TERCIOPELO AZUL (1986). Obra de culto de David Lych.

Después de su varapalo comercial con la aventura fantástica y reconocida, con el paso de los años, obra de culto como fue "Dune (1984)", David Lynch volvería a aliarse con el productor Dino de Laurentis para realizar este film perturbador y a la vez apasionante sobre el descenso de los infiernos de un universitario en su intento de descifrar la misteriosa aparición de una oreja cortada entre unos matorrales de un jardín. Genial la manera de iniciar el film, esa descripción del idílico y a la vez superficial pueblo donde se narra la historia para poco a poco introducirnos de lleno en un mundo más "real" y oscuro, decorado de extraños personajes y situaciones tan perversas como surrealistas tan habituales en el universo de David  Lynch, un rasgo característico del realizador que ha hecho provocar tan diversas reacciones (de admiración o  de rechazo) entre los visionarios de sus films. Sería el joven y prácticamente desconocido Kyle MacLachlan (debutante en la mencionada "Dune" y consagrado posteriormente gracias aquella serie de tan pegadiza partitura llamada "Twin Peaks"), el que llevara el peso del film con su papel protagonista encarnado al morboso y obsesivo Jeffrey Beaumont. Los nombres de Steven Berkoff ("Barry Lyndon (1975)") y Robert Loggia ("El honor de los Prizzi (1985)") sonarían para representar al peligroso y agresivo psicópata, Frank Booth, personaje finalmente llevado a cabo por un magistral Dennis Hopper. Una de las escena más controvertidas que podemos ver en esta película  es el momento de la violación de Dennis Hopper a Isabella Rossellini (hija de la mítica Ingrid Bergman y pareja, por aquel entonces, de David Lynch) mientras es observado por un "vouyerista" Kyle MacLachlan detrás de un armario. Notable la selección de piezas musicales que llenan el transcurso de este retorcido film, desde la composición de Angelo Balalamenti (hasta la fecha colaborador asiduo en la filmografía de David Lynch) pasando por el tema de Roy Orbison ("In dreams") y el que hace mención al título de la obra: "Blue velvet" de Bobby Vinton.

Frase para recordar: "El mundo es extraño".

Título original: Blue Velvet.

Director: David Lynch.

Intérpretes: Kyle MacLachlan, Laura Dern, Dennis Hopper, Isabella Rossellini.

Trailer: 

Infornación complementaria:
Isabella Rossellini

Reseña escrita por Jesús Fariña 

Sígueme por: 

Google+ 

Twitter

11 comentarios

ENCADENADOS (1946). Cary Grant y Ingrid Bergman en un clásico de Hitchcock.

Aprovechando la finalización de La Segunda Guerra Mundial, Alfred Hitchcock nos llevaría a la ciudad de Río de Janeiro para narrarnos esta historia de espionaje con tintes románticos y trasfondo nazi escrita por Ben Hecht (también conocido como el "Shakespeare de Hollywood"), un laureado cineasta que tuvo el gran logro de conseguir el primer Óscar de la historia en la categoría de mejor guión original por "La ley del hampa (1928)"). Ingrid Bergman como hija de un importante espía nazi (Alicia Huberman) y Cary Grant como un agente especial del gobierno norteamericano (Devlin) encargados de detener en tierras brasileñas a un importante mandatario nazi (Alexander Sebastian) sería el hilo argumental de este imprescindible título dentro de la filmografía del genio Alfred Hitchcock. La atractiva pareja compuesta por Cary Grant (segunda participación con el realizador tras "Sospecha (1941)") y Ingrid Bergman (Vivian Leigh fue una de las propuesta iniciales por la productora) sería sin duda uno de los aciertos y puntos fuertes del film, la intensa complicidad y "feeling" que desprendían estos dos actores en pantalla enamoraron al público presente, ambos también fueron participes de unas de las escenas míticas  y porque no decirlo, "polémicas" de la película (el interminable beso de Alicia Huberman y Devlin donde el maestro hitchcock supo lidiar la ira de los frentes más puritanos evitando que los besos durasen más tres segundo (tiempo límite permitido hasta el momento por la censura, una labor llevada a cabo por el "moralista" Joseph Breen). Cabe destacar dentro del reparto, la presencia del británico Claude Rains quizás poco conocido a pesar de sus participaciones en clásicos como "Casablanca (1942)" y "Lawrence de Arabia (1962)" como villano nazi del film (Alexander Sebastian) y de la austriaca Leopoldine Konstantin  (en su primera y única aparición en el cine hollywoodiense) llevando a cabo a la terrorífica y dominante madre de éste último, un papel inicialmente ofrecido a Ethel Barrymore, la tía abuela de Drew  Barrymore ("E.T. El extraterreste (1982)"). Como es habitual en el cine de Hitchcock  no faltarían (a parte de sus habituales cameos) las secuencias de intriga y suspense, uno de los instantes de mayor tensión es todo el momento que transcurre en una de las fiestas de Sebastian, donde Devlin y Alicia deben entrar en la bodega de éste sin que sean descubiertos. Hago mención la extraordinaria fotografía en blanco y negro de Ted Tetzlaff ("me casé con una bruja (1942)") y la partitura musical de Roy Webb, un habitual en las obras de serie b de los cuarenta ("Yo anduve con un zombie (1943)", "La maldición de la mujer pantera (1944)").

Frase para recordar: " Yo la conocí antes que usted, la quise antes que usted y no tuve la suerte que usted". 

Título original: Notorious.

Director: Alfred Hitchcock.

Interprétes: Ingrid Bergman, Cary Grant, Louis Calhern, Claude Rains.

Trailer:

Información complementaria:
Claude Rains

Reseña escrita por Jesús Fariña 

Sígueme por: 

Google+ 

Twitter

4 comentarios

ADIVINA QUIÉN VIENE ESTA NOCHE (1967). Amores interraciales.

Con un  Mike Nichols manifestando la revolución sexual iniciada en la sociedad de la época con "El graduado (1967)" con la temática de los adulterios y las relaciones de jóvenes con señoras mayores, tendríamos ese mismo año, siguiendo la estela de los idilios "atípicos" y poco usuales dentro de la comunidad americana, el trabajo del estadounidense y reconocido cineasta liberal Stanley Kramer, narrando en él el vínculo entre un hombre de color y una joven blanca y su lucha frente las reacciones adversas de su entorno, sin duda un alegato de protesta al mundo del racismo y de todas las mentes más convencionales y retrógradas de la población anglosajona. Caracterizada por el buen hacer interpretativo de sus actores principales y rodada prácticamente en espacios interiores como si de una pieza teatral se tratase, la obra fue una interesante crítica social basada en los problemas interraciales y los conflictos entre padres e hijos envuelta con el aroma de melodrama romántico que se ganaría la simpatía entre el público de los finales de los sesenta. El realizador contaría como protagonista al afroamericano Sydney Poitier (recordado por sus intervenciones en películas de materia racial y por ser el primer actor de raza negra en ganar un óscar de la academia gracias a su papel en "Los lirios del valle (1963)" de Ralph Nelson) una estrella del celuloide  que pasaba por su mejor momento profesional y que participaría en dos films que luchaban, en aquella fecha, por la estatuilla de mejor película (la mencionada obra de Stanley Kramer y el thriller de Norman Jewison, "En el calor de la noche (1967)"). La obra tendría la peculiaridad de poder ver juntos por última vez a la mítica pareja, Katharine Hepburn y Spencer Tracy (después de coincidir nueve veces en la gran pantalla), debido a la muerte de éste último al poco de finalizar el rodaje de la película, fue tal el grado de tristeza de Katherine que nunca vería este film a pesar de ser uno de sus cuatro films donde ganaría el óscar de mejor actriz. Entre sus escenas más conocidas, el discurso final del mencionado Spencer Tracy, un emotivo momento de ocho minutos que despedía tristemente a uno de los grandes del celuloide. Como curiosidad, estando la película en cartel sería asesinado una de las personas más influyentes en la lucha por los derechos afroamericanos, el legendario Martin Luther King.

Frase para recordar: "Tú te consideras un hombre de color y yo me considero un hombre".

Título original: Guess who´s coming to dinner.

Director: Stanley Kramer.

Intérpretes: Sydney Poitier, Spencer Tracy, Katharine Hepburn, Cecil Kellaway.

Trailer: 

Escena: 

Información complementaria:
Stanley Kramer

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

8 comentarios

CANDILEJAS (1952). Un clásico de Charles Chaplin.

Con la llegada del cine sonoro grandes estrellas del cine mudo perdieron el protagonismo del que presumían hasta la fecha, ese detalle no pasaría desapercibido para el maestro Charles Chaplin que le serviría de inspiración en la creación de este trabajo, un título que puede considerarse un tributo con grandes dosis de crítica y nostalgia (con incluido guiño autobiográfico sobre su personaje de Charlot) sobre aquellos grandes artistas olvidados irremediablemente por el paso del tiempo. El film no gozaría de la popularidad que tuvieron sus obras de antaño a pesar de la indudable calidad que desprendía la película, en gran medida por el enorme castigo que sufrió Chaplin por el pueblo americano de tacharlo comunista durante la etapa del macarthismo y los negativos y polémicos resultados que tuvo con su anterior trabajo, la comedia negra "Monsieur Verdoux (1947)". La historia describiría los diferentes estados emocionales de un viejo cómico alcohólico (Calvero) olvidado por los aplausos del público y su relación con una joven e insegura bailarina llamada Thereza (dicho papel lo encarnaría la británica Claire Bloom, actriz vista posteriormente junto a Yul Brynner en "Los hermanos Karamazov (1958)" o pasando miedo en la mansión  encantada de Robert Wise en "The Haunting (1963)"), el destino de esta última cambiaría de manera favorable cuando Calvero después de salvarla del suicidio, le animara a valorar su vida al mismo tiempo le ayudara a conseguir su meta de triunfar en el mundo del baile. Una de las secuencias más destacadas, es sin duda, la escena que reune a dos genios del cine mudo, el propio Chaplin junto a "carapalo" Buster Keaton actuando en un abarrotado teatro, uno de esos momentos de la historia del cine que llena de añoranza y emotividad a todos los que amamos el séptimo arte. Cabe destacar el debut en este título de Sydney Chaplin, hijo del propio realizador que volvería a repetir con él años más tarde en su última película "La condesa de Hong Kong (1967)". Como curiosidad, la magnifica composición musical que realizó Chapin para este film obtendría su merecido (pero tarde) reconocimiento de la academia 20 años después del estreno de la película, un hecho que puede considerarse anecdótico como injusto.

Frase para recordar: "Lo peor en usted es que se niega a luchar, se da por vencida, no hace más que pensar en la enfermedad y en la muerte. Pero existe algo tan inevitable como la muerte y es, la vida".

 

Título original: Limelight.

Director: Charles Chaplin.

Intérpretes: Charles Chaplin, Claire Bloom, Nigel Bruce, Sydney Chaplin.

Trailer: 

Información complementaria:
Nigel Bruce

Reseña escrita por Jesús Fariña 

Sígueme por: 

Google+ 

Twitter

8 comentarios

LA DAMA DE SHANGHAI (1947). El cine negro de Orson Welles.

Sólo al maestro Orson Welles se le ocurriría cambiar de manera tan radical la imagen (cortándole su larga melena y tiñéndosela de rubio) de la que era por entonces su esposa (pareja que estaba en pleno proceso de separación después de sus 4 años de relación), la bella y sensual Rita Hayworth, actriz catapultada en lo más alto del estrellato después de deslumbrarnos en la  mítica obra de Charles Vidor "Gilda (1946)" junto a Glenn Ford y darle un final tan drástico como agónico al que sería su personaje en este film, la manipuladora Elsa Bannister. A pesar de considerarse una de las obras menores dirigidas por Wells (fue un rotundo fracaso en taquilla en el año de su estreno) y dónde se comentó que el realizador la hizo con el propósito de recaudar dinero para pagar los gastos de su  musical de "La vuelta al mundo en ochenta días", este título pasaría a convertirse con el transcurso de los años en una pequeña joya del cine negro. La historia se basaría en una novela de Sherwood King y en ella narraría las vivencias de un triángulo amoroso formado entre un marinero irlandés (Michael O´hara), un millonario desvalido (Arthur Bannister) y su hermosa y fatal esposa (Elsa Bannister) durante la travesía en un lujoso yate (dicho yate cuyo nombre era "Zaca" pertenecía en la vida real al legendario Errol Flynn). Acompañada por la genial fotografía en blanco y negro de Charles Lawton Jr ("Dos cabalgan juntos (1961)") y la partitura musical de Heinz Roemheld (ganador del óscar por "Yanqui Dandy (1942)") el bueno de Wells formularía un notable ejercicio de drama, misterio y romanticismo cargados de una serie de ingeniosos diálogos y planos desenfocados muy habituales en la filmografía de este magno realizador. Quizás uno de los detalles que más se recuerden de este título sea la maravillosa escena final de los espejos, un momento que servirían de inspiración ( o imitación) a posteriores cineastas de la historia del cine.

Frase para recordar: "Tal vez viva tanto que llegue a olvidarme de ella o quizás muera sin haberlo conseguido".

Título original: The lady from Shangai.

Director: Orson Welles.

Intérpretes: Orson Welles, Rita Hayworth, Glenn Anders, Everett Sloane.

Escena: 

Información complementaria:
Rita Hayworth

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

5 comentarios

EL HOMBRE QUE PUDO REINAR (1975). Michael Caine y Sean Connery en un clásico de aventuras de John Huston.

Basándose en una novela del británico escritor Rudyard Kipling (por cierto el actor Christopher Plummer lo interpretaría en el film), el realizador John Huston nos trasladaría al siglo XIX para contarnos la hazañas de dos soldados británicos (Daniel Dravot y Peachy Carnehan) oportunistas y algo caraduras que van al primitivo pueblo de Kafiristan con el fin de conseguir fortuna y proclamarse reyes, el "problema" comenzará cuando los habitantes crean que Dravot es un Dios después salir ileso de un hecho fortuito. Huston acertaría de lleno realizando esta imprescindible obra de aventuras, retomando un género que tan buenos resultados le habían dados en el transcurso de su carrera ("El tesoro de Sierra Madre (1948)", "La reina de África (1951)"), en ellas disfrutaríamos a parte de la belleza de sus paisajes (recorriendo países como La India, Marruecos y Afganistan) de una emocionante historia épica de perdedores bañados en los valores de la amistad y la lealtad y donde el realizador analiza el empeño del hombre blanco en profanar e invadir las costumbres de las sociedades menos favorecidas. Sean Connery que se tomaba un respiro de su personaje estrella, el mítico agente 007, y Michael Caine que compartía cartel junto a su esposa, la también modelo Shakira Caine, serían los encargados de llevar a cabo la mayor parte del peso del film, su elección fue una acierto por parte del realizador, no sólo demostraron su buena química en la pantalla sino que sus sobresalientes interpretaciones hicieron que la gran mayoría opine que se trata de lo mejorcito que han hecho en sus respectivas trayectoria cinematográficas. Cabe destacar la presencia del actor indio Saeed Jaffrey, visto también en películas como "Gandhi (1982)" o "Pasaje a la India (1984)", con su personaje de Billy Fish, un cárismatico y émotivo soldado que estaría al servicio de las desiciones de  Dravot y Carnehan. Contribuye en la magia  aventurera del film la partitura del siempre genial Maurice Jarre, el compositor fetiche del maestro David Lean. Como curiosidad, John Huston llevaba mucho tiempo atrás intentado llevar a cabo este proyecto, lo tanteó en años anteriores en varias ocaciones, una de ellas con la idea de ser protagonizada por Humphrey Bogart y Clark Gable.

Frase para recordar: "Si lo hizo un griego, lo haremos nosotros".

 












Título original: The man who would be king.

Director: John Huston.

Intérpretes: Michael Caine, Sean Connery, Christopher Plummer, Albert Moisés.

Trailer: 

 

Información complementaria:
Christopher Plummer

Reseña escrita por Jesús Fariña 

Sígueme por: 

Google+ 

Twitter

10 comentarios

EXCALIBUR (1981). El Rey Arturo de John Boorman.

Después de sorprendernos con la brutal "Deliverance (1972)" y realizar la sonrojante y ridícula secuela de un clásico del género del terror como fue "El exorcista (1973)" con "El exorcista II: el hereje (1977)" el irregular John Boorman se atrevería adaptar un personaje tan importante en la literatura europea como fue El Rey Arturo, un trabajo que se convertiría  con el paso de los años en uno de los títulos clave (y obra de culto) dentro de la filmografía de este realizador. Espadas, amor, magia y brujería envolverían este film  basado en la novela de Thomas Malory: "La muerte de Arturo" (obra que serviría también de inspiración en la película de Richard Thorpe: "Los caballeros del rey Arturo (1953)") en ella contaría las vivencias del legendario monarca y sus compañeros de batallas (Merlín, Lanzarote, Perceval...) en su lucha por un mundo que predominara la paz. Un desconocido Niger Terry ("El león de invierno (1968)") sería el encargado de representar al rey Arturo, mientras que Nicol Williamson ("Robin y Marian (1976)") interpretaría de manera convincente al mago Merlin, completarían el reparto el televisivo Nicholas Clay como Lanzarote, Helen Mirrer ("The Queen (2006)") como la villana del film: la bruja Morgana y un grupo de actores secundarios (entre ellos, familiares del propio realizador) que no desentonarían en el transcurso del film. Obra caracterizada especialmente por su enorme espectáculo visual (sin nada de efectos digitales tan de moda actualmente y ambientado en espacios naturales, la mayoría de ellos en tierras irlandesas) conseguido en gran medida por el gran trabajo fotográfico del británico Alex Thompson, siempre metido de lleno en películas de corte fantástico (entre ellas "Legend (1985)" con un joven Tom Cruise o "Dentro del laberinto (1986)") y que sería nominado en aquel año por su notable labor. Hago mención su banda sonora con la composición musical ( y primera realizada para el cine) de Trevor Jones ("El último mohicano (1992)"), junto piezas clásicas de Wagner o la espectacular "Carmina Burana" de Carl Off. Entre sus escenas más destacadas y emotivas, el momento que perceval arroja la espada ("Excalibur") al mar y ésta es recogida por la Dama del Lago (personaje realizado por Telsche Boorman, hija del propio realizador y que demostró sus buenas dotes de aguantar la respiración bajo el agua). Como curiosidad debutarían en este films actores actualmente muy conocidos como Liam Neeson y Gabriel Byrne del mismo modo veríamos a Patrick Stewart ("Star Trek", "X-men") en sus primeros pinitos en la pantalla grande.

Frase para recordar: "Las frases son para los amantes. Yo lo que quiero es una espada para ser rey".

Director: John Boorman.

Intérpretes: Nigel Terry, Helen Mirren, Nicholas Clay, Cherie Lunghi.

Trailer:  

Información complementaria:
Helen Mirren

Reseña escrita por Jesús Fariña 

Sígueme por: 

Google+ 

Twitter

10 comentarios

HORIZONTES DE GRANDEZA (1958). El épico western de William Wyler.

Teniendo presente en nuestra memoria la magistral composición del estadounidense Jerome Moross (partitura nominada en los Óscar de ese año y arrebatada por la composición musical de Dimitri Tiomkin en "El viejo y el mar (1958)") la obra de William Wyler forma parte de ese grupo selecto de clásicos indispensables en el género del western, un título épico de cerca de 3 horas duración que nos llevaría al rudo y salvaje Oeste para contarnos la rivalidad y lucha de poderes entre dos familias, los Terryll y los Hannassey. El film contaría con un espectacular reparto de actores (sin duda una de las "grandezas" del film), desde la presencia de un Gregory Peck (haciendo gala de esos personajes honestos y moralistas que tan bien caracterizó durante su carrera interpretativa) llevando a cabo el papel del comedido James McKay, un veterano capitán de barcos incomprendido por sus pacíficas maneras de solventar los conflictos, un Charlton Heston (año que también se uniría con Orson Well para interpretar al policía Mike Vargas en aquella joya de cine negro titulada "Sed de mal (1958)") en la piel del duro Steve Leech, que a diferencia de McKay son sus puños la solución de los problemas,  las bellas Jean Simmons y Carrol Barker como las "mujeres" de James McKay o el polifacético Burl Ives, genial actor que supuso compaginar exitosamente su faceta de cantante con la de la interpretación (inolvidable su presencia en clásicos como "Al Este del Edén (1955)", "La gata sobre el tejado de Zinc (1958)" o este "Horizontes de grandeza") y que hace en esta ocasión de la figura patriarcal de los Hannassey. Algunas escenas memorables del film, la antológica pelea entre Charlton Heston y Gregory Peck bajo el amanecer acabada con la frase de éste último: "Y bien, ¿qué hemos demostrado?" o como James McKay aprende a montar un salvaje caballo en el rancho de los Terryll. Hago mención la excelente fotografía del checo Franz Planer ("Desayuno con diamantes (1961)") que resalta los coloristas paisajes y ambientes rurales que invaden el metraje del film. Como curiosidad, Charlton Heston conseguiría al siguiente año de participar en este film (repitiendo con William Wylder) su único óscar de su carrera ( sin contar el óscar humanitario Jean Hersholt obtenido en el año 78) con la superproducción histórica "Ben-Hur (1959)".

Frase para recordar: "Enseñe a su abuela a freír huevos. Yo he manejado armas como ésta antes de venir usted al mundo".

Título original: The big country.

Director: William Wyler.

Intérpretes: Gregory Peck, Charlton Heston, Jean Simmons, Burl Ives.

Trailer: 

Escena: 

B.S.O.:

Información complementaria:
Carroll Baker

Reseña escrita por Jesús Fariña 

Sígueme por: 

Google+ 

Twitter

6 comentarios