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El western a partir de mitades de los 70's y los 80´s era un género maldito, desgastado y prácticamente en extinción hasta que apareció "Silverado" de Lawrence Kasdan que devolvió (durante poco tiempo) a crítica y público a la edad dorada de los vaqueros a caballo.
Tuvieron que transcurrir casi 10 años hasta que George Pan Cosmatos, el director de Rambo 2, se armara con el suficiente valor para actualizar el famosísimo duelo del O.K. Corral (que según tengo entendido sólo duró unos segundos). Wyatt Earp, los Clanton, Doc Holliday y todos los destacados acontecimientos ocurridos en la ciudad de Tombstone, hicieron que las películas de pistoleros se pusieran de nuevo en el candelero, abriendo una interesante brecha que llevaría a nuevos títulos como "El tren de las 3:10", "Appaloosa", "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", y otros....
Diré a priori, dado el destacado reparto de Tombstone que uno se sorprende gratamente, nada menos que Kurt Rusell, Val Kilmer, Sam Elliott, Bill Paxton, Michael Bienh y hasta el mismísimo Charlton Heston, y el recientemente fallecido Power Boothe formaron una reinterpretación de los hechos repetidos en Cine hasta la saciedad, pero que gracias a la pericia y el arrojo de todo el elenco, una cuidadísima ambientación, una estupenda dirección y un aura polvorienta y salvaje, convirtieron esta cinta en un lujo para todo amante del género de revólver y balas.
Así pues, salvando las distancias, Tombstone es al western, lo que Gladiator fue al péplum, teniendo Tombstone incluso una competidora (La leyenda de Wyatt Earp) que no alcanzó el éxito, compartiendo la misma historia de Earp con Kevin Conster a la cabeza y estrenándose prácticamente a la vez, y que como curiosidad y capricho del destino, contaba con el director que había intentado ya despuntar en el oeste con la mencionada "Silverado", el gran Lawrence Kasdan.
Veo Tombstone como un resurgimiento del género a la altura de "Gladiator", dado que en su momento (al igual que con las sandalias romanas a principios del nuevo milenio), nadie en su sano juicio hubiera arriesgado para llevar a la pantalla películas del oeste, cuando éstas ya estaban denostadas y olvidadas. Parece ser que todo género de Cine merece una segunda oportunidad, después de un largo letargo, para resurgir y asentarse de nuevo como inspiración a más cineastas que exploten las nueva betas de oro que hay en las viejas minas del Hollywood actual.
Duelos impactantes, exhibiciones
de destreza armamentística, desafíos verbales de altura, una bella historia de
amor, honor, amistad, compromiso y todo ello con una fidedigna historia real de
por medio, convierten Tombstone en una joya que debe apreciarse de principio a
fin. Tombstone es un lujo para saborearse de principio a fín con torturados
pistoleros enfrentados a su destino, unos agentes de la ley que deben debatirse
entre enriquecerse en casinos viendo las injusticias impuestas por los cowboys
(los principios del crímen organizado) o enfrentarse al abuso de poder,
impartiendo la justicia de la estrella de sheriff aún a riesgo de perder la
vida y poner en peligro a sus familias-
Val Kilmer realiza aquí a mi entender el mejor trabajo de toda su carrera con
su tísico y borracho de Doc Holliday, con una caracterización del personaje
excepcional, al igual que un Kurt Rusell en estado de gracia que ha declarado
que Tombstone es la interpretación de la que más orgulloso está, llegando
incluso a ponerle el nombre de Wyatt a su hijo.
Dedicado a la cafetería La Tahona en Huarte Navarra.
Director: George Pan Cosmatos.
Intérpretes: Kurt Russell, Val Kilmer, Sam Elliott, Bill Paxton, Powers Boothe, Dana Delany,Michael Biehn, Stephen Lang, Michael Rooker, Charlton Heston.
El western a partir de mitades de los 70's y los 80´s era un género maldito, desgastado y prácticamente en extinción hasta que apareció "Silverado" de Lawrence Kasdan que devolvió (durante poco tiempo) a crítica y público a la edad dorada de los vaqueros a caballo.
Tuvieron que transcurrir casi 10 años hasta que George Pan Cosmatos, el director de Rambo 2, se armara con el suficiente valor para actualizar el famosísimo duelo del O.K. Corral (que según tengo entendido sólo duró unos segundos). Wyatt Earp, los Clanton, Doc Holliday y todos los destacados acontecimientos ocurridos en la ciudad de Tombstone, hicieron que las películas de pistoleros se pusieran de nuevo en el candelero, abriendo una interesante brecha que llevaría a nuevos títulos como "El tren de las 3:10", "Appaloosa", "El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford", y otros....
Diré a priori, dado el destacado reparto de Tombstone que uno se sorprende gratamente, nada menos que Kurt Rusell, Val Kilmer, Sam Elliott, Bill Paxton, Michael Bienh y hasta el mismísimo Charlton Heston, y el recientemente fallecido Power Boothe formaron una reinterpretación de los hechos repetidos en Cine hasta la saciedad, pero que gracias a la pericia y el arrojo de todo el elenco, una cuidadísima ambientación, una estupenda dirección y un aura polvorienta y salvaje, convirtieron esta cinta en un lujo para todo amante del género de revólver y balas.
Así pues, salvando las distancias, Tombstone es al western, lo que Gladiator fue al péplum, teniendo Tombstone incluso una competidora (La leyenda de Wyatt Earp) que no alcanzó el éxito, compartiendo la misma historia de Earp con Kevin Conster a la cabeza y estrenándose prácticamente a la vez, y que como curiosidad y capricho del destino, contaba con el director que había intentado ya despuntar en el oeste con la mencionada "Silverado", el gran Lawrence Kasdan.
Veo Tombstone como un resurgimiento del género a la altura de "Gladiator", dado que en su momento (al igual que con las sandalias romanas a principios del nuevo milenio), nadie en su sano juicio hubiera arriesgado para llevar a la pantalla películas del oeste, cuando éstas ya estaban denostadas y olvidadas. Parece ser que todo género de Cine merece una segunda oportunidad, después de un largo letargo, para resurgir y asentarse de nuevo como inspiración a más cineastas que exploten las nueva betas de oro que hay en las viejas minas del Hollywood actual.
Duelos impactantes, exhibiciones
de destreza armamentística, desafíos verbales de altura, una bella historia de
amor, honor, amistad, compromiso y todo ello con una fidedigna historia real de
por medio, convierten Tombstone en una joya que debe apreciarse de principio a
fin. Tombstone es un lujo para saborearse de principio a fín con torturados
pistoleros enfrentados a su destino, unos agentes de la ley que deben debatirse
entre enriquecerse en casinos viendo las injusticias impuestas por los cowboys
(los principios del crímen organizado) o enfrentarse al abuso de poder,
impartiendo la justicia de la estrella de sheriff aún a riesgo de perder la
vida y poner en peligro a sus familias-
Val Kilmer realiza aquí a mi entender el mejor trabajo de toda su carrera con
su tísico y borracho de Doc Holliday, con una caracterización del personaje
excepcional, al igual que un Kurt Rusell en estado de gracia que ha declarado
que Tombstone es la interpretación de la que más orgulloso está, llegando
incluso a ponerle el nombre de Wyatt a su hijo.
Dedicado a la cafetería La Tahona en Huarte Navarra.
Director: George Pan Cosmatos.
Intérpretes: Kurt Russell, Val Kilmer, Sam Elliott, Bill Paxton, Powers Boothe, Dana Delany,Michael Biehn, Stephen Lang, Michael Rooker, Charlton Heston.
En el año 3978 una nave espacial procedente de la Tierra, realiza un aterrizaje forzoso en un planeta desconocido. Los astronautas, al mando del coronel George Taylor (Charlton Heston) inspeccionan los alrededores y descubren que en este planeta los seres inteligentes y especie dominante son unos simios que comparten características físicas con los chimpancés (científicos), gorilas (militares) y orangutanes (religiosos y políticos) de la Tierra, pero que han desarrollado una civilización antropizada y militarizada, y que además hablan inglés. Los humanos de ese mundo, en cambio, tienen facultades sociales muy poco desarrolladas, son incapaces de hablar y son cazados en batidas militares y tratados como ganado por los simios dirigentes.
Durante 1968 dos obras de ciencia ficción darían carácter adulto y respetabilidad a un genero, hasta entonces asociado a cierto infantilismo y falta de madurez en sus diferentes propuestas. Una fue "2001. Una odisea en el espacio (1968)" de Stanley Kubrick, la otra "El planeta de los simios" de Franklin J. Schaffner. Si bien se trataba de dos títulos muy diferentes entre sí, había una serie de elementos que los conectaban. Uno de ellos era el tema de la evolución y las especulaciones acerca de la naturaleza del ser humano y lo que le deparaba el futuro; otro era la presencia de simios en su metraje, algo que a nivel técnico supuso también un importante paso adelante en el desarrollo de las técnicas de maquillaje a a cargo de Stuart Freeborn y John Chambers, respectivamente, aunque sólo el segundo fue reconocido con un Oscar (en aquel entonces no existía la categoría de Mejor Maquillaje y Chambers obtuvo un Premio Honorífico por su aportación a la industria cinematográfica). La impronta dejada por la película de Schaffner llegó a inspirar cuatro secuelas y dos series de televisión que se realizaron entre 1970 y 1976, además de un fracasado remake dirigido por Tim Burton en 2001.
"Tengan cuidado de la bestia humana, pues él es el instrumento del diablo. Sólo entre los primates de Dios mata por diversión, por codicia, o por avaricia. Sí, asesinará a su hermano para poseer la tierra de su hermano. No dejen que se reproduzca en grandes números pues convertirá en un desierto su hogar y el de Uds. Evítenlo. No lo dejen salir de su guarida en la selva pues él es presagio de la muerte".
Basada en la novela de Pierre Boulle "El planeta de los simios", curiosamente una obra de la que su autor no se sentía especialmente orgulloso y que difería notablemente con respecto a lo que posteriormente se vio en pantalla, sobre todo en lo referente al nivel de evolución de la sociedad simia que la protagonizaba. El libro llamó la atención del productor Arthur Jacobs, quien emprendió la ingente tarea de convencer a estrellas y directivos de los estudios de las posibilidades de esta adaptación. El estudio más proclive a llevar acabo la producción fue la 20th Century Fox, aunque aspectos como la efectividad del maquillaje (el estudio temía que los simios resultaran cómicos al espectador) o los costes de la producción (una de las razones por la que se cambió la ambientación de la historia localizándola en una sociedad de corte feudal y no futurista como en la novela original) fueron algunas de las reticencias que se plantearon a la viabilidad del proyecto.
La Fox veía en la película un producto de entretenimiento mientras que . Jacobs, el director, Franklin Shaffner, y los guionistas (el creador de "La dimensión desconocida", Rod Serling, en las primeras versiones del libreto, y Michael Wilson, quien una década antes ya había adaptado otra novela de Boulle, "El puente sobre el río Kwai") estaban más interesados en convertir la historia en una metáfora de los convulsos tiempos que vivía Estados Unidos en aquel momento. Aspectos como la corrupción del poder, la segregación racial, el fanatismo religioso, la violencia, el avance armamentístico o la guerra fueron tratados de manera elegante a través de la introducción nuestro héroe, Taylor, un astronauta desencantado con la humanidad de finales del siglo XX que había dejado atrás, en la quimérica estructura social creada para estos simios evolucionados.
"Letrados jueces: mi caso es simple. Se basa en nuestro primer artículo de la fe: que el Todopoderoso creó el simio en su propia imagen; que él le dio un alma y una mente; que él le aparte de las bestias de la selva y le hizo el señor del planeta. Estas verdades sagradas son evidentes. El estudio adecuado de simios es simios. Pero algunos cínicos jóvenes han optado por estudiar el hombre, científicos pervertidos que insisten sobre esa teoría insidiosa llamada ‘evolución’."
La nueva sociedad se presentaba distribuida en tres estratos significativos, los orangutanes como líderes políticos y religiosos, los gorilas como fuerza armada y los chimpancés como el sector intelectual, más abierto y crítico con los preceptos heredados del pasado (una de las curiosidades de la película más comentadas fue la preservación inconsciente de esta estructura incluso durante las pausas del rodaje, de manera que a la hora de comer los actores se agrupaban automáticamente de acuerdo al tipo de simio que interpretaban en pantalla). Los humanos, por otro lado, fueron presentados como seres primitivos sin inteligencia, ni capacidad de comunicación, cazados como bestias y esclavizados como si fueran animales de compañía o conejillos de indias para la experimentación por parte de los simios.
La historia presenta ante todo una confrontación dialéctica entre la obcecación del Dr. Zaius (Maurice Evans) en un papel en un principio pensado para Edward G. Robinson que tuvo que rechazar por problemas de salud, representante del poder establecido, enquistado e inconmovible, y la mirada ingenua y curiosa de la Dra. Zira (Kim Hunter) y Cornelius (Roddy McDowall), como la nueva generación que pone en duda las imposiciones de sus líderes y busca respuestas más allá de las creencias conservadoras de su comunidad. Taylor se convierte de esta manera en el eslabón perdido, esa pieza de información que para unos debe ser aislada y eliminada para poder preservar los dogmas sobre los que permanecido anclada la sociedad, y que para otros ha de ser estudiada y divulgada con el fin de alcanzar una mayor conocimiento sobre el pasado y la naturaleza de su especie. El rol tradicional de monos y hombres se intercambia de una manera irónica. De hecho, al cierre de la película, un científico describe a los humanos como una raza, en la que coexistían inteligencia y estupidez y cuyos integrantes estaban en guerra constante con los demás y consigo mismos.
"Sugerir que podemos aprender algo sobre la naturaleza del simio a partir del estudio del hombre es pura tontería. Porqué, el hombre es una molestia. Come su suministro de alimentos en el bosque y a continuación, migra a nuestros cinturones verdes y devasta nuestros cultivos. Cuanto más rápido sea exterminado, mejor. Es una cuestión de supervivencia simia". (Dr. Zaius a Zira)
La música experimental de Jerry Goldsmith es también una piedra angular en la generación de una sensación de angustia, intranquilidad y un particular extrañamiento, tanto emocional como cultural. La banda sonora se compone de sonidos que nos remiten a lo primitivo y atávico, contribuyendo a la formación de un paisaje sonoro que parece ancestral y futurista al mismo tiempo. Su estilo atonal, sus abruptos silencios, así como la utilización de cuernos de animales, percusiones e instrumentos de viento exóticos, nos permite conectarnos con un mundo desconocido y amenazante. Contribuye, por lo tanto, a vincularnos inmediatamente con lo natural y lo salvaje.
La estética del paisaje visual y sonoro, por tanto, nos permite enfrentarnos a una sociedad simia que, a la vez que "evolucionada", va remitiéndonos constantemente al pasado hipotético de la humanidad contemporánea. Los simios tienen una inteligencia desarrollada, lengua, religión, organización social y política propias. Una sociedad que manifiesta un desarrollo evolutivo alternativo al humano, con niveles de "primitivismo" y complejidad que se van superponiendo constantemente en la película.
No revelaré el final de este maravilloso film, un desenlace seco y fatídico donde los haya, y no lo haré, por si hay algún "ser humano" que no haya tenido la oportunidad de ver esta película, pero si querrí comentar que Rod Serling en su serie "The Twilight Zone" ya tenía como marca de la casa finales que cuestionaban todo lo que habías visto, pero en el caso que nos ocupa, se superó como nunca, ya que para nada es forzado y encaja perfectamente con todo el argumento desarrollado. Además el efecto inmediato es ponerte a analizar todas las implicaciones de la gran revelación, es un final que te deja desarmado, rodado además con maestría en un juego de zooms, planos y contraplanos en el que solo en el último momento somos testigos de lo que ha visto Taylor: Él ve primero la gran revelación, nosotros aún vamos a tener que esperar un momento para quedarnos con la boca abierta, sin duda uno de los mejores finales de la historia del cine.
"¡Malditos! ¡Dios los condene a todos al infierno!"
Título original: Planet of the Apes.
Director: Franklin
J. Schaffner.
Intérpretes: Charlton
Heston, Roddy
McDowall, Kim
Hunter, Maurice
Evans, James
Whitmore, James
Daly, Linda
Harrison.
En el año 3978 una nave espacial procedente de la Tierra, realiza un aterrizaje forzoso en un planeta desconocido. Los astronautas, al mando del coronel George Taylor (Charlton Heston) inspeccionan los alrededores y descubren que en este planeta los seres inteligentes y especie dominante son unos simios que comparten características físicas con los chimpancés (científicos), gorilas (militares) y orangutanes (religiosos y políticos) de la Tierra, pero que han desarrollado una civilización antropizada y militarizada, y que además hablan inglés. Los humanos de ese mundo, en cambio, tienen facultades sociales muy poco desarrolladas, son incapaces de hablar y son cazados en batidas militares y tratados como ganado por los simios dirigentes.
Durante 1968 dos obras de ciencia ficción darían carácter adulto y respetabilidad a un genero, hasta entonces asociado a cierto infantilismo y falta de madurez en sus diferentes propuestas. Una fue "2001. Una odisea en el espacio (1968)" de Stanley Kubrick, la otra "El planeta de los simios" de Franklin J. Schaffner. Si bien se trataba de dos títulos muy diferentes entre sí, había una serie de elementos que los conectaban. Uno de ellos era el tema de la evolución y las especulaciones acerca de la naturaleza del ser humano y lo que le deparaba el futuro; otro era la presencia de simios en su metraje, algo que a nivel técnico supuso también un importante paso adelante en el desarrollo de las técnicas de maquillaje a a cargo de Stuart Freeborn y John Chambers, respectivamente, aunque sólo el segundo fue reconocido con un Oscar (en aquel entonces no existía la categoría de Mejor Maquillaje y Chambers obtuvo un Premio Honorífico por su aportación a la industria cinematográfica). La impronta dejada por la película de Schaffner llegó a inspirar cuatro secuelas y dos series de televisión que se realizaron entre 1970 y 1976, además de un fracasado remake dirigido por Tim Burton en 2001.
"Tengan cuidado de la bestia humana, pues él es el instrumento del diablo. Sólo entre los primates de Dios mata por diversión, por codicia, o por avaricia. Sí, asesinará a su hermano para poseer la tierra de su hermano. No dejen que se reproduzca en grandes números pues convertirá en un desierto su hogar y el de Uds. Evítenlo. No lo dejen salir de su guarida en la selva pues él es presagio de la muerte".
Basada en la novela de Pierre Boulle "El planeta de los simios", curiosamente una obra de la que su autor no se sentía especialmente orgulloso y que difería notablemente con respecto a lo que posteriormente se vio en pantalla, sobre todo en lo referente al nivel de evolución de la sociedad simia que la protagonizaba. El libro llamó la atención del productor Arthur Jacobs, quien emprendió la ingente tarea de convencer a estrellas y directivos de los estudios de las posibilidades de esta adaptación. El estudio más proclive a llevar acabo la producción fue la 20th Century Fox, aunque aspectos como la efectividad del maquillaje (el estudio temía que los simios resultaran cómicos al espectador) o los costes de la producción (una de las razones por la que se cambió la ambientación de la historia localizándola en una sociedad de corte feudal y no futurista como en la novela original) fueron algunas de las reticencias que se plantearon a la viabilidad del proyecto.
La Fox veía en la película un producto de entretenimiento mientras que . Jacobs, el director, Franklin Shaffner, y los guionistas (el creador de "La dimensión desconocida", Rod Serling, en las primeras versiones del libreto, y Michael Wilson, quien una década antes ya había adaptado otra novela de Boulle, "El puente sobre el río Kwai") estaban más interesados en convertir la historia en una metáfora de los convulsos tiempos que vivía Estados Unidos en aquel momento. Aspectos como la corrupción del poder, la segregación racial, el fanatismo religioso, la violencia, el avance armamentístico o la guerra fueron tratados de manera elegante a través de la introducción nuestro héroe, Taylor, un astronauta desencantado con la humanidad de finales del siglo XX que había dejado atrás, en la quimérica estructura social creada para estos simios evolucionados.
"Letrados jueces: mi caso es simple. Se basa en nuestro primer artículo de la fe: que el Todopoderoso creó el simio en su propia imagen; que él le dio un alma y una mente; que él le aparte de las bestias de la selva y le hizo el señor del planeta. Estas verdades sagradas son evidentes. El estudio adecuado de simios es simios. Pero algunos cínicos jóvenes han optado por estudiar el hombre, científicos pervertidos que insisten sobre esa teoría insidiosa llamada ‘evolución’."
La nueva sociedad se presentaba distribuida en tres estratos significativos, los orangutanes como líderes políticos y religiosos, los gorilas como fuerza armada y los chimpancés como el sector intelectual, más abierto y crítico con los preceptos heredados del pasado (una de las curiosidades de la película más comentadas fue la preservación inconsciente de esta estructura incluso durante las pausas del rodaje, de manera que a la hora de comer los actores se agrupaban automáticamente de acuerdo al tipo de simio que interpretaban en pantalla). Los humanos, por otro lado, fueron presentados como seres primitivos sin inteligencia, ni capacidad de comunicación, cazados como bestias y esclavizados como si fueran animales de compañía o conejillos de indias para la experimentación por parte de los simios.
La historia presenta ante todo una confrontación dialéctica entre la obcecación del Dr. Zaius (Maurice Evans) en un papel en un principio pensado para Edward G. Robinson que tuvo que rechazar por problemas de salud, representante del poder establecido, enquistado e inconmovible, y la mirada ingenua y curiosa de la Dra. Zira (Kim Hunter) y Cornelius (Roddy McDowall), como la nueva generación que pone en duda las imposiciones de sus líderes y busca respuestas más allá de las creencias conservadoras de su comunidad. Taylor se convierte de esta manera en el eslabón perdido, esa pieza de información que para unos debe ser aislada y eliminada para poder preservar los dogmas sobre los que permanecido anclada la sociedad, y que para otros ha de ser estudiada y divulgada con el fin de alcanzar una mayor conocimiento sobre el pasado y la naturaleza de su especie. El rol tradicional de monos y hombres se intercambia de una manera irónica. De hecho, al cierre de la película, un científico describe a los humanos como una raza, en la que coexistían inteligencia y estupidez y cuyos integrantes estaban en guerra constante con los demás y consigo mismos.
"Sugerir que podemos aprender algo sobre la naturaleza del simio a partir del estudio del hombre es pura tontería. Porqué, el hombre es una molestia. Come su suministro de alimentos en el bosque y a continuación, migra a nuestros cinturones verdes y devasta nuestros cultivos. Cuanto más rápido sea exterminado, mejor. Es una cuestión de supervivencia simia". (Dr. Zaius a Zira)
La música experimental de Jerry Goldsmith es también una piedra angular en la generación de una sensación de angustia, intranquilidad y un particular extrañamiento, tanto emocional como cultural. La banda sonora se compone de sonidos que nos remiten a lo primitivo y atávico, contribuyendo a la formación de un paisaje sonoro que parece ancestral y futurista al mismo tiempo. Su estilo atonal, sus abruptos silencios, así como la utilización de cuernos de animales, percusiones e instrumentos de viento exóticos, nos permite conectarnos con un mundo desconocido y amenazante. Contribuye, por lo tanto, a vincularnos inmediatamente con lo natural y lo salvaje.
La estética del paisaje visual y sonoro, por tanto, nos permite enfrentarnos a una sociedad simia que, a la vez que "evolucionada", va remitiéndonos constantemente al pasado hipotético de la humanidad contemporánea. Los simios tienen una inteligencia desarrollada, lengua, religión, organización social y política propias. Una sociedad que manifiesta un desarrollo evolutivo alternativo al humano, con niveles de "primitivismo" y complejidad que se van superponiendo constantemente en la película.
No revelaré el final de este maravilloso film, un desenlace seco y fatídico donde los haya, y no lo haré, por si hay algún "ser humano" que no haya tenido la oportunidad de ver esta película, pero si querrí comentar que Rod Serling en su serie "The Twilight Zone" ya tenía como marca de la casa finales que cuestionaban todo lo que habías visto, pero en el caso que nos ocupa, se superó como nunca, ya que para nada es forzado y encaja perfectamente con todo el argumento desarrollado. Además el efecto inmediato es ponerte a analizar todas las implicaciones de la gran revelación, es un final que te deja desarmado, rodado además con maestría en un juego de zooms, planos y contraplanos en el que solo en el último momento somos testigos de lo que ha visto Taylor: Él ve primero la gran revelación, nosotros aún vamos a tener que esperar un momento para quedarnos con la boca abierta, sin duda uno de los mejores finales de la historia del cine.
"¡Malditos! ¡Dios los condene a todos al infierno!"
Título original: Planet of the Apes.
Director: Franklin
J. Schaffner.
Intérpretes: Charlton
Heston, Roddy
McDowall, Kim
Hunter, Maurice
Evans, James
Whitmore, James
Daly, Linda
Harrison.
Si hay un filme que viene a la mente apenas se menciona la palabra épico es éste. Es intensa, emocionante, grandiosa, bíblica, epopéyica y sobre todo es cine, cine entendido como espectáculo y precisamente por ello es espectacular. De visionado obligatorio en Semana Santa, de hecho la vi durante una Pascua de hace muchos años donde quedé paralelepipeado. Dije Dios Mío ¿qué es esto? Y el creador me respondió: Esto es cine, cállate y disfruta la película.
Basada en la novela de Edgar Wallace (550 hojas que necesitaron un ejército de guionistas para reducirlas, entre ellos Gore Vidal, responsable del asunto gay que mencionaremos más tarde) y remake de un épico silente de 1925 realizado por Fred Niblo, superproducción de 15 millones de dólares para la época, casi 9 meses de rodaje, 6 de postproducción, 10000 extras, 2500 caballos, 200 camellos, Leslie Nielsen en audición y luego rechazado, fotografiado en panorámico MGM 65 Eastmancolor que daba un aspecto de pantalla 2,76: 1 y todos los etcéteras que ya conocíamos incluyendo 11 Óscar imbatibles hasta el Titanic. Ben Hur está por derecho propio en su lugar en la historia.
Judá Ben-Hur es un noble comerciante que durante la época convulsa que atraviesa Judea bajo la presión del imperio Romano (30dc) ve en el regreso de su amigo de la niñez, ahora como tribuno romano, Messala, una oportunidad para cambiar las cosas y llegar a un período de paz, sin embargo el otro intenta manipularlo para que delate a quienes estarían en contra del yugo imperial lo cual es rechazado por el primero y provoca la rabia del segundo. Durante el desfile de bienvenida a Valerio Grato, nuevo gobernador, accidentalmente, la hermana de Judá hace caer una teja en la cabeza del gobernador justo cuando pasan por su casa y es herido, enseguida los soldados allanan la vivienda acusados de conspiración inculpándose el hermano mayor y aunque Messala se da cuenta de lo fortuito del asunto condena a su ex mejor amigo a las galeras. Durante el camino encadenado cae sediento y un personaje misterioso se acerca a darle de beber.
Judá en cautiverio ha desarrollado un físico impresionante solo comparable al odio que siente hacia los romanos y su deseo de venganza. Quinto Arrio cónsul de Roma, va en la galera, y cuando ésta es atacada por piratas, nuestro héroe le salva la vida, en agradecimiento lo adopta como hijo y vuelve al lujo y la riqueza las cuales aprovechará para cual Edmundo Dantes realizar su vendetta. Ambientado a su condición de "romano" se ha convertido en un reconocido corredor de cuadrigas, estando negociando la compra de unos caballos árabes se entera que Messala es el campeón de esa región del oriente y con el adoctrinamiento de un jeque amigo suyo entrenará para retar al traidor y humillarlo.
De vuelta a Judea Messala reconoce a su némesis e intuye que la carrera es a muerte, en una escena que ha ingresado a la antología Ben Hur vence al romano quien completamente malogrado en un acto de maldad suprema le confirma que su madre y hermana están vivas y que sufren lepra, tendrás suerte si las reconoces. También se entera que aquel hombre misterioso que lo ayudó alguna vez no es otro de Jesús de Nazareth, el rey y mesías que esperaba el pueblo judío que igual que él ha sido traicionado, encarcelado y condenado e intenta rescatarlo, pero ya es tarde, ha sido crucificado y con el agua lluvia de la tormenta son sanadas milagrosamente su familia.
Charlton Heston, Chuck para los amigos, mimetizó al personaje. Dicen que lo obtuvo cuando Rock Hudson declinó la oferta. (La MGM desde 1952 venía cocinando el proyecto y desde Stewart Granger, Robert Taylor , Marlon Brando, Burt Lancaster y Paul Newman iban de candidatos) Kirk Douglas también mostró interés pero le ofrecieron Messala y optó por Espartaco (1960). La verdad es que nació para ser Ben Hur, quién como él para mostrar físicamente toda la evolución de este personaje y no solo por ese perfil clásico y porque nadie sudaba en pantalla como Heston. Hay la anécdota que Wyler llamó a escondidas a Stephen Boyd y le dijo que debía interpretar al romano de una manera que insinuara una atracción homosexual hacia su oponente (Gore Vidal había indicado que para justificar todo el odio de este carácter debía ser porque era un amante rechazado). Chuck desconocía el asunto pero cuando se enteró se puso muy furioso. Además Wyler no se convencía que Chuck iba para el papel, le hizo repetir hasta 16 veces una escena en la que él decía: Soy Judío.
El reconocimiento a Hugh Griffith me parece un poco desmedido porque si alguien hubiera merecido el Óscar que se llevó hubiera sido Boyd. Imaginen que además de hacer de gay reprimido tuvo que usar lentes de contacto oscuros pues debía mirar con malevolencia.
La música de Miklós Rósza se ha convertido en inolvidable, quién no reconoce la partitura épica de aquella. Esa mixtura de sonidos traídos de hace centurias combinados con aires modernos (para finales de los cincuenta, claro está) tiene un efecto poderoso todavía en nuestros días. Músicos como John Williams admiten su influencia.
La famosa carrera no fue realizada por Wyler sino por Andrew Marton, director de segunda unidad, y por esas cosas curiosas, en quizá la de mayor referencia en toda la película. No nos olvidemos que siendo espectáculo aquella escena era inevitable. Y por si casi alguien no lo sabe Sergio Leone andaba por ahí, de asistente del asistente. Y ya que vamos de asistentes, Wyler trabajó como asistente de dirección en la producción de 1925.
William Wyler cuando fue contratado recibió un sueldo muy por encima de cualquier realizador ($350 000) más el 8% de la recaudación en taquilla. Filmada en Cinecittá, reconstruyendo el circo de Jerusalem porque no habían efectos digitales, usando un estanque y miniaturas para la batalla naval, una escena de crucifixión que no empataba por ningún lado pues Wyler temía herir susceptibilidades aunque después admitiría que siendo judío había hecho una gran película cristiana. Pero aunque la historia es una y la chismología nos entretiene. Ben Hur ha pasado a formar parte de aquellas cintas que la National Film Preservation Board ha seleccionado para su conservación en el National Film Registry por ser una película "cultural, histórica o estéticamente significativa". Si no la tienes, no amas el cine.
Director: William
Wyler.
Intérpretes: Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen
Boyd, Haya Harareet, Hugh Griffith, Martha Scott, Cathy O'Donnell.
Trailer:
Escena:
B.S.O.:
Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada
Si hay un filme que viene a la mente apenas se menciona la palabra épico es éste. Es intensa, emocionante, grandiosa, bíblica, epopéyica y sobre todo es cine, cine entendido como espectáculo y precisamente por ello es espectacular. De visionado obligatorio en Semana Santa, de hecho la vi durante una Pascua de hace muchos años donde quedé paralelepipeado. Dije Dios Mío ¿qué es esto? Y el creador me respondió: Esto es cine, cállate y disfruta la película.
Basada en la novela de Edgar Wallace (550 hojas que necesitaron un ejército de guionistas para reducirlas, entre ellos Gore Vidal, responsable del asunto gay que mencionaremos más tarde) y remake de un épico silente de 1925 realizado por Fred Niblo, superproducción de 15 millones de dólares para la época, casi 9 meses de rodaje, 6 de postproducción, 10000 extras, 2500 caballos, 200 camellos, Leslie Nielsen en audición y luego rechazado, fotografiado en panorámico MGM 65 Eastmancolor que daba un aspecto de pantalla 2,76: 1 y todos los etcéteras que ya conocíamos incluyendo 11 Óscar imbatibles hasta el Titanic. Ben Hur está por derecho propio en su lugar en la historia.
Judá Ben-Hur es un noble comerciante que durante la época convulsa que atraviesa Judea bajo la presión del imperio Romano (30dc) ve en el regreso de su amigo de la niñez, ahora como tribuno romano, Messala, una oportunidad para cambiar las cosas y llegar a un período de paz, sin embargo el otro intenta manipularlo para que delate a quienes estarían en contra del yugo imperial lo cual es rechazado por el primero y provoca la rabia del segundo. Durante el desfile de bienvenida a Valerio Grato, nuevo gobernador, accidentalmente, la hermana de Judá hace caer una teja en la cabeza del gobernador justo cuando pasan por su casa y es herido, enseguida los soldados allanan la vivienda acusados de conspiración inculpándose el hermano mayor y aunque Messala se da cuenta de lo fortuito del asunto condena a su ex mejor amigo a las galeras. Durante el camino encadenado cae sediento y un personaje misterioso se acerca a darle de beber.
Judá en cautiverio ha desarrollado un físico impresionante solo comparable al odio que siente hacia los romanos y su deseo de venganza. Quinto Arrio cónsul de Roma, va en la galera, y cuando ésta es atacada por piratas, nuestro héroe le salva la vida, en agradecimiento lo adopta como hijo y vuelve al lujo y la riqueza las cuales aprovechará para cual Edmundo Dantes realizar su vendetta. Ambientado a su condición de "romano" se ha convertido en un reconocido corredor de cuadrigas, estando negociando la compra de unos caballos árabes se entera que Messala es el campeón de esa región del oriente y con el adoctrinamiento de un jeque amigo suyo entrenará para retar al traidor y humillarlo.
De vuelta a Judea Messala reconoce a su némesis e intuye que la carrera es a muerte, en una escena que ha ingresado a la antología Ben Hur vence al romano quien completamente malogrado en un acto de maldad suprema le confirma que su madre y hermana están vivas y que sufren lepra, tendrás suerte si las reconoces. También se entera que aquel hombre misterioso que lo ayudó alguna vez no es otro de Jesús de Nazareth, el rey y mesías que esperaba el pueblo judío que igual que él ha sido traicionado, encarcelado y condenado e intenta rescatarlo, pero ya es tarde, ha sido crucificado y con el agua lluvia de la tormenta son sanadas milagrosamente su familia.
Charlton Heston, Chuck para los amigos, mimetizó al personaje. Dicen que lo obtuvo cuando Rock Hudson declinó la oferta. (La MGM desde 1952 venía cocinando el proyecto y desde Stewart Granger, Robert Taylor , Marlon Brando, Burt Lancaster y Paul Newman iban de candidatos) Kirk Douglas también mostró interés pero le ofrecieron Messala y optó por Espartaco (1960). La verdad es que nació para ser Ben Hur, quién como él para mostrar físicamente toda la evolución de este personaje y no solo por ese perfil clásico y porque nadie sudaba en pantalla como Heston. Hay la anécdota que Wyler llamó a escondidas a Stephen Boyd y le dijo que debía interpretar al romano de una manera que insinuara una atracción homosexual hacia su oponente (Gore Vidal había indicado que para justificar todo el odio de este carácter debía ser porque era un amante rechazado). Chuck desconocía el asunto pero cuando se enteró se puso muy furioso. Además Wyler no se convencía que Chuck iba para el papel, le hizo repetir hasta 16 veces una escena en la que él decía: Soy Judío.
El reconocimiento a Hugh Griffith me parece un poco desmedido porque si alguien hubiera merecido el Óscar que se llevó hubiera sido Boyd. Imaginen que además de hacer de gay reprimido tuvo que usar lentes de contacto oscuros pues debía mirar con malevolencia.
La música de Miklós Rósza se ha convertido en inolvidable, quién no reconoce la partitura épica de aquella. Esa mixtura de sonidos traídos de hace centurias combinados con aires modernos (para finales de los cincuenta, claro está) tiene un efecto poderoso todavía en nuestros días. Músicos como John Williams admiten su influencia.
La famosa carrera no fue realizada por Wyler sino por Andrew Marton, director de segunda unidad, y por esas cosas curiosas, en quizá la de mayor referencia en toda la película. No nos olvidemos que siendo espectáculo aquella escena era inevitable. Y por si casi alguien no lo sabe Sergio Leone andaba por ahí, de asistente del asistente. Y ya que vamos de asistentes, Wyler trabajó como asistente de dirección en la producción de 1925.
William Wyler cuando fue contratado recibió un sueldo muy por encima de cualquier realizador ($350 000) más el 8% de la recaudación en taquilla. Filmada en Cinecittá, reconstruyendo el circo de Jerusalem porque no habían efectos digitales, usando un estanque y miniaturas para la batalla naval, una escena de crucifixión que no empataba por ningún lado pues Wyler temía herir susceptibilidades aunque después admitiría que siendo judío había hecho una gran película cristiana. Pero aunque la historia es una y la chismología nos entretiene. Ben Hur ha pasado a formar parte de aquellas cintas que la National Film Preservation Board ha seleccionado para su conservación en el National Film Registry por ser una película "cultural, histórica o estéticamente significativa". Si no la tienes, no amas el cine.
Director: William
Wyler.
Intérpretes: Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen
Boyd, Haya Harareet, Hugh Griffith, Martha Scott, Cathy O'Donnell.
Trailer:
Escena:
B.S.O.:
Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada
Esta vez nos impregna con una
nueva clase de terror, aquel que se confunde con la realidad, que a su vez
también se confunde con la ficción y viceversa. Un perverso tablero
cinematográfico con tintes de "Lovercraf" que juega a ser real, tomando como
punto de partida para la creación de la intriga, la búsqueda por parte de un
agente de seguros (Sam Neill), en el desafío de encontrar a un escritor de
novelas de terror de éxito desaparecido en extrañas circunstancias "Sutter
Cane" (un sosías del conocidísimo Stephen King).
Las historias que el
desaparecido "Cane" crea, acaban por enloquecer a los lectores, que no dejan de
comprar las atractivas y oscuras publicaciones, convirtiéndole en el número 1
en ventas. Sus horribles personajes, el paroxismo colectivo cual infección, las
rocambolescas, retorcidas y sádicas historias literarias acaban por cobrar
vida, y no es una exageración, en la ficción del film es así ¿Y saben qué?...
esta ficción acaba por contagiar al espectador de una intranquilidad intensa,
creciente, acompañada de una tensión, tan escalofriante que produce sobresaltos
de pavor.
"En la boca del miedo" es
una estupenda propuesta de terror, debido a momentos de absoluta y profunda
locura, (el continuo escape en coche del pueblo perdido que no aparece en el
mapa, en un bucle sinfín que no deja de repetirse, la primera aparición de "Cane" tras las puertas de una iglesia, la transformación de personas en
monstruos, el loco de la gabardina y el hacha...) todos momentos éstos geniales,
añadiendo un portentoso final que no desvelaré...Jürgen Prochnow, Charlton
Heston y un jovencísimo Hayden Christensen (el Darth Vader jovencito que
aparece aquí brevemente en bicicleta) conforman un intenso film, que agrada por
su estrambótica locura. Carpenter "El Maestro" nos mete en la boca del miedo
dándonos un dulce caramelo de terror.
Añadiré que, después de "En la
boca del miedo", de una manera incomprensible Carpenter enlazó una serie de
fracasos comerciales totalmente injustos: "El pueblo de los malditos (1995)", "2013:
Rescate en L.A (1996)", la genial "Vampiros (1998)" y la interesante y desbocada "Fantasmas
de Marte (2001)", todas ellas de una calidad diferenciada lastraron a Carpenter hacia
terrenos fuera del cine. La televisión recibió al maestro del terror y la
ciencia ficción con los brazos abiertos, la serie "Masters of Horror" encumbró
de nuevo a Carpenter, que ahora mismo sigue introduciéndonos en su particular
boca de miedo a través del cómic con maravillosas exposiciones en este arte, y
no podían faltar sus incursiones en la música, que tienen en "En la boca del
miedo" y otros ejemplos de portentosas capacidades artísticas el ejemplo de la
oscuridad, la locura y el miedo en todos sus desempeños de lo oculto y
misterioso…
Esta vez nos impregna con una
nueva clase de terror, aquel que se confunde con la realidad, que a su vez
también se confunde con la ficción y viceversa. Un perverso tablero
cinematográfico con tintes de "Lovercraf" que juega a ser real, tomando como
punto de partida para la creación de la intriga, la búsqueda por parte de un
agente de seguros (Sam Neill), en el desafío de encontrar a un escritor de
novelas de terror de éxito desaparecido en extrañas circunstancias "Sutter
Cane" (un sosías del conocidísimo Stephen King).
Las historias que el
desaparecido "Cane" crea, acaban por enloquecer a los lectores, que no dejan de
comprar las atractivas y oscuras publicaciones, convirtiéndole en el número 1
en ventas. Sus horribles personajes, el paroxismo colectivo cual infección, las
rocambolescas, retorcidas y sádicas historias literarias acaban por cobrar
vida, y no es una exageración, en la ficción del film es así ¿Y saben qué?...
esta ficción acaba por contagiar al espectador de una intranquilidad intensa,
creciente, acompañada de una tensión, tan escalofriante que produce sobresaltos
de pavor.
"En la boca del miedo" es
una estupenda propuesta de terror, debido a momentos de absoluta y profunda
locura, (el continuo escape en coche del pueblo perdido que no aparece en el
mapa, en un bucle sinfín que no deja de repetirse, la primera aparición de "Cane" tras las puertas de una iglesia, la transformación de personas en
monstruos, el loco de la gabardina y el hacha...) todos momentos éstos geniales,
añadiendo un portentoso final que no desvelaré...Jürgen Prochnow, Charlton
Heston y un jovencísimo Hayden Christensen (el Darth Vader jovencito que
aparece aquí brevemente en bicicleta) conforman un intenso film, que agrada por
su estrambótica locura. Carpenter "El Maestro" nos mete en la boca del miedo
dándonos un dulce caramelo de terror.
Añadiré que, después de "En la
boca del miedo", de una manera incomprensible Carpenter enlazó una serie de
fracasos comerciales totalmente injustos: "El pueblo de los malditos (1995)", "2013:
Rescate en L.A (1996)", la genial "Vampiros (1998)" y la interesante y desbocada "Fantasmas
de Marte (2001)", todas ellas de una calidad diferenciada lastraron a Carpenter hacia
terrenos fuera del cine. La televisión recibió al maestro del terror y la
ciencia ficción con los brazos abiertos, la serie "Masters of Horror" encumbró
de nuevo a Carpenter, que ahora mismo sigue introduciéndonos en su particular
boca de miedo a través del cómic con maravillosas exposiciones en este arte, y
no podían faltar sus incursiones en la música, que tienen en "En la boca del
miedo" y otros ejemplos de portentosas capacidades artísticas el ejemplo de la
oscuridad, la locura y el miedo en todos sus desempeños de lo oculto y
misterioso…
Antes de Comenzar La película, su director y productor Also: Cecil B. DeMille , nos Presenta en lo prólogo ONU Que en SUS Propias Palabras repre La historia del profeta judío Moisés: El Nacimiento dela Libertad. : Además, nos detalla Las Fuentes Históricas Que Han Empleado los guionistas de la Película párr Anadir Una instancia de parte de la vida de Moisés Que Aparece en el Éxodo,
uno de los Libros sagrados Que Componen el Antiguo Testamento. Filón el Judío , el historiador Flavio Josefo y Eusebio de Cesárea Entre Otros. Bajo mi punto de vista this prólogo REBASA su Intención didáctica y divulgativa Puramente, ya Que de Mille Establece pecado mencionarlo explícitamente paralelismos Entre el reinado de la ONU tirano dela AntigüedadComo Ramsés, con ALGUNAS de las dictaduras Presentes en Aquel Año 1956, DICHA Comparacion this empleada con intenciones claramente ideológicas. DICHO ESTO, la película Es Una espectacular y deslumbrante superproducción Que Pertenece al subgénero de la epopeya Bíblica . Se Trata De Una de las Películas Más recordadas con this temática de Toda la historia del cine ... Generaciones de espectadores la recuerdan Por La fuerza de Sus Imágenes, Asi Como Por La Intensidad de Sus Actuaciones, especialmente las de Sus protagonistas Principales: Charlon Heston, Yul Brynner y Anne Baxter . Todo Comienza CUANDO La Suerte Cambia, CUANDO Madre Una hebrea: Yochabel (Martha Scott) Trata de SALVAR un su hijo colocándolo del una cesta y lanzándolo al Nilo DEBIDO una Que Un edicto del faraón Seti (Cedric Hardwicke) ja de decretado la muerte de Todos los primogénitos de raza hebrea.
La suerte del recién nacido hebreo Cambia Por completo de ser e recogido del río Por La hermana del faraón, Bethia ( Nina Foch ),
ESTA lo Llamará Moisés CUYO SIGNIFICADO es: "Entregado Por Las Aguas". Ella lo Adopta y lo cría en la corte real. El Moisés Adulto (Charlon Heston) se gana el favor de Seti, Por Tanto su valor, CONQUISTANDO Territorios párr Egipto, Por Como su Sabiduría. La princesa Nefertari (Anne Baxter) se enamora perdidamente de Moisés, Lo Que Provoca la envidia del heredero al trono naturales, el, hijo del faraón: Ramses ( Yul Brynner) . Más Moisés no eludir Florerias El Destino Que Dios le ha Encomendado, Descubre su Verdadero origen y Tras ONU periplo Primero Como Esclavo y LUEGO Como pastor de ovejas, se erigirá Como profeta y Líder espiritual del pueblo hebreo, Para Que Este encuentre el favorecer de Dios yla Tierra Prometida.
Los guionistas Eneas MacKenzie, Jesse L. Lasky Jr., Jack Gariss y Fredric M. Fran hicieron ONU extraordinario Trabajo Para Que La película retratase de la forma Más fiel Posible la vida de Moisés. El resultado m es Magnifico, ya la del que pelicula, PESE una inevitable maniqueísmo, el Presente en el texto Bíblico: Hebreos (humildes y buenos) Frente a los Crueles y sádicos Egipcios, Que el pecado embargo es matizado Por Las figuras de DatosN (Edward G. Robinson), sedicioso y avaricioso hebreo Por Lado de la ONU; y en El Otro Lado la generosidad y el amor maternal de Bithia (Que Acabara Abrazando Las Creencias de Moisés),
y la lucidez de Seti Que, PESE una crueldad Do, es Consciente De Que Moisés Es Un Único Ser dotado de la ONU Poder sobrenatural.
Also es muy apreciable la escritura de diálogos concisos UNOS y sentenciosos Llenos de de imagenes y metáforas, muy de propios del material de literario tan adaptan Que especial. Muy destacable Also Por SUPUESTO la Fotografía en technicolor exuberante ONU y vista la visión de Loyal Griggs, Que Refleja Perfectamente la naturaleza mística y simbólica de tan grandioso relato con Panoramicas y travellings Sumamente acertados, y combinando Perfectamente Todo el Colorido de las vestimentas y de los DECORADOS suntuosos. Una Magnífica Producción: ESE gran Que cine ya Por Desgracia Nunca volverá, en el de Me verosimilitud, Que venia dada Por Las costosas labores de Producción: Empleo de ingentes Cantidades de extras Animales y, Asi Como La ubicación en Exteriores Fieles al texto bíblico ( Monte Sinaí) y EN los Enormes DECORADOS (expresamente ampliados) dela Paramountpárr mostrarnos ESE Mundo mítico de la antigüedad estilizado but Más verdadero si Cabe Que El auténtico en el Que Todo Tiene Cabida: la épica, el romance, el misticismo, la Sabiduría. Con Un reparto fabuloso en Los Hay Que Que: Añadir a los los antes mencionados a Yvonne De Carlo Como Séfora, la esposa- de Moisés, un Lilia (Debra Paget) una Josué (John Derek) o al malvado Baka interpretado Por Vincent Price . Imprescindible clásico párr degustar tranquilamente y gozar de Una historia en el colosal Tanto Que lo lo de Como Cabida Tienen íntimo. Esa lucha del pueblo de Israel bajo el Liderazgo de Moisés, en El que La Mano de Dios Será Siguen clave emocionado AÚN en la Actualidad.
Título original: Los Diez Mandamientos. Directora: Cecil B. DeMille. Intérpretes: Charlton Heston , Yul Brynner , Anne Baxter , Edward G. Robinson , Yvonne De Carlo , Debra Paget , John Derek , Cedric Hardwicke , Nina Foch.
Trailer:
Por Escrita Reseña Juan Murillo Bodas Complementaria Información: Cecil B. DeMille
Antes de Comenzar La película, su director y productor Also: Cecil B. DeMille , nos Presenta en lo prólogo ONU Que en SUS Propias Palabras repre La historia del profeta judío Moisés: El Nacimiento dela Libertad. : Además, nos detalla Las Fuentes Históricas Que Han Empleado los guionistas de la Película párr Anadir Una instancia de parte de la vida de Moisés Que Aparece en el Éxodo,
uno de los Libros sagrados Que Componen el Antiguo Testamento. Filón el Judío , el historiador Flavio Josefo y Eusebio de Cesárea Entre Otros. Bajo mi punto de vista this prólogo REBASA su Intención didáctica y divulgativa Puramente, ya Que de Mille Establece pecado mencionarlo explícitamente paralelismos Entre el reinado de la ONU tirano dela AntigüedadComo Ramsés, con ALGUNAS de las dictaduras Presentes en Aquel Año 1956, DICHA Comparacion this empleada con intenciones claramente ideológicas. DICHO ESTO, la película Es Una espectacular y deslumbrante superproducción Que Pertenece al subgénero de la epopeya Bíblica . Se Trata De Una de las Películas Más recordadas con this temática de Toda la historia del cine ... Generaciones de espectadores la recuerdan Por La fuerza de Sus Imágenes, Asi Como Por La Intensidad de Sus Actuaciones, especialmente las de Sus protagonistas Principales: Charlon Heston, Yul Brynner y Anne Baxter . Todo Comienza CUANDO La Suerte Cambia, CUANDO Madre Una hebrea: Yochabel (Martha Scott) Trata de SALVAR un su hijo colocándolo del una cesta y lanzándolo al Nilo DEBIDO una Que Un edicto del faraón Seti (Cedric Hardwicke) ja de decretado la muerte de Todos los primogénitos de raza hebrea.
La suerte del recién nacido hebreo Cambia Por completo de ser e recogido del río Por La hermana del faraón, Bethia ( Nina Foch ),
ESTA lo Llamará Moisés CUYO SIGNIFICADO es: "Entregado Por Las Aguas". Ella lo Adopta y lo cría en la corte real. El Moisés Adulto (Charlon Heston) se gana el favor de Seti, Por Tanto su valor, CONQUISTANDO Territorios párr Egipto, Por Como su Sabiduría. La princesa Nefertari (Anne Baxter) se enamora perdidamente de Moisés, Lo Que Provoca la envidia del heredero al trono naturales, el, hijo del faraón: Ramses ( Yul Brynner) . Más Moisés no eludir Florerias El Destino Que Dios le ha Encomendado, Descubre su Verdadero origen y Tras ONU periplo Primero Como Esclavo y LUEGO Como pastor de ovejas, se erigirá Como profeta y Líder espiritual del pueblo hebreo, Para Que Este encuentre el favorecer de Dios yla Tierra Prometida.
Los guionistas Eneas MacKenzie, Jesse L. Lasky Jr., Jack Gariss y Fredric M. Fran hicieron ONU extraordinario Trabajo Para Que La película retratase de la forma Más fiel Posible la vida de Moisés. El resultado m es Magnifico, ya la del que pelicula, PESE una inevitable maniqueísmo, el Presente en el texto Bíblico: Hebreos (humildes y buenos) Frente a los Crueles y sádicos Egipcios, Que el pecado embargo es matizado Por Las figuras de DatosN (Edward G. Robinson), sedicioso y avaricioso hebreo Por Lado de la ONU; y en El Otro Lado la generosidad y el amor maternal de Bithia (Que Acabara Abrazando Las Creencias de Moisés),
y la lucidez de Seti Que, PESE una crueldad Do, es Consciente De Que Moisés Es Un Único Ser dotado de la ONU Poder sobrenatural.
Also es muy apreciable la escritura de diálogos concisos UNOS y sentenciosos Llenos de de imagenes y metáforas, muy de propios del material de literario tan adaptan Que especial. Muy destacable Also Por SUPUESTO la Fotografía en technicolor exuberante ONU y vista la visión de Loyal Griggs, Que Refleja Perfectamente la naturaleza mística y simbólica de tan grandioso relato con Panoramicas y travellings Sumamente acertados, y combinando Perfectamente Todo el Colorido de las vestimentas y de los DECORADOS suntuosos. Una Magnífica Producción: ESE gran Que cine ya Por Desgracia Nunca volverá, en el de Me verosimilitud, Que venia dada Por Las costosas labores de Producción: Empleo de ingentes Cantidades de extras Animales y, Asi Como La ubicación en Exteriores Fieles al texto bíblico ( Monte Sinaí) y EN los Enormes DECORADOS (expresamente ampliados) dela Paramountpárr mostrarnos ESE Mundo mítico de la antigüedad estilizado but Más verdadero si Cabe Que El auténtico en el Que Todo Tiene Cabida: la épica, el romance, el misticismo, la Sabiduría. Con Un reparto fabuloso en Los Hay Que Que: Añadir a los los antes mencionados a Yvonne De Carlo Como Séfora, la esposa- de Moisés, un Lilia (Debra Paget) una Josué (John Derek) o al malvado Baka interpretado Por Vincent Price . Imprescindible clásico párr degustar tranquilamente y gozar de Una historia en el colosal Tanto Que lo lo de Como Cabida Tienen íntimo. Esa lucha del pueblo de Israel bajo el Liderazgo de Moisés, en El que La Mano de Dios Será Siguen clave emocionado AÚN en la Actualidad.
Título original: Los Diez Mandamientos. Directora: Cecil B. DeMille. Intérpretes: Charlton Heston , Yul Brynner , Anne Baxter , Edward G. Robinson , Yvonne De Carlo , Debra Paget , John Derek , Cedric Hardwicke , Nina Foch.
Trailer:
Por Escrita Reseña Juan Murillo Bodas Complementaria Información: Cecil B. DeMille
Schwarzenegger
buscó durante mucho tiempo la complicada alquimia entre el cine de acción, la
comedia y el espectáculo para todas las edades. De este modo y para cumplir con
su compromiso de entretener a todos los públicos, se fijó en una película
francesa de Claude Zidi como medio para conseguir su soñada finalidad. James
Cameron se convirtió en el cómplice perfecto para materializar el objetivo del
gran Arnold con Harry Tasker, un James Bond al servicio secreto de los Estados Unidos americanos que desempeña su labor con precisión, chulería y
efectividad en todo lo que hace...Pero todas estas virtudes conllevan una
carencia en su vida familiar, descuidando a su esposa Jamie Lee Curtis y su
adolescente y rebelde hija Eliza Dushku que desconocen las peligrosas
misiones del agente secreto y padre de familia. 10 años después del primer
Terminator y 3 del segundo, el tándem Cameron-Schwarzenegger volvía a engrasar
la maquinaria del espectáculo, de la magnificencia del "entertainment" al
estilo Hollywood a base de un humor genial, acción desenfrenada y un despliegue
abrumador servido por la empresa de efectos especiales creada por Cameron (la
Digital Domain, que recibió una nominación al Oscar por el film). Arnold
enciende la acción en un cúmulo de secuencias cargadas de entusiasmo con
persecuciones, ráfagas de metralleta, violencia física y un sentido de la
maravilla combinándolo con la ironía, carisma y bestialidad propias del mejor
agente secreto británico, pero a "lo yanqui", alejando el "sex appeal" mujeriego
de Bond por un entorno familliar. El gran Arnold se supera a sí mismo de tal
manera tanto en la acción como en el humor, que parece que contínuamente
impregnara el estilo y elegancia del Tango que se marca primero con la bella y
corrupta Tia Carrere y después con su mujer al final de la cinta.
No puedo
olvidarme de una Jamie Lee Curtis que se añade a la marca de clase de James
Cameron para mostrar un estilo femenino fuerte, contundente y valiente como ya
lo hicieron en su momento Linda Hamilton en la saga "Terminator", Sigourney
Weaver en "Aliens" o Kate Winslet en "Titanic". Aquí "La Curtis" es capaz de
conciliar un personaje sumido en la rutina familiar y el desgaste, soportando
la insesibilidad de su marido y empezando una supuesta infidelidad con el
personaje de un payasesco Bill Paxton, que será lo que desencadene la
involucración de Schwarzenegger al enterarse de lo que parece ser un engaño
conyugal, haciendo converger la vida personal de los personajes con la trama de
espionaje y terrorismo. Curtis impresiona con su patética ama de casa soñadora,
cargada de ganas de vivir aventuras que la hagan sentirse viva, a la vez que
deja boquiabierto al espectador con su striptease acalorado y desternillante
con su marido mirando. "Mentiras Arriesgadas" es un más difícil todavía en
espectáculo cómico- acción que consigue con creces la finalidad del disfrute
del espectador en todos los sentidos, una inyección de adrenalina con buenas
intenciones para dejar claro que cuando el director de "Avatar" y el protagonísta
de "Terminator" se juntan pueden conseguir lo que se proponen: Entretener,
divertir, asombrar y en este caso..Para toda la familia, con malos..Muy malos
(árabes fanáticos), buenos..Muy buenos (Arnold y compañía) y una familia a la
que hay que atender y amar (como moraleja y mensaje de la película). En
definitiva, un film con un James Bond, héroe de acción familiar y musculado.
Título original: True lies.
Director: James Cameron.
Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Jamie Lee Curtis, Tom Arnold, Bill Paxton, Charlton Heston, Tia Carrere.
Schwarzenegger
buscó durante mucho tiempo la complicada alquimia entre el cine de acción, la
comedia y el espectáculo para todas las edades. De este modo y para cumplir con
su compromiso de entretener a todos los públicos, se fijó en una película
francesa de Claude Zidi como medio para conseguir su soñada finalidad. James
Cameron se convirtió en el cómplice perfecto para materializar el objetivo del
gran Arnold con Harry Tasker, un James Bond al servicio secreto de los Estados Unidos americanos que desempeña su labor con precisión, chulería y
efectividad en todo lo que hace...Pero todas estas virtudes conllevan una
carencia en su vida familiar, descuidando a su esposa Jamie Lee Curtis y su
adolescente y rebelde hija Eliza Dushku que desconocen las peligrosas
misiones del agente secreto y padre de familia. 10 años después del primer
Terminator y 3 del segundo, el tándem Cameron-Schwarzenegger volvía a engrasar
la maquinaria del espectáculo, de la magnificencia del "entertainment" al
estilo Hollywood a base de un humor genial, acción desenfrenada y un despliegue
abrumador servido por la empresa de efectos especiales creada por Cameron (la
Digital Domain, que recibió una nominación al Oscar por el film). Arnold
enciende la acción en un cúmulo de secuencias cargadas de entusiasmo con
persecuciones, ráfagas de metralleta, violencia física y un sentido de la
maravilla combinándolo con la ironía, carisma y bestialidad propias del mejor
agente secreto británico, pero a "lo yanqui", alejando el "sex appeal" mujeriego
de Bond por un entorno familliar. El gran Arnold se supera a sí mismo de tal
manera tanto en la acción como en el humor, que parece que contínuamente
impregnara el estilo y elegancia del Tango que se marca primero con la bella y
corrupta Tia Carrere y después con su mujer al final de la cinta.
No puedo
olvidarme de una Jamie Lee Curtis que se añade a la marca de clase de James
Cameron para mostrar un estilo femenino fuerte, contundente y valiente como ya
lo hicieron en su momento Linda Hamilton en la saga "Terminator", Sigourney
Weaver en "Aliens" o Kate Winslet en "Titanic". Aquí "La Curtis" es capaz de
conciliar un personaje sumido en la rutina familiar y el desgaste, soportando
la insesibilidad de su marido y empezando una supuesta infidelidad con el
personaje de un payasesco Bill Paxton, que será lo que desencadene la
involucración de Schwarzenegger al enterarse de lo que parece ser un engaño
conyugal, haciendo converger la vida personal de los personajes con la trama de
espionaje y terrorismo. Curtis impresiona con su patética ama de casa soñadora,
cargada de ganas de vivir aventuras que la hagan sentirse viva, a la vez que
deja boquiabierto al espectador con su striptease acalorado y desternillante
con su marido mirando. "Mentiras Arriesgadas" es un más difícil todavía en
espectáculo cómico- acción que consigue con creces la finalidad del disfrute
del espectador en todos los sentidos, una inyección de adrenalina con buenas
intenciones para dejar claro que cuando el director de "Avatar" y el protagonísta
de "Terminator" se juntan pueden conseguir lo que se proponen: Entretener,
divertir, asombrar y en este caso..Para toda la familia, con malos..Muy malos
(árabes fanáticos), buenos..Muy buenos (Arnold y compañía) y una familia a la
que hay que atender y amar (como moraleja y mensaje de la película). En
definitiva, un film con un James Bond, héroe de acción familiar y musculado.
Título original: True lies.
Director: James Cameron.
Intérpretes: Arnold Schwarzenegger, Jamie Lee Curtis, Tom Arnold, Bill Paxton, Charlton Heston, Tia Carrere.
En 1977, después de una guerra bacteriológica entre Rusia y China el mundo se ha convertido en un lugar desolado y destruido, siendo únicamente habitado por Robert Neville (un científico que ha conseguido seguir vivo gracias a una vacuna creada por él mismo) y por una raza de mutantes nocturnos denominados "La familia", unos seres de peculiares ojos blancos, de vestimenta inspirada a la de los monjes franciscanos y que tenían como único y claro objetivo el de exterminar con todo aquello relacionado con la raza humana (según ellos culpables de su mutación). De esta manera comenzaba esta apocalíptica obra de Boris Sagal (un realizador cuya carrera profesional estuvo más ligada al mundo de la televisión que en la del entorno cinematográfico y que iba a ser el encargado de dirigir algunos capítulos de series tan consagradas como fueron "Colombo" y "Hombre rico, hombre pobre") y basándose en la popular novela de ciencia ficción "Soy leyenda" de Richard Matheson (recordar que de sus relatos también surgieron para el cine el sobresaliente film de Jack Arnold "El increíble hombre menguante (1957)" o el exitoso debut de Steven Spielberg "El diablo sobre ruedas (1972)"). La obra de Sagal se caracterizaría por poner de manifiestoel miedo del hombre ante la posibilidad de vivir solo en el mundo y por sugerir las fatales consecuencias de éste ante una guerra de armas de destrucción masiva al mismo tiempo que se realizaba una critica sobre el fanatismo y el entorno de las sectas (hay que destacar que lo de "La familia" viene sacado del grupo que fundó el conocido asesino Charles Manson). En el plano interpretativo tendríamos a Charlton Heston poniéndose en la piel del científico Robert Neville, y es que el actor después del éxito en "El planeta de los simios (1968)", iba a cogerle el gustillo a esto de interpretar a héroes del futuro, la secuela "El regreso al planeta de los simios (1970)" y "Cuando el destino nos alcance (1974)") fueron otros dos títulos de la década de los setenta donde le veríamos encarnado ese rol.
En el resto del reparto nos encontraríamos (y aprovechando el auge del denominado movimiento "Power black") a los actores de color, Lincoln Kilpatrick ("Fortaleza infernal (1992)") como el hermano Zakary, uno de los peligrosos miembros de "La familia", a Rosalind Cash ("Los nuevos centuriones (1972)") como Lisa, otra de las supervivientes y con que mantendría un idilio amoroso con Neville y con Eric Laneuville ("Cinturón negro (1974)") encarnando a Ritchie, el hermano adolescente de la mencionada Lisa. Entre sus escenas hago mención el instante de Robert Neville recorriendo las desérticas calles de Los Angeles montado en un Ford descapotable rojo y las distintas secuencias que mostraban la soledad del protagonista, Charlton Heston en un cine vacío visionando un documental sobre un concierto de Woodstock o la de éste con ropa rococó jugando una partida de ajedrez con una estatua que hace de las veces de su compañero de juego.
Como curiosidad, la obra de Richard Mathenson, ha sido llevada en dos ocasiones más en la gran pantalla (sin contar el film de "La noche de los muertos vivientes (1968)" donde George A. Romero sacó la idea de su novela para la confección del guión de la película), una en la década de los 60 con "El último hombre sobre La Tierra (1964)" con Vincent Price en el papel de protagonista y en el año 2007 con "Soy leyenda", título interpretado por Will Smith.
Frase para recordar:"La pesadilla ha terminado para siempre, ahora podemos dormir en paz".
Título original: The Omega Man.
Director: Boris Sagal.
Intérpretes: Charlton Heston, Rosalind Cash, Anthony Zerbe, Paul Koslo.
En 1977, después de una guerra bacteriológica entre Rusia y China el mundo se ha convertido en un lugar desolado y destruido, siendo únicamente habitado por Robert Neville (un científico que ha conseguido seguir vivo gracias a una vacuna creada por él mismo) y por una raza de mutantes nocturnos denominados "La familia", unos seres de peculiares ojos blancos, de vestimenta inspirada a la de los monjes franciscanos y que tenían como único y claro objetivo el de exterminar con todo aquello relacionado con la raza humana (según ellos culpables de su mutación). De esta manera comenzaba esta apocalíptica obra de Boris Sagal (un realizador cuya carrera profesional estuvo más ligada al mundo de la televisión que en la del entorno cinematográfico y que iba a ser el encargado de dirigir algunos capítulos de series tan consagradas como fueron "Colombo" y "Hombre rico, hombre pobre") y basándose en la popular novela de ciencia ficción "Soy leyenda" de Richard Matheson (recordar que de sus relatos también surgieron para el cine el sobresaliente film de Jack Arnold "El increíble hombre menguante (1957)" o el exitoso debut de Steven Spielberg "El diablo sobre ruedas (1972)"). La obra de Sagal se caracterizaría por poner de manifiestoel miedo del hombre ante la posibilidad de vivir solo en el mundo y por sugerir las fatales consecuencias de éste ante una guerra de armas de destrucción masiva al mismo tiempo que se realizaba una critica sobre el fanatismo y el entorno de las sectas (hay que destacar que lo de "La familia" viene sacado del grupo que fundó el conocido asesino Charles Manson). En el plano interpretativo tendríamos a Charlton Heston poniéndose en la piel del científico Robert Neville, y es que el actor después del éxito en "El planeta de los simios (1968)", iba a cogerle el gustillo a esto de interpretar a héroes del futuro, la secuela "El regreso al planeta de los simios (1970)" y "Cuando el destino nos alcance (1974)") fueron otros dos títulos de la década de los setenta donde le veríamos encarnado ese rol.
En el resto del reparto nos encontraríamos (y aprovechando el auge del denominado movimiento "Power black") a los actores de color, Lincoln Kilpatrick ("Fortaleza infernal (1992)") como el hermano Zakary, uno de los peligrosos miembros de "La familia", a Rosalind Cash ("Los nuevos centuriones (1972)") como Lisa, otra de las supervivientes y con que mantendría un idilio amoroso con Neville y con Eric Laneuville ("Cinturón negro (1974)") encarnando a Ritchie, el hermano adolescente de la mencionada Lisa. Entre sus escenas hago mención el instante de Robert Neville recorriendo las desérticas calles de Los Angeles montado en un Ford descapotable rojo y las distintas secuencias que mostraban la soledad del protagonista, Charlton Heston en un cine vacío visionando un documental sobre un concierto de Woodstock o la de éste con ropa rococó jugando una partida de ajedrez con una estatua que hace de las veces de su compañero de juego.
Como curiosidad, la obra de Richard Mathenson, ha sido llevada en dos ocasiones más en la gran pantalla (sin contar el film de "La noche de los muertos vivientes (1968)" donde George A. Romero sacó la idea de su novela para la confección del guión de la película), una en la década de los 60 con "El último hombre sobre La Tierra (1964)" con Vincent Price en el papel de protagonista y en el año 2007 con "Soy leyenda", título interpretado por Will Smith.
Frase para recordar:"La pesadilla ha terminado para siempre, ahora podemos dormir en paz".
Título original: The Omega Man.
Director: Boris Sagal.
Intérpretes: Charlton Heston, Rosalind Cash, Anthony Zerbe, Paul Koslo.
Sería el norteamericano Byron Haskin (director de aquella mítica invasión alienigena títulada "La guerra de los mundos (1953)") el elegido para adaptar al formato cinematográfico el relato de Carl Stephenson ("Leiningen contra las hormigas"), teniendo como resultado un entretenido film de catástrofes ideal para pasar una agradable tarde de domingo y que incluiría el difícil romance entre dos personajes de caracteres opuestos y el ataque de unos amenazantes insectos. La historia se iniciaba con la llegada de una sofisticada y atractiva mujer a una primitiva selva sudamericana para conocer a su marido (Christopher Leininger) que se ha casado por poderes, allí no sólo tendrá que lidiar con éste, un rudo y descortés propietario de una importante plantación sino que tendrá que hacerle frente a una manada de hormigas carnívoras capaces de arrasar con todo lo que se les cruzara por el camino. A pesar de la cierta lentitud de la trama y lo poco creíble (bajo mi opinión) de la historia de amor ejercida por el dúo protagonista, la obra no deja de ser una interesante película de aventuras (especialmente por su última media hora) sobre la lucha del hombre contra los peligros de la naturaleza que nos deleitaría con la presencia de dos mitos del séptimo arte: Charlton Heston ("Los diez mandamientos (1956)") como el orgulloso y virginal Christopher Leininger y Eleonor Parker ("El hombre del brazo de oro (1955)") como la bella Joanna Selby. El televisivo William Conrad (visto también junto a Burt Lancaster y Ava Gardner en "Cuerpo y alma (1947)") y Abraham Sofaer ("Quo Vadis (1951)") completaría un reparto de secundarios compuesto básicamente por habitantes indígenas. Entre sus escenas hago mención el momento donde un borracho y malhumorado Leininger vierte sobre el torso de su esposa un frasco lleno de perfume, dicha secuencia no estaba escrita en el guión sino que se trataba de una improvisación del propio Charlton Heston que pillaría por sorpresa a la buena de Eleonor Parker. Ese año las invasiones de hormigas estarían de moda, ya que cineasta Goldon Douglas ("Río Conchos (1964)") también nos haría sufrir con las acometidas de estos aparentemente inofensivos bichos en "La humanidad en peligro (1954)"), una buen film de ciencia ficción de serie b que no defraudaría a los seguidores de este género. Como curiosidad, el relato del mencionado Carl Stephenson ya había tenido su adaptación radiofónica en la década de los 40.
Frase para recordar: "En la selva el hombre no es más que otro animal".
Título original: The naked jungle.
Director: Byron Haskin.
Intérpretes: Charlton Heston, Eleonor Parker, William Conrad.
Sería el norteamericano Byron Haskin (director de aquella mítica invasión alienigena títulada "La guerra de los mundos (1953)") el elegido para adaptar al formato cinematográfico el relato de Carl Stephenson ("Leiningen contra las hormigas"), teniendo como resultado un entretenido film de catástrofes ideal para pasar una agradable tarde de domingo y que incluiría el difícil romance entre dos personajes de caracteres opuestos y el ataque de unos amenazantes insectos. La historia se iniciaba con la llegada de una sofisticada y atractiva mujer a una primitiva selva sudamericana para conocer a su marido (Christopher Leininger) que se ha casado por poderes, allí no sólo tendrá que lidiar con éste, un rudo y descortés propietario de una importante plantación sino que tendrá que hacerle frente a una manada de hormigas carnívoras capaces de arrasar con todo lo que se les cruzara por el camino. A pesar de la cierta lentitud de la trama y lo poco creíble (bajo mi opinión) de la historia de amor ejercida por el dúo protagonista, la obra no deja de ser una interesante película de aventuras (especialmente por su última media hora) sobre la lucha del hombre contra los peligros de la naturaleza que nos deleitaría con la presencia de dos mitos del séptimo arte: Charlton Heston ("Los diez mandamientos (1956)") como el orgulloso y virginal Christopher Leininger y Eleonor Parker ("El hombre del brazo de oro (1955)") como la bella Joanna Selby. El televisivo William Conrad (visto también junto a Burt Lancaster y Ava Gardner en "Cuerpo y alma (1947)") y Abraham Sofaer ("Quo Vadis (1951)") completaría un reparto de secundarios compuesto básicamente por habitantes indígenas. Entre sus escenas hago mención el momento donde un borracho y malhumorado Leininger vierte sobre el torso de su esposa un frasco lleno de perfume, dicha secuencia no estaba escrita en el guión sino que se trataba de una improvisación del propio Charlton Heston que pillaría por sorpresa a la buena de Eleonor Parker. Ese año las invasiones de hormigas estarían de moda, ya que cineasta Goldon Douglas ("Río Conchos (1964)") también nos haría sufrir con las acometidas de estos aparentemente inofensivos bichos en "La humanidad en peligro (1954)"), una buen film de ciencia ficción de serie b que no defraudaría a los seguidores de este género. Como curiosidad, el relato del mencionado Carl Stephenson ya había tenido su adaptación radiofónica en la década de los 40.
Frase para recordar: "En la selva el hombre no es más que otro animal".
Título original: The naked jungle.
Director: Byron Haskin.
Intérpretes: Charlton Heston, Eleonor Parker, William Conrad.
