ENEMIGOS A LAS PUERTAS (2001). La bala que pudo cambiar la historia.

En el año 1942, antes de que se librara la gran batalla de Stalingrado durante La Segunda Guerra Mundial, el frente Soviético intenta frenar la invasión de las tropas alemanas. El dominio de los alemanes sobre territorio soviético les otorga un gran poder geográfico. Además el avance de las tropas, la invasión soviética tiene como doble objetivo alcanzar los nacimientos de petróleo cercanos a los Urales. Si los alemanes logran abastecerse con el combustible necesario, Europa caerá bajo su fuego. En aquel momento, la ciudad de Stalingrado ha sido arrasada y sitiada, pese a todo, se sigue manteniendo como punto clave y estratégico, no sólo para salvaguardar la dignidad de los soviéticos, sino para evitar que los alemanes alcancen los pozos de petróleo. Stalingrado se convierte así en un enclave de primer orden para frenar la invasión nazi.

Jean-Jacques Annaud construye un film bélico en torno a la figura del famoso francotirador, Vassili Zaitsev (Jude Law) y a la ciudad de Stalingrado para ir engarzando un relato dotado tanto de escenas multitudinarias de acción, como de elementos más íntimos y personales. De este modo, el director equilibra dos mundos opuestos. La muerte, el dolor y la desolación son tan importantes en pantalla como la motivación de los pocos Soviéticos que resisten en una ciudad destruida. El guión elaborado por el propio director en compañía de Alain Godard, no se limita a ensalzar la figura del personaje real Vassili Zaitev, considerado por sus compatriotas como un auténtico héroe.

El relato cinematográfico goza de un inicio absolutamente magistral de puro cine bélico de acción con un gran despliegue visual. Partiendo de una escena casi minimalista, donde un niño pastor es enseñado a disparar con rifle contra los lobos que atacan al ganado, un gran salto en el tiempo fílmico permitirá arrojar a nuestro protagonista, junto con el resto del ejército soviético, contra los alemanes en una contienda cruel y sangrienta a orillas del Volga. Estos primeros minutos de metraje, pese a la dureza de sus imágenes, nos deleitan con asombrosas escenas de acción, ya sea con excelentes planos aéreos, magníficas escenas marítimas atravesando el Volga y batallas sanguinarias por tierra, donde los soldados mueren acribillados por los alemanes, obligados a mantenerse en sus puestos, ya que desde la retaguardia los pocos supervivientes que intentaban volver eran asesinados por los propios Soviéticos.

En este marco de miseria humana resurge la figura de un soldado, que tras sobrevivir entre los cadáveres agazapado junto a la figura de un comisario político interpretado por Joseph Fiennes, es capaz de afinar su puntería y cazar como a lobos depredadores a un grupo de oficiales alemanes. Esta proeza inicial le salvará la vida y lo convertirá en el héroe que la resistencia soviética necesita para mantener los ánimos y no rendirse frente al enemigo. De este modo, se consigue un nuevo salto estético y narrativo dentro de un relato bélico. La batalla multitudinaria es sustituida por el enfrentamiento solitario de un francotirador que va aniquilando únicamente oficiales alemanes como único modo de vencer al enemigo sin apenas armas o batallones.

Este relato de recreación bélica se va completando en su desarrollo gracias al envío por parte de los alemanes de su mejor francotirador, el Mayor König, Ed Harris, para que elimine a Vassili. De nuevo el salto de forma y contenido del film pasa a centrarse en el duelo a muerte que mantiene estos dos grandes tiradores. Un duelo actoral y de personajes perfectamente ejecutado.

Este intenso y maquiavélico enfrentamiento desvelará las motivaciones y el mundo emocional de los dos grandes implicados en la contienda. La guerra queda así focalizada y representada únicamente por dos personajes encargados de mantener el hilo narrativo y la tensión de esta terrible contienda.

El director y guionista logra muy hábilmente encapsular el conflicto bélico en la lucha de voluntades y talento entre los dos cazadores. Sus confrontaciones son un reflejo de las estrategias y preparación de los respectivos ejércitos y ayudan enormemente a entender la idiosincrasia de ambos pueblos. De nuevo, Jean-Jacques Annaud demuestra su destreza al profundizar en la complejidad humana, sus contradicciones y sus motivaciones. No sólo enfrenta a dos máquinas de matar, Vassili y el Mayor Köning, el director también sabe reflejar en la pantalla las debilidades y las motivaciones más profundas, que entre tantas muertes absurdas, tanta miseria y masacre, dan algo de esperanza al ser humano.

Hay quien opina que el guión languidece en altibajos durante la parte central del metraje. Sin embargo, los aspectos técnicos del film son impecables, desde los impresionantes escenarios que muestran la devastación que la guerra ha ocasionado en Stalingrado, hasta los dinámicos efectos que dan vibrante vida a los ataques aéreos y marítimos iniciales. El caos entre tantas muertes y la destrucción de una gran ciudad, ahora en ruinas, retratan vivamente la atrocidad de la guerra y la increíble adaptación del ser humano para sobrevivir en ese entorno.

Los primeros minutos del film son puro cine bélico de acción con planos excelentemente logrados, dotados de gran belleza plástica y estética, muy del estilo de Jean-Jacques Annaud, el cual demuestra una portentosa habilidad para trasladar la gran batalla a un escenario íntimo donde las escenas de acción, entre disparos por miras telescópicas, escondites y posiciones casi imposibles, colocan al espectador en angulaciones espectaculares conseguidas por la portentosa cámara.

Jean-Jacques Annaud con un notable cambio de ritmo en la trama sumerge las escenas de acción en un suspense y una tensión muy logradas, y lo hace a través de una historia, la de un personaje y sus seres queridos, a través de su enemigo y rival, reflejando al mismo tiempo el otro lado de la gran contienda, el que se lidió entre civiles en la retaguardia del gran frente.

Título original: Enemy at the Gates.

Director: Jean-Jacques Annaud.

Intérpretes: Jude Law, Joseph Fiennes, Rachel Weisz, Ed Harris, Bob Hoskins, Ron Perlman, Eva Mattes, Gabriel Thomson, Matthias Habich.

Trailer:

B.S.O.:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

No hay comentarios

LANGOSTA (2015). Castigo a los solteros.

Después de asombrar a medio mundo con "Canino (Kynodontas,2009)" y no conseguir el mismo efecto con su siguiente película, "Alps (2011)", el director griego Yorgos Lanthimos vuelve por sus fueros con otra original e inusual historia que lleva la firma inequívoca de su estilo propio. En esta ocasión cuenta con un presupuesto más holgado que en sus anteriores obras, como demuestran esos magníficos exteriores en los bosques y costas de Irlanda y sobre todo se nota la proyección internacional del film al estar rodado en inglés y contar con un plantel de actores de primera fila como Colin Farrell, Rachel Weisz, Léa Seydoux o John C. Reilly.

Lanthimos sin dejar de lado su trasgresor humor negro,continuamente subrayado por esa música Hitchcockiana que aparece en The Lobster, recurre esta vez a un tipo de historia mas dramática y sosegada, en la que las imágenes guardan gran relación con lo que quiere transmitir; aparte de momentos divertidos y delirantes, el ritmo narrativo de la película es pausado, acorde con el ambiente que se respira en el elegante hotel para solteros donde se desarrolla la primera parte del film, cuyas escenas con escasos diálogos están acompañadas de una apacible música clásica.

La historia transcurre en un futuro distópico donde los solteros y viudos son enviados a un hotel con el fin de encontrar pareja en 45 días. Si no lo consiguen serán sacrificados y reencarnados en un animal que previamente han elegido. David (Colin Farrell) elige una langosta ya que "viven más de cien años y son fértiles toda su vida". Esta siniestra sociedad se divide en tres partes bien diferenciadas, por un lado la ciudad, donde la gente solo puede salir a la calle acompañados de su pareja y en caso de encontrarse solos deben llevar encima en todo momento el documento que demuestre su emparejamiento por si se lo pide la policía. Por otro lado tenemos el citado hotel y como estrato mas bajo de esta sociedad, el bosque, donde se encuentran todos los solteros que no han sido capaces de adaptarse a sus rígidas normas. Pero en el bosque surge una guerrilla de solteros organizada por la "Loner Líder"(Léa Seydoux) y donde David conoce a la "Mujer Miope" (Rachel Weisz) surgiendo inmediatamente una atracción mutua entre ellos que se ve frustrada al no permitir las normas de la insurgencia las relaciones entre los solteros del bosque. Así mismo el hotel organiza cacerías por el bosque con dardos tranquilizantes donde los inquilinos tienen la posibilidad de capturar a los solteros insurgentes aumentando su estancia un día más en el hotel por cada presa.

Interesante reflexión sobre las relaciones de pareja, donde sin embargo Lanthimos no deja títere con cabeza ya que muestra tanto a los solteros como a los casados regirse por una dudosa conducta, donde el celibato y la incomunicación impera en todas las relaciones mostradas en el film.

Título original: The Lobster .

Director: Yorgos Lanthimos.

Intérpretes: Colin Farrell, Rachel Weisz, Jessica Barden, Olivia Colman, Ashley Jensen, Ariane Labed, Angeliki Papoulia, John C. Reilly, Léa Seydoux.

Trailer:

B.S.O.:

Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

No hay comentarios

LA JUVENTUD (2015). La vejez de Michael Caine y Harvey Keitel.

Fred Ballinger (Michael Caine), es un octogenario que está disfrutando de un placentero descanso en un lujoso y privilegiado hotel ubicado en los Alpes. Le acompaña su gran amigo de la infancia, Mick (Harvey Keitel), que está intentando junto a un grupo de jóvenes guionistas finalizar lo que él mismo denomina como "su último gran legado como director". La hija de Fred, Lena (Rachel Weisz), tras un breve e inicial visita a su padre, termina volviendo para pasar con él todas las vacaciones, ya que su marido decide abandonarla inesperadamente y de forma brusca.

En este paradisíaco lugar de reposo y descanso, es donde Fred, un famoso director y compositor de música ya retirado, pasa los días sin hacer absolutamente nada. Simplemente se deja llevar por los cuidados que le aplican a su desgastado cuerpo, realiza largos paseos con su gran amigo de toda la vida y observa a los demás habitantes del hotel.

Conforme avanza el metraje llegamos a conocer la fama que pudo alcanzar este director de orquesta ya retirado por varios motivos: Desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe. El otro dato de su notoriedad, es representado por un pequeño niño que practica con su violín una partitura fundamental para su formación, cuyo escritor resulta ser el propio Fred Ballinger.

Paolo Sorrentino nos presenta una película fiel a su estilo tanto en el sentido estético como en su visión del mundo: incisiva, ácida y mordaz. Afronta con valentía este nuevo proyecto sabiendo que el peso de su anterior film "La gran belleza (2013)" será difícil de sobrellevar. Es cierto que en esta cinta Sorrentino no impacta tan brutalmente con el espectador. En esta ocasión el manjar que nos ofrece es de digestión más lenta.

Al igual que "La gran belleza" se comparó con "La dolce vita (1960)", será inevitable que "La giovinezza" se compare con "Fellini, ocho y medio (1963)". Las reminiscencias con Fellini son expuestas por él mismo en boca de uno de sus personajes: 

"No se copian obras del pasado, se hacen fermentar para elaborarlas de diferente manera."

El relato toma como eje fundamental dos grandes personajes: Fred, el disciplinado, culto, adicto al trabajo, sobrado de ego y renombrado director / compositor de orquesta junto con su gran amigo Mick Boyle, director de cine incansable, que entiende la vida como un acto permanente de estar creando, de seguir en movimiento. Es otro octogenario que se niega a aceptar que sus días de gloria ya han pasado, y por ello se rodea de jóvenes guionistas con los que mantiene una relación ambivalente de admiración por su juventud y envidia por disfrutarla. Su ego está mucho más mermado que el de su amigo porque sabe que ya no tiene talento. A diferencia de Fred, no concibe una vida a la espera de la muerte sin continuar creando, por eso, sigue pensando en hacer su testamento fílmico, obsesionado con rodar su última película con la gran estrella de cine Brenda Morel, (Jane Fonda).

Fred es viudo y Mick ha permanecido soltero toda su vida. Ambos han dejado pasar la oportunidad de disfrutar de las grandes mujeres que los han amado, cada uno rodeado de sus razones, intenta ahora comprender cómo pudieron dejar pasar en su juventud esos momentos que jamás volverán a sus vidas, siempre cegados por el éxito de sus carreras.

Sorrentino nos enfrenta a la realidad de la vejez en la época que vivimos, donde por mucho que nos intenten convencer de que con los años vamos ganando en sabiduría, la crudeza del deterioro se impone y el recuerdo de los momentos perdidos suele ser agridulce.

El director sitúa la juventud en el centro de la belleza y del éxito. Sin embargo, cuando se es joven y se está disfrutando, es difícil entender que tan sólo es un momento pasajero.

Los dos protagonistas de esta película luchan contra el tiempo para que su recuerdo no se pierda, se enorgullecen por ser recordados, cada uno de distinta manera y arrastrando diferentes fantasmas de su pasado.

En el apartado técnico, Sorrentino mantiene sus grandes panorámicas, sus largos planos secuencia y sus cuidadísimos acercamientos de cámara frente a dos monstruos de la actuación que dan un acabado perfecto a la cinta con sus diálogos, anodinos o profundos, con sus miradas, con sus gestos o simplemente con sus magníficos silencios.

Michael Caine y Harvey Keitel están espléndidos y perfectamente acompañados por un gran elenco, que aunque muy correcto en sus interpretaciones, no parecen alcanzar la excelencia al quedar a la sombra de casi dos mitos de la pantalla.

La película empieza y termina con un tema musical. Ambos momentos dicen mucho del contenido de la película, encierran el inicio y el final de Caine, sus vergüenzas, sus mentiras, sus carencias, "You,ve got the love" abre la película con un largo plano circular en el que el grupo The Ravonettes versiona la canción de "Florence and the machine" con un primer plano del perfil de la cantante y el batería, difuminado el fondo, mientras toda una fauna de jóvenes circula alrededor, solitarios, moviéndose al ritmo de la canción, “tienes el amor” dice la letra, pero para el apagado personaje de Michael Caine, que asiste impertérrito a la función, es una música sin sentido alguno, que no merece su atención.

SPOILER: 

Así mismo, el cierre musical dirigiendo su “Simple song nº 3” frente a la reina de Inglaterra cuando esa pieza decía representar, el recuerdo de su amada esposa, la única cantante que la había representado desde su composición y que nadie más cantaría en vida del compositor. Principio y final se unen por la música, uno de los elementos que definen perfectamente la estética y funcionalidad del cine de Sorrentino, la música creando atmósferas conjuntadas con sus imágenes. 

FIN DE SPOILER

Además en la película hay toda una serie de pequeñas historias entrelazadas, que ocurren en el mismo lugar y de alguna manera relacionadas con los dos protagonistas que permiten a Sorrentino enriquecer e iluminar su cine de amplias panorámicas con un contenido más vertical.

Pese a no ser la gran película de Sorrentino, cuántos creadores querrían tener un estilo tan identificable, construir personajes tan sólidos y enteros, en esta ocasión multiplicados, porque si las tres anteriores películas contaban con un protagonista acaparador de la historia, ahora el director se permite presentarnos hasta cuatro personajes de profundidad y construidos milimétricamente. "La giovinezza" es una gran película, es una película de pérdidas conscientes y pérdidas ocultadas para autoengañarnos, es una película visualmente perfecta, donde no faltan momentos de parodia ni de crítica acompañados de grandes reflexiones, donde al ritmo lento de la vejez se profundiza en la vida emocional de dos personajes que vivieron y disfrutaron de su éxito durante su juventud.

Título original: Youth - La giovinezza.

Director: Paolo Sorrentino.

Intérpretes: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Emilia Jones, Mark Kozelek.

Trailer:

B.S.O.:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

No hay comentarios

MY BLUEBERRY NIGHTS (2007). El drama romántico de Wong Kar-Wai.

Wong Kar-Wai es toda una rareza dentro del cine de Hong-Kong, su estilo visual y narrativo cargado de romanticismo en títulos como "In the mood for love (2000)" o "2046 (2004)" dista mucho del trabajo presentado por su compatriota John Woo ,por poner un ejemplo,aunque dentro del revival que tuvo este género gracias a Quentin Tarantino, Wong Kar-Wai también se vería beneficiado con la inclusión de su film "Chungking Express (1994)" dentro de las reediciones lanzadas por el sello Rolling Thunder,propiedad de Tarantino. A grandes rasgos la carrera de Wong Kar-Wai a excepción de producciones épicas de artes marciales como "Ashes of time (1994)" o incursiones en el género policíaco como  "Chungking Express" se mueve dentro del drama romántico pero con elementos muy personales como la explosión de colores en la fotografía o el destacado uso de la música en sus escenas.

En My blueberry nights están presentes todos estos elementos pero al tratarse de la primera película rodada en inglés por su director y con un elenco nada despreciable (Jude Law, Natalie Portman,  Rachel Weisz, David Strathairn,..) se convierte en una de las mas conseguidas y populares de Wong Kar-Wai, aún siendo ésta una producción made in Hong Kong. El encanto de la Ruta 66 y la música de Ry Cooder también juegan un papel importante como en todos sus films,pero en éste en especial también se  incluyen grandes canciones de Norah Jones, su protagonista, así como temas de Otis Redding, Cassandra Williams, Mavis Staples... que conforman una gran banda sonora. A partir de My blueberry nights, Christopher Doyle deja de hacerse cargo de la fotografía como lo había hecho en los anteriores films de Wong Kar-Wai y es Darius Khondji quien mantiene una amplia gama de colores marca de la casa pero con gran profusión de planos a través de objetos y fundidos a negro que resaltan el tono intimista de la cinta.

Norah Jones en su primer papel para el cine está bastante correcta como la insegura y deprimida Elizabeth, que después de un fracaso amoroso emprende un viaje desde Nueva York a Las Vegas trabajando en restaurantes y pubs de la Ruta 66 con el fin de comprarse un coche para continuar su viaje. Sin embargo los personajes que va conociendo por el camino son los verdaderos protagonistas de la película,empezando por Jeremy (Jude Law);propietario de un bar en Nueva York y en un estado sentimental similar al de Elizabeth. La pasión por su trabajo y extrañas aficiones como observar las grabaciones de su cámara de seguridad harán de su bar el refugio perfecto para Elizabeth.Mientras trabaja de camarera conoce también a Arnie (David Strathairn) un policía alcohólico que se pasa las horas bebiendo solo sin poder superar la ruptura con su mujer Sue Lynne (Rachel Weisz). A destacar Natalie Portman en el papel de la jugadora de póker Leslie, que a pesar de su profesionalidad pierde grandes sumas de dinero y se ve obligada a pedirle un préstamo a Elizabeth para seguir jugando. Leslie y "Lizzie" compartirán coche y viaje hasta la última parada del camino, Las Vegas, donde Leslie tiene la intención de pedirle dinero a su padre, también jugador profesional, para seguir jugando al póker pero la muerte de éste  frustra sus intenciones. Para hacernos a la idea de la relación que tenían padre e hija jugadores solo hace falta prestar atención a una de las escenas hacia el final de la película; Elizabeth llama al hospital preguntando por el padre de Leslie (ya que ella no tenía buena relación con él) y le informan de que  ha muerto. Cuando Elizabeth se lo cuenta a Leslie, ésta cree que es un truco de su padre y es incapaz de creerlo. El engaño en la vida al igual que en el juego fue parte de la relación padre e hija hasta el punto de creer que su muerte no es mas que otro astuto truco de póker.

Director: Wong Kar-Wai.

Intérpretes: Norah Jones, Jude Law, Natalie Portman, Rachel Weisz, David Strathairn, Hector A. Leguillow, Frankie Faison, 

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

1 comentario