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En 1959, John Ford estrenaba Río Bravo, y solo un año después, John Sturges de la mano de la United Artist firmaba Los siete magníficos, remake USA de Los Siete Samuráis de Akira Kurosawa, a su vez un cineasta claramente influenciado por Ford. Estas cintas, junto a Los profesionales y Grupo salvaje, serian los últimos grandes emblemas del western clásico americano antes de la llegada del spaguetti western.
La historia de cómo se gesto Los siete magníficos es tan apasionante como la propia película. El primero en hacerse con los derechos del film fue un productor modesto; Lou Morheim, quien se anticipo a Yul Brynner, y por solo 250 $ adquirió los derechos del film para llevar a cabo una idea similar en EEUU. Brynner conoció el film por mediación de Anthony Quinn, y en una fase previa de producción era Quinn el asignado como protagonista, mientras que Brynner debutaría como director, devolviendo así la jugada de un largometraje anterior. Cuando Brynner se entero de que Morheim era quien tenía la opción para USA, le recompro los derechos a Morheim, y le prometió que figuraría como productor único, pero claro, eso no se firmo en papeles, luego, la cosa cambiaría cuando Brynner dio entrada a Walter Mirisch, productor freelance, habitualmente unido a la United Artist. Mirisch hizo que Brynner acabara cambiando de idea, dejara aquella locura de dirigir, y se postulara como el protagonista, por encima de Anthony Quinn. El primer director asignado fue Martin Ritt, pero a la vista de que el film avanzaba muy lentamente su fase de producción, y había una huelga a la vuelta de la esquina que podía pararlo todo indefinidamente, Ritt se desentendió del mismo, y así fue como entro en liza John Sturges, quien acabaría llevándose gran parte del merito y la fama. Sturges contrato rápidamente a dos jóvenes en ascenso; Steve McQueen y Charles Bronson, con quien ya había trabajado previamente. La entrada de McQueen no fue nada fácil, ya que para librarse de su contrato televisivo tuvo que fingir un accidente de coche, que luego relataría una novia suya de la época.
Sturges se alejo de la idea original de Los siete magníficos que quería hacer Ritt –sobre un grupo de ex-soldados de la guerra civil en la cuesta abajo de sus vidas- y centro la trama en algo más ligero, con un grupo de hombres liderados por una especie de vagabundo; Chris Chilsum (Brynner); es un tipo que no tiene nada limpio, salvo su revólver y su alma, dijo Brynner de su personaje. Acompañando a Brynner, además de los ya citados McQueen y Bronson; Robert Vaughn –recién nominado al Oscar- Brad Dexter, Horst Buchholz y James Coburn, quien entro en la cinta cuando; un dia se encontró en una tienda a Vaughn y le pregunto que andaba haciendo, este le dijo que acababa de firmar para el remake de Los siete samuráis, y que aún buscaban actores para completar el elenco, así, Coburn llamó a su agente, concertó una entrevista con Sturges, y al día siguiente el papel de Britt (el tipo de la navaja) era de él. Para el papel de villano, Sturges lo tenía claro, solo quería a un hombre, a Eli Wallach, un actor de teatro de Broadway, que luego acabaría siendo un mito del spaghetti western.
El groso mayor de la filmación tuvo lugar en Cuernavaca (México) y no fue nada fácil, puesto que los lugareños andaban a la gresca por como los habían retratado en Vera Cruz western precedente protagonizado por Gary Cooper, Burt Lancaster y Sara Montiel. Sturges tuvo que interceder, y concedió un buen número de papeles de reparto a actores mexicanos, además de puestos técnicos y del resto del crew. La producción tuvo que lidiar con un censor impuesto por el sindicato de Actores y Directores Mexicanos, que debía velar por la imagen del país en el cine. Incluso la premisa fue cambiada, en lugar de ir a contratar a unos pistoleros, los mexicanos campesinos fueron a comprar armas…Esa fue una imposición del censor, de la misma manera que los campesinos no debían salir con los ropajes sucios. En Los Siete magnificos los únicos que se ensucian son los pistoleros de Chilsum.
El 1 de Marzo, dio comienzo el rodaje, y ya desde el comienzo todos empezaron a recelar del trato de favor hacia Brynner; Tenia el caballo más grande, tenía el revólver más grande, y el favor de los encargados de las luces iba comentando a todo aquel que le quisiera escuchar Steve McQueen, como recuerda Robert Vaughn. McQueen a pesar de su juventud, se sabía unos cuantos buenos trucos de actor, y fue entonces cuando comenzó a boicotear los primeros planos de Brynner, moviendo la cabeza, cazando moscas ficticias, quitándose el sombrero, acariciando la cuerda de su sombrero…todo ello en segundo plano mientras Brynner delante no se daba cuenta de la jugada…Hasta que todo llegó a oídos de este;“Mira Steve, si sigues haciendo eso, entonces, cuando vengan tus escenas, yo solo tendré que quitarme el sombrero y nadie te prestara atención “en alusión a una de sus grandes marcas registradas, su cabeza rasurada, entonces, McQueen, lejos de rendirse recluto a James Coburn y Charles Bronson para su equipo, y fueron ellos los que tomaron su relevo. Solo hace falta ver el film para darse cuenta del boicot entre machos, del que Sturges salió ganando.
Uno de los aspectos más criticados de Los siete magníficos en su día, y que aún hoy pueden dar lugar a un irritante misterio es que ningún mexicano podía matar o disparar a matar a ninguno de los americanos, por eso nunca vemos las balas que alcanzan a los magníficos en el clímax final. A pesar de lo que se pueda pensar, el film no fue un éxito instantáneo, en USA, fue lanzada en primera instancia en puntos estratégicos, pero no funciono, tras una semana fue quitada de la cartelera, y la United Artist, temerosa de salir perdiendo lanzo la cinta primero en Europa de forma masiva, cuando fue un éxito europeo, entonces re-lanzaron en América, y ya entonces nadie puro pararles. Su resonancia fue legendaria, y acabo dando lugar a tres secuelas; El regreso de los siete magníficos, La furia de los siete magníficos y El desafío de los siete magníficos, incluso a una serie de televisión. Además de la aparición de Brynner en la segunda parte, el actor también llevó su personaje a Almas de metal(Westworld, 1973 Michael Crichton).
Los siete magníficos no es el mejor western de la historia, no es el más trascendente, ni el definitivo, pero siempre será uno de los más endiablados entretenimientos del género, con un reparto imponente, un guión perfectamente hilvanado y una banda sonora inolvidable.
Título original: The Magnificent Seven. Director: John Sturges. Intérpretes: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach, James Coburn, Horst Buchholz, Robert Vaughn.
En 1959, John Ford estrenaba Río Bravo, y solo un año después, John Sturges de la mano de la United Artist firmaba Los siete magníficos, remake USA de Los Siete Samuráis de Akira Kurosawa, a su vez un cineasta claramente influenciado por Ford. Estas cintas, junto a Los profesionales y Grupo salvaje, serian los últimos grandes emblemas del western clásico americano antes de la llegada del spaguetti western.
La historia de cómo se gesto Los siete magníficos es tan apasionante como la propia película. El primero en hacerse con los derechos del film fue un productor modesto; Lou Morheim, quien se anticipo a Yul Brynner, y por solo 250 $ adquirió los derechos del film para llevar a cabo una idea similar en EEUU. Brynner conoció el film por mediación de Anthony Quinn, y en una fase previa de producción era Quinn el asignado como protagonista, mientras que Brynner debutaría como director, devolviendo así la jugada de un largometraje anterior. Cuando Brynner se entero de que Morheim era quien tenía la opción para USA, le recompro los derechos a Morheim, y le prometió que figuraría como productor único, pero claro, eso no se firmo en papeles, luego, la cosa cambiaría cuando Brynner dio entrada a Walter Mirisch, productor freelance, habitualmente unido a la United Artist. Mirisch hizo que Brynner acabara cambiando de idea, dejara aquella locura de dirigir, y se postulara como el protagonista, por encima de Anthony Quinn. El primer director asignado fue Martin Ritt, pero a la vista de que el film avanzaba muy lentamente su fase de producción, y había una huelga a la vuelta de la esquina que podía pararlo todo indefinidamente, Ritt se desentendió del mismo, y así fue como entro en liza John Sturges, quien acabaría llevándose gran parte del merito y la fama. Sturges contrato rápidamente a dos jóvenes en ascenso; Steve McQueen y Charles Bronson, con quien ya había trabajado previamente. La entrada de McQueen no fue nada fácil, ya que para librarse de su contrato televisivo tuvo que fingir un accidente de coche, que luego relataría una novia suya de la época.
Sturges se alejo de la idea original de Los siete magníficos que quería hacer Ritt –sobre un grupo de ex-soldados de la guerra civil en la cuesta abajo de sus vidas- y centro la trama en algo más ligero, con un grupo de hombres liderados por una especie de vagabundo; Chris Chilsum (Brynner); es un tipo que no tiene nada limpio, salvo su revólver y su alma, dijo Brynner de su personaje. Acompañando a Brynner, además de los ya citados McQueen y Bronson; Robert Vaughn –recién nominado al Oscar- Brad Dexter, Horst Buchholz y James Coburn, quien entro en la cinta cuando; un dia se encontró en una tienda a Vaughn y le pregunto que andaba haciendo, este le dijo que acababa de firmar para el remake de Los siete samuráis, y que aún buscaban actores para completar el elenco, así, Coburn llamó a su agente, concertó una entrevista con Sturges, y al día siguiente el papel de Britt (el tipo de la navaja) era de él. Para el papel de villano, Sturges lo tenía claro, solo quería a un hombre, a Eli Wallach, un actor de teatro de Broadway, que luego acabaría siendo un mito del spaghetti western.
El groso mayor de la filmación tuvo lugar en Cuernavaca (México) y no fue nada fácil, puesto que los lugareños andaban a la gresca por como los habían retratado en Vera Cruz western precedente protagonizado por Gary Cooper, Burt Lancaster y Sara Montiel. Sturges tuvo que interceder, y concedió un buen número de papeles de reparto a actores mexicanos, además de puestos técnicos y del resto del crew. La producción tuvo que lidiar con un censor impuesto por el sindicato de Actores y Directores Mexicanos, que debía velar por la imagen del país en el cine. Incluso la premisa fue cambiada, en lugar de ir a contratar a unos pistoleros, los mexicanos campesinos fueron a comprar armas…Esa fue una imposición del censor, de la misma manera que los campesinos no debían salir con los ropajes sucios. En Los Siete magnificos los únicos que se ensucian son los pistoleros de Chilsum.
El 1 de Marzo, dio comienzo el rodaje, y ya desde el comienzo todos empezaron a recelar del trato de favor hacia Brynner; Tenia el caballo más grande, tenía el revólver más grande, y el favor de los encargados de las luces iba comentando a todo aquel que le quisiera escuchar Steve McQueen, como recuerda Robert Vaughn. McQueen a pesar de su juventud, se sabía unos cuantos buenos trucos de actor, y fue entonces cuando comenzó a boicotear los primeros planos de Brynner, moviendo la cabeza, cazando moscas ficticias, quitándose el sombrero, acariciando la cuerda de su sombrero…todo ello en segundo plano mientras Brynner delante no se daba cuenta de la jugada…Hasta que todo llegó a oídos de este;“Mira Steve, si sigues haciendo eso, entonces, cuando vengan tus escenas, yo solo tendré que quitarme el sombrero y nadie te prestara atención “en alusión a una de sus grandes marcas registradas, su cabeza rasurada, entonces, McQueen, lejos de rendirse recluto a James Coburn y Charles Bronson para su equipo, y fueron ellos los que tomaron su relevo. Solo hace falta ver el film para darse cuenta del boicot entre machos, del que Sturges salió ganando.
Uno de los aspectos más criticados de Los siete magníficos en su día, y que aún hoy pueden dar lugar a un irritante misterio es que ningún mexicano podía matar o disparar a matar a ninguno de los americanos, por eso nunca vemos las balas que alcanzan a los magníficos en el clímax final. A pesar de lo que se pueda pensar, el film no fue un éxito instantáneo, en USA, fue lanzada en primera instancia en puntos estratégicos, pero no funciono, tras una semana fue quitada de la cartelera, y la United Artist, temerosa de salir perdiendo lanzo la cinta primero en Europa de forma masiva, cuando fue un éxito europeo, entonces re-lanzaron en América, y ya entonces nadie puro pararles. Su resonancia fue legendaria, y acabo dando lugar a tres secuelas; El regreso de los siete magníficos, La furia de los siete magníficos y El desafío de los siete magníficos, incluso a una serie de televisión. Además de la aparición de Brynner en la segunda parte, el actor también llevó su personaje a Almas de metal(Westworld, 1973 Michael Crichton).
Los siete magníficos no es el mejor western de la historia, no es el más trascendente, ni el definitivo, pero siempre será uno de los más endiablados entretenimientos del género, con un reparto imponente, un guión perfectamente hilvanado y una banda sonora inolvidable.
Título original: The Magnificent Seven. Director: John Sturges. Intérpretes: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, Eli Wallach, James Coburn, Horst Buchholz, Robert Vaughn.
Steve McQueen venía de trabajar con Sam Peckinpah ese mismo año en "El rey del rodeo (1972)" y a diferencia de otros muchos actores que colaboraron con el magistral y a menudo polémico director, la experiencia fue satisfactoria para ambos. Sin embargo el gran éxito en taquilla de La Huida superó con creces al anterior trabajo de McQueen y Peckinpah, pasando a figurar como uno de los mas destacados trabajos en la filmografía del director entre otras muchas cosas por las grandes dosis de acción que atesora un film a medio camino entre el género de robos y atracos, el thriller,road movie y cuyo montaje mantiene un preciso y trepidante pulso narrativo.
El proyecto parte del productor David Foster, que anteriormente había sido publicista de McQueen y que adquirió los derechos de The Getaway, relato poco conocido del escritor Jim Thompson. En un principio se contactó con Peter Bogdanovich para dirigirla, pero al encontrarse ocupado en otro proyecto se le ofreció a Peckinpah que aceptó inmediatamente debido a la necesidad de un éxito de taquilla tras varios fracasos comerciales anteriores. 36 millones de dolares fue la recaudación solo en Estados Unidos, una producción con uno de los mejores beneficios en la carrera tanto de Peckinpah como de McQueen. Para el guión se propuso a un joven por entonces Walter Hill ya que en primera instancia Jim Thompson había entregado un libreto que no había dejado satisfecho para nada a McQueen. Al igual que en otros trabajos de Peckinpah los protagonistas no son para nada héroes modélicos sino personajes con grandes dilemas interiores y que se ven obligados a ejercer la violencia para sobrevivir.
El comienzo de la película nos muestra la fachada de la penitenciaria donde está recluido Doc McCoy (Steve McQueen) y en el exterior podemos observar como pastan en la hierba ciervos y ovejas. A su vez Peckinpah encadena esta secuencia con otra en la que deniegan la libertad condicional a McCoy y se ve obligado a continuar con los trabajos forzados que incluyen su condena. El contraste es evidente,los animales pastando en el exterior se intuyen como el gran anhelo de libertad que angustia a Doc, al que en todo momento vemos como su rutina en la prisión (¡rodeado de convictos reales!) le mantiene a punto de perder los nervios. En una visita de su esposa Carol (Ali MacGraw), Doc le encarga que vaya a hablar con un influyente y corrupto hombre de negocios Jack Benyon (Ben Johnson) para ponerle en libertad "al precio que él estime oportuno".
El encargo de Doc surte efecto después de la visita de su mujer a Jack Benyon y en la siguiente secuencia vemos a Carol y Doc paseando por un parque lleno de gente disfrutando de un soleado día e incluso bañándose en un río cercano.A través de estas líricas imágenes en principio alejadas del estilo Peckinpah, el director antes de entregarnos la gran dosis de acción y violencia que nos espera, narra la relación sentimental entre la pareja protagonista que después de cuatro años de cautiverio de Doc se halla en un punto lleno de dudas por parte de ambos.
El corrupto Jack Benyon les encarga a Doc y Carol el atraco a un banco pero han de aceptar las condiciones de Benyon y trabajar junto a dos colaboradores de dudosa moral Rudy (Al Lettieri) y Frank (Bo Hopkins). El atraco es todo un éxito pero varias personas resultan asesinadas en su transcurso, entre ellas un vigilante del banco y Frank, a manos de su propio compañero Rudy, el cual a través de este acto muestra su cruel naturaleza y la intención de arrebatarle el dinero robado a Doc y Carol. Pronto la pareja protagonista frustrarán sus planes y éste cae abatido por los disparos de Doc,pero Rudy al llevar un chaleco antibalas solo resulta herido y se dedicará a perseguir al matrimonio en su huida hacia la frontera de México.
Doc es un profesional leal y se dirige hacia la casa de Jack Benyon para entregarle su parte del botín, pero al llegar descubre que las intenciones del magnate son asesinarlo con la ayuda de su esposa. Carol en el último momento rectifica y mata de un disparo a Benyon,pero su acto no convence a Doc que no comprende como su mujer llegó a tal acuerdo con Benyon antes de sacarle de prisión y lo más importante sin haberle informado a él antes. Si la relación del matrimonio era difícil de antemano este hecho convierte su huida en un camino lleno de obstáculos no solo por parte de sus perseguidores y la policía, sino que también tendrán que lidiar con las dudas sobre seguir juntos o no.
Nos encontramos sin duda ante uno de los mejores trabajos de Peckinpah fuera del western, pero manteniendo el espíritu de estos a través de unos personajes muy comunes en su filmografía, reflejados sobre todo en los perseguidores de Doc, capitaneados por el hermano de Jack Benyon , Cully (Roy Jenson), ataviados todos con sombreros de cowboy durante la persecución de Doc y Carol. La acción se vuelve trepidante cuando el matrimonio logra huir de sus perseguidores en todo momento y de muy distintas maneras a pesar de sus problemas conyugales y tiene en el tiroteo final del hotel de El Paso su gran culminación; una maravillosa escena con disparos y muertes a cámara lenta made in Peckinpah, con su habitual uso de la violencia no exenta de poesía y que a día de hoy tiene continuación en firmas como la de Quentin Tarantino sin ir mas lejos.
Título original: The Getaway.
Director: Sam Peckinpah.
Intérpretes: Steve McQueen, Ali MacGraw, Ben Johnson, Sally Struthers, Al Lettieri, Slim Pickens.
Steve McQueen venía de trabajar con Sam Peckinpah ese mismo año en "El rey del rodeo (1972)" y a diferencia de otros muchos actores que colaboraron con el magistral y a menudo polémico director, la experiencia fue satisfactoria para ambos. Sin embargo el gran éxito en taquilla de La Huida superó con creces al anterior trabajo de McQueen y Peckinpah, pasando a figurar como uno de los mas destacados trabajos en la filmografía del director entre otras muchas cosas por las grandes dosis de acción que atesora un film a medio camino entre el género de robos y atracos, el thriller,road movie y cuyo montaje mantiene un preciso y trepidante pulso narrativo.
El proyecto parte del productor David Foster, que anteriormente había sido publicista de McQueen y que adquirió los derechos de The Getaway, relato poco conocido del escritor Jim Thompson. En un principio se contactó con Peter Bogdanovich para dirigirla, pero al encontrarse ocupado en otro proyecto se le ofreció a Peckinpah que aceptó inmediatamente debido a la necesidad de un éxito de taquilla tras varios fracasos comerciales anteriores. 36 millones de dolares fue la recaudación solo en Estados Unidos, una producción con uno de los mejores beneficios en la carrera tanto de Peckinpah como de McQueen. Para el guión se propuso a un joven por entonces Walter Hill ya que en primera instancia Jim Thompson había entregado un libreto que no había dejado satisfecho para nada a McQueen. Al igual que en otros trabajos de Peckinpah los protagonistas no son para nada héroes modélicos sino personajes con grandes dilemas interiores y que se ven obligados a ejercer la violencia para sobrevivir.
El comienzo de la película nos muestra la fachada de la penitenciaria donde está recluido Doc McCoy (Steve McQueen) y en el exterior podemos observar como pastan en la hierba ciervos y ovejas. A su vez Peckinpah encadena esta secuencia con otra en la que deniegan la libertad condicional a McCoy y se ve obligado a continuar con los trabajos forzados que incluyen su condena. El contraste es evidente,los animales pastando en el exterior se intuyen como el gran anhelo de libertad que angustia a Doc, al que en todo momento vemos como su rutina en la prisión (¡rodeado de convictos reales!) le mantiene a punto de perder los nervios. En una visita de su esposa Carol (Ali MacGraw), Doc le encarga que vaya a hablar con un influyente y corrupto hombre de negocios Jack Benyon (Ben Johnson) para ponerle en libertad "al precio que él estime oportuno".
El encargo de Doc surte efecto después de la visita de su mujer a Jack Benyon y en la siguiente secuencia vemos a Carol y Doc paseando por un parque lleno de gente disfrutando de un soleado día e incluso bañándose en un río cercano.A través de estas líricas imágenes en principio alejadas del estilo Peckinpah, el director antes de entregarnos la gran dosis de acción y violencia que nos espera, narra la relación sentimental entre la pareja protagonista que después de cuatro años de cautiverio de Doc se halla en un punto lleno de dudas por parte de ambos.
El corrupto Jack Benyon les encarga a Doc y Carol el atraco a un banco pero han de aceptar las condiciones de Benyon y trabajar junto a dos colaboradores de dudosa moral Rudy (Al Lettieri) y Frank (Bo Hopkins). El atraco es todo un éxito pero varias personas resultan asesinadas en su transcurso, entre ellas un vigilante del banco y Frank, a manos de su propio compañero Rudy, el cual a través de este acto muestra su cruel naturaleza y la intención de arrebatarle el dinero robado a Doc y Carol. Pronto la pareja protagonista frustrarán sus planes y éste cae abatido por los disparos de Doc,pero Rudy al llevar un chaleco antibalas solo resulta herido y se dedicará a perseguir al matrimonio en su huida hacia la frontera de México.
Doc es un profesional leal y se dirige hacia la casa de Jack Benyon para entregarle su parte del botín, pero al llegar descubre que las intenciones del magnate son asesinarlo con la ayuda de su esposa. Carol en el último momento rectifica y mata de un disparo a Benyon,pero su acto no convence a Doc que no comprende como su mujer llegó a tal acuerdo con Benyon antes de sacarle de prisión y lo más importante sin haberle informado a él antes. Si la relación del matrimonio era difícil de antemano este hecho convierte su huida en un camino lleno de obstáculos no solo por parte de sus perseguidores y la policía, sino que también tendrán que lidiar con las dudas sobre seguir juntos o no.
Nos encontramos sin duda ante uno de los mejores trabajos de Peckinpah fuera del western, pero manteniendo el espíritu de estos a través de unos personajes muy comunes en su filmografía, reflejados sobre todo en los perseguidores de Doc, capitaneados por el hermano de Jack Benyon , Cully (Roy Jenson), ataviados todos con sombreros de cowboy durante la persecución de Doc y Carol. La acción se vuelve trepidante cuando el matrimonio logra huir de sus perseguidores en todo momento y de muy distintas maneras a pesar de sus problemas conyugales y tiene en el tiroteo final del hotel de El Paso su gran culminación; una maravillosa escena con disparos y muertes a cámara lenta made in Peckinpah, con su habitual uso de la violencia no exenta de poesía y que a día de hoy tiene continuación en firmas como la de Quentin Tarantino sin ir mas lejos.
Título original: The Getaway.
Director: Sam Peckinpah.
Intérpretes: Steve McQueen, Ali MacGraw, Ben Johnson, Sally Struthers, Al Lettieri, Slim Pickens.
Película justamente anterior en
la filmografía de Steve McQueen a la magnífica "Bullitt (1968)" de Peter
Yates que aún perteneciendo también al género de intriga con grandes
dosis de acción, la firma de su director Norman Jewison está muy presente y
fusiona con gran inteligencia momentos más cercanos a la comedia romántica
dentro de un film que se encuadra sin ninguna duda dentro del género de
"robos y atracos" y en el que McQueen interpreta a otro de sus duros
personajes con encanto, ya sea a un lado u otro del margen de la ley.
Ya desde los títulos de crédito y
su original uso de la pantalla partida con imágenes cambiantes de paneles
móviles (recurso que se utilizará ampliamente a lo largo del metraje) muy en
boga en la época y popularizado por ejemplo por Brian de Palma en muchos de sus
primeros thrillers intuimos que pese a contar con todos los elementos para ser
un producto mainstream; acción y romanticismo a partes iguales debido a la
gran química entre Thomas Crown (Steve McQueen) y Vicki Anderson (Faye Dunaway) la
cinta va mucho mas allá y pese a su discreto éxito en su lanzamiento, con el
tiempo se ha convertido en un film de culto que cuenta con un remake de 1999
totalmente desconocido para mí, "El secreto de Thomas Crown (1999)"
protagonizado por Pierce Brosnan y Rene Russo. Como curiosidad comentar que el
papel protagonista también le fue ofrecido a Sean Connery que lo rechazó en un
primer momento para años después declarar que se arrepintió de su elección.
Thomas Crown es un empresario
millonario y deportista de alto nivel que sin embargo le aburre tanto su día a
día que decide orquestar el robo a un banco de Boston perpetrado por cuatro
hombres contratados por él pero que operan por separado sin conocerse entre
ellos. En el principio de la película vemos como un asustado Erwin Weaver (Jack
Weston) entra en la habitación de un hotel para acudir a una misteriosa cita
con un hombre que le ofrece cincuenta mil dólares solo por conducir durante un
atraco. Aunque en ningún momento vemos el rostro del misterioso hombre debido a
una luz cegadora y tampoco se le puede oír claramente ya que su voz está
filtrada a través de un sonido telefónico, se trata de Thomas Crown que ha
empleado el mismo método para contratar a todos sus ladrones. Desde la
entrevista inicial en el hotel solo se comunicará con ellos a través de
llamadas telefónicas, precauciones que como veremos mas adelante se revelan muy
eficaces para despistar a la policía y sobre todo a Vicki Anderson,el personaje
interpretado por Faye Dunaway como investigadora de una compañía de seguros,
que es quien realmente descubre la doble moral de Thomas Crown con su gran
intuición pero cometiendo el error de sentirse atraída hacia él.
Al igual que en Bullit podemos
ver a McQueen conduciendo coches a gran velocidad o volando un aeroplano, todo
ello sin necesidad de dobles, pero como ya he comentado la química surgida
entre él y Faye Dunaway también nos deja momentos memorables como la famosa
partida de ajedrez que juegan los protagonistas y en donde Vicki aprovecha la
ocasión para intentar seducir a Thomas Crown ya sea con sugerentes miradas o
enseñándole parte de su anatomía. Posiblemente sea el mejor momento de la
película resuelto con maestría por Norman Jewison con profusión de planos
variados; primerísimos, cenitales, pícados o planos detalle de las piezas de
ajedrez y las manos de los personajes donde la gran banda sonora de Michael
Legrand juega un papel clave con una envolvente y elegante música de jazz, no en
vano,el tema principal de la película "Windmills of Your Mind" fue
premiada con el Oscar.
Muy lograda también la escena del
robo al banco en pleno ajetreo diurno, con una ejecución impecable y casi sin
violencia los ladrones consiguen burlar la férrea seguridad del recinto
poniendo muy difícil a la policía seguir su pista y donde el uso de la pantalla
partida ofrece gran dinamismo a la secuencia. Al igual que el Teniente Bullitt o
el Doc McCoy de "La huida (1972)" de Sam Peckinpah, el Thomas Crown de
McQueen posee una mente privilegiada y un temperamento frío y calculador que
sin embargo resulta muy atractivo para sus amantes, siendo aquí quizás el punto
más débil del film de Norman Jewison respecto a su minuciosa factura técnica y
fotografía ya que es en su guión donde mas vacíos encontramos al no estar muy
bien definida su relación con Vicki, sin quedarnos muy claro si se sienten
atraídos o están en continúa persecución.
Título original: The Thomas Crown Affair.
Director: Norman
Jewison.
Intérpretes: Steve
McQueen, Faye
Dunaway, Paul
Burke, Jack
Weston, Yaphet
Kotto, Todd
Martin, Biff
McGuire.
Película justamente anterior en
la filmografía de Steve McQueen a la magnífica "Bullitt (1968)" de Peter
Yates que aún perteneciendo también al género de intriga con grandes
dosis de acción, la firma de su director Norman Jewison está muy presente y
fusiona con gran inteligencia momentos más cercanos a la comedia romántica
dentro de un film que se encuadra sin ninguna duda dentro del género de
"robos y atracos" y en el que McQueen interpreta a otro de sus duros
personajes con encanto, ya sea a un lado u otro del margen de la ley.
Ya desde los títulos de crédito y
su original uso de la pantalla partida con imágenes cambiantes de paneles
móviles (recurso que se utilizará ampliamente a lo largo del metraje) muy en
boga en la época y popularizado por ejemplo por Brian de Palma en muchos de sus
primeros thrillers intuimos que pese a contar con todos los elementos para ser
un producto mainstream; acción y romanticismo a partes iguales debido a la
gran química entre Thomas Crown (Steve McQueen) y Vicki Anderson (Faye Dunaway) la
cinta va mucho mas allá y pese a su discreto éxito en su lanzamiento, con el
tiempo se ha convertido en un film de culto que cuenta con un remake de 1999
totalmente desconocido para mí, "El secreto de Thomas Crown (1999)"
protagonizado por Pierce Brosnan y Rene Russo. Como curiosidad comentar que el
papel protagonista también le fue ofrecido a Sean Connery que lo rechazó en un
primer momento para años después declarar que se arrepintió de su elección.
Thomas Crown es un empresario
millonario y deportista de alto nivel que sin embargo le aburre tanto su día a
día que decide orquestar el robo a un banco de Boston perpetrado por cuatro
hombres contratados por él pero que operan por separado sin conocerse entre
ellos. En el principio de la película vemos como un asustado Erwin Weaver (Jack
Weston) entra en la habitación de un hotel para acudir a una misteriosa cita
con un hombre que le ofrece cincuenta mil dólares solo por conducir durante un
atraco. Aunque en ningún momento vemos el rostro del misterioso hombre debido a
una luz cegadora y tampoco se le puede oír claramente ya que su voz está
filtrada a través de un sonido telefónico, se trata de Thomas Crown que ha
empleado el mismo método para contratar a todos sus ladrones. Desde la
entrevista inicial en el hotel solo se comunicará con ellos a través de
llamadas telefónicas, precauciones que como veremos mas adelante se revelan muy
eficaces para despistar a la policía y sobre todo a Vicki Anderson,el personaje
interpretado por Faye Dunaway como investigadora de una compañía de seguros,
que es quien realmente descubre la doble moral de Thomas Crown con su gran
intuición pero cometiendo el error de sentirse atraída hacia él.
Al igual que en Bullit podemos
ver a McQueen conduciendo coches a gran velocidad o volando un aeroplano, todo
ello sin necesidad de dobles, pero como ya he comentado la química surgida
entre él y Faye Dunaway también nos deja momentos memorables como la famosa
partida de ajedrez que juegan los protagonistas y en donde Vicki aprovecha la
ocasión para intentar seducir a Thomas Crown ya sea con sugerentes miradas o
enseñándole parte de su anatomía. Posiblemente sea el mejor momento de la
película resuelto con maestría por Norman Jewison con profusión de planos
variados; primerísimos, cenitales, pícados o planos detalle de las piezas de
ajedrez y las manos de los personajes donde la gran banda sonora de Michael
Legrand juega un papel clave con una envolvente y elegante música de jazz, no en
vano,el tema principal de la película "Windmills of Your Mind" fue
premiada con el Oscar.
Muy lograda también la escena del
robo al banco en pleno ajetreo diurno, con una ejecución impecable y casi sin
violencia los ladrones consiguen burlar la férrea seguridad del recinto
poniendo muy difícil a la policía seguir su pista y donde el uso de la pantalla
partida ofrece gran dinamismo a la secuencia. Al igual que el Teniente Bullitt o
el Doc McCoy de "La huida (1972)" de Sam Peckinpah, el Thomas Crown de
McQueen posee una mente privilegiada y un temperamento frío y calculador que
sin embargo resulta muy atractivo para sus amantes, siendo aquí quizás el punto
más débil del film de Norman Jewison respecto a su minuciosa factura técnica y
fotografía ya que es en su guión donde mas vacíos encontramos al no estar muy
bien definida su relación con Vicki, sin quedarnos muy claro si se sienten
atraídos o están en continúa persecución.
Título original: The Thomas Crown Affair.
Director: Norman
Jewison.
Intérpretes: Steve
McQueen, Faye
Dunaway, Paul
Burke, Jack
Weston, Yaphet
Kotto, Todd
Martin, Biff
McGuire.
Durante la fiebre del oro en
California, tres desalmados asesinan salvajemente a los padres del joven Max
Sand, un inocente muchacho hijo de madre india y padre blanco. Éste se lanza en
persecución de los asesinos siguiéndo las pistas que van dejando. En su
búsqueda, un día se encuentra con un fabricante de armas que intenta disuadirle
de su venganza. Pero para Max, lograr atrapar a los asesinos de sus padres es
mucho más importante y prosigue su búsqueda convertido en un pistolero
solitario que se hace llamar Nevada Smith, ciego por el odio y cuyo único
motivo para seguir vivo es el ansia de venganza. Versión en clave western de la
novela Los Insaciables (The Carpetbaggers) de Harold Robbins llevada solo dos
años antes a la pantalla con este mismo titulo por Edward Dmytrick en un
fastuoso melodrama con George Peppard, Alan Ladd (en su ultimo papel) y Carroll
Baker en los principales caracteres, una película esta que cosecharía un
grandioso éxito de taquilla y de critica. "Nevada Smith" dirigida
por Henry Hathaway un fantástico director mal llamado artesano, con un montón
de buenos films en su haber y apenas ninguno malo, nos muestra un mundo en
sutil transformación, en crepúsculo, una road-movie de aprendizaje interior y
exterior físico, agreste, de corte y confección clásicos, y que constituye todo
un tratado sobre la dignidad humana, también sobre el odio y sobre la maldad
que podemos llevar dentro de nosotros.
Un western muy vigoroso pero
profundamente amargo y furioso donde el camino de venganza del protagonista
hará que se transforme en este viaje iniciático ganando algunas cosas por el
camino y sobretodo perdiendo otras, convirtiéndolo en alguien muy diferente al
que inició esa implacable búsqueda. La película se sustenta en un
reparto de campanillas con Steve McQueen como Max Sand aka"Nevada
Smith" y con Karl Malden, Arthur Kennedy y Martin Landau como los tres
viles asesinos que perseguirá hasta la extenuación y de Brian Keith como el
hombre que bajo su tutela le enseñara el uso de las armas, amen de la siempre
bellísima Suzanne Pleshette y el siempre efectivo Raf Vallone. Hathaway se rodea en el aspecto
técnico de un fotógrafo de primera como es Lucien Ballard que saca un partido
asombroso de los espacios naturales donde transcurre el film muy variados todos
ellos, de hecho uno diferente para cada ajusticiamiento, una brillante música
de Alfred Newman y un aplicado guión de John Michael Hayes. Un film recomendable para los
amantes del western clásico en la línea de otros que dirigió Hathaway que sin
ser obras maestras son muestras excelentes del genero con una personalidad
propia, títulos como "Los cuatro hijos de Katie Elder (1965)", "Del infierno a Texas (1958)", "El jardín del diablo (1954)" o quizás su western
mas reconocido y reconocible "Valor de ley (1969)", son obras que dan lustre
y llenan con maestría las paginas de la historia del genero.
Director: Henry
Hathaway.
Intérpretes: Steve
McQueen, Karl
Malden, Brian
Keith, Arthur
Kennedy, Suzanne
Pleshette, Raf
Vallone, Pat
Hingle.
Durante la fiebre del oro en
California, tres desalmados asesinan salvajemente a los padres del joven Max
Sand, un inocente muchacho hijo de madre india y padre blanco. Éste se lanza en
persecución de los asesinos siguiéndo las pistas que van dejando. En su
búsqueda, un día se encuentra con un fabricante de armas que intenta disuadirle
de su venganza. Pero para Max, lograr atrapar a los asesinos de sus padres es
mucho más importante y prosigue su búsqueda convertido en un pistolero
solitario que se hace llamar Nevada Smith, ciego por el odio y cuyo único
motivo para seguir vivo es el ansia de venganza. Versión en clave western de la
novela Los Insaciables (The Carpetbaggers) de Harold Robbins llevada solo dos
años antes a la pantalla con este mismo titulo por Edward Dmytrick en un
fastuoso melodrama con George Peppard, Alan Ladd (en su ultimo papel) y Carroll
Baker en los principales caracteres, una película esta que cosecharía un
grandioso éxito de taquilla y de critica. "Nevada Smith" dirigida
por Henry Hathaway un fantástico director mal llamado artesano, con un montón
de buenos films en su haber y apenas ninguno malo, nos muestra un mundo en
sutil transformación, en crepúsculo, una road-movie de aprendizaje interior y
exterior físico, agreste, de corte y confección clásicos, y que constituye todo
un tratado sobre la dignidad humana, también sobre el odio y sobre la maldad
que podemos llevar dentro de nosotros.
Un western muy vigoroso pero
profundamente amargo y furioso donde el camino de venganza del protagonista
hará que se transforme en este viaje iniciático ganando algunas cosas por el
camino y sobretodo perdiendo otras, convirtiéndolo en alguien muy diferente al
que inició esa implacable búsqueda. La película se sustenta en un
reparto de campanillas con Steve McQueen como Max Sand aka"Nevada
Smith" y con Karl Malden, Arthur Kennedy y Martin Landau como los tres
viles asesinos que perseguirá hasta la extenuación y de Brian Keith como el
hombre que bajo su tutela le enseñara el uso de las armas, amen de la siempre
bellísima Suzanne Pleshette y el siempre efectivo Raf Vallone. Hathaway se rodea en el aspecto
técnico de un fotógrafo de primera como es Lucien Ballard que saca un partido
asombroso de los espacios naturales donde transcurre el film muy variados todos
ellos, de hecho uno diferente para cada ajusticiamiento, una brillante música
de Alfred Newman y un aplicado guión de John Michael Hayes. Un film recomendable para los
amantes del western clásico en la línea de otros que dirigió Hathaway que sin
ser obras maestras son muestras excelentes del genero con una personalidad
propia, títulos como "Los cuatro hijos de Katie Elder (1965)", "Del infierno a Texas (1958)", "El jardín del diablo (1954)" o quizás su western
mas reconocido y reconocible "Valor de ley (1969)", son obras que dan lustre
y llenan con maestría las paginas de la historia del genero.
Director: Henry
Hathaway.
Intérpretes: Steve
McQueen, Karl
Malden, Brian
Keith, Arthur
Kennedy, Suzanne
Pleshette, Raf
Vallone, Pat
Hingle.
Centrada en la los últimos días
de la vida de Bobbry Sands, (Michael Fassbender), encerrado en "Maze Prison",
una cárcel de máxima seguridad de Irlanda del Norte, nos cuenta los sucesos que
vivieron varios presos del IRA encarcelados en 1981. Las inhumanas condiciones
a las que fueron sometidos estos presos bajo el Gobierno Thatcher y la falta de
cumplimiento de los acuerdos para alcanzar el Status de presos políticos
condujeron hacia la huelga de hambre por dichos presos. Algunos de ellos
murieron, entre ellos nuestro protagonista. Un película realmente cruda, directa,
hiriente, impactante y espeluznante, de un realismo fotográfico preciso que con
gran sabiduría es alternado con un lirismo estético. Un ejercicio de cine
impresionante donde el mosaico de imágenes es magistralmente conducido por un
espléndido montaje, capaz de alternar el zoom, los primeros planos de partes
del cuerpo y los planos amplios: geométricos, claustrofóbicos. Especial mención
para el plano- secuencia estático único y central en la cinta, donde Bobby Sans
(Fassbender) hace su declaración de intenciones frente al clérigo (Liam
Cunningham). La gran triada sobre la que se sustenta la película es el
mencionado montaje, su preciosista fotografía de la mano de Sean Bobbitt y la
colosal actuación de Fassbender con su progresivo adelgazamiento y deterioro
físico. Una cinta que consigue transmitir su mensaje de denuncia mediante la
transmisión de sensaciones. Poco queda reservado para los discursos, tan sólo
la gran escena rodada en plano fijo de unos 23 minutos donde Bobby explica sus
principios y el por qué de sus actos frente al
clérigo. No hay lugar para
discursos infértiles, nuestro protagonista no es hombre de palabras
vacías, sino de hechos y como tales son narrados visualmente.
La trama del film está
constituida por tres bloques o etapas:
La primera etapa ilustra el día a
día de la conflictiva coexistencia de guardas y reclusos en la prisión de Maze
(también conocida como Long Kesh). Nunca
unas imágenes me habían producido estas sensaciones tan desagradables, y nunca
antes había sido capaz de visualizar tanta violencia en una pantalla de cine.
No es una violencia de sangre y sesos esparcidos. Se trata de una violencia
cruda y primitiva, con crueldad
ilimitada. Es aquí donde se nos describe
la vida del guardia de prisiones Raymond Lohan (Stuart Graham) y los presos
republicanos Davey Gillen (Brian Milligan) y Gerry Campbell (Liam McMahon),
condenados a seis y doce años, respectivamente. La primera aparición en pantalla del personaje
principal de la trama, Bobby Sands (Michael Fassbender), enlaza con la segunda
parte o segundo acto, partiendo de la espeluznante escena donde un cuerpo
especial antidisturbios somete a los presos a un brutal y vejatorio control de
seguridad, para, posteriormente, asearlos mediante el uso de la fuerza. La segunda etapa se corresponde con una
intensa escena de veintitrés minutos (diecisiete y medio de ellos en un único
plano- secuencia), que he mencionado anteriormente, en la que Bobby Sands y el
Padre Dominic Moran (Liam Cunningham) discuten acerca de la decisión del
primero de iniciar una nueva huelga de hambre en prisión. La parte final o
tercer acto describe en imágenes la paulatina e inclemente demacración del
cuerpo de Sands hasta su inexorable muerte, en lo que el periodista Dave
Calhoun ha acertado en llamar “an expressionist portrait of dying” (un retrato
expresionista de la muerte). Con las
largas secuencias y un montaje pausado, sereno, poético, con predominio de
silencios de todo tipo, alternados por repentinos brotes de violencia
atronadora, Steve Mac Queen consigue una de las cintas más desgarradoras,
impactantes y crudas de la historia del cine.
Director: Steve McQueen.
Intérpretes: Michael
Fassbender, Liam
Cunningham, Liam
McMahon, Lalor
Roddy, Stuart
Graham, Brian
Milligan.
Centrada en la los últimos días
de la vida de Bobbry Sands, (Michael Fassbender), encerrado en "Maze Prison",
una cárcel de máxima seguridad de Irlanda del Norte, nos cuenta los sucesos que
vivieron varios presos del IRA encarcelados en 1981. Las inhumanas condiciones
a las que fueron sometidos estos presos bajo el Gobierno Thatcher y la falta de
cumplimiento de los acuerdos para alcanzar el Status de presos políticos
condujeron hacia la huelga de hambre por dichos presos. Algunos de ellos
murieron, entre ellos nuestro protagonista. Un película realmente cruda, directa,
hiriente, impactante y espeluznante, de un realismo fotográfico preciso que con
gran sabiduría es alternado con un lirismo estético. Un ejercicio de cine
impresionante donde el mosaico de imágenes es magistralmente conducido por un
espléndido montaje, capaz de alternar el zoom, los primeros planos de partes
del cuerpo y los planos amplios: geométricos, claustrofóbicos. Especial mención
para el plano- secuencia estático único y central en la cinta, donde Bobby Sans
(Fassbender) hace su declaración de intenciones frente al clérigo (Liam
Cunningham). La gran triada sobre la que se sustenta la película es el
mencionado montaje, su preciosista fotografía de la mano de Sean Bobbitt y la
colosal actuación de Fassbender con su progresivo adelgazamiento y deterioro
físico. Una cinta que consigue transmitir su mensaje de denuncia mediante la
transmisión de sensaciones. Poco queda reservado para los discursos, tan sólo
la gran escena rodada en plano fijo de unos 23 minutos donde Bobby explica sus
principios y el por qué de sus actos frente al
clérigo. No hay lugar para
discursos infértiles, nuestro protagonista no es hombre de palabras
vacías, sino de hechos y como tales son narrados visualmente.
La trama del film está
constituida por tres bloques o etapas:
La primera etapa ilustra el día a
día de la conflictiva coexistencia de guardas y reclusos en la prisión de Maze
(también conocida como Long Kesh). Nunca
unas imágenes me habían producido estas sensaciones tan desagradables, y nunca
antes había sido capaz de visualizar tanta violencia en una pantalla de cine.
No es una violencia de sangre y sesos esparcidos. Se trata de una violencia
cruda y primitiva, con crueldad
ilimitada. Es aquí donde se nos describe
la vida del guardia de prisiones Raymond Lohan (Stuart Graham) y los presos
republicanos Davey Gillen (Brian Milligan) y Gerry Campbell (Liam McMahon),
condenados a seis y doce años, respectivamente. La primera aparición en pantalla del personaje
principal de la trama, Bobby Sands (Michael Fassbender), enlaza con la segunda
parte o segundo acto, partiendo de la espeluznante escena donde un cuerpo
especial antidisturbios somete a los presos a un brutal y vejatorio control de
seguridad, para, posteriormente, asearlos mediante el uso de la fuerza. La segunda etapa se corresponde con una
intensa escena de veintitrés minutos (diecisiete y medio de ellos en un único
plano- secuencia), que he mencionado anteriormente, en la que Bobby Sands y el
Padre Dominic Moran (Liam Cunningham) discuten acerca de la decisión del
primero de iniciar una nueva huelga de hambre en prisión. La parte final o
tercer acto describe en imágenes la paulatina e inclemente demacración del
cuerpo de Sands hasta su inexorable muerte, en lo que el periodista Dave
Calhoun ha acertado en llamar “an expressionist portrait of dying” (un retrato
expresionista de la muerte). Con las
largas secuencias y un montaje pausado, sereno, poético, con predominio de
silencios de todo tipo, alternados por repentinos brotes de violencia
atronadora, Steve Mac Queen consigue una de las cintas más desgarradoras,
impactantes y crudas de la historia del cine.
Director: Steve McQueen.
Intérpretes: Michael
Fassbender, Liam
Cunningham, Liam
McMahon, Lalor
Roddy, Stuart
Graham, Brian
Milligan.
Al
leer en multitud de artículos de periódicos, suplementos y revistas los
beneficios innegables tanto físicos como mentales que aporta el tener una vida
sexual activa en pareja, a el que escribe le da que pensar... En pocas
ocasiones se tiene en cuenta la vida sexual en solitario, posiblemente por la
vergüenza ajena y confusión (en inglés Shame) que se tiene en general
socialmente sobre la vida sexual de alguien soltero/a si es que no se le conoce
pareja alguna. Además vivimos sometidos a continuos reflujos mediáticos ya sea
en la t.v, publicidad y cualquier medio informativo con un avasallamiento
propenso a desmitificar el tabú del sexo a través de una propaganda repleta de
lubricantes, métodos anticonceptivos, anuncios para asistir a especialistas si
se tiene dusfunción eréctil y la cantidad de conversaciones sobre las "famosas
pastillas azules" para alargar la actividad sexual sin que se dañe la
autoestima de nadie, junto a otros temas referidos al íntimo acto del sexo (una
normalización en toda regla del erotismo en general), escandaloso para unos,
cotidiano para otros (no entraré en este debate). De lo que sí hablaré es que
en la mayoría de las ocasiones en las que se habla abiertamente sobre sexo son
contadas con cuentagotas en las que se aborda el tema de la sensibilidad
personal, de la delicadeza y de las relaciones personales de pareja basadas en
el auténtico amor. En la película del director Steve McQueen (no confundir con
el actor de "Bullit (1968)"), un apuesto hombre de negocios Michael Fassbender (Brandon)
es un soltero de oro que aparenta tener una vida sexual "sana" con abundantes y
variadas relaciones sexuales sin plantearse ningún apego emocional (actitud
aprobada mayoritariamente hoy día por toda la sociedad tanto masculina como
femenina).
Lo que en un principio puede considerarse trivial y bien considerado
se torna en una espiral de pornografía, masturbación y obsesión onanista que
convierten a Brandon en algo completamente diferente en su intimidad a lo que
en realidad podía pensarse de él. Y es que aunque parezca un hombre de éxito al
que no le cuesta ningún esfuerzo cortejar a mujeres bellas con su encanto
basado en miradas, sonrisas y frases cortas, lo que en realidad hay debajo de
la belleza de su perfil masculino de Dioniso es una depravación enfermiza
sexual que le atormenta. El personaje de Fassbender revela una gangrena
fálica de insensibilidad emocional que acaba extendiéndose a su psicología y
que le hacen parecer más a un aparato electrodoméstico que a un hombre.
Mientras Brandon está enchufado (manteniendo sexo) se comporta como un vibrador
que una vez desconectado queda inútil y sin ninguna función como ser humano,
siendo incapaz de comunicar cualquier tipo de sentimiento.
Fassbender tiene
un resgistro interpretativo capaz de llegar a la angustia, a la ansiedad y al
desasosiego en su personaje que le transmutan en un ser obsesivo y depravado
con comportamientos sexuales que le sumen en un pozo vacío y que le hacen
buscar cual drogadicto un alivio sexual momentáneo que calme su síndrome de
abstinecia libidinoso. La tragedia y la incomunicación colocarán a Brandon en
una encrucijada para intentar sobrellevar sus obsesiones de perversión junto a
la carga emocional a la que le somete su hermana (Carey Mulligan), que le insta
a que le muestre más amor fraternal. De la película de McQueen se traduce una
vampirización de un hombre de negocios (solitario onanista) incapaz de entablar
ningún apego emocional que no sea a través de su falo, con las consecuencias de
afección psicológica y obsesiva que le llevan por oscuros comportamientos de
voyeur y perturbados actos sexuales varios, que tiene que cagar también con la
responsabilidad afectiva de su hermana. Al final él decide su camino después de
el terrible acto de su hermana que no desvelaré aquí y que le sirve para
reflexionar: Continuar con la orgía inestable de su intimidad libre de
prejuicios o afianzarse personalmente con una actitud sexual abierta, pero que
no acabe con su estabilidad emocional, o quizá emparejarse con alguien...La
película queda abierta con libre transcripción.
Director: Steve McQueen.
Intérpretes: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Jake Richard Siciliano, Hannah Ware, Alex Manette.
Al
leer en multitud de artículos de periódicos, suplementos y revistas los
beneficios innegables tanto físicos como mentales que aporta el tener una vida
sexual activa en pareja, a el que escribe le da que pensar... En pocas
ocasiones se tiene en cuenta la vida sexual en solitario, posiblemente por la
vergüenza ajena y confusión (en inglés Shame) que se tiene en general
socialmente sobre la vida sexual de alguien soltero/a si es que no se le conoce
pareja alguna. Además vivimos sometidos a continuos reflujos mediáticos ya sea
en la t.v, publicidad y cualquier medio informativo con un avasallamiento
propenso a desmitificar el tabú del sexo a través de una propaganda repleta de
lubricantes, métodos anticonceptivos, anuncios para asistir a especialistas si
se tiene dusfunción eréctil y la cantidad de conversaciones sobre las "famosas
pastillas azules" para alargar la actividad sexual sin que se dañe la
autoestima de nadie, junto a otros temas referidos al íntimo acto del sexo (una
normalización en toda regla del erotismo en general), escandaloso para unos,
cotidiano para otros (no entraré en este debate). De lo que sí hablaré es que
en la mayoría de las ocasiones en las que se habla abiertamente sobre sexo son
contadas con cuentagotas en las que se aborda el tema de la sensibilidad
personal, de la delicadeza y de las relaciones personales de pareja basadas en
el auténtico amor. En la película del director Steve McQueen (no confundir con
el actor de "Bullit (1968)"), un apuesto hombre de negocios Michael Fassbender (Brandon)
es un soltero de oro que aparenta tener una vida sexual "sana" con abundantes y
variadas relaciones sexuales sin plantearse ningún apego emocional (actitud
aprobada mayoritariamente hoy día por toda la sociedad tanto masculina como
femenina).
Lo que en un principio puede considerarse trivial y bien considerado
se torna en una espiral de pornografía, masturbación y obsesión onanista que
convierten a Brandon en algo completamente diferente en su intimidad a lo que
en realidad podía pensarse de él. Y es que aunque parezca un hombre de éxito al
que no le cuesta ningún esfuerzo cortejar a mujeres bellas con su encanto
basado en miradas, sonrisas y frases cortas, lo que en realidad hay debajo de
la belleza de su perfil masculino de Dioniso es una depravación enfermiza
sexual que le atormenta. El personaje de Fassbender revela una gangrena
fálica de insensibilidad emocional que acaba extendiéndose a su psicología y
que le hacen parecer más a un aparato electrodoméstico que a un hombre.
Mientras Brandon está enchufado (manteniendo sexo) se comporta como un vibrador
que una vez desconectado queda inútil y sin ninguna función como ser humano,
siendo incapaz de comunicar cualquier tipo de sentimiento.
Fassbender tiene
un resgistro interpretativo capaz de llegar a la angustia, a la ansiedad y al
desasosiego en su personaje que le transmutan en un ser obsesivo y depravado
con comportamientos sexuales que le sumen en un pozo vacío y que le hacen
buscar cual drogadicto un alivio sexual momentáneo que calme su síndrome de
abstinecia libidinoso. La tragedia y la incomunicación colocarán a Brandon en
una encrucijada para intentar sobrellevar sus obsesiones de perversión junto a
la carga emocional a la que le somete su hermana (Carey Mulligan), que le insta
a que le muestre más amor fraternal. De la película de McQueen se traduce una
vampirización de un hombre de negocios (solitario onanista) incapaz de entablar
ningún apego emocional que no sea a través de su falo, con las consecuencias de
afección psicológica y obsesiva que le llevan por oscuros comportamientos de
voyeur y perturbados actos sexuales varios, que tiene que cagar también con la
responsabilidad afectiva de su hermana. Al final él decide su camino después de
el terrible acto de su hermana que no desvelaré aquí y que le sirve para
reflexionar: Continuar con la orgía inestable de su intimidad libre de
prejuicios o afianzarse personalmente con una actitud sexual abierta, pero que
no acabe con su estabilidad emocional, o quizá emparejarse con alguien...La
película queda abierta con libre transcripción.
Director: Steve McQueen.
Intérpretes: Michael Fassbender, Carey Mulligan, James Badge Dale, Nicole Beharie, Jake Richard Siciliano, Hannah Ware, Alex Manette.
La década de los años 70 será recordada, entre otras cosas, por ser la etapa de mayor repercusión del denominado género cinematográfico "cine de catástrofes", gracias a películas como "Aeropuerto (1970)", "La aventura del Poseidón" (1972)" o "Terremoto (1974)" de Mark Robson, todas éstas se trataban de grandes superproducciones norteamericanas hechas principalmente para ganarse la simpatía del público a base de unos espectaculares efectos especiales y sonoros que prevalecían sobre la trama en sí y por contar con un grupo importante de estrellas y actores de renombre cuyos personajes iban a sufrir más de una desgracia y calamidad durante el transcurso de la película. En esta ocasión me centraré en "El coloso en llamas (1974)", una película producida conjuntamente (y primera vez que ocurría este hecho) por dos de grandes productoras hollywoodenses, la Warner Bros y la Twenty Century Fox, y que iba a ser co-dirigida por el irregularJohn Guillermin(realizador de la interesante "Muerte en el Nilo (1978)" pero del flojo remake "King Kong (1976)" y su posterior y sonrojante secuela titulada "King Kong 2 (1986)") e Irwin Allen (también conocido como el "maestro del desastre", sobrenombre puesto debido a que produjo una buena cantidad películas televisivas de este género ("Inundación (1976)" y "Fire! (1977)", entre otras) y por la realización de otras películas catastrofistas como fueron "El enjambre (1978)" y "Más allá del Poseidón (1979)"), éste último encargado específicamente en el desarrollo de las escenas de acción. La historia, basada en las novelas "The Tower" de Richard Martin Stern y "The Glass Inferno" de Frank M. Robinson y Thomas N. Scortia (y éstas a su vez inspiradas en el terrible incendio ocurrido en 1972 en San Paulo donde se quemó el "Andraus", un edificio de grandes dimensiones), iba a girar en torno a un mastodóntico rascacielos ("La torre de cristal") de 138 plantas y como un grupo de personas trata de salir de él al producirse un peligroso incendio a causa de un fallo del sistema eléctrico.
Entre el atractivo reparto de actores nos encontraríamos con Paul Newman ("Veredicto final (1982)") como Doug Roberts, el arquitecto que construiría el gigantesco edificio y a Steve McQueen ("Los siete magníficos (1960)") en la piel del jefe de bomberos Mike O´Hallorhan, ambos encarnarían a los héroes de la acción repartiéndose los momentos más peligrosos y tensos del film. Otros nombres a destacar entre la infinidad de caras conocidas que nos regala el film, William Holden ("El crepúsculo de los dioses (1950)") en el papel del promotor del rascacielos (Jim Duncan), Richard Chamberlain ("El pájaro espino") como Simmons, el desastroso e icompetente yerno de éste, Faye Dunaway ("Chinatown (1974)") interpretando a Susan Frankly, la pareja de Doug Roberts y Fred Astaire ("Sombrero de copa (1935)") representando al entrañable timador Harlee Claiborne, un personaje que le iba a dar su única nominación a los Óscar de toda su carrera cinematográfica (sin contar su Óscar honorífico otorgado en el año 1949).
Entre sus escenas hago mención la secuencia donde Doug con una niña agarrada a su espalda intenta bajar por un hierro con peligro de caerse al vacío o el momento del helicóptero que trata de bajar a un grupo de personas atrapadas en un ascensor mientras un valeroso O´Hallorhan sujeta por un brazo a uno de sus compañeros de profesión. Como curiosidad, ante la rivalidad de Paul Newman y Steve McQueen por conseguir mayor protagonismo dentro del film se tuvo que repartir el mismo número de lineas en sus diálogos para evitar malos rollos entre ellos.
Frase para recordar: "Solo puedo pedirle a Dios que me ayude a impedir que esto vuelva a suceder".
Título original: The towering inferno.
Directores: John Guillermin e Irwin Allen.
Interpretes: Paul Newman, Steve McQueen, Faye Duneway, William Holden.
La década de los años 70 será recordada, entre otras cosas, por ser la etapa de mayor repercusión del denominado género cinematográfico "cine de catástrofes", gracias a películas como "Aeropuerto (1970)", "La aventura del Poseidón" (1972)" o "Terremoto (1974)" de Mark Robson, todas éstas se trataban de grandes superproducciones norteamericanas hechas principalmente para ganarse la simpatía del público a base de unos espectaculares efectos especiales y sonoros que prevalecían sobre la trama en sí y por contar con un grupo importante de estrellas y actores de renombre cuyos personajes iban a sufrir más de una desgracia y calamidad durante el transcurso de la película. En esta ocasión me centraré en "El coloso en llamas (1974)", una película producida conjuntamente (y primera vez que ocurría este hecho) por dos de grandes productoras hollywoodenses, la Warner Bros y la Twenty Century Fox, y que iba a ser co-dirigida por el irregularJohn Guillermin(realizador de la interesante "Muerte en el Nilo (1978)" pero del flojo remake "King Kong (1976)" y su posterior y sonrojante secuela titulada "King Kong 2 (1986)") e Irwin Allen (también conocido como el "maestro del desastre", sobrenombre puesto debido a que produjo una buena cantidad películas televisivas de este género ("Inundación (1976)" y "Fire! (1977)", entre otras) y por la realización de otras películas catastrofistas como fueron "El enjambre (1978)" y "Más allá del Poseidón (1979)"), éste último encargado específicamente en el desarrollo de las escenas de acción. La historia, basada en las novelas "The Tower" de Richard Martin Stern y "The Glass Inferno" de Frank M. Robinson y Thomas N. Scortia (y éstas a su vez inspiradas en el terrible incendio ocurrido en 1972 en San Paulo donde se quemó el "Andraus", un edificio de grandes dimensiones), iba a girar en torno a un mastodóntico rascacielos ("La torre de cristal") de 138 plantas y como un grupo de personas trata de salir de él al producirse un peligroso incendio a causa de un fallo del sistema eléctrico.
Entre el atractivo reparto de actores nos encontraríamos con Paul Newman ("Veredicto final (1982)") como Doug Roberts, el arquitecto que construiría el gigantesco edificio y a Steve McQueen ("Los siete magníficos (1960)") en la piel del jefe de bomberos Mike O´Hallorhan, ambos encarnarían a los héroes de la acción repartiéndose los momentos más peligrosos y tensos del film. Otros nombres a destacar entre la infinidad de caras conocidas que nos regala el film, William Holden ("El crepúsculo de los dioses (1950)") en el papel del promotor del rascacielos (Jim Duncan), Richard Chamberlain ("El pájaro espino") como Simmons, el desastroso e icompetente yerno de éste, Faye Dunaway ("Chinatown (1974)") interpretando a Susan Frankly, la pareja de Doug Roberts y Fred Astaire ("Sombrero de copa (1935)") representando al entrañable timador Harlee Claiborne, un personaje que le iba a dar su única nominación a los Óscar de toda su carrera cinematográfica (sin contar su Óscar honorífico otorgado en el año 1949).
Entre sus escenas hago mención la secuencia donde Doug con una niña agarrada a su espalda intenta bajar por un hierro con peligro de caerse al vacío o el momento del helicóptero que trata de bajar a un grupo de personas atrapadas en un ascensor mientras un valeroso O´Hallorhan sujeta por un brazo a uno de sus compañeros de profesión. Como curiosidad, ante la rivalidad de Paul Newman y Steve McQueen por conseguir mayor protagonismo dentro del film se tuvo que repartir el mismo número de lineas en sus diálogos para evitar malos rollos entre ellos.
Frase para recordar: "Solo puedo pedirle a Dios que me ayude a impedir que esto vuelva a suceder".
Título original: The towering inferno.
Directores: John Guillermin e Irwin Allen.
Interpretes: Paul Newman, Steve McQueen, Faye Duneway, William Holden.
Arrancando la obra con la mítica partitura de Elmer Bernstein (merecida candidata en la lucha de los Óscar, en un año ganado por Ernest Gold gracias a su pieza musical en la épica "Éxodo (1960)"), este trabajo de John Sturges sería todo un éxito en taquilla que haría disfrutar y dejar satisfecho con sus dos horas de puro entretenimiento en el salvaje Oeste a cualquier amante del buen western americano que a pesar de no ser de las mejores del género si que sería una de las más celebres en la historia del séptimo arte. Una de las claves de la fama de esta película y claro reclamo comercial (a aparte de la mencionada banda sonora de Elmer Bernstein) sería sin duda el reparto de protagonistas y es que reunir a un grupo de actores de la talla de Yul Brynner (donde el actor aprovecharía durante el rodaje culminar su segundo matrimonio con la modelo chilena Doris Kleiner), Steve McQueen (obra que popularizaría a este rebelde del celuloide), Charles Bronson, James Coburn (repetiría posteriormente con Steve McQueen, Charles Bronson y John Sturges en las aventuras carcelarias de "La gran evasión (1963)") o Eli Wallach (representando genialmente al villano de la función), entre otros, no estaría al alcance de muchos realizadores de la época. William Roberts ("La brigada del diablo (1968)") junto la colaboración de Walter Newman ("El gran carnaval (1951)") serían los guionistas encargados de confeccionar el argumento del film, que creando su particular visión "western" sobre el clásico de Akira Kurosawa, "Los siete samuráis (1954)", relatarían la historia de siete pistoleros (cada uno con su peculiar estilo y carácter) que ayudan a los habitantes de un pueblo de campesinos a hacer frente a un grupo de bandoleros encabezado por el malvado y desequilibrado Calavera. Su buena recaudación y la buena fama cosechada le llevaría a la realización de tres secuelas más que indudablemente estuvieron muy por debajo de su obra primogénita , "El regreso de los siete magníficos (1966)", "La furia de los siete magníficos (1969)" y "El desafío de los siete magníficos (1972)", esta última interpretada por el bueno de Lee Van Cleef, un habitual en el cine del Oeste especialmente en el género del Spaguetti Western. Como curiosidad destaco los piques y problemas de altura de Yul Brynner, el actor estuvo tan obsesionado durante el rodaje de que Steve McQueen no pareciera más alto que él que realizaría pequeños montículos en la tierra donde apoyarse, eso si Steve McQueen se encargaría de deshacérselos.
Frase para recordar: "Lo nuestro no son las palabras, lo nuestro es el plomo".
Título original: The magnificent seven.
Director: John Sturges.
Intérpretes: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn.
Arrancando la obra con la mítica partitura de Elmer Bernstein (merecida candidata en la lucha de los Óscar, en un año ganado por Ernest Gold gracias a su pieza musical en la épica "Éxodo (1960)"), este trabajo de John Sturges sería todo un éxito en taquilla que haría disfrutar y dejar satisfecho con sus dos horas de puro entretenimiento en el salvaje Oeste a cualquier amante del buen western americano que a pesar de no ser de las mejores del género si que sería una de las más celebres en la historia del séptimo arte. Una de las claves de la fama de esta película y claro reclamo comercial (a aparte de la mencionada banda sonora de Elmer Bernstein) sería sin duda el reparto de protagonistas y es que reunir a un grupo de actores de la talla de Yul Brynner (donde el actor aprovecharía durante el rodaje culminar su segundo matrimonio con la modelo chilena Doris Kleiner), Steve McQueen (obra que popularizaría a este rebelde del celuloide), Charles Bronson, James Coburn (repetiría posteriormente con Steve McQueen, Charles Bronson y John Sturges en las aventuras carcelarias de "La gran evasión (1963)") o Eli Wallach (representando genialmente al villano de la función), entre otros, no estaría al alcance de muchos realizadores de la época. William Roberts ("La brigada del diablo (1968)") junto la colaboración de Walter Newman ("El gran carnaval (1951)") serían los guionistas encargados de confeccionar el argumento del film, que creando su particular visión "western" sobre el clásico de Akira Kurosawa, "Los siete samuráis (1954)", relatarían la historia de siete pistoleros (cada uno con su peculiar estilo y carácter) que ayudan a los habitantes de un pueblo de campesinos a hacer frente a un grupo de bandoleros encabezado por el malvado y desequilibrado Calavera. Su buena recaudación y la buena fama cosechada le llevaría a la realización de tres secuelas más que indudablemente estuvieron muy por debajo de su obra primogénita , "El regreso de los siete magníficos (1966)", "La furia de los siete magníficos (1969)" y "El desafío de los siete magníficos (1972)", esta última interpretada por el bueno de Lee Van Cleef, un habitual en el cine del Oeste especialmente en el género del Spaguetti Western. Como curiosidad destaco los piques y problemas de altura de Yul Brynner, el actor estuvo tan obsesionado durante el rodaje de que Steve McQueen no pareciera más alto que él que realizaría pequeños montículos en la tierra donde apoyarse, eso si Steve McQueen se encargaría de deshacérselos.
Frase para recordar: "Lo nuestro no son las palabras, lo nuestro es el plomo".
Título original: The magnificent seven.
Director: John Sturges.
Intérpretes: Yul Brynner, Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn.
Quién le iba a decir al bueno de Steve McQueen que después de pasar una difícil infancia (reformatorio incluido) y una adolescencia de futuro incierto que combinaría trabajos de leñador, camarero y marino para poder subsistir, llegaría su gran momento al decidir matricularse en el "Actors Studio" (escuela de interpretación fundada por Elia Kazan, Robert Lewis y Cheryl Crawford y conocida por sacar actores de la talla de Montgomery Clift, Marlon Brando, Lee Remick o Jack Nicholson, entre otros) para posteriormente convertirse en una de las estrellas más carismáticas que ha dado el cine de Hollywood. Con su debut cinematográfico junto a Paul Newman en el drama pugilístico de Robert Wise, "Marcado por el odio (1956)" y consagrarse en títulos como "Los 7 magníficos(1960)" y "La gran evasión (1962)" realizaría de manos de Peter Yates, el título que dedico este post: "Bullit", un film importante del género policíaco de los años 60 de clara influencia para obras como "Harry el sucio (1971)" o "French Connection (1971)" que se destacaría por sus escenas de persecuciones automovilísticas en las calles de San Francisco y por la mítica imagen de McQueen con jersey de cuello alto y chaqueta junto su Ford Mustang de color verde oscuro. La historia basada en la novela de Robert L. Pike, "Testigo mudo". pondría a McQueen como detective que investigará la muerte de un soplón de la mafia por dos matones.
En la obra, un perfecto vehículo para el lucimiento del mencionado actor, podríamos ver la interesante participación del Robert Vaughn (más conocido por su personaje de Napoleón Solo en la serie televisiva "El agente CIPOL (1964-1968)" como ambicioso y corrupto político y las primeras apariciones en la gran pantalla de unos jóvenes Jacqueline Bisset como guapa novia del protagonista y Robert Duvall como taxista. Destacar la banda sonora con toques de jazz compuesta por el argentino Lalo Schifrin, compositor también de la partitura de la serie "Starsky y Hutch" o la ya mítica "Misión imposible". Como curiosidad, la compañía Ford promocionaría su marca realizando un pequeño homenaje al personaje encarnado por McQueen en diversos spots vistos en la década pasada.
Director: Peter Yates. Intérpretes: Steve McQueen, Robert Vaughn, Don Gordon, Jacqueline Bisset
Quién le iba a decir al bueno de Steve McQueen que después de pasar una difícil infancia (reformatorio incluido) y una adolescencia de futuro incierto que combinaría trabajos de leñador, camarero y marino para poder subsistir, llegaría su gran momento al decidir matricularse en el "Actors Studio" (escuela de interpretación fundada por Elia Kazan, Robert Lewis y Cheryl Crawford y conocida por sacar actores de la talla de Montgomery Clift, Marlon Brando, Lee Remick o Jack Nicholson, entre otros) para posteriormente convertirse en una de las estrellas más carismáticas que ha dado el cine de Hollywood. Con su debut cinematográfico junto a Paul Newman en el drama pugilístico de Robert Wise, "Marcado por el odio (1956)" y consagrarse en títulos como "Los 7 magníficos(1960)" y "La gran evasión (1962)" realizaría de manos de Peter Yates, el título que dedico este post: "Bullit", un film importante del género policíaco de los años 60 de clara influencia para obras como "Harry el sucio (1971)" o "French Connection (1971)" que se destacaría por sus escenas de persecuciones automovilísticas en las calles de San Francisco y por la mítica imagen de McQueen con jersey de cuello alto y chaqueta junto su Ford Mustang de color verde oscuro. La historia basada en la novela de Robert L. Pike, "Testigo mudo". pondría a McQueen como detective que investigará la muerte de un soplón de la mafia por dos matones.
En la obra, un perfecto vehículo para el lucimiento del mencionado actor, podríamos ver la interesante participación del Robert Vaughn (más conocido por su personaje de Napoleón Solo en la serie televisiva "El agente CIPOL (1964-1968)" como ambicioso y corrupto político y las primeras apariciones en la gran pantalla de unos jóvenes Jacqueline Bisset como guapa novia del protagonista y Robert Duvall como taxista. Destacar la banda sonora con toques de jazz compuesta por el argentino Lalo Schifrin, compositor también de la partitura de la serie "Starsky y Hutch" o la ya mítica "Misión imposible". Como curiosidad, la compañía Ford promocionaría su marca realizando un pequeño homenaje al personaje encarnado por McQueen en diversos spots vistos en la década pasada.
Director: Peter Yates. Intérpretes: Steve McQueen, Robert Vaughn, Don Gordon, Jacqueline Bisset
