LA ROCA (1996). Acción en Alcatraz.

20 años después, "La Roca" sigue siendo a mi parecer, la mejor película del incendiario y preciosista del caos que es Michael Bay (Transformers, Armagedón, Pearl Harbour). El que fue el bautismo de fuego para Nicolas Cage después de su Oscar en "Leaving Las Vegas (1995)", no podía ser mejor estreno para un actor que se iniciaba en la acción, dando de sí una estupenda trilogía, con el film que estamos tratando de Michael Bay, seguida de la estruendosa "Con Air (1997)" de Simon West y la imposible "Cara a Cara (1997)" de John Woo.

Pero centrándome en "La Roca", diré que en su momento (yo cuando la vi por vez primera contaba con 16 años) me impactó, no sólo por su despliegue espectacular de medios para el asombro, sino su registro actoral, a saber: El mencionado Cage, Michael Biehn (Terminator), William Forsythe (Halloween, el origen), Tony Todd (Candyman) y hasta ¡Jim Caviezel! (La Pasiónde Cristo)…Pero aquí sin lugar a dudas los que se llevan el elogio, el prestigio y el logro de llevarse los méritos actorales del film son sin duda:

Primero: Ed Harris, el eterno nominado, el actor que siempre merece un Oscar sin conseguirlo, que aquí con su militar Francis Hummel da toda una lección de arrojo, de fuerza, de patriostismo, siendo un militar de alto rango que a lo largo de su carrera ha visto cómo su país reclutaba a grandes soldados en misiones secretas, para después olvidarlos, apartarlos y hacerlos desaparecer, sin ni siquiera ofrecerles los honores merecidos, ni la meritoria pensión a sus familias por la irreparable pérdida. Hummel querrá acabar con el deshonroso comportamiento americano para sus "abandonados hijos" y decidirá un ataque terrorista contra San Francisco, reteniendo en la extinta cárcel de Alcatraz (ahora destino turístico) a unos rehenes y amenazando con soltar unos misiles de inabarcable catástrofe química a la ciudad. Todo si no se cumple con sus exigencias: Ofrecer a las familias de los soldados humillados sus respectivas indemnizaciones y méritos por los servicios prestados a los EEUU de América.

Harris es aquí un revolucionario, convencido de lo que hace, comprometido con aquellos soldados muertos y sus familias, que en memoria de los mismos opta por luchar y reivindicar el honor de aquellos que como él dieron su sangre por su país, sin que éste supiera de su existencia. Un meritorio papel del ‘Gran Ed’ que no deja que le envuelvan ni las, por otro lado estupendas persecuciones, disparos sin fin, fuegos de artificio, y destellos de violencia de vistosa estética.

Y claro, Segundo: Sean Connery. Y perdónenme por la expresión pero... Joder, qué bueno es. El genial Sean en "La Roca" homenajea a su James Bond, interpretando a un espía británico, además y por arte de gracia es también un Edmundo Dantés del siglo XX, convirtiéndose Alcatraz para él en su particular cárcel, de la que escapará siendo la única persona conocida en hacerlo, para ser encerrado de por vida de nuevo al esconder en un microfilm secretos de vital importancia, tales como los extraterrestres de Roswell o la muerte de Kennedy. Connery tenía la friolera de 66 años en el año de 1996, y fue capaz de mostrar su destreza físca, su particular donaire, su valor y porqué no decirlo su compromiso con su película (puesto que fue su productor ejecutivo).

Para recordar quedan las estruendosas persecuciones por todo San Francisco equiparables al Bullit de Peter Yates, pero a lo bestia, los enfrentamientos de ego entre mercenarios y soldados, el cruce de disparos por doquier y claro está, un duelo interpretativo de altura entre Connery y Harris, todo ello mientras el despistado de Woodspid (o como se diga) "Cage" como experto en terrorismo químico, tendrá que espabilar si quiere sobrevivir al entrar en la mítica roca.

Frase para recordar: -El patriotismo es la virtud de los depravados-. Frase de Oscar Wilde, que dicha por Sean Connery no tiene desperdicio. Feliz 20 aniversario para "The Rock".

Título original: The Rock.

Director: Michael Bay.

Intérpretes: Sean Connery, Nicolas Cage, Ed Harris, Michael Biehn, William Forsythe, John Spencer, David Morse.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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NUNCA DIGAS NUNCA JAMÁS (1983). El último James Bond de Sean Connery.

"Nunca digas nunca jamás" es el título que eligieron los productores de la película de la que hablaré a continuación. Haciendo una irónica referencia al desacertado comentario que dijo Sean Connery después de terminar su sexta colaboración en la saga Bond ("Diamantes para la eternidad (1971)"), 12 años atrás de interpretar de nuevo al espía británico para su séptimo Bond, Connery se negaba en rotundo a meterse de nuevo en el esmoquin de 007, alegando: -Nunca más volveré a hacerlo-. Pero, lo que son las cosas, un jugoso cheque puede cambiarlo todo.

El caso es que no hay nada que una cuantiosa oferta económica no pueda cambiar, así que Connery volvió. Sin el consentimiento de los productores oficiales de la saga del espía británico, y aprovechándose de la única película de la franquicia de la que no tenían atados los derechos cinematográficos, se utilizó la película "Thunderball (1965)" para crear el guión de "Nunca digas nunca jamás" a modo de remake con el mismo protagonista.

La película presenta a un 007 maduro al que obligan a ir a una residencia de rehabilitación para depurar su cuerpo, y en la que casualmente Bond descubre una trama que amenaza con poner en peligro la seguridad internacional, mediante el robo de la organización terrorista Espectra de unos misiles nucleares.

El cebo para sustraer los misiles es aquí un oficial del ejército corrompido (Gavan O'Herlihy) y mediatizado por la amenaza de la vida de su hermana Dominó (una bellísima y escultural Kim Basinger), encontrándose ésta secuestrada sin saberlo por un magnate depravado miembro de Espectra al que da vida un despreciable y desequilibrado cerebro del crimen (Klaus Maria Brandauer).

James Bond deberá intervenir para evitar el chantaje impuesto a las naciones unidas con la amenaza nuclear ideada por el número 1 de la organización terrorista (Max Von Sydown).

Irvin Kershner después de convertir al "Imperio contraataca (1980)" en la mejor película de la saga Starwars se introdujo en el universo "Bondiano", a través de una película de acción y aventuras muy del estilo de los 80, metiendo de nuevo a un Sean Connery como el espía más famoso de la historia del cine, con en esta ocasión 53 años. Con un nivel de eficiencia casi intacto y compensado con unos gadgets geniales (supermoto, reloj láser, mochila voladora y una pluma explosiva) Connery aprovecha su sex- appeal maduro repleto de afrodisíacos tan irresistibles como los huevos de codorniz, el caviar iraní y el sabroso foie gras para cortejar a una enfermera, antes de fijar su atención en la libidinosa villana icónica Barbara Carrera (Fátima Bras), que se convierte en mi villana favorita de la saga con sus sádicas y alocadas maneras, que posiblemente fueron todo un referente para la interpretación de Famke Janssen en "Goldeneye".

"Nunca digas nunca jamás" es un film ochentero de recursos que disparan la acción con aceleradas persecuciones, fuegos de artificio, efectos especiales de la época y espectaculares secuencias de pólvora  al servicio de Sean Connery. El film plantó cara en un duelo con el Bond Oficial de aquella época: Roger Moore (el Bond más mordaz) y que sentó a mi juicio un precedente para la presente interpretación de Connery como su agente secreto al servicio de su majestad en esta película, ironizando "un poco" su Bond."Nunca digas nunca jamás" compitió en taquilla con el film "Octopussy" en el año 1983. Connery perdió en la taquilla pero con talante y buen gusto dado que "Nunca digas nunca jamás" es una excelente propuesta de acción del sello 007 con licencia, entre otras cosas, para acabar con un bestia esbirro que intenta matarle en la residencia, exterminar a la mejor villana de toda la saga (Carrera), destruir los planes de Espectra, salvar al mundo "otra vez" y ligarse a su avanzada edad a una maravillosa e irresistible Kim Basinger. Espectáculo del último Bond de Sean.

Título original: Never Say Never Again.

Director: Irvin Kershner.

Intérpretes: Sean Connery, Klaus Maria Brandauer, Kim Basinger, Max von Sydow, Edward Fox, Barbara Carrera, Alec McCowen.

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Escena:

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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MARNIE LA LADRONA (1964). Los robos de Tippi Hedren.

Marnie (Tippi Hedren) es una embaucadora y atractiva joven que se sirve de su físico y su trabajo como secretaria en diferentes empresas para perpetrar sus robos. Va cambiando de aspecto y de ciudad. Tras adquirir una nueva identidad, consigue trabajo en oficinas donde sea fácil cautivar a sus jefes y distraerlos mientras ella prepara un calculado plan para vaciar cajas fuertes. Su impecable y calculada rutina cambia el día en que un joven empresario, Mark Rutland (Sean Connery) queda completamente cautivado por ella. Accidentalmente, descubre sus hábitos delictivos, y pese a ello, se siente irremediablemente atraído por ella. Mark toma la extraña decisión de casarse con ella y tomarse como un reto personal resolver el enigma que esconde el cerebro de tan bella y extraña mujer. Asume un papel que oscila según el momento del metraje entre marido protector de una mujer con problemas y un individuo que se plantea descifrar un enigma.

De esta forma Alfred Hitchcock hace participar al espectador, identificándose con la figura del joven empresario, como si de un detective se tratara para intentar resolver el más complejo de los casos: lo que reside en el interior de una mente femenina tan fría y calculadora.

El guión, escrito por Jay Presson está basado en la novela de Winston Graham, un afamado escritor británico responsable de más de 40 novelas, entre las que se encuentran las doce de la saga de los Poldark. Graham comenzó a escribir en la década de los 40 y fue un consumado autor de novelas de suspense, algunas de ellas llevadas al cine.

En este film el suspense no está basado en descifrar cuáles serán las piezas de un atraco, o si los ladrones conseguirán llevarse el botín. La trama se sustenta en un intento, tanto por parte del autor de la novela como por el propio Hitch, de investigar en el oscuro pasado, en posibles traumas de la infancia que nos descifren el origen de la conducta delictiva.

Parece que tras el éxito conseguido tras filmar "Psicosis (1960)" Alfred Hitchcock quiso mantener ese estilo cercano a la corriente psicoanalítica para conseguir sorprendernos desvelando oscuros secretos. El Maestro ya había hecho algún intento de adentrarse en la parte más explotada o conocida de una versión cuasipsicoanalítica en su film "Recuerda (1945)". En aquel film el interés radicaba en saber si el protagonista se mantenía en su sano juicio y solo una mujer enamorada sería la encargada de rescatarlo.

Por el contrario, aquí será un varón el que represente de forma contradictoria, y por diferentes motivos, la figura de salvador. Se consigue así establecer un doble juego: Intentar esclarecer si realmente es amor lo que Mark siente por Marnie, o simple atracción física por un lado, y por otro, intentar descubrir si Marnie es sólo una joven fría y calculadora o una mujer torturada por su pasado. Al igual que en sus dos obras anteriores, las relaciones maternofiliales tienen una poderosa presencia en el relato. En "Marnie, la ladrona" da una vuelta de tuerca más, y sin tratar de ser profundo en los aspectos psicoanalíticos, algo que muchos han visto como un defecto, Hitchcock vuelve a demostrar su dominio de la cámara, de la imagen y, especialmente, del uso del color que asume un papel protagonista en la historia.

Para mí, este film, considerado incompleto por el mismo Hitchcock e infravalorado por la mayoría, adquiere gran relevancia por el uso magistral de un lenguaje visual muy elaborado.

La descripción inicial del personaje, sin necesidad de una sola palabra me parece descomunal. La secuencia de apertura donde se tardan bastantes minutos en mostrarnos la verdadera cara de la protagonista tras habernos mostrado su magnífico cuerpo, sus largas piernas, sus impecables ademanes y una elegante vestimenta me parece genial. Sabemos mucho de la protagonista antes incluso de conseguir ver su rostro saliendo de ese charco negro de agua, de donde surge una mujer rubia.

Las escenas en campo abierto montando acaballo, saber resaltar con planos detalle elementos como el color que son piezas clave o presentarnos a los protagonistas en diferentes ángulos que revelan su estado anímico sin palabras son una delicia. Al igual que ese magnífico primer plano donde Mark intenta vencer la fobia al contacto de una mujer que lo rechaza sexualmente en repetidas ocasiones y finalmente consigue arrancarle un beso.

En definitiva, una película que juega con las percepciones visuales del espectador para establecer alegorías, para incitar a deducir e interpretar sin necesidad de diálogos. Imágenes con mucho contenido emocional, ya sea entre los actores o con los animales, utilizando la forma que tiene la protagonista de relacionarse con los caballos, sus recuerdos de la infancia y los filtros de color en determinadas escenas clave.

Robert Burks, como responsable de fotografía, vuelve a bañar de luminosidad la obra de Hitchcock, con decisiones tan efectivas como sencillas, como el viraje de color cuando Marnie ve el color rojo. Ayudado por el montaje de George Tomasini, que fallecería ese mismo año, hay instantes milimétricamente medidos como el del interrogatorio/terapia por parte de Mark a Marnie en el camarote del barco. Una vez más el lenguaje cinematográfico demostrando la vital importancia de la narración fílmica por encima de cualquier línea de diálogo.

"Marnie, la ladrona" supuso la última colaboración entre el maestro y uno de sus colaboradores habituales, el insigne Bernard Herrmann, el compositor por excelencia de la música cinematográfica. Su banda sonora ocupa parte de la trama del film y es la responsable de vestir adecuadamente los momentos culminantes de la trama.

También fue la última colaboración de Tippi Hedren con Alfred Hitchcock. No sabemos si porque el papel le cayó de rebote o por otros asuntos pendientes, pero su relación terminó abruptamente. Se comenta que la relación entre ellos empeoró tanto y de forma tan manifiesta durante el rodaje que, en los últimos días del mismo Hitchcock acabó por darle instrucciones a través de intermediarios, a pesar de que Hedren ha negado en su biografía que tal cosa llegara a suceder. Sin ser de las mejores del maestro, sigue siendo una gran película.

Título original: Marnie.

Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Tippi Hedren, Sean Connery, Diane Baker, Martin Gabel, Louise Latham, Alan Napier, Bruce Dern. 

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B.S.O.:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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ASESINATO EN EL ORIENT EXPRESS (1974). Sidney Lumet adapta la novela de Agatha Christie.

En la década de los setenta Hollywood descubrió que una forma de llevar a la taquilla al mayor número de espectadores era llenando el reparto con estrellas, cosa que funcionó de maravilla en el subgénero de cine de desastres.  Así era común ver en la misma película a Paul Newman metiéndose por unas escaleras llenas de fuego y a Fred Astaire rescatando a un gatito, a Charlton Heston subiéndose en un avión en pleno vuelo mientras Linda Blair esperaba salvarse para ser sometida a una operación quirúrgica. Esta fórmula ya aplicada con anterioridad en el cine bélico, en algunos westerns y hasta en ciertos dramas fue utilizada por Sidney Lumet en la adaptación de una novela de Agatha Christie realizada en el año 1974. Según declaraciones del realizador el recurso de usar un elenco multiestelar le confería al filme un aire de glamur adicional ya que según él recurrir a los mejores secundarios del cine no hubiera sido igual que ver a Sean Connery o a Jacqueline Bisset en aquellos papeles.

Y además de los citados ahí estaban Albert Finney, Lauren Bacall, Martin Balsam, Ingrid Bergman,  Jean Pierre Cassel,  John Gielgud, Vanessa Redgrave, Wendy Hiller, Rachel Roberts,  Anthony Perkins, Michael York y Richard Widmark. Un quién-es-quién en el universo interpretativo de aquel entonces.  Porque en la trama también existía un quién es quién, ya que el famoso detective Hércules Poirot tenía que encontrar al culpable en esta pléyade de sospechosos.

La película arranca con el secuestro de una niña, hija de un héroe nacional americano, la cual es posteriormente hallada muerta (hecho inspirado en el famoso  caso Lindbergh ) y años más tarde la acción se traslada a un viaje en el  expreso de Oriente desde Estambul a Francia con conexión a Londres. En él va el legendario detective Belga luego de haber resuelto un caso en Mesopotamia y durante una tormenta en los Balcanes el tren debe detenerse por un alud, esa noche el millonario Ratchett (Widmark) es asesinado a cuchillazos de una manera misteriosa. El investigador (Albert Finney) deberá  resolver el crimen hasta que el paso sea habilitado otra vez.

La resolución del film, para aquellos que lo vieron o leyeron la novela, es compleja. Venganza fuenteovejunezca  orquestada  ritualmente por personajes cuya devoción y lealtad a los padres de la víctima es realmente conmovedora. Las diferencias con el original literario son otra cosa y no tienen trascendencia en este asunto.

Título original: Murder on the Orient Express.

Director: Sidney Lumet.

Intérpretes: Albert Finney, Lauren Bacall, Ingrid Bergman, Sean Connery, Anthony Perkins, Vanessa Redgrave, Jacqueline Bisset, Richard Widmark, Martin Balsam.

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Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Carlos Fernando Carrion Quezada

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EL NOMBRE DE LA ROSA (1986). Asesinatos eclesiásticos.

S. XIV. La Edad Media es fuente de misteriosos relatos en la Literatura, época en la que el miedo gobernaba la conciencia del ser humano, ya que la incultura, el analfabetismo y el terror que se desprendían del pecado, hacían que Satán pululara en todos los subconscientes. La Iglesia Católica tuvo un papel esencial en este tramo de la historia que tuvo dos vertientes, tan radicalmente opuestas, que todavía hoy provocan controversias. Por un lado la cristiandad aunó y preservó los escritos (la historia), conservando la literatura clásica de los grandes pensadores, todos los artes fueron cuidados y transmitidos para la posteridad a través de los monasterios, quedando en sus ricas bibliotecas el legado que ha servido a futuras generaciones a formarse como seres humanos, haciéndolos cultos y haciendo desarrollar al máximo todas las capacidades del ser humano. Pero por otro lado…los llamados "hombres santos" utilizando la ignorancia colectiva fomentaron el pánico entre el pueblo llano, que cual bruma húmeda y penetrante inyectó en el hombre de la edad media el desasosiego ante los poderes ocultos, la brujería, el satanismo y demás actividades ocultas, que como brutal y errónea panacea encontró en la inquisición, la desastrosa y horripilante fuente que ha generado tantos errores y razones para que la iglesia pida perdón hasta la saciedad.

Umberto Eco encontró en la porción final de la historia que comprende desde el S.V hasta el S.XV, la fuente de su inspiración para su reconocida obra "El Nombre de la Rosa". Para el genial director Jean-Jacques Annaud ("El oso (1988)", "En busca del fuego (1981)", "Enemigo a las puertas (2001)"), no pudo pasar desapercibida tal obra literaria, en la que la crítica especializada se deshizo en elogios, y que nada más publicarse ya era carne de cañón para ser llevada cuanto antes a cine.

Annaud plasmó en imágenes a través de estudio metódico de historiador, la novela de Eco sobre una época oscura en nuestra historia universal, un retroceso que llevó al ser humano a la ignorancia absoluta, la enfermedad y el hambre. A un monasterio, lugar de recogimiento cultural y espiritual, llegará el genial personaje de Sean Connery, acompañado de un principiante Christian Slater al más puro estilo de Holmes y Watson con el propósito de desvelar unos misteriosos asesinatos. Nuestros 2 protagonistas se verán envueltos en una conspiración relacionada con un libro de humor escrito por Aristóteles y que residió en la desaparecida biblioteca de Alejandría, por el que la gente mata o es inducida a cometer asesinato ya que la risa, según el modo de ver de altos cargos de la iglesia, elimina el miedo, la frivolidad ofende a Dios, y no podía consentirse que un erudito como Aristóteles, del que la cristiandad había adoptado sus enseñanzas, tuviera un libro dedicado al humor, que ironiza con el ser humano a imagen de Dios. Toda esta excepcional y tenebrista narración junto con una ambientación admirable y una interesante puesta en escena, convierten la apasionante trama de "En el nombre de la rosa" en una genialidad que en su momento no tuvo el éxito esperado, ya que la productora de la película no supo promocionarla, en su estreno fue un fracaso, pero el tiempo y la crítica la han convertido en un clásico de culto para el aficionado. 

En lo referido a los personajes todos merecen elogio, el erudito, inquieto y cerebral Fray Guillermo de Basquerville (Sean Connery), el novicio impetuoso y frágil Atso (Christian Slater), y una serie de intrigantes intérpretes, a cada cual más extraño y confuso. Aunque a mí personalmente me inquieta y sorprende Ron Perlman en el papel del jorobado Salvatore. Un film de corte histórico mezclado con misterio detectivesco, con profundidad tanto en la ambientación como en las actuaciones. El film fue rodado en el monasterio de Kloster Eberbach en Alemania, y en los célebres estudios Cinecittá de Roma. La recaudación de la película fue ínfima, no llegando ni siquiera a los 10 millones de dólares en los EEUU. Todos los misterios serán resueltos por Baskerville y Atso con astucia y decisión..¿Todos?..No, ya que lo que no se llega a desvelar es el nombre de una misteriosa chica que seduce a Slater, y de la que nunca sabremos su nombre…

Frases para recordar: 

"Un monje no debe reír. Solo los tontos se ríen."

"Que pacífica sería la vida sin amor, que segura y tranquila. Y que insulsa."

Título original: Der Name der Rose.

Director: Jean-Jacques Annaud.

Intérpretes: Sean Connery, Christian Slater, F. Murray Abraham, Michael Lonsdale, Valentina Vargas, Ron Perlman, Feodor Chaliapin Jr., William Hickey,

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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LOS INMORTALES (1986). Sólo puede quedar uno.

El actor francés Christopher Lambert después de convertirse con coherencia en el mítico Tarzán en la genial película "Greystoke (1984)", se embarcó junto al director Russell Mulcahy en la original y épica "Los inmortales", una genialidad de film de mitades de los 80's, en la que Connor Mcleod en una cruenta batalla en pleno siglo XVI es consciente al ser mortalmente herido, de que él no es como los demás (al curar milagrosamente). Acusado de brujería en su poblado escocés deberá huir. Una vez establecido en un lugar lejano será Juan Ramírez Sánchez Villalobos (Sean Connery) espadero mayor de su majestad Carlos I de España) quien le haga saber su auténtica razón de existir, él es un inmortal condenado a vagar durante los siglos luchando con los de su especie y cuya única manera de morir es que le corten la cabeza hasta que... sólo quede uno. Ésta es pues la premisa argumental en una película completamente entretenida, cargada de acción, romance, efectismo, una banda sonora espectacular, y porqué no decirlo también con historia (en el film viajamos desde la antigua Escocia del siglo XVI, pasando por el clasicismo del siglo XVIII, a la segunda guerra mundial hasta la actualidad de los años 80's del siglo XX). También me gustaría añadir, que además de una convincente actuación de Christopher Lambert, está también la portentosa actuación de un Sean Connery en estado de gracia, absolutamente arrebatador en su personaje de Juan Villalobos, capaz de generar simpatía a los segundos de presentarse en el film. De igual manera pero en el caso opuesto, se encuentra un Clancy Brown interpretando a Er Kurgan un desalmado animal bestia y sin escrúpulos que mata por placer y que sumiría a los humanos en las tinieblas si él fuera el que reclamara el premio ofrecido si resultara ser el único inmortal que quedara en pie. 

Connor McLeod con las enseñanzas administradas por Ramírez tendrá que enfrentarse a lo largo de los siglos a todo aquel que quiera su cabeza, para aspirar a ser el único de los inmortales que quede vivo para pedir su deseo. Con unos movimientos de cámara que vuela por todos lados, facilitados por la Stedycam (ingenio inventado por Kubrick), una dirección artística variada, unos efectos especiales hoy algo trasnochados y con unos enfrentamientos esgrimísticos de altura, "Los Inmortales" es un muy digno espectáculo de aventuras y acción de los años 80's que tuvo el placer de contar con la apreciada participación musical del grupo Queen (con magníficas canciones) y la maravillosa banda sonora de Michael Kamen. Me quedo con secuencias tan geniales como las del entrenamiento de Ramírez a Mcleod, el enfrentamiento en el aparcamiento del Madison Square Garden, el duelo final con Kurgan y las bellas imágenes de McLeod con su amada mientras pasan los años con el acompañamiento musical de Queen "Who wants to live forever". En mi recuerdo sólo queda una película de toda la franquicia inmortal...La primera.

Título original: Highlander.

Director: Russell Mulcahy.

Intérpretes: Christopher Lambert, Sean Connery, Roxanne Hart, Beatie Edney, Clancy Brown, Alan North, Jon Polito, Sheila Gish.

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Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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ROBIN Y MARIAN (1976). La vejez de un héroe.

Richard Lester, mediocre director estadounidense en cuya filmografía nos podemos encontrar con dos películas de la mítica banda inglesa The Beatles ("Qué noche la de aquel día (1964)" y "Help!(1965)") y con las secuelas (II y III) de la saga "Superman" realizaría a mediados de los años setenta su mejor obra hasta la fecha, esta tragicómica historia de aventuras y romance (principal elemento de la trama), centrada en los últimos instantes del mítico Robin Hood. Con un guión de James Goldman (el mismo que escribiría el magnífico drama medieval "El león en invierno (1968)"), el film se iniciaría con el regreso de Robin Hood acompañado de su fiel amigo John a Inglaterra después de haber combatido en Las Cruzadas de la Tierra Santa, allí se reencontraría con viejos amigos y despiadados enemigos, entre ellos el malvado sheriff de Nothingham, al mismo tiempo que volvería a ver a su antiguo y único amor, Marian, ahora convertida en abadesa de un convento. Sin duda una original propuesta que nos brindaba Richard Lester sobre el legendario arquero de Sherwood, una visión llena de nostalgia y añoranza donde el cineasta mostraba a un héroe maduro y cansado, deteriorado físicamente debido al paso de los años (larga barba, calvicie y michelines) y donde se exponía al Robin Hood más humanizado de todas las adaptaciones cinematográficas que se han hecho sobre este personaje. Un curtido Sean Connery ("El hombre que pudo reinar (1975)") y la inolvidable Audrey Hepburn ("Desayuno con diamantes (1961)" que volvía al cine tras cerca de una década alejada de las cámaras formarían la cabeza del cartel, dos figuras estelares que bordaron sus respectivos personajes (el de Robin y Marian) y que después de verlos en acción se nos hacía complicado pensar en otros dos actores que pudieran superar sus sobresalientes interpretaciones.

Éstos estarían respaldados por un maravilloso reparto de secundarios, siendo los más representativos Robert Shaw ("El golpe (1973)") ejerciendo de villano de la función, el sheriff de Nothingham, Richard Harris ("Un hombre llamado caballo (1970)") dando vida a Ricardo Corazón de León, el realizador nos mostraría a éste como un bárbaro, un ser capaz de matar mujeres y niños sin ningún tipo de piedad ni remordimiento, Nicol Williamson (el mago Merlin del "Excalibur (1981)" de John Boorman) haciendo del inseparable amigo de Robin e Iam Holm ("El señor de los anillos (2001)") como el rey Juan. Una desconocida, por aquel entonces, Victoria Abril (actriz española que había debutado ese mismo año en el mundo de cine con "Obsesión (1975)") también tendría un breve papel en la película (apenas unos escasos segundos aparecería en pantalla) representando a la joven y alocada esposa del rey Juan. Cabe destacar la banda sonora compuesta por uno de los grandes del celuloide, John Barry ("Memorias de África (1986)") que llenaría con su partitura de épica los instantes de acción de la obra y nos envolvería de sentimiento y romanticismo los encuentros de Robin y Marian.

Entre sus escenas hago mención esa secuencia donde Robin y John trepan los muros de un castillo huyendo de los soldados del sheriff de Nothingham o esa memorable y drástica declaración de amor de Marian a su amado previos momentos a su muerte. Como curiosidad, la escena inicial que abre el film (el ataque de Ricardo Corazón de León a un castillo en busca de un tesoro) fue rodada en España, exactamente en Villalonso, un pequeño municipio situado en la provincia de Zamora.

Frase para recordar: "Te amo más que al amor o la alegría... o la vida entera."

Título original: Robin and Marian.

Director: Richard Lester.

Intérpretes: Sean Connery, Audrey Hepburn, Robert Shaw, Iam Holm, Nicol Williamson.

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Escena: 

Información complementaria:
Sean Connery

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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EL HOMBRE QUE PUDO REINAR (1975). Michael Caine y Sean Connery en un clásico de aventuras de John Huston.

Basándose en una novela del británico escritor Rudyard Kipling (por cierto el actor Christopher Plummer lo interpretaría en el film), el realizador John Huston nos trasladaría al siglo XIX para contarnos la hazañas de dos soldados británicos (Daniel Dravot y Peachy Carnehan) oportunistas y algo caraduras que van al primitivo pueblo de Kafiristan con el fin de conseguir fortuna y proclamarse reyes, el "problema" comenzará cuando los habitantes crean que Dravot es un Dios después salir ileso de un hecho fortuito. Huston acertaría de lleno realizando esta imprescindible obra de aventuras, retomando un género que tan buenos resultados le habían dados en el transcurso de su carrera ("El tesoro de Sierra Madre (1948)", "La reina de África (1951)"), en ellas disfrutaríamos a parte de la belleza de sus paisajes (recorriendo países como La India, Marruecos y Afganistan) de una emocionante historia épica de perdedores bañados en los valores de la amistad y la lealtad y donde el realizador analiza el empeño del hombre blanco en profanar e invadir las costumbres de las sociedades menos favorecidas. Sean Connery que se tomaba un respiro de su personaje estrella, el mítico agente 007, y Michael Caine que compartía cartel junto a su esposa, la también modelo Shakira Caine, serían los encargados de llevar a cabo la mayor parte del peso del film, su elección fue una acierto por parte del realizador, no sólo demostraron su buena química en la pantalla sino que sus sobresalientes interpretaciones hicieron que la gran mayoría opine que se trata de lo mejorcito que han hecho en sus respectivas trayectoria cinematográficas. Cabe destacar la presencia del actor indio Saeed Jaffrey, visto también en películas como "Gandhi (1982)" o "Pasaje a la India (1984)", con su personaje de Billy Fish, un cárismatico y émotivo soldado que estaría al servicio de las desiciones de  Dravot y Carnehan. Contribuye en la magia  aventurera del film la partitura del siempre genial Maurice Jarre, el compositor fetiche del maestro David Lean. Como curiosidad, John Huston llevaba mucho tiempo atrás intentado llevar a cabo este proyecto, lo tanteó en años anteriores en varias ocaciones, una de ellas con la idea de ser protagonizada por Humphrey Bogart y Clark Gable.

Frase para recordar: "Si lo hizo un griego, lo haremos nosotros".

 












Título original: The man who would be king.

Director: John Huston.

Intérpretes: Michael Caine, Sean Connery, Christopher Plummer, Albert Moisés.

Trailer: 

 

Información complementaria:
Christopher Plummer

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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LOS INMORTALES (1986)

Unos desconocidos, Russell Mulcahy y Christopher Lambert (que volverían a repetir juntos con flojos resultados en aquella fallida copia de "Seven": "Resurrección (1998)") junto la veteranía de Sean Connery, sorprendieron en taquilla con esta buena historia de aventuras fantásticas e inolvidable banda sonora. Russell Mulcahy que venía del mundo del videoclip realizó este film que a través de flashback, nos trasladaba de la época medieval a la época actual, mientras nos narraba la historia de una raza de hombres con la virtud de vivir eternamente, conociendo únicamente la muerte si eran decapitados. A pesar de que el papel protagonista recayera en Chistopher Lambert, (un actor de filmografía bastante olvidable y que tendría en este film su papel más recordado, el del inmortal Connor MacLeod) quien realmente sobresaldría a pesar de su rol de secundario sería Sean Connery con su papel de mentor inmortal, el español Juan Sanchez Villalobos, en un año, donde el actor también destacaría en la obra de suspense eclesiástico "El nombre de la rosa (1986)". De las escenas más recordadas y emotivas, son los últimos momentos de una anciana esposa de Connor antes de morir preguntándole como era posible que no envejeciera con el paso de los años o el genial combate inicial en el parking del Madison Square Garden. Hago mención las inolvidables y más que clásicos temas de Queen: "Who wants to live forever" o "Princes of the universe"  y el buen hacer de Clancy Brown, (visto en papeles de secundario en películas como "Cadena perpetua (1994)" o "Huracan Carter (1999)" en su destacable e inquietante papel de villano, Victor Kruger. Como curiosidad del film, para dar mayor realismo en las escenas de combates de espada, los protagonistas principales tuvieron que sudar de lo lindo con las intensivas clases impartidas por expertos de la materia durante cerca de 6 meses.

Frase para recordar: "Sólo puede quedar uno".



Título original: Highlander.

Director:Russell Mulcahy.

Intérpretes:Christopher Lambert, Sean Connery, Clancy Brown, Roxanne Hart

Trailer: 

Información complementaria:
Sean Connery

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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EL NOMBRE DE LA ROSA (1986)

Suspense eclesiástico en manos del francés Jean-Jacques Annaud basada en la novela de Umberto Eco, que tras 15 revisiones del guión éste dio el visto bueno, una decisión acertada ya que con el paso de los años se ha convertido en una de las mejores adaptaciones que se han hecho para el séptimo arte. La historia nos contaba los extraños asesinatos de unos monjes en una abadía siendo el monje franciscano William of Baskerville (Sean Connery) y su discípulo Adso of Melk (Christian Slater) los encargados de esclarecer el motivo de esos crímenes y desenmascarar al asesino. Interesante coproducción dirigida por Annaud (después de un largo periodo sin dirigir una película, tras su exitosa aventura prehistórica en "En busca del fuego (1981)"), que sacó a un Sean Connery en horas bajas (en un principio no se contaba con él, hasta el punto que la productora del film, la Columbia, se negaba a financiar la película si elegían la opción del escocés en el papel protagonista teniéndose que plantear la contratación de actores de la talla de Robert DeNiro, Albert Finney, Richard Harris o Michael Caine, siendo este último, la predilección favorita del director), demostrando el actor con creces su valía interpretativa al ser uno de los elementos destacados del film, toda una lección de profesionalidad hacia aquellos que no confiaban en él. Destacar la elección del casting de actores secundarios donde se buscaron intérpretes de escasa belleza para plasmar la fealdad que describía la obra de Umberto Eco.

Frase para recordar:"Que pacífica sería la vida sin amor. Que segura. Que tranquila.Y que insulsa.".

Título original: Der Name der Rose.

Director: Jean-Jacques Annaud.

Intérpretes: Sean Connery, Christian Slater, F.Murray Abraham, Ron Pearlman.

Trailer:

Información complementaria:
Umberto Eco

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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