EL REGRESO (1978). Las secuelas de la guerra.

Vas a la guerra y ya no serás el mismo. Vuelves más maduro, más viejo, más asustado, enfermo, herido, loco o muerto. Retornas descubriendo tu cobardía o convirtiéndote en un héroe, la mayoría de las veces simplemente regresas sin gloria.

A finales de los setenta el cine norteamericano comercial comenzó por primera vez a mirar a la guerra de Vietnam como una experiencia traumática, atrás quedaban John Wayne y sus boinas verdes y los westerns camuflados como "Soldado azul (1970)" y "Pequeño gran hombre (1970)", era hora de dar la cara y asumir que en la guerra no hay solo vencedores y vencidos sino que la gran mayoría son víctimas: Los que se van, los que regresan, los que no vuelven y los que se quedan.

Sally Hyde está casada con Bob, capitán de la marina. Se supone que es un ama de casa promedio en la sociedad, pero el anuncio de la movilización de su esposo al extremo oriente la desconcierta y sabe que su vida ya no será la misma. Con su amiga Violet se ofrecen como voluntarias para trabajar en un hospital para veteranos y es ahí donde encuentra a Luke, viejo conocido suyo de la escuela, cuando aquel era deportista estrella pero ahora está parapléjico a causa de una herida de guerra. Su primer encuentro de hecho no es nada glamoroso, chocan en un pasillo de la institución y a él se le cae su bolsa de desechos. Hay más lástima que solidaridad en ella al ofrecerle su ayuda, hay más rabia que orgullo en él al rechazarla. Sin embargo terminarán siendo amigos y luego amantes en una relación que los dos saben concluirá cuando su esposo termine su misión.

El hermano de Violet también ha sido repatriado, vemos que su comportamiento infantiloide encierra una experiencia extremadamente dolorosa, en un acto desesperación se quita la vida. Luke se da cuenta que no puede seguir sintiendo lástima por sí mismo sino que tiene que hacer algo y se convierte en un activista antibélico. Sally también se ha transformado, asume sus responsabilidades y sus culpas. Bob regresa a casa.

Jon Voight interpretaba a Luke inspirándose, según contaría luego Jane Fonda, en la figura de Ron Kovic (personaje verídico protagonista de "Nacido el cuatro de julio (1989)". Era el portavoz de aquellos que fueron a la guerra creyendo que iban a pelear por su patria y que regresaron hechos añicos física y espiritualmente luego de perderla. Su actuación no solo se vería premiada en Cannes sino en los Óscar al igual que su coprotagonista Jane Fonda, cuyo papel la llevaba desde una mujer que tenía que hacer las cosas que se esperaban de ella hasta su evolución como ser humano independiente. Aquella escena donde copulan está llena de sensaciones tan diversas que van desde el deseo, la impotencia, la ternura, la sorpresa y cuando ella alcanza el orgasmo, la libertad.

Bruce Dern como el esposo cornudo, militar de formación, sediento de victoria que recibe a cambio la infidelidad y el fracaso es igual de memorable.

Es curioso que aquel mismo año se nos brindara también "El cazador", igualmente con temática bélica situada en Vietnam. Al año siguiente llegaría "Apocalypse now" y años más tarde la trilogía de Oliver Stone. El conflicto sangraba y por más Rambos y Chuck Norris que nos vendieron supimos que allá charlie le dio un golpe en plena barriga al imperio.

Título original: Coming Home.

Director: Hal Ashby.

Intérpretes: Jon Voight, Jane Fonda, Bruce Dern, Robert Carradine, Penelope Milford, Robert Ginty, Mary Gregory.

Trailer:

Escena:

Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

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MARNIE LA LADRONA (1964). Los robos de Tippi Hedren.

Marnie (Tippi Hedren) es una embaucadora y atractiva joven que se sirve de su físico y su trabajo como secretaria en diferentes empresas para perpetrar sus robos. Va cambiando de aspecto y de ciudad. Tras adquirir una nueva identidad, consigue trabajo en oficinas donde sea fácil cautivar a sus jefes y distraerlos mientras ella prepara un calculado plan para vaciar cajas fuertes. Su impecable y calculada rutina cambia el día en que un joven empresario, Mark Rutland (Sean Connery) queda completamente cautivado por ella. Accidentalmente, descubre sus hábitos delictivos, y pese a ello, se siente irremediablemente atraído por ella. Mark toma la extraña decisión de casarse con ella y tomarse como un reto personal resolver el enigma que esconde el cerebro de tan bella y extraña mujer. Asume un papel que oscila según el momento del metraje entre marido protector de una mujer con problemas y un individuo que se plantea descifrar un enigma.

De esta forma Alfred Hitchcock hace participar al espectador, identificándose con la figura del joven empresario, como si de un detective se tratara para intentar resolver el más complejo de los casos: lo que reside en el interior de una mente femenina tan fría y calculadora.

El guión, escrito por Jay Presson está basado en la novela de Winston Graham, un afamado escritor británico responsable de más de 40 novelas, entre las que se encuentran las doce de la saga de los Poldark. Graham comenzó a escribir en la década de los 40 y fue un consumado autor de novelas de suspense, algunas de ellas llevadas al cine.

En este film el suspense no está basado en descifrar cuáles serán las piezas de un atraco, o si los ladrones conseguirán llevarse el botín. La trama se sustenta en un intento, tanto por parte del autor de la novela como por el propio Hitch, de investigar en el oscuro pasado, en posibles traumas de la infancia que nos descifren el origen de la conducta delictiva.

Parece que tras el éxito conseguido tras filmar "Psicosis (1960)" Alfred Hitchcock quiso mantener ese estilo cercano a la corriente psicoanalítica para conseguir sorprendernos desvelando oscuros secretos. El Maestro ya había hecho algún intento de adentrarse en la parte más explotada o conocida de una versión cuasipsicoanalítica en su film "Recuerda (1945)". En aquel film el interés radicaba en saber si el protagonista se mantenía en su sano juicio y solo una mujer enamorada sería la encargada de rescatarlo.

Por el contrario, aquí será un varón el que represente de forma contradictoria, y por diferentes motivos, la figura de salvador. Se consigue así establecer un doble juego: Intentar esclarecer si realmente es amor lo que Mark siente por Marnie, o simple atracción física por un lado, y por otro, intentar descubrir si Marnie es sólo una joven fría y calculadora o una mujer torturada por su pasado. Al igual que en sus dos obras anteriores, las relaciones maternofiliales tienen una poderosa presencia en el relato. En "Marnie, la ladrona" da una vuelta de tuerca más, y sin tratar de ser profundo en los aspectos psicoanalíticos, algo que muchos han visto como un defecto, Hitchcock vuelve a demostrar su dominio de la cámara, de la imagen y, especialmente, del uso del color que asume un papel protagonista en la historia.

Para mí, este film, considerado incompleto por el mismo Hitchcock e infravalorado por la mayoría, adquiere gran relevancia por el uso magistral de un lenguaje visual muy elaborado.

La descripción inicial del personaje, sin necesidad de una sola palabra me parece descomunal. La secuencia de apertura donde se tardan bastantes minutos en mostrarnos la verdadera cara de la protagonista tras habernos mostrado su magnífico cuerpo, sus largas piernas, sus impecables ademanes y una elegante vestimenta me parece genial. Sabemos mucho de la protagonista antes incluso de conseguir ver su rostro saliendo de ese charco negro de agua, de donde surge una mujer rubia.

Las escenas en campo abierto montando acaballo, saber resaltar con planos detalle elementos como el color que son piezas clave o presentarnos a los protagonistas en diferentes ángulos que revelan su estado anímico sin palabras son una delicia. Al igual que ese magnífico primer plano donde Mark intenta vencer la fobia al contacto de una mujer que lo rechaza sexualmente en repetidas ocasiones y finalmente consigue arrancarle un beso.

En definitiva, una película que juega con las percepciones visuales del espectador para establecer alegorías, para incitar a deducir e interpretar sin necesidad de diálogos. Imágenes con mucho contenido emocional, ya sea entre los actores o con los animales, utilizando la forma que tiene la protagonista de relacionarse con los caballos, sus recuerdos de la infancia y los filtros de color en determinadas escenas clave.

Robert Burks, como responsable de fotografía, vuelve a bañar de luminosidad la obra de Hitchcock, con decisiones tan efectivas como sencillas, como el viraje de color cuando Marnie ve el color rojo. Ayudado por el montaje de George Tomasini, que fallecería ese mismo año, hay instantes milimétricamente medidos como el del interrogatorio/terapia por parte de Mark a Marnie en el camarote del barco. Una vez más el lenguaje cinematográfico demostrando la vital importancia de la narración fílmica por encima de cualquier línea de diálogo.

"Marnie, la ladrona" supuso la última colaboración entre el maestro y uno de sus colaboradores habituales, el insigne Bernard Herrmann, el compositor por excelencia de la música cinematográfica. Su banda sonora ocupa parte de la trama del film y es la responsable de vestir adecuadamente los momentos culminantes de la trama.

También fue la última colaboración de Tippi Hedren con Alfred Hitchcock. No sabemos si porque el papel le cayó de rebote o por otros asuntos pendientes, pero su relación terminó abruptamente. Se comenta que la relación entre ellos empeoró tanto y de forma tan manifiesta durante el rodaje que, en los últimos días del mismo Hitchcock acabó por darle instrucciones a través de intermediarios, a pesar de que Hedren ha negado en su biografía que tal cosa llegara a suceder. Sin ser de las mejores del maestro, sigue siendo una gran película.

Título original: Marnie.

Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Tippi Hedren, Sean Connery, Diane Baker, Martin Gabel, Louise Latham, Alan Napier, Bruce Dern. 

Trailer:

B.S.O.:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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NEBRASKA (2013). El premio de Bruce Dern.

Woody Grant (Bruce Dern) aparece deambulando solo por una autopista . Un oficial de policía lo recoge y le advierte del peligro de caminar entre los coches, un riesgo que nuestro protagonista parece ignorar. Está completamente ensimismado por la noticia que acaba de recibir: ¡¡Ha ganado un millón de dólares!! La única pega reside en que debe recogerlos bastante lejos de su pequeña localidad de origen y para ello debe dirigirse hacia otro Estado, por lo que no desea perder ni un segundo más de su tiempo.

Mientras tanto, su hijo David (Will Forte) recibe una visita de su ex-novia Noel (Missy Doty), para informarle de su ruptura. Una importante conversación que se ve interrumpida por una llamada de la madre de David, Kate (June Squibb), la cual le informa que su padre se encuentra en comisaría. Cuando David rescata a Woody en la estación de policía, tarea que el hijo asume con naturalidad, descubre las verdaderas intenciones de su padre. El anciano, bastante mermado físicamente, le transmite de forma pertinaz a su hijo su ilusión y su gran urgencia por recuperar el dinero del premio. Tan sólo necesita llegar hasta Lincoln (Nebraska).

Desde el primer momento, su hijo se percata de que se trata de un malentendido por parte de su padre, el cual va vociferando por todo el pueblo que ya es rico. Su hijo, en un primer momento intenta convencer a su padre y devolverlo a la realidad. Sin embargo, al llevarlo de vuelta a su hogar negándole la ayuda para el viaje, el recibimiento y el trato que su madre le da a su propio padre le hará cambiar de opinión. Quizá influido por su reciente fracaso de vida en pareja, se da cuenta de la mala relación que existe entre sus padres, de las permanentes quejas de su madre por la mala vida que le ha dado el alcoholismo de su padre, tratándolo como un inútil y recordándole que tiene ya muy mermadas sus capacidades mentales. Es una vuelta a la realidad demasiado brusca, demasiado cruel y, en un momento de compasión, observando a un anciano desvalido, cambia completamente de opinión, decide llevarle la corriente, mantenerlo en su feliz fantasía e incluso ayudarlo a que lleve a cabo su sueño. Juntos iniciarán un largo y enriquecedor viaje por carretera, atravesando las zonas más rurales del país. El hijo mantendrá una mentira para satisfacer a su padre y el padre, no cejará en su poderoso empeño de recuperar el dinero que le corresponde.

David es el menor y menos brillante de los dos hijos varones, pero su bondad y paciencia para con su progenitor transmiten emociones que atraviesan la pantalla. David , con su personaje de perdedor (ha perdido su pareja, su trabajo es un desastre), es la única alma sensible del relato capaz de hacernos llegar hasta el escondido corazón de un viejo inicialmente criticado por su vida de alcohólico, incapaz de haber tenido ahorros en toda su vida para proteger a su familia, actualmente convertido en un anciano con problemas de memoria, dificultad para caminar y para valerse solo, que representa un estorbo para todos. Tampoco los recuerdos de infancia de sus hijos junto a él son gratos y siempre están marcados por los desastres y su tendencia a beber.

Envuelto en su pérdida de memoria, con sus ataques de tozudez incomprensibles para todos, será este viaje por carretera junto con su hijo el que nos permita descubrir el verdadero pasado y los motivos por los que este anciano nunca ha tenido ahorros y se ha abandonado tanto en la bebida. Durante el viaje por carretera habrá grandes silencios y escasos diálogos. Visitarán de camino a su objetivo a diferentes familiares y volverán al lugar donde una vez, Woody fue un joven y talentoso mecánico, siempre dispuesto a hacer favores, siempre dispuesto a prestar dinero.

Su hijo David se convertirá en un traductor de recuerdos, en un ensamblador de las diferentes piezas de un pasado que ha sido enterrado junto con la dignidad de un hombre. Los diferentes acontecimientos que surgirán por el camino, y especialmente, el descubrimiento de los peculiares personajes del pasado familiar pertenecientes a la américa más rural y profunda, transformarán el mundo y el concepto que tiene de su padre. Iremos descubriendo las buenas e inocentes intenciones de este anciano en su juventud, la crudeza de la vida rural y la dificultad de cultivar el espíritu en ese ambiente donde la hostilidad es la moneda de cambio en las relaciones familiares.

Todas las incógnitas que David descubre sobre su padre le permitirán cambiar radicalmente el concepto de su progenitor y, al mismo tiempo, le servirán para mejorar el concepto que tiene de sí mismoTodo un viaje en el amplio sentido de la palabra, por las carreteras rurales y por los recuerdos perdidos, que al ser rescatados le devuelven la dignidad a un anciano y a su buen hijo.

Elaborada desde la sencillez y apostando por la excelente fotografía en B&N de Phedon Papamichael, este retrato contemporáneo de la vida rural en Estados Unidos nos transmite todas las dificultades y realidades de un mundo absolutamente carente del encanto y la vistosidad del que Estados Unidos no se cansa de presumir frente al resto del mundo. Al mismo tiempo, Alexander Payne es capaz de dibujar un retrato emocional y complejo de una familia de perdedores que no gozan de ninguna popularidad, pero que están dotados de un gran corazón, cualidad nada útil para sobrevivir. Y así, recorriendo kilómetros podemos vivir junto con los protagonistas y los personajes que se van encontrando por su camino momentos de una gran intensidad emotiva que se articulan sobre pequeños detalles.

Una historia sencilla, basada en el guión de Bob Nelson, que gracias a la acertada visión de su director y a su apuesta por un bellísimo blanco y negro se convierte en una pieza excelente y singular, cimentada sobre la base de la colosal actuación de sus protagonistas, especialmente la de Bruce Dern. 

"Nebraska" está llena de encanto y realismo a partes iguales, con momentos absolutamente conmovedores capaces de trasladar a la gran pantalla, siempre de forma delicada y elegante temas escabrosos como la vejez con su deterioro global, el alcoholismo de las pequeñas localidades rurales y las relaciones nada idílicas de una familia cualquiera en un lugar cualquiera, tan pequeño que apenas alcanza importancia como para que recordemos su nombre. La interpretación de Bruce Dern es tan brillante, que además de sus nominaciones para la estatuilla, alcanzó el premio al mejor actor en el Festival de Cannes 2013.

Director: Alexander Payne.

Intérpretes: Bruce Dern, Will Forte, Stacy Keach, Bob Odenkirk, June Squibb, Missy Doty, Kevin Kunkel, Angela McEwan.

Trailer:

B.S.O.:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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NAVES MISTERIOSAS (1972). La fantasía ecológica de Douglas Trumbull.

En el futuro, la vida vegetal de nuestro planeta ha sido destruida. Lo poco que queda de ella se encuentra en unas naves espaciales situadas en la órbita de Saturno, donde a través de unas salas con efecto invernadero se ha conseguido que se mantengan con vida. Allí se encuentra Freeman Lowell, jefe de la expedición y experto botánico que junto a 3 compañeros y 3 androides cuidan de dicha vegetación. Una inesperada llamada de la Tierra ordenando poner fin la misión, con la consiguiente destrucción del bosque que han creado, hace que Lowell pierda el control a extremos insospechados. Después de supervisar los efectos especiales de la epopeya especial "2001: Una odisea espacial (1968)", Douglas Trumbull llevaría a cabo su primer proyecto como director: "Naves misteriosas". Douglas Trumbull, para quienes no lo conozcan, fue un cineasta de gran importancia en el cine de la ciencia ficción, una pieza clave en la confección de los efectos especiales de títulos emblemáticos de este género. Entre sus trabajos cabe destacar, a parte de la mencionada "2001: Una odisea espacial", "Encuentros en la tercera fase (1977)", "Star Trek (1979)" (donde consiguió la nominación en los Oscar) y "Blade Runner (1982)" de Ridley Scott. Detrás de las cámaras realizaría dos películas, también centradas en el tema de la ciencia ficción, "Naves misteriosas (1972)" y "Proyecto Brainstorm (1983)", película que tocaba el tema de la realidad virtual y donde veríamos por última vez en la gran pantalla a la mítica Natalie Wood. En esta reseña me centraré en la primera de ellas, "Naves misteriosas", un film que Trumbull compaginaría con la supervisión de los efectos visuales de "La amenaza de andrómeda (1971)". "Naves misteriosas" es una película de escaso presupuesto, financiada por la Universal con una cantidad que no llegaba al millón de dólares, y donde el realizador empleó poco más de un mes para llevarla a cabo.

Para los efectos especiales Douglas Trumbull utilizaría técnicas ya empleadas en el film de Stanley Kubrick e incluso algunas que no se utilizaron en dicha película, como es presentarnos desde el exterior la orbita de Saturno. Entre el grupo de guionistas que trabajaron junto a Trumbull destaca Steven Bochco (creador de la popular serie televisiva "Canción triste de Hill Street") y un joven y por aquel entonces desconocido, Michael Cimino, antes de realizar su primera película "Un botín de 500.000 dólares (1974)" y consagrarse con la antibélicista "El cazador (1978)". "Naves misteriosas" se puede considerar como una fábula ecologista que ponía de manifiesto la actitud destructiva del hombre, cuya conducta egoísta y el nulo cuidado sobre el medio ambiente ha hecho que la Tierra se haya convertido en un lugar desolado. En el reparto de actores cabe destacar la presencia de un joven Bruce Dern ("Nebraska (2013)") que colma el mayor peso de la trama con su papel de Freeman Lowell, un rebelde e incomprendido astronauta que cariñosamente se le podría catalogar como un "hippy espacial", que soporta las burlas de sus 3 compañeros de expedición debido a su obsesión al cuidado de las plantas. Una persona incapaz de abandonar sus ideales a pesar de los contratiempos que se le presentan, todo por conseguir el bien del medio ambiente. Lowell luchará hasta la extenuación defendiendo sus principios hasta las últimas consecuencias, capaz de matar a aquel que se interponga u obstaculice su camino de llevar a cabo su plan. Cabe resaltar la desvinculación que tiene Lowell sobre lo todo lo relacionado con lo humano, que lo tacha de culpable sobre el desastre ocurrido en la Tierra (y razón no le falta). Hace de los 3 androides que le acompañan en la nave sus aliados perfectos para desarrollar su plan de salvar lo que queda de naturaleza.

Resulta curioso e incluso divertido como Lowell adiestra a estos androides a su antojo, implantándoles comportamientos superficiales como es el de enseñarles a jugar a las cartas como de conductas útiles como es programarlos para que puedan realizar una operación (genial la escena operando la prolongada herida en la pierna de Lowell) como mantener en condiciones el bosque espacial que ha creado. Destacan en la obra de Trumbull las bellas imágenes del paraíso construido por Lowell que son acompañadas por composición musical de Peter Schickle y las emotivas canciones de Joan Baez. A pesar de encontrarnos con una película simpática que llenará de nostalgía a aquellos que la vimos en nuestra infancia o adolescencia, "Naves misterioras" es un film irregular, que muestra la inexperiencia de Trumbull detrás de las cámaras, sus buenas intenciones y el contar con un guión interesante no son suficiente para evitar que el film cojee por momentos en la narración de la trama. Los personajes están poco definidos, especialmente los 3 compañeros que acompañan a Lowell en la expedición al mismo tiempo que hace que el personaje de Bruce Dern nos acabe pareciendo un vulgar demente en vez de un héroe que lucha por el bien de la naturaleza. A pesar de ello, "Naves misteriosas" es una pieza filmica que hay que hacer mención en la historia del cine de ciencia ficción, no solo por ver la atractiva fotografía a cargo de Charles F. Wheeler (el mismo de la bélica "Tora, Tora, Tora (1970)" y los efectos visuales de un especialista en este ramo como fue Douglas Trumbull, si no por su mensaje, capaz de hacernos concienciar de nuestra conducta sobre el medio ambiente.

Frase para recordar: "Nadie va a destruir mi bosque".

Título original: Silent running.

Director: Douglas Trumbull.

Intérpretes: Bruce Dern, Cliff Potts, Ron Rifkin, Jesse Vint, Steven Brown, Larry Whisenhunt, Cheryl Sparks, Mark Persons.

Trailer:

Making of:

 B.S.O.:

Reseña escrita por Jesús Fariña

Información complementaria:
Bruce Dern

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DANZAD DANZAD MALDITOS (1969)

Sydney Pollack presenta una historia basada en la novela de Horace McCoy "¿Acaso no matan a los caballos?", donde un grupo de parejas participan en un concurso de maratón de baile de varios días, su participación les garantiza un lugar donde comer y dormir, tras duros esfuerzo tanto físicos como psicológicos solo una de ellas conseguirá el premio. Crítica social de un grupo de personas desesperadas en conseguir su sueño y abandonar sus frustraciones tanto personales como económicas, mientras son el deleite de otras que disfrutan de su sufrimiento y penurias (un recuerdo a los actuales "Reality Shows"). Gran obra de Pollack, consideradas de las mejores de su filmografía junto a clásicos como "Memorias de África (1985)", "Las aventuras de Jeremías Johnson (1972)" o "Tootsie (1982)". La película tuvo la importante obtención de 9 canditaturas de la academia (donde no se incluía como mejor película), con un Gig Young ganador del único Óscar del film como actor de reparto con su papel de creador del concurso. En la pareja de baile protagonista podemos ver una Jane Fonda, después de ser icono erótico en la obra de serie b (bastante cutre) titulada "Barbarella (1967)" y Michael Sarrazin ,un actor prácticamente desconocido que hizo de ésta su mejor obra en una filmografía destinadas en películas para la televisión y en algunos papeles de secundario junto a Paul Newman o George C.Scoot en películas menores como "Casta invencible (1967)" o "El amable estafador (1971)".

Director: Sydney Pollack.

Título original: They Shoot Horses, Don't They?

Intérpretes: Jane Fonda, Michael Sarrazin, Gig Young, Susannah York, Bruce Dern.

Trailer:

Información complementaria:
Jane Fonda

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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