ARTÍCULOS
Mostrando entradas con la etiqueta Anthony Quinn. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Anthony Quinn. Mostrar todas las entradas
pánico-en-la-calle-110
Un grupo de atracadores afroamericanos se hace con un botín de la Mafia. Dos policías de métodos muy distintos son asignados al caso mientras el yerno del Capo Mafioso recibe el encargo de encontrar y eliminar a los atracadores.

No estamos aquí ante una película que nos vaya a mostrar los minuciosos e ingeniosos preparativos de un robo. Estamos en Zona de Guerra de la Nueva York setentera y las cosas se hacen a lo bruto. Sin miramientos y como decía Pike Bishop: "Si se mueven, mátalos". El robo, que es también un baño de sangre, se produce al principio y nos sirve para comprobar como el amateurismo de los perpetradores solventa los obstáculos a base de ráfagas de ametralladora. De ahí en adelante, tras el reparto del botín se nos presenta a los dos bandos que van a tratar de dar caza a los ladrones: La Mafia y la Policía de la Ciudad de Nueva York. Pronto empieza a correr la sangre que como todos sabemos no distingue de colores, galones o linajes.


"Que otra cosa puede traer a los blancos a Harlem si no es el dinero?"

pánico-en-la-calle-110

Posiblemente la película no funcionaría tan bien sin el estupendo retrato de personajes sombríos que Barry Shear pone en acción: un policía corrupto y racista a punto de jubilarse (Anthony Quinn), un policía de color que apuesta por la legalidad a rajatabla (Yaphet Kotto) y un capo de la Mafia empeñado en demostrarle a su suegro su capacidad para resolver el suceso rápidamente (Anthony Franciosa). Y huyendo de ellos, tres atracadores empujados por la enfermedad, la miseria o la inconsciencia (genial Antonio Fargas dilapidando su parte en la escena del burdel) que empiezan a constatar que el dinero robado no es sino un billete de ida a la Morgue mas cercana.

pánico-en-la-calle-110

Estamos en 1972. Un año antes William Friedkin arrasaba con "French Connection (1971)" y su estética sucia y "realista". Barry Shear la recupera y la lleva a los antros y comisarias mas sórdidas de Harlem .La corrupción y el racismo son mostrados sin tapujos siendo dificil simpatizar con unos personajes que arrastran cansancio y estupor como la pareja de policías o desesperación y crueldad como la del mafioso puesto a prueba.Y mientras, la caza a los atracadores va progresando. Los chanchullos y los vínculos entre la Ley El Crimen van desdibujando los límites. Hay calles que si las cruzas, te cambian la vida y para siempre.

Para envolver y presentar este violento y sórdido paquete nada mejor que la banda sonora facturada por Bobby Womack y J.J. Johnson y cuya canción que da título a la película alcanzó el top 20 de singles USA y fue reutilizada por Tarantino en "Jackie Brown (1997)" y Ridley Scott en "American Gangster (2007)". Realmente, era tan difícil hacer una mala película con tan buenos ingredientes como robarle a la mafia y seguir con vida.

pánico-en-la-calle-110

Título original: Across 110th Street.

Director: Barry Shear.

Intérpretes: Anthony Quinn, Yaphet Kotto, Anthony Franciosa, Paul Benjamin, Ed Bernard, Richard Ward, Antonio Fargas.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por George Suckelectronic

PÁNICO EN LA CALLE 110 (1972). Corrupción y racismo.

pánico-en-la-calle-110
Un grupo de atracadores afroamericanos se hace con un botín de la Mafia. Dos policías de métodos muy distintos son asignados al caso mientras el yerno del Capo Mafioso recibe el encargo de encontrar y eliminar a los atracadores.

No estamos aquí ante una película que nos vaya a mostrar los minuciosos e ingeniosos preparativos de un robo. Estamos en Zona de Guerra de la Nueva York setentera y las cosas se hacen a lo bruto. Sin miramientos y como decía Pike Bishop: "Si se mueven, mátalos". El robo, que es también un baño de sangre, se produce al principio y nos sirve para comprobar como el amateurismo de los perpetradores solventa los obstáculos a base de ráfagas de ametralladora. De ahí en adelante, tras el reparto del botín se nos presenta a los dos bandos que van a tratar de dar caza a los ladrones: La Mafia y la Policía de la Ciudad de Nueva York. Pronto empieza a correr la sangre que como todos sabemos no distingue de colores, galones o linajes.


"Que otra cosa puede traer a los blancos a Harlem si no es el dinero?"

pánico-en-la-calle-110

Posiblemente la película no funcionaría tan bien sin el estupendo retrato de personajes sombríos que Barry Shear pone en acción: un policía corrupto y racista a punto de jubilarse (Anthony Quinn), un policía de color que apuesta por la legalidad a rajatabla (Yaphet Kotto) y un capo de la Mafia empeñado en demostrarle a su suegro su capacidad para resolver el suceso rápidamente (Anthony Franciosa). Y huyendo de ellos, tres atracadores empujados por la enfermedad, la miseria o la inconsciencia (genial Antonio Fargas dilapidando su parte en la escena del burdel) que empiezan a constatar que el dinero robado no es sino un billete de ida a la Morgue mas cercana.

pánico-en-la-calle-110

Estamos en 1972. Un año antes William Friedkin arrasaba con "French Connection (1971)" y su estética sucia y "realista". Barry Shear la recupera y la lleva a los antros y comisarias mas sórdidas de Harlem .La corrupción y el racismo son mostrados sin tapujos siendo dificil simpatizar con unos personajes que arrastran cansancio y estupor como la pareja de policías o desesperación y crueldad como la del mafioso puesto a prueba.Y mientras, la caza a los atracadores va progresando. Los chanchullos y los vínculos entre la Ley El Crimen van desdibujando los límites. Hay calles que si las cruzas, te cambian la vida y para siempre.

Para envolver y presentar este violento y sórdido paquete nada mejor que la banda sonora facturada por Bobby Womack y J.J. Johnson y cuya canción que da título a la película alcanzó el top 20 de singles USA y fue reutilizada por Tarantino en "Jackie Brown (1997)" y Ridley Scott en "American Gangster (2007)". Realmente, era tan difícil hacer una mala película con tan buenos ingredientes como robarle a la mafia y seguir con vida.

pánico-en-la-calle-110

Título original: Across 110th Street.

Director: Barry Shear.

Intérpretes: Anthony Quinn, Yaphet Kotto, Anthony Franciosa, Paul Benjamin, Ed Bernard, Richard Ward, Antonio Fargas.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por George Suckelectronic

el último gran héroe
Reivindicaré una vez más la carrera de mi ídolo Arnold Schwarzenegger. Quien me haya leído alguna vez (cosa que agradezco inmensamente), sabrá de mi gusto por el cine en todos sus géneros, pero también de mi particularísimo gusto por "el rey de la acción". De ahí que me disponga a hablar de uno de sus films más denostados, pero que el tiempo ha convertido en una película imprescindible para entender mejor la carrera del gobernador de roble. En su momento "El último gran héroe" se convirtió en una de las películas más caras de la historia del cine, con un presupuesto de 85 millones de dólares (esto sin contar con los gastos de promoción de los que hablaré más tarde) y recaudando únicamente la cifra de 137 millones en todo el mundo. Schwarzenegger tuvo el valor con esta película, en el momento más importante de su carrera (después de "Terminator 2 (1991)") de reírse de sí mismo, y eso sólo él podía hacerlo. Ya que precisamente eligió interpretar a su personaje Jack Slater porque habla de sí mismo, de cómo se sentía en aquel alejado año de 1993, en el que buscaba incansablemente en su carrera la difícil alquimia entre la acción y la comedia para todos los públicos. John Mctiernan mezcló "Agárralo como puedas (1988)", "La rosa púrpura del cairo (1985)" y las películas de acción de Schwarzenegger en una coctelera para crear este film incomprendido, que habla de cómo se hacen las películas en Hollywood, con sus clichés, sus héroes, sus logros... y fracasos, con un héroe de ficción que se cuestiona al pasar al otro lado de la pantalla y saltar a la realidad para sentirse por primera vez frágil, real, dolido y asombrado con lo que los guionistas y sus creadores han hecho con su vida, que todo el mundo ha visto en su saga de películas de acción. 

el último gran héroe

Arnold Schwarzenegger se psicoanaliza a sí mismo con su film y se demuestra de lo que es capaz como héroe de ficción ante su álter ego en la realidad, un héroe que no entiende a la sociedad de lo tristemente auténtico para ellos, y que es capaz de ver la belleza de lo cierto y cotidiano como ser ficticio que es, en lo que el ser humano no es capaz de apreciar nada. Además "El último gran héroe" habla de lo dura y violenta que es nuestra sociedad, (el villano de ficción) un estupendo Charles Dance, se asombra pasmosamente ante el asesinato de un hombre por sus zapatos, para luego más tarde darse cuenta de lo descarnada que es la realidad, al asesinar él mismo a alguien para luego confesarlo públicamente y asombrarse de nuevo, al comprobar que..a nadie le importa. La realidad pues, siempre supera a la ficción por muy hollywoodiense que sea. En lo referente a la publicidad de la película, cabe mencionar que no tuvo precedentes, al hacer un pase previo de la cinta para que fuera puntuada antes de su estreno en distintos apartados. En el apartado de acción le dieron un 7, así que McTiernan rodó más escenas de acción para intentar asombrar más al público. Otro factor a tener en cuenta en cuanto a la promoción del film, fue introducir en las imágenes de la película una nueva plataforma tecnológica, el llamado Mini-Disc (ahora totalmente desfasado). 

el último gran héroe

Pero el súmmun en cuanto a promoción para "El último gran héroe" fue contratar a la Nasa para proyectar en el espacio la figura de Arnold (algo totalmente desproporcionado), y que llevó a pretender convertir al film en algo más grande de lo que en realidad era. En la película se pueden vislumbrar cameos de Robert Patrick, Jean Claude Van Damme, James Belushi y Sharon Stone entre muchos otros, incluso se homenajea a films como "Parque Jurásico", "E.T.", "Casablanca", "El séptimo sello" (en la que Sir Ian Mckellen hizo aquí de la muerte frente al intérprete de Terminator) y hasta a "Hamlet" de Laurence Olivier (con unas secuencias geniales del roble de Austria en el papel del príncipe de Dinamarca), pasando por la ironía hacia "Amadeus" con un policía corrupto al que encarna con sorna F. Murray Abraham alias "Salieri". Schwarzenegger se topará en su aventura con actores de renombre como Robert Prosky (adorable trabajador de en un cine), Tom Noonan que será un terrible villano haciendo de "El destripador" y siendo un desafío del Arnold en la ficción cinematográfica y en la realidad. Incluso el genial Anthony Quinn destaca, al interpretar a un mafioso italiano con problemas de entendimiento metafórico. Este hercúleo y ficticio héroe utiliza el humor, la acción, la violencia y el sarcasmo, para reivindicar que todos nosotros necesitamos un último gran hèroe que nos haga continuar, que nos envalentone, que nos inspire en la ficción para ser mejores como personas y superar la cruda y dura realidad....Gracias Arnold. Por cierto, muy cómica la escena en la que Jack Slater entra en un videoclub con el jovencito de Danny Madigan (el primerizo actor Austin O'brien) y resulta que en el cartel de Terminator 2 aparece de protagonista: Sylvester Stallone...

el último gran héroe

Frase para recordar: "Hay que disfrutar de los placeres de la vida: El acné, el afeitado, la eyaculación precoz y tu primer divorcio."

Título original: Last action hero.


Director: John McTiernan.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Austin O'Brien, Charles Dance, Anthony Quinn, F. Murray Abraham, Robert Prosky.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

EL ÚLTIMO GRAN HÉROE (1993). El salto al otro lado de la pantalla de Schwarzenegger.

el último gran héroe
Reivindicaré una vez más la carrera de mi ídolo Arnold Schwarzenegger. Quien me haya leído alguna vez (cosa que agradezco inmensamente), sabrá de mi gusto por el cine en todos sus géneros, pero también de mi particularísimo gusto por "el rey de la acción". De ahí que me disponga a hablar de uno de sus films más denostados, pero que el tiempo ha convertido en una película imprescindible para entender mejor la carrera del gobernador de roble. En su momento "El último gran héroe" se convirtió en una de las películas más caras de la historia del cine, con un presupuesto de 85 millones de dólares (esto sin contar con los gastos de promoción de los que hablaré más tarde) y recaudando únicamente la cifra de 137 millones en todo el mundo. Schwarzenegger tuvo el valor con esta película, en el momento más importante de su carrera (después de "Terminator 2 (1991)") de reírse de sí mismo, y eso sólo él podía hacerlo. Ya que precisamente eligió interpretar a su personaje Jack Slater porque habla de sí mismo, de cómo se sentía en aquel alejado año de 1993, en el que buscaba incansablemente en su carrera la difícil alquimia entre la acción y la comedia para todos los públicos. John Mctiernan mezcló "Agárralo como puedas (1988)", "La rosa púrpura del cairo (1985)" y las películas de acción de Schwarzenegger en una coctelera para crear este film incomprendido, que habla de cómo se hacen las películas en Hollywood, con sus clichés, sus héroes, sus logros... y fracasos, con un héroe de ficción que se cuestiona al pasar al otro lado de la pantalla y saltar a la realidad para sentirse por primera vez frágil, real, dolido y asombrado con lo que los guionistas y sus creadores han hecho con su vida, que todo el mundo ha visto en su saga de películas de acción. 

el último gran héroe

Arnold Schwarzenegger se psicoanaliza a sí mismo con su film y se demuestra de lo que es capaz como héroe de ficción ante su álter ego en la realidad, un héroe que no entiende a la sociedad de lo tristemente auténtico para ellos, y que es capaz de ver la belleza de lo cierto y cotidiano como ser ficticio que es, en lo que el ser humano no es capaz de apreciar nada. Además "El último gran héroe" habla de lo dura y violenta que es nuestra sociedad, (el villano de ficción) un estupendo Charles Dance, se asombra pasmosamente ante el asesinato de un hombre por sus zapatos, para luego más tarde darse cuenta de lo descarnada que es la realidad, al asesinar él mismo a alguien para luego confesarlo públicamente y asombrarse de nuevo, al comprobar que..a nadie le importa. La realidad pues, siempre supera a la ficción por muy hollywoodiense que sea. En lo referente a la publicidad de la película, cabe mencionar que no tuvo precedentes, al hacer un pase previo de la cinta para que fuera puntuada antes de su estreno en distintos apartados. En el apartado de acción le dieron un 7, así que McTiernan rodó más escenas de acción para intentar asombrar más al público. Otro factor a tener en cuenta en cuanto a la promoción del film, fue introducir en las imágenes de la película una nueva plataforma tecnológica, el llamado Mini-Disc (ahora totalmente desfasado). 

el último gran héroe

Pero el súmmun en cuanto a promoción para "El último gran héroe" fue contratar a la Nasa para proyectar en el espacio la figura de Arnold (algo totalmente desproporcionado), y que llevó a pretender convertir al film en algo más grande de lo que en realidad era. En la película se pueden vislumbrar cameos de Robert Patrick, Jean Claude Van Damme, James Belushi y Sharon Stone entre muchos otros, incluso se homenajea a films como "Parque Jurásico", "E.T.", "Casablanca", "El séptimo sello" (en la que Sir Ian Mckellen hizo aquí de la muerte frente al intérprete de Terminator) y hasta a "Hamlet" de Laurence Olivier (con unas secuencias geniales del roble de Austria en el papel del príncipe de Dinamarca), pasando por la ironía hacia "Amadeus" con un policía corrupto al que encarna con sorna F. Murray Abraham alias "Salieri". Schwarzenegger se topará en su aventura con actores de renombre como Robert Prosky (adorable trabajador de en un cine), Tom Noonan que será un terrible villano haciendo de "El destripador" y siendo un desafío del Arnold en la ficción cinematográfica y en la realidad. Incluso el genial Anthony Quinn destaca, al interpretar a un mafioso italiano con problemas de entendimiento metafórico. Este hercúleo y ficticio héroe utiliza el humor, la acción, la violencia y el sarcasmo, para reivindicar que todos nosotros necesitamos un último gran hèroe que nos haga continuar, que nos envalentone, que nos inspire en la ficción para ser mejores como personas y superar la cruda y dura realidad....Gracias Arnold. Por cierto, muy cómica la escena en la que Jack Slater entra en un videoclub con el jovencito de Danny Madigan (el primerizo actor Austin O'brien) y resulta que en el cartel de Terminator 2 aparece de protagonista: Sylvester Stallone...

el último gran héroe

Frase para recordar: "Hay que disfrutar de los placeres de la vida: El acné, el afeitado, la eyaculación precoz y tu primer divorcio."

Título original: Last action hero.


Director: John McTiernan.

Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Austin O'Brien, Charles Dance, Anthony Quinn, F. Murray Abraham, Robert Prosky.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:



Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

el loco del pelo rojo
Vincente Minelli, uno de los grandes directores del género musical, realizaría en la década de los cincuenta este drama biográfico sobre la figura del pintor Vincent Van Gogh, desde sus inicios ejerciendo de misionero en los humildes pueblos mineros de Bélgica hasta su internamiento en un sanatorio mental y su posterior muerte marcada por la locura y el desquiciamiento. La historia, inspirada en la novela "Lust for Life" de Irving Stone (escritor estadounidense recordado por centrar sus escritos en la vida de célebres personajes históricos como Charles Darwin o Sigmund Freud, entre otros), reflejaría la imagen de Van Gogh como una persona atormentada e incomprendida, obsesionada con el hecho de poder aportar algo importante al mundo (primero a través de la religión y luego con el arte de sus cuadros) y que pasaría la mayor parte de su vida con una enfermiza lucha interior que nunca conseguiría vencer. El peso del film lo llevaría un portentoso Kirk Douglas (que repetía con Vincente Minelli después de protagonizar "Cautivos del mal (1952)" y participar en uno de los episodios de la romántica "Tres amores (1953)") en el papel de Van Gogh. Le acompañarían en la obra el mexicano Anthony Quinn (memorable interpretación que le daría su segundo óscar de su carrera tras "¡Viva Zapata! (1952)") en el papel del pintor Paul Gauguin y mejor amigo de Van Gogh donde mantendría una tormentosa relación de amistad basada en la admiración y  en sus constantes diferencias artísticas y James Donald (el médico Clipton Major de "El puente sobre el río Kwai (1957)") como Theo, el hermano del artista. Uno de los detalles interesantes del film es el uso de la voz en off, donde el realizador a través de las cartas que escribe el protagonista a su hermano lo utiliza como elemento narrador que va describiendo las vivencias personales y artísticas de Van Gogh. Entre sus escenas más representativas habría que destacar el momento donde Van Gogh en un ataque de crisis y desesperación decide cortarse la oreja, interesante secuencia que sin verse con pelos y señales como lo está haciendo (sólo aparecería en la pantalla la fija imagen de un espejo y el desgarrador grito de Kirk Douglas expresando dolor) nos hacía imaginar lo terrible de la acción. Hago mención del extraordinario trabajo artístico de los directores de fotografía Freddie Young ("Doctor Zhivago (1965)") y  Russell Harlan ("Matar a un ruiseñor (1962)") que llenan de brillo y color cada una de los fotogramas que componen la obra, sin olvidarme de la notable partitura musical de uno de las grandes compositores de la historia del séptimo arte como fue el húngaro Miklós Rózsa ("Ben-Hur (1959)"). Como curiosidad, se comenta que fue tal el gran parecido físico que tuvo Kirk Douglas con el pintor en esta película que al rodar algunas escenas en el mismo lugar donde vivió Van Gogh, los habitantes más mayores de la zona lo confundieron con el propio artista.

Frase para recordar: "Yo actúo conforme mis creencias no por lo que pueda decir la gente".

el loco del pelo rojoel loco del pelo rojo

Título original: Lust for life.

Director: Vincente Minelli.

Intérpretes: Kirk Douglas, Anthony Quinn, James Donald, Henry Daniell.

Trailer: 


Escena:




Información complementaria:
Van Gogh

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

EL LOCO DEL PELO ROJO (1956). Kirk Douglas es Van Gogh.

el loco del pelo rojo
Vincente Minelli, uno de los grandes directores del género musical, realizaría en la década de los cincuenta este drama biográfico sobre la figura del pintor Vincent Van Gogh, desde sus inicios ejerciendo de misionero en los humildes pueblos mineros de Bélgica hasta su internamiento en un sanatorio mental y su posterior muerte marcada por la locura y el desquiciamiento. La historia, inspirada en la novela "Lust for Life" de Irving Stone (escritor estadounidense recordado por centrar sus escritos en la vida de célebres personajes históricos como Charles Darwin o Sigmund Freud, entre otros), reflejaría la imagen de Van Gogh como una persona atormentada e incomprendida, obsesionada con el hecho de poder aportar algo importante al mundo (primero a través de la religión y luego con el arte de sus cuadros) y que pasaría la mayor parte de su vida con una enfermiza lucha interior que nunca conseguiría vencer. El peso del film lo llevaría un portentoso Kirk Douglas (que repetía con Vincente Minelli después de protagonizar "Cautivos del mal (1952)" y participar en uno de los episodios de la romántica "Tres amores (1953)") en el papel de Van Gogh. Le acompañarían en la obra el mexicano Anthony Quinn (memorable interpretación que le daría su segundo óscar de su carrera tras "¡Viva Zapata! (1952)") en el papel del pintor Paul Gauguin y mejor amigo de Van Gogh donde mantendría una tormentosa relación de amistad basada en la admiración y  en sus constantes diferencias artísticas y James Donald (el médico Clipton Major de "El puente sobre el río Kwai (1957)") como Theo, el hermano del artista. Uno de los detalles interesantes del film es el uso de la voz en off, donde el realizador a través de las cartas que escribe el protagonista a su hermano lo utiliza como elemento narrador que va describiendo las vivencias personales y artísticas de Van Gogh. Entre sus escenas más representativas habría que destacar el momento donde Van Gogh en un ataque de crisis y desesperación decide cortarse la oreja, interesante secuencia que sin verse con pelos y señales como lo está haciendo (sólo aparecería en la pantalla la fija imagen de un espejo y el desgarrador grito de Kirk Douglas expresando dolor) nos hacía imaginar lo terrible de la acción. Hago mención del extraordinario trabajo artístico de los directores de fotografía Freddie Young ("Doctor Zhivago (1965)") y  Russell Harlan ("Matar a un ruiseñor (1962)") que llenan de brillo y color cada una de los fotogramas que componen la obra, sin olvidarme de la notable partitura musical de uno de las grandes compositores de la historia del séptimo arte como fue el húngaro Miklós Rózsa ("Ben-Hur (1959)"). Como curiosidad, se comenta que fue tal el gran parecido físico que tuvo Kirk Douglas con el pintor en esta película que al rodar algunas escenas en el mismo lugar donde vivió Van Gogh, los habitantes más mayores de la zona lo confundieron con el propio artista.

Frase para recordar: "Yo actúo conforme mis creencias no por lo que pueda decir la gente".

el loco del pelo rojoel loco del pelo rojo

Título original: Lust for life.

Director: Vincente Minelli.

Intérpretes: Kirk Douglas, Anthony Quinn, James Donald, Henry Daniell.

Trailer: 


Escena:




Información complementaria:
Van Gogh

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

ulises
El italiano Mario Camerini ayudado por su compatriota Mario Bava ("Las tres caras del miedo (1963)") realizarían a mediados de los años cincuenta este entretenido título de aventuras basado en el poema épico griego de Homero "La Odisea", en él nos describiría las vivencias que sufre Ulises durante el regreso a su hogar (el palacio de Itaca) después de haber combatido en la batalla de Troya. Pero el film, aparte de relatarnos las peligrosas aventuras del heroico Ulises durante su trayecto a casa, también se centraría en contarnos lo que sucede en el Reino de Itaca, mostrándonos a una desconsolada Penélope (esposa de Ulises) lamentando la presunta pérdida de su marido y como un grupo de pretendientes, como si de buitres se trataran, aspiran casarse con ella con el claro y único propósito de gobernar sus tierras. Con un reparto practicamente compuesto de nombres italiano (entre ellos la guapa actriz Rossana Podestá ("Sodoma y Gomorra (1962)") y la no menos bella Silvana Morgana con su doble papel de Penélope y la bruja Circe), Camerini iba a contar en sus filas con el legendario Kirk Douglas ("Los vikingos (1958)") en el papel de Ulises y al mexicano Anthony Quinn ("Zorba, el griego (1964)") representando a uno de los pretendientes de Penélope (Antinoos), sin duda dos grandes astros del celuloide que servirían de reclamo comercial para asegurar a su productora (Dino de Laurentis) una buena taquilla en la fecha de su estreno. Entre sus escenas habría que destacar el astuto enfrentamiento de Ulises con el gigante Polimefo, su desafío con las sirenas y su devastador canto o el hechizo que sufre por parte de la bruja Circe que le hará dudar entre regresar a casa junto a su esposa e hijo o convertirse en un inmortal Dios del Olimpo. Como curiosidad, Kirk Douglas y Anthony Quinn volverían a verse las caras dos años después gracias a Vincente Minnelli y su obra biográfica sobre Van Gogh en "El loco del pelo rojo (1956)".

Frase para recordar: "Solo quien tiene miedo conoce la grandeza del valor".

ulisesulises

Título original: Ulisse.

Director: Mario Camerini.

Intérpretes: Kirk Douglas, Silvana Mangano, Anthony Quinn, Daniel Ivernel.

Trailer: 


Escena: 




Información complementaria:
Rossana Podestá

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

ULISES (1954). Kirk Douglas como héroe mitológico.

ulises
El italiano Mario Camerini ayudado por su compatriota Mario Bava ("Las tres caras del miedo (1963)") realizarían a mediados de los años cincuenta este entretenido título de aventuras basado en el poema épico griego de Homero "La Odisea", en él nos describiría las vivencias que sufre Ulises durante el regreso a su hogar (el palacio de Itaca) después de haber combatido en la batalla de Troya. Pero el film, aparte de relatarnos las peligrosas aventuras del heroico Ulises durante su trayecto a casa, también se centraría en contarnos lo que sucede en el Reino de Itaca, mostrándonos a una desconsolada Penélope (esposa de Ulises) lamentando la presunta pérdida de su marido y como un grupo de pretendientes, como si de buitres se trataran, aspiran casarse con ella con el claro y único propósito de gobernar sus tierras. Con un reparto practicamente compuesto de nombres italiano (entre ellos la guapa actriz Rossana Podestá ("Sodoma y Gomorra (1962)") y la no menos bella Silvana Morgana con su doble papel de Penélope y la bruja Circe), Camerini iba a contar en sus filas con el legendario Kirk Douglas ("Los vikingos (1958)") en el papel de Ulises y al mexicano Anthony Quinn ("Zorba, el griego (1964)") representando a uno de los pretendientes de Penélope (Antinoos), sin duda dos grandes astros del celuloide que servirían de reclamo comercial para asegurar a su productora (Dino de Laurentis) una buena taquilla en la fecha de su estreno. Entre sus escenas habría que destacar el astuto enfrentamiento de Ulises con el gigante Polimefo, su desafío con las sirenas y su devastador canto o el hechizo que sufre por parte de la bruja Circe que le hará dudar entre regresar a casa junto a su esposa e hijo o convertirse en un inmortal Dios del Olimpo. Como curiosidad, Kirk Douglas y Anthony Quinn volverían a verse las caras dos años después gracias a Vincente Minnelli y su obra biográfica sobre Van Gogh en "El loco del pelo rojo (1956)".

Frase para recordar: "Solo quien tiene miedo conoce la grandeza del valor".

ulisesulises

Título original: Ulisse.

Director: Mario Camerini.

Intérpretes: Kirk Douglas, Silvana Mangano, Anthony Quinn, Daniel Ivernel.

Trailer: 


Escena: 




Información complementaria:
Rossana Podestá

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

los dientes del diablo
Independientemente de su polémico entorno personal (en aquel año, su ex-pareja, la actriz Gloria Grahame ("Los sobornado (1953)") se casaba con uno de sus hijos) y sus problemas con el alcohol, el realizador Nicholas Ray (más conocido por dirigir al mítico James Dean en "Rebelde sin causa (1955)") se encargaría de llevar notablemente a la gran pantalla la aventurera novela de Hans Ruesch ("En el país de las sombras largas"). La película nos trasladaría a las frías tierras de la región de Alaska para contarnos las vivencias, las tradiciones y la constante lucha de supervivencia del pueblo esquimal, centrándose especialmente en las andaduras del esquimal Inuk junto a su familia. Con la compañía de una voz en off que nos describe el día a día de estos habitantes  (un elemento, bajo mi punto de vista, tedioso y prescindible  en el transcurso de la trama), el film se esforzaría por ofrecernos un choque de culturas entre la población esquimal, caracterizada por un comportamiento primitivo y visceral, y la del hombre blanco, que a pesar de su actitud civilizada no tiene otro fin que manipular y ejercer su poder al resto de las razas. Una de las piezas fundamentales que hacen de este título recomendable para su visionado es la presencia de Anthony Quinn ("Zorba el griego (1964)"), donde el actor azteca con su personaje del esquimal Inuk nos deleitaría con un magnífico trabajo interpretativo cargado de realismo y credibilidad. La realización de este film provocaría también el debut cinematográfico del irlandés Peter O´Toole ("Lawrence de Arabia (1962)") con su papel de agente de la ley que persigue a Inuk, una breve pero intensa aparición que le sería suficiente para ganarse la confianza de la industria hollywoodiense y de paso abrirse un exitoso camino dentro de la meca del cine. Entres sus escenas hago mención la secuencia donde Inuk descubre por primera vez el uso de un rifle y el triste abandono de una anciana esquimal ante los peligros del Polo Norte. Como curiosidad, la canción "Quinn the Eskimo" de Bob Dylan fue inspirada gracias a esta obra.

Frase para recordar: "Cuando vinisteis a nuestras tierras debisteis traer a vuestras mujeres en lugar de vuestras leyes".


los dientes del diablo


Título original: The savage innocents.

Director: Nicholas Ray.

Intérpretes: Anthony Quinn, Yoko Tani, Carlo Giustini, Peter O´Toole.


Escena: 



Información complementaria:
Peter O´Toole

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

LOS DIENTES DEL DIABLO (1960). Las aventuras esquimales de Anthony Quinn.

los dientes del diablo
Independientemente de su polémico entorno personal (en aquel año, su ex-pareja, la actriz Gloria Grahame ("Los sobornado (1953)") se casaba con uno de sus hijos) y sus problemas con el alcohol, el realizador Nicholas Ray (más conocido por dirigir al mítico James Dean en "Rebelde sin causa (1955)") se encargaría de llevar notablemente a la gran pantalla la aventurera novela de Hans Ruesch ("En el país de las sombras largas"). La película nos trasladaría a las frías tierras de la región de Alaska para contarnos las vivencias, las tradiciones y la constante lucha de supervivencia del pueblo esquimal, centrándose especialmente en las andaduras del esquimal Inuk junto a su familia. Con la compañía de una voz en off que nos describe el día a día de estos habitantes  (un elemento, bajo mi punto de vista, tedioso y prescindible  en el transcurso de la trama), el film se esforzaría por ofrecernos un choque de culturas entre la población esquimal, caracterizada por un comportamiento primitivo y visceral, y la del hombre blanco, que a pesar de su actitud civilizada no tiene otro fin que manipular y ejercer su poder al resto de las razas. Una de las piezas fundamentales que hacen de este título recomendable para su visionado es la presencia de Anthony Quinn ("Zorba el griego (1964)"), donde el actor azteca con su personaje del esquimal Inuk nos deleitaría con un magnífico trabajo interpretativo cargado de realismo y credibilidad. La realización de este film provocaría también el debut cinematográfico del irlandés Peter O´Toole ("Lawrence de Arabia (1962)") con su papel de agente de la ley que persigue a Inuk, una breve pero intensa aparición que le sería suficiente para ganarse la confianza de la industria hollywoodiense y de paso abrirse un exitoso camino dentro de la meca del cine. Entres sus escenas hago mención la secuencia donde Inuk descubre por primera vez el uso de un rifle y el triste abandono de una anciana esquimal ante los peligros del Polo Norte. Como curiosidad, la canción "Quinn the Eskimo" de Bob Dylan fue inspirada gracias a esta obra.

Frase para recordar: "Cuando vinisteis a nuestras tierras debisteis traer a vuestras mujeres en lugar de vuestras leyes".


los dientes del diablo


Título original: The savage innocents.

Director: Nicholas Ray.

Intérpretes: Anthony Quinn, Yoko Tani, Carlo Giustini, Peter O´Toole.


Escena: 



Información complementaria:
Peter O´Toole

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

viva zapata
El enorme éxito de "Un tranvía llamado deseo (1951)" harían repetir al tándem formado por Elia Kazan y Marlon Brando para narrar las acciones del líder militar Emiliano Zapata durante la revolución mexicana de principios del siglo XX, un recorrido desde sus inicios como rebelde campesino hasta su consagración definitiva como figura importante encargada de luchar por la libertad de las tierras aztecas. Dicha biografía con dura crítica hacia la corrupción del poder estaría sacada del libro de Edgecumb Pinchon donde el escritor californiano John Steinbeck (de sus novelas salieron clásicos como "Las uvas de la ira (1940)" o "Al este del Edén (1955)") se encargaría de convertirlo en guión cinematográfico. El papel principal recaería en Marlon Brando para llevar a cabo la figura del revolucionario, muy a pesar para el bueno de Anthony Quinn que aun teniendo descendencia azteca y habiendo su padre combatido en la revolución mexicana tendría que conformarse con un papel secundario  interpretando al hermano mayor de Zapata (Eufemio Zapata), eso si con dicho trabajo sería premiado con el primer oscar de su carrera. También intervendrían en la obra la actriz Jean Peters (vista también junto a Marilyn Monroe en "Niágara (1953)") como la sufrida esposa de Emiliano Zapata, un debutante Joseph Wiseman (el villano de James Bond en "Dr. No (1962)" como el despiadado Fernado Aguirre o Alan Reed ("Desayuno con diamantes (1961)") poniéndose en la piel de Pancho Villa. La partitura musical compuesta por Alex North ("Espartaco (1960)") estaría formada por melodías típicas del pueblo mexicano. Entre sus escenas hago mención el momento de Emiliano Zapata regalando después de una batalla su preciado caballo a un valeroso niño o un preocupado Marlon Brando durante su noche de bodas pidiéndole a su esposa que le enseñe a leer. Como curiosidad, ese mismo año Elia Kazan delataba a sus antiguos compañeros del partido comunista en la denominada caza de brujas de la época del McCarthismo.

Frase para recordar: "Un hombre cuyos sentimientos han nacido de la ira y del odio, ¿está en condiciones de  traernos la paz y de gobernar en paz?".


viva zapata
viva zapata












Director: Elia Kazan.

Intérpretes: Marlon Brando, Jean Peters, Anthony Quinn, Alan Reed.

Trailer: 



Información complementaria:
Emiliano Zapata

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

¡VIVA ZAPATA! (1952). Marlon Brando es el revolucionario Emiliano Zapata.

viva zapata
El enorme éxito de "Un tranvía llamado deseo (1951)" harían repetir al tándem formado por Elia Kazan y Marlon Brando para narrar las acciones del líder militar Emiliano Zapata durante la revolución mexicana de principios del siglo XX, un recorrido desde sus inicios como rebelde campesino hasta su consagración definitiva como figura importante encargada de luchar por la libertad de las tierras aztecas. Dicha biografía con dura crítica hacia la corrupción del poder estaría sacada del libro de Edgecumb Pinchon donde el escritor californiano John Steinbeck (de sus novelas salieron clásicos como "Las uvas de la ira (1940)" o "Al este del Edén (1955)") se encargaría de convertirlo en guión cinematográfico. El papel principal recaería en Marlon Brando para llevar a cabo la figura del revolucionario, muy a pesar para el bueno de Anthony Quinn que aun teniendo descendencia azteca y habiendo su padre combatido en la revolución mexicana tendría que conformarse con un papel secundario  interpretando al hermano mayor de Zapata (Eufemio Zapata), eso si con dicho trabajo sería premiado con el primer oscar de su carrera. También intervendrían en la obra la actriz Jean Peters (vista también junto a Marilyn Monroe en "Niágara (1953)") como la sufrida esposa de Emiliano Zapata, un debutante Joseph Wiseman (el villano de James Bond en "Dr. No (1962)" como el despiadado Fernado Aguirre o Alan Reed ("Desayuno con diamantes (1961)") poniéndose en la piel de Pancho Villa. La partitura musical compuesta por Alex North ("Espartaco (1960)") estaría formada por melodías típicas del pueblo mexicano. Entre sus escenas hago mención el momento de Emiliano Zapata regalando después de una batalla su preciado caballo a un valeroso niño o un preocupado Marlon Brando durante su noche de bodas pidiéndole a su esposa que le enseñe a leer. Como curiosidad, ese mismo año Elia Kazan delataba a sus antiguos compañeros del partido comunista en la denominada caza de brujas de la época del McCarthismo.

Frase para recordar: "Un hombre cuyos sentimientos han nacido de la ira y del odio, ¿está en condiciones de  traernos la paz y de gobernar en paz?".


viva zapata
viva zapata












Director: Elia Kazan.

Intérpretes: Marlon Brando, Jean Peters, Anthony Quinn, Alan Reed.

Trailer: 



Información complementaria:
Emiliano Zapata

Reseña escrita por Jesús Fariña

Sígueme por:
Google+
Twitter

zorba el griego
Buena dosis de positivismo y ganas de disfrutar cada instante de nuestras vidas es lo que nos transmite esta vitalista obra de Michael Cacoyannis (primera incursión en el cine norteamericano y de las obras más reconocidas de este cineasta griego-chipriota que posteriormente dirigiría a Katharine Hepburn en el drama histórico de "Las Troyanas (1971)"). El argumento basado en la novela de Nikos Kazantzakis (también novelista de la polémica "La última tentación de Cristo" llevada a finales de los ochenta por Martin Scorsese a la gran pantalla) y escrito por el propio Cacoyannis (consiguiendo la nominación al mejor guión adaptado) convertiría al actor británico Alan Bates ("El mensajero (1970)", "Mujeres enamoradas (1969)") en Basil, un escritor en horas bajas que realizaría un viaje a Creta con la intención de hacerse cargo de unas tierras heredadas por su padre, por el camino conocerá a un caradura y rudo griego llamado Zorba que le ayudará ver su subsistencia desde otro punto de vista. Zorba son de esos personajes en la historia del celuloide que por su carisma y peculiar personalidad consiguen meterse en el bolsillo al público desde el primer momento de su aparición en la pantalla, ese logro no hubiera sido posible sin el buen hacer del mexicano Anthony Quinn, un papel considerado para muchos (donde yo me incluyo) de los mejores trabajos realizados para el mundo del séptimo arte. Entre sus escenas significativas aparte del mítico baile en la playa de la danza sirtaki entre Zorba y Basil (receta mágica del protagonista para olvidar las penas y disfrutar de las alegrías) cabe recordar el drástico desenlace de una atractiva viuda (papel realizado por Irene Papas, actriz que repetiría con Anthony Quinn en el film bélico de J. Lee Thompson, "Los cañones de Navarone (1961)") juzgada por los habitantes del pueblo del suicidio de un joven cretence y el saqueo por los mismo habitantes (como de buitres hambrientos se tratasen) de la casa de una fallecida madame Hortense, la retirada prostituta y enamorada del griego Zorba, genialmente interpretada por Lila Kedrova ("Cortina rasgada (1966)") que tendría su recompensa ganando la estatuilla de mejor actriz de reparto. Hago mención la partitura de Mikis Theodorakis creador de unas sobresalientes notas musicales que estarían en sintonía con los emotivos momentos que llenan el film y la bella fotografía en blanco y negro a cargo de Walter Lassally. Como curiosidad, en 1983, Anthony Quinn y Lila Kedrova repetirían sus papeles y el éxito en la versión musical del film realizado en Broadway.

Frase para recordar: "Bueno o malo, que más da la diferencia, al final todos acabamos en el mismo sitio, comidos por los gusanos".

zorba el griegozorba el griego

Título original: Alexis Zorbas ( Zorga the greek).

Director: Michael Cacoyannis.

Intérpretes: Anthony Quinn, Alan Bates, Irene Papas, Lila Kedrova.

Escena: 



Información complementaria:
Anthony Quinn

Reseña escrita por Jesús Fariña
Sígueme en:
Google +
Twitter

ZORBA EL GRIEGO (1964). El positivo film de Michael Cacoyannis.

zorba el griego
Buena dosis de positivismo y ganas de disfrutar cada instante de nuestras vidas es lo que nos transmite esta vitalista obra de Michael Cacoyannis (primera incursión en el cine norteamericano y de las obras más reconocidas de este cineasta griego-chipriota que posteriormente dirigiría a Katharine Hepburn en el drama histórico de "Las Troyanas (1971)"). El argumento basado en la novela de Nikos Kazantzakis (también novelista de la polémica "La última tentación de Cristo" llevada a finales de los ochenta por Martin Scorsese a la gran pantalla) y escrito por el propio Cacoyannis (consiguiendo la nominación al mejor guión adaptado) convertiría al actor británico Alan Bates ("El mensajero (1970)", "Mujeres enamoradas (1969)") en Basil, un escritor en horas bajas que realizaría un viaje a Creta con la intención de hacerse cargo de unas tierras heredadas por su padre, por el camino conocerá a un caradura y rudo griego llamado Zorba que le ayudará ver su subsistencia desde otro punto de vista. Zorba son de esos personajes en la historia del celuloide que por su carisma y peculiar personalidad consiguen meterse en el bolsillo al público desde el primer momento de su aparición en la pantalla, ese logro no hubiera sido posible sin el buen hacer del mexicano Anthony Quinn, un papel considerado para muchos (donde yo me incluyo) de los mejores trabajos realizados para el mundo del séptimo arte. Entre sus escenas significativas aparte del mítico baile en la playa de la danza sirtaki entre Zorba y Basil (receta mágica del protagonista para olvidar las penas y disfrutar de las alegrías) cabe recordar el drástico desenlace de una atractiva viuda (papel realizado por Irene Papas, actriz que repetiría con Anthony Quinn en el film bélico de J. Lee Thompson, "Los cañones de Navarone (1961)") juzgada por los habitantes del pueblo del suicidio de un joven cretence y el saqueo por los mismo habitantes (como de buitres hambrientos se tratasen) de la casa de una fallecida madame Hortense, la retirada prostituta y enamorada del griego Zorba, genialmente interpretada por Lila Kedrova ("Cortina rasgada (1966)") que tendría su recompensa ganando la estatuilla de mejor actriz de reparto. Hago mención la partitura de Mikis Theodorakis creador de unas sobresalientes notas musicales que estarían en sintonía con los emotivos momentos que llenan el film y la bella fotografía en blanco y negro a cargo de Walter Lassally. Como curiosidad, en 1983, Anthony Quinn y Lila Kedrova repetirían sus papeles y el éxito en la versión musical del film realizado en Broadway.

Frase para recordar: "Bueno o malo, que más da la diferencia, al final todos acabamos en el mismo sitio, comidos por los gusanos".

zorba el griegozorba el griego

Título original: Alexis Zorbas ( Zorga the greek).

Director: Michael Cacoyannis.

Intérpretes: Anthony Quinn, Alan Bates, Irene Papas, Lila Kedrova.

Escena: 



Información complementaria:
Anthony Quinn

Reseña escrita por Jesús Fariña
Sígueme en:
Google +
Twitter

NOS MENCIONAN EN ANTENA 3

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.015

FINALISTAS EN LOS PREMIOS 20BLOGS 2.014

FINALISTAS EN LOS PREMIOS BITÁCORAS 2.012

SÍGUENOS EN FEEDLY

follow us in feedly

AVISO LEGAL

Licencia Creative Commons
Las mejores películas de la historia del cine por Jesús Fariña se encuentra bajo una Licencia Creative Commons Reconocimiento-NoComercial-SinObraDerivada 3.0 Unported.
back to top