EL SIGNO DE LA CRUZ (1932). La epopeya de Cecil B. DeMille.

Tras la realización de "Los Diez Mandamientos (1923)" y "Rey de Reyes (1927)" dos colosales epopeyas bíblicas, el megalómano e influyente Cecil B DeMille se propuso rematar la trilogía que tenia en la cabeza con "El Signo de la Cruz" y en virtud de la cronologí­a que establecí­an los dos tí­tulos anteriores, se lanzó a relatar los primeros años de la iglesia y, en concreto, la persecución y martirio de los cristianos a manos de Nerón... y como no, fue una nueva demostración del poderoso sentido del espectáculo que poseía el director, que aprovechaba la excusa religiosa de estos argumentos para ofrecer erotismo y romanticismo, espiritualidad y sadismo por partes iguales.  Esta vez sustituyó la fuente bí­blica por una obra de Wilson Barrett y también se inspiro en el Quo Vadis? de Henryk Sienkiewicz, que años mas tarde llevaría a la pantalla Mervin LeRoy con gran exito. Empiezan a vislumbrarse en esta tercera película los conatos de ambigüedad moralista del cineasta: el foco ya no se centra en aspectos exclusivamente espirituales sino en otros históricos y románticos. "El signo de la cruz", es un antecedente paradigmático de las posteriores películas de romanos y cristianos. Producida en 1932 por la Paramount y con un reparto estelar de la época, nos relata la historia de un amor imposible entre el joven "praefectus urbis" de Roma, Marco Soberbio (Frederic March) y una joven cristiana, Mercia (Elissa Landi), en los días siguientes al incendio de Roma por Nerón (un fantástico Charles Laughton).

La libidinosa y perversa emperatriz Popea (inolvidable Claudette Colbert), que desea a Marco, interfiere en ese idilio. DeMille juega la baza del erotismo con cierta temeridad: que Claudette Colbert se bañe desnuda en leche de burra forma parte de la iconografí­a ad hoc; otra cosa es ver a las jóvenes cristianas sacrificadas en la arena llevando poco o ningún ropaje. Al margen del detallismo histórico (si era así­ como se las exhibí­a en el circo), resulta escabroso y cruel mostrarlas de este modo mientras son devoradas por cocodrilos o atacadas por gorilas. Esta es precisamente una de las claves de este film: su explí­cita crueldad, concentrada en el clí­max, donde DeMille nos obliga a visionar un inacabable repertorio de brutalidad y barbarie narrativamente innecesario si, pero sumamente atractivo para el espectador. Además, se recrea con sadismo al contrastarlo con las reacciones inhumanas, indolentes y obscenas del publico romano que presencia el salvaje tormento de los inocentes cristianos. Aun siendo clasificada dentro de la temática religiosa, la película cuenta con una serie de secuencias cargadas de un latente erotismo que se convierten en lo más destacado de la función. Es evidente que DeMille, ferviente católico, sentía un fuerte magnetismo con el pecado y la perversión. Pocos directores cuentan con la pericia necesaria para insinuar una doble lectura de contenido lascivo, logrando que el espectador imagine aquello que no se muestra explícitamente en pantalla.

Esto sucede reiteradas veces a lo largo del metraje, por ejemplo cuando la emperatriz Popea (a quien da vida superlativamente la actriz Claudette Colbert) se está bañando en leche de burra ante la atenta y lujuriosa mirada de Nerón, exhibiendo tan solo su rostro y parte de sus pechos. Asimismo, en dicha secuencia, Popea insta a su compañera de confidencias a que se meta junto a ella en la bañera. A DeMille solo le basta una sutil metáfora con dos pequeños gatos presentes en escena para insinuar una posible relación lésbica sin confirmarlo. Sencillamente magistral…Llama la atención la extrema violencia que se respira constantemente teniendo en cuenta la fecha en la que fue filmada. Difíciles de olvidar son las secuencias del circo romano, un espectáculo dotado de una realización soberbia y de una crudeza sin parangón que poco tienen que envidiar a películas más actuales: gladiadores luchando a muerte, elefantes aplastando cabezas o cristianos devorados por leones hambrientos son solo algunas de las atrocidades que aparecen. Por no mencionar la escena en la que se intuye como un gorila acaba con la vida de una joven únicamente a través del horror reflejado en los rostros atónitos de los asistentes al evento. "El Signo de la Cruz" fue víctima de numerosos cortes al realizarse antes de que entrase en vigor el Código Hays, una ley de censura impuesta por la propia industria, en respuesta a las presiones de las ligas de la decencia y de la minoritaria, pero muy poderosa Iglesia Católica norteamericana. Afortunadamente hoy podemos recuperar la versión integra sin cortes gracias a una nueva edición del año 2009 que permite el visionado de una obra espectacular y sin duda muy bizarra, del creador del cine espectáculo.

Título original: The Sign of the Cross.

Director: Cecil B. DeMille.

Interpretes: Fredric March, Charles Laughton, Claudette Colbert, Elissa Landi, Ian Keith, Vivian Tobin, Nat Pendleton.

Trailer:

Reseña escrita por Ramón Abello Miñano

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EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (1950). Billy Wilder y el cine dentro del cine.

Un cadáver, aparece flotando en una antigua mansión situada en Sunset Boulevard. A su alrededor, toda una pléyade de periodistas y policías.

"Pobre tipo, siempre quiso una piscina….pero el precio resultó ser demasiado alto".

El propio finado se encarga de narrar la historia, con su voz en off y mediante un magnífico flashback, nos adentraremos en un oscuro mundo donde la prioridad no será resolver el asesinato, sino conocer toda una serie de complejos personajes que dan entidad a ese puzzle llamado Hollywood. Una paradójica y amarga descripción de todas las personas, de sus extrañas vidas y del entramado que conforma la famosa industria cinematográfica. Se nos mostrará a una gran estrella del cine mudo, Norma Desmond (Gloria Swanson), ya en su vejez, incapaz de asumir el paso del tiempo, la ausencia de notoriedad, halagos y caprichos que le brindó su antigua fama. Siempre junto a ella, su fiel y abnegado criado, Max von Mayerling, (Erich von Stroheim), y como no, nuestro protagonista, Joe Gillis (William Holden) un escritor de guiones que atraviesa penurias económicas y está apunto de claudicar, de abandonar sus antiguos sueños de triunfar en Hollywood. Todos ellos son personajes que comparten, de muy distinta manera, la sensación de sentirse fracasados. Aunque intenten disimularlo, están dominados por sus miedos. Una narración que intenta despojar de glamour al concepto de éxito en el cine. Ya que todos los personajes, triunfadores o no, con éxitos pasados o anhelando un éxito futuro, siguen sin encontrar lo que realmente les puede hacer felices. La industria del cine vista a través de sus perdedores y su faceta más humana. Durante el relato, magníficamente construido y narrado, se nos muestran dos mundos que conviven bajo un mismo techo. Norma Desmond, con sus grandes pasiones, obsesiones y ego desmedido (icono de narcisismo cinematográfico) es incapaz de asumir el tiempo real y presente. Ella ha ubicado su zona de confort en un pasado melancólico del que se resiste a salir por miedo a comprobar los cambios, los avances técnicos de la industria, la llegada del cine sonoro. Encerrada en su propia burbuja, cuidada y alentada por otro interesante y oscuro personaje, su mayordomo Max.

"Yo soy grande. Son las películas las que se han hecho pequeñas."

En el polo opuesto, representado otra manera bien distinta de lidiar con el mundo presente, tenemos a un escritor de guiones arruinado que no consigue ningún trabajo que le permita seguir en la industria. Sus amigos sobreviven como pequeños personajes anónimos y terrenales, sin grandes designios que cumplir, pero afanados entusiastas de su trabajo. Personajes como la experta y joven arreglista de guiones Betty, (Nancy Olson), capaz con su sencillez y entusiasmo de hacer aflorar verdaderos sentimientos en nuestro cínico protagonista.

Momento en el que Joe se da cuenta, por fin, que Betty y él se han enamorado:

Joe: – ¿Qué ha pasado?

Betty: – Pasaste tú.

Con un estilo Noir, Billy Wilder elabora esta gran crítica, con su peculiar cinismo y acidez, del mundo del cine. Un retrato del cine dentro del cine, basado en la bellísima fotografía en B/N de John F. Seitz el cual sería el encargado de trasladar mediante el empleo de la luz y las sombras esa atmósfera, esa realidad cinematográfica heredada del expresionismo alemán, urbana y sombría, cuya elaboración estética está al servicio de las emociones de los protagonistas, donde la simbología de los objetos presentados alcanza una gran intensidad. El juego de sombras en el interior de la mansión de Norma es capaz de recrear todo un mundo de lujos y recuerdos que atrapa, cautiva y retiene con sorpresa al espectador, sin posibilidad de escape, haciéndonos partícipes del estado de ánimo del guionista Joe. Años más tarde, estando ya arruinado, con un estilo cinematográfico bien distinto, en tecnicolor, volvería a mostrarnos cómo la industria olvida y arroja pronto a la basura todo aquello que deja de dar grandes beneficios. "Fedora (1978)", ha sido considerada por muchos como su legado final y su segundo gran capítulo donde critica sin compasión su amado mundo del cine. El brillante guión fue resultado de la colaboración del tándem Wilder/Charles Brackett –llamados también "Brackett and Wilder, la pareja más feliz de Hollywood". Juntos firmaron trece guiones, entre ellos, grandes clásicos como "Ninotchka (1939)", "Bola de fuego (1941)", "Días sin huella (1945)" y esta obra que resultaría ser su última colaboración. Wilder, recordando sus inicios de guionista para la gran empresa del cine, no deja escapar ni una sola frase sin ironía. Ni un solo diálogo sin doble sentido. Cada plano, cada personaje y cada una de sus acciones suponen una crítica hacia una industria que dejó a sus grandes estrellas, a sus iconos iniciales a un lado para seguir avanzando con las nuevas tecnologías. Dentro de los aspectos técnicos, la idea de comenzar con el plano de Joe Gillis flotando boca abajo resultó ser completamente impactante. Pero al que le tocó ingeniárselas para llevar a cabo la escena y realizarla con los medios disponibles en la época fue al director artístico, John Meehan. Las indicaciones de Wilder fueron precisas:

- "Chico, el plano que quiero es la panorámica de un pescado".

Quería un plano desde abajo, mostrando tanto el cuerpo de Gillis como a la policía y a los fotógrafos de pie, al borde de la piscina. Meehan experimentó con ello hasta que se le ocurrió la idea de rodar la escena, a través de un espejo en la parte inferior de un tanque de agua, en el estudio. Desde el ángulo de la derecha, la cámara podría tomar la imagen reflejada en el espejo sin tener que introducir una cámara bajo el agua, lo que implicaría costes enormes tanto en dinero como en tiempo. En cuanto a la elección de sus personajes, la relación Norma Desmond/ Max el mayordomo, no deja de ser un retorcido guiño a la realidad. Puso como mayordomo a uno de los grandes pioneros de la dirección, quien encumbró con sus films a la propia Gloria Swanson, todo sea dicho. Tal y como Max hizo con Norma. A lo largo de la cinta aparecen múltiples detalles que pueden y deben considerarse un homenaje a la historia del cine silente. Se nos permite ver en una proyección privada, "La reina Kelly" en una de sus escenas. Se nombra en las conversaciones a la Garbo y a Valentino. Además, cuenta con la particularidad de la aparición en escena de grandes mitos interpretándose a sí mismos. Uno de ellos es Cecil B. DeMille, el personaje más humano, más compasivo y más tierno de la película. Y es que, DeMille, nos deja una escena memorable de su propia carrera e historia al permitirnos acceder, junto con Norma, al plató donde estaba filmando "Sansón y Dalila" Otra escena mítica que nos envuelve en una dulce nostalgia, es la de la partida de cartas de viejas glorias del cine de los años veinte, "las figuras de cera": Buster Keaton, Anna Q. Nilsson, H.B. Warner y Hedda Hooper. Con la presencia del gran Buster Keaton, brillante momento donde Buster dice "paso" en el juego. Los propios estudios Paramont alcanzan una gran relevancia, más allá de ser un simple escenario, pasan a ser un personaje más del reparto. Y así, entre escenarios y personajes reales del cine, presenciamos una interesante historia del devenir del cine y del complejo mundo psicológico de los personajes que lo constituyeron.

 “Nadie abandona a una estrella. Por eso es una estrella.”

Una obra magistral, completa y redonda que puede presumir de varios elementos, entre ellos de contar con una de las mejores escenas finales de la historia del cine.

Título original: Sunset Blvd.

Director: Billy Wilder.

Intérpretes: William Holden, Gloria Swanson, Erich von Stroheim, Nancy Olson, Fred Clark, Jack Webb, Lloyd Gough, Cecil B. DeMille, Hedda Hopper.

Trailer:

Escena:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

Información complementaria: 

William Holden

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LOS DIEZ MANDAMIENTOS (1956). La épica histórica de Cecil B. DeMille.

Antes de Comenzar La película, su director y productor Also: Cecil B. DeMille , nos Presenta en lo prólogo ONU Que en SUS Propias Palabras repre La historia del profeta judío Moisés: El Nacimiento dela Libertad. : Además, nos detalla Las Fuentes Históricas Que Han Empleado los guionistas de la Película párr Anadir Una instancia de parte de la vida de Moisés Que Aparece en el Éxodo, uno de los Libros sagrados Que Componen el Antiguo Testamento. Filón el Judío , el historiador Flavio Josefo y Eusebio de Cesárea Entre Otros. Bajo mi punto de vista this prólogo REBASA su Intención didáctica y divulgativa Puramente, ya Que de Mille Establece pecado mencionarlo explícitamente paralelismos Entre el reinado de la ONU tirano dela AntigüedadComo Ramsés, con ALGUNAS de las dictaduras Presentes en Aquel Año 1956, DICHA Comparacion this empleada con intenciones claramente ideológicas. DICHO ESTO, la película Es Una espectacular y deslumbrante superproducción Que Pertenece al subgénero de la epopeya Bíblica . Se Trata De Una de las Películas Más recordadas con this temática de Toda la historia del cine ... Generaciones de espectadores la recuerdan Por La fuerza de Sus Imágenes, Asi Como Por La Intensidad de Sus Actuaciones, especialmente las de Sus protagonistas Principales: Charlon Heston, Yul Brynner y Anne Baxter .  Todo Comienza CUANDO La Suerte Cambia, CUANDO Madre Una hebrea: Yochabel (Martha Scott)  Trata de SALVAR un su hijo colocándolo del una cesta y lanzándolo al Nilo DEBIDO una Que Un edicto del faraón Seti (Cedric Hardwicke)   ja de decretado la muerte de Todos los primogénitos de raza hebrea. 

La suerte del recién nacido hebreo Cambia Por completo de ser e recogido del río Por La hermana del faraón, Bethia ( Nina Foch ), ESTA lo Llamará Moisés CUYO SIGNIFICADO es: "Entregado Por Las Aguas". Ella lo Adopta y lo cría en la corte real. El Moisés Adulto (Charlon Heston)   se gana el favor de Seti, Por Tanto su valor, CONQUISTANDO Territorios párr Egipto, Por Como su Sabiduría. La princesa Nefertari (Anne Baxter) se enamora perdidamente de Moisés, Lo Que Provoca la envidia del heredero al trono naturales, el, hijo del faraón: Ramses ( Yul Brynner) . Más Moisés no eludir Florerias El Destino Que Dios le ha Encomendado, Descubre su Verdadero origen y Tras ONU periplo Primero Como Esclavo y LUEGO Como pastor de ovejas, se erigirá Como profeta y Líder espiritual del pueblo hebreo, Para Que Este encuentre el favorecer de Dios yla Tierra Prometida. Los guionistas Eneas MacKenzie, Jesse L. Lasky Jr., Jack Gariss y Fredric M. Fran hicieron ONU extraordinario Trabajo Para Que La película retratase de la forma Más fiel Posible la vida de Moisés.  El resultado m es Magnifico, ya la del que pelicula, PESE una inevitable maniqueísmo, el Presente en el texto Bíblico: Hebreos (humildes y buenos) Frente a los Crueles y sádicos Egipcios, Que el pecado embargo es matizado Por Las figuras de DatosN (Edward G. Robinson), sedicioso y avaricioso hebreo Por Lado de la ONU; y en El Otro Lado la generosidad y el amor maternal de Bithia  (Que Acabara Abrazando Las Creencias de Moisés), y la lucidez de Seti Que, PESE una crueldad Do, es Consciente De Que Moisés Es Un Único Ser dotado de la ONU Poder sobrenatural. 

Also es muy apreciable la escritura de diálogos concisos UNOS y sentenciosos Llenos de de imagenes y metáforas, muy de propios del material de literario tan adaptan Que especial. Muy destacable Also Por SUPUESTO la Fotografía en technicolor exuberante ONU y vista la visión de Loyal Griggs, Que Refleja Perfectamente la naturaleza mística y simbólica de tan grandioso relato con Panoramicas y travellings Sumamente acertados, y combinando Perfectamente Todo el Colorido de las vestimentas y de los DECORADOS suntuosos. Una Magnífica Producción: ESE gran Que cine ya Por Desgracia Nunca volverá, en el de Me verosimilitud, Que venia dada Por Las costosas labores de Producción: Empleo de ingentes Cantidades de extras Animales y, Asi Como La ubicación en Exteriores Fieles al texto bíblico ( Monte Sinaí) y EN los Enormes DECORADOS (expresamente ampliados) dela Paramountpárr mostrarnos ESE Mundo mítico de la antigüedad estilizado but Más verdadero si Cabe Que El auténtico en el Que Todo Tiene Cabida: la épica, el romance, el misticismo, la Sabiduría. Con Un reparto fabuloso en Los Hay Que Que: Añadir a los los antes mencionados a  Yvonne De Carlo Como Séfora, la esposa- de Moisés, un Lilia  (Debra Paget) una Josué (John Derek) o al malvado Baka interpretado Por Vincent Price . Imprescindible clásico párr degustar tranquilamente y gozar de Una historia en el colosal Tanto Que lo lo de Como Cabida Tienen íntimo. Esa lucha del pueblo de Israel bajo el Liderazgo de Moisés, en El que La Mano de Dios Será Siguen clave emocionado AÚN en la Actualidad.

Título original: Los Diez Mandamientos.

Directora:  Cecil B. DeMille.

Intérpretes:  Charlton Heston ,  Yul Brynner ,  Anne Baxter ,  Edward G. Robinson ,  Yvonne De Carlo ,  Debra Paget ,  John Derek ,  Cedric Hardwicke ,  Nina Foch.

Trailer:

Por Escrita Reseña Juan Murillo Bodas

Complementaria Información:
Cecil B. DeMille

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