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a-la-mañana-siguiente
Existen películas esclavas de su época. Cintas que fuera del contexto y el lugar donde fueron realizadas pierden su fuerza. A la mañana siguiente (The morning after, 1986) es en parte una de esas. Jane Fonda -nominada al Oscar por este papel, estatuilla que perdió en favor de la debutante Marlee Matlin por Hijos de un Dios menor (Randa Haines)- es la casi absoluta protagonista de este ochentero thriller de cadáver al amanecer y sospechosa ebria que para su desgracia no recuerda nada de lo sucedido. El muerto: Bobby Korshack (Geoffrey Scott) un fotógrafo de modelos eróticas, a poder ser culturista o amantes del fitness. Movimiento cultural clave de los años ochenta del que la propia Fonda formo parte hasta llegados los noventa. La sospechosa: Alex Sternbergen (Fonda) una actriz olvidada y alcoholizada, una mujer difícil en plena decadencia física. 

A la mañana siguiente se rodó de forma independiente fuera del sistema de estudios  gracias a los nombres de su director Sidney Lumet y sus dos protagonistas la ya citada Fonda y Jeff Bridges (actor fácilmente intercambiable por Kurt Russell sobre todo en su juventud, aunque ciertamente Bridges siempre estuvo un peldaño por arriba en talento y versatilidad). Lo hizo gracias a que Lorimar puso anticipadamente el dinero para filmarla: Lorimar fue una muy pequeña productora habitual de seriales de televisión, films de misterio, cintas subidas de tono o vehículos criminales. Habitualmente acababa vendiendo sus films más prometedores a majors como Fox o Warner Bros como fue el caso de este film.  El éxito de la venta de este film llevó a la propia Lorimar a estrenar en los siguientes años cintas con temáticas parecidas a cada cual peor como Relación fatal (Siesta, Mary Lambert, 1987), Corazones de fuego (Hearts on fire, Richard Marquand, 1988) o Encrucijada de pasiones (Two Moon Junction, Zalman King, 1988). 

a-la-mañana-siguiente

Quizá uno puede esperar mucho más que un thriller comercial de A la mañana siguiente y ciertamente eso sería un error por mucho que entre Lumet, Fonda y Bridges sumaran en aquel ya lejano 1986 trece nominaciones y 2 premios de la academia -ambos ganados como mejor actriz por la hija de Henry Fonda. Aun no habían llegado el honorifico para Lumet y la estatuilla de Bridges por Corazón rebelde, ambas en 2010-.

Pero de igual manera que hoy día se hacen films solo para entretener o con la misión de lograr un éxito comercial que dé para llevar a cabo proyectos más personales o arriesgados. En los ochenta también era así. De un lado Lumet buscaba cubrirse las espaldas del posible traspié comercial de Poder (1986), como finalmente acabo pasando, con un desorbitado presupuesto de 16 millones de dólares, una barbaridad para la época, nadie (solo tres millones de recaudación) fue a ver este drama político protagonizado por Richard Gere, Gene Hackman o –un primerizo- Denzel Washington. Fonda venia de trabajar el año anterior con Norman Jewison en Agnes de Dios, un papel alejado de su imagen de sex-symbol, antes solo había hecho televisión en la serie De nueve a cinco (1982). Por último Bridges quien con treinta y siete años venia de dos films consecutivos con presencia en los Oscars: Starman (1984) y Al filo de la sospecha (1985). Sin duda él era el mejor posicionado de los tres y el que menos tenía que perder si la cinta no funcionaba. Cerraban el reparto Raúl Julia como el peluquero Joaquín Manero (desconozco cualquier relación entre él y Tony Manero), ex-marido de Alex, Diane Salinger dando vida a la hija de un importante juez, Richard Foronjy (Sargento Greenbaum) y Kathy Bates como una vecina del fallecido.

a-la-mañana-siguiente

Con A la mañana siguiente estamos ante un film menor en la filmografía de Lumet, alejado (a priori) de las temáticas de intrigas criminales y políticas que acostumbraba a visitar. Tenemos delante una cinta que va mezclando géneros, empieza con un asesinato que parece tener ya culpable, pasa por una comedia –intencionada o no- en donde la supuesta asesina intenta huir en vano; ojo a cuando Alex monta el numero de su hijo enfermo terminal en el Aeropuerto para lograr un asiento en un avión lleno y luego parece ser un remake de Cluedo en donde van a apareciendo personajes que pueden que no sean lo que parece, incluyendo el ex-policía impedido de un brazo al que da vida Jeff Bridges. A la mañana siguiente funciona mejor que en un genero como una visita a un época los años 80 y como mockumentary de una fiebre: la de la mujer musculosa que en aquellos tiempos fue toda una revolución social: Ojo a los cameos de dos importantes modelos de portada del estilo bodybuilders Gladys Portugues (esposa y madre de dos de los hijos mayores de Jean-Claude Van Damme) y la ex-Miss Olympia Corinna Everson.

a-la-mañana-siguiente

Título original: The Morning After.

Director: Sidney Lumet.

Intérpretes: Jane Fonda, Jeff Bridges, Raúl Julia, Richard Foronjy, Diane Salinger, Geoffrey Scott, Kathy Bates.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Jonathan Glez

A LA MAÑANA SIGUIENTE (1986)...Podrías estar muerto.

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Existen películas esclavas de su época. Cintas que fuera del contexto y el lugar donde fueron realizadas pierden su fuerza. A la mañana siguiente (The morning after, 1986) es en parte una de esas. Jane Fonda -nominada al Oscar por este papel, estatuilla que perdió en favor de la debutante Marlee Matlin por Hijos de un Dios menor (Randa Haines)- es la casi absoluta protagonista de este ochentero thriller de cadáver al amanecer y sospechosa ebria que para su desgracia no recuerda nada de lo sucedido. El muerto: Bobby Korshack (Geoffrey Scott) un fotógrafo de modelos eróticas, a poder ser culturista o amantes del fitness. Movimiento cultural clave de los años ochenta del que la propia Fonda formo parte hasta llegados los noventa. La sospechosa: Alex Sternbergen (Fonda) una actriz olvidada y alcoholizada, una mujer difícil en plena decadencia física. 

A la mañana siguiente se rodó de forma independiente fuera del sistema de estudios  gracias a los nombres de su director Sidney Lumet y sus dos protagonistas la ya citada Fonda y Jeff Bridges (actor fácilmente intercambiable por Kurt Russell sobre todo en su juventud, aunque ciertamente Bridges siempre estuvo un peldaño por arriba en talento y versatilidad). Lo hizo gracias a que Lorimar puso anticipadamente el dinero para filmarla: Lorimar fue una muy pequeña productora habitual de seriales de televisión, films de misterio, cintas subidas de tono o vehículos criminales. Habitualmente acababa vendiendo sus films más prometedores a majors como Fox o Warner Bros como fue el caso de este film.  El éxito de la venta de este film llevó a la propia Lorimar a estrenar en los siguientes años cintas con temáticas parecidas a cada cual peor como Relación fatal (Siesta, Mary Lambert, 1987), Corazones de fuego (Hearts on fire, Richard Marquand, 1988) o Encrucijada de pasiones (Two Moon Junction, Zalman King, 1988). 

a-la-mañana-siguiente

Quizá uno puede esperar mucho más que un thriller comercial de A la mañana siguiente y ciertamente eso sería un error por mucho que entre Lumet, Fonda y Bridges sumaran en aquel ya lejano 1986 trece nominaciones y 2 premios de la academia -ambos ganados como mejor actriz por la hija de Henry Fonda. Aun no habían llegado el honorifico para Lumet y la estatuilla de Bridges por Corazón rebelde, ambas en 2010-.

Pero de igual manera que hoy día se hacen films solo para entretener o con la misión de lograr un éxito comercial que dé para llevar a cabo proyectos más personales o arriesgados. En los ochenta también era así. De un lado Lumet buscaba cubrirse las espaldas del posible traspié comercial de Poder (1986), como finalmente acabo pasando, con un desorbitado presupuesto de 16 millones de dólares, una barbaridad para la época, nadie (solo tres millones de recaudación) fue a ver este drama político protagonizado por Richard Gere, Gene Hackman o –un primerizo- Denzel Washington. Fonda venia de trabajar el año anterior con Norman Jewison en Agnes de Dios, un papel alejado de su imagen de sex-symbol, antes solo había hecho televisión en la serie De nueve a cinco (1982). Por último Bridges quien con treinta y siete años venia de dos films consecutivos con presencia en los Oscars: Starman (1984) y Al filo de la sospecha (1985). Sin duda él era el mejor posicionado de los tres y el que menos tenía que perder si la cinta no funcionaba. Cerraban el reparto Raúl Julia como el peluquero Joaquín Manero (desconozco cualquier relación entre él y Tony Manero), ex-marido de Alex, Diane Salinger dando vida a la hija de un importante juez, Richard Foronjy (Sargento Greenbaum) y Kathy Bates como una vecina del fallecido.

a-la-mañana-siguiente

Con A la mañana siguiente estamos ante un film menor en la filmografía de Lumet, alejado (a priori) de las temáticas de intrigas criminales y políticas que acostumbraba a visitar. Tenemos delante una cinta que va mezclando géneros, empieza con un asesinato que parece tener ya culpable, pasa por una comedia –intencionada o no- en donde la supuesta asesina intenta huir en vano; ojo a cuando Alex monta el numero de su hijo enfermo terminal en el Aeropuerto para lograr un asiento en un avión lleno y luego parece ser un remake de Cluedo en donde van a apareciendo personajes que pueden que no sean lo que parece, incluyendo el ex-policía impedido de un brazo al que da vida Jeff Bridges. A la mañana siguiente funciona mejor que en un genero como una visita a un época los años 80 y como mockumentary de una fiebre: la de la mujer musculosa que en aquellos tiempos fue toda una revolución social: Ojo a los cameos de dos importantes modelos de portada del estilo bodybuilders Gladys Portugues (esposa y madre de dos de los hijos mayores de Jean-Claude Van Damme) y la ex-Miss Olympia Corinna Everson.

a-la-mañana-siguiente

Título original: The Morning After.

Director: Sidney Lumet.

Intérpretes: Jane Fonda, Jeff Bridges, Raúl Julia, Richard Foronjy, Diane Salinger, Geoffrey Scott, Kathy Bates.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Jonathan Glez

el-regreso
Vas a la guerra y ya no serás el mismo. Vuelves más maduro, más viejo, más asustado, enfermo, herido, loco o muerto. Retornas descubriendo tu cobardía o convirtiéndote en un héroe, la mayoría de las veces simplemente regresas sin gloria.

A finales de los setenta el cine norteamericano comercial comenzó por primera vez a mirar a la guerra de Vietnam como una experiencia traumática, atrás quedaban John Wayne y sus boinas verdes y los westerns camuflados como "Soldado azul (1970)" y "Pequeño gran hombre (1970)", era hora de dar la cara y asumir que en la guerra no hay solo vencedores y vencidos sino que la gran mayoría son víctimas: Los que se van, los que regresan, los que no vuelven y los que se quedan.

Sally Hyde está casada con Bob, capitán de la marina. Se supone que es un ama de casa promedio en la sociedad, pero el anuncio de la movilización de su esposo al extremo oriente la desconcierta y sabe que su vida ya no será la misma. Con su amiga Violet se ofrecen como voluntarias para trabajar en un hospital para veteranos y es ahí donde encuentra a Luke, viejo conocido suyo de la escuela, cuando aquel era deportista estrella pero ahora está parapléjico a causa de una herida de guerra. Su primer encuentro de hecho no es nada glamoroso, chocan en un pasillo de la institución y a él se le cae su bolsa de desechos. Hay más lástima que solidaridad en ella al ofrecerle su ayuda, hay más rabia que orgullo en él al rechazarla. Sin embargo terminarán siendo amigos y luego amantes en una relación que los dos saben concluirá cuando su esposo termine su misión.

el-regreso

El hermano de Violet también ha sido repatriado, vemos que su comportamiento infantiloide encierra una experiencia extremadamente dolorosa, en un acto desesperación se quita la vida. Luke se da cuenta que no puede seguir sintiendo lástima por sí mismo sino que tiene que hacer algo y se convierte en un activista antibélico. Sally también se ha transformado, asume sus responsabilidades y sus culpas. Bob regresa a casa.

Jon Voight interpretaba a Luke inspirándose, según contaría luego Jane Fonda, en la figura de Ron Kovic (personaje verídico protagonista de "Nacido el cuatro de julio (1989)". Era el portavoz de aquellos que fueron a la guerra creyendo que iban a pelear por su patria y que regresaron hechos añicos física y espiritualmente luego de perderla. Su actuación no solo se vería premiada en Cannes sino en los Óscar al igual que su coprotagonista Jane Fonda, cuyo papel la llevaba desde una mujer que tenía que hacer las cosas que se esperaban de ella hasta su evolución como ser humano independiente. Aquella escena donde copulan está llena de sensaciones tan diversas que van desde el deseo, la impotencia, la ternura, la sorpresa y cuando ella alcanza el orgasmo, la libertad.

el-regreso

Bruce Dern como el esposo cornudo, militar de formación, sediento de victoria que recibe a cambio la infidelidad y el fracaso es igual de memorable.

Es curioso que aquel mismo año se nos brindara también "El cazador", igualmente con temática bélica situada en Vietnam. Al año siguiente llegaría "Apocalypse now" y años más tarde la trilogía de Oliver Stone. El conflicto sangraba y por más Rambos y Chuck Norris que nos vendieron supimos que allá charlie le dio un golpe en plena barriga al imperio.

el-regreso

Título original: Coming Home.

Director: Hal Ashby.

Intérpretes: Jon Voight, Jane Fonda, Bruce Dern, Robert Carradine, Penelope Milford, Robert Ginty, Mary Gregory.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

EL REGRESO (1978). Las secuelas de la guerra.

el-regreso
Vas a la guerra y ya no serás el mismo. Vuelves más maduro, más viejo, más asustado, enfermo, herido, loco o muerto. Retornas descubriendo tu cobardía o convirtiéndote en un héroe, la mayoría de las veces simplemente regresas sin gloria.

A finales de los setenta el cine norteamericano comercial comenzó por primera vez a mirar a la guerra de Vietnam como una experiencia traumática, atrás quedaban John Wayne y sus boinas verdes y los westerns camuflados como "Soldado azul (1970)" y "Pequeño gran hombre (1970)", era hora de dar la cara y asumir que en la guerra no hay solo vencedores y vencidos sino que la gran mayoría son víctimas: Los que se van, los que regresan, los que no vuelven y los que se quedan.

Sally Hyde está casada con Bob, capitán de la marina. Se supone que es un ama de casa promedio en la sociedad, pero el anuncio de la movilización de su esposo al extremo oriente la desconcierta y sabe que su vida ya no será la misma. Con su amiga Violet se ofrecen como voluntarias para trabajar en un hospital para veteranos y es ahí donde encuentra a Luke, viejo conocido suyo de la escuela, cuando aquel era deportista estrella pero ahora está parapléjico a causa de una herida de guerra. Su primer encuentro de hecho no es nada glamoroso, chocan en un pasillo de la institución y a él se le cae su bolsa de desechos. Hay más lástima que solidaridad en ella al ofrecerle su ayuda, hay más rabia que orgullo en él al rechazarla. Sin embargo terminarán siendo amigos y luego amantes en una relación que los dos saben concluirá cuando su esposo termine su misión.

el-regreso

El hermano de Violet también ha sido repatriado, vemos que su comportamiento infantiloide encierra una experiencia extremadamente dolorosa, en un acto desesperación se quita la vida. Luke se da cuenta que no puede seguir sintiendo lástima por sí mismo sino que tiene que hacer algo y se convierte en un activista antibélico. Sally también se ha transformado, asume sus responsabilidades y sus culpas. Bob regresa a casa.

Jon Voight interpretaba a Luke inspirándose, según contaría luego Jane Fonda, en la figura de Ron Kovic (personaje verídico protagonista de "Nacido el cuatro de julio (1989)". Era el portavoz de aquellos que fueron a la guerra creyendo que iban a pelear por su patria y que regresaron hechos añicos física y espiritualmente luego de perderla. Su actuación no solo se vería premiada en Cannes sino en los Óscar al igual que su coprotagonista Jane Fonda, cuyo papel la llevaba desde una mujer que tenía que hacer las cosas que se esperaban de ella hasta su evolución como ser humano independiente. Aquella escena donde copulan está llena de sensaciones tan diversas que van desde el deseo, la impotencia, la ternura, la sorpresa y cuando ella alcanza el orgasmo, la libertad.

el-regreso

Bruce Dern como el esposo cornudo, militar de formación, sediento de victoria que recibe a cambio la infidelidad y el fracaso es igual de memorable.

Es curioso que aquel mismo año se nos brindara también "El cazador", igualmente con temática bélica situada en Vietnam. Al año siguiente llegaría "Apocalypse now" y años más tarde la trilogía de Oliver Stone. El conflicto sangraba y por más Rambos y Chuck Norris que nos vendieron supimos que allá charlie le dio un golpe en plena barriga al imperio.

el-regreso

Título original: Coming Home.

Director: Hal Ashby.

Intérpretes: Jon Voight, Jane Fonda, Bruce Dern, Robert Carradine, Penelope Milford, Robert Ginty, Mary Gregory.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

la-juventud
Fred Ballinger (Michael Caine), es un octogenario que está disfrutando de un placentero descanso en un lujoso y privilegiado hotel ubicado en los Alpes. Le acompaña su gran amigo de la infancia, Mick (Harvey Keitel), que está intentando junto a un grupo de jóvenes guionistas finalizar lo que él mismo denomina como "su último gran legado como director". La hija de Fred, Lena (Rachel Weisz), tras un breve e inicial visita a su padre, termina volviendo para pasar con él todas las vacaciones, ya que su marido decide abandonarla inesperadamente y de forma brusca.

En este paradisíaco lugar de reposo y descanso, es donde Fred, un famoso director y compositor de música ya retirado, pasa los días sin hacer absolutamente nada. Simplemente se deja llevar por los cuidados que le aplican a su desgastado cuerpo, realiza largos paseos con su gran amigo de toda la vida y observa a los demás habitantes del hotel.

Conforme avanza el metraje llegamos a conocer la fama que pudo alcanzar este director de orquesta ya retirado por varios motivos: Desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe. El otro dato de su notoriedad, es representado por un pequeño niño que practica con su violín una partitura fundamental para su formación, cuyo escritor resulta ser el propio Fred Ballinger.

la-juventud

Paolo Sorrentino nos presenta una película fiel a su estilo tanto en el sentido estético como en su visión del mundo: incisiva, ácida y mordaz. Afronta con valentía este nuevo proyecto sabiendo que el peso de su anterior film "La gran belleza (2013)" será difícil de sobrellevar. Es cierto que en esta cinta Sorrentino no impacta tan brutalmente con el espectador. En esta ocasión el manjar que nos ofrece es de digestión más lenta.

Al igual que "La gran belleza" se comparó con "La dolce vita (1960)", será inevitable que "La giovinezza" se compare con "Fellini, ocho y medio (1963)". Las reminiscencias con Fellini son expuestas por él mismo en boca de uno de sus personajes: 

"No se copian obras del pasado, se hacen fermentar para elaborarlas de diferente manera."

El relato toma como eje fundamental dos grandes personajes: Fred, el disciplinado, culto, adicto al trabajo, sobrado de ego y renombrado director / compositor de orquesta junto con su gran amigo Mick Boyle, director de cine incansable, que entiende la vida como un acto permanente de estar creando, de seguir en movimiento. Es otro octogenario que se niega a aceptar que sus días de gloria ya han pasado, y por ello se rodea de jóvenes guionistas con los que mantiene una relación ambivalente de admiración por su juventud y envidia por disfrutarla. Su ego está mucho más mermado que el de su amigo porque sabe que ya no tiene talento. A diferencia de Fred, no concibe una vida a la espera de la muerte sin continuar creando, por eso, sigue pensando en hacer su testamento fílmico, obsesionado con rodar su última película con la gran estrella de cine Brenda Morel, (Jane Fonda).

la-juventud

Fred es viudo y Mick ha permanecido soltero toda su vida. Ambos han dejado pasar la oportunidad de disfrutar de las grandes mujeres que los han amado, cada uno rodeado de sus razones, intenta ahora comprender cómo pudieron dejar pasar en su juventud esos momentos que jamás volverán a sus vidas, siempre cegados por el éxito de sus carreras.

Sorrentino nos enfrenta a la realidad de la vejez en la época que vivimos, donde por mucho que nos intenten convencer de que con los años vamos ganando en sabiduría, la crudeza del deterioro se impone y el recuerdo de los momentos perdidos suele ser agridulce.

El director sitúa la juventud en el centro de la belleza y del éxito. Sin embargo, cuando se es joven y se está disfrutando, es difícil entender que tan sólo es un momento pasajero.

Los dos protagonistas de esta película luchan contra el tiempo para que su recuerdo no se pierda, se enorgullecen por ser recordados, cada uno de distinta manera y arrastrando diferentes fantasmas de su pasado.

la-juventud

En el apartado técnico, Sorrentino mantiene sus grandes panorámicas, sus largos planos secuencia y sus cuidadísimos acercamientos de cámara frente a dos monstruos de la actuación que dan un acabado perfecto a la cinta con sus diálogos, anodinos o profundos, con sus miradas, con sus gestos o simplemente con sus magníficos silencios.

Michael Caine y Harvey Keitel están espléndidos y perfectamente acompañados por un gran elenco, que aunque muy correcto en sus interpretaciones, no parecen alcanzar la excelencia al quedar a la sombra de casi dos mitos de la pantalla.

La película empieza y termina con un tema musical. Ambos momentos dicen mucho del contenido de la película, encierran el inicio y el final de Caine, sus vergüenzas, sus mentiras, sus carencias, "You,ve got the love" abre la película con un largo plano circular en el que el grupo The Ravonettes versiona la canción de "Florence and the machine" con un primer plano del perfil de la cantante y el batería, difuminado el fondo, mientras toda una fauna de jóvenes circula alrededor, solitarios, moviéndose al ritmo de la canción, “tienes el amor” dice la letra, pero para el apagado personaje de Michael Caine, que asiste impertérrito a la función, es una música sin sentido alguno, que no merece su atención.

la-juventud

SPOILER: 

Así mismo, el cierre musical dirigiendo su “Simple song nº 3” frente a la reina de Inglaterra cuando esa pieza decía representar, el recuerdo de su amada esposa, la única cantante que la había representado desde su composición y que nadie más cantaría en vida del compositor. Principio y final se unen por la música, uno de los elementos que definen perfectamente la estética y funcionalidad del cine de Sorrentino, la música creando atmósferas conjuntadas con sus imágenes. 

FIN DE SPOILER


Además en la película hay toda una serie de pequeñas historias entrelazadas, que ocurren en el mismo lugar y de alguna manera relacionadas con los dos protagonistas que permiten a Sorrentino enriquecer e iluminar su cine de amplias panorámicas con un contenido más vertical.

Pese a no ser la gran película de Sorrentino, cuántos creadores querrían tener un estilo tan identificable, construir personajes tan sólidos y enteros, en esta ocasión multiplicados, porque si las tres anteriores películas contaban con un protagonista acaparador de la historia, ahora el director se permite presentarnos hasta cuatro personajes de profundidad y construidos milimétricamente. "La giovinezza" es una gran película, es una película de pérdidas conscientes y pérdidas ocultadas para autoengañarnos, es una película visualmente perfecta, donde no faltan momentos de parodia ni de crítica acompañados de grandes reflexiones, donde al ritmo lento de la vejez se profundiza en la vida emocional de dos personajes que vivieron y disfrutaron de su éxito durante su juventud.

la-juventud

Título original: Youth - La giovinezza.

Director: Paolo Sorrentino.

Intérpretes: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Emilia Jones, Mark Kozelek.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

LA JUVENTUD (2015). La vejez de Michael Caine y Harvey Keitel.

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Fred Ballinger (Michael Caine), es un octogenario que está disfrutando de un placentero descanso en un lujoso y privilegiado hotel ubicado en los Alpes. Le acompaña su gran amigo de la infancia, Mick (Harvey Keitel), que está intentando junto a un grupo de jóvenes guionistas finalizar lo que él mismo denomina como "su último gran legado como director". La hija de Fred, Lena (Rachel Weisz), tras un breve e inicial visita a su padre, termina volviendo para pasar con él todas las vacaciones, ya que su marido decide abandonarla inesperadamente y de forma brusca.

En este paradisíaco lugar de reposo y descanso, es donde Fred, un famoso director y compositor de música ya retirado, pasa los días sin hacer absolutamente nada. Simplemente se deja llevar por los cuidados que le aplican a su desgastado cuerpo, realiza largos paseos con su gran amigo de toda la vida y observa a los demás habitantes del hotel.

Conforme avanza el metraje llegamos a conocer la fama que pudo alcanzar este director de orquesta ya retirado por varios motivos: Desde Londres llega un emisario de la reina Isabel, que debe convencerlo para dirigir un concierto en el Palacio de Buckingham, con motivo del cumpleaños del príncipe Felipe. El otro dato de su notoriedad, es representado por un pequeño niño que practica con su violín una partitura fundamental para su formación, cuyo escritor resulta ser el propio Fred Ballinger.

la-juventud

Paolo Sorrentino nos presenta una película fiel a su estilo tanto en el sentido estético como en su visión del mundo: incisiva, ácida y mordaz. Afronta con valentía este nuevo proyecto sabiendo que el peso de su anterior film "La gran belleza (2013)" será difícil de sobrellevar. Es cierto que en esta cinta Sorrentino no impacta tan brutalmente con el espectador. En esta ocasión el manjar que nos ofrece es de digestión más lenta.

Al igual que "La gran belleza" se comparó con "La dolce vita (1960)", será inevitable que "La giovinezza" se compare con "Fellini, ocho y medio (1963)". Las reminiscencias con Fellini son expuestas por él mismo en boca de uno de sus personajes: 

"No se copian obras del pasado, se hacen fermentar para elaborarlas de diferente manera."

El relato toma como eje fundamental dos grandes personajes: Fred, el disciplinado, culto, adicto al trabajo, sobrado de ego y renombrado director / compositor de orquesta junto con su gran amigo Mick Boyle, director de cine incansable, que entiende la vida como un acto permanente de estar creando, de seguir en movimiento. Es otro octogenario que se niega a aceptar que sus días de gloria ya han pasado, y por ello se rodea de jóvenes guionistas con los que mantiene una relación ambivalente de admiración por su juventud y envidia por disfrutarla. Su ego está mucho más mermado que el de su amigo porque sabe que ya no tiene talento. A diferencia de Fred, no concibe una vida a la espera de la muerte sin continuar creando, por eso, sigue pensando en hacer su testamento fílmico, obsesionado con rodar su última película con la gran estrella de cine Brenda Morel, (Jane Fonda).

la-juventud

Fred es viudo y Mick ha permanecido soltero toda su vida. Ambos han dejado pasar la oportunidad de disfrutar de las grandes mujeres que los han amado, cada uno rodeado de sus razones, intenta ahora comprender cómo pudieron dejar pasar en su juventud esos momentos que jamás volverán a sus vidas, siempre cegados por el éxito de sus carreras.

Sorrentino nos enfrenta a la realidad de la vejez en la época que vivimos, donde por mucho que nos intenten convencer de que con los años vamos ganando en sabiduría, la crudeza del deterioro se impone y el recuerdo de los momentos perdidos suele ser agridulce.

El director sitúa la juventud en el centro de la belleza y del éxito. Sin embargo, cuando se es joven y se está disfrutando, es difícil entender que tan sólo es un momento pasajero.

Los dos protagonistas de esta película luchan contra el tiempo para que su recuerdo no se pierda, se enorgullecen por ser recordados, cada uno de distinta manera y arrastrando diferentes fantasmas de su pasado.

la-juventud

En el apartado técnico, Sorrentino mantiene sus grandes panorámicas, sus largos planos secuencia y sus cuidadísimos acercamientos de cámara frente a dos monstruos de la actuación que dan un acabado perfecto a la cinta con sus diálogos, anodinos o profundos, con sus miradas, con sus gestos o simplemente con sus magníficos silencios.

Michael Caine y Harvey Keitel están espléndidos y perfectamente acompañados por un gran elenco, que aunque muy correcto en sus interpretaciones, no parecen alcanzar la excelencia al quedar a la sombra de casi dos mitos de la pantalla.

La película empieza y termina con un tema musical. Ambos momentos dicen mucho del contenido de la película, encierran el inicio y el final de Caine, sus vergüenzas, sus mentiras, sus carencias, "You,ve got the love" abre la película con un largo plano circular en el que el grupo The Ravonettes versiona la canción de "Florence and the machine" con un primer plano del perfil de la cantante y el batería, difuminado el fondo, mientras toda una fauna de jóvenes circula alrededor, solitarios, moviéndose al ritmo de la canción, “tienes el amor” dice la letra, pero para el apagado personaje de Michael Caine, que asiste impertérrito a la función, es una música sin sentido alguno, que no merece su atención.

la-juventud

SPOILER: 

Así mismo, el cierre musical dirigiendo su “Simple song nº 3” frente a la reina de Inglaterra cuando esa pieza decía representar, el recuerdo de su amada esposa, la única cantante que la había representado desde su composición y que nadie más cantaría en vida del compositor. Principio y final se unen por la música, uno de los elementos que definen perfectamente la estética y funcionalidad del cine de Sorrentino, la música creando atmósferas conjuntadas con sus imágenes. 

FIN DE SPOILER


Además en la película hay toda una serie de pequeñas historias entrelazadas, que ocurren en el mismo lugar y de alguna manera relacionadas con los dos protagonistas que permiten a Sorrentino enriquecer e iluminar su cine de amplias panorámicas con un contenido más vertical.

Pese a no ser la gran película de Sorrentino, cuántos creadores querrían tener un estilo tan identificable, construir personajes tan sólidos y enteros, en esta ocasión multiplicados, porque si las tres anteriores películas contaban con un protagonista acaparador de la historia, ahora el director se permite presentarnos hasta cuatro personajes de profundidad y construidos milimétricamente. "La giovinezza" es una gran película, es una película de pérdidas conscientes y pérdidas ocultadas para autoengañarnos, es una película visualmente perfecta, donde no faltan momentos de parodia ni de crítica acompañados de grandes reflexiones, donde al ritmo lento de la vejez se profundiza en la vida emocional de dos personajes que vivieron y disfrutaron de su éxito durante su juventud.

la-juventud

Título original: Youth - La giovinezza.

Director: Paolo Sorrentino.

Intérpretes: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano, Jane Fonda, Tom Lipinski, Poppy Corby-Tuech, Emilia Jones, Mark Kozelek.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

la jauría humana (1966)
Con una producción del estadounidense de origen polaco Sam Spiegel, sin duda uno de los grandes productores de la industria hollywoodense (entre sus trabajos podemos localizar joyas cinematográficas de la talla de "La ley del silencio (1951)", "La reina de África (1951)" o "Lawrence de Arabia (1962)" de David Lean), Arthur Penn ("Bonny y Clyde (1967)") iba a embarcarse en la que iba a ser la cuarta película de su carrera filmográfica, "La jauría humana". El film, con un guión de Lilliam Hellman (autor de aquel controvertido drama titulado "La calumnia (1961)" con Audrey Hepburn y Shirley MacLaine como protagonistas principales) y basándose en una historia de Horton Foote (ganador del Óscar de mejor guión original en "Gracias y favores (1982)"), nos narraría las vivencias de un sheriff (Calder) que trataría por todos los medios defender a un preso fugado e injustamente condenado (Bubber Reaves) de las garras de un grupo de ciudadanos del pueblo de Tart. A pesar de su (injusto) fracaso en la taquilla durante la fecha de su estreno y los numerosos comentarios negativos que sufrió por parte de un sector de la crítica de la época tachándola de una película llena de excesos (entre ellos, el comportamiento de los habitantes del pueblo que les parecía ciertamente exagerada), el film de Arthur Penn se puede considerar a día de hoy en una obra importante dentro de la historia del séptimo arte.

la jauría humana 1966

En ella el realizador nos presentaba un duro y oscuro retrato sobre la sociedad americana de los años 50 y donde infidelidad, racismo y miseras del ser humano iban a ser mostrados a lo largo del metraje sin ningún tipo de tabú. Marlon Brando, sensacional como siempre, representaría al sheriff Calder, un héroe solitario que lucharía por mantener el orden en un pueblo depravado, primitivo y carente de moralidad. El papel de Brando como el sheriff Calder nos puede recordar en cierta manera al personaje que interpretó Gary Cooper en "Sólo ante el peligro (1952)" y es que en ambas películas los protagonistas defendían sus principios "con uñas y dientes" a pesar del riesgo que ésto le conllevaba y donde verían como "su pueblo" le abandonaba durante su intento de lucha. Acompañando al bueno de Brando nos encontraríamos con un poco conocido, por aquel entonces, Robert Redford (solo había participado, después de su periplo televisivo, como actor secundario en títulos como "Soldado o cazador (1962)", "Situación desesperada pero menos (1965)" o "La rebelde (1965)" de Robert Mulligan) encarnando al prófugo Bubber Reaves (el nombre que llegó a sonar inicialmente fue el de Steve McQueen para ejercer dicho papel), un convicto fugado que intentaría regresar a su casa cargando a sus espaldas un asesinato que no cometió. Otros nombres del reparto E.G. Marshall ("12 hombres sin piedad (1957)") dando vida al poderoso Val Rogers, un millonario convertido como el principal motor de la economía del pueblo, Jane Fonda ("Barbarella (1967)") como Anna, la esposa de Bubber y que mantendría una aventura amorosa con el hijo de Val Roggers (Jake, un personaje interpretado por James Fox ("El sirviente (1963)") y a su vez mejor amigo de Bubber. Angie Dickinson ("A quemarropa (1967)") como la mujer de Kalder y Robert Duvall ("Matar a un ruiseñor (1963)") como el vicepresidente de Rogers completarían el reparto de actores.

la jauría humana 1966

Entre sus escenas más representativas cabe destacar la brutal paliza a Calder por parte de un grupo de habitantes del pueblo (de las más impresionantes que podemos ver en la historia del cine) o ese momento del incendio en un cementerio de coches donde permanece escondido Bubber. Antes de llevarse a la gran pantalla, la novela de Horton Foote fue adaptada al mundo del teatro en el año 1952, donde tampoco gozó de la aprobación del público siendo un rotundo fracaso. Fue dirigida por José Ferrer e iba a tener a John Hodiak ("Naufragos (1944)") como el actor que interpretaría al sheriff, aunque dicho personaje no contaría del protagonismo que tuvo la versión cinematográfica. Como curiosidad, esta fue la segunda película donde Marlon Brando iba a trabajar junto a su hermana mayor, Jocelyn (en este largometraje tendría un breve papel como uno de los habitantes del pueblo), la primera fue en la obra de George Englung "Su excelencia el embajador (1963)".

Frase para recordar: "El dinero joven baila solo mientras que el dinero viejo esperan que vayan a sacarlo".

la jauría humana 1966la jauría humana 1966

tulo original: The chase.

Director: Arthur Penn.

Intérpretes: Marlon Brando, Robert Redford, Jane Fonda, E.G. Marshall, Robert Duvall.

Trailer:


B.S.O.: 




Información complementaria:
E.G. Marshall

Reseña escrita por Jesús Fariña

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LA JAURÍA HUMANA (1966). Un oscuro retrato de la sociedad americana de los años 50.

la jauría humana (1966)
Con una producción del estadounidense de origen polaco Sam Spiegel, sin duda uno de los grandes productores de la industria hollywoodense (entre sus trabajos podemos localizar joyas cinematográficas de la talla de "La ley del silencio (1951)", "La reina de África (1951)" o "Lawrence de Arabia (1962)" de David Lean), Arthur Penn ("Bonny y Clyde (1967)") iba a embarcarse en la que iba a ser la cuarta película de su carrera filmográfica, "La jauría humana". El film, con un guión de Lilliam Hellman (autor de aquel controvertido drama titulado "La calumnia (1961)" con Audrey Hepburn y Shirley MacLaine como protagonistas principales) y basándose en una historia de Horton Foote (ganador del Óscar de mejor guión original en "Gracias y favores (1982)"), nos narraría las vivencias de un sheriff (Calder) que trataría por todos los medios defender a un preso fugado e injustamente condenado (Bubber Reaves) de las garras de un grupo de ciudadanos del pueblo de Tart. A pesar de su (injusto) fracaso en la taquilla durante la fecha de su estreno y los numerosos comentarios negativos que sufrió por parte de un sector de la crítica de la época tachándola de una película llena de excesos (entre ellos, el comportamiento de los habitantes del pueblo que les parecía ciertamente exagerada), el film de Arthur Penn se puede considerar a día de hoy en una obra importante dentro de la historia del séptimo arte.

la jauría humana 1966

En ella el realizador nos presentaba un duro y oscuro retrato sobre la sociedad americana de los años 50 y donde infidelidad, racismo y miseras del ser humano iban a ser mostrados a lo largo del metraje sin ningún tipo de tabú. Marlon Brando, sensacional como siempre, representaría al sheriff Calder, un héroe solitario que lucharía por mantener el orden en un pueblo depravado, primitivo y carente de moralidad. El papel de Brando como el sheriff Calder nos puede recordar en cierta manera al personaje que interpretó Gary Cooper en "Sólo ante el peligro (1952)" y es que en ambas películas los protagonistas defendían sus principios "con uñas y dientes" a pesar del riesgo que ésto le conllevaba y donde verían como "su pueblo" le abandonaba durante su intento de lucha. Acompañando al bueno de Brando nos encontraríamos con un poco conocido, por aquel entonces, Robert Redford (solo había participado, después de su periplo televisivo, como actor secundario en títulos como "Soldado o cazador (1962)", "Situación desesperada pero menos (1965)" o "La rebelde (1965)" de Robert Mulligan) encarnando al prófugo Bubber Reaves (el nombre que llegó a sonar inicialmente fue el de Steve McQueen para ejercer dicho papel), un convicto fugado que intentaría regresar a su casa cargando a sus espaldas un asesinato que no cometió. Otros nombres del reparto E.G. Marshall ("12 hombres sin piedad (1957)") dando vida al poderoso Val Rogers, un millonario convertido como el principal motor de la economía del pueblo, Jane Fonda ("Barbarella (1967)") como Anna, la esposa de Bubber y que mantendría una aventura amorosa con el hijo de Val Roggers (Jake, un personaje interpretado por James Fox ("El sirviente (1963)") y a su vez mejor amigo de Bubber. Angie Dickinson ("A quemarropa (1967)") como la mujer de Kalder y Robert Duvall ("Matar a un ruiseñor (1963)") como el vicepresidente de Rogers completarían el reparto de actores.

la jauría humana 1966

Entre sus escenas más representativas cabe destacar la brutal paliza a Calder por parte de un grupo de habitantes del pueblo (de las más impresionantes que podemos ver en la historia del cine) o ese momento del incendio en un cementerio de coches donde permanece escondido Bubber. Antes de llevarse a la gran pantalla, la novela de Horton Foote fue adaptada al mundo del teatro en el año 1952, donde tampoco gozó de la aprobación del público siendo un rotundo fracaso. Fue dirigida por José Ferrer e iba a tener a John Hodiak ("Naufragos (1944)") como el actor que interpretaría al sheriff, aunque dicho personaje no contaría del protagonismo que tuvo la versión cinematográfica. Como curiosidad, esta fue la segunda película donde Marlon Brando iba a trabajar junto a su hermana mayor, Jocelyn (en este largometraje tendría un breve papel como uno de los habitantes del pueblo), la primera fue en la obra de George Englung "Su excelencia el embajador (1963)".

Frase para recordar: "El dinero joven baila solo mientras que el dinero viejo esperan que vayan a sacarlo".

la jauría humana 1966la jauría humana 1966

tulo original: The chase.

Director: Arthur Penn.

Intérpretes: Marlon Brando, Robert Redford, Jane Fonda, E.G. Marshall, Robert Duvall.

Trailer:


B.S.O.: 




Información complementaria:
E.G. Marshall

Reseña escrita por Jesús Fariña

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danzad danzad malditos
Sydney Pollack presenta una historia basada en la novela de Horace McCoy "¿Acaso no matan a los caballos?", donde un grupo de parejas participan en un concurso de maratón de baile de varios días, su participación les garantiza un lugar donde comer y dormir, tras duros esfuerzo tanto físicos como psicológicos solo una de ellas conseguirá el premio. Crítica social de un grupo de personas desesperadas en conseguir su sueño y abandonar sus frustraciones tanto personales como económicas, mientras son el deleite de otras que disfrutan de su sufrimiento y penurias (un recuerdo a los actuales "Reality Shows"). Gran obra de Pollack, consideradas de las mejores de su filmografía junto a clásicos como "Memorias de África (1985)", "Las aventuras de Jeremías Johnson (1972)" o "Tootsie (1982)". La película tuvo la importante obtención de 9 canditaturas de la academia (donde no se incluía como mejor película), con un Gig Young ganador del único Óscar del film como actor de reparto con su papel de creador del concurso. En la pareja de baile protagonista podemos ver una Jane Fonda, después de ser icono erótico en la obra de serie b (bastante cutre) titulada "Barbarella (1967)" y Michael Sarrazin ,un actor prácticamente desconocido que hizo de ésta su mejor obra en una filmografía destinadas en películas para la televisión y en algunos papeles de secundario junto a Paul Newman o George C.Scoot en películas menores como "Casta invencible (1967)" o "El amable estafador (1971)".

danzad danzad malditos

Director: Sydney Pollack.

Título original: They Shoot Horses, Don't They?

Intérpretes: Jane Fonda, Michael Sarrazin, Gig Young, Susannah York, Bruce Dern.

Trailer:



Información complementaria:
Jane Fonda

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DANZAD DANZAD MALDITOS (1969)


danzad danzad malditos
Sydney Pollack presenta una historia basada en la novela de Horace McCoy "¿Acaso no matan a los caballos?", donde un grupo de parejas participan en un concurso de maratón de baile de varios días, su participación les garantiza un lugar donde comer y dormir, tras duros esfuerzo tanto físicos como psicológicos solo una de ellas conseguirá el premio. Crítica social de un grupo de personas desesperadas en conseguir su sueño y abandonar sus frustraciones tanto personales como económicas, mientras son el deleite de otras que disfrutan de su sufrimiento y penurias (un recuerdo a los actuales "Reality Shows"). Gran obra de Pollack, consideradas de las mejores de su filmografía junto a clásicos como "Memorias de África (1985)", "Las aventuras de Jeremías Johnson (1972)" o "Tootsie (1982)". La película tuvo la importante obtención de 9 canditaturas de la academia (donde no se incluía como mejor película), con un Gig Young ganador del único Óscar del film como actor de reparto con su papel de creador del concurso. En la pareja de baile protagonista podemos ver una Jane Fonda, después de ser icono erótico en la obra de serie b (bastante cutre) titulada "Barbarella (1967)" y Michael Sarrazin ,un actor prácticamente desconocido que hizo de ésta su mejor obra en una filmografía destinadas en películas para la televisión y en algunos papeles de secundario junto a Paul Newman o George C.Scoot en películas menores como "Casta invencible (1967)" o "El amable estafador (1971)".

danzad danzad malditos

Director: Sydney Pollack.

Título original: They Shoot Horses, Don't They?

Intérpretes: Jane Fonda, Michael Sarrazin, Gig Young, Susannah York, Bruce Dern.

Trailer:



Información complementaria:
Jane Fonda

Reseña escrita por Jesús Fariña 
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NOS MENCIONAN EN ANTENA 3

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