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Había oído hablar de ella como una película de vampiras lesbianas y muchacho que era uno pudo bastante el morbo. Sabía quién era Catherine Deneuve y David Bowie pero no la Sarandon, y precisamente ese encuentro entre las dos, la una sofisticada casi etérea y la otra totalmente carnal inspiró más de un sueño húmedo.
Pero vayamos desde el comienzo. Myriam Blaylock (Catherine Deneuve) es una mujer sumamente atractiva y se supone muy acaudalada y aristocrática, la vemos entrar a una disco con su acompañante John y ligan con otro dúo, en una secuencia muy videoclipera de los 80 con la insinuante canción "Bela Lugosi is dead", solo que la escena de intercambio de parejas termina en un festín de sexo y sangre.
¡VAMPIROS! No había visto algo igual, el montaje de esta introducción te dejaba sin aliento, música, imagenes muy próximas al porno, la Deneuve, un arcano objeto ceremonial, sangre, más música, más sexo y más sangre… y de repente un cambio de melodía. Los amantes descansan y se bañan. Se oye música de Schubert al fondo.
Para aquella época poco sabía de la Hammer y lo escaso que había visto en la tele me refería a Christopher Lee y Peter Cushing, qué iba yo a saber de las vampiras sáficas de la casa británica y peor aún de un tal Jean Rollin y otro llamado Jess Franco que ya habían visitado estos caminos con más o menos carne, colmillos y hemoglobina. El caso es que John empieza a notar que algo está mal, se siente enfermo, no duerme bien, su cara se marca con arrugas, Myriam solo insinúa: Está sucediendo. ¿No que los vampiros no envejecen? Lo que pasa es que ella no lo hace, sus compañeros sí, y al parecer cuando ella pierde el interés y hay un nuevo candidato, el anterior caduca. Y el nuevo objetivo es la Doctora Sarah Roberts, hematóloga.
La inmortalidad es lenta y hace falta compañía. Myriam tiene juventud e inmortalidad, los que ella convierte solo la segunda. Asistimos a un relevo como ha habido muchos desde tiempos inmemoriales. Sin atreverme a asegurar que es la mejor película de Tony Scott, que sí su ópera prima, lo cierto es que su pasado en el mundo de la publicidad le dio instrumentos para filmar esta simpar experiencia sensorial. La secuencia entre las dos actrices principales acompañadas de Lakme de Delibes es hermosa, intemporal y por supuesto destila sangre, sudor y sexo. Sus detractores dicen que la película es el resultado de filtros, edición y escenas lujuriosas, música selecta para el momento adecuado y actores en estado de gracia. Pues allá ellos si no les gusta. Para nosotros, los fans, es una de esas obras en que el resultado final es mucho mayor que la suma de sus partes.
Título original: The Hunger.
Director: Tony Scott.
Intérpretes: Catherine
Deneuve, David
Bowie, Susan
Sarandon, Cliff
De Young, Willem
Dafoe,Beth
Ehlers, Dan
Hedaya, Suzanne
Bertish.
Trailer:
Escena:
B.S.O.:
Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada
Había oído hablar de ella como una película de vampiras lesbianas y muchacho que era uno pudo bastante el morbo. Sabía quién era Catherine Deneuve y David Bowie pero no la Sarandon, y precisamente ese encuentro entre las dos, la una sofisticada casi etérea y la otra totalmente carnal inspiró más de un sueño húmedo.
Pero vayamos desde el comienzo. Myriam Blaylock (Catherine Deneuve) es una mujer sumamente atractiva y se supone muy acaudalada y aristocrática, la vemos entrar a una disco con su acompañante John y ligan con otro dúo, en una secuencia muy videoclipera de los 80 con la insinuante canción "Bela Lugosi is dead", solo que la escena de intercambio de parejas termina en un festín de sexo y sangre.
¡VAMPIROS! No había visto algo igual, el montaje de esta introducción te dejaba sin aliento, música, imagenes muy próximas al porno, la Deneuve, un arcano objeto ceremonial, sangre, más música, más sexo y más sangre… y de repente un cambio de melodía. Los amantes descansan y se bañan. Se oye música de Schubert al fondo.
Para aquella época poco sabía de la Hammer y lo escaso que había visto en la tele me refería a Christopher Lee y Peter Cushing, qué iba yo a saber de las vampiras sáficas de la casa británica y peor aún de un tal Jean Rollin y otro llamado Jess Franco que ya habían visitado estos caminos con más o menos carne, colmillos y hemoglobina. El caso es que John empieza a notar que algo está mal, se siente enfermo, no duerme bien, su cara se marca con arrugas, Myriam solo insinúa: Está sucediendo. ¿No que los vampiros no envejecen? Lo que pasa es que ella no lo hace, sus compañeros sí, y al parecer cuando ella pierde el interés y hay un nuevo candidato, el anterior caduca. Y el nuevo objetivo es la Doctora Sarah Roberts, hematóloga.
La inmortalidad es lenta y hace falta compañía. Myriam tiene juventud e inmortalidad, los que ella convierte solo la segunda. Asistimos a un relevo como ha habido muchos desde tiempos inmemoriales. Sin atreverme a asegurar que es la mejor película de Tony Scott, que sí su ópera prima, lo cierto es que su pasado en el mundo de la publicidad le dio instrumentos para filmar esta simpar experiencia sensorial. La secuencia entre las dos actrices principales acompañadas de Lakme de Delibes es hermosa, intemporal y por supuesto destila sangre, sudor y sexo. Sus detractores dicen que la película es el resultado de filtros, edición y escenas lujuriosas, música selecta para el momento adecuado y actores en estado de gracia. Pues allá ellos si no les gusta. Para nosotros, los fans, es una de esas obras en que el resultado final es mucho mayor que la suma de sus partes.
Título original: The Hunger.
Director: Tony Scott.
Intérpretes: Catherine
Deneuve, David
Bowie, Susan
Sarandon, Cliff
De Young, Willem
Dafoe,Beth
Ehlers, Dan
Hedaya, Suzanne
Bertish.
Trailer:
Escena:
B.S.O.:
Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada
Carol Ledouz es una introvertida y reservada joven. Su vida transcurre de manera monótona entre su trabajo como manicurista y en su apartamento con quien comparte estancia con su hermana mayor (Helen). Carol posee de una belleza que no pasa desapercibida entre el género masculino, una circunstancia que ella detesta, y es que la cercana presencia de un hombre y el simple hecho de pensar de que puedan tocarla le produce una enorme angustia. Ese rechazo hacia los hombres y esa exagerada fobia al sexo empezará a pasarle factura a su salud mental a pasos agigantados en el instante de que su hermana se va un par de semanas de vacaciones con su "novio" y la deja sola en el apartamento. A partir de ese momento Carol iniciará una espiral de obsesiones y de extrema locura que le llevará a vivir situaciones desesperantes y terribles. Roman Polanski después de su reconocimiento internacional (nominación a los Óscar incluido) con su debut "El cuchillo en el agua (1962)" en su tierra natal (Polonia) se trasladaría a Londres para dirigir su siguiente película: "Repulsión". Polanski continuaría con la realización de "Callejón sin salida (1966)" y la divertida comedia vampírica "El baile de los vampiros (1967)" antes de consagrarse definitivamente en la industria cinematográfica con su obra cumbre "La semilla del diablo (1968)". En esta ocasión centraré mi reseña en "Repulsión", su primera película fuera de su país y film con el que demostraría el enorme talento que tenía desde muy joven detrás de las cámaras.
"Repulsión" (incluida en la "trilogía del apartamento" junto a "La semilla del diablo" y "El quimérico inquilino (1976)") fue escrita por el mismo con la colaboración de Gérard Brach, un guionista francés que durante su carrera cinematográfica trabajó principalmente con Jean-Jacques Annaud ("En busca del fuego (1981)", "El nombre de la rosa (1986)") y el mencionado Roman Polanski ("Test (1979)", "Piratas (1986)". El film es un drama psicológico con tintes de cine de terror y suspense que trata el tema de la locura de una manera tan cruda como realista y que iba a tener como principal reclamo a la bella actriz francesa Catherine Denueve ("Belle de jour (1967)") en el papel protagonista, todo un símbolo sexual de la época que iba a sacar a relucir su lado más oscuro y enloquecido en este film. A pesar de lo siniestro del personaje el realizador aprovecharía la más mínima ocasión para sacar partido de la carga erótica de la actriz, hasta una sencilla escena lavándose los pies en un lavabo, Polanski sacaría de Catherine una enorme sensualidad. Ahí el acierto de la elección de Catherine en el papel de Carol, esa sexualidad de la actriz nos produce una sensación de desconcierto al ver la personalidad de su personaje.
El apartado técnico va a tener un papel importante en la obra, en especial la fotografía de Gilbert Taylor (el mismo de "¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú (1964)" de Stanley Kubrick), que hace hincapié a los encuadres de cámara al más puro estilo del cine del expresionismo alemán de los años 20 y 30 y donde su fotografía en blanco y negro se caracterizaría en resaltar las sombras y las imagenes con claros oscuros. Nos presenta planos que plasman a la perfección el desequilibrio de Carol y nos describe con todo tipo de detalles el mundo imaginario y surrealista de la joven. El uso del silencio combinado con el hipnótico tic tac de un reloj son también un elemento esencial para darnos esa atmósfera de tensión y suspense al igual que esos golpes de sonido (una esporádica llamada telefónica o el timbre de una puerta) o de "subida del volumen" de la banda sonora para mostrarnos inesperadamente una fantasmal silueta, unas grietas que surgen sin motivo en la casa o unas repentinas manos que salen de la nada de las
paredes que irrumpen la tranquilidad de la escena y que a la postre consigue que nos llevemos algún susto. Para la narración del film el realizador emplearía un ritmo lento con el único propósito de centrarse en las emociones que vive en cada momento Carol.
Esa narración puede resultar parsimoniosa para algunos espectadores pero que sin embargo es fundamental para comprender el estado anímico del personaje y la soledad que invade su existencia. Otro detalle a tener en cuenta es que Polanski consigue que nos involucremos con el personaje de Carol, incitándonos a que nos hagamos infinidad de preguntas, muchas veces sin respuestas, del estado mental de ésta. Igual la resolución es simple, que Carol está loca sin más, pero Polanski nos hace sugerir con cada uno de los detalles que nos expone que saquemos nuestras propias conclusiones, como puede ser la foto de Carol siendo niña mirando con cara de odio a su padre. Una foto que nos hace preguntarnos ¿Habrá sufrido abusos sexuales por parte de él o simplemente es que esa cara es producto de su odio por ser hombre?. Ese tipo de preguntas no son respondidas durante el transcurso del film sino que deja las puertas abiertas para que saquemos nuestras propias conclusiones. Entre sus escenas destacaría Carol corriendo a su casa para lavarse los dientes después de dar un beso a un chico o esa secuencia donde tira a la basura la camiseta del novio de su hermana mientras aguanta las ganas de vomitar. Dos escenas significativas que describen ese rechazo al límite de Carol al ser masculino. Como curiosidad, "Repulsión" fue una de las primeras películas de la historia del cine que se representaba el sonido de un orgasmo femenino.
Título original: Repulsion.
Director: Roman Polanski. Intérpretes: Catherine Deneuve, Ian Hendry, Patrick Wymark, John Fraser, Yvonne Furneaux,Valerie Taylor, Trailer:
Escena:
B.S.O.:
Reseña escrita por Jesús Fariña Información complementaria: Catherine Deneuve
Carol Ledouz es una introvertida y reservada joven. Su vida transcurre de manera monótona entre su trabajo como manicurista y en su apartamento con quien comparte estancia con su hermana mayor (Helen). Carol posee de una belleza que no pasa desapercibida entre el género masculino, una circunstancia que ella detesta, y es que la cercana presencia de un hombre y el simple hecho de pensar de que puedan tocarla le produce una enorme angustia. Ese rechazo hacia los hombres y esa exagerada fobia al sexo empezará a pasarle factura a su salud mental a pasos agigantados en el instante de que su hermana se va un par de semanas de vacaciones con su "novio" y la deja sola en el apartamento. A partir de ese momento Carol iniciará una espiral de obsesiones y de extrema locura que le llevará a vivir situaciones desesperantes y terribles. Roman Polanski después de su reconocimiento internacional (nominación a los Óscar incluido) con su debut "El cuchillo en el agua (1962)" en su tierra natal (Polonia) se trasladaría a Londres para dirigir su siguiente película: "Repulsión". Polanski continuaría con la realización de "Callejón sin salida (1966)" y la divertida comedia vampírica "El baile de los vampiros (1967)" antes de consagrarse definitivamente en la industria cinematográfica con su obra cumbre "La semilla del diablo (1968)". En esta ocasión centraré mi reseña en "Repulsión", su primera película fuera de su país y film con el que demostraría el enorme talento que tenía desde muy joven detrás de las cámaras.
"Repulsión" (incluida en la "trilogía del apartamento" junto a "La semilla del diablo" y "El quimérico inquilino (1976)") fue escrita por el mismo con la colaboración de Gérard Brach, un guionista francés que durante su carrera cinematográfica trabajó principalmente con Jean-Jacques Annaud ("En busca del fuego (1981)", "El nombre de la rosa (1986)") y el mencionado Roman Polanski ("Test (1979)", "Piratas (1986)". El film es un drama psicológico con tintes de cine de terror y suspense que trata el tema de la locura de una manera tan cruda como realista y que iba a tener como principal reclamo a la bella actriz francesa Catherine Denueve ("Belle de jour (1967)") en el papel protagonista, todo un símbolo sexual de la época que iba a sacar a relucir su lado más oscuro y enloquecido en este film. A pesar de lo siniestro del personaje el realizador aprovecharía la más mínima ocasión para sacar partido de la carga erótica de la actriz, hasta una sencilla escena lavándose los pies en un lavabo, Polanski sacaría de Catherine una enorme sensualidad. Ahí el acierto de la elección de Catherine en el papel de Carol, esa sexualidad de la actriz nos produce una sensación de desconcierto al ver la personalidad de su personaje.
El apartado técnico va a tener un papel importante en la obra, en especial la fotografía de Gilbert Taylor (el mismo de "¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú (1964)" de Stanley Kubrick), que hace hincapié a los encuadres de cámara al más puro estilo del cine del expresionismo alemán de los años 20 y 30 y donde su fotografía en blanco y negro se caracterizaría en resaltar las sombras y las imagenes con claros oscuros. Nos presenta planos que plasman a la perfección el desequilibrio de Carol y nos describe con todo tipo de detalles el mundo imaginario y surrealista de la joven. El uso del silencio combinado con el hipnótico tic tac de un reloj son también un elemento esencial para darnos esa atmósfera de tensión y suspense al igual que esos golpes de sonido (una esporádica llamada telefónica o el timbre de una puerta) o de "subida del volumen" de la banda sonora para mostrarnos inesperadamente una fantasmal silueta, unas grietas que surgen sin motivo en la casa o unas repentinas manos que salen de la nada de las
paredes que irrumpen la tranquilidad de la escena y que a la postre consigue que nos llevemos algún susto. Para la narración del film el realizador emplearía un ritmo lento con el único propósito de centrarse en las emociones que vive en cada momento Carol.
Esa narración puede resultar parsimoniosa para algunos espectadores pero que sin embargo es fundamental para comprender el estado anímico del personaje y la soledad que invade su existencia. Otro detalle a tener en cuenta es que Polanski consigue que nos involucremos con el personaje de Carol, incitándonos a que nos hagamos infinidad de preguntas, muchas veces sin respuestas, del estado mental de ésta. Igual la resolución es simple, que Carol está loca sin más, pero Polanski nos hace sugerir con cada uno de los detalles que nos expone que saquemos nuestras propias conclusiones, como puede ser la foto de Carol siendo niña mirando con cara de odio a su padre. Una foto que nos hace preguntarnos ¿Habrá sufrido abusos sexuales por parte de él o simplemente es que esa cara es producto de su odio por ser hombre?. Ese tipo de preguntas no son respondidas durante el transcurso del film sino que deja las puertas abiertas para que saquemos nuestras propias conclusiones. Entre sus escenas destacaría Carol corriendo a su casa para lavarse los dientes después de dar un beso a un chico o esa secuencia donde tira a la basura la camiseta del novio de su hermana mientras aguanta las ganas de vomitar. Dos escenas significativas que describen ese rechazo al límite de Carol al ser masculino. Como curiosidad, "Repulsión" fue una de las primeras películas de la historia del cine que se representaba el sonido de un orgasmo femenino.
Título original: Repulsion.
Director: Roman Polanski. Intérpretes: Catherine Deneuve, Ian Hendry, Patrick Wymark, John Fraser, Yvonne Furneaux,Valerie Taylor, Trailer:
Escena:
B.S.O.:
Reseña escrita por Jesús Fariña Información complementaria: Catherine Deneuve
Mientras otros realizadores de la Nouvelle Vague, o nueva ola francesa realizaban filmes en blanco y
negro, más naturalistas, experimentales, o lejos de la inquietud política de,
por ejemplo, Jean Luc Godard, el año que éste rueda "El Soldadito (1963)", Jacques Demy filma, en rabioso y saturado color, la
primera película de la historia del cine completamente cantada, a modo de ópera.
Demy había debutado en la séptima de las artes con una comedia musical, "Lola (1960)", protagonizada por
Anouk Aimée, con fotografía del "iluminador official" de la Nouvelle Vague,
Raoul Coutard, y con letras de canciones compuestas por la esposa de Demy, la
también realizadora Agnés Vardá. Si en esta película, el azar sacudía a sus
protagonistas por las calles de la ciudad de Nantes, para su tercera película,
la que nos ocupa, el marco elegido por Demy es Cherburgo, la ciudad costera de
Normandía, convertida para la ocasion, en una suerte de plató musical, donde la
Mirada del realizador, sin duda, rastrea el musical Hollywoodiense, aunque sin
perder cierta conexidad de estilo con el mencionado movimiento cinematográfico
francés. En apenas 88
minutos, y distribuída en tres partes: La Partida, La Ausencia y El Regreso,
que transcurren entre 1957 y 1963, Demy, realizador y guionista, nos narra la
historia de Guy Foucher (Nini Castelnuovo), un jóven mecánico, y Geneviève
Emery (Catherine Deneuve), una jóven que trabaja en una tienda de venta de
paraguas, propiedad de su madre, Madamme Emery (Anne Vernon).
El trasfondo de
la incómoda Guerra de Argelia, incide de lleno en el romance de los jóvenes que
se aman desesperadamente, pese a la oposición de la madre de ella. El plácido
destino de la pareja se verá modificado inexorablemente cuando Guy recibe una
carta de reclutamiento, que le obliga a partir hacia el controvertido país del
norte de África. La distancia, la soledad de ella, su embarazo y las presiones
de la madre, que siempre deseó a alguien económicamente mejor situado para su
hija, hacen que la joven se case con el jóven millonario Roland Cassar (Marc
Michel). El regreso de Guy a la ciudad sera particularmente doloroso: el paseo
por lugares especiales, compartidos con Geneviéve, la memoria asociativa, que
tantas malas pasadas nos juega en territorios amorosos, hará que busque consuelo
en la prostitute Ginny (Jane Carat) y, de un modo más estable, en Madeleine
(Ellen Farner), la jóven que cuida a la tutora del joven, su tía Elise.
La melodía del compositor
frances Michel Legrand y las canciones escritas entre éste y Demy, se las
arreglan para conducirnos por la emotiva historia de amor de los jóvenes
protagonistas. En una época donde el cine trataba de librarse de las
limitaciones del blanco y negro (hoy se considera artístico y elegante, en
aquellos años como un límite a la expresión visual), Demy irrumpe en el
panorama con una película de un cromatismo atronador. La secuencia de la última
noche de los amantes antes de que Guy se vaya a su destino, vemos a los jovenes
pasear, llorar, abrazarse, cantarse recíprocamente su incondicional amor entre
sollozos, en un entorno donde los adoquines de las calles están bañados por una
iluminación lateral azulada. A la izquierda del encuadre vemos una pared de color
verde chillón, la del domicilio de Guy; Al fondo, una pared mural de colores
rosa, amarillo, rojo y negro, subliminalmente, o no, nos hacen a los
espectadores, plenamente partícipes del torrente de emociones que experimenta
la pareja.
La película, tratando
de ser justos, apasionará a los amantes del género musical e irritará a sus
detractores. Probablemente cincuenta años después de su realización, parezca un
drama un tanto "pasado de moda" y hasta un tanto empalagoso y edulcorado (la jóven
protagonista le dice a su madre en un momento determinado "Yo que me moría por él… ¿porqué no estoy muerta?"). Creo que no es
menos cierto que, pese a sus defectos, Demy ha logrado una obra fresca,
natural, estimulante, con unos movimientos de cámara armónicos, naturales, y un
dominio del espacio escénico (ahí está la hermosísima despedida de los amantes
en el tren para demostrarlo), una obra que nos sigue conmoviendo… tanto tiempo
después. La película se
estrenó el 19 de febrero de 1964. Ese año compitió en la ceremonia de los
premios Oscars en la categoría de película
extranjera, obteniendo el premio, el largometraje "Ayer hoy y mañana (1964)" de Vittorio
de Sica.
Fue el año en el que otro musical mítico se alzaba con 8 premios de la
academia, la obra maestra "My Fair Lady (1964)" de George Cukor, edición en la que competía el musical de Disney, "Mary Poppins (1964)" de Robert
Stevenson. Al año siguiente, curiosamente, la película volvió a estar presente
en la edición de los premios Oscars, esta vez compitiendo al premio al mejor
guión original, a la mejor Banda Sonora, mejor banda Sonora adaptada, y a la
mejor canción. No obtuvo ningún galardón. Ese año la edición perteneció a otro
de los grandes musicales de la Historia: "Sonrisas y Lágrimas (1965)" de Robert Wise. En el festival
de Cannes de 1964, sin embargo, la película de Demy alcanzó la codiciada Palma
de oro, El premio OCIC, ex aequo con "Vidas
secas (1963)" de Nelson Pereira dos Santos, y el premio técnico. El filme se rodó íntegramente
en la ciudad que lleva el título, del 17 de agosto al 17 de octubre de 1963.
La
tienda de paraguas de Madame Emery existe realmente al final de la rue du port, y en ella en la actualidad
puede verse una placa de color blanco con las letras en rojo, que recuerda el
rodaje de la película. Cherburgo ha tenido un apasionado romance
con el cine. Sus calles pueden verse en películas como "La Marie du port (1950)" de Marcel carné, en "Tess(1976)" de Roman Polanski,
o en "El rayo verde (1986)" de Eric Rohmer. Jacques Demy volvería
a filmar a Catherine Deneuve en un musical, "Las
Señoritas de Rochefort (1967)",
donde compartió protagonismo con su hermana, Françoise Dorléac, fallecida tres
meses después del estreno de la película, en un trágico accidente de circulación. Agnes Vardá
supervisó una restauración de los hermosos colores de esta bellísima película
en 2013, para un exitoso reestreno en salas en el país galo.
Frases para recordar:
"Tanta
gente cantando no me gusta… prefiero el cine".
"Sólo
en el cine se muere de amor".
Título original: Les parapluies de Cherbourg Director: Jacques Demy. Intérpretes: Catherine Deneuve, Anne Vernon, Nino Castelnuovo, Ellen Farner, Jean Champion.
Mientras otros realizadores de la Nouvelle Vague, o nueva ola francesa realizaban filmes en blanco y
negro, más naturalistas, experimentales, o lejos de la inquietud política de,
por ejemplo, Jean Luc Godard, el año que éste rueda "El Soldadito (1963)", Jacques Demy filma, en rabioso y saturado color, la
primera película de la historia del cine completamente cantada, a modo de ópera.
Demy había debutado en la séptima de las artes con una comedia musical, "Lola (1960)", protagonizada por
Anouk Aimée, con fotografía del "iluminador official" de la Nouvelle Vague,
Raoul Coutard, y con letras de canciones compuestas por la esposa de Demy, la
también realizadora Agnés Vardá. Si en esta película, el azar sacudía a sus
protagonistas por las calles de la ciudad de Nantes, para su tercera película,
la que nos ocupa, el marco elegido por Demy es Cherburgo, la ciudad costera de
Normandía, convertida para la ocasion, en una suerte de plató musical, donde la
Mirada del realizador, sin duda, rastrea el musical Hollywoodiense, aunque sin
perder cierta conexidad de estilo con el mencionado movimiento cinematográfico
francés. En apenas 88
minutos, y distribuída en tres partes: La Partida, La Ausencia y El Regreso,
que transcurren entre 1957 y 1963, Demy, realizador y guionista, nos narra la
historia de Guy Foucher (Nini Castelnuovo), un jóven mecánico, y Geneviève
Emery (Catherine Deneuve), una jóven que trabaja en una tienda de venta de
paraguas, propiedad de su madre, Madamme Emery (Anne Vernon).
El trasfondo de
la incómoda Guerra de Argelia, incide de lleno en el romance de los jóvenes que
se aman desesperadamente, pese a la oposición de la madre de ella. El plácido
destino de la pareja se verá modificado inexorablemente cuando Guy recibe una
carta de reclutamiento, que le obliga a partir hacia el controvertido país del
norte de África. La distancia, la soledad de ella, su embarazo y las presiones
de la madre, que siempre deseó a alguien económicamente mejor situado para su
hija, hacen que la joven se case con el jóven millonario Roland Cassar (Marc
Michel). El regreso de Guy a la ciudad sera particularmente doloroso: el paseo
por lugares especiales, compartidos con Geneviéve, la memoria asociativa, que
tantas malas pasadas nos juega en territorios amorosos, hará que busque consuelo
en la prostitute Ginny (Jane Carat) y, de un modo más estable, en Madeleine
(Ellen Farner), la jóven que cuida a la tutora del joven, su tía Elise.
La melodía del compositor
frances Michel Legrand y las canciones escritas entre éste y Demy, se las
arreglan para conducirnos por la emotiva historia de amor de los jóvenes
protagonistas. En una época donde el cine trataba de librarse de las
limitaciones del blanco y negro (hoy se considera artístico y elegante, en
aquellos años como un límite a la expresión visual), Demy irrumpe en el
panorama con una película de un cromatismo atronador. La secuencia de la última
noche de los amantes antes de que Guy se vaya a su destino, vemos a los jovenes
pasear, llorar, abrazarse, cantarse recíprocamente su incondicional amor entre
sollozos, en un entorno donde los adoquines de las calles están bañados por una
iluminación lateral azulada. A la izquierda del encuadre vemos una pared de color
verde chillón, la del domicilio de Guy; Al fondo, una pared mural de colores
rosa, amarillo, rojo y negro, subliminalmente, o no, nos hacen a los
espectadores, plenamente partícipes del torrente de emociones que experimenta
la pareja.
La película, tratando
de ser justos, apasionará a los amantes del género musical e irritará a sus
detractores. Probablemente cincuenta años después de su realización, parezca un
drama un tanto "pasado de moda" y hasta un tanto empalagoso y edulcorado (la jóven
protagonista le dice a su madre en un momento determinado "Yo que me moría por él… ¿porqué no estoy muerta?"). Creo que no es
menos cierto que, pese a sus defectos, Demy ha logrado una obra fresca,
natural, estimulante, con unos movimientos de cámara armónicos, naturales, y un
dominio del espacio escénico (ahí está la hermosísima despedida de los amantes
en el tren para demostrarlo), una obra que nos sigue conmoviendo… tanto tiempo
después. La película se
estrenó el 19 de febrero de 1964. Ese año compitió en la ceremonia de los
premios Oscars en la categoría de película
extranjera, obteniendo el premio, el largometraje "Ayer hoy y mañana (1964)" de Vittorio
de Sica.
Fue el año en el que otro musical mítico se alzaba con 8 premios de la
academia, la obra maestra "My Fair Lady (1964)" de George Cukor, edición en la que competía el musical de Disney, "Mary Poppins (1964)" de Robert
Stevenson. Al año siguiente, curiosamente, la película volvió a estar presente
en la edición de los premios Oscars, esta vez compitiendo al premio al mejor
guión original, a la mejor Banda Sonora, mejor banda Sonora adaptada, y a la
mejor canción. No obtuvo ningún galardón. Ese año la edición perteneció a otro
de los grandes musicales de la Historia: "Sonrisas y Lágrimas (1965)" de Robert Wise. En el festival
de Cannes de 1964, sin embargo, la película de Demy alcanzó la codiciada Palma
de oro, El premio OCIC, ex aequo con "Vidas
secas (1963)" de Nelson Pereira dos Santos, y el premio técnico. El filme se rodó íntegramente
en la ciudad que lleva el título, del 17 de agosto al 17 de octubre de 1963.
La
tienda de paraguas de Madame Emery existe realmente al final de la rue du port, y en ella en la actualidad
puede verse una placa de color blanco con las letras en rojo, que recuerda el
rodaje de la película. Cherburgo ha tenido un apasionado romance
con el cine. Sus calles pueden verse en películas como "La Marie du port (1950)" de Marcel carné, en "Tess(1976)" de Roman Polanski,
o en "El rayo verde (1986)" de Eric Rohmer. Jacques Demy volvería
a filmar a Catherine Deneuve en un musical, "Las
Señoritas de Rochefort (1967)",
donde compartió protagonismo con su hermana, Françoise Dorléac, fallecida tres
meses después del estreno de la película, en un trágico accidente de circulación. Agnes Vardá
supervisó una restauración de los hermosos colores de esta bellísima película
en 2013, para un exitoso reestreno en salas en el país galo.
Frases para recordar:
"Tanta
gente cantando no me gusta… prefiero el cine".
"Sólo
en el cine se muere de amor".
Título original: Les parapluies de Cherbourg Director: Jacques Demy. Intérpretes: Catherine Deneuve, Anne Vernon, Nino Castelnuovo, Ellen Farner, Jean Champion.
