LA TIERRA TIEMBLA (1948). El drama pesquero de Luchino Visconti.

Obra maestra de Luchino Visconti, del cine italiano y del neorrealismo. La película iba a ser la primera de una trilogía sobre Sicilia, pero nunca fue completada. El argumento se centra en una villa de pescadores siciliana y en su vida cotidiana a través de una familia con concreto, los Valastro. El hijo mayor de la familia, Ntoni (Antonio Arcidiacono), se siente explotado por el sistema imperante y alienta a su familia y vecinos a rebelarse contra él. Tras mucho hablarlo con su familia, consigue que accedan a intentar establecerse por su cuenta e hipotecan su casa para comprar materiales y salir al mar. Al poco tiempo verán como sus sueños se van cumpliendo y las cosas comienzan a irles bien a pesar de la oposición de los mayoristas de la zona y la reticencia de algunos vecinos. Pero un día, salen al mar a pesar del riesgo de tormenta y esta les destroza la barca. A partir de este momento, todo se torcerá. Las deudas apremian y sus vecinos comienzan a darles la espalda, lo que irá desencadenando en una ruptura de la cohesión de la propia familia. Esta obra maestra del Neorrealismo está dirigida por el gran Luchino Visconti, aristócrata italiano que también llegó a ser director de La Scala. En 1935 se fue a París y, gracias a la intervención de Coco Chanel pudo entrar como ayudante de dirección de, nada menos, que Jean Renoir en "Los bajos fondos (1936)" y como asistente de vestuario en "Una Partida de campo (1937)". 

En 1943 ya dirige su primera película, "Obsesión", considerada como la primera obra del neorrealismo y era una adaptación de la novela El cartero siempre llama dos veces. A partir de aquí, continuó con una filmografía plagada de obras maestras como: "El gatopardo (1963)", "Rocco y sus hermanos (1960)", "La caída de los dioses (1969)" o "Una muerte en Venecia (1971)". Hablar de "La tierra tiembla" es hablar de la lucha de clases. De la eterna guerra entre los pobres que viven explotados y los ricos que les explotan y se aprovechan del sudor de su frente para enriquecerse a su costa. Es hablar de como las adversidades siempre tienen un mayor impacto sobre el pobre que sobre el rico, que siempre va sobre seguro y dispone de más recursos para capear el temporal. Es hablar del costumbrismo como aliado de la injusticia, oponiéndose a las nuevas ideas más liberales. Curiosamente, a pesar de ser conde, la obra de Luchino Visconti siempre ha estado marcada por las ideas marxistas y, esta película, es el más claro exponente de ello, incluso, se ha utilizado muchas veces como ejemplo de esas ideas de lucha de clases, lo cual no es de extrañar si tenemos en cuenta que fue el propio Partido Comunista quién encargo a Visconti la realización de unas obra sobre las revueltas separatistas y campesinas de Sicilia para la campaña electoral de 1948. 

Dicho proyecto incluía una trilogía sobre los pescadores, los mineros y los campesinos, pero el fracaso comercial de "La tierra tiembla" impidió que se rodaran las siguientes. Buena parte de este fracaso se debió a que se utilizara un dialecto siciliano para los diálogos. La obra es una constante y sutil confrontación, no sólo entre los patrones y los obreros, sino también entre el conservadurismo y el liberalismo. Hay una escena en la que Ntoni, ya resignado, posa ante una pared en la que hay una inscripción fascista que, a mi modo de entender, expresa la victoria del fuerte que, además, no escatima en humillar al derrotado. Dicha escena trata, con mucha sutileza, otro de los mensajes que Visconti intenta transmitir al espectador y no es otro que hacer entender que la lucha individual está condenada al fracaso y que para cambiar las cosas se hace necesaria una lucha colectiva de clase. Como anécdotas a destacar, podríamos decir que el reparto estaba compuesto por actores amateurs y por vecinos de la villa pesquera siciliana en cuestión (Aci Trezza), incluso, la auténtica familia Valostro aportó a alguno de sus miembros al casting. También hay que decir que la elección de Sicilia no fue al azar, ya que el director enfrenta la miseria del Sur contra el Norte industrializado de Italia, un contraste que también podemos ver en otras obras suyas. 

Premios: 1948: Festival de Venecia: Nominada al León de Oro. Premio Internacional. 

Frases para recordar: 

"La mar es amarga". 

"Tenemos que aprender a querer el bien del prójimo, a ser una sola cosa. Sólo así se puede avanzar". 

Título original: La terra trema. 

Director: Luchino Visconti. 

Intérpretes: Maria Micale, Sebastiano Valastro, Antonio Arcidiacono, Giuseppe Arcidiacono, Salvatore Vicari, Antonino Micale, Nelluccia Giammona. 

Escena: 

B.S.O.: 

Información complementaria:

Luchino Visconti

Reseña escrita por Juanma Falcón

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EL DORADO (1966). El mítico western de Howard Hawks.

Basada en la novela 'The Stars in their courses" de Harry Brown y cuyos títulos de crédito mostraban estupendos dibujos de estampas del oeste americano más clásico, con sus caballos, vaqueros y ganaderos, todo ello acompañado de la canción "El Dorado" cantada por John Alexander se nos presentaba "El Dorado de Howard Hawks". La excepcional obra de un Hawks genio y figura de las películas de vaqueros, que da la vuelta a lo que comúnmente se había realizado, y convierte en protagonistas a un sheriff borracho, despechado y patizambo Robert Mitchum, a un pistolero mercenario ya mayor paralizado en la mitad de su cuerpo pero inquebrantable John Wayne y a un joven impetuoso e inexperto con las armas de fuego de nombre impronunciable, como héroes de la película. Hay un aroma de cambio en este western, y lo digo puesto que con demasiada frecuencia se alude al término western crepuscular, sin razones para ello. Si a alguna película del oeste que se precie en esta época, puede ponérsele el título de western crepuscular, es sin duda de la que hablo en estas líneas. "El Dorado" es el síntoma de que llegaban los años 70, y llegados estos, Hollywood convertiría el cine del oeste siempre tan viril e icónico hasta entonces, en films con connotaciones de denuncia (más realistas y comprensivos con 'los indios'). La desmitificación del western llegaba de la mano de Jean Paul Herra 'Mitchum', Cole Thorton 'Wayne' y Alan Bourdillon Traherne 'Caan' que eran los ases de un film con un sentido honorable de la amistad. Unos vejestorios y un pipiolo contundentes, insobornables y valientes que hacen del compañerismo y el compromiso leal su eficaz arma para cumplir con su objetivo. 

Todos se unen para derrotar a un mafioso ganadero terrateniente que contrata al asesino más rápido con el revólver y toda su troupe para arrebatar las tierras ricas en pastos y agua a una familia que honradamente había llegado antes a controlar las parcelas tan ansiadas por todos. El villano de la función (temible con sus cicatrices), planteará la duda a Wayne sobre quién es el mejor tirador con cordialidad, galantería y diálogo (sorprendente para un villano). El honor y la valentía subyacen pues en esta descarada e inusual obra maestra con la textura del auténtico western clásico de antaño, pero protagonizado por perdedores, viejos o inexpertos. En este icónico film "El Duque Wayne" protagonizando a un talludito y lisiado, junto a su amigo fiel sheriff etílico Mitchum vencerán superando sus limitaciones físicas y armándose del carisma suficiente para "despachar" la peliaguda situación a la que se tienen que enfrentar con el malvado pistolero personaje tuerto (Mc Laad) y su cobarde patrón (Burt Jason). En conclusión, Ahora sí. Un western crepuscular ejemplarmente condimentado con acción, valor y un simpático humor varonil. Una del oeste como Dios manda. Clásico incuestionable.

Frase para recordar: "Busco una estrella de hojalata a la que va prendido....Un Sheriff borracho".

Director: Howard Hawks.

Intérpretes: John Wayne, Robert Mitchum, James Caan, Charlene Holt, Paul Fix, Arthur Hunnicutt, Michele Carey.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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Robert Mitchum

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EL CÍRCULO ROJO (1970). Un clásico del cine negro francés.

Con su penúltima película como director, Jean Pierre Melville mostró al mundo del cine su profundo amor por el cine negro. "Círculo Rojo", nos permite comprender como espectador que este director francés se movía, por unos cauces cinematográficos muy personales recurriendo al uso de una estilización tanto narrativa como plástica en beneficio de la trama en detrimento de cualquier elemento anecdótico para centrarse en la profundización de los personajes y del color. A nivel argumental se apartaba de los sometimientos establecidos por el género imponiendo a través de su atractivo reparto- Alain Delon, Gian María Volonté o Yves Montand- el uno de un nuevo código narrativo que le permitía poder llevar a cabo, una libertad creativa mostrando al espectador las figuras de un policía amante de los gatos obsesionado con cumplir con su deber o con un gánster humanizado que lleva a cabo su trabajo, como si cumpliera con un ritual laboral en donde todo está perfectamente calculado. Jean Pierre Melville va delimitando la trama de la película estableciendo con ello su propia aportación personal cuando lleva a cabo una estilización visual en donde destacan los tonos fríos de los exteriores, para crear una política cinematográfica que le permita dominar con soltura los resortes del género que él mismo ha creado. Muestra un mundo dominado por la oscuridad poblándolo de personajes marginados que solo permiten el uso de la amistad viril para solucionar momentos críticos o profesionales. 

Algunos críticos la acusaron en su momento de ser una película cargada de mimetismo que resultaba falsa ante los ojos del espectador. Pero en realidad Jean Pierre Melville nos entrega una película de compleja ambigüedad en donde los policías y los delincuentes no son ni buenos ni malos. Muestra con elegancia que sus personajes se caracterizan no tanto por su esquematismo como por responder a determinados modos de estereotipos en donde la muerte en el único remedio posible para afrontar una solución al absurdo de sus vidas. Gracias al dominio del género y a su habilidad para rodear a sus personajes de un cierto romanticismo trágico Jean Pierra Melville realiza uno de los mejores policíacos franceses en donde solo molesta ciertos convencionalismos en segmentos creados para la taquilla. Toda su maestría como director queda reflejada en la larga, compleja y minuciosa secuencia del robo de la joyería resuelta con una gran eficacia técnica.

Título original: Le cercle rouge.

Director: Jean-Pierre Melville.

Intérpretes: Alain Delon, Bourvil, Gian Maria Volonté, Yves Montand, François Périer, André Eycan.

Trailer:

B.S.O.:

Reseña escrita por Victoriano Javier Santana Cabrera

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Alain Delon

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PEQUEÑA MISS SUNSHINE (2006). Las aventuras de una familia disfuncional.

Jonathan Dayton y Valerie Faris son un matrimonio y a la vez directores de cine con amplia experiencia en el terreno del videoclip, teniendo en su haber interesantes trabajos para consagradas bandas de rock como son The Smashing Pumpkins, R.E.M., Ramones o los Red Hot Chili Peppers. Su primera y exitosa incursión en el mundo del cine fue "Pequeña miss sunshine", una agridulce comedia de carretera (o en el termino anglosajón, "road movie") con buena dosis de critica social sobre el denominado sueño americano para continuar, seis años después, con "Ruby Sparks (2012)", una inteligente comedia romántica nominada en los Premios "Independent Spirit". Dos únicos trabajos cinematográficos hasta el momento que reflejan el buen hacer de esta pareja de realizadores. En esta ocasión me centraré en "Pequeña miss sunshine", una fabula social de perdedores y personajes inadaptados escrita por Michael Arndt ("Oblivion (2013)", "Los juegos del hambre: En llamas (2013)"). Un guión que obtendría el Óscar al mejor guión original en la gala de aquel año y donde se comenta que Arndt para escribirlo se inspiraría en un desafortunado discurso del musculoso Arnold Schwarzenegger, siendo éste gobernador de California. En el discurso Arnold pregonaba su "cierto" desprecio a los perdedores.

La historia en cuestión se centraría en el largo viaje a California en furgoneta de una peculiar familia (Los Hoover) para asistir a un concurso de belleza infantil en el cuál la más pequeña del clan ha sido clasificada. El film de Jonathan y Valerie desprende una enorme vitalidad y da aire fresco a la actual comedia americana que por desgracia está escasa de ideas. "Pequeña miss sunshine" es un viaje a la superficialidad humana que busca insistentemente una felicidad "programada" a costa de los prototipos que nos marca la sociedad contemporánea, donde el culto a la belleza, el tener un buen trabajo y disponer de éxito a cualquier precio esta a la orden del día. El film trata con su mensaje de romper ese modelo de felicidad fomentando a que seamos diferentes a lo que nos "venden" y vivamos una vida siendo nosotros mismos alejados de cualquier tipo de complejo. Al mismo tiempo, los realizadores dan un "cachetón", en el sentido más estricto de la palabra, a la hipocresía.

En este caso a una hipocresía disfrazada en un patético concurso de belleza para niñas, tan degradante como los excesos de maquillaje y de cremas de autobronceado que llevan puesta las chiquillas en tal evento. Al igual que el inteligente guión de Arndt y la "buena mano" de sus realizadores, otro elemento clave del éxito del film se debe a la excelente elección del grupo de actores que lo forman, encabezado por Abigail Breslin, una actriz que tiene el anécdotico logro de ser la cuarta actriz más joven en ser nominada en unos Premios Óscar (nominación que consiguió precisamente en esta obra). Breslin debutaría en el mundo del celuloide a la precoz edad de 5 años en "Señales (2002)" de M. Night Shyamalan dando vida a la hija de Mel Gibson. En "Pequeña miss sunshine" encarnaría a Olivie, la más pequeña de los Hoover, una niña con gafas y media regordeta, alejada del modelo de "niña guapa" y donde el destino (para bien o para mal) le da la oportunidad de presentarse a un concurso de belleza.

Los otros miembros de la familia lo componen Sheryl Hoover (magistralmente interpretada por Toni Collette), la madre de la niña en cuestión, una mujer luchadora pero permisiva e incapaz de ayudar (por mucho que se empeñe) en los conflictos personales del resto de la familia. Richard Hoover, papel ejercido por Greg Kinnear), es el padre, un hombre egoísta y algo prepotente, obsesionado con el éxito en la vida y que intenta a toda costa sacar partido a un curso que ha creado sobre los 9 pasos de la felicidad. Frank es el tío de Olivie, un homosexual que pasa una crisis personal, hasta el extremo de intentar suicidarse, después de haber sido abandonado por su pareja. Para este personaje se barajaron los nombres del recientemente fallecido Robin Williams y Bill Murray ("Atrapado en el tiempo (1993)") antes de ser finalmente interpretado por Steve Carell, que hace de su faceta de comediante una virtud para llevar a cabo el rol de Frank. Dwayne (Paul Dano) es el hermano de Olivie, un depresivo adolescente, aficionado a leer a Nietzsche y cuyo sueño no es otro que convertirse en un piloto de las fuerzas armadas, un hecho que hace que no hable (se comunica escribiendo en papeles) hasta conseguir su objetivo. Y como último miembro de la familia nos encontramos con Edwin (papel ejercido por el gran Alan Arkin), el abuelo de la familia, un veterano de guerra, adicto a esnifar heroína, ver porno y utilizar un vocabulario ordinario.

Este grupo de personajes que formar la parte la familia Hoover, son tan excentricos como extrañables, al igual que el medio de transporte que utilizan, una vieja furgoneta amarilla modelo wolkswagen combi que dará más de un quebradero de cabeza a los personajes en cuestión a causa de sus constantes averías, desde un embrague roto que hacen que los miembros de la familia tengan que arrancarlo en bajada y colocando la tercera marcha, una bocina que no deja de sonar o una puerta que se cae sola. Una especie de "Esta casa es una ruina" en versión 4 ruedas. Numerosas escenas hay que destacar de esta genial obra, entre ellas recuerdo la huida del hospital (una escena presentada inicialmente como dramática pero donde los realizadores le dan un giro radical para convertirla magistralmente en una secuencia tan surrealista como alocada), la divertida manera de resolverse un conflicto con un guardia civil gracias a unas oportunas revistas porno, la charla del abuelo con la nieta la noche previa al concurso poniendo de manifiesto los valores del verdadero triunfador o ese baile final en el concurso tan ocurrente y clave para la unión de la familia. Por último no quiero terminar esta reseña sin mencionar la pegadiza banda sonora compuesta por el canadiense Mychael Danna, autor de la también memorable partitura de "La vida de Pi (2012)" de Ang Lee. Sin dudas un gran complemento musical para acompañar a esta maravillosa película.

Frase para recordar: "El verdadero perdedor no es aquél que no gana. El verdadero perdedor es aquél que tiene tanto miedo a no ganar que ni siquiera lo intenta".

Título original: Little Miss Sunshine.

Directores: Jonathan Dayton y Valerie Faris.

Intérpretes: Abigail Breslin, Steve Carell, Toni Collette, Greg Kinnear, Alan Arkin, Paul Dano,Beth Grant.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

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Alan Arkin

Reseña escrita por Jesús Fariña

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LOS VIKINGOS (1958). Las aventuras vikingas de Tony Curtis y Kirk Douglas.

Dos años antes de coincidir en "Espartaco (1960)", Kirk Douglas y Tony Curtis unieron fuerzas en una joya del cine de aventuras, "LosVikingos (1958)". Una maravilla, toda una hazaña de cine de aventuras en estado puro. Hasta hace bien poco, yo desconocía que este lujo de película tuviera su base literaria en un libro escrito por Edison Marshall. En mi niñez "The Vikings" me hizo aficionarme al cine de aventuras clásicas que rememoro en cuanto escucho de nuevo su fascinante banda sonora compuesta por Mario Nascimbene. Y es que lo habitual cuando se es joven, es ver en los Vikingos a un grupo de animales sin modales, con cascos terminados en cuernos, pero hay mucho más contenido, ya que tuvieron su apogeo en la edad media enfrentándose mediante pequeñas incursiones costeras a los dispersos reinos Británicos antes de que se cumpliera el primer milenio de nuestra era. Aquellos a los que se les etiquetó con sus rudos modales para matar, beber, comer y fornicar, al parecer eran mucho más "complicados" que todo lo que se podía suponer. Esta ruda y supersticiosa etnia creía que la tierra era plana, y que podía visionar su futuro mediante runas, depositando su fe en Odin y su hijo Thor. El gran Kirk Douglas se inspiró con entusiasmo y valor para producirse a sí mismo y protagonizar al viril, engreído, valiente y (¿Romántico?) "Ainar" cuyo papá en la ficción no era otro que el antológico Ernest Borgnine (menuda familia de genios), y que para curiosísima anécdota Borgnine había nacido un año después de Douglas (1917) y ¡¡Aún así pudo interpretar a su padre!!...A la manera de la más clásica tragedia griega, dos hermanos separados Douglas y Curtis que desconocen su condición, lucharán apasionadamente por la bella princesa Janet Leigh, con todos sus encantos delicadamente recogidos en sus vestidos apretados con corpiño. 

¿Qué más se le puede pedir a una película del año 58?..Pues muy poco, porque "Los Vikingos" en las manos del director Richard Fleicher ("20.000 leguas de viaje submarino (1954)" y "Viaje Alucinante (1966)") contiene impactantes secuencias de acción con lanzas, hachas y espadas, inspiradas interpretaciones, bacanales nórdicas con sus goces y sus bestialidades de cordialidad vikinga, abordajes de barcos en la más que digna tradición pirata, un asalto a un castillo que levanta las pasiones y el entusiasmo de todo espectador y todo ello, enfrentando el conflicto tanto ideológico como bélico y religioso de ingleses y vikingos. Para mi desconcierto personal, al parecer todo abordado de manera fidedignamente histórica....Y es que estos "bestias medievales ataviados con cuernos" no hacen más que confirmarme que existe la belleza en la bestialidad, en definitiva: Una gozada de aventuras que sin lugar a dudas es un CLÁSICO...SÍ CON MAYÚSCULAS. Para mi disfrute esta película fue emitida en el programa: Qué grande es el cine en la 2 de TVE, merecidamente proyectada. Personalmente yo le pongo un 10 en mi valoración personal. El film figura como uno de mis favoritos. Recomiendo encarecidamente su visionado para su disfrute más que asegurado. Frase: -"Si no puedo tener tu amor, tendré tu odio"- Kirk Douglas (antihéroe tuerto admirable).

Título original: The vikings.

Director: Richard Fleischer.

Intérpretes: Tony Curtis, Kirk Douglas, Janet Leigh, Ernest Borgnine, James Donald.

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Escena:

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Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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Tony Curtis

Los vikingos (1958)

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LA SELVA ESMERALDA (1985). La naturaleza salvaje de John Boorman.

John Boorman al parecer debe tener alguna predilección por el color verde. Después de la dura "Deliverance (1972)" (con sus árboles empantanados) y "Excalibur (1981)" (en la que tanto el bosque como el musgo iluminaban las armaduras del intenso color de la naturaleza). En "La selva esmeralda" una historia real es utilizada por el director de "Infierno en el Pacífico (1968)" a modo una denuncia ecológica-cinematográfica, en contra de la contagiosa, destructiva y avanzada civilización humana. El hijo pequeño de un arquitecto contratado para crear una inmensa presa en el Amazonas se pierde en la inmensidad pulmonar verdosa durante varios años y adoptado por una tribu (Los invisibles), por otra parte el padre biológico del niño no pierde la esperanza de encontrar a su hijo hasta dar con él cuando este ya se ha convertido en un hombre. Entre los dos, padre e hijo lucharán porque la tribu de los invisibles prevalezca, primero contra los indígenas rivales y después contra el hombre civilizado con su tecnología, deforestación y crueldad (llevando incluso a reclutar a las mujeres pertenecientes a las etnias selváticas a la prostitución). Con la habilidad del hombre moderno por parte del padre y con la superstición y las tradiciones de la tribu del hijo, se conseguirá salvar la situación. Esta película aprovecha la belleza de los entornos naturales de la selva amazónica y la supervivencia de la cultura humana tribal que allí sobrevive para reivindicarlas en contra de la destrucción, transformación y degeneración que el hombre actual infringe a la naturaleza para sobreexplotarla sin ser consciente del daño que produce a "los pulmones del planeta tierra". 

Una impactante escena en la que Charley Boorman (protagonista e hijo del director) escala un rascacielos en busca de la ayuda de su padre biológico sólo con la ayuda de unas plantas atadas a sus pies prevalece en mi recuerdo, al igual que los descorazonadores números estadísticos que se remarcan al final del film con la cantidad del desgaste del verde amazónico a un ritmo escandalizador y preocupante. Esto en una película del año 85, no quiero ni imaginar en la actualidad. Una bella pieza de cine basada en un hecho real y que sirve como perfecta denuncia ecológica. A modo de reflexión personal después de ver el film, el hombre debería aprender a adaptarse a la naturaleza para sobrevivir, y no destruirla para su causa, sino a este ritmo llegará la decadencia de la civilización.

Título original: The Emerald Forest.

Director: John Boorman.

Intérpretes: Powers Boothe, Charley Boorman, Meg Foster, Dira Pass, William Rodríguez, Yara Vaneau.

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Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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John Boorman

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DUNE (1984). La ciencia ficción de David Lynch.

Si se quiere entender el fenómeno de la ciencia ficción de calidad en el cine, habría que incluir esta adaptación de la obra de Frank Herbert junto a películas como "Star Trek", "Star Wars" y "Blade Runner" por poner solo algunos ejemplos destacados. En mi memoria recuerdo ser un niño cuando tuve la maravillosa e imborrable experiencia de ver en VHS doméstico grabado en la 2 de TVE el film "Dune" de David Lynch. La actriz Virginia Madsen en el papel de la princesa "Irulán" presentaba la película con banda sonora hipnótica de fondo compuesta entre otros por "Toto", que introducía la historia a modo de prólogo de un universo jerarquizado por un emperador en el que cada planeta tiene su gobernante con su respectivo título nobiliario. El duque "Leto Atreides" se enfrenta al "barón Harkonen" por un elemento llamado Especia Melange que da la particularidad de viajar sin moverse y que se convierte en lo más preciado de la galaxia. La "especia" sólo crece en un planeta desolado y desértico (Dune) y vigilado por unas descomunales y voraces criaturas en forma de gusano. El control de la especia pertenece a un sindicato llamado "La Cofradía", aunando todavía más poder que el mismísimo emperador. Un mundo en el que a modo de profecía mesiánica aparecerá un "salvador" que pondrá orden en el universo y en el yacimiento de la especia. Esta particularísima obra magna de la ciencia ficción me resultó enteramente atractiva por su complejidad narrativa, puesta en escena y abrumadora dirección artística. 

Todavía recuerdo esa arma mental que utilizan los "Atreides" en forma de sonido (el método sobrenatural), la civilización autóctona llamada "Fremen" con sus sus ojos azulados, los sueños surrealistas y proféticos del protagonista "Paul Atreides" y cómo no, las maravillosas e impactantes batallas entre los "Atreides" y los "Harkonen", además de las singulares voces en off que pueden escucharse a lo largo de todo el metraje. Todo ello unido a un elenco actoral ejemplar y un despliegue espectacular de medios que convirtieron la película en la más cara de la historia del cine en su momento. Las criaturas de Carlo Rambaldi ("King Kong (1976)", "E.T. El extraterrestre (1982)") merecen especial mención. El film fue injustamente despreciada en el año 1984, pero el tiempo y su incuestionable genialidad la han convertido en una obra cúlmen del Sci-fi. Al proyecto original del film producido por Dino de Laurentis se unieron al principio los reconocidos artistas Alejandro Jodorowsky, H.R. Giger y Salvador Dalí entre otros, que al final se desvincularon pudiendo haber aportado sus ideas al universo creado por "Herbert". Incluso Ridley Scott estuvo incluido como posible director para "Dune". 

Las conversaciones entre Jurguen Prochnov y Kyle MacLachlan como padre e hijo "Atreides" me siguen fascinando por su filosofía aplicable a toda sociedad civilizada: -"Sin cambios hay algo que duerme en nuestro interior, algo que rara vez despierta, por eso el durmiente debe despertar"-. Un film de ciencia ficción que traspasa las fronteras de la fantasía convencional, una película memorable, que se encuentra entre mis favoritas, una pieza cinematográfica calificada de culto. Curiosamente "Dune" fue duramente afectada en su metraje final al ser recortada en su montaje, y presentada como miniserie de televisión dado su fracaso comercial. David Lynch renegó de su obra llevada al mundo televisivo y por esta razón en los títulos, su nombre fue cambiado por el de Alan Smithee, nombre que eligen la mayoría de los directores de cine cuando quieren renegar de sus películas. El nombre de Alan Smithee fue utilizado por primera vez a partir de la película de Don siegel de 1969 "Ciudad sin ley". "Dune" tendría su continuidad en forma de películas para la televisión, a la espera de realizar un remake que esté a la altura. Hace un par de años Peter Berg ("El único superviviente (2013)", "Hancock (2008)") estuvo entre los candidatos para darle peso a la poderosa narrativa del genio de Frank Herbert. "Dune", una maravilla para todos los sentidos del amante de la Sci-Fi de calidad.

Director: David Lynch.

Intérpretes: Kyle MacLachlan, Francesca Annis, Jürgen Prochnow, Patrick Stewart, Kenneth McMillan, Sting, Max von Sydow.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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Kyle MacLachlan

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