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El western a partir de mitades de los 70's y los 80´s era un género maldito, desgastado y prácticamente en extinción hasta que apareció "Silverado" de Lawrence Kasdan que devolvió (durante poco tiempo) a crítica y público a la edad dorada de los vaqueros a caballo.
Tuvieron que transcurrir casi 10 años hasta que George Pan Cosmatos, el director de Rambo 2, se armara con el suficiente valor para actualizar el famosísimo duelo del O.K. Corral (que según tengo entendido sólo duró unos segundos). Wyatt Earp, los Clanton, Doc Holliday y todos los destacados acontecimientos ocurridos en la ciudad de Tombstone, hicieron que las películas de pistoleros se pusieran de nuevo en el candelero, abriendo una interesante brecha que llevaría a nuevos títulos como "El tren de las 3:10", "Appaloosa", "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", y otros....
Diré a priori, dado el destacado reparto de Tombstone que uno se sorprende gratamente, nada menos que Kurt Rusell, Val Kilmer, Sam Elliott, Bill Paxton, Michael Bienh y hasta el mismísimo Charlton Heston, y el recientemente fallecido Power Boothe formaron una reinterpretación de los hechos repetidos en Cine hasta la saciedad, pero que gracias a la pericia y el arrojo de todo el elenco, una cuidadísima ambientación, una estupenda dirección y un aura polvorienta y salvaje, convirtieron esta cinta en un lujo para todo amante del género de revólver y balas.
Así pues, salvando las distancias, Tombstone es al western, lo que Gladiator fue al péplum, teniendo Tombstone incluso una competidora (La leyenda de Wyatt Earp) que no alcanzó el éxito, compartiendo la misma historia de Earp con Kevin Conster a la cabeza y estrenándose prácticamente a la vez, y que como curiosidad y capricho del destino, contaba con el director que había intentado ya despuntar en el oeste con la mencionada "Silverado", el gran Lawrence Kasdan.
Veo Tombstone como un resurgimiento del género a la altura de "Gladiator", dado que en su momento (al igual que con las sandalias romanas a principios del nuevo milenio), nadie en su sano juicio hubiera arriesgado para llevar a la pantalla películas del oeste, cuando éstas ya estaban denostadas y olvidadas. Parece ser que todo género de Cine merece una segunda oportunidad, después de un largo letargo, para resurgir y asentarse de nuevo como inspiración a más cineastas que exploten las nueva betas de oro que hay en las viejas minas del Hollywood actual.
Duelos impactantes, exhibiciones
de destreza armamentística, desafíos verbales de altura, una bella historia de
amor, honor, amistad, compromiso y todo ello con una fidedigna historia real de
por medio, convierten Tombstone en una joya que debe apreciarse de principio a
fin. Tombstone es un lujo para saborearse de principio a fín con torturados
pistoleros enfrentados a su destino, unos agentes de la ley que deben debatirse
entre enriquecerse en casinos viendo las injusticias impuestas por los cowboys
(los principios del crímen organizado) o enfrentarse al abuso de poder,
impartiendo la justicia de la estrella de sheriff aún a riesgo de perder la
vida y poner en peligro a sus familias-
Val Kilmer realiza aquí a mi entender el mejor trabajo de toda su carrera con
su tísico y borracho de Doc Holliday, con una caracterización del personaje
excepcional, al igual que un Kurt Rusell en estado de gracia que ha declarado
que Tombstone es la interpretación de la que más orgulloso está, llegando
incluso a ponerle el nombre de Wyatt a su hijo.
Dedicado a la cafetería La Tahona en Huarte Navarra.
Director: George Pan Cosmatos.
Intérpretes: Kurt Russell, Val Kilmer, Sam Elliott, Bill Paxton, Powers Boothe, Dana Delany,Michael Biehn, Stephen Lang, Michael Rooker, Charlton Heston.
El western a partir de mitades de los 70's y los 80´s era un género maldito, desgastado y prácticamente en extinción hasta que apareció "Silverado" de Lawrence Kasdan que devolvió (durante poco tiempo) a crítica y público a la edad dorada de los vaqueros a caballo.
Tuvieron que transcurrir casi 10 años hasta que George Pan Cosmatos, el director de Rambo 2, se armara con el suficiente valor para actualizar el famosísimo duelo del O.K. Corral (que según tengo entendido sólo duró unos segundos). Wyatt Earp, los Clanton, Doc Holliday y todos los destacados acontecimientos ocurridos en la ciudad de Tombstone, hicieron que las películas de pistoleros se pusieran de nuevo en el candelero, abriendo una interesante brecha que llevaría a nuevos títulos como "El tren de las 3:10", "Appaloosa", "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", y otros....
Diré a priori, dado el destacado reparto de Tombstone que uno se sorprende gratamente, nada menos que Kurt Rusell, Val Kilmer, Sam Elliott, Bill Paxton, Michael Bienh y hasta el mismísimo Charlton Heston, y el recientemente fallecido Power Boothe formaron una reinterpretación de los hechos repetidos en Cine hasta la saciedad, pero que gracias a la pericia y el arrojo de todo el elenco, una cuidadísima ambientación, una estupenda dirección y un aura polvorienta y salvaje, convirtieron esta cinta en un lujo para todo amante del género de revólver y balas.
Así pues, salvando las distancias, Tombstone es al western, lo que Gladiator fue al péplum, teniendo Tombstone incluso una competidora (La leyenda de Wyatt Earp) que no alcanzó el éxito, compartiendo la misma historia de Earp con Kevin Conster a la cabeza y estrenándose prácticamente a la vez, y que como curiosidad y capricho del destino, contaba con el director que había intentado ya despuntar en el oeste con la mencionada "Silverado", el gran Lawrence Kasdan.
Veo Tombstone como un resurgimiento del género a la altura de "Gladiator", dado que en su momento (al igual que con las sandalias romanas a principios del nuevo milenio), nadie en su sano juicio hubiera arriesgado para llevar a la pantalla películas del oeste, cuando éstas ya estaban denostadas y olvidadas. Parece ser que todo género de Cine merece una segunda oportunidad, después de un largo letargo, para resurgir y asentarse de nuevo como inspiración a más cineastas que exploten las nueva betas de oro que hay en las viejas minas del Hollywood actual.
Duelos impactantes, exhibiciones
de destreza armamentística, desafíos verbales de altura, una bella historia de
amor, honor, amistad, compromiso y todo ello con una fidedigna historia real de
por medio, convierten Tombstone en una joya que debe apreciarse de principio a
fin. Tombstone es un lujo para saborearse de principio a fín con torturados
pistoleros enfrentados a su destino, unos agentes de la ley que deben debatirse
entre enriquecerse en casinos viendo las injusticias impuestas por los cowboys
(los principios del crímen organizado) o enfrentarse al abuso de poder,
impartiendo la justicia de la estrella de sheriff aún a riesgo de perder la
vida y poner en peligro a sus familias-
Val Kilmer realiza aquí a mi entender el mejor trabajo de toda su carrera con
su tísico y borracho de Doc Holliday, con una caracterización del personaje
excepcional, al igual que un Kurt Rusell en estado de gracia que ha declarado
que Tombstone es la interpretación de la que más orgulloso está, llegando
incluso a ponerle el nombre de Wyatt a su hijo.
Dedicado a la cafetería La Tahona en Huarte Navarra.
Director: George Pan Cosmatos.
Intérpretes: Kurt Russell, Val Kilmer, Sam Elliott, Bill Paxton, Powers Boothe, Dana Delany,Michael Biehn, Stephen Lang, Michael Rooker, Charlton Heston.
En 1992 el británico Michael Apted, gracias sobre todo al impulso de TriBeca la productora de Robert De Niro cristalizo su largamente acariciada Corazón Trueno (ThunderHeart) bajo un libreto de John Fusco sobre varios asesinatos reales en una reserva India en Dakota del Sur, en donde eran cosidos a tiros los Sioux sin que a nadie parecería importarle, al mismo tiempo que era asignada una fuerza militar llamada MDA que parecía tener vía libre para imponer su justicia en la reserva, al margen de la policía tribal. Ese mismo año Apted, lanzaría un documental complementario contando la historia verídica titulado ‘Incident At Oglala’. Cinematográficamente hablando Apted venía de trabajar con Gene Hackman en Acción judicial el año anterior, y se había ganado cierta fama de artesano que sabia llevar a "estrellas complicadas" habiendo trabajado con Faye Dunaway, Dustin Hoffman, Jon Voight, Sigourney Weaver o el ya citado Hackman. El protagonista principal de Corazón Trueno es Val Kilmer, un Kilmer lanzado a lo más alto gracias al éxito de crítica y público de The Doors (Oliver Stone, 1991). Kilmer le gano la partida a Richard Gere como el joven y orgulloso federal Ray Levoi, viendo el film uno se alegra de que un tipo tan soso como Gere no hubiese salido ganador del asunto, porque la vida y el carisma que le imprime Kilmer están muy lejos de las creaciones monotemáticas del protagonista de Pretty Woman. Además el propio Kilmer tiene corriendo por su sangre raíces Cheyennes, aunque en el film son Sioux por parte de padre. Para el papel de Frank Cuttel, el legendario agente federal encargado jefe de resolver el crimen en la Reserva India de Bear Creek en un plazo máximo de tres días, Michael Apted valoro seriamente a Marlon Brando, aunque viendo el film, servidor duda muy mucho que Brando siquiera se hubiera planteado interpretarlo a pesar de ser un firme defensor de los verdaderos nativos americanos. En un momento dado, Robert De Niro era quien debía hacer de Frank Cuttel, pero su apretada agenda se lo impido y acabo firmando sólo como productor ejecutivo, siendo Sam Shepard quien se encargaría de tanto durísimo personaje. Graham Greene es el policía nativo "Caballo cuervo", Greene debido a sus rasgos pegaba muy bien como nativo americano –a pesar de ser Canadiense-, y ciertamente lleva a cabo un muy buena actuación en el film haciendo una pareja con Kilmer bastante bien avenida. No en vano dos años antes hizo lo mismo con Kevin Costner en Bailando con lobos (Dance with Wolves, 1990) y le nominaron al Oscar como mejor secundario, sabía lo que se hacía sin duda repitiendo un papel que le venía como anillo al dedo. Mientras que el casi siempre inalterable Fred Ward daba vida a Jack Milton, el jefe de los MDA, un tipo que a pesar de los más de cuarenta grados al sol de Dakota viste siempre de negro.
Corazón Trueno mezcla el cine de investigación, con el cine denuncia y por último la reivindicación del pueblo Indio como parte vital –y maltratada- de la historia americana sin en ningún momento perder las miras comerciales. Se nota en su base argumental que Fusco (guionista) trabajo durante años en el libreto, y que este luce muy bien documentado tanto de personajes reales, como de la realidad que le da el hecho de que los que los interpreten sean en su mayoría Indios verdaderos, la ambientación juega otro punto a favor con los actores sudando la gota gorda en pleno desierto. Otro dato interesantes es qué el film juega con el tiempo, con los actores luciendo ropas que nos retrotraen a los años setenta –década de donde se extraen los hechos-, igual que los coches, pero sin que en ningún momento se nos situé cronológicamente en ese tiempo concreto, quizá para preservar la idea de que no es un documental al uso sino un vehículo comercial. Eso sí, vista hoy día parte de investigación puede resultar algo obvia, o más bien típica. Veamos; tenemos al tipo duro que cree sabérselas todas, el digamos mentor (Shepard), luego el novato que va de listillo (Kilmer) el policía local que quiere encontrar la verdad antes que el FBI (Greene), a los lugareños que se muestran altamente recelosos y por último a un grupo fuertemente armado que no pone las cosas para nada fáciles comandado por Milton (Fred Ward). De ese esqueleto narrativo van derivando varias sub-tramas, siendo la mejor aquella que entra de lleno en el pasado de Ray Levoi (Kilmer) y de sus raíces Sioux, que van saliendo a la luz a pesar de que este intenta fuertemente que se queden dentro de su alma. La parte denuncia va tomando el metraje conforme Levoi se aleja más y más de la forma que Cuttel tiene para llevar el caso y se acerca a las de "Caballo Cuervo" entrando ya en la zona de denuncia del film, y por último la reivindicativa con la entrada en liza de la maestra de escuela a la que da vida Sheila Tousey (otro personaje real que el film busca homenajear).
A pesar de que no tiene excesiva fama Corazón Trueno pasa seguramente por ser de lo mejor, y seguramente sea la mejor película de Apted en todos los años noventa, y de las top´s de su filmografía, luego utilizaría su buena mano de artesano para dirigir un vehículo de James Bond con Pierce Brosnan (El mundo nunca es suficiente, 1999) como protagonista, mientras seguía con su carrera en televisión y su labor de documentalista. Lástima que acabara relegando sus buenas maneras en pobres producciones al servicio de por ejemplo pseudo actrices como Jennifer Lopez en la facilona Nunca mas (Enough, 2002). No conviene entrar en grosos destripes acerca de hacia dónde va derivando Corazón Trueno, ella misma en todo momento se mantiene en esa diatriba de querer entretener y además mandar un desesperado mensaje de socorro, y de la primera parte se encarga un carismático y muy entonado Val Kilmer junto a un genial Graham Greene, mientras Sam Shepard y Fred Ward aportan su porte de duros marca de la casa. Y Apted por su parte mezcla pistas falsas con verdaderas, ensoñaciones, flashbacks explicativos y una dosis de acción y tensión ciertamente palpitante. Lo cierto es que Corazón Trueno cumple ampliamente con su cometido de entretener y aleccionar al mismo tiempo algo que en los noventa pareció olvidarse en algunos momentos, sobre todo de mediados en adelante, se nota en Corazón Trueno su parte de gestación ochentera, como Bailando con lobos, es un film que se estreno una década después de la que fue concebida. Sin llegar al nivel de la magnum opus del Costner director, Corazón Trueno posee un mensaje propio y una fuerza que la hace digna de ser rescatada del olvido: no pierdan ojo a su tremendamente explicativo y soberbio plano final, un doloroso y fiel reflejo de hacia dónde debe dirigirse un hombre que acaba de encontrar su verdad.
Título original: Thunderheart.
Director: Michael Apted.
Intérpretes.: Val Kilmer, Sam Shepard, Graham Greene, Fred Ward, Sheila Tousey, Fred Dalton Thompson, Jefe Ted Thin Elk, John Trudell, Rex Linn.
En 1992 el británico Michael Apted, gracias sobre todo al impulso de TriBeca la productora de Robert De Niro cristalizo su largamente acariciada Corazón Trueno (ThunderHeart) bajo un libreto de John Fusco sobre varios asesinatos reales en una reserva India en Dakota del Sur, en donde eran cosidos a tiros los Sioux sin que a nadie parecería importarle, al mismo tiempo que era asignada una fuerza militar llamada MDA que parecía tener vía libre para imponer su justicia en la reserva, al margen de la policía tribal. Ese mismo año Apted, lanzaría un documental complementario contando la historia verídica titulado ‘Incident At Oglala’. Cinematográficamente hablando Apted venía de trabajar con Gene Hackman en Acción judicial el año anterior, y se había ganado cierta fama de artesano que sabia llevar a "estrellas complicadas" habiendo trabajado con Faye Dunaway, Dustin Hoffman, Jon Voight, Sigourney Weaver o el ya citado Hackman. El protagonista principal de Corazón Trueno es Val Kilmer, un Kilmer lanzado a lo más alto gracias al éxito de crítica y público de The Doors (Oliver Stone, 1991). Kilmer le gano la partida a Richard Gere como el joven y orgulloso federal Ray Levoi, viendo el film uno se alegra de que un tipo tan soso como Gere no hubiese salido ganador del asunto, porque la vida y el carisma que le imprime Kilmer están muy lejos de las creaciones monotemáticas del protagonista de Pretty Woman. Además el propio Kilmer tiene corriendo por su sangre raíces Cheyennes, aunque en el film son Sioux por parte de padre. Para el papel de Frank Cuttel, el legendario agente federal encargado jefe de resolver el crimen en la Reserva India de Bear Creek en un plazo máximo de tres días, Michael Apted valoro seriamente a Marlon Brando, aunque viendo el film, servidor duda muy mucho que Brando siquiera se hubiera planteado interpretarlo a pesar de ser un firme defensor de los verdaderos nativos americanos. En un momento dado, Robert De Niro era quien debía hacer de Frank Cuttel, pero su apretada agenda se lo impido y acabo firmando sólo como productor ejecutivo, siendo Sam Shepard quien se encargaría de tanto durísimo personaje. Graham Greene es el policía nativo "Caballo cuervo", Greene debido a sus rasgos pegaba muy bien como nativo americano –a pesar de ser Canadiense-, y ciertamente lleva a cabo un muy buena actuación en el film haciendo una pareja con Kilmer bastante bien avenida. No en vano dos años antes hizo lo mismo con Kevin Costner en Bailando con lobos (Dance with Wolves, 1990) y le nominaron al Oscar como mejor secundario, sabía lo que se hacía sin duda repitiendo un papel que le venía como anillo al dedo. Mientras que el casi siempre inalterable Fred Ward daba vida a Jack Milton, el jefe de los MDA, un tipo que a pesar de los más de cuarenta grados al sol de Dakota viste siempre de negro.
Corazón Trueno mezcla el cine de investigación, con el cine denuncia y por último la reivindicación del pueblo Indio como parte vital –y maltratada- de la historia americana sin en ningún momento perder las miras comerciales. Se nota en su base argumental que Fusco (guionista) trabajo durante años en el libreto, y que este luce muy bien documentado tanto de personajes reales, como de la realidad que le da el hecho de que los que los interpreten sean en su mayoría Indios verdaderos, la ambientación juega otro punto a favor con los actores sudando la gota gorda en pleno desierto. Otro dato interesantes es qué el film juega con el tiempo, con los actores luciendo ropas que nos retrotraen a los años setenta –década de donde se extraen los hechos-, igual que los coches, pero sin que en ningún momento se nos situé cronológicamente en ese tiempo concreto, quizá para preservar la idea de que no es un documental al uso sino un vehículo comercial. Eso sí, vista hoy día parte de investigación puede resultar algo obvia, o más bien típica. Veamos; tenemos al tipo duro que cree sabérselas todas, el digamos mentor (Shepard), luego el novato que va de listillo (Kilmer) el policía local que quiere encontrar la verdad antes que el FBI (Greene), a los lugareños que se muestran altamente recelosos y por último a un grupo fuertemente armado que no pone las cosas para nada fáciles comandado por Milton (Fred Ward). De ese esqueleto narrativo van derivando varias sub-tramas, siendo la mejor aquella que entra de lleno en el pasado de Ray Levoi (Kilmer) y de sus raíces Sioux, que van saliendo a la luz a pesar de que este intenta fuertemente que se queden dentro de su alma. La parte denuncia va tomando el metraje conforme Levoi se aleja más y más de la forma que Cuttel tiene para llevar el caso y se acerca a las de "Caballo Cuervo" entrando ya en la zona de denuncia del film, y por último la reivindicativa con la entrada en liza de la maestra de escuela a la que da vida Sheila Tousey (otro personaje real que el film busca homenajear).
A pesar de que no tiene excesiva fama Corazón Trueno pasa seguramente por ser de lo mejor, y seguramente sea la mejor película de Apted en todos los años noventa, y de las top´s de su filmografía, luego utilizaría su buena mano de artesano para dirigir un vehículo de James Bond con Pierce Brosnan (El mundo nunca es suficiente, 1999) como protagonista, mientras seguía con su carrera en televisión y su labor de documentalista. Lástima que acabara relegando sus buenas maneras en pobres producciones al servicio de por ejemplo pseudo actrices como Jennifer Lopez en la facilona Nunca mas (Enough, 2002). No conviene entrar en grosos destripes acerca de hacia dónde va derivando Corazón Trueno, ella misma en todo momento se mantiene en esa diatriba de querer entretener y además mandar un desesperado mensaje de socorro, y de la primera parte se encarga un carismático y muy entonado Val Kilmer junto a un genial Graham Greene, mientras Sam Shepard y Fred Ward aportan su porte de duros marca de la casa. Y Apted por su parte mezcla pistas falsas con verdaderas, ensoñaciones, flashbacks explicativos y una dosis de acción y tensión ciertamente palpitante. Lo cierto es que Corazón Trueno cumple ampliamente con su cometido de entretener y aleccionar al mismo tiempo algo que en los noventa pareció olvidarse en algunos momentos, sobre todo de mediados en adelante, se nota en Corazón Trueno su parte de gestación ochentera, como Bailando con lobos, es un film que se estreno una década después de la que fue concebida. Sin llegar al nivel de la magnum opus del Costner director, Corazón Trueno posee un mensaje propio y una fuerza que la hace digna de ser rescatada del olvido: no pierdan ojo a su tremendamente explicativo y soberbio plano final, un doloroso y fiel reflejo de hacia dónde debe dirigirse un hombre que acaba de encontrar su verdad.
Título original: Thunderheart.
Director: Michael Apted.
Intérpretes.: Val Kilmer, Sam Shepard, Graham Greene, Fred Ward, Sheila Tousey, Fred Dalton Thompson, Jefe Ted Thin Elk, John Trudell, Rex Linn.
Septiembre de 1995. Coincidiendo
con las fiestas patronales de mi ciudad en Corella (Navarra) celebrando la
festividad de S. Miguel, se proyectó en el cine M. Villar Díaz una película que
dado su secretismo en Hollywood, su altísimo presupuesto (100 millones de
dólares) y el cambio de imagen del héroe, me llamó poderosamente la atención
cuando asistí asombrado a mis 15 años a la metamorfosis del sello Warner al
logotipo Batman con el acompañamiento musical del rimbombante Elliot Goldenthal
en la "intro" de Batman Forever.
En esta ocasión Tim Burton
delegaba su tarea de dirección en Joel Scumacher ("Jóvenes ocultos (1987)") asumiendo la
tarea de producción junto a Peter Mc Gregor Scott. La película cambia radicalmente
en todo, empezando por su protagonista y acabando con el diseño de producción.
Gotham City pasa de ser una ciudad oscura y retro a transformarse en esta
tercera parte en una urbe que muestra una especie de "pop art" iluminada con
luces de Neón.
Val Kilmer con un perfil de
hombre de negocios más refinado y portada de revistas del corazón mete su
mentón en el traje hecho a medida, con un diseño en el que resaltaban las zonas
erógenas y con la goma aún más ceñida si cabe al cuerpo, convirtiendo al héroe
del cómic en un modelo de pasarela. La complejidad psicológica de Bruce Wayne-Batman quedaba reducida a la mínima expresión, aunque tengo que reconocer que
a Kilmer el traje no le quedaba nada mal. En cuanto a los villanos, se eligió a
un maquilladísimo Tommy Lee Jones en el papel de Harvey Dent- Dos Caras
(personaje que en 1989 encarnó Billy Dee Williams) y que continuamente intenta
de todas las formas posibles acabar con Batman de manera fallida (de ahí lo de "Forever").
Lee Jones con su "Dos caras" es
la antítesis de Batman con su doble personalidad marcada por la deformidad en
un personaje que marca todo un circo de exageraciones actorales, tan vistosas
como desproporcionadas. Por otro lado Jim Carrey en el papel de Enigma, es el
resultado de un experimento fallido cuyos inesperados efectos hacen que Bruce
Wayne a través de su empresa tecnológica le despida con la consecuencia fatal
de convertir a un científico mentalmente desequilibrado "Edward Nygma" en un
contrincante despiadado y malévolo a la par que desmesurado histrión irónico.
El tándem de villanos forzando a
Batman a luchar por su vida a través de espectaculares y vistosas secuencias de
acción supervisadas por el genio de los efectos John Dykstra, convirtió a
Batman Forever en una de las primeras películas en utilizar efectos digitales
al 100% en una escena (el salto al vacío de Batman del hotel Ritz-Gotham).
Quizás para no defraudar a los fans de la serie de t.v de los años 60's (puesto
que a mi juicio era totalmente innecesaria su incorporación a la saga) se
sacaron de la manga al pipiolo de Robin (Chris O'Donell) como compañero
vengativo del héroe, que busca destruir a 2 caras ya que es el causante de la
muerte de su familia (los acróbatas "Los Greyson Voladores").
Por si lo mencionado no fuera
suficiente, la Chica-Batman recayó en la escultural figura de Nicole Kidman
(por aquel entonces esposa de Tom Cruise) como la psiquiatra Chase Meridian,
siendo una obsesiva investigadora de la personalidad del caballero negro de
D.C. y manteniendo con él y con su álter ego un confuso y acalorado romance. En
definitiva, la tercera parte de Batman es un derroche visual espectacular
aderezado por escenas de acción en la que todo se cambiaba en cuanto a sus
antecesoras y en la que se pasaba por alto la mayoría de aristas y ángulos que
hacían interesante al héroe oscuro, cambiando el arte por las palomitas. La
fantasía en Batman Forever era exprimida dejando en un rincón aspectos como la
crítica a los avances tecnológicos del invento de Nygma, embobando a todos los
televidentes robándoles su intimidad e inteligencia (algo parecido a un Cine
3-D 'absorbementes').
Batman Forever obtuvo tres
nominaciones al Oscar: Fotografía, sonido y efectos de sonido. Batman Forever
recaudó 336 millones de dólares (70 más que Batman Vuelve). En la película de
Schumacher se nombraba por primera vez a Metrópolis (la residencia de Superman)
y aparecían novedades en "gadgets" (nuevo aeroplano, lancha, etc), además la
relación entre Batman y Robin se manifestó entre el público como una posible
unión homosexual entre los héroes, tan paródica como inmerecida... Aceptable
film de acción que defraudó como adaptación del cómic. Empezaba mi adolescencia
y Batman (aún cambiado en su tercera parte) seguía conmigo.
Director: Joel
Schumacher.
Intérpretes: Val
Kilmer, Nicole
Kidman, Chris
O'Donnell, Tommy
Lee Jones, Jim
Carrey, Debi
Mazar, Michael
Gough, Pat
Hingle.
Septiembre de 1995. Coincidiendo
con las fiestas patronales de mi ciudad en Corella (Navarra) celebrando la
festividad de S. Miguel, se proyectó en el cine M. Villar Díaz una película que
dado su secretismo en Hollywood, su altísimo presupuesto (100 millones de
dólares) y el cambio de imagen del héroe, me llamó poderosamente la atención
cuando asistí asombrado a mis 15 años a la metamorfosis del sello Warner al
logotipo Batman con el acompañamiento musical del rimbombante Elliot Goldenthal
en la "intro" de Batman Forever.
En esta ocasión Tim Burton
delegaba su tarea de dirección en Joel Scumacher ("Jóvenes ocultos (1987)") asumiendo la
tarea de producción junto a Peter Mc Gregor Scott. La película cambia radicalmente
en todo, empezando por su protagonista y acabando con el diseño de producción.
Gotham City pasa de ser una ciudad oscura y retro a transformarse en esta
tercera parte en una urbe que muestra una especie de "pop art" iluminada con
luces de Neón.
Val Kilmer con un perfil de
hombre de negocios más refinado y portada de revistas del corazón mete su
mentón en el traje hecho a medida, con un diseño en el que resaltaban las zonas
erógenas y con la goma aún más ceñida si cabe al cuerpo, convirtiendo al héroe
del cómic en un modelo de pasarela. La complejidad psicológica de Bruce Wayne-Batman quedaba reducida a la mínima expresión, aunque tengo que reconocer que
a Kilmer el traje no le quedaba nada mal. En cuanto a los villanos, se eligió a
un maquilladísimo Tommy Lee Jones en el papel de Harvey Dent- Dos Caras
(personaje que en 1989 encarnó Billy Dee Williams) y que continuamente intenta
de todas las formas posibles acabar con Batman de manera fallida (de ahí lo de "Forever").
Lee Jones con su "Dos caras" es
la antítesis de Batman con su doble personalidad marcada por la deformidad en
un personaje que marca todo un circo de exageraciones actorales, tan vistosas
como desproporcionadas. Por otro lado Jim Carrey en el papel de Enigma, es el
resultado de un experimento fallido cuyos inesperados efectos hacen que Bruce
Wayne a través de su empresa tecnológica le despida con la consecuencia fatal
de convertir a un científico mentalmente desequilibrado "Edward Nygma" en un
contrincante despiadado y malévolo a la par que desmesurado histrión irónico.
El tándem de villanos forzando a
Batman a luchar por su vida a través de espectaculares y vistosas secuencias de
acción supervisadas por el genio de los efectos John Dykstra, convirtió a
Batman Forever en una de las primeras películas en utilizar efectos digitales
al 100% en una escena (el salto al vacío de Batman del hotel Ritz-Gotham).
Quizás para no defraudar a los fans de la serie de t.v de los años 60's (puesto
que a mi juicio era totalmente innecesaria su incorporación a la saga) se
sacaron de la manga al pipiolo de Robin (Chris O'Donell) como compañero
vengativo del héroe, que busca destruir a 2 caras ya que es el causante de la
muerte de su familia (los acróbatas "Los Greyson Voladores").
Por si lo mencionado no fuera
suficiente, la Chica-Batman recayó en la escultural figura de Nicole Kidman
(por aquel entonces esposa de Tom Cruise) como la psiquiatra Chase Meridian,
siendo una obsesiva investigadora de la personalidad del caballero negro de
D.C. y manteniendo con él y con su álter ego un confuso y acalorado romance. En
definitiva, la tercera parte de Batman es un derroche visual espectacular
aderezado por escenas de acción en la que todo se cambiaba en cuanto a sus
antecesoras y en la que se pasaba por alto la mayoría de aristas y ángulos que
hacían interesante al héroe oscuro, cambiando el arte por las palomitas. La
fantasía en Batman Forever era exprimida dejando en un rincón aspectos como la
crítica a los avances tecnológicos del invento de Nygma, embobando a todos los
televidentes robándoles su intimidad e inteligencia (algo parecido a un Cine
3-D 'absorbementes').
Batman Forever obtuvo tres
nominaciones al Oscar: Fotografía, sonido y efectos de sonido. Batman Forever
recaudó 336 millones de dólares (70 más que Batman Vuelve). En la película de
Schumacher se nombraba por primera vez a Metrópolis (la residencia de Superman)
y aparecían novedades en "gadgets" (nuevo aeroplano, lancha, etc), además la
relación entre Batman y Robin se manifestó entre el público como una posible
unión homosexual entre los héroes, tan paródica como inmerecida... Aceptable
film de acción que defraudó como adaptación del cómic. Empezaba mi adolescencia
y Batman (aún cambiado en su tercera parte) seguía conmigo.
Director: Joel
Schumacher.
Intérpretes: Val
Kilmer, Nicole
Kidman, Chris
O'Donnell, Tommy
Lee Jones, Jim
Carrey, Debi
Mazar, Michael
Gough, Pat
Hingle.
Aunque la recepción de esta cinta
de un Oliver Stone en su mejor momento, en especial por los integrantes de The
Doors, no fue positiva debido a algunas licencias históricas y a ese sórdido
retrato de un Jim Morrison en continuo exceso, en detrimento de su gran talento
musical y poético, no cabe duda de que estamos ante uno de los mejores biopics
que se han hecho en la historia del cine sobre una banda. Ray
Manzarek, teclista de The Doors, rechazó incluso colaborar en su pre-producción,
al contrario que Robby Krieger (guitarra) y John Densmore (batería), los cuales
participaron como asesores e incluso este último realiza un pequeño cameo
caracterizado como Bruce Botnick, el que fuera ingeniero de sonido del
grupo. Además el guión firmado por Randall Jahnson y el propio Stone está basado
precisamente en "Riders of the storm" un libro escrito por John
Densmore. Afirmaba Ray Manzarek que el también magnífico documental "Where
you're strange (2009)" dirigido por Tom Dicillo si era la verdadera
historia de The Doors y por lo tanto Anti- Oliver Stone.
A mi parecer el gran
teclista exagera al afirmar esto y su cruzada contra esta espléndida película
la lleva al extremo, pues si bien se cometen errores históricos referentes al
cambio de texto de Light my fire durante el show de Ed Sullivan y no menos
cierto es que se hace demasiado hincapié en los abusos de alcohol y
drogas por parte de Morrison, así como continuos fracasos musicales por su culpa,
por otro lado no creo que se pase por alto el enorme talento de Morrison en ningún
momento, más bien al contrario, su portentosa voz se puede apreciar en toda la
banda sonora, así como su poesía en todas las letras.
Desde el comienzo del film se nos
muestra a un talentoso pero incomprendido joven, estudiante de la UCLA y
admirador de los films de Eric Von Stroheim, lector voraz de Baudelaire y
Aldous Huxley. La escena en la californiana playa de Venice al conocer a
Ray Manzarek no puede ser mas luminosa y positiva. Estamos en plena explosión
hippie y estos dos amigos mientras meditan y toman el sol toman la decisión de
usar su música para cambiar el mundo.Vietnam es el reverso de esta
esperanzadora generación y Oliver Stone como combatiente durante la contienda
lo sabe mejor que nadie, tal y como demuestra en Platoon (1986) y Nacido el 4 de Julio (1989). El realizador había descubierto la música de The Doors estando en Vietnam,
lo que le inspiró la historia para un guión surrealista llamado
"Break", el cual incluso llegó a enviarlo a la compañía discográfica
de Jim Morrison con la esperanza de que él lo protagonizara. Así que su relación
con la banda venia de lejos y quizá la realización de este film suponga un
intento de recrear un periodo, el de los años sesenta que él no pudo vivir como
le hubiese gustado.
Val Kilmer en el que posiblemente
sea su mejor papel consigue un trabajo de caracterización impresionante, en
ocasiones nos parece estar viendo al mismísimo Jim Morrison. Un trabajo que
llevó a cabo a través de un concienzudo estudio del personaje y que incluso le
obligó a perfeccionar su técnica vocal, ya que en el film canta algunos de los
temas de la banda. La psicodelia de la época queda mas que reflejada por esa
escena en el desierto y la experiencia con el consumo de peyote o la obsesión
de Morrison por los indios. Es en estas secuencias donde Stone saca a relucir
toda su experimentación con imágenes tratadas e iluminación surrealista, pero
por otro lado al igual que en su siguiente película, la estupenda J.F.K.: Caso abierto (1991) consigue
una lograda recreación de la época mediante un elegante trabajo de vestuarios ,a
lo que también contribuye sin duda la estupenda fotografía de Robert Richardson,
de tonos muy cálidos y naturales.
Director: Oliver Stone.
Intérpretes: Val
Kilmer, Meg
Ryan, Kevin
Dillon, Kyle
MacLachlan, Frank
Whaley, Michael
Madsen, Billy
Idol.
Aunque la recepción de esta cinta
de un Oliver Stone en su mejor momento, en especial por los integrantes de The
Doors, no fue positiva debido a algunas licencias históricas y a ese sórdido
retrato de un Jim Morrison en continuo exceso, en detrimento de su gran talento
musical y poético, no cabe duda de que estamos ante uno de los mejores biopics
que se han hecho en la historia del cine sobre una banda. Ray
Manzarek, teclista de The Doors, rechazó incluso colaborar en su pre-producción,
al contrario que Robby Krieger (guitarra) y John Densmore (batería), los cuales
participaron como asesores e incluso este último realiza un pequeño cameo
caracterizado como Bruce Botnick, el que fuera ingeniero de sonido del
grupo. Además el guión firmado por Randall Jahnson y el propio Stone está basado
precisamente en "Riders of the storm" un libro escrito por John
Densmore. Afirmaba Ray Manzarek que el también magnífico documental "Where
you're strange (2009)" dirigido por Tom Dicillo si era la verdadera
historia de The Doors y por lo tanto Anti- Oliver Stone.
A mi parecer el gran
teclista exagera al afirmar esto y su cruzada contra esta espléndida película
la lleva al extremo, pues si bien se cometen errores históricos referentes al
cambio de texto de Light my fire durante el show de Ed Sullivan y no menos
cierto es que se hace demasiado hincapié en los abusos de alcohol y
drogas por parte de Morrison, así como continuos fracasos musicales por su culpa,
por otro lado no creo que se pase por alto el enorme talento de Morrison en ningún
momento, más bien al contrario, su portentosa voz se puede apreciar en toda la
banda sonora, así como su poesía en todas las letras.
Desde el comienzo del film se nos
muestra a un talentoso pero incomprendido joven, estudiante de la UCLA y
admirador de los films de Eric Von Stroheim, lector voraz de Baudelaire y
Aldous Huxley. La escena en la californiana playa de Venice al conocer a
Ray Manzarek no puede ser mas luminosa y positiva. Estamos en plena explosión
hippie y estos dos amigos mientras meditan y toman el sol toman la decisión de
usar su música para cambiar el mundo.Vietnam es el reverso de esta
esperanzadora generación y Oliver Stone como combatiente durante la contienda
lo sabe mejor que nadie, tal y como demuestra en Platoon (1986) y Nacido el 4 de Julio (1989). El realizador había descubierto la música de The Doors estando en Vietnam,
lo que le inspiró la historia para un guión surrealista llamado
"Break", el cual incluso llegó a enviarlo a la compañía discográfica
de Jim Morrison con la esperanza de que él lo protagonizara. Así que su relación
con la banda venia de lejos y quizá la realización de este film suponga un
intento de recrear un periodo, el de los años sesenta que él no pudo vivir como
le hubiese gustado.
Val Kilmer en el que posiblemente
sea su mejor papel consigue un trabajo de caracterización impresionante, en
ocasiones nos parece estar viendo al mismísimo Jim Morrison. Un trabajo que
llevó a cabo a través de un concienzudo estudio del personaje y que incluso le
obligó a perfeccionar su técnica vocal, ya que en el film canta algunos de los
temas de la banda. La psicodelia de la época queda mas que reflejada por esa
escena en el desierto y la experiencia con el consumo de peyote o la obsesión
de Morrison por los indios. Es en estas secuencias donde Stone saca a relucir
toda su experimentación con imágenes tratadas e iluminación surrealista, pero
por otro lado al igual que en su siguiente película, la estupenda J.F.K.: Caso abierto (1991) consigue
una lograda recreación de la época mediante un elegante trabajo de vestuarios ,a
lo que también contribuye sin duda la estupenda fotografía de Robert Richardson,
de tonos muy cálidos y naturales.
Director: Oliver Stone.
Intérpretes: Val
Kilmer, Meg
Ryan, Kevin
Dillon, Kyle
MacLachlan, Frank
Whaley, Michael
Madsen, Billy
Idol.
Heat, con guión del propio Michael Mann,
autor de "El último mohicano (1992)" o "Enemigos públicos (2009)" y creador,
director, productor y guionista de la mítica serie para televisión "Miami
Vice", es un thriller policíaco, sí, de acuerdo, pero no es solo eso. Además de
la persecución de los buenos a los malos, de policías a ladrones, Michael Mann ahonda y
excava en cada uno de sus personajes, otorgándole a la cinta un tono más
intimista. No hay diálogos grandilocuentes, ni rápidos, sino a menudo los
personajes son sometidos a silencios de introspección en sus crisis personales.
En las psiques de Mc Cauley y Hanna hay más similitudes que diferencias. Ambos
están desencantados de sus vidas, ambos son excelentes profesionales en su
trabajo y ambos están absorbidos por él, impidiéndoles las relaciones
personales. La única diferencia es que uno es representante de la ley y, el
otro, al margen de ella. Y así se verán las caras, los dos frente a frente
haciéndole saber al contrario que no habrá concesiones, que solo pueda quedar uno,
como lo recoge la escena del restaurante, en la que creo recordar que no
comparten plano en ningún momento, sino que cuando aparece uno de ellos a medio
plano, el otro, aparece de espaldas. La puesta en escena de Mann es
impecable, sobria, pero, en elegantes tonos azules, como el lujoso ático desde
donde se puede contemplar el mar. La escena más recordada y brillante de la
película es la escena del atraco al banco y el posterior tiroteo, una escena de
más de seis minutos de duración de trepidante tiroteo y tensión narrativa en
medio de la Ciudad de Los Ángeles excelentemente filmadas. Además de la
brillante pareja protagonista, un contenido Robert De Niro y Al Pacino, los cuales no
habían vuelto a trabajar juntos desde "El Padrino II (1974)", sin haber coincidido en
ninguna escena juntos, por eso, y Val Kilmer, Heat está respaldada por un
puñado de buenos secundarios, tales como William Fichtner, Wes Studi, Hank
Azaria, Kevin Gage, Tom Sizemore, Natalie Portman y Joh Voight. También
destacable la BSO, donde suenan temas de Michael Brook, Brian Eno, Eric
Clapton, con Elliot Godenthal, Lisa Gerrard como compositores. Quizá lo más
reprochable sería su largo metraje de casi tres horas.
Frases para recordar:
Vincent- "Si yo hago lo que tengo
que hacer y ahora que hemos estado cara a cara. Si estoy allí y tengo que
matarte no me gustará. Pero te aviso, si entre tú y algún pobre desgraciado
cuya mujer vas a convertir en viuda; hermano, vas a palmarla".
Neil- "Hay otra cara de esa moneda, qué pasa si me tienes atrapado y soy yo el
que te liquida. Porque pase lo que pase no vas a entrometerte en mi camino.
Hemos estado cara a cara, sí. Pero no dudaré ni un segundo". Director: Michael Mann.
Intérpretes: Robert
De Niro, Al
Pacino, Val
Kilmer, Jon
Voight, Tom
Sizemore, Ashley
Judd, Diane
Venora, Amy
Brenneman, Natalie
Portman,
Heat, con guión del propio Michael Mann,
autor de "El último mohicano (1992)" o "Enemigos públicos (2009)" y creador,
director, productor y guionista de la mítica serie para televisión "Miami
Vice", es un thriller policíaco, sí, de acuerdo, pero no es solo eso. Además de
la persecución de los buenos a los malos, de policías a ladrones, Michael Mann ahonda y
excava en cada uno de sus personajes, otorgándole a la cinta un tono más
intimista. No hay diálogos grandilocuentes, ni rápidos, sino a menudo los
personajes son sometidos a silencios de introspección en sus crisis personales.
En las psiques de Mc Cauley y Hanna hay más similitudes que diferencias. Ambos
están desencantados de sus vidas, ambos son excelentes profesionales en su
trabajo y ambos están absorbidos por él, impidiéndoles las relaciones
personales. La única diferencia es que uno es representante de la ley y, el
otro, al margen de ella. Y así se verán las caras, los dos frente a frente
haciéndole saber al contrario que no habrá concesiones, que solo pueda quedar uno,
como lo recoge la escena del restaurante, en la que creo recordar que no
comparten plano en ningún momento, sino que cuando aparece uno de ellos a medio
plano, el otro, aparece de espaldas. La puesta en escena de Mann es
impecable, sobria, pero, en elegantes tonos azules, como el lujoso ático desde
donde se puede contemplar el mar. La escena más recordada y brillante de la
película es la escena del atraco al banco y el posterior tiroteo, una escena de
más de seis minutos de duración de trepidante tiroteo y tensión narrativa en
medio de la Ciudad de Los Ángeles excelentemente filmadas. Además de la
brillante pareja protagonista, un contenido Robert De Niro y Al Pacino, los cuales no
habían vuelto a trabajar juntos desde "El Padrino II (1974)", sin haber coincidido en
ninguna escena juntos, por eso, y Val Kilmer, Heat está respaldada por un
puñado de buenos secundarios, tales como William Fichtner, Wes Studi, Hank
Azaria, Kevin Gage, Tom Sizemore, Natalie Portman y Joh Voight. También
destacable la BSO, donde suenan temas de Michael Brook, Brian Eno, Eric
Clapton, con Elliot Godenthal, Lisa Gerrard como compositores. Quizá lo más
reprochable sería su largo metraje de casi tres horas.
Frases para recordar:
Vincent- "Si yo hago lo que tengo
que hacer y ahora que hemos estado cara a cara. Si estoy allí y tengo que
matarte no me gustará. Pero te aviso, si entre tú y algún pobre desgraciado
cuya mujer vas a convertir en viuda; hermano, vas a palmarla".
Neil- "Hay otra cara de esa moneda, qué pasa si me tienes atrapado y soy yo el
que te liquida. Porque pase lo que pase no vas a entrometerte en mi camino.
Hemos estado cara a cara, sí. Pero no dudaré ni un segundo". Director: Michael Mann.
Intérpretes: Robert
De Niro, Al
Pacino, Val
Kilmer, Jon
Voight, Tom
Sizemore, Ashley
Judd, Diane
Venora, Amy
Brenneman, Natalie
Portman,
Stephen Hopkins después de
coquetear con la montería de ciencia ficción en la secuela de "Depredador", se
marchó de safari para presentarnos una apreciable y reivindicativa película de
aventuras que ganó el Oscar en el apartado de mejores efectos de sonido y que a
su vez estaba basada en unos atroces hechos reales. Estamos a finales del Siglo XIX, en una época en la que África estaba siendo poblada por las colonias
británicas, y se hacía necesaria en la localidad de Tsavo (Kenia), la creación
de un puente para incrementar la economía y la conexión ferroviaria de tan
alejado lugar, en el que la naturaleza gobernaba manteniendo al ser humano en
un plano de simbiosis con su entorno. Pero, la codicia del hombre blanco (más
en concreto del imperio británico) encontrará un desafío demoledor, que acabará
poniendo en peligro la infraestructura que está llevando a cabo la mano de obra
contratada por los ingleses, dado que los obreros mueren asesinados por dos
leones, dos sanguinarios reyes de la selva conocidos por "El Fantasma y La
Oscuridad". Los atemorizadores felinos probando y acostumbrándose al sabor de
la sangre humana, siembran el terror entre los inocentes obreros. El serio
apuro de la empresa "Lunatic Express" para conectar cuanto antes las vías de
comunicación entre Kenia y Uganda, hará que se contrate a un prestigioso
arquitecto y cazador para solucionar el problema. Val Kilmer en el papel del
observador e intelectual arquitecto John Patterson unido a un intenso Michael
Douglas (Charles Remington, cazador que ha viajado por todo el mundo con su
rifle), se verán inmersos en la pugna por colocarse en lo más alto de la escala
evolutiva, entre los cazadores y los cazados, enfrentándose a los diablos
leones caza-humanos.
La lucha del hombre que empujaba debido a intereses
económicos (destruyendo todo a su paso), destronando el reino natural, es en
esta ocasión amenazado por los animales en forma de felinos desmesurados y
aterradores, que matan indiscriminadamente, y que resultaron ser un hecho real,
mostrando que las armas de la naturaleza para defenderse con garras y colmillos
pueden ser tan crueles e incluso más peligrosas que el propio hombre con sus
armas de fuego. Como puede verse en el film "El Fantasma" y "La Oscuridad",
acabaron con las vidas de centenares de personas, seres humanos desollados y
masacrados, cuyos esqueletos acumulaban en una cueva a modo de trofeos. Estos
hechos reales fueron utilizados como narración cinematográfica en un film con
bellos parajes de la siempre salvaje y apasionante África, con un vibrante
ritmo, todo aderezado con una adecuadísima banda sonora de Jerry Goldsmith. "Los demonios de la noche" es una más que interesante película de aventuras,
que como dijo en su día el crítico de cine y director Daniel Monzón, era una
mezcla entre el "Tiburón" de Spielberg y el "Depredador" de John McTiernan, pero
con leones. Como curiosidad los dos leones auténticos (ahora disecados), que
provocaron la barbarie, están expuestos en el museo de Chicago, y al parecer
todavía hoy siguen siendo fantasmagóricos y terroríficos felinos, tildados por
los lugareños africanos, como auténticos demonios.
Título original: The Ghost and the Darkness.
Director: Stephen
Hopkins.
Intérpretes: Val
Kilmer, Michael
Douglas, Tom
Wilkinson, Om
Puri, Bernard
Hill, John
Kani,Brian
McCardie.
Stephen Hopkins después de
coquetear con la montería de ciencia ficción en la secuela de "Depredador", se
marchó de safari para presentarnos una apreciable y reivindicativa película de
aventuras que ganó el Oscar en el apartado de mejores efectos de sonido y que a
su vez estaba basada en unos atroces hechos reales. Estamos a finales del Siglo XIX, en una época en la que África estaba siendo poblada por las colonias
británicas, y se hacía necesaria en la localidad de Tsavo (Kenia), la creación
de un puente para incrementar la economía y la conexión ferroviaria de tan
alejado lugar, en el que la naturaleza gobernaba manteniendo al ser humano en
un plano de simbiosis con su entorno. Pero, la codicia del hombre blanco (más
en concreto del imperio británico) encontrará un desafío demoledor, que acabará
poniendo en peligro la infraestructura que está llevando a cabo la mano de obra
contratada por los ingleses, dado que los obreros mueren asesinados por dos
leones, dos sanguinarios reyes de la selva conocidos por "El Fantasma y La
Oscuridad". Los atemorizadores felinos probando y acostumbrándose al sabor de
la sangre humana, siembran el terror entre los inocentes obreros. El serio
apuro de la empresa "Lunatic Express" para conectar cuanto antes las vías de
comunicación entre Kenia y Uganda, hará que se contrate a un prestigioso
arquitecto y cazador para solucionar el problema. Val Kilmer en el papel del
observador e intelectual arquitecto John Patterson unido a un intenso Michael
Douglas (Charles Remington, cazador que ha viajado por todo el mundo con su
rifle), se verán inmersos en la pugna por colocarse en lo más alto de la escala
evolutiva, entre los cazadores y los cazados, enfrentándose a los diablos
leones caza-humanos.
La lucha del hombre que empujaba debido a intereses
económicos (destruyendo todo a su paso), destronando el reino natural, es en
esta ocasión amenazado por los animales en forma de felinos desmesurados y
aterradores, que matan indiscriminadamente, y que resultaron ser un hecho real,
mostrando que las armas de la naturaleza para defenderse con garras y colmillos
pueden ser tan crueles e incluso más peligrosas que el propio hombre con sus
armas de fuego. Como puede verse en el film "El Fantasma" y "La Oscuridad",
acabaron con las vidas de centenares de personas, seres humanos desollados y
masacrados, cuyos esqueletos acumulaban en una cueva a modo de trofeos. Estos
hechos reales fueron utilizados como narración cinematográfica en un film con
bellos parajes de la siempre salvaje y apasionante África, con un vibrante
ritmo, todo aderezado con una adecuadísima banda sonora de Jerry Goldsmith. "Los demonios de la noche" es una más que interesante película de aventuras,
que como dijo en su día el crítico de cine y director Daniel Monzón, era una
mezcla entre el "Tiburón" de Spielberg y el "Depredador" de John McTiernan, pero
con leones. Como curiosidad los dos leones auténticos (ahora disecados), que
provocaron la barbarie, están expuestos en el museo de Chicago, y al parecer
todavía hoy siguen siendo fantasmagóricos y terroríficos felinos, tildados por
los lugareños africanos, como auténticos demonios.
Título original: The Ghost and the Darkness.
Director: Stephen
Hopkins.
Intérpretes: Val
Kilmer, Michael
Douglas, Tom
Wilkinson, Om
Puri, Bernard
Hill, John
Kani,Brian
McCardie.
El
todoterreno Ron Howard, premiado por "Una mente Maravillosa (2001)" y director también
de "Cocoon (1985)", "Apollo 13 (1995)", "El código Da Vinci (2006)" y "1, 2, 3 ...Splash (1984)" entre otras, fue el
encargado de trasladar el argumento bajo la supervisión de Lucasfilms
(Star Wars, Indiana Jones) a la pantalla con "Willow". Película de 1988 que
utiliza ideas derivadas del mundo de Tolkien pero discurriendo por otros
derroteros menos dramáticos y con un sentido de la aventura y la fantasía en
modo familiar con paralelismos con los cuentos de hadas. Willow (Warwick Davis)
es un enanito campesino padre de familia trabajador y dedicado que sueña con
ser algún día un gran mago, que por casualidad encuentra cual cuna de Moisés
una niña de la especie de los humanos que resultará ser según una antigua profecía,
la que acabará con el cruel reinado de la hechicera Bavmorda (Jean Marsh).
Willow desconociendo la profecía y resultando ser el bebé una posible amenaza
para su pueblo será el líder de un grupo de vecinos para trasladar a la niña
hasta las fronteras en donde viven los hombres y dejarla a buen recaudo. En el
viaje el valiente enano encontrará a un desarrapado guerrero enjaulado llamado
Madmarrigan (Val Kilmer), que se hará cargo de la niña y acompañará a Willow
mientras son perseguidos por las crueles hordas de Bavmorda. Una vez les es
revelado el destino de la recién nacida a Willow y sus compañeros, éstos
tendrán que buscar la varita mágica de Charlindrea, que en las manos de la maga Razzel (Patricia Hayes) les ayudará a guiar un ejército para terminar con el
oscuro gobierno de la malvada hechicera evitando que sacrifique a la niña e
instaurando su reinado del mal. Willow es pues una estupenda propuesta de
aventuras para toda la familia en la que el protagonista dado su tamaño,
encontrará el valor necesario para afrontar todo tipo de adversidades en forma
de gigantescos dragones, horripilantes y peludos Trolls, sortilegios de magia
negra y sanguinarios guerreros.
El protagonismo de Warwick Davis que antes
había trabajado siendo un Ewok en Star Wars, es acompañado por un Val Kilmer que
resultrará ser un genial contrapunto para Willow mostrando a un despechado
guerrero que encontrará una causa noble por la que luchar enternecido por Elora
Danan (La niña de la profecía) desvelando una maestría esgrimística acorde con
su vanidad y enamorando a la hija de la malvada reina (su ex-mujer en la
realidad Joanne Whalley). El film se aprovecha de un sentido de la maravilla
fantástica con criaturas de ensueño entre una nueva batalla entre el bien y el
mal, y en la que a través de la aventura, los protagonistas encuentran el
valor, la lealtad y el compromiso suficientes para acabar con las sombras que
amenazan la vida del bebé que tienen a su cargo poniendo en riesgo las suyas
propias. La magia que rodea al mundo de Willow a través del estupendo ritmo que
imprime Howard y el inventivo libreto de George Lucas, se levantó con el
apoyo de los innovadores por aquel entonces efectos especiales de la Industrial
Light and Magic con el pionero "Morphing" para algunas sorprendentes secuencias
de esta simpática y aventurera película que también contó con una melódica y
rimbombante banda sonora compuesta por James Horner. Willow hoy en dia es una
digna y nostálgica propuesta de espectáculo y fantasía cinematográfica con sus
dosis de agradable humor para todos los miembros de la familia, que se disfruta
de principio a fin con unos ingredientes que la hacen atractiva para niños y
mayores. Una buena recomendación para estas Navidades que se acercan.
Director: Ron Howard.
Intérpretes: Warwick
Davis, Val Kilmer, Joanne Whalley-Kilmer, Jean Marsh, Gavan
O'Herlihy, Patricia Hayes, Billy Barty, Pat Roach.
Trailer:
Escena:
B.S.O.:
Reseña escrita por Cristóbal Jiménez Información complementaria: Ron Howard
El
todoterreno Ron Howard, premiado por "Una mente Maravillosa (2001)" y director también
de "Cocoon (1985)", "Apollo 13 (1995)", "El código Da Vinci (2006)" y "1, 2, 3 ...Splash (1984)" entre otras, fue el
encargado de trasladar el argumento bajo la supervisión de Lucasfilms
(Star Wars, Indiana Jones) a la pantalla con "Willow". Película de 1988 que
utiliza ideas derivadas del mundo de Tolkien pero discurriendo por otros
derroteros menos dramáticos y con un sentido de la aventura y la fantasía en
modo familiar con paralelismos con los cuentos de hadas. Willow (Warwick Davis)
es un enanito campesino padre de familia trabajador y dedicado que sueña con
ser algún día un gran mago, que por casualidad encuentra cual cuna de Moisés
una niña de la especie de los humanos que resultará ser según una antigua profecía,
la que acabará con el cruel reinado de la hechicera Bavmorda (Jean Marsh).
Willow desconociendo la profecía y resultando ser el bebé una posible amenaza
para su pueblo será el líder de un grupo de vecinos para trasladar a la niña
hasta las fronteras en donde viven los hombres y dejarla a buen recaudo. En el
viaje el valiente enano encontrará a un desarrapado guerrero enjaulado llamado
Madmarrigan (Val Kilmer), que se hará cargo de la niña y acompañará a Willow
mientras son perseguidos por las crueles hordas de Bavmorda. Una vez les es
revelado el destino de la recién nacida a Willow y sus compañeros, éstos
tendrán que buscar la varita mágica de Charlindrea, que en las manos de la maga Razzel (Patricia Hayes) les ayudará a guiar un ejército para terminar con el
oscuro gobierno de la malvada hechicera evitando que sacrifique a la niña e
instaurando su reinado del mal. Willow es pues una estupenda propuesta de
aventuras para toda la familia en la que el protagonista dado su tamaño,
encontrará el valor necesario para afrontar todo tipo de adversidades en forma
de gigantescos dragones, horripilantes y peludos Trolls, sortilegios de magia
negra y sanguinarios guerreros.
El protagonismo de Warwick Davis que antes
había trabajado siendo un Ewok en Star Wars, es acompañado por un Val Kilmer que
resultrará ser un genial contrapunto para Willow mostrando a un despechado
guerrero que encontrará una causa noble por la que luchar enternecido por Elora
Danan (La niña de la profecía) desvelando una maestría esgrimística acorde con
su vanidad y enamorando a la hija de la malvada reina (su ex-mujer en la
realidad Joanne Whalley). El film se aprovecha de un sentido de la maravilla
fantástica con criaturas de ensueño entre una nueva batalla entre el bien y el
mal, y en la que a través de la aventura, los protagonistas encuentran el
valor, la lealtad y el compromiso suficientes para acabar con las sombras que
amenazan la vida del bebé que tienen a su cargo poniendo en riesgo las suyas
propias. La magia que rodea al mundo de Willow a través del estupendo ritmo que
imprime Howard y el inventivo libreto de George Lucas, se levantó con el
apoyo de los innovadores por aquel entonces efectos especiales de la Industrial
Light and Magic con el pionero "Morphing" para algunas sorprendentes secuencias
de esta simpática y aventurera película que también contó con una melódica y
rimbombante banda sonora compuesta por James Horner. Willow hoy en dia es una
digna y nostálgica propuesta de espectáculo y fantasía cinematográfica con sus
dosis de agradable humor para todos los miembros de la familia, que se disfruta
de principio a fin con unos ingredientes que la hacen atractiva para niños y
mayores. Una buena recomendación para estas Navidades que se acercan.
Director: Ron Howard.
Intérpretes: Warwick
Davis, Val Kilmer, Joanne Whalley-Kilmer, Jean Marsh, Gavan
O'Herlihy, Patricia Hayes, Billy Barty, Pat Roach.
Trailer:
Escena:
B.S.O.:
Reseña escrita por Cristóbal Jiménez Información complementaria: Ron Howard
