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el-show-de-truman
¿Y si el mundo que consideramos real no es tal? ¿Si nuestra vida, nuestra familia y nuestros amigos están puestos ahí para deformar nuestra existencia pues lo que somos es muy distinto a lo que creemos ser?

Esa es la premisa de esta película, un experimento entre la cueva de Platón y el Gran Hermano de Orwell. Nuestro héroe Truman, el true man, el hombre verdadero, vive en un mundo de mentiras representado en la artificiosa ciudad de Seahaven, un enorme decorado dentro de un inmenso domo con sol, estrellas y hasta un mar que rodea a la isla, donde las condiciones climáticas, atmosféricas y circadianas son resueltas por la voluntad de su creador: Christof.

Truman Burbank es el primer ser humano nacido dentro de un programa de televisión que lleva al aire treinta años, donde todos los demás, incluidas su madre, su esposa y su mejor amigo son actores que siguen un libreto orquestado por el genio Christof, quien decide como desarrollar la historia, a qué hora come, vive y ama su personaje marioneta, y no duda en eliminar a quien intente insinuar la verdad verdadera y como tamaño espectáculo debe costar una fortuna no hay duda que en esta serie que se trasmite 24-7 habrá espacio para comerciales de poderosos auspiciantes.

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Un día cae algo del cielo, no es una estrella fugaz, es una enorme lámpara que hace que Truman mire arriba y se cuestione quién es su verdadero Dios. El ignora que su vida ha sido filmada y transmitida en una telenovela de gran audiencia desde que estaba en útero materno y que todo lo vivido ha sido llevado bajo un estricto control y reproducida por cámaras ubicadas en los lugares más insólitos de su vivienda y por supuesto, de la ciudad, registrando cada detalle nimio de su vivir.

Pero la ciudad de Seahaven tiene límites, los cuales él no podrá traspasar. Al ser una isla su acceso es por agua y su creador se inventa una tragedia que le provoque pánico al agua. Su vida es plana, sin aparentes grandes emociones y por supuesto, no hay lugar para los sueños ni deseos de explorar, así se aseguran que nunca tendrá anhelos para remontarse más allá de este terruño.

Sin embargo en su adolescencia conoció a alguien y estuvo a punto de contarle lo que ocurre. El sistema de seguridad intervino a tiempo y eliminaron la amenaza. Años más tarde un personaje que creía muerto reaparece. Se las ingenian para encontrar una explicación. Lo que menos sospechan es que Truman ha empezado a ver más allá de las sombras de la caverna y que el único lugar al cual no pueden acceder las cámaras es a su mente donde urdirá un ingenioso plan de escape.

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Peter Weir, magnífico realizador en cuyo haber hay mucho cine, con un ingenioso guión de Andrew Mc Nichol nos crean esta fábula que posiblemente tenga algún defecto, no obstante el resultado final es contundente. Juega con el nivel de la percepción de la realidad por parte de Truman y por otra critica muy duramente a una sociedad ávida de morbo que especta día tras día las vidas ajenas en un reality basura, no obstante, la parábola platónica radica en que hay dos tipos de personas, los que saben la realidad y quienes no, los primeros son los dominantes, los que ostentan el poder y usarán los medios para que los segundos se mantengan en la ignorancia. Christof es el primero, Truman el otro.

Jim Carrey no es un actor que me entusiasme demasiado, de hecho, la mayoría de sus películas me resultan prescindibles, aunque hay 2 que 3 que honestamente reconozco la validez de su presencia y cuyo resultado no hubiera sido posible sin este histriónico personaje. Quizás la presente es la principal. Y si su "Buenos días y si no los veo buenas tardes y buenas noches" me cae de la patada al inicio, en la conclusión es de lo más revelador. Ed Harris, Christof, para sacarme el sombrero.


el-show-de-truman

Por último unas curiosidades:
Seahaven, quiere decir, refugio en el mar. El lema de la ciudad es "Omnis pro uno", todos para uno, pues este mundo ficticio ha sido creado para Truman. Y Christof, abreviación de Christopher, es aquel que lleva al Cristo, al mesías, en este caso quien maneja a nuestro héroe.

En Psiquiatría en el año 2008 se acuñó el término "Delirio de Show de Truman" para designar al padecimiento de pacientes esquizofrénicos que creían vivir en una realidad paralela dentro de un show de tv por el Dr. Joel Gold. En Reino Unido se registraron pacientes con igual delirio y la British Journal of Psychiatry lo ha catalogado como "El síndrome de Truman".

el-show-de-truman

Título original: The Truman Show.

Director: Peter Weir.

Intérpretes: Jim Carrey, Laura Linney, Noah Emmerich, Ed Harris, Natascha McElhone, Holland Taylor, Paul Giamatti, Adam Tomei.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

EL SHOW DE TRUMAN (1998). Una vida en directo.

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¿Y si el mundo que consideramos real no es tal? ¿Si nuestra vida, nuestra familia y nuestros amigos están puestos ahí para deformar nuestra existencia pues lo que somos es muy distinto a lo que creemos ser?

Esa es la premisa de esta película, un experimento entre la cueva de Platón y el Gran Hermano de Orwell. Nuestro héroe Truman, el true man, el hombre verdadero, vive en un mundo de mentiras representado en la artificiosa ciudad de Seahaven, un enorme decorado dentro de un inmenso domo con sol, estrellas y hasta un mar que rodea a la isla, donde las condiciones climáticas, atmosféricas y circadianas son resueltas por la voluntad de su creador: Christof.

Truman Burbank es el primer ser humano nacido dentro de un programa de televisión que lleva al aire treinta años, donde todos los demás, incluidas su madre, su esposa y su mejor amigo son actores que siguen un libreto orquestado por el genio Christof, quien decide como desarrollar la historia, a qué hora come, vive y ama su personaje marioneta, y no duda en eliminar a quien intente insinuar la verdad verdadera y como tamaño espectáculo debe costar una fortuna no hay duda que en esta serie que se trasmite 24-7 habrá espacio para comerciales de poderosos auspiciantes.

el-show-de-truman

Un día cae algo del cielo, no es una estrella fugaz, es una enorme lámpara que hace que Truman mire arriba y se cuestione quién es su verdadero Dios. El ignora que su vida ha sido filmada y transmitida en una telenovela de gran audiencia desde que estaba en útero materno y que todo lo vivido ha sido llevado bajo un estricto control y reproducida por cámaras ubicadas en los lugares más insólitos de su vivienda y por supuesto, de la ciudad, registrando cada detalle nimio de su vivir.

Pero la ciudad de Seahaven tiene límites, los cuales él no podrá traspasar. Al ser una isla su acceso es por agua y su creador se inventa una tragedia que le provoque pánico al agua. Su vida es plana, sin aparentes grandes emociones y por supuesto, no hay lugar para los sueños ni deseos de explorar, así se aseguran que nunca tendrá anhelos para remontarse más allá de este terruño.

Sin embargo en su adolescencia conoció a alguien y estuvo a punto de contarle lo que ocurre. El sistema de seguridad intervino a tiempo y eliminaron la amenaza. Años más tarde un personaje que creía muerto reaparece. Se las ingenian para encontrar una explicación. Lo que menos sospechan es que Truman ha empezado a ver más allá de las sombras de la caverna y que el único lugar al cual no pueden acceder las cámaras es a su mente donde urdirá un ingenioso plan de escape.

el-show-de-truman

Peter Weir, magnífico realizador en cuyo haber hay mucho cine, con un ingenioso guión de Andrew Mc Nichol nos crean esta fábula que posiblemente tenga algún defecto, no obstante el resultado final es contundente. Juega con el nivel de la percepción de la realidad por parte de Truman y por otra critica muy duramente a una sociedad ávida de morbo que especta día tras día las vidas ajenas en un reality basura, no obstante, la parábola platónica radica en que hay dos tipos de personas, los que saben la realidad y quienes no, los primeros son los dominantes, los que ostentan el poder y usarán los medios para que los segundos se mantengan en la ignorancia. Christof es el primero, Truman el otro.

Jim Carrey no es un actor que me entusiasme demasiado, de hecho, la mayoría de sus películas me resultan prescindibles, aunque hay 2 que 3 que honestamente reconozco la validez de su presencia y cuyo resultado no hubiera sido posible sin este histriónico personaje. Quizás la presente es la principal. Y si su "Buenos días y si no los veo buenas tardes y buenas noches" me cae de la patada al inicio, en la conclusión es de lo más revelador. Ed Harris, Christof, para sacarme el sombrero.


el-show-de-truman

Por último unas curiosidades:
Seahaven, quiere decir, refugio en el mar. El lema de la ciudad es "Omnis pro uno", todos para uno, pues este mundo ficticio ha sido creado para Truman. Y Christof, abreviación de Christopher, es aquel que lleva al Cristo, al mesías, en este caso quien maneja a nuestro héroe.

En Psiquiatría en el año 2008 se acuñó el término "Delirio de Show de Truman" para designar al padecimiento de pacientes esquizofrénicos que creían vivir en una realidad paralela dentro de un show de tv por el Dr. Joel Gold. En Reino Unido se registraron pacientes con igual delirio y la British Journal of Psychiatry lo ha catalogado como "El síndrome de Truman".

el-show-de-truman

Título original: The Truman Show.

Director: Peter Weir.

Intérpretes: Jim Carrey, Laura Linney, Noah Emmerich, Ed Harris, Natascha McElhone, Holland Taylor, Paul Giamatti, Adam Tomei.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

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patton
"Quiero que recordéis que ningún bastardo ha ganado jamás guerra alguna muriendo por su patria. La ha ganado haciendo que otros estúpidos bastardos murieran por ella".

Así con esta introducción mucho más extensa se muestra a un guerrero moderno consagrado y sacrificado a las exigencias políticas de su país. Patton relata la campaña de las fuerzas norteamericanas en el frente occidental, al mando de los generales Patton y Bradley, en cuyas biografías bélicas está basada la narración, durante su invasión por el sur de Europa y la marcha final sobre Berlín.

Se hace hincapié en las principales batallas, desde la campaña de África, donde se enfrenta al mariscal Rommel y destruye los carros de combate germanos, hasta el desembarco en Sicilia, la toma de Mesina, con la ayuda del general británico Montgomery, viejo competidor de Patton, y el avance por Italia. Así, tras la contraofensiva de la batalla de las Ardenas, cruzará la resistencia nazi por Checoslovaquia, para llegar a la capital del derrotado Reich alemán y ser detenido su enfrentamiento con los soviéticos, ya que su intención era llegar hasta Moscú.

Con música de J. Goldsmith, dirigida por Franklin J. Shaffner, autor, entre otros de obras como "El señor de la guerra (1965)", "El planeta de los simios (1968)", "Papillón (1973)" o "Los niños del Brasil (1978)" y con guión de Francis Ford Coppola y Edmund H. North, basado en las biografías de Ladislas Farago (Ordela and Triumph) y Omar N. Bradley (A soldier’s Story), Patton es una de las mejores cintas que el cine bélico nos ha dado desde la perspectiva del Estado Mayor; la película ofrece un impresionante biopic del general Patton, uno de los ganadores de la contienda, que tantas proezas llevó a cabo en la Segunda Guerra Mundial. No es una producción historiográfica más para mayor gloria del General, sino un duro, eficaz y realista retrato de uno de los principales y conflictivos artífices de la derrota de los nazis que comienza con la batalla de Guettar, en la campaña del norte de África, para seguir con la toma de Sicilia y finalizar con la batalla de las Ardenas en el centro de Europa, dentro de un tono tan duro como intimista.

patton

Rodada en África y España, en un periodo en que se realizaban algunas superproducciones fuera de los estudios de California, trasladando el rodaje mayoritariamente a Europa y más concretamente en España, donde Gil Parrondo y Antonio Mateos ganaron un Óscar por su trabajo. Patton resulta un film de estimable calidad artística, que tiene como mayor virtud la de hacer ver al espectador la guerra desde el Estado Mayor: a nivel de generales, quienes se baten en las altas esferas, con sus pasiones y miserias, pero reciben los más duros golpes sus tropas, el pueblo. Sin embargo, esos hombres que regían en aquellos momentos el destino de la humanidad también eran víctimas de sus dramas personales, de una tragedia íntima que está bien representada por el "coloso" Patton.

El personaje del general Patton, lleno de matices y fabulosamente interpretado por el duro George C. Scott, que ganó el Óscar al mejor actor principal, pero el actor, fiel a sus ideas, rechazó el premio permaneciendo en su casa viendo un partido de hockey en la televisión, da vida a la figura altiva del general, aparentemente cruel, megalómano, inteligente y profundamente religioso, muestra el orgullo del soldado estadounidense y las virtudes y los defectos de todo un país.

Patton fue un soldado, poeta-guerrero, político-militar, nada diplomático, perteneciente a una época antigua y puesta en el mando contemporáneo para encabezar una misión, un ser odiado y querido a partes iguales.

patton

Rodada con gran abundancia de medios, en un hábil juego de grúas y travellings en largos y suntuosos planos, el relato contiene secuencias bélicas muy bien construidas en escenarios naturales y con maquetas difícilmente reconocibles, las cuales proporcionan al espectador a la mejor comprensión del significado que tuvo la Segunda Guerra Mundial, aportando una panorámica completa de la contienda, si somos capaces de despojar la inevitable propaganda yanqui que aflora en algunos momentos de la cinta y la exaltación de la individualidad. Rodada con abundantes medios y con hábiles travellings en largos planos, comienza con la batalla de Guettar, en la campaña del Norte de África, para seguir con la toma de Sicilia y finalizar con la batalla de las Ardenas en el centro de Europa, dentro de un tono tan duro como intimista.

La obra de Shaffner, una de las pocas que ofrece una panorámica completa de la conflagración bélica, se llevó merecidamente los Oscar a los mejores Film, Director, Guión, Decorados y Actor principal de 1970.


patton

Como curiosidad, añadir que la vida del enigmático general dio lugar a una secuela dentro del cine de política-ficción. Debido que a Patton, quien, como ya hemos comentado, desde Berlín quería invadir la URSS y acabar cuanto antes con los comunistas, murió en extrañas circunstancias antes de regresar a EEUU, el realizador John Hough dio luz a un thriller de conspiración, a modo de segunda parte: "Objetivo Patton (1978)", interpretado por John Cassavetes, Sofia Loren, George Kennedy y Max von Sydow, donde se pone en tela de juicio el sistema político de EEUU al especular con el posible asesinato del famoso general.

Un prólogo de seis minutos de duración, donde Patton arenga a una invisible tropa sobre del fondo de una gigantesca bandera norteamericana, anuncia que no se trata de una obra vulgar. Scott propuso, muy sabiamente, que este discurso tuviera lugar al final de la película para finalizarla al nivel más alto; el director se opuso a ello y creo que se equivocó.


patton

Director: Franklin J. Schaffner.

Intérpretes: George C. Scott, Karl Malden, Stephen Young, Michael Bates, Michael Strong, James Edwards, Frank Latimore, Morgan Paull, Jack Gwillim.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

PATTON (1970). George C. Scott es el general Patton.

patton
"Quiero que recordéis que ningún bastardo ha ganado jamás guerra alguna muriendo por su patria. La ha ganado haciendo que otros estúpidos bastardos murieran por ella".

Así con esta introducción mucho más extensa se muestra a un guerrero moderno consagrado y sacrificado a las exigencias políticas de su país. Patton relata la campaña de las fuerzas norteamericanas en el frente occidental, al mando de los generales Patton y Bradley, en cuyas biografías bélicas está basada la narración, durante su invasión por el sur de Europa y la marcha final sobre Berlín.

Se hace hincapié en las principales batallas, desde la campaña de África, donde se enfrenta al mariscal Rommel y destruye los carros de combate germanos, hasta el desembarco en Sicilia, la toma de Mesina, con la ayuda del general británico Montgomery, viejo competidor de Patton, y el avance por Italia. Así, tras la contraofensiva de la batalla de las Ardenas, cruzará la resistencia nazi por Checoslovaquia, para llegar a la capital del derrotado Reich alemán y ser detenido su enfrentamiento con los soviéticos, ya que su intención era llegar hasta Moscú.

Con música de J. Goldsmith, dirigida por Franklin J. Shaffner, autor, entre otros de obras como "El señor de la guerra (1965)", "El planeta de los simios (1968)", "Papillón (1973)" o "Los niños del Brasil (1978)" y con guión de Francis Ford Coppola y Edmund H. North, basado en las biografías de Ladislas Farago (Ordela and Triumph) y Omar N. Bradley (A soldier’s Story), Patton es una de las mejores cintas que el cine bélico nos ha dado desde la perspectiva del Estado Mayor; la película ofrece un impresionante biopic del general Patton, uno de los ganadores de la contienda, que tantas proezas llevó a cabo en la Segunda Guerra Mundial. No es una producción historiográfica más para mayor gloria del General, sino un duro, eficaz y realista retrato de uno de los principales y conflictivos artífices de la derrota de los nazis que comienza con la batalla de Guettar, en la campaña del norte de África, para seguir con la toma de Sicilia y finalizar con la batalla de las Ardenas en el centro de Europa, dentro de un tono tan duro como intimista.

patton

Rodada en África y España, en un periodo en que se realizaban algunas superproducciones fuera de los estudios de California, trasladando el rodaje mayoritariamente a Europa y más concretamente en España, donde Gil Parrondo y Antonio Mateos ganaron un Óscar por su trabajo. Patton resulta un film de estimable calidad artística, que tiene como mayor virtud la de hacer ver al espectador la guerra desde el Estado Mayor: a nivel de generales, quienes se baten en las altas esferas, con sus pasiones y miserias, pero reciben los más duros golpes sus tropas, el pueblo. Sin embargo, esos hombres que regían en aquellos momentos el destino de la humanidad también eran víctimas de sus dramas personales, de una tragedia íntima que está bien representada por el "coloso" Patton.

El personaje del general Patton, lleno de matices y fabulosamente interpretado por el duro George C. Scott, que ganó el Óscar al mejor actor principal, pero el actor, fiel a sus ideas, rechazó el premio permaneciendo en su casa viendo un partido de hockey en la televisión, da vida a la figura altiva del general, aparentemente cruel, megalómano, inteligente y profundamente religioso, muestra el orgullo del soldado estadounidense y las virtudes y los defectos de todo un país.

Patton fue un soldado, poeta-guerrero, político-militar, nada diplomático, perteneciente a una época antigua y puesta en el mando contemporáneo para encabezar una misión, un ser odiado y querido a partes iguales.

patton

Rodada con gran abundancia de medios, en un hábil juego de grúas y travellings en largos y suntuosos planos, el relato contiene secuencias bélicas muy bien construidas en escenarios naturales y con maquetas difícilmente reconocibles, las cuales proporcionan al espectador a la mejor comprensión del significado que tuvo la Segunda Guerra Mundial, aportando una panorámica completa de la contienda, si somos capaces de despojar la inevitable propaganda yanqui que aflora en algunos momentos de la cinta y la exaltación de la individualidad. Rodada con abundantes medios y con hábiles travellings en largos planos, comienza con la batalla de Guettar, en la campaña del Norte de África, para seguir con la toma de Sicilia y finalizar con la batalla de las Ardenas en el centro de Europa, dentro de un tono tan duro como intimista.

La obra de Shaffner, una de las pocas que ofrece una panorámica completa de la conflagración bélica, se llevó merecidamente los Oscar a los mejores Film, Director, Guión, Decorados y Actor principal de 1970.


patton

Como curiosidad, añadir que la vida del enigmático general dio lugar a una secuela dentro del cine de política-ficción. Debido que a Patton, quien, como ya hemos comentado, desde Berlín quería invadir la URSS y acabar cuanto antes con los comunistas, murió en extrañas circunstancias antes de regresar a EEUU, el realizador John Hough dio luz a un thriller de conspiración, a modo de segunda parte: "Objetivo Patton (1978)", interpretado por John Cassavetes, Sofia Loren, George Kennedy y Max von Sydow, donde se pone en tela de juicio el sistema político de EEUU al especular con el posible asesinato del famoso general.

Un prólogo de seis minutos de duración, donde Patton arenga a una invisible tropa sobre del fondo de una gigantesca bandera norteamericana, anuncia que no se trata de una obra vulgar. Scott propuso, muy sabiamente, que este discurso tuviera lugar al final de la película para finalizarla al nivel más alto; el director se opuso a ello y creo que se equivocó.


patton

Director: Franklin J. Schaffner.

Intérpretes: George C. Scott, Karl Malden, Stephen Young, Michael Bates, Michael Strong, James Edwards, Frank Latimore, Morgan Paull, Jack Gwillim.

Trailer:


Escena:


B.S.O.:


Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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el-señor-de-las-moscas
"El señor de las moscas", la primera y más célebre novela de William Golding, publicada en 1954, es un clásico de la literatura inglesa y de obligada lectura en colegios e institutos. En ella se trata temas como la civilización contra la barbarie o la pérdida de la inocencia infantil. El título de la novela alude a la maldad humana, representada por Belcebú, deidad filistea y también conocido como "Señor de las moscas".

Existen dos versiones cinematográficas ; la que nos ocupa de 1963, en glorioso blanco y negro y más fiel a la novela de Golding y otra en color dirigida por Harry Hook en 1990, que aunque interesante creo que  es inferior en calidad y atmósfera a la de  Brook. El proyecto de la adaptación  surge dentro del seno de la Ealing Studios aunque debido a su cierre en 1959 no se pudo completar. Su director Peter Brook tuvo la acertada idea de reunir en las islas caribeñas de Puerto Rico, Vieques, Aguadilla o El Yunque a un elenco  de actores infantiles no profesionales que incluso aún no habían leído la novela, lo que confiere al film una naturalidad y frescura que sin duda le beneficia a la hora de mostrar como en un grupo de niños abandonados a su suerte surgen los mas primitivos instintos salvajes que impiden su convivencia civilizada. Existe un documental de la BBC con el título de "Time Flies (1996)" que reúne al director y a los protagonistas 33 años después en los mismos escenarios naturales.

el-señor-de-las-moscas

Como protagonistas de la historia tenemos a los niños de mayor edad, Ralph (James Aubrey) y "Piggy" ("Cerdito", Hugh Edwards) se encuentran al comienzo del film solos en la desierta isla . Ralph tiene alma de líder y Piggy es bastante más inseguro. En la orilla de la playa encuentran una caracola que usan como reclamo para llamar a los posibles supervivientes del accidente de avión y no tarda en aparecer un grupo de niños uniformados y cantando en coro, lo que da pie a uno de los momentos mas surrealistas de la película. Jack (Tom Chapin) es el líder del coro de niños y de la misma manera pretende erigirse en jefe de los supervivientes, pero tras una votación eligen a Ralph que en principio dirige al grupo de manera civilizada y ateniéndose a unas reglas de convivencia. El impulso de liderazgo a cualquier precio por parte de Jack le lleva a crear un grupo de cazadores cuyas expediciones no tardan en convertirse en el sustento alimenticio del grupo. Sus métodos se vuelven cada vez más salvajes y primitivos y no tardarán en desobedecer las órdenes de Ralph, cuestionando de esa manera su elección democrática. Además entre los niños empieza a surgir el miedo a lo desconocido y muchos de ellos empiezan a creer en la existencia de una bestia en la isla. Los cazadores de Jack se confirman como principales protectores del grupo frente a "La bestia" y Ralph y Piggy se quedarán prácticamente solos con sus convicciones racionales y equitativas.


Peter Brook, reputado director teatral y autor de otras adaptaciones literarias al cine tales como "Marat/Sade (1967)" y "El rey Lear (1971)" dirige  este oscuro thriller de aventuras donde la belleza idílica de los parajes caribeños no impiden que afloren los miedos y la violencia mas primaria en un grupo de niños que no tardan en cruzar la delgada línea existente entre la anarquía y la civilización.

el-señor-de-las-moscas

Título original: Lord of the Flies.

Director: Peter Brook.

Intérpretes: James Aubrey, Tom Chapin, Hugh Edwards, Tom Gaman, Roger Elwin.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

EL SEÑOR DE LAS MOSCAS (1963). La perdida de la inocencia infantil.

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"El señor de las moscas", la primera y más célebre novela de William Golding, publicada en 1954, es un clásico de la literatura inglesa y de obligada lectura en colegios e institutos. En ella se trata temas como la civilización contra la barbarie o la pérdida de la inocencia infantil. El título de la novela alude a la maldad humana, representada por Belcebú, deidad filistea y también conocido como "Señor de las moscas".

Existen dos versiones cinematográficas ; la que nos ocupa de 1963, en glorioso blanco y negro y más fiel a la novela de Golding y otra en color dirigida por Harry Hook en 1990, que aunque interesante creo que  es inferior en calidad y atmósfera a la de  Brook. El proyecto de la adaptación  surge dentro del seno de la Ealing Studios aunque debido a su cierre en 1959 no se pudo completar. Su director Peter Brook tuvo la acertada idea de reunir en las islas caribeñas de Puerto Rico, Vieques, Aguadilla o El Yunque a un elenco  de actores infantiles no profesionales que incluso aún no habían leído la novela, lo que confiere al film una naturalidad y frescura que sin duda le beneficia a la hora de mostrar como en un grupo de niños abandonados a su suerte surgen los mas primitivos instintos salvajes que impiden su convivencia civilizada. Existe un documental de la BBC con el título de "Time Flies (1996)" que reúne al director y a los protagonistas 33 años después en los mismos escenarios naturales.

el-señor-de-las-moscas

Como protagonistas de la historia tenemos a los niños de mayor edad, Ralph (James Aubrey) y "Piggy" ("Cerdito", Hugh Edwards) se encuentran al comienzo del film solos en la desierta isla . Ralph tiene alma de líder y Piggy es bastante más inseguro. En la orilla de la playa encuentran una caracola que usan como reclamo para llamar a los posibles supervivientes del accidente de avión y no tarda en aparecer un grupo de niños uniformados y cantando en coro, lo que da pie a uno de los momentos mas surrealistas de la película. Jack (Tom Chapin) es el líder del coro de niños y de la misma manera pretende erigirse en jefe de los supervivientes, pero tras una votación eligen a Ralph que en principio dirige al grupo de manera civilizada y ateniéndose a unas reglas de convivencia. El impulso de liderazgo a cualquier precio por parte de Jack le lleva a crear un grupo de cazadores cuyas expediciones no tardan en convertirse en el sustento alimenticio del grupo. Sus métodos se vuelven cada vez más salvajes y primitivos y no tardarán en desobedecer las órdenes de Ralph, cuestionando de esa manera su elección democrática. Además entre los niños empieza a surgir el miedo a lo desconocido y muchos de ellos empiezan a creer en la existencia de una bestia en la isla. Los cazadores de Jack se confirman como principales protectores del grupo frente a "La bestia" y Ralph y Piggy se quedarán prácticamente solos con sus convicciones racionales y equitativas.


Peter Brook, reputado director teatral y autor de otras adaptaciones literarias al cine tales como "Marat/Sade (1967)" y "El rey Lear (1971)" dirige  este oscuro thriller de aventuras donde la belleza idílica de los parajes caribeños no impiden que afloren los miedos y la violencia mas primaria en un grupo de niños que no tardan en cruzar la delgada línea existente entre la anarquía y la civilización.

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Título original: Lord of the Flies.

Director: Peter Brook.

Intérpretes: James Aubrey, Tom Chapin, Hugh Edwards, Tom Gaman, Roger Elwin.

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Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

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plan-de-escape
Antes de que los seguidores de "La Página de las Mejores Películas de la Historia del Cine" me abucheen, quiero dejar claro que, en esta ocasión, no escribo sobre "una de las mejores", pero sí sobre una que contiene "a los mejores", los mejores en la acción de los 80’s y 90’s, que aquí estuvieron juntos. Precisamente el 18 de Octubre de hace 3 años se estrenó "Plan de escape". Proyecto que anteriormente iba a bautizarse como "La Tumba", y que estuvo a punto de dirigir Antoine Fuqua "Los 7 magníficos (2016)". 

Películas tales como "Tango y Cash (1989)" y "Demolition man (1993)" contenían ironías de "Sly" hacia "Arnie", recibiendo cómica reciprocidad con cintas de la talla de "Los gemelos golpean 2veces (1988)" y "El último gran héroe (1993)". Todos estos hechos levantaban "las chispas" del aficionado a la acción, dejando en un futuro alternativo la maravillosa oportunidad de ser testigos de la unión de los 2 gallos del gallinero en la acción..."chispas" que a mi juicio podían haberse convertido en "llamaradas" de espectacularidad, pero... "Plan de escape" no es lo que parece, debido a que la acción está supeditada a la intriga moviéndose con Arnold y Stallone en unos registros interpretativos diferentes a lo que era de esperar.

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Sylvester es un inteligentísimo, intuitivo y observador escapista profesional y Schwarzenegger es un peligroso criminal atento y cerebral. Los dos gorilas de espalda plateada que sin lugar a dudas, se han convertido en líderes de la manada del numeroso grupo de héroes armados y peligrosos que han poblado el panorama cinematográfico ochentero, son aquí algo diferentes. 

Lo que podía haberse convertido en una lucha de egos, se muta en una colaboración en la que los 2 fornidos protagonistas dejan clara su patente muestra de compromiso y lealtad de uno hacia el otro. Los cameos de los que habían sido partícipes quedan atrás para un "cara a cara" en una película con transfondo carcelario en el que priman la intriga y el drama por encima de la acción, con disparos y tortas (que las tiene)... Quizá Stallone esté más preparado en esto de fugarse de cárceles, ahí están "Encerrado (1989)", "Evasión o victoria (1981)" y la comentada "Tango y Cash", pero "Mi Arnold" no se quedó atrás en "The Running man (1987)". Así que "el plan" con maneras de buddy movie estuvo servido para que las esperanzas añoradas por el seguidor de las estrellas de antaño, se convirtieran en las llamas deseadas de una pareja de mastodontes imparables, luchando por salir a golpe de experiencia, fuerza, virilidad, chulería, y una pizca de humor pícaro y sinvergüenza, de la jaula en la que les habían metido.

plan-de-escape

Es posible que la única pega del planteamiento fílmico estuviera en su director (Mikael Hafstrom) que aunque dejó claras sus intenciones de recordar viejos tiempos a base de frases lapidarias, puñetazos y recuerdos de glorias pasadas, a mi parecer le faltó la inyección adrenalítica que hubiera convertido a la película en antológica. La buena sintonía que hay entre el semental italiano y el roble austriaco se nota, aunque la desmesura en la acción a base de pólvora y puños que yo hubiera querido está más dosificada, lo que permite que la colaboración narrativa de los dos curtidos machos cobre una mayor importancia e interés que lo que el aficionado a los mamporros hubiera podido desear.

 En "Plan de escape" Stallone es Ray Breslin, que a modo de escapista cual Houdini es puesto a prueba en una trampa conspirativa en una 'Tumba', en la que se encontrará con Emil Rootmayer (Schwarzenegger), un misterioso y peligroso convicto que guarda más de una sorpresa y que se aliará con Breslin para escapar de la cárcel de máxima seguridad más innovadora jamás creada. Lo que aquí importaba era huir de los malos resultados taquilleros cosechados por "Una bala en la cabeza (2012)" y "El último desafío (2013)", siendo unos entretenidos y atronadores films de lucimiento de 2 estrellas que en la citada historia carcelaria contribuirán con una 'peli de colegas' a la acción de los dorados y enérgicos años 80's. Una película cargada de mala baba irónica (Schwarzenegger rezando el "Padre nuestro" al antiguo protagonista de "LaPasión de Cristo", Jim Caviezel y acusándole de ser el mismísimo diablo). Los apodos que "Sly" y "Arnold" ponen a los guardias: "Pato", "Luisa" y "Urticaria"... Además de alguna bromita más... Trompazos, buenas tortas y frases desafiantes: -Pegas como un vegetariano- Arnold..-Voy a reducir el edificio a cenizas- Sly, añaden una buena sintonía a un film en el que Ray Breslin llegará a apoyarse en su compañero Rottmayer para superar el desafío agobiante de la ratonera implacable en la que están encerrados.

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En la que es la tercera (y más larga unión) de dos héroes que se resisten a abandonar, aún les queda mucho que decir a la hora de repartir acción de la buena. La película "Plan de escape" se tradujo en un esfuerzo por mantenerse en el otoño de sus carreras para Stallone y Schwarzenegger, en una manera efectiva de ganar (en su mayoría gracias a la taquilla China) la friolera de 137 millones de dólares. "Escape Plan" es un espectáculo para nostálgicos de un cine que actualmente no se hace, y cuya función es levantar la afición y contribuir a las reacciones viriles de dos "Macho-Man" que todavía tienen balas en la recámara para disparar.

Comentar a modo de curiosidad que el film fue rodado en instalaciones de la NASA, en las que se aprecia una gran pelea de convictos contra convictos a modo de distracción para que nuestros héroes escapen. ¡¡LET´S DO IT!!

plan-de-escape

Título original; Escape Plan.

 Director: Mikael Håfström.

 Intérpretes: Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, James Caviezel,Vinnie Jones, Amy Ryan, Vincent D’Onofrio.
Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jimenez

PLAN DE ESCAPE (2013). La fuga de Schwarzenegger y Stallone.

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Antes de que los seguidores de "La Página de las Mejores Películas de la Historia del Cine" me abucheen, quiero dejar claro que, en esta ocasión, no escribo sobre "una de las mejores", pero sí sobre una que contiene "a los mejores", los mejores en la acción de los 80’s y 90’s, que aquí estuvieron juntos. Precisamente el 18 de Octubre de hace 3 años se estrenó "Plan de escape". Proyecto que anteriormente iba a bautizarse como "La Tumba", y que estuvo a punto de dirigir Antoine Fuqua "Los 7 magníficos (2016)". 

Películas tales como "Tango y Cash (1989)" y "Demolition man (1993)" contenían ironías de "Sly" hacia "Arnie", recibiendo cómica reciprocidad con cintas de la talla de "Los gemelos golpean 2veces (1988)" y "El último gran héroe (1993)". Todos estos hechos levantaban "las chispas" del aficionado a la acción, dejando en un futuro alternativo la maravillosa oportunidad de ser testigos de la unión de los 2 gallos del gallinero en la acción..."chispas" que a mi juicio podían haberse convertido en "llamaradas" de espectacularidad, pero... "Plan de escape" no es lo que parece, debido a que la acción está supeditada a la intriga moviéndose con Arnold y Stallone en unos registros interpretativos diferentes a lo que era de esperar.

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Sylvester es un inteligentísimo, intuitivo y observador escapista profesional y Schwarzenegger es un peligroso criminal atento y cerebral. Los dos gorilas de espalda plateada que sin lugar a dudas, se han convertido en líderes de la manada del numeroso grupo de héroes armados y peligrosos que han poblado el panorama cinematográfico ochentero, son aquí algo diferentes. 

Lo que podía haberse convertido en una lucha de egos, se muta en una colaboración en la que los 2 fornidos protagonistas dejan clara su patente muestra de compromiso y lealtad de uno hacia el otro. Los cameos de los que habían sido partícipes quedan atrás para un "cara a cara" en una película con transfondo carcelario en el que priman la intriga y el drama por encima de la acción, con disparos y tortas (que las tiene)... Quizá Stallone esté más preparado en esto de fugarse de cárceles, ahí están "Encerrado (1989)", "Evasión o victoria (1981)" y la comentada "Tango y Cash", pero "Mi Arnold" no se quedó atrás en "The Running man (1987)". Así que "el plan" con maneras de buddy movie estuvo servido para que las esperanzas añoradas por el seguidor de las estrellas de antaño, se convirtieran en las llamas deseadas de una pareja de mastodontes imparables, luchando por salir a golpe de experiencia, fuerza, virilidad, chulería, y una pizca de humor pícaro y sinvergüenza, de la jaula en la que les habían metido.

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Es posible que la única pega del planteamiento fílmico estuviera en su director (Mikael Hafstrom) que aunque dejó claras sus intenciones de recordar viejos tiempos a base de frases lapidarias, puñetazos y recuerdos de glorias pasadas, a mi parecer le faltó la inyección adrenalítica que hubiera convertido a la película en antológica. La buena sintonía que hay entre el semental italiano y el roble austriaco se nota, aunque la desmesura en la acción a base de pólvora y puños que yo hubiera querido está más dosificada, lo que permite que la colaboración narrativa de los dos curtidos machos cobre una mayor importancia e interés que lo que el aficionado a los mamporros hubiera podido desear.

 En "Plan de escape" Stallone es Ray Breslin, que a modo de escapista cual Houdini es puesto a prueba en una trampa conspirativa en una 'Tumba', en la que se encontrará con Emil Rootmayer (Schwarzenegger), un misterioso y peligroso convicto que guarda más de una sorpresa y que se aliará con Breslin para escapar de la cárcel de máxima seguridad más innovadora jamás creada. Lo que aquí importaba era huir de los malos resultados taquilleros cosechados por "Una bala en la cabeza (2012)" y "El último desafío (2013)", siendo unos entretenidos y atronadores films de lucimiento de 2 estrellas que en la citada historia carcelaria contribuirán con una 'peli de colegas' a la acción de los dorados y enérgicos años 80's. Una película cargada de mala baba irónica (Schwarzenegger rezando el "Padre nuestro" al antiguo protagonista de "LaPasión de Cristo", Jim Caviezel y acusándole de ser el mismísimo diablo). Los apodos que "Sly" y "Arnold" ponen a los guardias: "Pato", "Luisa" y "Urticaria"... Además de alguna bromita más... Trompazos, buenas tortas y frases desafiantes: -Pegas como un vegetariano- Arnold..-Voy a reducir el edificio a cenizas- Sly, añaden una buena sintonía a un film en el que Ray Breslin llegará a apoyarse en su compañero Rottmayer para superar el desafío agobiante de la ratonera implacable en la que están encerrados.

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En la que es la tercera (y más larga unión) de dos héroes que se resisten a abandonar, aún les queda mucho que decir a la hora de repartir acción de la buena. La película "Plan de escape" se tradujo en un esfuerzo por mantenerse en el otoño de sus carreras para Stallone y Schwarzenegger, en una manera efectiva de ganar (en su mayoría gracias a la taquilla China) la friolera de 137 millones de dólares. "Escape Plan" es un espectáculo para nostálgicos de un cine que actualmente no se hace, y cuya función es levantar la afición y contribuir a las reacciones viriles de dos "Macho-Man" que todavía tienen balas en la recámara para disparar.

Comentar a modo de curiosidad que el film fue rodado en instalaciones de la NASA, en las que se aprecia una gran pelea de convictos contra convictos a modo de distracción para que nuestros héroes escapen. ¡¡LET´S DO IT!!

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Título original; Escape Plan.

 Director: Mikael Håfström.

 Intérpretes: Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger, James Caviezel,Vinnie Jones, Amy Ryan, Vincent D’Onofrio.
Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Cristóbal Jimenez

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Aquella melodía silbada por los prisioneros ingleses llamada La marcha del Coronel Bogey pasará a la historia gracias a esta película. Tal tono muy pegajoso por cierto es aquel que escuchamos cuando llegan los prisioneros británicos a orillas del río Kwai (Birmania) para comenzar la construcción de un puente sobre el cual irán las rieles del tren que comunicará Bangkok (Thailandia) con Rangoon durante la Segunda Guerra Mundial.

Basada en la novela de Pierre Boulle, cuyo enfado fue mayúsculo, cuando se enteró de las modificaciones que se realizaron por presiones por parte del productor Sam Spielgel a los guionistas Michael Wilson y Carl Foreman (sospechosamente comunistas, incluidos en la lista negra). La historia de la construcción de este puente por parte de los ingleses para el imperio Japonés fue filmada por la precisa mano de David Lean siendo reconocida como su primera gran película épica filmada en glorioso cinemascope y posteriormente como una obra maestra. Cuando el coronel Nicholson (Alec Guinnes) llega con sus soldados y se niega a que sus oficiales participen de los trabajos forzados amparándose en la convención de Ginebra desata la ira del comandante Saito (Sessue Hayakawa), obligándole este último a insolarse y después a permanecer en una caja metálica para doblegar su espíritu, pero al no conseguirlo y sabiendo que el plazo para terminar sus obras se acortaban, debe aceptar la victoria del británico y acceder a sus demandas, sin embargo el exceso del sentido del deber del inglés que comienza la reelaboración del puente a cargo de ingenieros británicos y con el propósito de levantar la moral de sus subalternos terminará forzándolos para terminar la obra en un alarde de superioridad racista para demostrar al nipón que los anglosajones pueden construir mucho mejor que ellos cualquier cosa e incluso dejarlo para la posteridad como testimonio. Sin embargo, un oficial americano (William Holden) se escapa del campo de prisioneros, logrando alcanzar la libertad solo para que un comando inglés liderado por el mayor Warden (Jack Hawkins) le obligue a regresar sirviendo de guía en la selva con una misión en particular, volar el puente para impedir que sirva de enlace de aprovisionamiento de armas y movilización de tropas.

el-puente-sobre-el-río-kwai

Las libertades que se tomaron en el guión tomaron 2 ejes principalmente, suavizaron la actitud de los japoneses, pues en la novela eran mucho más intransigentes y duros, cuyos castigos eran mucho más inhumanos que los que se muestran en el filme, y el puente no termina destruido pues Nicholson impide que sea dinamitado aunque llevará en su conciencia su acto de soberbia.

Cuenta la historia que Guinnes no quería participar en el proyecto y que fue el propio Spielgel quien fue a convencerlo a Inglaterra, su papel como el orgulloso británico se vio recompensado con el premio de la academia, un globo de oro y un Bafta. Holden recibió un jugoso cheque y regalías, su participación como estrella hollywoodense garantizaba taquilla y fue una imposición del estudio (Columbia Pictures) . El gran Sessue Hayakawa fue nominado a mejor actor de reparto pero lo perdió a favor de Red Bottoms por Sayonara.

Aunque también recibió los Óscar a mejor película, dirección, montaje, fotografía y banda sonora, los guionistas tuvieron que esperarlo de manera póstuma en 1984 pues al no poder recibirlo por la situación ya mencionada Hollywood pretendió que Pierre Boulle lo recibiera, éste molesto por la situación de los cambios y por la hipocresía se negó a aceptar argumentando que suya era la novela y no el guión.

el-puente-sobre-el-río-kwai

Esta película que forma parte importante de la historia del cine que bien puede ser considerada más del subgénero bélico de campos de concentración expone en realidad la confrontación de dos voluntades férreas donde el orgullo llega a límites absurdos y me parece que eso es lo que Lean nos propone, hasta dónde es aceptable que nuestras creencias y patriotismo vayan y cuál es la línea divisoria entre el deber, el honor , la tozudez y la soberbia.

La historia aunque muchos lo desconozcan está basada en eventos reales y el coronel Nicholson y el comandante Saito existieron en realidad. La construcción del puente en 1943 y de la línea férrea estuvo a cargo de prisioneros de guerra de distintas nacionalidades (malayos, birmanos, ingleses, holandeses, estadounidenses y australianos) y fue destruido por bombas teledirigidas por el ejército americano aunque fue reconstruido después de la guerra. El Coronel Tossey encarnado por Guinnes estuvo a cargo de la construcción del puente, aunque intentó sabotearlo muchas veces, y Saito, fue mucho más caballeroso que lo que se mostró en la cinta, incluso dicen que trataba muy bien a sus prisioneros, tanto así que cuando fue juzgado por crímenes de guerra, Tossey atestiguó a su favor y se volvieron amigos.

La producción del filme costó la bicoca de 3 millones de dólares para esa época. El puente fue construido de tamaño natural pues no quisieron usar maquetas. Costó 250 000 dólares y tomó 8 meses de tiempo, 500 obreros y 35 elefantes. Se lo levantó en Ceilán, actual Sri Lanka y se lo dinamitó para dar mayor verosimilitud.

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Título original: The Bridge on the River Kwai.

Director: David Lean.

Intérpretes: William Holden, Alec Guinness, Jack Hawkins, James Donald, Sessue Hayakawa, André Morell, Geoffrey Horne, Peter Williams.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

EL PUENTE SOBRE EL RÍO KWAI (1957). El épico puente de David Lean.

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Aquella melodía silbada por los prisioneros ingleses llamada La marcha del Coronel Bogey pasará a la historia gracias a esta película. Tal tono muy pegajoso por cierto es aquel que escuchamos cuando llegan los prisioneros británicos a orillas del río Kwai (Birmania) para comenzar la construcción de un puente sobre el cual irán las rieles del tren que comunicará Bangkok (Thailandia) con Rangoon durante la Segunda Guerra Mundial.

Basada en la novela de Pierre Boulle, cuyo enfado fue mayúsculo, cuando se enteró de las modificaciones que se realizaron por presiones por parte del productor Sam Spielgel a los guionistas Michael Wilson y Carl Foreman (sospechosamente comunistas, incluidos en la lista negra). La historia de la construcción de este puente por parte de los ingleses para el imperio Japonés fue filmada por la precisa mano de David Lean siendo reconocida como su primera gran película épica filmada en glorioso cinemascope y posteriormente como una obra maestra. Cuando el coronel Nicholson (Alec Guinnes) llega con sus soldados y se niega a que sus oficiales participen de los trabajos forzados amparándose en la convención de Ginebra desata la ira del comandante Saito (Sessue Hayakawa), obligándole este último a insolarse y después a permanecer en una caja metálica para doblegar su espíritu, pero al no conseguirlo y sabiendo que el plazo para terminar sus obras se acortaban, debe aceptar la victoria del británico y acceder a sus demandas, sin embargo el exceso del sentido del deber del inglés que comienza la reelaboración del puente a cargo de ingenieros británicos y con el propósito de levantar la moral de sus subalternos terminará forzándolos para terminar la obra en un alarde de superioridad racista para demostrar al nipón que los anglosajones pueden construir mucho mejor que ellos cualquier cosa e incluso dejarlo para la posteridad como testimonio. Sin embargo, un oficial americano (William Holden) se escapa del campo de prisioneros, logrando alcanzar la libertad solo para que un comando inglés liderado por el mayor Warden (Jack Hawkins) le obligue a regresar sirviendo de guía en la selva con una misión en particular, volar el puente para impedir que sirva de enlace de aprovisionamiento de armas y movilización de tropas.

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Las libertades que se tomaron en el guión tomaron 2 ejes principalmente, suavizaron la actitud de los japoneses, pues en la novela eran mucho más intransigentes y duros, cuyos castigos eran mucho más inhumanos que los que se muestran en el filme, y el puente no termina destruido pues Nicholson impide que sea dinamitado aunque llevará en su conciencia su acto de soberbia.

Cuenta la historia que Guinnes no quería participar en el proyecto y que fue el propio Spielgel quien fue a convencerlo a Inglaterra, su papel como el orgulloso británico se vio recompensado con el premio de la academia, un globo de oro y un Bafta. Holden recibió un jugoso cheque y regalías, su participación como estrella hollywoodense garantizaba taquilla y fue una imposición del estudio (Columbia Pictures) . El gran Sessue Hayakawa fue nominado a mejor actor de reparto pero lo perdió a favor de Red Bottoms por Sayonara.

Aunque también recibió los Óscar a mejor película, dirección, montaje, fotografía y banda sonora, los guionistas tuvieron que esperarlo de manera póstuma en 1984 pues al no poder recibirlo por la situación ya mencionada Hollywood pretendió que Pierre Boulle lo recibiera, éste molesto por la situación de los cambios y por la hipocresía se negó a aceptar argumentando que suya era la novela y no el guión.

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Esta película que forma parte importante de la historia del cine que bien puede ser considerada más del subgénero bélico de campos de concentración expone en realidad la confrontación de dos voluntades férreas donde el orgullo llega a límites absurdos y me parece que eso es lo que Lean nos propone, hasta dónde es aceptable que nuestras creencias y patriotismo vayan y cuál es la línea divisoria entre el deber, el honor , la tozudez y la soberbia.

La historia aunque muchos lo desconozcan está basada en eventos reales y el coronel Nicholson y el comandante Saito existieron en realidad. La construcción del puente en 1943 y de la línea férrea estuvo a cargo de prisioneros de guerra de distintas nacionalidades (malayos, birmanos, ingleses, holandeses, estadounidenses y australianos) y fue destruido por bombas teledirigidas por el ejército americano aunque fue reconstruido después de la guerra. El Coronel Tossey encarnado por Guinnes estuvo a cargo de la construcción del puente, aunque intentó sabotearlo muchas veces, y Saito, fue mucho más caballeroso que lo que se mostró en la cinta, incluso dicen que trataba muy bien a sus prisioneros, tanto así que cuando fue juzgado por crímenes de guerra, Tossey atestiguó a su favor y se volvieron amigos.

La producción del filme costó la bicoca de 3 millones de dólares para esa época. El puente fue construido de tamaño natural pues no quisieron usar maquetas. Costó 250 000 dólares y tomó 8 meses de tiempo, 500 obreros y 35 elefantes. Se lo levantó en Ceilán, actual Sri Lanka y se lo dinamitó para dar mayor verosimilitud.

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Título original: The Bridge on the River Kwai.

Director: David Lean.

Intérpretes: William Holden, Alec Guinness, Jack Hawkins, James Donald, Sessue Hayakawa, André Morell, Geoffrey Horne, Peter Williams.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Carlos Fernando Carrión Quezada

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corazón-trueno
En 1992 el británico Michael Apted, gracias sobre todo al impulso de TriBeca la productora de Robert De Niro cristalizo su largamente acariciada Corazón Trueno (ThunderHeart) bajo un libreto de John Fusco sobre varios asesinatos reales en una reserva India en Dakota del Sur, en donde eran cosidos a tiros los Sioux sin que a nadie parecería importarle, al mismo tiempo que era asignada una fuerza militar llamada MDA que parecía tener vía libre para imponer su justicia en la reserva, al margen de la policía tribal. Ese mismo año Apted, lanzaría un documental complementario contando la historia verídica titulado ‘Incident At Oglala’. Cinematográficamente hablando Apted venía de trabajar con Gene Hackman en Acción judicial el año anterior, y se había ganado cierta fama de artesano que sabia llevar a "estrellas complicadas" habiendo trabajado con Faye Dunaway, Dustin Hoffman, Jon Voight, Sigourney Weaver o el ya citado Hackman. El protagonista principal de Corazón Trueno es Val Kilmer, un Kilmer lanzado a lo más alto gracias al éxito de crítica y público de The Doors (Oliver Stone, 1991). Kilmer le gano la partida a Richard Gere como el joven y orgulloso federal Ray Levoi, viendo el film uno se alegra de que un tipo tan soso como Gere no hubiese salido ganador del asunto, porque la vida y el carisma que le imprime Kilmer están muy lejos de las creaciones monotemáticas del protagonista de Pretty Woman. Además el propio Kilmer tiene corriendo por su sangre raíces Cheyennes, aunque en el film son Sioux por parte de padre. Para el papel de Frank Cuttel, el legendario agente federal encargado jefe de resolver el crimen en la Reserva India de Bear Creek en un plazo máximo de tres días, Michael Apted valoro seriamente a Marlon Brando, aunque viendo el film, servidor duda muy mucho que Brando siquiera se hubiera planteado interpretarlo a pesar de ser un firme defensor de los verdaderos nativos americanos. En un momento dado, Robert De Niro era quien debía hacer de Frank Cuttel, pero su apretada agenda se lo impido y acabo firmando sólo como productor ejecutivo, siendo Sam Shepard quien se encargaría de tanto durísimo personaje. Graham Greene es el policía nativo "Caballo cuervo", Greene debido a sus rasgos pegaba muy bien como nativo americano –a pesar de ser Canadiense-, y ciertamente lleva a cabo un muy buena actuación en el film haciendo una pareja con Kilmer bastante bien avenida. No en vano dos años antes hizo lo mismo con Kevin Costner en Bailando con lobos (Dance with Wolves, 1990) y le nominaron al Oscar como mejor secundario, sabía lo que se hacía sin duda repitiendo un papel que le venía como anillo al dedo. Mientras que el casi siempre inalterable Fred Ward daba vida a Jack Milton, el jefe de los MDA, un tipo que a pesar de los más de cuarenta grados al sol de Dakota viste siempre de negro. 

corazón-trueno

Corazón Trueno mezcla el cine de investigación, con el cine denuncia y por último la reivindicación del pueblo Indio como parte vital –y maltratada- de la historia americana sin en ningún momento perder las miras comerciales. Se nota en su base argumental que Fusco (guionista) trabajo durante años en el libreto, y que este luce muy bien documentado tanto de personajes reales, como de la realidad que le da el hecho de que los que los interpreten sean en su mayoría Indios verdaderos, la ambientación juega otro punto a favor con los actores sudando la gota gorda en pleno desierto. Otro dato interesantes es qué el film juega con el tiempo, con los actores luciendo ropas que nos retrotraen a los años setenta –década de donde se extraen los hechos-, igual que los coches, pero sin que en ningún momento se nos situé cronológicamente en ese tiempo concreto, quizá para preservar la idea de que no es un documental al uso sino un vehículo comercial. Eso sí, vista hoy día parte de investigación puede resultar algo obvia, o más bien típica. Veamos; tenemos al tipo duro que cree sabérselas todas, el digamos mentor (Shepard), luego el novato que va de listillo (Kilmer) el policía local que quiere encontrar la verdad antes que el FBI (Greene), a los lugareños que se muestran altamente recelosos y por último a un grupo fuertemente armado que no pone las cosas para nada fáciles comandado por Milton (Fred Ward). De ese esqueleto narrativo van derivando varias sub-tramas, siendo la mejor aquella que entra de lleno en el pasado de Ray Levoi (Kilmer) y de sus raíces Sioux, que van saliendo a la luz a pesar de que este intenta fuertemente que se queden dentro de su alma. La parte denuncia va tomando el metraje conforme Levoi se aleja más y más de la forma que Cuttel tiene para llevar el caso y se acerca a las de "Caballo Cuervo" entrando ya en la zona de denuncia del film, y por último la reivindicativa con la entrada en liza de la maestra de escuela a la que da vida Sheila Tousey (otro personaje real que el film busca homenajear). 

corazón-trueno

A pesar de que no tiene excesiva fama Corazón Trueno pasa seguramente por ser de lo mejor, y seguramente sea la mejor película de Apted en todos los años noventa, y de las top´s de su filmografía, luego utilizaría su buena mano de artesano para dirigir un vehículo de James Bond con Pierce Brosnan (El mundo nunca es suficiente, 1999) como protagonista, mientras seguía con su carrera en televisión y su labor de documentalista. Lástima que acabara relegando sus buenas maneras en pobres producciones al servicio de por ejemplo pseudo actrices como  Jennifer Lopez en la facilona Nunca mas (Enough, 2002). No conviene entrar en grosos destripes acerca de hacia dónde va derivando Corazón Trueno, ella misma en todo momento se mantiene en esa diatriba de querer entretener y además mandar un desesperado mensaje de socorro, y de la primera parte se encarga un carismático y muy entonado Val Kilmer junto a un genial Graham Greene, mientras Sam Shepard y Fred Ward aportan su porte de duros marca de la casa. Y Apted por su parte mezcla pistas falsas con verdaderas, ensoñaciones, flashbacks explicativos y una dosis de acción y tensión ciertamente palpitante. Lo cierto es que Corazón Trueno cumple ampliamente con su cometido de entretener y aleccionar al mismo tiempo algo que en los noventa pareció olvidarse en algunos momentos, sobre todo de mediados en adelante, se nota en Corazón Trueno su parte de gestación ochentera, como Bailando con lobos, es un film que se estreno una década después de la que fue concebida. Sin llegar al nivel de la magnum opus del Costner director, Corazón Trueno posee un mensaje propio y una fuerza que la hace digna de ser rescatada del olvido: no pierdan ojo a su tremendamente explicativo y soberbio plano final, un doloroso y fiel reflejo de hacia dónde debe dirigirse un hombre que acaba de encontrar su verdad.

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Título original: Thunderheart.

Director: Michael Apted.

Intérpretes.: Val Kilmer, Sam Shepard, Graham Greene, Fred Ward, Sheila Tousey, Fred Dalton Thompson, Jefe Ted Thin Elk, John Trudell, Rex Linn.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Jonathan Glez

CORAZÓN TRUENO (1992). Raíces Sioux Profundas.

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En 1992 el británico Michael Apted, gracias sobre todo al impulso de TriBeca la productora de Robert De Niro cristalizo su largamente acariciada Corazón Trueno (ThunderHeart) bajo un libreto de John Fusco sobre varios asesinatos reales en una reserva India en Dakota del Sur, en donde eran cosidos a tiros los Sioux sin que a nadie parecería importarle, al mismo tiempo que era asignada una fuerza militar llamada MDA que parecía tener vía libre para imponer su justicia en la reserva, al margen de la policía tribal. Ese mismo año Apted, lanzaría un documental complementario contando la historia verídica titulado ‘Incident At Oglala’. Cinematográficamente hablando Apted venía de trabajar con Gene Hackman en Acción judicial el año anterior, y se había ganado cierta fama de artesano que sabia llevar a "estrellas complicadas" habiendo trabajado con Faye Dunaway, Dustin Hoffman, Jon Voight, Sigourney Weaver o el ya citado Hackman. El protagonista principal de Corazón Trueno es Val Kilmer, un Kilmer lanzado a lo más alto gracias al éxito de crítica y público de The Doors (Oliver Stone, 1991). Kilmer le gano la partida a Richard Gere como el joven y orgulloso federal Ray Levoi, viendo el film uno se alegra de que un tipo tan soso como Gere no hubiese salido ganador del asunto, porque la vida y el carisma que le imprime Kilmer están muy lejos de las creaciones monotemáticas del protagonista de Pretty Woman. Además el propio Kilmer tiene corriendo por su sangre raíces Cheyennes, aunque en el film son Sioux por parte de padre. Para el papel de Frank Cuttel, el legendario agente federal encargado jefe de resolver el crimen en la Reserva India de Bear Creek en un plazo máximo de tres días, Michael Apted valoro seriamente a Marlon Brando, aunque viendo el film, servidor duda muy mucho que Brando siquiera se hubiera planteado interpretarlo a pesar de ser un firme defensor de los verdaderos nativos americanos. En un momento dado, Robert De Niro era quien debía hacer de Frank Cuttel, pero su apretada agenda se lo impido y acabo firmando sólo como productor ejecutivo, siendo Sam Shepard quien se encargaría de tanto durísimo personaje. Graham Greene es el policía nativo "Caballo cuervo", Greene debido a sus rasgos pegaba muy bien como nativo americano –a pesar de ser Canadiense-, y ciertamente lleva a cabo un muy buena actuación en el film haciendo una pareja con Kilmer bastante bien avenida. No en vano dos años antes hizo lo mismo con Kevin Costner en Bailando con lobos (Dance with Wolves, 1990) y le nominaron al Oscar como mejor secundario, sabía lo que se hacía sin duda repitiendo un papel que le venía como anillo al dedo. Mientras que el casi siempre inalterable Fred Ward daba vida a Jack Milton, el jefe de los MDA, un tipo que a pesar de los más de cuarenta grados al sol de Dakota viste siempre de negro. 

corazón-trueno

Corazón Trueno mezcla el cine de investigación, con el cine denuncia y por último la reivindicación del pueblo Indio como parte vital –y maltratada- de la historia americana sin en ningún momento perder las miras comerciales. Se nota en su base argumental que Fusco (guionista) trabajo durante años en el libreto, y que este luce muy bien documentado tanto de personajes reales, como de la realidad que le da el hecho de que los que los interpreten sean en su mayoría Indios verdaderos, la ambientación juega otro punto a favor con los actores sudando la gota gorda en pleno desierto. Otro dato interesantes es qué el film juega con el tiempo, con los actores luciendo ropas que nos retrotraen a los años setenta –década de donde se extraen los hechos-, igual que los coches, pero sin que en ningún momento se nos situé cronológicamente en ese tiempo concreto, quizá para preservar la idea de que no es un documental al uso sino un vehículo comercial. Eso sí, vista hoy día parte de investigación puede resultar algo obvia, o más bien típica. Veamos; tenemos al tipo duro que cree sabérselas todas, el digamos mentor (Shepard), luego el novato que va de listillo (Kilmer) el policía local que quiere encontrar la verdad antes que el FBI (Greene), a los lugareños que se muestran altamente recelosos y por último a un grupo fuertemente armado que no pone las cosas para nada fáciles comandado por Milton (Fred Ward). De ese esqueleto narrativo van derivando varias sub-tramas, siendo la mejor aquella que entra de lleno en el pasado de Ray Levoi (Kilmer) y de sus raíces Sioux, que van saliendo a la luz a pesar de que este intenta fuertemente que se queden dentro de su alma. La parte denuncia va tomando el metraje conforme Levoi se aleja más y más de la forma que Cuttel tiene para llevar el caso y se acerca a las de "Caballo Cuervo" entrando ya en la zona de denuncia del film, y por último la reivindicativa con la entrada en liza de la maestra de escuela a la que da vida Sheila Tousey (otro personaje real que el film busca homenajear). 

corazón-trueno

A pesar de que no tiene excesiva fama Corazón Trueno pasa seguramente por ser de lo mejor, y seguramente sea la mejor película de Apted en todos los años noventa, y de las top´s de su filmografía, luego utilizaría su buena mano de artesano para dirigir un vehículo de James Bond con Pierce Brosnan (El mundo nunca es suficiente, 1999) como protagonista, mientras seguía con su carrera en televisión y su labor de documentalista. Lástima que acabara relegando sus buenas maneras en pobres producciones al servicio de por ejemplo pseudo actrices como  Jennifer Lopez en la facilona Nunca mas (Enough, 2002). No conviene entrar en grosos destripes acerca de hacia dónde va derivando Corazón Trueno, ella misma en todo momento se mantiene en esa diatriba de querer entretener y además mandar un desesperado mensaje de socorro, y de la primera parte se encarga un carismático y muy entonado Val Kilmer junto a un genial Graham Greene, mientras Sam Shepard y Fred Ward aportan su porte de duros marca de la casa. Y Apted por su parte mezcla pistas falsas con verdaderas, ensoñaciones, flashbacks explicativos y una dosis de acción y tensión ciertamente palpitante. Lo cierto es que Corazón Trueno cumple ampliamente con su cometido de entretener y aleccionar al mismo tiempo algo que en los noventa pareció olvidarse en algunos momentos, sobre todo de mediados en adelante, se nota en Corazón Trueno su parte de gestación ochentera, como Bailando con lobos, es un film que se estreno una década después de la que fue concebida. Sin llegar al nivel de la magnum opus del Costner director, Corazón Trueno posee un mensaje propio y una fuerza que la hace digna de ser rescatada del olvido: no pierdan ojo a su tremendamente explicativo y soberbio plano final, un doloroso y fiel reflejo de hacia dónde debe dirigirse un hombre que acaba de encontrar su verdad.

corazón-trueno

Título original: Thunderheart.

Director: Michael Apted.

Intérpretes.: Val Kilmer, Sam Shepard, Graham Greene, Fred Ward, Sheila Tousey, Fred Dalton Thompson, Jefe Ted Thin Elk, John Trudell, Rex Linn.

Trailer:


B.S.O.:


Reseña escrita por Jonathan Glez

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Aunque Akira Kurosawa había revitalizado géneros netamente nipones, pero desde su peculiar óptica con influencias occidentales, tales como el "Jidaigeki" (Dramas de época) y el "Chambara" (Cine de samurais),en la Toho, su habitual productora no hacían mas que presionarle para que llevase a cabo una película de samurais mas "ligera" que las anteriores "Los siete samurais (1954)" o "Trono de sangre (1957)", que aunque en su momento cosecharon excelentes críticas y premios en importantes festivales, se quedaban atrás en taquilla frente a películas mas modestas como por ejemplo las "Yakuza Eiga" (Cine de gánsteres) de la Toei. Así es como nace "La fortaleza escondida", una de las producciones mas costosas y comerciales de Kurosawa hasta ese momento, muy cercana al género de aventuras occidental para todos los públicos, con grandes dosis de comedia irónica, pero de gran factura técnica y con la firma inconfundible de su genial autor.

La idea para el film parte del guionista Ryuzo Kikushima, que en su juventud había vivido cerca de un castillo oculto resguardado por las montañas en un valle profundo,que había ordenado construir un líder samurai llamado Lord Takeda Shingen. A Kurosawa,que también participa en el guión, le pareció una gran idea para desarrollar una película con ingredientes habituales del cine de aventuras : El clan Yamana ha derrotado al clan Akizuki, pero la princesa heredera Yuki (Misa Uehara) logra escapar con la ayuda del General Rokurota Makabe (Toshiro Mifune) portando un tesoro, oro escondido en gavillas de leña, que usarán para resturar su dinastía cuando consigan llegar a un lugar seguro. El clan Yamana ordena la búsqueda y captura de la princesa y el general ofreciendo una jugosa recompensa, lo que atraerá hacia la fortaleza oculta en un inaccesible valle donde se esconden, a dos campesinos sin escrúpulos, Tahei (Minoru Chiaki) y Matashichi (Kamatari Fujiwara), a los que Rokurota logrará engañar para que les ayuden a escapar de allí con su valiosa carga, aprovechando la codicia desmesurada de los campesinos, que solo ven en ello la oportunidad de robar el oro y huir durante el viaje.

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Con todo ello, la película no recaudó lo esperado por la Toho y Kurosawa tendría que seguir reinventando el cine de samurais con las posteriores Yojimbo (1961) y Sanjuro (1962), grandes éxitos de taquilla al fin. "La fortaleza escondida" es la primera película rodada por Kurosawa en un formato de pantalla ancha, el Tohoscope, usado en sus posteriores películas e ideal para este tipo de aventuras. Espectaculares secuencias con gran cantidad de extras; el castillo donde el clan Yamana obliga a los perdedores a cavar en busca del oro de los Akizuki y la posterior rebelión y fuga de los subyugados a través de los escalones del castillo mientras la multitud se enfrentan casi desarmados al ejercito Yamana. O "La fiesta del fuego", multitudinaria celebración campesina alrededor de una gran hoguera donde nuestros protagonistas se ven obligados a infiltrarse para pasar desapercibidos frente a sus perseguidores llegando a arrojar al fuego la carga de leña donde va oculto el oro. A destacar también la pericia de Kurosawa en las escenas de acción, como la persecución a caballo de varios soldados Yamana por parte del General Rokurota, donde el impetuoso personaje interpretado por Mifune consigue derrotarlos uno a uno y el director nipón hace gala de un dominio del encuadre y el montaje tan dinámico como cualquier coreografía de persecución y lucha hollywoodiense. Y no podemos olvidarnos de la sugerente fortaleza a la que hace alusión el título, un escenario a la vez evocador, con su paradisíaco manantial de agua cercano, e inhóspito por su aridez y difícil acceso entre las rocas.

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La Princesa Yuki, encarnada por Misa Uehara, debutante de 19 años, fue descubierta por Kurosawa y elegida según el director nipón tras un largo casting por su parecido con Elizabeth Taylor. Convertida en icono de la época en Japón por su look juvenil y deudor de los personajes de comic, su personaje es además una heroína de carácter fuerte y crítica con los retrógrados valores del "Bushido" (código ético samurai). Incansable luchadora que no aparenta debilidad hasta cuando cae en manos del enemigo y cree que va a hallar su muerte es capaz de pronunciar este discurso; " He sido muy feliz, he encontrado una felicidad que no había conocido en el castillo. He visto a las personas tal y como son, he visto la belleza y la fealdad con mis propios ojos. Ahora ya no me importa morir."
La música de Masaru Sato se complementa a la perfección con las aventuras del relato, en la línea de las grandes partituras del género por parte de Maurice Jarre o John Williams, autor de la banda sonora de Star Wars, que como se ha repetido en muchas ocasiones, "La fortaleza escondida" es una de las muchas influencias que manejó George Lucas a la hora de componer su saga galáctica. Hay muchos estudios sobre el tema pero las influencias mas evidentes serían los vestuarios de la saga, parecidos a los kimonos asiáticos, la figura de la Princesa Leia y su protección en un conflicto bélico y sobre todo el punto de vista de dos personajes secundarios que a menudo son los principales narradores de la función; en "La Fortaleza Escondida" a través de los dos campesinos codiciosos, Tahei y Matashichi y en "Star Wars" por medio de los simpáticos androides, C-3PO y R2-D2.

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Título original: Kakushi Toride no San-Akunin (The Hidden Fortress).

Director: Akira Kurosawa.

Intérpretes: Toshirô Mifune, Minoru Chiaki, Misa Uehara, Takashi Shimura, Susumu Fujita, Eiko Miyoshi, Kamatari Fujiwara, Kôji Mitsui.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

LA FORTALEZA ESCONDIDA (1958). Un clásico de Akira Kurosawa.

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Aunque Akira Kurosawa había revitalizado géneros netamente nipones, pero desde su peculiar óptica con influencias occidentales, tales como el "Jidaigeki" (Dramas de época) y el "Chambara" (Cine de samurais),en la Toho, su habitual productora no hacían mas que presionarle para que llevase a cabo una película de samurais mas "ligera" que las anteriores "Los siete samurais (1954)" o "Trono de sangre (1957)", que aunque en su momento cosecharon excelentes críticas y premios en importantes festivales, se quedaban atrás en taquilla frente a películas mas modestas como por ejemplo las "Yakuza Eiga" (Cine de gánsteres) de la Toei. Así es como nace "La fortaleza escondida", una de las producciones mas costosas y comerciales de Kurosawa hasta ese momento, muy cercana al género de aventuras occidental para todos los públicos, con grandes dosis de comedia irónica, pero de gran factura técnica y con la firma inconfundible de su genial autor.

La idea para el film parte del guionista Ryuzo Kikushima, que en su juventud había vivido cerca de un castillo oculto resguardado por las montañas en un valle profundo,que había ordenado construir un líder samurai llamado Lord Takeda Shingen. A Kurosawa,que también participa en el guión, le pareció una gran idea para desarrollar una película con ingredientes habituales del cine de aventuras : El clan Yamana ha derrotado al clan Akizuki, pero la princesa heredera Yuki (Misa Uehara) logra escapar con la ayuda del General Rokurota Makabe (Toshiro Mifune) portando un tesoro, oro escondido en gavillas de leña, que usarán para resturar su dinastía cuando consigan llegar a un lugar seguro. El clan Yamana ordena la búsqueda y captura de la princesa y el general ofreciendo una jugosa recompensa, lo que atraerá hacia la fortaleza oculta en un inaccesible valle donde se esconden, a dos campesinos sin escrúpulos, Tahei (Minoru Chiaki) y Matashichi (Kamatari Fujiwara), a los que Rokurota logrará engañar para que les ayuden a escapar de allí con su valiosa carga, aprovechando la codicia desmesurada de los campesinos, que solo ven en ello la oportunidad de robar el oro y huir durante el viaje.

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Con todo ello, la película no recaudó lo esperado por la Toho y Kurosawa tendría que seguir reinventando el cine de samurais con las posteriores Yojimbo (1961) y Sanjuro (1962), grandes éxitos de taquilla al fin. "La fortaleza escondida" es la primera película rodada por Kurosawa en un formato de pantalla ancha, el Tohoscope, usado en sus posteriores películas e ideal para este tipo de aventuras. Espectaculares secuencias con gran cantidad de extras; el castillo donde el clan Yamana obliga a los perdedores a cavar en busca del oro de los Akizuki y la posterior rebelión y fuga de los subyugados a través de los escalones del castillo mientras la multitud se enfrentan casi desarmados al ejercito Yamana. O "La fiesta del fuego", multitudinaria celebración campesina alrededor de una gran hoguera donde nuestros protagonistas se ven obligados a infiltrarse para pasar desapercibidos frente a sus perseguidores llegando a arrojar al fuego la carga de leña donde va oculto el oro. A destacar también la pericia de Kurosawa en las escenas de acción, como la persecución a caballo de varios soldados Yamana por parte del General Rokurota, donde el impetuoso personaje interpretado por Mifune consigue derrotarlos uno a uno y el director nipón hace gala de un dominio del encuadre y el montaje tan dinámico como cualquier coreografía de persecución y lucha hollywoodiense. Y no podemos olvidarnos de la sugerente fortaleza a la que hace alusión el título, un escenario a la vez evocador, con su paradisíaco manantial de agua cercano, e inhóspito por su aridez y difícil acceso entre las rocas.

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La Princesa Yuki, encarnada por Misa Uehara, debutante de 19 años, fue descubierta por Kurosawa y elegida según el director nipón tras un largo casting por su parecido con Elizabeth Taylor. Convertida en icono de la época en Japón por su look juvenil y deudor de los personajes de comic, su personaje es además una heroína de carácter fuerte y crítica con los retrógrados valores del "Bushido" (código ético samurai). Incansable luchadora que no aparenta debilidad hasta cuando cae en manos del enemigo y cree que va a hallar su muerte es capaz de pronunciar este discurso; " He sido muy feliz, he encontrado una felicidad que no había conocido en el castillo. He visto a las personas tal y como son, he visto la belleza y la fealdad con mis propios ojos. Ahora ya no me importa morir."
La música de Masaru Sato se complementa a la perfección con las aventuras del relato, en la línea de las grandes partituras del género por parte de Maurice Jarre o John Williams, autor de la banda sonora de Star Wars, que como se ha repetido en muchas ocasiones, "La fortaleza escondida" es una de las muchas influencias que manejó George Lucas a la hora de componer su saga galáctica. Hay muchos estudios sobre el tema pero las influencias mas evidentes serían los vestuarios de la saga, parecidos a los kimonos asiáticos, la figura de la Princesa Leia y su protección en un conflicto bélico y sobre todo el punto de vista de dos personajes secundarios que a menudo son los principales narradores de la función; en "La Fortaleza Escondida" a través de los dos campesinos codiciosos, Tahei y Matashichi y en "Star Wars" por medio de los simpáticos androides, C-3PO y R2-D2.

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Título original: Kakushi Toride no San-Akunin (The Hidden Fortress).

Director: Akira Kurosawa.

Intérpretes: Toshirô Mifune, Minoru Chiaki, Misa Uehara, Takashi Shimura, Susumu Fujita, Eiko Miyoshi, Kamatari Fujiwara, Kôji Mitsui.

Trailer:


Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

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el-niño-de-la-bicicleta
Cyril (Thomas Doret) el protagonista de la película y personaje a quien hace mención el título, tiene casi doce años y todavía permanece en el hogar de acogida donde su padre lo dejó temporalmente con la promesa de volver a por él cuando tuviera dinero suficiente para que los dos pudieran vivir juntos.
Tan sólo le queda como recuerdo la bicicleta que su padre le regaló antes de despedirse. Pero el tiempo va pasando y Cyril acusa la soledad y la sensación de abandono. Una angustia que lo mueve para iniciar una huida con la búsqueda de su padre como único motor y finalidad de su existencia. No es casualidad que dicho viaje sea realizado con la misma bicicleta que su padre le regaló, por la que siente un especial apego.

En su viaje iniciativo por el mundo adulto, tropieza accidentalmente con Samantha (Cécile de France), dueña de una peluquería. Ella es un personaje que irradia bondad y dulzura, que tiene una pareja con la que no ha formado familia, y que al ver la desesperación del muchacho se siente misteriosamente inclinada a establecer vínculos afectivos con él. Samantha accede a quedarse con el chico los fines de semana, prometiéndole que le ayudará a buscar a su padre.

el-niño-de-la-bicicleta

Durante esta búsqueda, la relación entre ambos se hará más estrecha, dada la nula intención del padre por hacerse cargo de su hijo. Pero Cyril está tan obsesionado por recuperar a su padre, una búsqueda que viene a simbolizar la necesidad de amor, que es incapaz de percibir todo el cariño y los cuidados que una persona ajena a su familia como Samantha, puede llegar a sentir por él. Es un niño que necesita afecto desesperadamente para recuperar su autoestima y calmar su rabia. Cyril se encuentra en un mundo donde se siente desprotegido, que le resulta hostil y que le hace sufrir, careciendo de la madurez emocional necesaria para afrontar problemas sociales y de convivencia.

De esta manera, los hermanos Dardenne destacan temas como la confusión sentimental durante la infancia, y más concretamente dentro de un entorno familiar desestructurado, representado a partir de las dudas, la búsqueda continua y la falta de propósitos del niño protagonista. O a partir de secuencias como en la que el niño infringe la ley, en la que se muestra cómo este es fácilmente convencido dada su escasa capacidad crítica y sus confusas nociones entre lo bueno y lo malo por personajes como el joven delincuente (Jérémie Renier).

el-niño-de-la-bicicleta

Pero el mundo real, con las graves consecuencias derivadas de sus actos lo colocarán en un difícil posición. Los errores cometidos lo llevarán a sufrir varias decepciones y a descubrir lo cruel que puede ser la venganza. Afrontar la terrible verdad que su padre no se atreve a revelarle, le producirá el sufrimiento necesario para madurar y valorar la relación que le ofrece Samantha. Ella es el único soporte emocional válido que puede ofrecer una salida en la vida de este niño.

Los hermanos Dardenne, en sintonía con la mayoría de sus films nos exponen un cine social y reflexivo en el que no intentan establecer juicios fáciles sobre sus personajes. Con una puesta en escena tan sencilla que algunos denominan minimalista, destaca su tono realista y la sencillez estética constituida a partir de una economía de planos, localizaciones y montaje. Los decorados casi ausentes son sobrios y transparentes. No existe más que una simbología básica como el bosque, la peluquería de Samantha o el restaurante donde trabaja el padre.

Estéticamente, para destacar ese viaje de Cyril en bicicleta, la cual se constituye en símbolo guía del relato, los directores utilizan planos adaptados a los diferentes estadios emocionales. Por ejemplo, utilizan un gran plano secuencia de casi dos minutos donde de Cyril va pedaleando, montando sobre su bicicleta de noche, huyendo del restaurante del padre tras conocer las verdaderas intenciones de su progenitor.

el-niño-de-la-bicicleta

Por un lado están las escenas que destacan por su economía de planos, de larga duración y en trípode, reflejando calma, serenidad y paz, como es el caso de la cena entre Samantha y Cyril o el viaje de ambos en bicicleta, que coinciden con la introspección, el diálogo entre los dos protagonistas y la seguridad que sienten el uno al lado del otro.

En contraposición, están las escenas rodadas muy cerca del protagonista, siguiéndolo con cámara al hombro, en continuo movimiento y generalmente con Cyril de un lado para otro, ya sea corriendo o en bici. Esta movilidad que es contagiada en ocasiones a otras secuencias, representa la tensión del niño y su huida constante.

Es importante recordar que el trabajo de fotografía es realizado por Alain Marcoen, imprescindible en el equipo técnico de estos directores a los que ha acompañado en la mayoría de sus relatos, dándoles el sello de identidad visual que caracteriza a sus películas, absolutamente congruente con el estilo narrativo de ambos hermanos.

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Una vez más, los Dardenne nos invitan a reflexionar sobre cuestiones sociales y personales tan básicas como la educación de los hijos, presentando un dilema de difícil solución, sin emitir juicios ni esperar soluciones. Otro elemento que se repite en sus films, suele ser presentar todo tipo de personajes y de adversidades que nos ofrece la vida: frente a la desesperación, puede haber una salida, la dificultad radica en saber encontrarla.

Un final abierto, ausente de moralidad y de complacencia nos espera con esta película, la cual seguro nos deja reflexionando largo rato acerca de la educación que damos a nuestros hijos, la influencia del entorno social y la frivolidad que supone etiquetar a las personas a la ligera. Esta cinta consiguió en 2011 el Gran Premio del Jurado (Ex-aequo) en el Festival de Cannes.

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Título original: Le gamin au vélo (The Kid with a Bike)

Directores: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Intérpretes: Cécile De France, Thomas Doret, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione, Egon Di Mateo, Olivier Gourmet.

Trailer:


Escena:


Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

EL NIÑO DE LA BICICLETA (2011). El cine social de los hermanos Dardenne.

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Cyril (Thomas Doret) el protagonista de la película y personaje a quien hace mención el título, tiene casi doce años y todavía permanece en el hogar de acogida donde su padre lo dejó temporalmente con la promesa de volver a por él cuando tuviera dinero suficiente para que los dos pudieran vivir juntos.
Tan sólo le queda como recuerdo la bicicleta que su padre le regaló antes de despedirse. Pero el tiempo va pasando y Cyril acusa la soledad y la sensación de abandono. Una angustia que lo mueve para iniciar una huida con la búsqueda de su padre como único motor y finalidad de su existencia. No es casualidad que dicho viaje sea realizado con la misma bicicleta que su padre le regaló, por la que siente un especial apego.

En su viaje iniciativo por el mundo adulto, tropieza accidentalmente con Samantha (Cécile de France), dueña de una peluquería. Ella es un personaje que irradia bondad y dulzura, que tiene una pareja con la que no ha formado familia, y que al ver la desesperación del muchacho se siente misteriosamente inclinada a establecer vínculos afectivos con él. Samantha accede a quedarse con el chico los fines de semana, prometiéndole que le ayudará a buscar a su padre.

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Durante esta búsqueda, la relación entre ambos se hará más estrecha, dada la nula intención del padre por hacerse cargo de su hijo. Pero Cyril está tan obsesionado por recuperar a su padre, una búsqueda que viene a simbolizar la necesidad de amor, que es incapaz de percibir todo el cariño y los cuidados que una persona ajena a su familia como Samantha, puede llegar a sentir por él. Es un niño que necesita afecto desesperadamente para recuperar su autoestima y calmar su rabia. Cyril se encuentra en un mundo donde se siente desprotegido, que le resulta hostil y que le hace sufrir, careciendo de la madurez emocional necesaria para afrontar problemas sociales y de convivencia.

De esta manera, los hermanos Dardenne destacan temas como la confusión sentimental durante la infancia, y más concretamente dentro de un entorno familiar desestructurado, representado a partir de las dudas, la búsqueda continua y la falta de propósitos del niño protagonista. O a partir de secuencias como en la que el niño infringe la ley, en la que se muestra cómo este es fácilmente convencido dada su escasa capacidad crítica y sus confusas nociones entre lo bueno y lo malo por personajes como el joven delincuente (Jérémie Renier).

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Pero el mundo real, con las graves consecuencias derivadas de sus actos lo colocarán en un difícil posición. Los errores cometidos lo llevarán a sufrir varias decepciones y a descubrir lo cruel que puede ser la venganza. Afrontar la terrible verdad que su padre no se atreve a revelarle, le producirá el sufrimiento necesario para madurar y valorar la relación que le ofrece Samantha. Ella es el único soporte emocional válido que puede ofrecer una salida en la vida de este niño.

Los hermanos Dardenne, en sintonía con la mayoría de sus films nos exponen un cine social y reflexivo en el que no intentan establecer juicios fáciles sobre sus personajes. Con una puesta en escena tan sencilla que algunos denominan minimalista, destaca su tono realista y la sencillez estética constituida a partir de una economía de planos, localizaciones y montaje. Los decorados casi ausentes son sobrios y transparentes. No existe más que una simbología básica como el bosque, la peluquería de Samantha o el restaurante donde trabaja el padre.

Estéticamente, para destacar ese viaje de Cyril en bicicleta, la cual se constituye en símbolo guía del relato, los directores utilizan planos adaptados a los diferentes estadios emocionales. Por ejemplo, utilizan un gran plano secuencia de casi dos minutos donde de Cyril va pedaleando, montando sobre su bicicleta de noche, huyendo del restaurante del padre tras conocer las verdaderas intenciones de su progenitor.

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Por un lado están las escenas que destacan por su economía de planos, de larga duración y en trípode, reflejando calma, serenidad y paz, como es el caso de la cena entre Samantha y Cyril o el viaje de ambos en bicicleta, que coinciden con la introspección, el diálogo entre los dos protagonistas y la seguridad que sienten el uno al lado del otro.

En contraposición, están las escenas rodadas muy cerca del protagonista, siguiéndolo con cámara al hombro, en continuo movimiento y generalmente con Cyril de un lado para otro, ya sea corriendo o en bici. Esta movilidad que es contagiada en ocasiones a otras secuencias, representa la tensión del niño y su huida constante.

Es importante recordar que el trabajo de fotografía es realizado por Alain Marcoen, imprescindible en el equipo técnico de estos directores a los que ha acompañado en la mayoría de sus relatos, dándoles el sello de identidad visual que caracteriza a sus películas, absolutamente congruente con el estilo narrativo de ambos hermanos.

el-niño-de-la-bicicleta

Una vez más, los Dardenne nos invitan a reflexionar sobre cuestiones sociales y personales tan básicas como la educación de los hijos, presentando un dilema de difícil solución, sin emitir juicios ni esperar soluciones. Otro elemento que se repite en sus films, suele ser presentar todo tipo de personajes y de adversidades que nos ofrece la vida: frente a la desesperación, puede haber una salida, la dificultad radica en saber encontrarla.

Un final abierto, ausente de moralidad y de complacencia nos espera con esta película, la cual seguro nos deja reflexionando largo rato acerca de la educación que damos a nuestros hijos, la influencia del entorno social y la frivolidad que supone etiquetar a las personas a la ligera. Esta cinta consiguió en 2011 el Gran Premio del Jurado (Ex-aequo) en el Festival de Cannes.

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Título original: Le gamin au vélo (The Kid with a Bike)

Directores: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne

Intérpretes: Cécile De France, Thomas Doret, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione, Egon Di Mateo, Olivier Gourmet.

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Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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