EL CAMPEÓN (1931). Boxeo y superación personal.

El ex campeón de los pesos pesados, Andy "Campeón" Purcell es ahora un alcohólico, que vive sus horas más bajas esperando un combate en Tijuana. Su único apoyo es su hijo, Dinkm que todavía cree que su padre es el gran campeón de antaño. Para no defraudarle, Andy decide boxear contra un oponente muy superior, logrando vencerle pero con trágico final para aquél debido a los golpes recibidos. Así, la admiración y el amor que Dink profesa a su padre, permanecerá siempre en su memoria.

King Vidor y los actores Jackie Cooper y Wallace Berey ya habían alcanzado gran renombre internacional durante la época del cine mudo. El director con su obra sobre la vida en una pequeña ciudad, "Y el mundo marcha (1928)"; Barry siendo el protagonista de una popular serie de comedias de la serie Out gang durante los años 20; y Jackie Cooper acompañando a Charles Chaplin en su joya "El chico (1920)". Así, no es de extrañar que sus nombres fuesen un importante reclamo en este potente, emotivo y tierno drama sobre lo que un padre es capaz de hacer por su hijo.

Con guión de Frances Marion y con todos los ingredientes clásicos de una tragedia que llega al corazón de los espectadores con un ritmo perfecto; la cinta narra problemas generacionales, alcoholismo, destrucción de la familia y la búsqueda de una última oportunidad para resarcirse de todos los fracasos y errores cometidos en la vida; pero también es la historia de una relación paterno-filial maravillosa y envidiable llena de inmenso amor mutuo, así como un ejemplo de superación personal. El trágico final que sucede ante los ojos del niño, causó un gran impacto desde el 21 de noviembre de 1931, fecha de su estreno, en los espectadores de la época, provocando irreprimibles ríos de lágrimas en ello.

Por su espléndido trabajo, el actor lograría un Óscar, aunque no sin cierta polémica. Y es que, durante la ceremonia, Fredric March ya había ganado una estatuilla como mejor actor por "El hombre y el monstruo" cuando se descubrió que Beery había perdido por un solo voto lo que, según las reglas de la Academia, significaba un empate técnico entre los dos actores. Aunque encontraron por allí otro Óscar para entregárselo a Beery, la prensa reflejó el hecho como una auténtica chapuza. Por la cinta Vidor fue nominado como mejor director, y Frances Marion lo ganó al mejor guión original.

Con este mismo argumento, el de un padre que, por satisfacer a su hijo decide regresar al mundo del espectáculo, sería transformado en tragicomedia con "The clow", dirigida por Robert Z. Leonard (1952); mientras que un auténtico remake fue "Campeón (1979)" de Franco Zeffirelli con Jon Voight y Faye Dunaway con el niño prodigio Ricky Schroeder.

Mientras Hollywood iniciaba el film sonoro y consolidaba el cine de géneros y el star-system, con lo que pronto comenzaría la llamada edad dorada de la Meca del Cine. Vidor, uno de los pioneros y maestros del cine americano y exponente del cine social de su país, ya anunció con la magistral "Y el mundo marcha", el crack del 29. En los años treinta se impondrían algunos de los grandes cineastas inmigrados y firman como John Ford, Howard Hawks, Raoul Walsh, King Vidor, William Wyler y un largo etcétera de estadounidenses, quienes junto con las estrellas del momento seguirían reinando en el firmamento cinematográfico mundial.

Frase para recordar:

-Supongo que habéis venido a por el chico...

-No. Sabemos que no hay fuerza sobrehumana que pueda separaros."

Título original: The Champ.

Director: King Vidor.

Intérpretes: Wallace Beery, Jackie Cooper, Irene Rich, Rosco Ates, Edward Brophy,Hale Hamilton.

Trailer:

Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

2 comentarios

Y EL MUNDO MARCHA (1928). Progresión hacia el mundo moderno.

El 4 Julio de 1900 nace un bebé varón en casa de los Sims, su padre lo alza sobre su cabeza y le augura un gran futuro. Sin embargo, el primer gran evento que le reserva la vida a nuestro protagonista, John Sims, es quedarse huérfano de padre con 12 años. Al cumplir los 21, henchido de orgullo y grandes ideales, con su narcisismo por bandera, se dirige hacia la Gran Manzana. Una vez allí, su principal y permanente objetivo será "Ser alguien importante", pero los acontecimientos de la vida y la realidad se imponen dificultando su deseado e ideal logro.

A lo largo de este intenso melodrama, se sucederán toda una serie de acontecimientos. Algunos de ellos, inmersos en la cotidianidad, destacarán por su gran realismo y sencillez, llenos de pequeños detalles en los que cualquiera puede verse identificado, como son la descripción de las fases en la convivencia de una pareja o las relaciones en el mundo laboral. Otros acontecimientos destacarán por su gran dramatismo, sin excesos, perfectamente encajados en el relato.

Toda una serie de vivencias encadenadas de forma perfecta, ambientadas en los años veinte y protagonizadas por un hombre que siempre intenta destacar de la multitud como única forma de sentirse bien consigo mismo. Una lucha permanente que le deparará todo tipo de decepciones, hasta llegar a admitir cuáles son las cosas importantes que la vida le reserva.

King Vidor dirige magistralmente una historia cotidiana y realista, convertida en todo un documento sobre la progresión hacia un mundo moderno en la gran ciudad de New York.

Podemos ver varias escenas destacables, como los planos de la ciudad. Tras un breve plano, insertado en la serie inicial, se muestra Nueva York abarrotada de transeúntes y vehículos, donde se ven dos imágenes superpuestas del tráfico de las calles, si no fuera porque una ligera panorámica muestra que la sobreimpresión no es tal, sino el reflejo en un cristal del otro lado de la calle.

Otra imagen llamativa, tanto más importante por su significado central en la película, es el magistral plano en el que a John Sims niño, le comunican la muerte de su padre en las escaleras de subida a la casa. Se crea así un espacio cinematográfico con una gran profundidad de campo, y es desde este prisma, un pasillo por donde asciende el protagonista dejando abajo, al fondo la multitud expectante donde se establece de forma visual toda la declaración de principios que configuran la historia: El deseo del individuo por ascender y desvincularse de las masas, que en lo sucesivo quedará siempre marcada por una sensación de amargura y soledad, de dolor en sus diferentes vertientes.

La imagen del pasillo como lugar de tránsito, de la existencia por donde deambula John, será recurrente en el film: en las oficinas, en el vagón coche-cama del tren, en la sala de la maternidad, entre las colas de parados, en el puente sobre las vías del ferrocarril.

Veremos la influencia de Vidor y su forma de filmar, de mostrar un rostro entre la multitud y plasmar un entorno empresarial inhóspito e inhumano en El apartamento (1960) de Billy Wilder.

La película es sencilla pero intensa, real, y en ocasiones tan dura que en su momento no consiguió el favor del público, no era una película para evadirse. Pero su ritmo, su calidad de imágenes, esos planos de ciudad e interior tan espectaculares y el mensaje que transmite la han convertido en una de las mejores películas de su época que mantiene todo su vigor e interés a día de hoy.

"No sabemos lo grande y lo resistente que es la multitud hasta que estamos en desacuerdo con ella".

Título original: The Crowd.

Director: King Vidor.

Intérpretes: James Murray, Eleanor Boardman, Bert Roach, Estelle Clark, Daniel G. Tomlinson, Dell Henderson.

Escena:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

No hay comentarios

STELLA DALLAS (1937). Barbara Stanwyck en el melodrama de King Vidor.

Stella (Barbara Stanwyck) es una chica de familia humilde con pretensiones. No se conforma con la vida que le ha tocado y aspira a escalar social y económicamente mediante un elaborado plan. Su sueño es contraer matrimonio con Stephen Dallas (John Boles), un caballero de la alta sociedad que ha tenido que romper su compromiso con una joven heredera por la repentina bancarrota de su familia. Stephen se ve obligado a trabajar en la fábrica del pueblo de Stella y ella consuma su plan para seducirlo. En esta etapa de su vida Stella está llena de vitalidad, siente una gran curiosidad por la vida de la clase adinerada. Está deseosa de visitar lugares lujosos, de aprender buenos modales y de ir a bailes de sociedad. Por su parte, Stephen, que se encontraba muy abatido, encuentra en ella la chispa que necesitaba. Tras una breve etapa en la que todo parece ir bien, tienen a su hija Laurel (Anne Shirley). Pero el nacimiento del bebé acentuará la diferente personalidad de cada uno de ellos, logrando que se distancien aún más. Stephen, un tipo calmado y demasiado prudente, pronto dejará de encontrar a Stella, un huracán amante de la diversión y la vida social, como una joven atractiva. Se dedicará a criticar su comportamiento, sus ademanes ordinarios e intentará cambiarla. Por su parte Stella, seguirá sin querer adaptarse, sin querer cambiar nada de su antiguo estilo pueblerino y vulgar. No aprenderá nuevos y delicados modales, no se adaptará a vivir en la alta sociedad, ni con los amigos de su marido. La ruptura definitiva vendrá determinada cuando Stephen consigue un trabajo en Nueva York, ya que Stella decide no acompañarlo a la ciudad, quedarse con su pequeña y disfrutar de una vida radicalmente diferente a la de su marido.Pasados varios años, Laurel se ha convertido en una joven encantadora, de buen corazón y exquisitos modales. 

Stella se ha dedicado completamente a su cuidado, sin abandonarla ni un solo instante y ha conseguido criar a una hija feliz y agradecida del cariño de su madre. Por su parte, Stephen es ahora un hombre de éxito en los negocios que se ha reencontrado con su primer amor, Helen, (Barbara O'Neil) una viuda rica, con grandes posesiones y tres hijos varones. Pero Stella, pese a su enorme corazón y a su dedicación como madre, no ha abandonado sus malos modales, se ha convertido en una mujer madura bastante hortera, poco preocupada por cuidar su imagen en sociedad. Se ha hecho inseparable de su gran amigo borrachín, Ed Munn (Alan Hale), responsable de la mala reputación que Stella alcanza en la pequeña Comunidad. Además carece de los medios necesarios para que su hija se desenvuelva en una sociedad movida por las apariencias y el convencionalismo social. Los desprecios sufridos por su hija debido al comportamiento estrafalario de Stella ponen en peligro el futuro de la joven. Por el contrario, la nueva familia que ha formado su padre no carece ni de recursos económicos ni de contactos en la alta sociedad. Una vez que Stella toma conciencia del lastre que ella misma podría suponer para su hija, para su avance en sociedad, para que goce de la adecuada educación y para que se case con el chico de buena familia que ella quiere, en un acto de pura generosidad, decide hacer el mayor sacrificio de su vida. 

Estamos hablando de la adaptación de una novela de principios del siglo XX escrita por Olive Higgins Prouty, con todos los ingredientes que procuraban satisfacción en aquella época: la imposibilidad de salvar los problemas que acarrean las diferencias sociales, la importancia del dinero como fuente de felicidad o infelicidad, los sacrificios que está obligada a practicar una madre, las relaciones sociales marcadas por el poder de los convencionalismos y los falsos rumores. Una maravillosa fábula moral e histórica, un espléndido melodrama que nos permite ser testigos de una lección de humanismo y antropología, con un gran mensaje destinado a aquéllos que sólo se guían por las apariencias y las conveniencias sociales. Pero toda la película no sería más que uno de tantos melodramas sino fuera por la legendaria actuación de Barbara Stanwyck que consiguió dibujar uno de esos personajes sacrificados, rebosantes de humanidad y de una desgraciada existencia. "Stella Dallas" es ella, la película es ella, es esa madre que se transforma, que se sacrifica para dar lo mejor a su hija Laurel, sin un ápice de victimismo, con la frente bien alta. La última escena es especialmente destacable, una interpretación más que soberbia nos hace pasar de las lágrimas a la alegría, sin perder esa gran humanidad y ese gran amor que se derrama por los ojos de una madre contemplando orgullosa a su hija. 

La emoción que transmite en pantalla, su cambio de registros y la naturalidad de sus sentimientos encontrados hacen que la película funcione. Y si además todo esto lo acompañamos de la música de Alfred Newman, de un director eficaz y dominador de la narración cinematográfica como King Vidor, un guión con todos los elementos necesarios para desatar el drama y un equipo técnico con Rudolph Maté como director de fotografía, surge una "Stella Dallas" que provoca sentimientos desatados. Melodramas exagerados entre la frontera de la cursilería y el ridículo, alcanzando un milagroso equilibrio que aún hoy perdura. Como curiosidad, existe una primera adaptación al cine silente, una película muda que dirigió Henry King en 1925, también para la productora de Samuel Goldwyn y que representa un perfecto espejo para la cinta sonora, manteniendo ambas obras una línea argumental y desarrollo temporal de la narración sorprendentemente análogo. Con esta interpretación, Barbara consiguió su primera nominación y su primer éxito cinematográfico. En total estuvo nominada en cuatro ocasiones a los Óscars, aunque sólo obtuvo uno honorífico a toda su carrera, con 82 años, que dedicó a su amigo William Holden. Después de este éxito Barbara sería capaz de interpretar tanto mujeres duras, mujeres fatales y hasta de desplegar sus dotes para la comedia, se atrevería incluso con el western. Su gran versatilidad hizo de ella una de las estrellas más grandes de la historia del cine.

Director: King Vidor.

Intérpretes: Barbara Stanwyck, John Boles, Anne Shirley, Alan Hale Sr., Barbara O'Neil, Tim Holt.

Escena:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

1 comentario

LA CIUDADELA (1938). Ética y poder en un drama de King Vidor.

El mundo de la medicina sería la excusa perfecta para que King Vidor ("Guerra y paz (1956)") realizará con esta obra un sustancioso análisis sobre los principios morales del ser humano y como, en muchos casos, la codicia y el poder puede degradar la integridad de las personas. La historia estaría basada en la novela del escritor y también doctor A. J. Cronin, en ella el realizador nos presentaría la vida del médico Andrew Manson (Robert Donat) desde sus humildes comienzos atendiendo a los habitantes de un pueblo de mineros hasta su consagración definitiva en un lujoso hospital londinense. Destaca la evolución que sufre el personaje principal, una especie de mártir que tras soportar el rechazo de los demás por su intento de mejorar la humanidad investigando nuevos avances medicinales y ver como su actitud bondadosa sólo le lleva a la miseria y a las penurias se verá tentado por el goloso mundo del poder y el dinero, un entorno que le hará dudar de los verdaderos valores de su profesión. Entre los actores principales que acompañan a Robert Donat ("39 escalones (1935)") en este drama moral nos encontraríamos a Ralph Richardson ("Doctor Zhivago (1965)") y a Rosalind Russell ("Luna nueva (1940)") como el mejor amigo (Denny) y la esposa de Andrew Manson, respectivamente, sin olvidarme de la interesante presencia de Rex Harrison (el presuntuoso profesor de fonética que acompaña a Audrey Hepburn en "My fair lady (1964)") como el codicioso Dr. Lawford, personaje que introducirá al protagonista en la espiral de la ambición y el poder. Entre sus escenas cabe destacar la secuencia donde Andrew salva a un recién nacido abocado a una muerte segura o esa angustiosa operación de Denny, momento clave para el protagonista se replantee el verdadero motivo porque escogió dedicarse al mundo de la medicina. La obra estaría nominada a 4 oscar, incluida mejor película, mejor director y guión adaptado. Como curiosidad, en el año 2003, el italiano Fabrizio Costa realizaría una nueva adaptación de esta obra para el mundo de la televisión.

Frase para recordar: "Usted no es un hombre librando una batalla, es uno más de una gran profesión. Una profesión que está en continua lucha a favor de la salud, de la vida, de la humanidad..".

Título original: The citadel.

Director: King Vidor.

Intérpretes: Robert Donat, Rosalind Russell, Ralph Richardson, Emlyn Williams.

Trailer: 

Información complementaria:
Robert Donat

Reseña escrita por Jesús Fariña 

Sígueme por: 
Google+ 
Twitter

3 comentarios

EL MAGO DE OZ (1939). La fábula musical de Victor Fleming.

Con apenas 16 años la precoz carrera profesional de Judy Garland (madre de la célebre Liza Minnelli y muy recordada por formar pareja cinematográfica con el "bajito" pero grande Mickey Rooney) daría un enorme salto de calidad al participar en esta fábula musical basada en la novela infantil de Lyman Frank Baum ("El maravilloso mago de Oz"). La película dirigida (después de ser despedido el estadounidense Richard Thorpe a las dos semanas de rodaje, ) por Victor Flemming  (responsable de la creación de la mayor parte del metraje antes de que fuera llamado a dirigir la mítica "Lo que el viento se llevó (1939)") junto la colaboración de George Cukor (encargado de modificar el maquillaje y el vestuario de diversos personajes del film) y King Vidor (director de las escenas del mundo real representadas en color sepia) pondría a Judy Garland como Dorothy Gale, una niña que viaja, después de ser atrapada por un peligroso tornado al fantástico mundo de Oz, un colorista universo de ensueño habitado por malvadas brujas, pequeños duendes y hadas madrinas. Un hombre de hojalata sin corazón (Jack Haley), un espantapájaros carente de cerebro (Ray Bolger) y un miedoso león llevado a cabo por el cómico Bert Lahr acompañarían a Judy Garland en sus mágicas aventuras en busca del Mago de Oz (papel interpretado por Frank Morgan ("El bazar de las sorpresas (1940)") personaje capaz de ayudarla a regresar a la vida real. La obra sería ganadora de dos oscar entre ellos estaría  la popular canción compuesta por el estadounidense Harold Arlen y escrita por EY Harburg "Over the Rainbow". La obra cuenta con la leyenda urbana de que uno de los miembros del equipo de rodaje se suicidó durante la grabación de una escena del film, exactamente en el momento donde Dorothy  en compañía de el espantapájaros y el hombre de hojalata bailan mientras recorren  un bosque. Otra de las curiosidades del film es que Margaret Hamilton, la actriz que encarna a la Bruja del Oeste, sería victima de un terrible accidente provocado en el transcurso del rodaje al quemarse parte de la cara y zonas del cuerpo con el fuego empleado en una de las escenas donde ella aparece.

Frase para recordar: " Un corazón no se juzga por lo mucho que tú ames. sino por lo mucho que te quieran tus semejantes".

Título original: The Wizard of Oz.

Directores: Victor Fleming, George Cukor, King Vidor.

Intérpretes: Judy Garland, Bert Lahr, Jack Harley, Ray Bolger, Frank Morgan.

Trailer: 

B.S.O.

Escena:

Información complementaria:
Judy Garland

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

7 comentarios