John Carpenter en el año 78 ha vuelto a repetirse, y lo curioso es que esto no es malo, sino todo lo contrario. Michael Myers (Nick Castle), el actor que lo interpretó por vez primera, vuelve a escaparse de manera similar en la que lo hizo anteriormente, y vuelve a ser perseguido por un sheriff y el doctor que ha seguido su caso durante años, un discípulo del añorado doctor Loomis (Donald Pleasance). Michael Myers regresa a Haddonfield para matar de nuevo a todo aquel que se tope con él, y hace del salvajismo, la crueldad y el sinsentido del asesinato, su particular modus operandi a la hora de tratar con todo ser humano que se pone a su alcance. Pero no todo se repite, y es que Jamie Lee Curtis, ya no es la desvalida canguro que ignora de las intenciones de su desconocido hermano. Ahora Laurie Strode después de cuatro décadas es una madre y abuela que se ha preparado durante años con un único propósito…matar a su hermano.

la-noche-de-halloween

"La Curtis" hace gala en este film de un registro interpretativo admirable y evolucionado, siendo una mujer que tiene que vivir con la pesadilla de la que no ha podido librarse durante 40 años, pesadilla que la ha convertido en una alcohólica, agorafóbica, maniática de las armas y de la autodefensa, luchando diariamente para mantenerse firme y entrenándose para lo que ella sabe que llegará, que no es más que el destino de tener que ponerse delante del miedo para afrontarlo y vencerlo, destino que ya se le vaticinaba en las clases de filosofía que se le daban en el instituto cuando todavía era una adolescente. La noche de Halloween, de 2018, es una secuela que es capaz de dejarme satisfecho, y que utilizando las bazas de la película creada por John Carpenter, sabe mantener los guiños, con algún que otro giro autorreferencial que coloca a Laurie Strode donde antes estuvo Myers, convirtiendo al gato en ratón y viceversa, aunque aquí el ratón va armado con un largo y afilado cuchillo de cocina y muestra su sobrada imaginación para crear sufrimiento y chillidos.

la-noche-de-halloween

Me quedo con secuencias tan impactantes e interesantes como la de Myers en el armario acechando a una nueva niñera con un espabilado niño mirando, el asesinato del adolescente con el tatuaje de la fecha de su muerte en el brazo, y claro un final apoteósico con tres generaciones de mujeres Strode juntas para acabar con el sádico familiar que las ha atormentado toda su vida. Celebro el regreso de Michael Myers y espero que sirva de revulsivo para relanzar la carrera de John Carpenter, que aquí hace las funciones de productor ejecutivo junto a Jamie Lee, y que ha retocado su recordado y terrorífico tema musical para adaptarlo a nuestros días, un Carpenter que ve cómo la mayoría de sus obras son revisionadas por desiguales remakes, y que en su nueva noche de Halloween ha triunfado obviando todo lo anterior para empezar de nuevo, en una reorientación que al parecer ya han tenido en cuenta las nuevas entregas de Terminator y Robocop, la clave está en volver, pero con los creadores y actores originales.

la-noche-de-halloween

Título original: Halloween.

Director: David Gordon Green.

Intérpretes: Jamie Lee Curtis, Nick Castle, Judy Greer, Miles Robbins, Virginia Gardner,Will Patton, Toby Huss, Haluk Bilginer, Jefferson Hall, Andi Matichak,Christopher Allen Nelson
Trailer:



B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

NOS MENCIONAN EN ANTENA 3

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.015

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.014

FINALISTAS EN LOS PREMIOS BITÁCORAS 2.012

SÍGUENOS EN FEEDLY

follow us in feedly

AVISO LEGAL

Licencia Creative Commons
Las mejores películas de la historia del cine por Jesús Fariña se encuentra bajo una Licencia Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 3.0 Unported.
back to top