LA COSTA DE LOS MOSQUITOS (1986). Alejados de la civilización.

Allie Fox es un inquieto inventor que un día decide cambiar el rumbo de la vida de su familia. Vende su casa, compra un terreno virgen en Centroamérica y se desplaza con su mujer y sus hijos para empezar de cero en un entorno natural. Que podría salir mal?

A priori, la siempre loable intención de introducir un cambio que se pretende mejor nos parece razonable, máxime cuando la verborrea del protagonista (Harrison Ford en su posiblemente mejor trabajo) es capaz de fulminar de un plumazo las dudas sobre la viabilidad del proyecto que va a cambiar para siempre la vida de una familia. Allie Fox destila seguridad, solvencia y tenacidad suficiente para que su esposa e hijos, aún con expresión sorprendida pero alegre, hagan las maletas y le acompañen en una aventura que no por incierta parece menos atractiva. Su liderazgo como "Padre de Familia" no se cuestiona y desde luego, no es el temor lo que mueve a esta familia a dejarlo todo. Padre sabe lo que hace. Padre tiene una misión. Padre no deja que todo quede en palabras farfulladas tras unos canutos oyendo música New Age.

Pero cuando desembarcamos como polizones invisibles que acompañan a Allie y su familia en la jungla, nos vamos percatando poco a poco, no solo de las dificultades medio ambientales que encierra este nuevo entorno y sus habitantes sino también de que este es un viaje de solo ida para Allie, dispuesto-que digo-obsesionado con que la Aventura, su Aventura,funcione. Y mientras sus escrupulosos planes se van desmoronando por obra de prójimos malvados o desastres naturales, crece su obsesión en no ser derrotado en sus creencias y la familia empieza a ver un nuevo rostro en él. Este rostro no es agradable y llegará un momento en el que se convertirá en el rostro del Enemigo.

Con un magnífico guión de Paul Schrader basado en la novela de Paul Theroux, Weir factura una áspera película en la que a partir de la narración de uno de los hijos (River Phoenix) asistimos al derrumbe de la figura paterna y sus sueños. Secundado por la brillante interpretación de Ford, el citado derrumbe solo se produce a los ojos de la Esposa (Hellen Mirren) y los hijos ya que el Padre, abatido pero no vencido, se empeña una y otra vez en tours de force cada vez mas desesperados e inconexos. Todo ello nos da, por acumulación, una película desilusionada, bella y sombría en la que se plantea abiertamente la delgada línea que separa la obsesión con la demencia.

Este plato amargo que cuestiona tanto la figura de liderazgo del Padre como la inmersión descontrolada en entornos extremos no sentó bien en su momento a los paladares de la crítica y el público en general. Ha hecho falta el paso de unos cuantos años para que The mosquito coas haya sido progresivamente revalorizada.

"Es la única película que he hecho en la que se ha perdido dinero. Sigo contento de haberla hecho. Puestos a sacar un defecto a la película , quizás no conseguimos atrapar el lenguaje de la novela. Podría haber sido mas literaria en vez de cinematográfica. Pero creo que está llena de poderosas emociones." Harrison Ford en 1992.

Título original: The Mosquito Coast.

Intérpretes: Peter Weir

Trailer: Harrison Ford, River Phoenix, Helen Mirren, Andre Gregory, Martha Plimpton,Jadrien Steele, Hilary Gordon, Rebecca Gordon, Jason Alexander, Dick O'Neill, Alice Sneed.

Trailer:

B.S.O.:

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EL CASO DE LUCY HARBIN (1964) El trastorno mental de Joan Crawford.

Tras 20 años de reclusión en un centro psiquiátrico por haber asesinado a su marido y su amante, Lucy Harbin regresa al hogar para reencontrarse con su hija. También se reencontrará con un pasado que se resiste a dejarla y con un hacha de grandes dimensiones.

El tiempo remodela a veces la apreciación que podamos tener acerca de un género cinematográfico. Así, un Horror Thriller como este, deglutidos los excesos actuales, chorreantes de hemoglobina y vísceras, se convierte mas o menos plácidamente en un film de suspense aderezado con acertados toques terroríficos que no desdeñó por ejemplo Alfred Hitchcock en "Psycho".

Y ya que hablamos del maestro, iluminemos la imagen de William Castle que unos cuantos años antes de conocer a Norman Bates, nos presenta esta Lucy Harbin salida también de la afilada pluma de Robert Bloch con su cargamento de trastornos mentales, desdoblamientos de personalidad y traumas generales irreversibles. Una melodía familiar que Hitchcock llevaría a la categoría de obra maestra siguiendo quizás los pasos de Castle, un listillo del negocio que solventaba con solvencia el apartado del mas puro entretenimiento en todos sus filmes aunque fuera a base de implantar motores para sacudir las butacas del cine, Iluminar al público con una luz roja antes de las secuencias más impactantes o interrumpir la proyección para que las personas mas sensibles pudieran salir de la sala, buscando un alivio que podía ser tanto físico como mental.

Castle no precisó aquí ninguno de estos gadgets para zarandear a la audiencia. La imponente presencia de Joan Crawford, con su peluca azabache, su traje estampado ajustadísimo y los kilos de joyas colgando de sus orejas y muñecas, proporcionaban suficiente magnetismo para agarrarnos fuerte mientras sus miradas asesinas y horrorizadas nos traspasan el cráneo como turbolásers a plena potencia. Como en "Psycho", los personajes secundarios que se entrometen en el laberinto de traumas pendientes de resolver, mueren . Y de que manera!

"Lucy Harbin cogió un hacha..."

Castle se permitió sacar pecho. Alardeó que las escenas de decapitación eran lo más real visto hasta el momento en el cine comercial de gran formato pero no descuidó situarlas en un contexto previo de tensión (ese tintineo de las pulseras y pendientes..brrr!) para potenciarlas haciéndonos anticiparnos varias veces a su final y por tanto sufrir/disfrutar doblemente. Al igual que en su otro excelente Horror Thriller (Homicidial 1961) que a día de hoy sería "suspense con tabasco", Castle juega con nosotros hasta el final, haciéndonos oscilar entre el temor y la compasión hacia la crispada protagonista.Y como estamos agarrados por el cuello por una buena fotografía, un excelente guión y unas interpretaciones adecuadas, vamos a dónde nos lleven.

Naturalmente, mucho mérito hay que conceder a Joan Crawford por aceptar meterse en ese papel y sobretodo, en ese vestido estampado. Ese mismo año, Bette Davis estrenaba sus turbolásers y gritos con "Hush Hush Sweet Charlotte" (Robert Aldrich 1964). Ambas ya habían cruzado espadas e imprecaciones en "What Happened to Baby Jane" (Robert Aldrich) dos años antes. Sabían de que iba la cosa. De sacar partido con su talento a un físico antaño bello pero luego, endurecido e inquietante. Y para esto, si que hace falta valor.

Título original: Strait-Jacket.

Director: William Castle.

Intérpretes: Joan Crawford, Diane Baker, Leif Erickson, Howard St. John, John Anthony Hayes, Rochelle Hudson, George Kennedy.

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TARDE PARA LA IRA (2016). La ópera prima de Raúl Arévalo.

Curro se prepara para salir de prisión tras cumplir condena por participar en un atraco a una joyería. Entretanto, su pareja entabla una relación con José, un taciturno personaje que frecuenta el bar del barrio.

Minimizo deliberadamente la sinopsis del guión porque con mas datos sería fácil caer en un spoiler que desbaratara el gran giro argumental en el que se sostiene el peso de este excelente debut en la dirección de Raúl Arévalo a quien recordamos todavía como el joven inspector de "La Isla Mínima (2014)". Esa vuelta de tuerca, apoyada en las excelentes interpretaciones de Antonio de la Torre y Luis Callejo amén de un puñado de secundarios competentes, le bastan a Arévalo para contar, y contar bien, la historia de dos personajes unidos en una espiral de violencia seca y despiadada. Sin florituras ni tiempos muertos que vamos tarde.

Road Movie arrabalera, Tarde para la ira nos hace compartir una búsqueda apresurada y feroz por barrios y poblaciones limítrofes con el Madrid metropolitano. Por el camino nos da tiempo a echar un vistazo rápido a un universo de trilleros, traficantes y antiguos delincuentes reciclados en inofensivos ciudadanos. Pero siempre hay quien no olvida las cuentas pendientes y mucho menos , las perdona. Podrá ser tarde para la Ira pero desde luego, no lo es para la venganza que como todo el mundo sabe, se cocina fría o por lo menos, templada. Es interesante como el alejamiento en el tiempo de los hechos que generan la acción presente, influye aviesamente en los personajes que apenas se reconocen a si mismos cuando la fuerza de un pasado tenebroso irrumpe de nuevo en sus vidas.

No será tarde pues para aplaudir a Raúl Arévalo e incorporarlo como miembro de pleno derecho a ese selecto club de directores que de un tiempo a esta parte han ido renovando y revitalizando el thriller hispano. Da casi miedo el desparpajo y la solidez con la que este director ha acometido su ópera prima desdeñando estridencias ,agarrándonos por el cuello de principio a fin de su película y sobretodo, demostrando que se puede hacer una excelente película con un par de buenas ideas y claridad a la hora de plasmarlas. Vamos tarde pero estamos en el buen camino. Arévalo,contamos contigo!

Director: Raúl Arévalo.

Intérpretes: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Raúl Jiménez.

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CRASH (1996). Sexo y accidentes al volante.

Tras una dramática colisión con otro automóvil, James Ballard entabla una relación fetichista con otra víctima del choque y se une al grupo de Vaughan, un iluminado que desea provocar el Accidente Perfecto.

Cronenberg el enfermo. Cronenberg el chirriante. Cronenberg el chulo. Busca retos a su altura. Dejémonos de adaptaciones facilonas. Enviemos lo "políticamente correcto" a tomar por saco. Hay material explosivo disponible. Hay un libro de Ballard que el propio autor define como "pornografía". Es lo suficientemente malsano y obsesivo como para no aprovecharlo. Dale gas.

David Cronenberg ya había zigzagueado a alta velocidad y con relativo acierto por los recovecos de otra adaptación imposible 5 años antes cuando se enfrentó a The naked luch (El almuerzo desnudo) de William S. Burroughs. Engorilado por la experiencia, sustituye las alucinaciones por las obsesiones y por una vez cambia la viscosidad orgánica que le es tan querida por el acero, el yeso y la fibra de vidrio. Nada de drogas esta vez. El chute de Adrenalina y el sexo serán todo lo que vamos a necesitar. Dale más gas.

Da igual que la morbosidad e intensidad del libro sea practicamente inalcanzable. La intentona vale la pena. Convierte a James Spader en el primer "héroe Ballardiano" y utiliza a saco su ambigüedad. Rescata a Holly Hunter de comedias de medio pelo. Descubre la belleza espectral de Deborah Kara Unger. Hazlos retorcerse en acoplamientos imposibles entre muletas, clavos e implantes ortopédicos mientras aguardan la Revelación de un Nuevo Orden en el que las trayectorias de colisión, la intensidad de los cromados y los filos de parabrisas estrellados componen, en palabras de Vaughan "la fertilización del ser humano a través de las colisiones automovilísticas".

Dale más gas y suelta el volante. La mitad de los espectadores ya han abandonado la sala con los oídos taladrados por la implacable partitura de Howard Shore. La otra mitad nos regodeamos en la lucidez del que sabe cuidar de sus cicatrices y reconocer a sus semejantes aunque sea a través de un espejo astillado y entre vendajes.

"Después de ser bombardeado sin piedad por tantos slogans acerca de la seguridad en carretera es casi un alivio haber tenido un accidente".

Un parto adecuadamente accidentado y alejado de la comodidad autobiográfica de "El imperio del sol" y de la deslumbrante perfección de "High Rise" que no obstante, El Festival de Cannes recompensó con el Premio Especial del Jurado por su "valentía y atrevimiento". Nada menos.

Director: David Cronenberg.

Intérpretes: James Spader, Holly Hunter, Elias Koteas, Deborah Kara Unger, Rosanna Arquette, Peter MacNeill, Yolande Julian.

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B.S.O.:

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EL GRAN AZUL (1988). El hombre delfín.

Desde pequeño, Jacques Mayol ha tenido un talento especial: es capaz de sumergirse a gran profundidad y contener su respiración durante mucho tiempo. Su rivalidad con su amigo Enzo en las competiciones de apnea lo llevará hasta un territorio solitario y mágico en donde realmente, puede abrir los ojos y ver.

Película de culto especialmente en Francia, Le Grand Bleu se inspira en las hazañas de Jacques Mayol también conocido como el "hombre delfín" capaz de descender a grandes profundidades sin equipo alguno y tomando una sola bocanada de aire antes de la inmersión. Batió records de profundidad a -60 metros en 1966, -100 metros en 1976 y -105 metros en 1985.

Luc Besson engorilado por el éxito de la mediocre "Subway (1985)" encontró en la historia de este enigmático personaje varios elementos de considerable interés. Está el mensaje ecologista y la exaltación de la naturaleza y la libertad. Está el toma y daca de sana rivalidad y camaradería entre Jacques y Enzo (extraordinario Jean Reno al que descubrí con esta película) y está el "toque místico" e irreal del personaje protagonista que sólo parece sentirse a gusto cuando toca fondo en las profundidades que ningún otro ser humano es capaz de alcanzar sin equipo alguno. La combinación funciona, engrasada por una fotografía espléndida y una banda sonora excelente de Eric Serra que en Estados Unidos se encargó a Bill Conti con un resultado mediocre. Los cortes al metraje original en USA tampoco ayudaron y la película fracasó estrepitosamente en ese mercado.

O sea, que de todas todas, hay que ver la versión europea con sus 168 minutos de metraje y con la BSO de Serra. Esto es innegociable. Y aunque no me habría importado que esos 168 minutos de la película se centraran exclusivamente en las inmersiones de Jacques y Enzo, convengo a regañadientes que de cara al gran público, la historia "romántica" con Rosanna Arquette nos devuelve a tierra firme a tiempo de inhalar otra bocanada de aire. Curiosamente, esas escenas de cotidianeidad terrestre ponen de manifiesto lo alejado que estaba Jacques Mayol de sus semejantes, incluso de Enzo Molinari, su amigo y rival. Sus descensos son un viaje a la iluminación, una especie de toma de conciencia ancestral en el mismo seno del origen de la vida que solo pueden entender los delfines que nadan a su alrededor o que no muy lejos, saltan en el delfinario de noche celebrando un ritual ballardiano de alegría y entendimiento.

Sinceramente y viendo la evolución posterior de Luc Besson, siempre me he preguntado si "El Gran Azul" no fue sino un portentoso accidente en la carrera de este director que aunque volvería a dar en la diana con las muy estimables "Nikita, dura de matar (1990)" y "León (El profesional) (1994)", pareció abandonar progresivamente ese registro espectacular e intimista a la vez que es uno de los muchos tesoros que encierra esta larga y apasionante inmersión.

Título original: Le grand bleu.

Director: Luc Besson.

Intérpretes: Jean-Marc Barr, Jean Reno, Rosanna Arquette, Jean Bouisse, Paul Shenar, Sergio Castellitto, Valentina Vargas, Griffin Dunne.

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B.S.O.:

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PÁNICO EN LA CALLE 110 (1972). Corrupción y racismo.

Un grupo de atracadores afroamericanos se hace con un botín de la Mafia. Dos policías de métodos muy distintos son asignados al caso mientras el yerno del Capo Mafioso recibe el encargo de encontrar y eliminar a los atracadores.

No estamos aquí ante una película que nos vaya a mostrar los minuciosos e ingeniosos preparativos de un robo. Estamos en Zona de Guerra de la Nueva York setentera y las cosas se hacen a lo bruto. Sin miramientos y como decía Pike Bishop: "Si se mueven, mátalos". El robo, que es también un baño de sangre, se produce al principio y nos sirve para comprobar como el amateurismo de los perpetradores solventa los obstáculos a base de ráfagas de ametralladora. De ahí en adelante, tras el reparto del botín se nos presenta a los dos bandos que van a tratar de dar caza a los ladrones: La Mafia y la Policía de la Ciudad de Nueva York. Pronto empieza a correr la sangre que como todos sabemos no distingue de colores, galones o linajes.

"Que otra cosa puede traer a los blancos a Harlem si no es el dinero?"

Posiblemente la película no funcionaría tan bien sin el estupendo retrato de personajes sombríos que Barry Shear pone en acción: un policía corrupto y racista a punto de jubilarse (Anthony Quinn), un policía de color que apuesta por la legalidad a rajatabla (Yaphet Kotto) y un capo de la Mafia empeñado en demostrarle a su suegro su capacidad para resolver el suceso rápidamente (Anthony Franciosa). Y huyendo de ellos, tres atracadores empujados por la enfermedad, la miseria o la inconsciencia (genial Antonio Fargas dilapidando su parte en la escena del burdel) que empiezan a constatar que el dinero robado no es sino un billete de ida a la Morgue mas cercana.

Estamos en 1972. Un año antes William Friedkin arrasaba con "French Connection (1971)" y su estética sucia y "realista". Barry Shear la recupera y la lleva a los antros y comisarias mas sórdidas de Harlem .La corrupción y el racismo son mostrados sin tapujos siendo dificil simpatizar con unos personajes que arrastran cansancio y estupor como la pareja de policías o desesperación y crueldad como la del mafioso puesto a prueba.Y mientras, la caza a los atracadores va progresando. Los chanchullos y los vínculos entre la Ley El Crimen van desdibujando los límites. Hay calles que si las cruzas, te cambian la vida y para siempre.

Para envolver y presentar este violento y sórdido paquete nada mejor que la banda sonora facturada por Bobby Womack y J.J. Johnson y cuya canción que da título a la película alcanzó el top 20 de singles USA y fue reutilizada por Tarantino en "Jackie Brown (1997)" y Ridley Scott en "American Gangster (2007)". Realmente, era tan difícil hacer una mala película con tan buenos ingredientes como robarle a la mafia y seguir con vida.

Título original: Across 110th Street.

Director: Barry Shear.

Intérpretes: Anthony Quinn, Yaphet Kotto, Anthony Franciosa, Paul Benjamin, Ed Bernard, Richard Ward, Antonio Fargas.

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B.S.O.:

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LA CAMPANA DEL INFIERNO (1973). El film maldito de Claudio Guerín.

Juan sale del instituto psiquiátrico donde ha estado internado los últimos tres años. Tiene un detallado y macabro plan para ajustar cuentas con lo que resta de su familia. Entretanto, una nueva y poderosa Campana llega al pueblo.

Guerin Hill tras foguearse dirigiendo un segmento de "Los Desafíos (1968)" para Elías Querejeta y mas tarde "La Casa de las Palomas (1971)" con Ornella Mutti y Lucía Bosé, acometió el rodaje de "La Campana del Infierno" con un subidón de buenas ideas y con una estimable confianza a la hora de poner en danza a actores y técnicos involucrados en la película. Al fin y al cabo, rodaba en su Galicia natal y jugaba en casa a pesar de la presencia de algunos actores foráneos como la siempre inquietante Viveca Lindfords o el inexpresivo (cualidad que explota adecuadamente el director) Renaud Verley.

Con una trama inicial de venganza calculada al centímetro que nos parece a medio plazo, previsible, Guerin Hill saca la llave inglesa y empieza darle a la tuerca. Así, homenajeará al Giallo sin mostrar una gota de sangre. Pondrá unas gotas de erotismo acorde con la tímida "apertura" de la época y la ridiculizará en una escena con el sermón del cura. Recuperará al mejor Alfredo Mayo tensándolo hasta alcanzar su intensidad en "La Caza" con la estimable escena del Acuario y destacará el lado oscuro de la Galicia más oscura con una fotografía feísta y húmeda.

Es una lástima que los buenos giros del guión de Santiago Moncada no se vieran acompañados siempre por unos diálogos a la altura, pero aún así, La campana del infierno prevalece por hacer un buen cine diría yo, mas de suspense que de terror y que pocos realizadores hispanos eran capaces de realizar con la cabeza lo bastante fría para no caer en la parodia, la burda copia o el desastre absoluto. Guerin Hill apuntó con "La Campana del infierno" maneras muy estimables que presagiaban que lo mejor estaba aún por venir.

Pero desgraciadamente, la carrera de Claudio Guerin Hill terminó con este largometraje. En pleno rodaje, el director saltando desde un pasadizo a un voladizo de la iglesia de Noya para preparar un plano, se precipitó al vacío desde una altura de 20 metros, muriendo en el trayecto hacia el Hospital.Tenía 35 años. Este único plano que faltaba para concluir la película, fue realizado por Juan Antonio Bardem.

Frase para recordar: "Para el buen funcionamiento de la campana hace falta un contrapeso adecuado. Usted hará una aportación de setenta kilos."

Director: Claudio Guerín.

Intérpretes: Renaud Verley, Viveca Lindfors, Alfredo Mayo, Maribel Martín, Nuria Gimeno, Christina von Blanc.

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LA RESIDENCIA (1969). El debut en la gran pantalla de Narciso Ibáñez Serrador.

Madame Fourneur (Lili Palmer) dirige con mano de hierro una Residencia de señoritas descarriadas que están en el punto de mira de un descuartizador que actúa por las noches.

Para su debut como director en la gran pantalla Narciso Ibáñez Serrador (nacido en Uruguay en 1935 y nacionalizado español) apostó sobre seguro: el Terror Gótico que ya había pulsado con acierto en su serie televisiva "Historias para no dormir". Allí, Serrador ya se había fogueado a conciencia con sótanos, desvanes, gritos horripilantes y toda la parafernalia necesaria para mantener asustado y muy despierto al telespectador. El éxito de la serie le permitió afrontar su primer largometraje con un presupuesto holgado que se tradujo en una ambientación impecable y un curioso casting que mezcla sin complejos a la veterana y solvente Lili Palmer con un grupo de jóvenes que incluye actrices españolas y británicas (como la inquietante Mary Maude) y también modelos publicitarias y presentadoras de continuidad de La Televisión Española de la época.

Revisada con la perspectiva que da el tiempo transcurrido desde su exitoso estreno, "La Residencia" aguanta el tipo perfectamente por su precisión a la hora de mezclar distintos elementos y personajes, permitiéndose realizar malabarismos al arrebatar el protagonismo ahora a una y luego a otra actriz para crear casi un planteamiento coral que le va muy bien a la película. Como también le va bien la efectista banda sonora de Waldo de Los Ríos que Serrador sabe hacer callar en algunos momentos decisivos sabiendo que el silencio vale su peso en oro a la hora de crispar al personal.

Serrador aprovechándose de la tímida "apertura " que la censura empezaba a permitir en aquellos años introduce elegantemente erotismo, voyeurismo, fetichismo y unos cuantos "ismos" más que aliñan la historia conforme a lo que el espectador espera de ella. Pero es en la resolución magistral de los dos únicos asesinatos mostrados en pantalla donde realmente roza la genialidad con el uso de la cámara lenta y la música en uno y del silencio y la imagen fija en otro. También es de agradecer que el único objetivo de su película sea pura y llanamente crear un ambiente terrorífico, lejos de las moralinas y sensiblerías con las que endulzaría su segundo largometraje "Quién puede matar a un niño? (1976)". Aquí, ni el relato inicial de Juan Tébar ni el poderoso guión del propio "Chicho" (acreditado como Luis Peñafiel) conceden tregua ni pausa en su búsqueda de espeluznar al prójimo.

Serrador, como un Ridley Scott cualquiera, mantuvo el rodaje de "La Residencia" en el más absoluto secreto para evitar filtraciones acerca de la historia y por supuesto de su final, en el que el director sucumbe a la tentación de emular sus impactantes finales televisivos, grito desgarrador incluido. Este secretismo creó una expectación tremenda que se tradujo en largas colas para ver "La película de Narciso Ibáñez Serrador" erigiéndose así el Director como la auténtica estrella de la función y real protagonista del evento.

Director: Narciso Ibáñez Serrador.

Intérpretes: Lilli Palmer, Cristina Galbó, John Moulder-Brown, Cándida Losada, Maribel Martín, Pauline Challoner, Mary Maude.

Trailer:

Escena:

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LAZOS ARDIENTES (1996). El debut de los hermanos Wachowski.

Las Chispas saltan cuando Corky conoce a Violet y ya puestas, deciden fugarse no sin robarle antes al novio de Corky el dinero de la mafia que tiene en custodia. Va a ser mas fácil decirlo que hacerlo.

El primer largometraje dirigido y producido por los hermanos Wachowski es notable por múltiples elementos destacando en primer lugar el trío protagonista con tres intérpretes que sin ser grandes "estrellas" potencian cualquier film con su mera presencia: Jennifer Tilly, Gina Gherson y Joe Pantoliano. Le sigue un guión espléndido, sin fisuras ni tiempos muertos y de propina, nos anticipa en una sola secuencia el famoso "tiempo bala" que se hará legendario en Matrix. No está mal para empezar.

Los Wachowski ubican prácticamente toda la acción de la película en dos apartamentos contiguos y esa unidad de lugar, rota apenas en dos o tres secuencias nos remite a un formato teatral en donde los tres protagonistas se despachan a gusto, en especial Joe Pantoliano que compone un personaje antológico, vil y paranoico por el cual no obstante, hasta llegamos a sentir una cierta compasión al ver la encerrona que se le está preparando.

Bound equilibra la fuerte carga erótica que transmiten los personajes de Corky y Violet (para las escenas eróticas tiraban de tequila y del asesoramiento de la escritora feminista y educadora sexual Susie Bright que tiene una corta aparición en la película) con un suspense malvado y efectivo en el que los Wachowski se mueven sorprendentemente cómodos y que como mínimo, le habrían hecho levantar a Hitchcock una ceja o incluso hasta dos. Y así, convierten al espectador, voyeurista por naturaleza de imágenes y emociones, en testigo tanto de los escarceos amorosos de las protagonistas como de sus tretas y tejemanejes para cargarle el muerto a Caesar.

El trío protagonista se ve complementado por algunos secundarios que son también especialistas en elevar el interés de las películas en las que intervienen. Por ejemplo, el gran John P Ryan, Christopher Meloni y un insólito Richard C Sarafian (director de "Punto límite; Cero (1971)" y "El hombre de una tierra salvaje (1971)", entre otras) que aquí da vida al embrutecido y nada elegante jefe mafioso propietario del dinero.

Tres años después, los hermanos Wachowski conquistarían el mundo con "Matrix" y emprenderían un sinuoso y desigual camino en su filmografía, repleta de efectos especiales y grandes presupuestos. Bound quedaría atrás con su valentía y realismo al tratar la relación sáfica, su inspiración artesanal y su firme pulso. En cualquier caso, Los hermanos Wachowski se estrenaron con lo que quizás sea el primer film mainstream que contiene una relación lésbica realista sin que la homosexualidad sea el ingrediente principal de la trama.

Frase para recordar: "Para mi, robar se parece mucho al sexo. Dos personas que quieren lo mismo. Van a una habitación. Hablan de ello. Hacen un plan. Y cuanto mas hablan de ello, mas cachondos se ponen. La diferencia es que puedo follar con alguien que acabo de conocer pero para robarle necesito conocerlo tanto como me conozco a mi misma."

Título original: Bound.

Directores: Andy y Larry Wachowski.

Intérpretes: Jennifer Tilly, Gina Gershon, Joe Pantoliano, John P. Ryan, Barry Kivel, Christopher Meloni, Richard C. Sarafian.

Trailer:

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EL ASESINATO DE LA HERMANA GEORGE (1969). Crónica del fracaso.

June Buckridge es la estrella de un serial televisivo en el que encarna a la simpática y apacible Hermana George. El mundo se le desploma encima cuando advierte que su personaje va a ser "asesinado" en la serie mientras una ambiciosa productora le arrebata a su joven amante.

Robert Aldrich aparca momentáneamente la violencia física que preside muchos de sus filmes para abordar, como ya hizo con "El gran cuchillo (1955)" o "¿Qué fue de Baby Jane? (1962)" la violencia psicológica. Esta vez, el vehículo es la adaptación de una cruda obra teatral que nos muestra sin medias tintas el contraste del personaje principal magníficamente interpretado por Beryl Reid, que en su vida cotidiana es la antítesis del pacífico personaje que interpreta en televisión. El entorno en el que se mueve es algo parecido a un campo de minas, con una relación inestable con una mujer mucho mas joven que ella y un equipo de rodaje que ha decidido deshacerse de ella de una vez por todas.

Rodada integramente en Inglaterra, The Killing Of Sister George plantea una mirada despiadada sobre la rivalidad tanto sexual como profesional que la protagonista trata de afrontar inútilmente. Su tiempo ha pasado y sólo le espera la soledad del armario de los juguetes rotos. Su puesto será ocupado por alguien mas acorde con los nuevos tiempos y cuando finalmente Mercy Croft, interpretada magistralmente por Coral Browne, esposa de Vincent Price, le arrebate a su pareja sólo le quedará la opción de llorar y mugir como una vaca en uno de los finales mas desgarradores que puedan contemplarse en una pantalla.

Sobre estas actuaciones y sin olvidar a una joven Susannah York, Aldrich se apoya cómodamente para filmar la desintegración del universo de la protagonista a la cual nos ha mostrado previamente de una forma implacable: masculina, insegura y egoísta. Aún así, no podemos evitar sentir lástima por el expolio tanto emocional como profesional de la que es objeto y que en ocasiones, nos remite al tono crepuscular de Peckinpah, otro especialista en retratar personajes cuya era ha terminado y sin un lugar concreto en el que refugiarse.

El papel de June fue ofrecido y rechazado por Bette Davis y Angela Lansbury siendo finalmente la ya veterana Beryl Reid quien se atrevió con este personaje atormentado y desagradable, dándole una verosimilitud impresionante (solo hay que ver la forma en que sienta y enciende un pitillo) y que es clave para el impacto que produce la película.

El film no consiguió recaudar suficiente para cubrir sus elevados costes pero a cambio, obtuvo el certificado X de clasificación moral que precisamente se instituyó durante el rodaje de la película. También es mala suerte.

Título original: The Killing of Sister George.

Director: Robert Aldrich.

Intérpretes: Beryl Reid, Susannah York, Coral Browne, Ronald Fraser, Patricia Medina, Cyril Delevanti, Elaine Church.

Escena:

B.S.O.:

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RE-ANIMATOR (1985). Revivir a los muertos.

Herbert West ha sintetizado un suero que devuelve los muertos a la vida. Cuando llega a la Universidad de Miskatonic, se dedica a perfeccionarlo con la ayuda de su compañero de cuarto ya que hasta el momento, los reanimados suelen tener muy mal despertar.

Brian Yuzna produce. Stuart Gordon dirige. Jeffrey Combs interpreta. Sobre este trío de ases e inspirándose vagamente en el relato corto de H.P. Lovecraft "Herbert West: reanimador", los aludidos anteriormente perpetran una gamberrada que mezcla, agita y emulsiona una entretenida mezcla de horror y comedia que en su momento impactó agradablemente en los paladares de los amantes de las emociones fuertes tirando a extremas. Como olvidar, por citar un ejemplo ya clásico, esa cabeza cercenada intentando un cunnilingus con la heroína de la función. Como olvidar al gato reanimado y sobretodo, como olvidar al West que compone Jeffrey Combs, un actor confortablemente afincado en la Serie B, permanentemente ceñudo y con una voluntad inquebrantable de proseguir con sus experimentos cueste lo que cueste y caiga quien caiga.

-"Dan Cain: Esta muerto?

-Herbert West: Ya no."

Re-Animator aparece en el momento y lugar necesario, abriéndose paso a patadas, mordiscos y empujones para marcar un territorio nuevo dentro del cine de horror. Quizás ahora, en pleno apogeo de las gamberradas gore que buscan impactar a cualquier precio, puede parecer menos provocativa pero en 1985, aquello era material de primera que innovaba el género sin perder el tufo familiar de Serie B y el encanto que por ejemplo la Hammer había perdido hacía tiempo. Gordon y Yuzna, con la fe inquebrantable de los que saben que han hallado el camino, disparaban a matar facturando 86 minutos absolutamente adrenalínicos. acertando con gags groseros e imágenes grotescas que conviertieron rápidamente a Re-Animator en un un film de culto, disfrutable y revisable entre risas y escalofríos.

El éxito de la formula propició dos secuelas: "Bride Of Re-Animator (1990)" y "Beyond Re-Animator (2003)", ambas producidas y dirigidas por Brian Yuzna y por supuesto con Jeffrey Combs como el protagonista con la jeringuilla fosforescente.

Director: Stuart Gordon.

Intérpretes: Jeffrey Combs, Bruce Abbott, Barbara Crampton, David Gale, Robert Sampson, Gerry Black.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por George Suckelectronic

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