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Los trabajadores de un periódico son despedidos casi en su totalidad cuando un rico magnate lo compra. Una avispada periodista publica un montaje en su último artículo en el periódico: una carta donde uno de los empleados despedidos anuncia su suicidio. La carta lleva en su firma el nombre de Juan Nadie. El alcance del artículo es tal, que el periódico se ve en la necesidad de mantener el engaño y crear un Juan Nadie, por lo que encontrarán a un vagabundo que pasará a convertirse en el personaje más popular del momento. La película comienza con unos planos que muestran a los trabajadores de los Estados Unidos de la época: agricultores, mineros, telefonistas…hasta llegar a una sala llena de recién nacidos. Después, los nuevos editores de un periódico promueven un cambio de estilo en la empresa y proceden a despedir a buena parte de sus empleados. Ann Mitchell (Barbara Stanwyck) una sagaz periodista, antes de ser despedida se inventa la carta de protesta de un ciudadano norteamericano en paro desde hace cuatro años, que firma Juan Nadie. Y ante el escándalo y trascendencia, deciden crear a este personaje que se rebelará contra el sistema establecido.
Con guión de Robert Riskin, adaptando la historia de Richard Connell y Robert Presnell Sr, estamos ante otra de las muchas obras que nos dejó el maestro Frank Capra, estrenada en 1941 y con guion de Robert Riskin, Juan Nadie refleja el ambiente de la Depresión en USA. Aquí, como en "Caballero sin espada (1939)", es otro representante del americano medio y de la mayoría silenciosa del país, que se verá obligado a luchar contra el establishment, y el cual, en su fatigoso combate quijotesco, llegará al borde del suicidio y encontrará la redención a través del amor de la protagonista y del sentido común. El mundo de la prensa, de las finanzas y de la política, queda aquí vapuleado con creces, dentro del aire populista de su autor, que a la vez primaba en aquella segunda época roosveltiana.
El duelo interpretativo sentimental entre la ya veterana Barbara Stanwyck y el entonces galán Gary Cooper, que ya había interpretado al Mr. Deeds de "El secreto de vivir" resulta sencillamente encantador y el siempre indispensable Walter Brennan explicando lo que es ser un idiota en los tiempos modernos. En manos de otro director, el final quizá se hubiera resulto de manera distinta, pero Capra apuesta por el final abierto, cruel pero relativamente esperanzador. Resulta una obra muy en la línea Capra, esa línea que se mueve entre la utopía de los sueños y el desencanto de las realidades. Capra nos dejó una serie de maravillosos títulos, fábulas o cuentos morales con un gran poder de atracción y capacidad para que el espectador consiga identificarse con los problemas del héroe, hacer que sean los suyos.
Se trata, pues, de una película modélica, excelentemente fotografiada por George Barnes y con momentos inolvidables, como el discurso que mantiene su interés testimonial de crítica al sistema y a sus estamos, sobre todo a los medios de comunicación y su capacidad de influencia sobre la población y, de bastante actualidad en cuanto a los sensacionalismos se refiere. Una deliciosa propuesta, además llena de connotaciones ideológicas.
Frase para recordar: "Derribad las vallas y terminaréis con muchos odios y prejuicios, tirad todas las vallas del país y así tendréis un verdadero equipo". Título original: Meet John Doe.
Director: Frank Capra.
Intérpretes: Gary Cooper,Barbara Stanwyck,Edward Arnold,Walter Brennan,James Gleason, Ann Doran.
Los trabajadores de un periódico son despedidos casi en su totalidad cuando un rico magnate lo compra. Una avispada periodista publica un montaje en su último artículo en el periódico: una carta donde uno de los empleados despedidos anuncia su suicidio. La carta lleva en su firma el nombre de Juan Nadie. El alcance del artículo es tal, que el periódico se ve en la necesidad de mantener el engaño y crear un Juan Nadie, por lo que encontrarán a un vagabundo que pasará a convertirse en el personaje más popular del momento. La película comienza con unos planos que muestran a los trabajadores de los Estados Unidos de la época: agricultores, mineros, telefonistas…hasta llegar a una sala llena de recién nacidos. Después, los nuevos editores de un periódico promueven un cambio de estilo en la empresa y proceden a despedir a buena parte de sus empleados. Ann Mitchell (Barbara Stanwyck) una sagaz periodista, antes de ser despedida se inventa la carta de protesta de un ciudadano norteamericano en paro desde hace cuatro años, que firma Juan Nadie. Y ante el escándalo y trascendencia, deciden crear a este personaje que se rebelará contra el sistema establecido.
Con guión de Robert Riskin, adaptando la historia de Richard Connell y Robert Presnell Sr, estamos ante otra de las muchas obras que nos dejó el maestro Frank Capra, estrenada en 1941 y con guion de Robert Riskin, Juan Nadie refleja el ambiente de la Depresión en USA. Aquí, como en "Caballero sin espada (1939)", es otro representante del americano medio y de la mayoría silenciosa del país, que se verá obligado a luchar contra el establishment, y el cual, en su fatigoso combate quijotesco, llegará al borde del suicidio y encontrará la redención a través del amor de la protagonista y del sentido común. El mundo de la prensa, de las finanzas y de la política, queda aquí vapuleado con creces, dentro del aire populista de su autor, que a la vez primaba en aquella segunda época roosveltiana.
El duelo interpretativo sentimental entre la ya veterana Barbara Stanwyck y el entonces galán Gary Cooper, que ya había interpretado al Mr. Deeds de "El secreto de vivir" resulta sencillamente encantador y el siempre indispensable Walter Brennan explicando lo que es ser un idiota en los tiempos modernos. En manos de otro director, el final quizá se hubiera resulto de manera distinta, pero Capra apuesta por el final abierto, cruel pero relativamente esperanzador. Resulta una obra muy en la línea Capra, esa línea que se mueve entre la utopía de los sueños y el desencanto de las realidades. Capra nos dejó una serie de maravillosos títulos, fábulas o cuentos morales con un gran poder de atracción y capacidad para que el espectador consiga identificarse con los problemas del héroe, hacer que sean los suyos.
Se trata, pues, de una película modélica, excelentemente fotografiada por George Barnes y con momentos inolvidables, como el discurso que mantiene su interés testimonial de crítica al sistema y a sus estamos, sobre todo a los medios de comunicación y su capacidad de influencia sobre la población y, de bastante actualidad en cuanto a los sensacionalismos se refiere. Una deliciosa propuesta, además llena de connotaciones ideológicas.
Frase para recordar: "Derribad las vallas y terminaréis con muchos odios y prejuicios, tirad todas las vallas del país y así tendréis un verdadero equipo". Título original: Meet John Doe.
Director: Frank Capra.
Intérpretes: Gary Cooper,Barbara Stanwyck,Edward Arnold,Walter Brennan,James Gleason, Ann Doran.
El orgullo de los yanquis es un biopic sobre el legendario jugador profesional de béisbol norteamericano Lou Gehrig. La cinta se centra en la carrera profesional de la estrella del béisbol en el equipo de los Yankess de Nueva York en la época de crisis del crack bursátil del 29.
Con guión de Paul Gallico, adaptado por Herman J. Swerling y J. Mankiewcz, (coguionista de "Ciudadano Kane (1941)") y con la figura de Samuel Goldwin como productor, la cinta nos cuenta como desde la infancia, Gehring, nacido en 1903 en el seno de una familia modesta de inmigrantes alemanes, hijo de una cocinera en una residencia de la Universidad de Columbia, la cual pretende que estudie ingeniería, sueña con convertirse en jugador profesional de béisbol, mientras trabaja como camarero. Juega como defensa y pitcher en el equipo de fútbol y béisbol de la Universidad con muy buenos resultados. Será un seguidor y crítico deportivo, Sam Blake, quien ve en Lou un futuro prometedor como bateador, consiguiéndole una entrevista con el entrenador del mítico equipo.
A pesar de la oposición materna, Lou se iniciará en el deporte, teniendo como maestro a la estrella consagrada del béisbol, Babe Ruth. Lou se convertirá en una estrella y figura mítica en el Club de los Yankees, interviniendo en más de dos mil partidos, hasta que el diagnostico de Esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una enfermedad degenerativa, desconocida en ese momento, lo apartó del campo de juego. El jugador empezó a sentir los síntomas de la enfermedad a la edad de 30 años, pero a medida que la enfermedad iba avanzando, su rendimiento físico disminuyó debido a la debilidad muscular propia de la enfermedad.
El orgullo de los yanquis es un magnífico e intenso film, un drama magníficamente fotografiado por Rudolph Maté. Rodada en plena Segunda Guerra Mundial , la cinta ensalza la figura del héroe patriótico, tan característico del cine de Hollywood de la época, puesto que los EEUU se habían incorporado recientemente a la guerra, en este caso, una figura deportiva y el valor de superación ante la enfermedad que alcanzó fama, gloria y probó las mieles del éxito en vida, y que alcanza su zénit más dramático en el homenaje multitudinario que se le tributó como uno de los mejores jugadores de la historia con el número cuatro en su camiseta, en 1939 en el Yankee Stadium y momento final del film. Gehring, conocido como "el caballero de hierro, teniendo en su haber 2.130 partidos disputados consecutivamente, este ídolo de masas" se retiró en 1938, fue relevado por otro jugador mítico, Joe DiMaggio, el cual continuó llevando al equipo al éxito. Murió en 1941. La cinta se rodó tan solo un año después de su fallecimiento.
Sam Wood, autor de obras como "Una noche en la Ópera (1935)", "Un día en las carreras (1937)" "Adiós, Mister Chips (1939)" o "¿Por quién doblan las campanas? (1943)" y a partir de 1944 detentó la presidencia de la ultraconservadora Alianza Cinematográfica para la Preservación de los Ideales Americanos, dirige en esta notable película, ágil y dramática, pero no exenta de escenas de humor, y con excelente montaje a cargo de de Daniel Mandell ("Los mejores años de nuestra vida, 1946)") a Gary Cooper, el galán prototipo y actor ideal para encarnar el orgullo y valores norteamericanos, es Lou Gehring; le acompañan en el elenco, Teresa Wrigt que encarna a Ellie, la amorosa y entregada esposa de Lou, y Walter Brenan como el periodista deportivo Sam Blake. La película tuvo diez nominaciones a los Óscars, obteniendo el premio al mejor montaje de Daniel Mandell.
Frase para recordar:"Hoy me considero el hombre más afortunado en la faz de la tierra".
Título original: The Pride of the Yankees.
Director: Sam Wood.
Intérpretes: Gary Cooper, Teresa Wright, Babe Ruth, Walter Brennan, Dan Duryea, Elsa Janssen, Ludwig Stössel, Virginia Gilmore.
El orgullo de los yanquis es un biopic sobre el legendario jugador profesional de béisbol norteamericano Lou Gehrig. La cinta se centra en la carrera profesional de la estrella del béisbol en el equipo de los Yankess de Nueva York en la época de crisis del crack bursátil del 29.
Con guión de Paul Gallico, adaptado por Herman J. Swerling y J. Mankiewcz, (coguionista de "Ciudadano Kane (1941)") y con la figura de Samuel Goldwin como productor, la cinta nos cuenta como desde la infancia, Gehring, nacido en 1903 en el seno de una familia modesta de inmigrantes alemanes, hijo de una cocinera en una residencia de la Universidad de Columbia, la cual pretende que estudie ingeniería, sueña con convertirse en jugador profesional de béisbol, mientras trabaja como camarero. Juega como defensa y pitcher en el equipo de fútbol y béisbol de la Universidad con muy buenos resultados. Será un seguidor y crítico deportivo, Sam Blake, quien ve en Lou un futuro prometedor como bateador, consiguiéndole una entrevista con el entrenador del mítico equipo.
A pesar de la oposición materna, Lou se iniciará en el deporte, teniendo como maestro a la estrella consagrada del béisbol, Babe Ruth. Lou se convertirá en una estrella y figura mítica en el Club de los Yankees, interviniendo en más de dos mil partidos, hasta que el diagnostico de Esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una enfermedad degenerativa, desconocida en ese momento, lo apartó del campo de juego. El jugador empezó a sentir los síntomas de la enfermedad a la edad de 30 años, pero a medida que la enfermedad iba avanzando, su rendimiento físico disminuyó debido a la debilidad muscular propia de la enfermedad.
El orgullo de los yanquis es un magnífico e intenso film, un drama magníficamente fotografiado por Rudolph Maté. Rodada en plena Segunda Guerra Mundial , la cinta ensalza la figura del héroe patriótico, tan característico del cine de Hollywood de la época, puesto que los EEUU se habían incorporado recientemente a la guerra, en este caso, una figura deportiva y el valor de superación ante la enfermedad que alcanzó fama, gloria y probó las mieles del éxito en vida, y que alcanza su zénit más dramático en el homenaje multitudinario que se le tributó como uno de los mejores jugadores de la historia con el número cuatro en su camiseta, en 1939 en el Yankee Stadium y momento final del film. Gehring, conocido como "el caballero de hierro, teniendo en su haber 2.130 partidos disputados consecutivamente, este ídolo de masas" se retiró en 1938, fue relevado por otro jugador mítico, Joe DiMaggio, el cual continuó llevando al equipo al éxito. Murió en 1941. La cinta se rodó tan solo un año después de su fallecimiento.
Sam Wood, autor de obras como "Una noche en la Ópera (1935)", "Un día en las carreras (1937)" "Adiós, Mister Chips (1939)" o "¿Por quién doblan las campanas? (1943)" y a partir de 1944 detentó la presidencia de la ultraconservadora Alianza Cinematográfica para la Preservación de los Ideales Americanos, dirige en esta notable película, ágil y dramática, pero no exenta de escenas de humor, y con excelente montaje a cargo de de Daniel Mandell ("Los mejores años de nuestra vida, 1946)") a Gary Cooper, el galán prototipo y actor ideal para encarnar el orgullo y valores norteamericanos, es Lou Gehring; le acompañan en el elenco, Teresa Wrigt que encarna a Ellie, la amorosa y entregada esposa de Lou, y Walter Brenan como el periodista deportivo Sam Blake. La película tuvo diez nominaciones a los Óscars, obteniendo el premio al mejor montaje de Daniel Mandell.
Frase para recordar:"Hoy me considero el hombre más afortunado en la faz de la tierra".
Título original: The Pride of the Yankees.
Director: Sam Wood.
Intérpretes: Gary Cooper, Teresa Wright, Babe Ruth, Walter Brennan, Dan Duryea, Elsa Janssen, Ludwig Stössel, Virginia Gilmore.
El sargento York narra la verdadera historia de uno de los héroes nacionales americanos de la Primera Guerra Mundial en el bienio de 1916 a 1918, Alvin C. York. Un modesto granjero de Tennessee, algo bruto, con gran corazón y pacifista convencido y que se declara objetor de conciencia, el cual es obligado a alistarse en 1917. Tras leer la historia de su país, al final siente la necesidad de combatir para defender los ideales de su patria. Sin embargo, cuando regresó como triunfador del frente europeo, ya que fue héroe a pesar suyo, rechazaría los ofrecimientos que le hicieran para enriquecerse, y solo aceptó del Estado un terreno fértil para poderse casar.
Se trata de una película controvertida, debido al tono claramente propagandístico, pero que se entiende por el contexto sociopolítico en que fue realizada, muy poco antes de que los Estados Unidos entrasen en la contienda tras el ataque de Pearl Harbor.
Con un sólido guion, en el que intervinieron John Huston y el propio realizador, entre otros, basado en los diarios y la biografía de Alvin C. York, se reconstruyeron algunas de las principales batallas francesas, de forma realista y espectacular. Asimismo, constituyó la consagración de Gary Cooper como galán, obteniendo su primer Óscar por este trabajo.
Howard Hawks presenta un relato donde desmenuza la evolución de un hombre sencillo y puro, que cree poder hacerlo todo por sí mismo, pero que en el fondo cuenta con la ayuda de Dios para lograrlo, dada la religiosidad de York y su creencia de que no hay que matar a ningún ser humano. Entonces, ¿Cómo conciliarlo con el hecho de ser llamado a filas para ir a combatir contra los alemanes en el frente de Francia? Para ello se recurre a transformar la creencia de York en un discurso sobre la democracia de la mano de un oficial en el cuartel, con la ayuda de la figura de Daniel Boone y un libro sobre la historia de América. Un retrato en esencia muy americano, de ciudadano medio, al que la fe religiosa, por indeterminada que sea, anima para las grandes gestas.
Con una acumulación impecable de elementos técnicos necesarios para rodar las escenas de las batallas y con una interpretación extraordinaria, Howard Hawks consigue realizar un magnífico film de guerra. Así, el Reverendo Rosief Pile es encarnando por el magnífico Walter Brennan, un sólido actor con más de 200 interpretaciones, cincuenta años de carrera y ganador de tres premios Óscar, y que ha brillado con la misma intensidad que los protagonistas a los que acompañó a lo largo de su dilatada carrera.
Alvin York, no daba permiso para rodar la cinta si su personaje no era interpretado por Gary Cooper el cual evoluciona su personaje, desde el granjero inicial, vital, enérgico, algo simple poco ilustrado, hasta el héroe militar en el que se convierte debido a su valor y entrega a la causa, defendiendo, como no puede ser de otra manera, la libertad americana.
Si bien, puede resultar una cinta algo blanda, en su tratamiento hacia el conflicto bélico, puesto que donde más incide es en los valores personales y no en el propio conflicto bélico, El sargento York es una película importante, amén de su resultado, sino como reflejo de la mentalidad de una época, así como un testimonio histórico de lo que pensaban muchos norteamericanos sobre la Gran Guerra o, pensarían después, influidos por esta cinta, rodada precisamente en plena segunda contienda.
Frase para recordar:
"York, ¿qué cree usted que buscaba Daniel Boon al adentrarse en esas tierras desconocidas? ¿buscaría nuevas tierras? ..Buscaba mucho más, algo que un hombre no puede ver con los ojos ni tocar con las manos, algo que algunos hombres no saben lo que vale hasta que lo pierden: la libertad, hermosa palabra, libertad. Yo creo que buscaba eso".
Título original: Sergeant York.
Director: Howard Hawks.
Intérpretes: Gary Cooper, Walter Brennan, George Tobias, Joan Leslie, Ward Bond, Margaret Wycherly, Stanley Ridges, Noah Beery Jr., Pat Flaherty.
El sargento York narra la verdadera historia de uno de los héroes nacionales americanos de la Primera Guerra Mundial en el bienio de 1916 a 1918, Alvin C. York. Un modesto granjero de Tennessee, algo bruto, con gran corazón y pacifista convencido y que se declara objetor de conciencia, el cual es obligado a alistarse en 1917. Tras leer la historia de su país, al final siente la necesidad de combatir para defender los ideales de su patria. Sin embargo, cuando regresó como triunfador del frente europeo, ya que fue héroe a pesar suyo, rechazaría los ofrecimientos que le hicieran para enriquecerse, y solo aceptó del Estado un terreno fértil para poderse casar.
Se trata de una película controvertida, debido al tono claramente propagandístico, pero que se entiende por el contexto sociopolítico en que fue realizada, muy poco antes de que los Estados Unidos entrasen en la contienda tras el ataque de Pearl Harbor.
Con un sólido guion, en el que intervinieron John Huston y el propio realizador, entre otros, basado en los diarios y la biografía de Alvin C. York, se reconstruyeron algunas de las principales batallas francesas, de forma realista y espectacular. Asimismo, constituyó la consagración de Gary Cooper como galán, obteniendo su primer Óscar por este trabajo.
Howard Hawks presenta un relato donde desmenuza la evolución de un hombre sencillo y puro, que cree poder hacerlo todo por sí mismo, pero que en el fondo cuenta con la ayuda de Dios para lograrlo, dada la religiosidad de York y su creencia de que no hay que matar a ningún ser humano. Entonces, ¿Cómo conciliarlo con el hecho de ser llamado a filas para ir a combatir contra los alemanes en el frente de Francia? Para ello se recurre a transformar la creencia de York en un discurso sobre la democracia de la mano de un oficial en el cuartel, con la ayuda de la figura de Daniel Boone y un libro sobre la historia de América. Un retrato en esencia muy americano, de ciudadano medio, al que la fe religiosa, por indeterminada que sea, anima para las grandes gestas.
Con una acumulación impecable de elementos técnicos necesarios para rodar las escenas de las batallas y con una interpretación extraordinaria, Howard Hawks consigue realizar un magnífico film de guerra. Así, el Reverendo Rosief Pile es encarnando por el magnífico Walter Brennan, un sólido actor con más de 200 interpretaciones, cincuenta años de carrera y ganador de tres premios Óscar, y que ha brillado con la misma intensidad que los protagonistas a los que acompañó a lo largo de su dilatada carrera.
Alvin York, no daba permiso para rodar la cinta si su personaje no era interpretado por Gary Cooper el cual evoluciona su personaje, desde el granjero inicial, vital, enérgico, algo simple poco ilustrado, hasta el héroe militar en el que se convierte debido a su valor y entrega a la causa, defendiendo, como no puede ser de otra manera, la libertad americana.
Si bien, puede resultar una cinta algo blanda, en su tratamiento hacia el conflicto bélico, puesto que donde más incide es en los valores personales y no en el propio conflicto bélico, El sargento York es una película importante, amén de su resultado, sino como reflejo de la mentalidad de una época, así como un testimonio histórico de lo que pensaban muchos norteamericanos sobre la Gran Guerra o, pensarían después, influidos por esta cinta, rodada precisamente en plena segunda contienda.
Frase para recordar:
"York, ¿qué cree usted que buscaba Daniel Boon al adentrarse en esas tierras desconocidas? ¿buscaría nuevas tierras? ..Buscaba mucho más, algo que un hombre no puede ver con los ojos ni tocar con las manos, algo que algunos hombres no saben lo que vale hasta que lo pierden: la libertad, hermosa palabra, libertad. Yo creo que buscaba eso".
Título original: Sergeant York.
Director: Howard Hawks.
Intérpretes: Gary Cooper, Walter Brennan, George Tobias, Joan Leslie, Ward Bond, Margaret Wycherly, Stanley Ridges, Noah Beery Jr., Pat Flaherty.
Fritz Lang realizaría con esta cinta su séptima película en lo que se denominó su segunda etapa cinematográfica, enmarcada dentro de Estados Unidos. Su experiencia acumulada durante años en Europa y principalmente en Alemania, le permitieron crear un estilo propio, el cual partiendo de un expresionismo técnico y formal, alberga un contenido muy crítico, fiel a su ética y reflejo de la época histórica que le tocó vivir. Fritz Lang mantuvo siempre unos férreos principios éticos, que no religiosos, pese a su educación católica, que lo empujaron durante toda su vida a señalar y a mostrar que el mal existe. Desde su perspectiva como cineasta siempre sintió la obligación de señalar dónde se esconde la maldad, de exponerla y denunciarla para que todos podamos verla y, consecuentemente, modificarla. "Los verdugos también mueren" fue estrenada en 1943, y aunque está englobada dentro de las películas antinazis producidas por Hollywood durante la Guerra, no es una cinta de mera propaganda política. Existe una dualidad ética que se extiende durante todo el metraje. La cinta que nos ocupa junto con "El hombre atrapado (1941)" y las posteriores: "El ministerio del miedo (1944)" y "Clandestino y caballero (1946)", cierran un bloque de temática explícita antinazis. Producida de manera independiente, el guión fue escrito por el propio Lang en colaboración con Bertolt Brecht y John Wexley. Brecht no apareció durante años en los créditos porque el gremio de guionistas le negaba el reconocimiento, a pesar del empeño de Wexley, quien gozaba por entonces de cierta reputación.
Reputación que no duró muchos años ya que, a comienzos de la siguiente década Wexley sería incluido en la "lista negra" por el Comité de Actividades Antiamericanas y la película etiquetada de subversiva, bajo la sospecha de contener diálogos considerados pro-comunistas, y no volvería a ser exhibida en los Estados Unidos hasta mediados de los 70. Partiendo de un acontecimiento histórico, como fue el asesinato de "El Verdugo", jefe del gobierno nazi de la Praga ocupada, el 27 de mayo de 1942, Lang crea una relato artístico que sirve además como denuncia de los ultrajes y abusos a los que se vio sometida la población Checa durante la ocupación alemana. El verdugo al que hace referencia el título fue un personaje del todo real, Reinhard Heydrich, uno de los hombres principales del aparato de Hitler, número 2 de las SS, quien estuvo a cargo de la ciudad de Praga durante la ocupación nazi sembrando el terror en la población, y fusilando sin piedad a miles de personas mientras la población autóctona carecía de los elementos más básicos para alimentarse o sobrevivir. Sobre este telón de fondo, con una ciudad abatida y sumida en la miseria, el film nos cuenta a modo de suspense, los intentos de la resistencia checa por ocultar la identidad del asesino de Heydrich, un miembro importante de la resistencia que consigue escapar con vida y que durante su huida involucra accidentalmente a la familia Novotny, que acabará tan implicada en el asunto como el resto de los ciudadanos, empeñados en proteger la identidad del buscado asesino. Se nos plantea así un relato en el que se establece un duelo de ingenios entre los ocupantes nazis y los miembros de la resistencia Checa.
Años más tarde se sabría que en realidad el tal Heydrich fue asesinado por un comando británico en 1942, pero cuando se rodó la película, en 1943, este hecho todavía no se conocía. Los alemanes habían fusilado a 1600 personas en Praga como represalia, por lo que el film es todo un homenaje en clave de reconocimiento de todo el pueblo Checo. Toda la cinta mantiene un duelo constante, ya sea íntimo, como dilema personal o colectivo, entre dos bandos enfrentados. El poder de los invasores ejercido desde la más cruda violencia, expuesta sin tapujos para crear el desconcierto, paranoia y en definitiva, el pánico entre la población que desean someter. Lang realiza un crudo y honrado retrato de la terrible vida de la población civil checa de la época. Apoyado por una puesta en escena que logra extraer de la historia insólitos rasgos de inquietante belleza, y gracias a los impactantes diálogos en boca de los protagonistas, logra una cinta tan espléndida como turbadora. Partiendo de esta intensa trama, Lang pone la herencia del expresionismo alemán y toda su sabiduría narrativa al servicio de una intriga perfectamente medida, en la que los dilemas morales asaltan a unos personajes profundamente humanos. Las luces y las sombras, la composición, la puesta en escena, el montaje y las principales interpretaciones completan una película excelente. El ritmo narrativo no concede tregua y va creciendo en intensidad hasta provocar auténtico miedo, casi claustrofobia. La excelente fotografía en blanco y negro, a cargo de James Wong Howe, a la que se suman sobrecogedores primeros planos, sombras alargadas que matizan los personajes más siniestros de la Gestapo y ángulos envolventes e imposibles que acentúan la atmósfera de miedo y opresión total bajo el nazismo, son el sello indiscutible del maestro del expresionismo. Entre el elenco destacan, fundamentalmente, las interpretaciones de Gene Lockhart como el traidor de la industria cervecera checa, Czaka, y Granach Alexander, dando vida al astuto, despiadado y calculador inspector de la Gestapo.
Anna Lee, como la hija del profesor Novotny, representa perfectamente la angustia y desconcierto que la invaden atrapada en una ola de miedo, con unos gestos más próximos al cine expresionista de Lang. Walter Brennan (el profesor Novotny), en un papel al que nos tiene acostumbrados, consigue transmitir de forma correcta la altura moral del personaje que representan, pero con un estilo más austero. El que resulta peor parado en su personaje es Brian Donlevy, que no consigue transmitir todos los matices que su personaje despliega, algo que pasa totalmente desapercibido en el contexto de la película gracias al excelente lenguaje visual de su director. El estilo geométrico de Lang se hace presente desde los primeros planos en la reunión nazi, donde se nos presenta al personaje histórico detonante de la trama. "El Verdugo" es descrito como un megalómano sin escrúpulos, que disfruta implantando y ejerciendo su poder sobre una población que considera inferior, negándose incluso a hablar el idioma del País donde reside, y donde su extrema suspicacia le conduce a ordenar fusilamientos masivos de la población sin el más mínimo remordimiento. Para su presentación en escena, Lang utiliza una geometría muy germánica, un pasillo perfectamente ordenado para que se pasee Heydrich, mientras todos le rinden pleitesía, Un gran planodetalle resaltando el cuadro de Hitler, su empeño en que todos lo traten como si de un emperador se tratara y su negativa a escuchar ninguna demanda de las necesidades del pueblo Checo, lo retratan como un auténtico Verdugo. Durante toda la cinta hay múltiples detalles visuales. Desde sus mismos inicios sorprendía por su inventiva y originalidad, como muestra el encadenado del coche de Heydrich al coche que espera al ejecutor del atentado.
Magnífica la escena por las calles de Praga durante la persecución dl mismo: los travellings y las panorámicas, crean un suspense excelente desde el arranque mismo del relato. Todo está perfectamente orquestado para describir la miseria de la población y el exceso de celo policial que los asfixia. Hay una escena particularmente brillante, cuando el autor del atentado, Dr. Franticek Svoboda / Karel Vanek, (Brian Donlevy) se esconde en un portal oscuro que divide la pantalla en dos partes: El exterior, la calle donde un batallón lo busca y el interior, en la otra mitad del plano donde el miembro de la resistencia se esconde tras la hoja de una puerta con la pistola en la mano. Como en cada una de las escenas, Lang mantendrá el suspense hasta el límite, y su resolución pasará a encadenar el acontecimiento siguiente. Otro brillante detalle visual será el reflejo de la chica en un charco de la calle que mira él, Karel Vanek, nuestro protagonista tras librarse graciasa ella (Anna Lee) del ejército que lo persigue. Una mirada indirecta a través de un chaco que anticipa su relación de ocultaciones y engaños con la chica para lograr un objetivo común . El ritmo y el sentido narrativo de Lang es excelente, una tensión constante acapara todas las escenas del film. Cada escena, cada plano consiguen alcanzar el borde de la crispación. Como ya he comentado en otra ocasión, Lang no era partidario de mostrar la violencia explícita en sus películas, ya que la consideraba de mal gusto. Otra cualidad más que le hace valerse de su ingenio para que tengamos la misma sensación que si hubiéramos visto las ejecuciones o las torturas. Con diferentes elipsis, juego de sombras o fuera de plano, el terror está servido. Sabe proyectar en la pantalla magistralmente el miedo y desconfianza que sentían todos y cada uno de los personajes del entramado, de la vida de unos personajes en una ciudad sometida. Desde la señora del puesto de verduras, pasando por el conductor de un carruaje hasta los militantes de la resistencia, todos despliegan un abanico de cualidades y son puestos a prueba para demostrar su valor. Y ese parece ser el principal objetivo del film, mostrar la violencia impune de los gobernantes frente a una población que se debate entre contradicciones humanas como la delación bajo tortura, el pánico, la paranoia o mantener la rebeldía más allá de sus propias vidas.
Título original: Hangmen Also Die!
Director: Fritz Lang.
Intérpretes: Brian
Donlevy, Anna
Lee, Walter
Brennan, Gene
Lockhart, Dennis
O'Keefe, Alexander
Granach.
Fritz Lang realizaría con esta cinta su séptima película en lo que se denominó su segunda etapa cinematográfica, enmarcada dentro de Estados Unidos. Su experiencia acumulada durante años en Europa y principalmente en Alemania, le permitieron crear un estilo propio, el cual partiendo de un expresionismo técnico y formal, alberga un contenido muy crítico, fiel a su ética y reflejo de la época histórica que le tocó vivir. Fritz Lang mantuvo siempre unos férreos principios éticos, que no religiosos, pese a su educación católica, que lo empujaron durante toda su vida a señalar y a mostrar que el mal existe. Desde su perspectiva como cineasta siempre sintió la obligación de señalar dónde se esconde la maldad, de exponerla y denunciarla para que todos podamos verla y, consecuentemente, modificarla. "Los verdugos también mueren" fue estrenada en 1943, y aunque está englobada dentro de las películas antinazis producidas por Hollywood durante la Guerra, no es una cinta de mera propaganda política. Existe una dualidad ética que se extiende durante todo el metraje. La cinta que nos ocupa junto con "El hombre atrapado (1941)" y las posteriores: "El ministerio del miedo (1944)" y "Clandestino y caballero (1946)", cierran un bloque de temática explícita antinazis. Producida de manera independiente, el guión fue escrito por el propio Lang en colaboración con Bertolt Brecht y John Wexley. Brecht no apareció durante años en los créditos porque el gremio de guionistas le negaba el reconocimiento, a pesar del empeño de Wexley, quien gozaba por entonces de cierta reputación.
Reputación que no duró muchos años ya que, a comienzos de la siguiente década Wexley sería incluido en la "lista negra" por el Comité de Actividades Antiamericanas y la película etiquetada de subversiva, bajo la sospecha de contener diálogos considerados pro-comunistas, y no volvería a ser exhibida en los Estados Unidos hasta mediados de los 70. Partiendo de un acontecimiento histórico, como fue el asesinato de "El Verdugo", jefe del gobierno nazi de la Praga ocupada, el 27 de mayo de 1942, Lang crea una relato artístico que sirve además como denuncia de los ultrajes y abusos a los que se vio sometida la población Checa durante la ocupación alemana. El verdugo al que hace referencia el título fue un personaje del todo real, Reinhard Heydrich, uno de los hombres principales del aparato de Hitler, número 2 de las SS, quien estuvo a cargo de la ciudad de Praga durante la ocupación nazi sembrando el terror en la población, y fusilando sin piedad a miles de personas mientras la población autóctona carecía de los elementos más básicos para alimentarse o sobrevivir. Sobre este telón de fondo, con una ciudad abatida y sumida en la miseria, el film nos cuenta a modo de suspense, los intentos de la resistencia checa por ocultar la identidad del asesino de Heydrich, un miembro importante de la resistencia que consigue escapar con vida y que durante su huida involucra accidentalmente a la familia Novotny, que acabará tan implicada en el asunto como el resto de los ciudadanos, empeñados en proteger la identidad del buscado asesino. Se nos plantea así un relato en el que se establece un duelo de ingenios entre los ocupantes nazis y los miembros de la resistencia Checa.
Años más tarde se sabría que en realidad el tal Heydrich fue asesinado por un comando británico en 1942, pero cuando se rodó la película, en 1943, este hecho todavía no se conocía. Los alemanes habían fusilado a 1600 personas en Praga como represalia, por lo que el film es todo un homenaje en clave de reconocimiento de todo el pueblo Checo. Toda la cinta mantiene un duelo constante, ya sea íntimo, como dilema personal o colectivo, entre dos bandos enfrentados. El poder de los invasores ejercido desde la más cruda violencia, expuesta sin tapujos para crear el desconcierto, paranoia y en definitiva, el pánico entre la población que desean someter. Lang realiza un crudo y honrado retrato de la terrible vida de la población civil checa de la época. Apoyado por una puesta en escena que logra extraer de la historia insólitos rasgos de inquietante belleza, y gracias a los impactantes diálogos en boca de los protagonistas, logra una cinta tan espléndida como turbadora. Partiendo de esta intensa trama, Lang pone la herencia del expresionismo alemán y toda su sabiduría narrativa al servicio de una intriga perfectamente medida, en la que los dilemas morales asaltan a unos personajes profundamente humanos. Las luces y las sombras, la composición, la puesta en escena, el montaje y las principales interpretaciones completan una película excelente. El ritmo narrativo no concede tregua y va creciendo en intensidad hasta provocar auténtico miedo, casi claustrofobia. La excelente fotografía en blanco y negro, a cargo de James Wong Howe, a la que se suman sobrecogedores primeros planos, sombras alargadas que matizan los personajes más siniestros de la Gestapo y ángulos envolventes e imposibles que acentúan la atmósfera de miedo y opresión total bajo el nazismo, son el sello indiscutible del maestro del expresionismo. Entre el elenco destacan, fundamentalmente, las interpretaciones de Gene Lockhart como el traidor de la industria cervecera checa, Czaka, y Granach Alexander, dando vida al astuto, despiadado y calculador inspector de la Gestapo.
Anna Lee, como la hija del profesor Novotny, representa perfectamente la angustia y desconcierto que la invaden atrapada en una ola de miedo, con unos gestos más próximos al cine expresionista de Lang. Walter Brennan (el profesor Novotny), en un papel al que nos tiene acostumbrados, consigue transmitir de forma correcta la altura moral del personaje que representan, pero con un estilo más austero. El que resulta peor parado en su personaje es Brian Donlevy, que no consigue transmitir todos los matices que su personaje despliega, algo que pasa totalmente desapercibido en el contexto de la película gracias al excelente lenguaje visual de su director. El estilo geométrico de Lang se hace presente desde los primeros planos en la reunión nazi, donde se nos presenta al personaje histórico detonante de la trama. "El Verdugo" es descrito como un megalómano sin escrúpulos, que disfruta implantando y ejerciendo su poder sobre una población que considera inferior, negándose incluso a hablar el idioma del País donde reside, y donde su extrema suspicacia le conduce a ordenar fusilamientos masivos de la población sin el más mínimo remordimiento. Para su presentación en escena, Lang utiliza una geometría muy germánica, un pasillo perfectamente ordenado para que se pasee Heydrich, mientras todos le rinden pleitesía, Un gran planodetalle resaltando el cuadro de Hitler, su empeño en que todos lo traten como si de un emperador se tratara y su negativa a escuchar ninguna demanda de las necesidades del pueblo Checo, lo retratan como un auténtico Verdugo. Durante toda la cinta hay múltiples detalles visuales. Desde sus mismos inicios sorprendía por su inventiva y originalidad, como muestra el encadenado del coche de Heydrich al coche que espera al ejecutor del atentado.
Magnífica la escena por las calles de Praga durante la persecución dl mismo: los travellings y las panorámicas, crean un suspense excelente desde el arranque mismo del relato. Todo está perfectamente orquestado para describir la miseria de la población y el exceso de celo policial que los asfixia. Hay una escena particularmente brillante, cuando el autor del atentado, Dr. Franticek Svoboda / Karel Vanek, (Brian Donlevy) se esconde en un portal oscuro que divide la pantalla en dos partes: El exterior, la calle donde un batallón lo busca y el interior, en la otra mitad del plano donde el miembro de la resistencia se esconde tras la hoja de una puerta con la pistola en la mano. Como en cada una de las escenas, Lang mantendrá el suspense hasta el límite, y su resolución pasará a encadenar el acontecimiento siguiente. Otro brillante detalle visual será el reflejo de la chica en un charco de la calle que mira él, Karel Vanek, nuestro protagonista tras librarse graciasa ella (Anna Lee) del ejército que lo persigue. Una mirada indirecta a través de un chaco que anticipa su relación de ocultaciones y engaños con la chica para lograr un objetivo común . El ritmo y el sentido narrativo de Lang es excelente, una tensión constante acapara todas las escenas del film. Cada escena, cada plano consiguen alcanzar el borde de la crispación. Como ya he comentado en otra ocasión, Lang no era partidario de mostrar la violencia explícita en sus películas, ya que la consideraba de mal gusto. Otra cualidad más que le hace valerse de su ingenio para que tengamos la misma sensación que si hubiéramos visto las ejecuciones o las torturas. Con diferentes elipsis, juego de sombras o fuera de plano, el terror está servido. Sabe proyectar en la pantalla magistralmente el miedo y desconfianza que sentían todos y cada uno de los personajes del entramado, de la vida de unos personajes en una ciudad sometida. Desde la señora del puesto de verduras, pasando por el conductor de un carruaje hasta los militantes de la resistencia, todos despliegan un abanico de cualidades y son puestos a prueba para demostrar su valor. Y ese parece ser el principal objetivo del film, mostrar la violencia impune de los gobernantes frente a una población que se debate entre contradicciones humanas como la delación bajo tortura, el pánico, la paranoia o mantener la rebeldía más allá de sus propias vidas.
Título original: Hangmen Also Die!
Director: Fritz Lang.
Intérpretes: Brian
Donlevy, Anna
Lee, Walter
Brennan, Gene
Lockhart, Dennis
O'Keefe, Alexander
Granach.
Producida por Joseph Leo
Mankiewicz, que en esa época era guionista de la Metro con guión de Norman
Krasna, Barlett Cormack y Fritz Lang, Fury está basada en un
hecho real de secuestro y asesinato con posterior linchamiento en el norte de
California en el que perecieron dos hombres en 1933 sin la intervención de las
autoridades, dado que las elecciones estaban próximas. Fury fue el primer film americano
de los veintidós que rodó el gran director alemán Fritz Lang en Hollywood, tras su
llegada a los EEUU, huyendo del terror nazi, hasta 1958 donde volvió a Alemania
a retomar su antigua filmografía. Así, el director tenía que adaptarse a las
exigencias del estilo hollywoodiense, ya que en un inicio Lang pretendía que el
protagonista fuera un abogado, pero el estudio y la productora encabezada por
Mankiewicz se negaron a ello, convenciéndolo de lo contrario, puesto que
pensaban que un honrado abogado americano que era capaz de elaborar una
venganza tan fría y calculada, no podía representar de ningún modo al modelo de
sociedad norteamericana establecido. Todo ello, intentando no perder ni
renunciar, por ello, a la esencia de su cine. Lang, que junto a Murnau, fue el
máximo representante del expresionismo alemán, con la historia de un hombre en
un lugar equivocado en un momento equivocado, el de un inocente (Spencer
Tracy), encarcelado y acusado de un secuestro en una pequeña localidad de los
Estados Unidos y asaltado por la jauría humana para lincharlo, vuelve sobre sus
condiciones preferidas, las cuales siempre están presentes en su cine, tales
como la culpa, la condición humana, el bien y el mal o, la venganza.
Wilson,
una vez dado por muerto, dedicará todos sus esfuerzos a elaborar una compleja y
metódica venganza, con la ayuda de sus hermanos contra la veintena de
ciudadanos que se erigieron como cabecillas de la turba, gente diversa, de
todas las edades y condición, utilizando como medio, los Tribunales y
contraponiendo la idea de la venganza a la de la justicia y la fina línea que
las separa : -"Cuando una multitud se toma la atribución de identificar,
juzgar, condenar y ajusticiar, destruye un gobierno que muchos, muchos
patriotas, han muerto por establecer y defender… la nación americana y su
sistema de libertad de derechos individuales es lo que se está juzgando." Junto a Tracy, brillante como
siempre, y aquí, espectacular su transformación personal, y bajada a los
infiernos, ayudado por un excelente trabajo de iluminación y fotografía
expresionista de Joseph Ruttenberg, que convierte al ciudadano americano
perfecto, que encarna Wilson, trabajador, dueño de una recta moral, y enamorado
de su dulce novia, en un temible Maquiavelo, que disfruta con el sabor de su
venganza, le secundan Silvia Sydney, interpretando a la novia, la cual lo cree
muerto, o el siempre solvente y necesario Walter Brennan, como ayudante del
sheriff. Así, Fury, supone uno de los
mejores y más duros retratos sobre la sociedad estadounidense que se hayan
visto jamás. No es de extrañar, pues, que levantara ampollas y recelos entre
las capas más rancias y conservadoras del país.
Título original: Fury.
Director: Fritz Lang.
Intérpretes: Spencer
Tracy, Sylvia
Sidney, Walter
Abel, Bruce
Cabot, Edward
Ellis, Walter
Brennan.
Producida por Joseph Leo
Mankiewicz, que en esa época era guionista de la Metro con guión de Norman
Krasna, Barlett Cormack y Fritz Lang, Fury está basada en un
hecho real de secuestro y asesinato con posterior linchamiento en el norte de
California en el que perecieron dos hombres en 1933 sin la intervención de las
autoridades, dado que las elecciones estaban próximas. Fury fue el primer film americano
de los veintidós que rodó el gran director alemán Fritz Lang en Hollywood, tras su
llegada a los EEUU, huyendo del terror nazi, hasta 1958 donde volvió a Alemania
a retomar su antigua filmografía. Así, el director tenía que adaptarse a las
exigencias del estilo hollywoodiense, ya que en un inicio Lang pretendía que el
protagonista fuera un abogado, pero el estudio y la productora encabezada por
Mankiewicz se negaron a ello, convenciéndolo de lo contrario, puesto que
pensaban que un honrado abogado americano que era capaz de elaborar una
venganza tan fría y calculada, no podía representar de ningún modo al modelo de
sociedad norteamericana establecido. Todo ello, intentando no perder ni
renunciar, por ello, a la esencia de su cine. Lang, que junto a Murnau, fue el
máximo representante del expresionismo alemán, con la historia de un hombre en
un lugar equivocado en un momento equivocado, el de un inocente (Spencer
Tracy), encarcelado y acusado de un secuestro en una pequeña localidad de los
Estados Unidos y asaltado por la jauría humana para lincharlo, vuelve sobre sus
condiciones preferidas, las cuales siempre están presentes en su cine, tales
como la culpa, la condición humana, el bien y el mal o, la venganza.
Wilson,
una vez dado por muerto, dedicará todos sus esfuerzos a elaborar una compleja y
metódica venganza, con la ayuda de sus hermanos contra la veintena de
ciudadanos que se erigieron como cabecillas de la turba, gente diversa, de
todas las edades y condición, utilizando como medio, los Tribunales y
contraponiendo la idea de la venganza a la de la justicia y la fina línea que
las separa : -"Cuando una multitud se toma la atribución de identificar,
juzgar, condenar y ajusticiar, destruye un gobierno que muchos, muchos
patriotas, han muerto por establecer y defender… la nación americana y su
sistema de libertad de derechos individuales es lo que se está juzgando." Junto a Tracy, brillante como
siempre, y aquí, espectacular su transformación personal, y bajada a los
infiernos, ayudado por un excelente trabajo de iluminación y fotografía
expresionista de Joseph Ruttenberg, que convierte al ciudadano americano
perfecto, que encarna Wilson, trabajador, dueño de una recta moral, y enamorado
de su dulce novia, en un temible Maquiavelo, que disfruta con el sabor de su
venganza, le secundan Silvia Sydney, interpretando a la novia, la cual lo cree
muerto, o el siempre solvente y necesario Walter Brennan, como ayudante del
sheriff. Así, Fury, supone uno de los
mejores y más duros retratos sobre la sociedad estadounidense que se hayan
visto jamás. No es de extrañar, pues, que levantara ampollas y recelos entre
las capas más rancias y conservadoras del país.
Título original: Fury.
Director: Fritz Lang.
Intérpretes: Spencer
Tracy, Sylvia
Sidney, Walter
Abel, Bruce
Cabot, Edward
Ellis, Walter
Brennan.
Si tenemos en cuenta que Tener y
no tener está basada en la peor novela de Ernest Hemingway, según afirmaba el
propio Hemingway , con guión del Premio Nobel William Faulkner, la fotografía
en blanco y negro de ''Sid Hickox" creando una atmósfera de unos bellos
claroscuros, dirigida por Hawks, interpretada por Humphrey Bogart, Lauren
Bacall y Walter Brennan, solo podría dar como resultado esta maravillosa cinta
que es Tener y no tener, la cual, ironías de la vida, se realizó como resultado
de una apuesta entre Hawks y Hemingway. Dos años después del estreno de "Casablanca (1942)" Bogart interpreta a Harry Morgan, un tipo americano que
reside en la colonia francesa de Martinica sometida al régimen de Vichy y con
absoluto desinterés por la política. Se gana la vida alquilando el barco que
posee, transportando mercancías, ayudado por su amigo borrachín, Eddie que va
preguntando a todo el mundo si alguna vez les ha picado una abeja muerta. El
negocio no va muy bien, como consecuencia de la guerra. Harry se verá obligado
a comprometerse y a utilizar su barco como transporte para facilitar la huida a
través del mar a un matrimonio que colabora para la causa aliada. Harry tiene
bastantes similitudes con el Rick de Casablanca, ambos están solos, poseen una
moral dudosa, ambos residen en un país extranjero con el transcurso de la
guerra como telón de fondo. Pero Tener y no tener tiene un desenlace más
optimista, más romántico, si cabe.
Los protagonistas de ambas, aunque son
igualmente dos almas solitarias, tipos duros con almas sensibles pero que,
irremediablemente necesitan de la salvación ajena, aquí, no deberán renunciar a
su amor en post de la causa, sino que disfrutarán de un final feliz. Y lo hace
por Slim, una intrépida mujer, independiente, osada, comprometida, directa y
nada sutil. Tener y no tener fue su primera película juntos. Hawks había
descubierto a una joven Bacall de diecinueve años a través de una portada de
una revista de moda. La flaca enamoró a Harry en la ficción y en la vida real
hasta la muerte de Bogart. Quizá el mayor logro de la cinta, además de la
excelente adaptación del guión por parte de Faulkner y la magistral dirección
de actores por parte de Hawks, al convertir Tener y no tener en una rara mezcla
de cine romántico, negro, bélico o de aventuras, es la potente química que
desprendía la pareja formada por Bogart y Bacall. Sus brillantes y rápidos
diálogos, sus miradas llenas de intención y envueltos en una pausada tensión
sexual y descarada sensualidad por parte de ambos, serían una constante en la
pareja para nuestro deleite. Todos tenemos en la memoria la escena en la
que una insinuante Slim con la voz ronca característica de la Bacall le dice a Harry: "Si
me necesitas, solo tienes que silbar. ¿Sabes silbar no, Steve?, ya sabes…juntas
los labios y soplas.".
Si tenemos en cuenta que Tener y
no tener está basada en la peor novela de Ernest Hemingway, según afirmaba el
propio Hemingway , con guión del Premio Nobel William Faulkner, la fotografía
en blanco y negro de ''Sid Hickox" creando una atmósfera de unos bellos
claroscuros, dirigida por Hawks, interpretada por Humphrey Bogart, Lauren
Bacall y Walter Brennan, solo podría dar como resultado esta maravillosa cinta
que es Tener y no tener, la cual, ironías de la vida, se realizó como resultado
de una apuesta entre Hawks y Hemingway. Dos años después del estreno de "Casablanca (1942)" Bogart interpreta a Harry Morgan, un tipo americano que
reside en la colonia francesa de Martinica sometida al régimen de Vichy y con
absoluto desinterés por la política. Se gana la vida alquilando el barco que
posee, transportando mercancías, ayudado por su amigo borrachín, Eddie que va
preguntando a todo el mundo si alguna vez les ha picado una abeja muerta. El
negocio no va muy bien, como consecuencia de la guerra. Harry se verá obligado
a comprometerse y a utilizar su barco como transporte para facilitar la huida a
través del mar a un matrimonio que colabora para la causa aliada. Harry tiene
bastantes similitudes con el Rick de Casablanca, ambos están solos, poseen una
moral dudosa, ambos residen en un país extranjero con el transcurso de la
guerra como telón de fondo. Pero Tener y no tener tiene un desenlace más
optimista, más romántico, si cabe.
Los protagonistas de ambas, aunque son
igualmente dos almas solitarias, tipos duros con almas sensibles pero que,
irremediablemente necesitan de la salvación ajena, aquí, no deberán renunciar a
su amor en post de la causa, sino que disfrutarán de un final feliz. Y lo hace
por Slim, una intrépida mujer, independiente, osada, comprometida, directa y
nada sutil. Tener y no tener fue su primera película juntos. Hawks había
descubierto a una joven Bacall de diecinueve años a través de una portada de
una revista de moda. La flaca enamoró a Harry en la ficción y en la vida real
hasta la muerte de Bogart. Quizá el mayor logro de la cinta, además de la
excelente adaptación del guión por parte de Faulkner y la magistral dirección
de actores por parte de Hawks, al convertir Tener y no tener en una rara mezcla
de cine romántico, negro, bélico o de aventuras, es la potente química que
desprendía la pareja formada por Bogart y Bacall. Sus brillantes y rápidos
diálogos, sus miradas llenas de intención y envueltos en una pausada tensión
sexual y descarada sensualidad por parte de ambos, serían una constante en la
pareja para nuestro deleite. Todos tenemos en la memoria la escena en la
que una insinuante Slim con la voz ronca característica de la Bacall le dice a Harry: "Si
me necesitas, solo tienes que silbar. ¿Sabes silbar no, Steve?, ya sabes…juntas
los labios y soplas.".
No fue el menor de los logros de
Howard Hawks haber conseguido una actuación magnífica de John Wayne. El
mismísimo John Ford dijo después de verla: "nunca hubiera imaginado que el gran
hijo de perra supiera actuar!" en esta película que trata de una conducción de
ganado a mediados del siglo XIX, a lo largo de la cañada de Chisholm,
recientemente abierta; una empresa amenazada por las estampidas, los tiroteos,
los ataques de los indios y el conflicto entre Tom Dunson (John Wayne) y su hijo
adoptivo Matthew Garth (Montgomery Clift). Ambos conducen su ganado de Texas a
Missouri. La tiranía y el despotismo de Dunson, así como el ataque indio, harán
que Garth se rebele y tome decisiones contrarias a él. La rivalidad masculina
surgirá entre ambos. Fotografiada por Rusell Harlan y con Dimitri Tiomkin al
frente de la banda sonora basada en canciones folk, Hawks nos regala unas
bellas secuencias en la conducción de las reses y estampidas, así como la
belleza de los paisajes naturales, nada envidiables a los de Ford. Rio Rojo,
basado en un relato de Borden Chase titulado "The Chisholm Trail", es drama
clásico de jinetes, una celebración de los instintos pioneros de América, y de
las reacciones de los hombres ante el peligro y las penalidades. Hawks aportó a
los westerns que dirigió, además de su calidad incuestionable, un romanticismo
duro que, en ninguno de ellos se aprecia más que en éste.
El espíritu de la
frontera y la terrible dureza de una larga conducción de ganado, contextuada en
la depresión económica tras la Guerra de Secesión, con sus efectos sobre los
nervios y sobre el humor de sus participantes, están evocados espléndidamente,
como también lo están el machismo y la rivalidad masculina (la madurez contra
la juventud, la experiencia contra la rebeldía) entre el duro Wayne,
interpretando a un personaje de bastante más edad que la suya. El reparto no
puedo ser más acertado con el siempre solvente y necesario, aquí desdentado,
Walter Brennan; John Ireland (Cherry) y, el tenso y meditabundo Clift quién
rechazó un papel en Río Bravo(1959), que lo hubiese reunido de
nuevo con John Wayne y Walter Brennan. En su lugar el personaje fue
interpretado por Dean Martin. Amén de las secuencias de las reses ya
comentadas, el diálogo entre Cherry y Matt intercambiado sus armas y de
contenido homosexual encubierto, dio mucho que hablar.
Cherry: "Es una pistola muy
bonita esa que llevas, ¿puedo verla?.. Matt se detiene y se gira,
mirándolo extrañado de su proposición, se rasca el lateral de la nariz, mete la
mano en la funda y saca el arma, dándosela en la mano). Tal vez quieras ver la
mía. Cherry intercambia su arma. Matt no presta atención a la pistola de su
compañero, pero él alaba el revólver del primero.)"
- "Bonita, terriblemente
bonita... Solo hay dos cosas más bonitas que un arma: un reloj suizo o una
mujer de cualquier lugar... ¿Alguna vez has tenido un buen reloj suizo?”
pregunta el vaquero sonriendo de manera picaresca, pues cree conocer la
respuesta. Matt no contesta, y a cambio, propone una demostración de tiros
sobre una lata vacía en el terreno. Ambos elogian su puntería reconociéndose
sus posibilidades."
Título original: Red river.
Director; Howard Hawks.
Intérpretes: John
Wayne, Montgomery
Clift, Walter
Brennan, Joanne
Dru, John
Ireland, Coleen
Gray, Harry
Carey.
No fue el menor de los logros de
Howard Hawks haber conseguido una actuación magnífica de John Wayne. El
mismísimo John Ford dijo después de verla: "nunca hubiera imaginado que el gran
hijo de perra supiera actuar!" en esta película que trata de una conducción de
ganado a mediados del siglo XIX, a lo largo de la cañada de Chisholm,
recientemente abierta; una empresa amenazada por las estampidas, los tiroteos,
los ataques de los indios y el conflicto entre Tom Dunson (John Wayne) y su hijo
adoptivo Matthew Garth (Montgomery Clift). Ambos conducen su ganado de Texas a
Missouri. La tiranía y el despotismo de Dunson, así como el ataque indio, harán
que Garth se rebele y tome decisiones contrarias a él. La rivalidad masculina
surgirá entre ambos. Fotografiada por Rusell Harlan y con Dimitri Tiomkin al
frente de la banda sonora basada en canciones folk, Hawks nos regala unas
bellas secuencias en la conducción de las reses y estampidas, así como la
belleza de los paisajes naturales, nada envidiables a los de Ford. Rio Rojo,
basado en un relato de Borden Chase titulado "The Chisholm Trail", es drama
clásico de jinetes, una celebración de los instintos pioneros de América, y de
las reacciones de los hombres ante el peligro y las penalidades. Hawks aportó a
los westerns que dirigió, además de su calidad incuestionable, un romanticismo
duro que, en ninguno de ellos se aprecia más que en éste.
El espíritu de la
frontera y la terrible dureza de una larga conducción de ganado, contextuada en
la depresión económica tras la Guerra de Secesión, con sus efectos sobre los
nervios y sobre el humor de sus participantes, están evocados espléndidamente,
como también lo están el machismo y la rivalidad masculina (la madurez contra
la juventud, la experiencia contra la rebeldía) entre el duro Wayne,
interpretando a un personaje de bastante más edad que la suya. El reparto no
puedo ser más acertado con el siempre solvente y necesario, aquí desdentado,
Walter Brennan; John Ireland (Cherry) y, el tenso y meditabundo Clift quién
rechazó un papel en Río Bravo(1959), que lo hubiese reunido de
nuevo con John Wayne y Walter Brennan. En su lugar el personaje fue
interpretado por Dean Martin. Amén de las secuencias de las reses ya
comentadas, el diálogo entre Cherry y Matt intercambiado sus armas y de
contenido homosexual encubierto, dio mucho que hablar.
Cherry: "Es una pistola muy
bonita esa que llevas, ¿puedo verla?.. Matt se detiene y se gira,
mirándolo extrañado de su proposición, se rasca el lateral de la nariz, mete la
mano en la funda y saca el arma, dándosela en la mano). Tal vez quieras ver la
mía. Cherry intercambia su arma. Matt no presta atención a la pistola de su
compañero, pero él alaba el revólver del primero.)"
- "Bonita, terriblemente
bonita... Solo hay dos cosas más bonitas que un arma: un reloj suizo o una
mujer de cualquier lugar... ¿Alguna vez has tenido un buen reloj suizo?”
pregunta el vaquero sonriendo de manera picaresca, pues cree conocer la
respuesta. Matt no contesta, y a cambio, propone una demostración de tiros
sobre una lata vacía en el terreno. Ambos elogian su puntería reconociéndose
sus posibilidades."
Título original: Red river.
Director; Howard Hawks.
Intérpretes: John
Wayne, Montgomery
Clift, Walter
Brennan, Joanne
Dru, John
Ireland, Coleen
Gray, Harry
Carey.
Con un bajo presupuesto y un sencillo pero eficaz guión el cineasta Raoul Walsh (uno de los fundadores de la academia de artes y ciencias cinematográficas y realizador de títulos tan destacables como "Murieron con las botas puestas (1941)" o "Al rojo vivo (1949)" dirigiría este interesante y entretenido trabajo que no defraudaría a los aficionado del cine de Oeste. Esta historia de venganzas, redenciones y traiciones pondría a Kirk Douglas como el atormentado sheriff Len Merrick, un agente federal que marcado por sus inamovibles valores sobre la ley y afligido por la muerte de su padre custodiara a un acusado de asesinato (papel interpretado por Walter Brennan, uno de esos secundarios de lujo que nos ha regalado la historia del séptimo arte donde siendo ganador en tres ocasiones del premio óscar dejaría para los amantes del celuloide magnificas interpretaciones en obras como "El sargento York (1942)" o "Río Bravo (1959)") al pueblo de Santa Loma donde será juzgado legalmente mientras es perseguido por un grupo de ganaderos sedientos de venganza. Dentro de un reparto cargado de rostros masculinos se destacaría la guapa Virginia Mayo que después de compartir aventuras medievales junto a Burt Lancaster en "El halcón y la flecha (1950)" se pondría en esta ocasión en la piel de la valiente Anne Keith, hija del acusado y participe se sacar el lado más sentimental del sheriff Len Merrick. Destacable la fotografía de Sid Hickox ("Tener y no tener (1944)") que hace de los paisajes exteriores un elemento atractivo en el desarrollo del film, especialmente en las escenas realizadas en el desierto. Como curiosidad este sería el primer western de Kirk Douglas para luego continuar en títulos como "Duelo de titanes (1957)", "El último atardecer (1961)" o "El día de los tramposos (1970)" de Joseph L. Mankiewicz.
Frase para recordar: " - ¡Es nuevo en este territorio! - Yo si, la ley no."
Título original: Along the great divide.
Director: Raoul Walsh
Intérpretes: Kirk Douglas, Walter Brennan, Virginia Mayo.
Con un bajo presupuesto y un sencillo pero eficaz guión el cineasta Raoul Walsh (uno de los fundadores de la academia de artes y ciencias cinematográficas y realizador de títulos tan destacables como "Murieron con las botas puestas (1941)" o "Al rojo vivo (1949)" dirigiría este interesante y entretenido trabajo que no defraudaría a los aficionado del cine de Oeste. Esta historia de venganzas, redenciones y traiciones pondría a Kirk Douglas como el atormentado sheriff Len Merrick, un agente federal que marcado por sus inamovibles valores sobre la ley y afligido por la muerte de su padre custodiara a un acusado de asesinato (papel interpretado por Walter Brennan, uno de esos secundarios de lujo que nos ha regalado la historia del séptimo arte donde siendo ganador en tres ocasiones del premio óscar dejaría para los amantes del celuloide magnificas interpretaciones en obras como "El sargento York (1942)" o "Río Bravo (1959)") al pueblo de Santa Loma donde será juzgado legalmente mientras es perseguido por un grupo de ganaderos sedientos de venganza. Dentro de un reparto cargado de rostros masculinos se destacaría la guapa Virginia Mayo que después de compartir aventuras medievales junto a Burt Lancaster en "El halcón y la flecha (1950)" se pondría en esta ocasión en la piel de la valiente Anne Keith, hija del acusado y participe se sacar el lado más sentimental del sheriff Len Merrick. Destacable la fotografía de Sid Hickox ("Tener y no tener (1944)") que hace de los paisajes exteriores un elemento atractivo en el desarrollo del film, especialmente en las escenas realizadas en el desierto. Como curiosidad este sería el primer western de Kirk Douglas para luego continuar en títulos como "Duelo de titanes (1957)", "El último atardecer (1961)" o "El día de los tramposos (1970)" de Joseph L. Mankiewicz.
Frase para recordar: " - ¡Es nuevo en este territorio! - Yo si, la ley no."
Título original: Along the great divide.
Director: Raoul Walsh
Intérpretes: Kirk Douglas, Walter Brennan, Virginia Mayo.
