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Obra magna del spaguetti western realizada por Sergio Leone, un director clave en este género cinematográfico, que tras su enorme éxito de "La trilogía del dólar" con el mítico Clint Eastwood a la cabeza, se embarcaría en este importante proyecto con la finalidad de realizar el título cumbre de su carrera. Leone contaría para llevar a cabo esta obra la ayuda de Dario Argento y Bernardo Bertolucci, dos grandes del cine junto a Sergio Donati para confeccionar el guión del film, una historia de venganza al más puro estilo del género de gangsters y una lucha por unas tierras por un grupo de personajes sin escrúpulos que durante su cerca de 3 horas de metraje deleitaría a los buenos amantes del western sobretodo por su brillante fotografía que resalta la dureza que se vivía en el salvaje Oeste acompañadas de largas escenas que a pesar de su lentitud en ningún momento llegan a aburrir (sirvase de ejemplo su genial comienzo y un duelo final que personalmente me parece de lo mejorcito que he visto de este género). Destacar el importante reparto encabezado por Charles Bronson, un antihéroe pistolero que compensa sus escasas palabras con el toque de una armónica y el rápido uso de su revólver, una bella Claudia Cardinale como prostituta oportunista, Jason Robards como carismático y bonachón pistolero y un veterano Henry Fonda que realizaría un cambio de registro dentro de su carrera ejerciendo como villano de la función. Uno de los elementos indispensables de este film es la banda sonora compuesta por Ennio Morricone, un habitual en los film del realizador y que tiene la particularidad de que fue compuesta antes de la propia película. Como curiosidad, la relación Sergio Leone y Jason Robards no tuvo un buen principio debido a que éste último apareció borracho en su primer encuentro con el director, al final el actor consiguió el papel gracias al poder de convicción de su agente pero no se libró de la amenaza del realizador de romper su contrato en caso de aparecer ebrio en el rodaje de alguna escena.
Frase para recordar: "Me recuerdas mucho a mi madre. Era la zorra más grande de Alameda y la mujer que más valía del mundo. Quien quiera que haya sido mi padre fue un hombre feliz, durante una hora o un mes...".
Título original: Once upon a time in the West. Director: Sergio Leone. Intérpretes: Charles Bronson, Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards.
Obra magna del spaguetti western realizada por Sergio Leone, un director clave en este género cinematográfico, que tras su enorme éxito de "La trilogía del dólar" con el mítico Clint Eastwood a la cabeza, se embarcaría en este importante proyecto con la finalidad de realizar el título cumbre de su carrera. Leone contaría para llevar a cabo esta obra la ayuda de Dario Argento y Bernardo Bertolucci, dos grandes del cine junto a Sergio Donati para confeccionar el guión del film, una historia de venganza al más puro estilo del género de gangsters y una lucha por unas tierras por un grupo de personajes sin escrúpulos que durante su cerca de 3 horas de metraje deleitaría a los buenos amantes del western sobretodo por su brillante fotografía que resalta la dureza que se vivía en el salvaje Oeste acompañadas de largas escenas que a pesar de su lentitud en ningún momento llegan a aburrir (sirvase de ejemplo su genial comienzo y un duelo final que personalmente me parece de lo mejorcito que he visto de este género). Destacar el importante reparto encabezado por Charles Bronson, un antihéroe pistolero que compensa sus escasas palabras con el toque de una armónica y el rápido uso de su revólver, una bella Claudia Cardinale como prostituta oportunista, Jason Robards como carismático y bonachón pistolero y un veterano Henry Fonda que realizaría un cambio de registro dentro de su carrera ejerciendo como villano de la función. Uno de los elementos indispensables de este film es la banda sonora compuesta por Ennio Morricone, un habitual en los film del realizador y que tiene la particularidad de que fue compuesta antes de la propia película. Como curiosidad, la relación Sergio Leone y Jason Robards no tuvo un buen principio debido a que éste último apareció borracho en su primer encuentro con el director, al final el actor consiguió el papel gracias al poder de convicción de su agente pero no se libró de la amenaza del realizador de romper su contrato en caso de aparecer ebrio en el rodaje de alguna escena.
Frase para recordar: "Me recuerdas mucho a mi madre. Era la zorra más grande de Alameda y la mujer que más valía del mundo. Quien quiera que haya sido mi padre fue un hombre feliz, durante una hora o un mes...".
Título original: Once upon a time in the West. Director: Sergio Leone. Intérpretes: Charles Bronson, Henry Fonda, Claudia Cardinale, Jason Robards.
Un matrimonio en crisis y el inminente fallecimiento del Patriarca de una familia adinerada son la base argumental de este gran título y todo un clásico donde los haya en la historia del cine realizada magistralmente por Richard Brook que a pesar de conseguir 6 nominaciones en los Óscar de aquel año, siendo todas ellas en categorías importantes (mejor película, mejor director, mejor actor y actriz, mejor guión adaptado y mejor fotografía) se iría de la ceremonia con las manos vacías. Una película de actores de inmensos diálogos que siendo inspirada por la obra homónima de Tennesse Williams (destacadísimo dramaturgo de llevar adaptaciones cinematográficas tan claves como "Un tranvía llamado deseo (1951)" o "De repente, el último verano (1959)") se caracterizaría por la fuerte química y sensualidad de la pareja Paul Newman-Elizabeth Taylor y por tratar temas tan diversos como problemas familiares, la codicia, la mendacidad y aunque no se declarara de manera tan directa me imagino que por la censura de la época, la homosexualidad. El gran éxito de esta obra no se hubiera podido a llevar a cabo sin la perfecta calidad interpretativa, donde todos los actores están brillantes pero personalmente destacaría a Burl Ives (como padre arisco, un papel que ya había interpretado anteriormente en su adaptación teatral) que eclipsaría en diversos momentos del film a la mítica pareja protagonista formada por Paul Newman y Elizabeth Taylor. Como curiosidad, Elizabeth Taylor sufrió un duro golpe personal durante el rodaje de esta obra ya que en transcurso de ella recibió la drástica noticia del fallecimiento por accidente aéreo del que era por entonces su marido, el productor de cine Mike Todd.
Frase para recordar: "Cuidado gata, que enseñas los dientes".
Título original: Cat on a hot tin roof. Director: Richard Brook. Intérpretes: Paul Newman, Elizabeth Taylor, Burl Ives, Jack Carson
Un matrimonio en crisis y el inminente fallecimiento del Patriarca de una familia adinerada son la base argumental de este gran título y todo un clásico donde los haya en la historia del cine realizada magistralmente por Richard Brook que a pesar de conseguir 6 nominaciones en los Óscar de aquel año, siendo todas ellas en categorías importantes (mejor película, mejor director, mejor actor y actriz, mejor guión adaptado y mejor fotografía) se iría de la ceremonia con las manos vacías. Una película de actores de inmensos diálogos que siendo inspirada por la obra homónima de Tennesse Williams (destacadísimo dramaturgo de llevar adaptaciones cinematográficas tan claves como "Un tranvía llamado deseo (1951)" o "De repente, el último verano (1959)") se caracterizaría por la fuerte química y sensualidad de la pareja Paul Newman-Elizabeth Taylor y por tratar temas tan diversos como problemas familiares, la codicia, la mendacidad y aunque no se declarara de manera tan directa me imagino que por la censura de la época, la homosexualidad. El gran éxito de esta obra no se hubiera podido a llevar a cabo sin la perfecta calidad interpretativa, donde todos los actores están brillantes pero personalmente destacaría a Burl Ives (como padre arisco, un papel que ya había interpretado anteriormente en su adaptación teatral) que eclipsaría en diversos momentos del film a la mítica pareja protagonista formada por Paul Newman y Elizabeth Taylor. Como curiosidad, Elizabeth Taylor sufrió un duro golpe personal durante el rodaje de esta obra ya que en transcurso de ella recibió la drástica noticia del fallecimiento por accidente aéreo del que era por entonces su marido, el productor de cine Mike Todd.
Frase para recordar: "Cuidado gata, que enseñas los dientes".
Título original: Cat on a hot tin roof. Director: Richard Brook. Intérpretes: Paul Newman, Elizabeth Taylor, Burl Ives, Jack Carson
Alcoholismo y boxeo es en lo que se basó John Huston para realizar esta sencilla pero lograda historia de perdedores que sin ser de los títulos más importantes de este respetable director conseguiría construir un interesante y porque no decirlo, infravalorado film bastante recomendable para aquellos que busquen una obra realista, cruda y emotiva pero sin caer en el fácil sentimentalismo. Con un guión de Leonard Gardner, autor también de la propia novela en que se cimienta la obra, nos contaría la historia de un retirado boxeador alcohólico que malvive a duras penas como peón en campos agrícolas y que intenta volver a subirse a un ring. La obra documentaría las penurias de la sociedad trabajadora de la América de los setenta y de todas las ilusiones rotas de aquellos boxeadores de segundo nivel que soñaron en llegar algún día a lo más alto (y es que no todos tuvieron la suerte de "Rocky Balboa" que tan bien reflejó Sylvester Stallone). El peso del film recaería especialmente en Stacy Keach (quizás más conocido por su faceta televisiva al ser visto en series como "Mike Hammer" o "Prison Break"), que desarrollaría una gran actuación poniéndose en la piel de Billy Tully, un perdedor que nunca dejaría de dar la cara a la vida a pesar de sus contratiempos, sin olvidarme de las interpretaciones de Susan Tyrell, con su personaje autodestructivo (que curiosamente en el film en ningún momento se le puede ver sobria) y que mantendría una relación amor-odio con el protagonista y de un joven Jeff Bridges en una de sus primeras películas, con un personaje (Ernie), que lo calificaría como el lado opuesto del figurado por Stacy Keach.
Destacar el tema principal de la obra a cargo de Kris Kristofferson, la balada country, "Help me make it trough the night". Como curiosidad, los actores que John Huston quería para llevar a cabo este proyecto se trataban de Marlon Brando para el papel de Billy Tully pero debido al escaso interés que mostró el actor se decidieron por un prácticamente desconocido, Stacy Keach, al mismo tiempo que Beau Bridges sería el elegido para el personaje de Ernie, dónde éste último lo rechazaría por considerarse algo viejo para representarlo pero que recomendaría para su realización a Jeff Bridges, su hermano.
Frase para recordar: "Mira Ernie, hay mujeres que te quieren por lo que eres, pero eso no dura mucho".
Director: John Huston. Intérpretes: Stacy Keach, Susan Tyrrell, Jeff Bridges, Nicholas Colasanto.
Alcoholismo y boxeo es en lo que se basó John Huston para realizar esta sencilla pero lograda historia de perdedores que sin ser de los títulos más importantes de este respetable director conseguiría construir un interesante y porque no decirlo, infravalorado film bastante recomendable para aquellos que busquen una obra realista, cruda y emotiva pero sin caer en el fácil sentimentalismo. Con un guión de Leonard Gardner, autor también de la propia novela en que se cimienta la obra, nos contaría la historia de un retirado boxeador alcohólico que malvive a duras penas como peón en campos agrícolas y que intenta volver a subirse a un ring. La obra documentaría las penurias de la sociedad trabajadora de la América de los setenta y de todas las ilusiones rotas de aquellos boxeadores de segundo nivel que soñaron en llegar algún día a lo más alto (y es que no todos tuvieron la suerte de "Rocky Balboa" que tan bien reflejó Sylvester Stallone). El peso del film recaería especialmente en Stacy Keach (quizás más conocido por su faceta televisiva al ser visto en series como "Mike Hammer" o "Prison Break"), que desarrollaría una gran actuación poniéndose en la piel de Billy Tully, un perdedor que nunca dejaría de dar la cara a la vida a pesar de sus contratiempos, sin olvidarme de las interpretaciones de Susan Tyrell, con su personaje autodestructivo (que curiosamente en el film en ningún momento se le puede ver sobria) y que mantendría una relación amor-odio con el protagonista y de un joven Jeff Bridges en una de sus primeras películas, con un personaje (Ernie), que lo calificaría como el lado opuesto del figurado por Stacy Keach.
Destacar el tema principal de la obra a cargo de Kris Kristofferson, la balada country, "Help me make it trough the night". Como curiosidad, los actores que John Huston quería para llevar a cabo este proyecto se trataban de Marlon Brando para el papel de Billy Tully pero debido al escaso interés que mostró el actor se decidieron por un prácticamente desconocido, Stacy Keach, al mismo tiempo que Beau Bridges sería el elegido para el personaje de Ernie, dónde éste último lo rechazaría por considerarse algo viejo para representarlo pero que recomendaría para su realización a Jeff Bridges, su hermano.
Frase para recordar: "Mira Ernie, hay mujeres que te quieren por lo que eres, pero eso no dura mucho".
Director: John Huston. Intérpretes: Stacy Keach, Susan Tyrrell, Jeff Bridges, Nicholas Colasanto.
El alemán Robert Siodmak dentro de su etapa "americana" realizaría uno de los film más relevantes de su carrera, ya que a parte de consagrarle en un puesto importante en la historia del celuloide le llevaría a luchar en los Óscars de aquel año en la categoría de mejor director, en un noche que triunfaría William Wyler por "Los mejores años de nuestra vida(1946)". Este título que combinaría el género de cine negro e intriga estaría acompañado de una atractiva estructura narrativa (el director emplearía saltos en el tiempo y flashback para enseñarnos desde el principio parte del final (dos mafiosos asesinan a un empleado de una gasolinera), para luego, a medida que avanza el metraje ir desgranando el porqué de ese desenlace) y de una magistral fotografía en blanco y negro realizada por Elwood Bredell que llenaría si cabe aún más la calidad del film. En ella, Siodmak contaría con la primeriza presencia de dos futuros mitos de la historia del cine, Burl Lancaster y Ava Gardner (ambos volverían a repetir con este realizador de manera separada en "El temible burlón (1952)", "El abrazo de la muerte (1949)" y la dramática "El gran pecador (1949)"), el primero desarrollando el papel de "el sueco", un boxeador en horas bajas metido en asuntos turbios con unos delincuentes y Ava Gardner, donde realizando su primera actuación como protagonista se pondrían en la piel de Kitty Collins, una mujer de enorme belleza física y de gran perversidad que será determinante en el transcurrir de la obra. Cabe destacar la banda sonora de Miklós Rózsa (compositor de las míticas "Ben-Hur (1959)" o "Julio César (1953)" entre otras). Como curiosidad, en 1964, Don Siegel apoyándose en el mismo relato que esta basado esta obra de Robert Siodmak ("Los asesinos" de Ernest Hemingway) realizaría la también interesante "Código del hampa (1964)" con Lee Marvin y Roland Reagan en el plantel de actores.
Frase para recordar:" ¿Quieres un consejo? Deja de escuchar esa arpa dorada".
Título original: The killers.
Director: Robert Siodmak
Intérpretes: Burt Lancaster, Ava Gardner, Albert Dekker, Sam Levene
El alemán Robert Siodmak dentro de su etapa "americana" realizaría uno de los film más relevantes de su carrera, ya que a parte de consagrarle en un puesto importante en la historia del celuloide le llevaría a luchar en los Óscars de aquel año en la categoría de mejor director, en un noche que triunfaría William Wyler por "Los mejores años de nuestra vida(1946)". Este título que combinaría el género de cine negro e intriga estaría acompañado de una atractiva estructura narrativa (el director emplearía saltos en el tiempo y flashback para enseñarnos desde el principio parte del final (dos mafiosos asesinan a un empleado de una gasolinera), para luego, a medida que avanza el metraje ir desgranando el porqué de ese desenlace) y de una magistral fotografía en blanco y negro realizada por Elwood Bredell que llenaría si cabe aún más la calidad del film. En ella, Siodmak contaría con la primeriza presencia de dos futuros mitos de la historia del cine, Burl Lancaster y Ava Gardner (ambos volverían a repetir con este realizador de manera separada en "El temible burlón (1952)", "El abrazo de la muerte (1949)" y la dramática "El gran pecador (1949)"), el primero desarrollando el papel de "el sueco", un boxeador en horas bajas metido en asuntos turbios con unos delincuentes y Ava Gardner, donde realizando su primera actuación como protagonista se pondrían en la piel de Kitty Collins, una mujer de enorme belleza física y de gran perversidad que será determinante en el transcurrir de la obra. Cabe destacar la banda sonora de Miklós Rózsa (compositor de las míticas "Ben-Hur (1959)" o "Julio César (1953)" entre otras). Como curiosidad, en 1964, Don Siegel apoyándose en el mismo relato que esta basado esta obra de Robert Siodmak ("Los asesinos" de Ernest Hemingway) realizaría la también interesante "Código del hampa (1964)" con Lee Marvin y Roland Reagan en el plantel de actores.
Frase para recordar:" ¿Quieres un consejo? Deja de escuchar esa arpa dorada".
Título original: The killers.
Director: Robert Siodmak
Intérpretes: Burt Lancaster, Ava Gardner, Albert Dekker, Sam Levene
Peter Fonda y Dennis Hopper fueron los artífices de esta polémica (y algo sobrevalorada, bajo mi opinión) obra de bajo presupuesto que escandalizarían en su estreno, por su fuerte carga ideológica, a la América conservadora de la época. Ambos a parte de ser los actores principales del film se repartieron las funciones de producción, guión y dirección, siendo para éste último el debut de detrás de las cámaras y el espaldarazo definitivo a su carrera después de su prometedor inicio cinematográfico con la participación junto a James Dean de las míticas "Rebelde sin causa (1955)" y "Gigante (1956)". El film que tuvo buena acogida entre los seguidores de la denominada contracultura estadounidenses nos hablaría de las aventuras de dos motoristas de Los Ángeles en su viaje hacia Nueva Orleans donde se encontrarían en el trayecto con un grupo de personajes tan diversos como peculiares, entre ellos un autoestopista hippy, un ranchero y un abogado con problemas con el alcohol interpretado por el gran Jack Nicholson ( para mí lo mejor del film junto su atractiva y rockera banda sonoras con temas de Jimi Hendrix, the Byrds, Bob Dylan, The Band o el clásico "Born to be wild" de Steppenwolf.
Hopper y Fonda con la creación de esta road movie o "western moderno" de cierta carencia argumental, a pesar de la buena intención de su mensaje, y con una realización basada en la improvisación (en ciertas escenas ambos actores están colocados de verdad) pretendieron hacer una particular crítica social sobre la cultura americana y una declaración de valores basados en la busqueda de la libertad personal. Como curiosidades destacables de esta obra, la fuerte enemistad que surgió entre Peter Fonda y Dennis Hopper al acabar esta película, hasta el extremo de intentar éste último borrar de los títulos de créditos el nombre de Peter Fonda como guionista del film y los diferentes actores que se barajaron para interpretar el personaje de George Hanson antes de ser realizado por Jack Nicholson, entre ellos, Bruce Dern y Rip Torn.
Frase para recordar: "Si desde luego, todo el mundo quiere ser libre. Pero una cosa es hablar de ello y otra muy diferente es serlo".
Director: Dennis Hopper. Intérpretes: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson, Phil Spector.
Trailer:
B.S.O.:
Información complementaria: Peter Fonda Reseña escrita por Jesús Fariña
Peter Fonda y Dennis Hopper fueron los artífices de esta polémica (y algo sobrevalorada, bajo mi opinión) obra de bajo presupuesto que escandalizarían en su estreno, por su fuerte carga ideológica, a la América conservadora de la época. Ambos a parte de ser los actores principales del film se repartieron las funciones de producción, guión y dirección, siendo para éste último el debut de detrás de las cámaras y el espaldarazo definitivo a su carrera después de su prometedor inicio cinematográfico con la participación junto a James Dean de las míticas "Rebelde sin causa (1955)" y "Gigante (1956)". El film que tuvo buena acogida entre los seguidores de la denominada contracultura estadounidenses nos hablaría de las aventuras de dos motoristas de Los Ángeles en su viaje hacia Nueva Orleans donde se encontrarían en el trayecto con un grupo de personajes tan diversos como peculiares, entre ellos un autoestopista hippy, un ranchero y un abogado con problemas con el alcohol interpretado por el gran Jack Nicholson ( para mí lo mejor del film junto su atractiva y rockera banda sonoras con temas de Jimi Hendrix, the Byrds, Bob Dylan, The Band o el clásico "Born to be wild" de Steppenwolf.
Hopper y Fonda con la creación de esta road movie o "western moderno" de cierta carencia argumental, a pesar de la buena intención de su mensaje, y con una realización basada en la improvisación (en ciertas escenas ambos actores están colocados de verdad) pretendieron hacer una particular crítica social sobre la cultura americana y una declaración de valores basados en la busqueda de la libertad personal. Como curiosidades destacables de esta obra, la fuerte enemistad que surgió entre Peter Fonda y Dennis Hopper al acabar esta película, hasta el extremo de intentar éste último borrar de los títulos de créditos el nombre de Peter Fonda como guionista del film y los diferentes actores que se barajaron para interpretar el personaje de George Hanson antes de ser realizado por Jack Nicholson, entre ellos, Bruce Dern y Rip Torn.
Frase para recordar: "Si desde luego, todo el mundo quiere ser libre. Pero una cosa es hablar de ello y otra muy diferente es serlo".
Director: Dennis Hopper. Intérpretes: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson, Phil Spector.
Trailer:
B.S.O.:
Información complementaria: Peter Fonda Reseña escrita por Jesús Fariña
Cine dentro del cine es la base de esta imprescindible obra de Billy Wilder (ganadora de 3 Óscars entre ellos mejor guión), donde el realizador cruzaría el destino de las vidas de un fracasado y avispado guionista con una gran estrella olvidada por el mundo cinematográfico. Un crítica realizada con maestría por el gran Billy Wilder sobre la evolución que supuso el cambio del cine mudo al sonoro en la industria cinematográfica y la lucha desesperada, por no decir enfermiza, de las grandes estrellas del celuloide por conseguir la gloria perdida del paso de los años y es que ni todo el dinero del mundo puede conseguir compensar el abandono del cariño del público (en cierta manera lo que hizo Robert Aldrich en la sobresaliente "¿Qué fue de Baby Jane? (1962)" donde retrataba la decadencia de viejas glorias.). El film contaría con la importante baza de Gloria Swanson encarnando de manera excelente el papel de Norma Desmond, una consagrada actriz del cine mudo de carácter egocéntrico que esconde su soledad bajo las paredes de una enorme mansión mientras es protegida por su fiel mayordomo (y ex-marido) donde éste oculta a través de mentiras su cruda realidad.
También destacaría la participación de William Holden (un actor importante en la historia del cine, con obras tan significativas en su haber como "El puente sobre el río Kwait (1957)", "Grupo salvaje (1969)" o "Nacida ayer (1950)" que fallecería de manera drástica en 1981 en un accidente doméstico) con su papel de vividor y a la vez de marioneta de Norma Desmond. Hago mención la escena final con una trastornada Norma Desmond "disfrutando" de su drástico desenlace. Como curiosidades del film, ver los cameos del legendario Buster Keaton y del director Cecil B. DeMille y la inicial decisión de la productora de elegir a Mae West y Pola Negri para interpretar a Norma Desmond donde ambas rechazaron el papel para suerte de Gloria Swanson.
Frase para recordar:"Yo soy grande. Son las películas las que son pequeñas".
Título original: Sunset Boulevard. Director: Billy Wilder. Intérpretes: William Holden, Gloria Swanson, Nancy Olson, Erich von Stroheim
Cine dentro del cine es la base de esta imprescindible obra de Billy Wilder (ganadora de 3 Óscars entre ellos mejor guión), donde el realizador cruzaría el destino de las vidas de un fracasado y avispado guionista con una gran estrella olvidada por el mundo cinematográfico. Un crítica realizada con maestría por el gran Billy Wilder sobre la evolución que supuso el cambio del cine mudo al sonoro en la industria cinematográfica y la lucha desesperada, por no decir enfermiza, de las grandes estrellas del celuloide por conseguir la gloria perdida del paso de los años y es que ni todo el dinero del mundo puede conseguir compensar el abandono del cariño del público (en cierta manera lo que hizo Robert Aldrich en la sobresaliente "¿Qué fue de Baby Jane? (1962)" donde retrataba la decadencia de viejas glorias.). El film contaría con la importante baza de Gloria Swanson encarnando de manera excelente el papel de Norma Desmond, una consagrada actriz del cine mudo de carácter egocéntrico que esconde su soledad bajo las paredes de una enorme mansión mientras es protegida por su fiel mayordomo (y ex-marido) donde éste oculta a través de mentiras su cruda realidad.
También destacaría la participación de William Holden (un actor importante en la historia del cine, con obras tan significativas en su haber como "El puente sobre el río Kwait (1957)", "Grupo salvaje (1969)" o "Nacida ayer (1950)" que fallecería de manera drástica en 1981 en un accidente doméstico) con su papel de vividor y a la vez de marioneta de Norma Desmond. Hago mención la escena final con una trastornada Norma Desmond "disfrutando" de su drástico desenlace. Como curiosidades del film, ver los cameos del legendario Buster Keaton y del director Cecil B. DeMille y la inicial decisión de la productora de elegir a Mae West y Pola Negri para interpretar a Norma Desmond donde ambas rechazaron el papel para suerte de Gloria Swanson.
Frase para recordar:"Yo soy grande. Son las películas las que son pequeñas".
Título original: Sunset Boulevard. Director: Billy Wilder. Intérpretes: William Holden, Gloria Swanson, Nancy Olson, Erich von Stroheim
El cine de zombies iniciada en los años 30 con "La legión de los hombres sin alma (1932)" ha tenido como personaje importante de este subgénero de terror al realizador George A. Romero, un director que ha marcado un antes y después en este tipo de cine y que ha dedicado la gran parte de su filmografía a explorar en profundidad ésta temática, de echo podemos ver hasta el momento un total de seis obras basadas en estos cadáveres aficionados a degustar carne humana. Este título del cual rindo tributo supondría su debut en la gran pantalla donde los escasos medios contribuyeron al cineasta a emplear su ingenio (la sangre de los zombies se trataba de sirope de chocolate y la carne que ingieren los zombies eran trozos de jamón asado recubierto de una capa de chocolate) y hacer uso de actores amateurs donde la mayoría de ellos se trataban de amistades y familiares del director. Lo destacable de este film (junto esa fotografía en blanco y negro (y eso que hay otra versión grabada a color) que recalca ese tono tétrico y sucio de la obra al mismo tiempo que esconde las carencias técnicas que posee) es que el director no sólo se basa en el terror como pieza única de la obra sino que a través de su argumento sencillo hace buen uso de crítica social (especialmente del racismo, no hay más que ver su final donde uno de los personajes de raza negra es arrastrado por un grupo de blancos a través de unos ganchos y tirado a un montón de zombies muertos ) a la vez que saca a relucir las diferentes personalidades y luchas internas de cada uno de los personajes en busca de su supervivencia.
De las escenas más llamativas nombraría la de la niña matando a su madre, un momento tan duro como espeluznante. Como una de las curiosidades del film es que se comenta que debido al escaso presupuesto, a los extras que trabajaron en la película se les pagó un mísero dólar y una camiseta regalo que ponía "yo fui un zombie en la noche de los muertos vivientes".
Director: George A.Romero. Título original: Nigth of teh living dead. Intérpretes: Duane Jones, Karld Hardman, Marilyn Eastman, Keith Wayne.
Trailer:
Información complementaria: George A.Romero Reseña escrita por Jesús Fariña
El cine de zombies iniciada en los años 30 con "La legión de los hombres sin alma (1932)" ha tenido como personaje importante de este subgénero de terror al realizador George A. Romero, un director que ha marcado un antes y después en este tipo de cine y que ha dedicado la gran parte de su filmografía a explorar en profundidad ésta temática, de echo podemos ver hasta el momento un total de seis obras basadas en estos cadáveres aficionados a degustar carne humana. Este título del cual rindo tributo supondría su debut en la gran pantalla donde los escasos medios contribuyeron al cineasta a emplear su ingenio (la sangre de los zombies se trataba de sirope de chocolate y la carne que ingieren los zombies eran trozos de jamón asado recubierto de una capa de chocolate) y hacer uso de actores amateurs donde la mayoría de ellos se trataban de amistades y familiares del director. Lo destacable de este film (junto esa fotografía en blanco y negro (y eso que hay otra versión grabada a color) que recalca ese tono tétrico y sucio de la obra al mismo tiempo que esconde las carencias técnicas que posee) es que el director no sólo se basa en el terror como pieza única de la obra sino que a través de su argumento sencillo hace buen uso de crítica social (especialmente del racismo, no hay más que ver su final donde uno de los personajes de raza negra es arrastrado por un grupo de blancos a través de unos ganchos y tirado a un montón de zombies muertos ) a la vez que saca a relucir las diferentes personalidades y luchas internas de cada uno de los personajes en busca de su supervivencia.
De las escenas más llamativas nombraría la de la niña matando a su madre, un momento tan duro como espeluznante. Como una de las curiosidades del film es que se comenta que debido al escaso presupuesto, a los extras que trabajaron en la película se les pagó un mísero dólar y una camiseta regalo que ponía "yo fui un zombie en la noche de los muertos vivientes".
Director: George A.Romero. Título original: Nigth of teh living dead. Intérpretes: Duane Jones, Karld Hardman, Marilyn Eastman, Keith Wayne.
Trailer:
Información complementaria: George A.Romero Reseña escrita por Jesús Fariña
Interesante obra (a pesar de tener algunos altibajos en el guión y contar con una historia de amor bastante sosa e innecesaria) del director y miembro del denominado grupo de "Los Diez de Hollywood" durante la caza de brujas de la época del macarthismo, Edward Dmytryk, que junto la producción de Stanley Kramer (productor y director de obras tan importantes como "Adivina quién viene esta noche (1967)", donde veríamos a Spencer Tracy y Katharine Hepburn juntos por última vez en la gran pantalla, o el drama judicial "¿Vencedores o Vencidos? (1961)") harían este film basado en la novela de Herman Wouk, que ya había triunfado anteriormente en el mundo del teatro con Henry Fonda como protagonista. La historia nos relataría las vivencias de un joven oficial en su primera misión en alta mar que junto el resto de la tripulación sufrirían las paranoicas decisiones de su nuevo capitán durante la Segunda Guerra Mundial. El film, una combinación del cine de aventuras con el judicial contaría con un importante plantel de actores (Fred MacMurray, José Ferrer, Van Johnson o un joven Lee Marvin) destacando la presencia de un veterano Humphrey Bogart (para mí lo mejor de la obra) que con su personaje del capitán Queeg, un militar de fuerte disciplina y de dudosa salud mental le llevaría a conseguir (de manera meritoria) la tercera nominación de su carrera y quedarse a las puertas de ganar su segunda estatuilla tras "La reina de África (1952)" sino hubiera sido por Marlon Brando y "La ley del silencio (1954)", la gran triunfadora de los premios de aquel año. La obra tiene la curiosidad de que fue participe del cambio del nombre artístico de un joven (y desconocido) Maurice Joseph Micklewhite, que tras ver su título en un cartel quedó tan encandilado que pasaría a llamarse Michael Caine.
Frase para recordar: "No me tengan miedo, mi perro me quiere".
Título original: The Caine Mutiny. Director: Edward Dmytryk Intérpretes: Humphrey Bogart, José Ferrer, Fred MacMurray, Lee Marvin
Interesante obra (a pesar de tener algunos altibajos en el guión y contar con una historia de amor bastante sosa e innecesaria) del director y miembro del denominado grupo de "Los Diez de Hollywood" durante la caza de brujas de la época del macarthismo, Edward Dmytryk, que junto la producción de Stanley Kramer (productor y director de obras tan importantes como "Adivina quién viene esta noche (1967)", donde veríamos a Spencer Tracy y Katharine Hepburn juntos por última vez en la gran pantalla, o el drama judicial "¿Vencedores o Vencidos? (1961)") harían este film basado en la novela de Herman Wouk, que ya había triunfado anteriormente en el mundo del teatro con Henry Fonda como protagonista. La historia nos relataría las vivencias de un joven oficial en su primera misión en alta mar que junto el resto de la tripulación sufrirían las paranoicas decisiones de su nuevo capitán durante la Segunda Guerra Mundial. El film, una combinación del cine de aventuras con el judicial contaría con un importante plantel de actores (Fred MacMurray, José Ferrer, Van Johnson o un joven Lee Marvin) destacando la presencia de un veterano Humphrey Bogart (para mí lo mejor de la obra) que con su personaje del capitán Queeg, un militar de fuerte disciplina y de dudosa salud mental le llevaría a conseguir (de manera meritoria) la tercera nominación de su carrera y quedarse a las puertas de ganar su segunda estatuilla tras "La reina de África (1952)" sino hubiera sido por Marlon Brando y "La ley del silencio (1954)", la gran triunfadora de los premios de aquel año. La obra tiene la curiosidad de que fue participe del cambio del nombre artístico de un joven (y desconocido) Maurice Joseph Micklewhite, que tras ver su título en un cartel quedó tan encandilado que pasaría a llamarse Michael Caine.
Frase para recordar: "No me tengan miedo, mi perro me quiere".
Título original: The Caine Mutiny. Director: Edward Dmytryk Intérpretes: Humphrey Bogart, José Ferrer, Fred MacMurray, Lee Marvin
