LA HUELLA (1972). El juego del gato y el ratón de Laurence Olivier y Michael Caine.

Andrew Wyke (Laurence Olivier) es un famoso, distinguido, pomposo y elitista escritor de novelas de intriga y policiacas y muy aficionado a los juegos de ingenio y a los juguetes autómatas invita a su lujosa mansión inglesa a Milo Tindle (Michael Caine), un advenedizo peluquero de moda, de origen italiano y amante de la mujer del escritor. La idea de Milo es que Wyke le conceda el divorcio a su mujer, pero este a cambio le propone un extraño plan: ambos idearán un plan para simular en la mansión el robo de las joyas de la esposa, y así ambos saldrían beneficiados; Milo podría mantener el nivel de vida al que está acostumbrada la esposa y Wyke cobraría el seguro de las joyas.

A partir de aquí, nada es lo que parece y los hechos se sucederán hasta convertirse en una cacería entre gato y ratón, ¿o al revés?...

La película es una adaptación de la obra de teatro de Anthony Shaffer (Frenesí) con guión escrito por el propio dramaturgo y por ello, contiene un fuerte carácter teatral, conservando la esencia de la obra original, eso sí. El argumento es una mezcla de misterio y trhiller que encaja como piezas de un puzzle en un guion magistralmente construido para que esas piezas encajen a la perfección al tempo narrativo, y se puedan producir las sorpresas de guion escondidas de una forma tan sabia. Todo ello contribuye a que el espectador se mantenga expectante hasta el final.

La Huella fue la última obra maestra de Mankiewicz, su testamento cinematográfico, que además de las magnificencias del guión, reside su maestría en el sublime duelo interpretativo que realizan, Laurence Olivier y Michael Caine, dos de los más grandes actores del cine británico, únicos actores en escena, rodada casi exclusivamente en el interior de la mansión, los cuales se enfrentarán dialécticamente durante algo más de dos horas sin rebajar un ápice el interés por nuestra parte; al contrario, la expectación crece a medida que se va sucediendo la trama, ni la intensidad por parte de los actores, ayudados por la característica BSO de Cole Porter y John Addison y por abundantes primeros planos.

Un enfrentamiento por parte de dos hombres de condición social tan distinta: Wyke, inglés, culto, y refinado. Un malicioso sádico con un gusto infantil por los trucos y una adicción a los rompecabezas. que se siente superior intelectual y socialmente; el otro, Milo Tindle, un advenedizo peluquero de origen italiano, que mantiene una relación con la descuidada esposa del escritor, aunque esto último sea lo que menos le importe a éste.

En definitiva, se crea un juego psicológico entre ambos en una atmósfera tensa, densa, reforzada por todos los muñecos autómatas que decoran la recargada mansión, un cruel juego de venganza, una persecución enfermiza en busca únicamente de la humillación del adversario. Una lucha intelectual a tumba abierta que requiere nuestra máxima atención y concentración y en la que no se sabe, a priori, quién resultará ganador. Aunque al principio, uno de ellos, parece ampliamente superado por su oponente, Mankiewicz nos tiene preparadas unas cuantas sorpresas y giros de guión. Es muy interesante el cambio de actitud y roles de los protagonistas a medida que avanza la historia. Así, el antes opresor, el que ejercía el poder, pasa ahora a oprimido y humillado, aunque al final de la cinta no sabemos diferenciar de una manera clara, quién es quién.

Mankiewicz, guión en mano, solía exponer el guión con el actor y lo que esperaba de él. De esta forma lo hizo con Olivier y Caine. Así, cada uno de ellos, tenía una vaga idea de lo que el otro iba a hacer en el rodaje, y al revés. El objetivo era, que ambos actores se sorprendieran mutuamente con sus interpretaciones. Consiguiendo ambos, interpretaciones memorables. Como curiosidad, la risa de Laurence Olivier es utilizada para las carcajadas de Jolly, el marinero sonriente. La cinta tuvo cuatro nominaciones a los premios de la Academia en las categorias de mejor director, mejor actor (ambos nominados) y mejor banda sonora de John Addison.

Kenneth Branagh rodó un remake en el 2007, con bastantes cambios sustanciales. Sustituyó la recargada y agobiante mansión victoriana de la original por una fría casa inteligente y donde Jude Law interpretaba el personaje de Caine y el propio Caine el de Olivier. Sin pretender desmerecer el talento de Branagh, que sin duda lo tiene, sobre todo en las adaptaciones que ha realizado de Shakespeare, no consigue imprimir en el remake, la tensión ni los giros narrativos, ni la excelsa calidad de la original.

Frase para recordar: "Tiene que convencerles de que sólo ha sido un juego".

Título original: Sleuth.

Director: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Laurence Olivier, Michael Caine, Alec Cawthorne, John Matthews, Eve Channing,Teddy Martin.

Trailer:

Escena:

Reseña escrita por Marilyn Rodríguez

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CLEOPATRA (1963). La épica superproducción de Joseph L. Mankiewicz.

Enorme superproducción de la Fox que narra las relaciones amorosas de la reina Cleopatra VII con Julio César y, posteriormente a su muerte, con Marco Antonio. Está principalmente inspirada en la obra "The life and times of Cleopatra", de Carlo Mario Franzero, aunque también bebe de los textos de Plutarco, Suetonio y Apiano. Tras vencer a Pompeyo en Farsalia, el victorioso Julio César (Rex Harrison) se encuentra en Egipto, intentando evitar una incipiente guerra civil provocada por el enfrentamiento entre los hermanos Cleopatra VII (Elizabeth Taylor) y Ptolomeo III (Richard O’Sullivan), quien asesina a Pompeyo. César cae rendido ante el fuerte carácter y energía de Cleopatra, así como a sus encantos y le ayuda a recuperar el trono de Egipto, tras haber sido expulsada a Alejandría por su hermano. Ambos acaban teniendo una intensa relación amorosa que da como fruto a su hijo Cesarión. Posteriormente sucede la muerte de César, en una brillantísima escena que Mankiewicz rueda, cuando Cleopatra acude a ver a una sacerdotisa (interpretada por Pamela Brown), en la que se ve el asesinato de Julio César intercalado con las llamas del fuego encendido, y con una muy lograda interpretación de un enorme Rex Harrison, quien fue nominado al Oscar al mejor actor protagonista por su muy logrado trabajo. Después Cleopatra inicia otro intenso romance con Marco Antonio (Richard Burton) tras ayudarla a huir a Egipto. A su vuelta a Roma tiene que sellar su alianza con Octavio Augusto (Roddy McDowall) casándose con su hermana, aunque después habrá una pugna entre ambos.

El filme casi arruinó a los estudios Twentieth Century Fox por los problemas de presupuesto en su largo rodaje que incluyó también problemas en el casting, siendo el primer director escogido Robert Mamoulian, quien comenzó a rodarla,y que quería para el papel de Cleopatra a la actriz afroamericana Dorothy Dandridge ("Carmen Jones"), aunque el aumento progresivo del presupuesto a lo largo de las primeras semanas del rodaje complicó más adelante la continuidad del director, y se acabó contratando a Joseph L. Mankiewicz. El presupuesto inicial fue de 2 millones de dólares y acabó siendo de 44 millones de dólares al final de los tres largos años que duró su realización. Se hizo cargo de la producción Walter Wanger, esposo de Joan Bennet. Para el rol de Cleopatra de barajaron los nombres de actrices de la talla de Sophia Loren, Audrey Hepburn, Joan Collins, e incluso se le hicieron pruebas de cámara a Joanne Woodward, pero, finalmente la escogida fue, muy acertadamente, Elizabeth Taylor. En una de las cláusulas de su contrato se acordó que la película debía ser rodada en el espectacular formato Todd-AO, inventado por el tercer marido de la actriz, Richard Todd, y que ya fue empleado con gran éxito en míticos filmes como "La vuelta al mundoen 80 días (1956)" o "Oklahoma (1955)".El formato, al igual que el espectacular Super Panavision 70, incluía un sonido estereofónico de séis pistas. En "Cleopatra" el formato consigue destacar la bellísima banda sonora compuesta por Alex North para la película. Elizabeth Taylor tuvo serios problemas de salud de tipo respiratorio que acabaron con la práctica de una traqueotomía que la tuvieron que hacer durante los primeros meses del rodaje. Fue muy debido al fuerte clima húmedo de Londres, donde empezó a rodarse. Finalmente, se tuvo que trasladar la producción a Roma. Los primeros actores escogidos para interpretar a Julio Cesar y Marco Antonio fueron Peter Finch, quien acababa de lograr un éxito con la película "Historia de una monja (1959)", y Stephen Boyd, después de su arrollador papel de Messala en la multioscarizada película de William Wyler "Ben-Hur (1959)".

Ambos actores, ante los avatares y retrasos sufridos en el rodaje, y debido a otros compromisos, decidieron abandonar la película, con lo que surgió la nueva complicación de buscar a otros dos. Para el papel de Julio César finalmente se contó con Rex Harrison, quien, en Broadway, había cosechado grandes éxitos interpretando personajes históricos, con su extraordinaria fuerza interpretativa, y como lo demostró, no sólo en "Cleopatra", sino, dos años más tarde, interpretando magníficamente al papa Julio II en el melodrama de Carol Reed "El tormento y el éxtasis (1965)", en un extraordinario duelo interpretativo con Charlton Heston, quien interpretaba al popular artista del Renacimiento Miguel Ángel. Para el papel de Marco Antonio se contrató a Richard Burton, quien, al igual que Harrison, demostró su enorme talento para los personajes históricos, ya demostrado en la popular producción "La túnica Sagrada (1954)", película que estrenó el formato CinemaScope, y, no digamos ya, como Tomás Becket en la popular película de Peter Gleenville "Becket (1964)", con su duelo interpretativo con Peter O’Toole que les supuso a ambos la nominación al Óscar al mejor actor. Entonces, con Burton en el rodaje, surgió el nuevo retraso, y la complicación al conocerse Taylor y él e iniciarse uno de los romances más sonoros y escandalosos de la historia de Hollywood, al estar ambos casados en aquel momento. Las portadas de las revistas del corazón complicaron aún más el ya de por sí malogrado rodaje de "Cleopatra". El montaje final de Mankiewicz duraba nada más y nada menos que séis horas, pol lo que se pensó, en un principio, dividir la producción en dos películas, es decir en dos partes. Pero Fox se decidió finalmente, y ante la amenaza de quiebra del estudio, por realizar una serie de cortes para dejar la película finalmente en la versión comercial de tres horas y media que dividiría la trama en dos partes, por un lado la relación de Cleopatra con Julio Cesar, hasta su asesinato en Roma, y por otra desde la huida de Cleopatra a Egipto hasta su muerte, pasando por su intenso romance con Marco Antonio y la pugna con Octavio.

En los años 90, se restauró el filme, recuperando hasta media hora de escenas cortadas en una "Director’s cut" que es la que actualmente se edita tanto en DVD como en Blu-Ray, presentándose en DVD en el formato 2.35:1 (a partir de la versión anamórfica en 35mm) y en Blu-Ray en su original aspect ratio 2.20:1 ( restauración a partir del negativo original Todd AO). Para la versión española se tuvo que realizar un nuevo doblaje en 1993, con Ramón Langa (habitual doblador de Bruce Willis y Kevin Costner) doblando a Richard Burton y Félix Acaso doblando a Rex Harrison. A pesar de las enormes pérdidas producidas para los estudios Fox y la injusta dureza de la crítica del momento, el éxito de taquilla fue arrollador, algo que finalmente pudo ayudar a salvar los muebles a la productora. La cinta fue nominada a 9 Óscars de la Academia, obteniendo nada más y nada menos que 4 estatuillas, relativas a la mejor fotografía en color (Leon Shamroy), mejor dirección artística en color, gracias a sus soberbios decorados y puesta en escena, mejor vestuario en color, a cargo de Irene Sharaff, Vittorio Nino Novarese y Renie, y mejores efector visuales, que también fueron espectaculares, como bien podemos comprobar en la majestuosoa y super colosalista escena de la entrada de Cleopatra en Roma, en la cual es recibida por Julio César con los mejores fastos posibles. Se nota el sello de Mankiewicz, quien ya nos regaló verdaderas joyas como "El fantasma y la señora Muir (1946)", la obra maestra "Eva al Desnudo (1950)", "Mujeres en Venecia (1968)" o la no menos mítica "La huella (1972)", quien saca lo mejor de un enorme reparto que en sus secundarios tiene a figuras de la talla de Hume Crown, Martin Landau y un magnífico Roddy McDowall como el ambicioso Octavio Augusto. Las interpretaciones de Taylor y Burton son excelentes, creo que no habían dos mejores actores para encarnar a Cleopatra y Marco Antonio, pero, a mi juicio, lo más destacable del reparto es ese enorme Rex Harrison que dio una personalidad arrolladora a un Julio César ya viejo y enfermo (con sus avanzados episodios de ataques epilépticos), que es todo un espectáculo en sí mismo aparte de todo el restante conjunto de la película.

Rex Harrison, quien esos años acababa de triunfar en Broadway con su cínico y sarcástico profesor Higgins en el musical "My Fair Lady (1964)" (y que volvería a interpretarlo en la adaptación cinematográfica de Cukor), supo combinar perfectamente su carrera en la gran pantalla con su trayectoria en los escenarios, dejándonos películas en esos primeros años 60 como "Un grito en la Niebla (1960)",de David Miller junto a Doris Day o "El último chantaje (1962)", junto a Rita Hayworth. Harrison ya empezó a interpretar grandes papeles en los años 30, aunque su primer gran papel le llegó con la adaptación de la obra de Bernard Shaw "Mayor Bárbara (1941)", junto a Wendy Hiller. Llegaron después "Un espíritu burlón (1945)", de David Lean, "Ana y el rey de Siam  (1946)", de John Cronwell, "Débil es la carne (1947)", de John m. Stahl, "El talismán (1953)", de David Butler. Junto a Mankiewicz, director que le adoraba a la vez que le "odiaba" intervino en la deliciosa "El fantasma y la Señora Muir (1946)", "Escape (1948)", "Cleopatra  (1963)" y "Mujeres en Venecia (1967)". Sin embargo el mayor éxito del actor le llegó con "My Fair Lady", primero en el teatro, junto a una joven Julie Andrews y después en la versión cinematográfica de George Cukor en 1964, junto a Audrey Hepburn y que le dio el Óscar al mejor actor. Elizabeth Taylor ya era toda una actriz consagrada en la cima de Hollywood cuando fue la elegida para encarnar a la popular reina del Nilo, habiendo empezado su carrera de adolescente en la popular saga de películas de la perra Lassie.

Su papel en "Mujercitas (1948)", de Mervin LeRoy, la catapultaron a la madurez de su carrera, dejándonos joyas como "Gigante (1956)", de George Stevens, su popular rol de Maggie la gata en "La gata sobre el tejadode Zinc (1958)". Junto a Montgomery Cliff realizó tres míticos filmes: "Un lugaren el Sol (1951)", "El árbol de la vida (1957)" y la inquitetante cinta de Mankiewicz "De repente, el último verano (1959)". A partir de "Cleopatra", Liz protagonizó una serie de clásicos inolvidables junto a Richard Burton siendo los más destacables títulos "Hotel Internacional (1964)" de Anthony Asquith, "¿Quién teme a Wirginia Woolf? (1966)" de Richard Brooks y "Castillos en la Arena (1965)" de Vincente Minnelli. También estuvieron juntos en "Los comediantes" y "La mujer indomable". En todas estas películas parecía reflejarse la tormentosa relación que había entre ambos. Liz Taylor consiguió en Óscar a la mejor actriz en 1960 por "Una mujer marcada", interpretada junto a Eddie Fisher, otro de sus maridos, del director Daniel Mann. Richard Burton, también británico, hay que destacar que el trío protagonista lo era, nos dejó joyas como "La túnica Sagrada (1954)", de Henry Coster, junto a Victor Mature, "Alejandro Magno (1956)", de Robert Rossen, participó en la superproducción bélica de 1962 "El día más largo" junto a una larga lista de conocidos actores, las ya mencionadas películas junto a Elizabeth Taylor, "La noche de la Iguana (1964)", de John Houston, "Becket  (1964)", de Peter Glenville, "El desafío de las Águilas (1968)", de Brian G.hutton, junto a Clint Eastwood, entre otros destacables títulos, y, curiosamente protagonizó una interesante y ácida comedia junto a quien fue su alter ego en "Cleopatra", Rex Harrison, me refiero a la película de Stanley Donen "La escalera (1969)", en la que Burton y Harrison dan vida a una madura pareja de homosexuales en el ocaso de su relación. En definitiva con "Cleopatra", estamos ante una de las mejores muestras del género Peplum, una verdadera joya que merece ser visionada cada cierto tiempo.

Frase para recordar: "El humo de los romanos es tan negro como el de los otros...así como su hedor.Fue Pompeyo quien quiso esto, no yo. Que se escriba esto que he dicho."

Director: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Elizabeth Taylor, Richard Burton, Rex Harrison, Pamela Brown, George Cole, Hume Cronyn, Cesare Danova.

Trailer:

B.S.O.:

Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

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JULIO CÉSAR (1953). El drama histórico de Joseph L. Mankiewicz.

Película ambientada en un momento crucial de la historia de Roma. Durante el ascenso de Julio César, entre los años  49 y 46 A.C., cuando comenzó a gestar sus aspiraciones para transformar la República en un régimen totalitario, convirtiéndose así en un Soberano cuyos poderes doblegaran incluso hasta el Senado. Julio César, conocido personaje histórico, pertenecía a la clase de los nobles o patricios. Con una notable formación y perteneciente a una buena familia, vivió desde muy joven el poder de las batallas políticas.  Se vio obligado a abandonar Roma antes de los 20 años, dominada entonces por Sila, ya que estaba en contra de los "optimates". Durante toda su carrera militar se le consideró un gran estratega y batallador que obtuvo para su Imperio numerosas victorias en las Galias. Formó triunvirato con Craso y Pompeyo, siendo éste el último escollo derrotado para que Julio César se alzara con el poder absoluto. Durante su vida acumuló tantas victorias como enemistades de otras familias Patricias. A partir del drama homónimo de William Shakespeare, Joseph Leo Mankiewicz escribió y dirigió este gran clásico de la literatura siendo bastante fiel al texto original, para narrar los acontecimientos que desencadenaron el asesinato de Julio César y los sucesos posteriores que culminaron en la derrota de los conjurados a manos de los populares romanos, capitaneados por Marco Antonio. En la cinta podemos advertir un relato dividido en dos partes. 

Una primera parte donde se muestran los motivos que conducen a elaborar una conspiración, inicialmente ideada por Casio (John Gielgud), el más inteligente, pensador y férreo defensor de la república y Bruto (James Mason), el hijo adoptivo de Julio César que comienza a debatirse en dudas y contradicciones frente al temor de que su mentor, hombre amado y respetado por él, se pervierta por la ambición y el poder desmedidos. Las actuaciones de ambos actores resultan impecables en la declamación de su texto al estilo de Shakespeare. En la segunda parte de la película, cuando César ya ha sido asesinado, Marco Antonio (Marlon Brando), toma el relevo actoral con una de las más grandes interpretaciones que se recuerdan marcando un hito al recitar a Shakespeare de una manera bien diferente a sus compañeros de escena. Se dice que Brando hablaba desde sus entrañas, con profundidad y emoción, sin dejarse limitar por las formas y que su interpretación fluía con una naturalidad nunca vista antes en ningún tipo de actuación. Crucial en la película resulta su discurso frente a la multitud que Bruto ya ha convencido con palabras como:

"Libertad contra la ambición, la tiranía. Amaba a César, pero mucho más amo a Roma".

Tras este discurso, Marco Antonio que no ha participado en el asesinato queda en una situación de vulnerabilidad, más aún, cuando no era considerado ni siquiera hombre culto  que pudiera poner en peligro la "Conspiración de los intelectuales". Sin embargo, la sorpresa es mayúscula cuando descubrimos el gran poder de convicción que Brando ejerce sobre las masas en un discurso para la Historia del cine, donde la cámara lo mantiene siempre en un contrapicado y él mismo se expresa con naturalidad, sin alzar los brazos, sin aspavientos y con una profunda emoción, del todo creíble para las multitudes. Unos magistrales primeros planos nos muestran el brillo de la ambición en su mirada: El mejor manipulador de todo el relato ha jugado sus cartas y ha ganado.

"Vengo aquí a inhumar a César pero no a glorificarle. El mal que hacen los hombres le sobrevive, el bien queda frecuentemente sepultado con sus huesos".

"Con la venia de Bruto y los demás, puesto que Bruto es un hombre honrado, como honrados son todos los demás, vengo a hablaros en el funeral de César".

 "El honorable Bruto os ha dicho que César era ambicioso. Si lo fue, era la suya una falta grave y gravemente ha pagado su ambición".

 Y viendo una vez más Julio Cesar nos preguntamos: ¿realmente hace falta algo más?

La película, al igual que el texto literario original, utiliza un hecho histórico para ofrecernos una reflexión ya no sólo sobre la política, también sobre el poder y la ambición. Es un excelente retrato de la complejidad y la contradicción de la condición humana. Un certero análisis de las pasiones humanas, muy del estilo shakespeariano, que giran en torno al problema  del resentimiento, el deseo de venganza y el cumplimiento del deber por encima de los sentimientos personales del hombre de estado. Joseph L. Mankiewicz, consiguió su primer éxito con "Carta a tres esposas (1949)" por la que en 1950 ganó los Oscar a la mejor dirección y al mejor guión. Al año siguiente Mankiewicz repitió doblete con una obra maestra: "Eva al desnudo". 

Habiendo conseguido el suficiente prestigio y consideración profesional, decidió abordar su gran pasión, el teatro clásico, adaptando para las pantallas Julio César de William Shakespeare. Para Mankiewicz era algo natural porque cine y teatro eran para él prácticamente lo mismo.  Para el papel del atormentado Bruto, el magnicida que se debate entre el deber patriótico como ciudadano y el honor, la amistad y el cariño que sentía por César, Mankiewicz eligió al británico James Mason, con el que ya había trabajado un año antes en "Operación Cicerón". Casio, otro de los conspiradores, fue interpretado por uno de los mejores actores shakespearianos de todos los tiempos, el gran John Gielgud, al que Mankiewicz acudió a ver actuar expresamente en Stratford-on-Avon, la cuna del dramaturgo inglés. Aunque Brando no era la primera opción del director, consiguió el papel. Brando no poseía la ductilidad ni el genuino acento inglés que los más puristas exigían para el personaje pero llenó a su Marco Antonio de fuerza y tensión. "Es como abrir un horno caliente dentro de una habitación oscura", dijo de su actuación John Huston. La concatenación de discursos en las escalinatas de Bruto (Mason) y Marco Antonio (Brando) es inolvidable y el tratamiento visual digno de admiración, con un estupendo trabajo de cámara de Mankiewicz y Joseph Ruttenberg. La gran labor en la dirección artística de Cedric Gibbons también es digna de mención, ya que los escenarios resultan imprescindibles para enmarcar los diálogos actorales. La ambientación escénica destaca curiosamente por no presentar una Roma lujosa, sino una Roma con una población ociosa y sin muchos recursos. Una ciudad con escasos lugares abiertos, con callejuelas sombrías y planos austeros acotados en espacios. Una puesta en escena muy teatral donde la cámara se encarga de resaltar  el discurso de los actores. 

Todo ello dota al film de un ambiente tenso, serio, amenazador, lleno de insidias, en donde se abordan asuntos como la envidia, la traición, la ambición, el honor, la lealtad, la tiranía, el poder o la fragilidad de éste. Una contradicción constante entre lo que puede ser auténtico o pura falsedad. Casio y Bruto, se presentan como dos nobles que defienden la libertad y desean mantener el poder de la república frente a la posibilidad de una dictadura. Pero bajo el discurso aparente, el espectador es capaz de apreciar una duda razonable en sus nobles intenciones. Tras la muerte del gran líder, será su gran amigo y aliado, Marco Antonio  quien vuelva a demostrar que nadie es completamente bueno o malo, que las buenas intenciones pueden llevar implícitas deseos egoístas y que las cosas no son siempre lo que aparentan. En el segundo tramo del metraje, ambientado ya en el campo de batalla, luchando los conspiradores contra el ejército de Roma es cuando la trama decae algo en su intensidad y se hace más predecible. Destaca en esta parte la escena dentro de la tienda de campaña donde yace muerto Casio, y Marco Antonio le dedica unas palabras de elogio como único hombre de verdadero honor. La opinión de los eruditos sobre los logros de Julio César está dividida. Algunos lo consideran un tirano sin escrúpulos, con un insaciable apego al poder, y le culpan de la desaparición de la República de Roma. Otros admiten que pudo ser cruel, pero insisten en que la República ya estaba destruida. Mantienen que para salvar el mundo romano del caos debía crearse una nueva clase de gobierno. En realidad, las reformas de César dieron estabilidad al mundo mediterráneo. También fue un general excepcional, que inspiró lealtad a sus soldados. En tanto que una de las figuras más notables del mundo antiguo, fue el tema de muchas obras literarias y biográficas, incluido el drama Julio.

Título original: Julius Caesar.

Director: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Marlon Brando, Louis Calhern, Deborah Kerr, James Mason, Greer Garson, John Gielgud, Edmond O'Brien.

Trailer:

Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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CARTA A TRES ESPOSAS (1949). El primer Oscar de Joseph L. Mankiewicz.

En una pequeña localidad de provincias, tres amigas casadas se disponen a realizar una excursión escolar en la que madres e hijos compartirán una jornada campestre tras un pequeño viaje en barco. Desde la primera escena se respira el ambiente de convencionalismo social tan característico de las zonas rurales. Cuando se disponen a partir, antes de subir al barco, las tres mujeres llamadas Deborah (Jeanne Crain), Rita (Ann Sothern) y Lora May (Linda Darnell), reciben una carta de Addie, la única amiga común que no está casada, de la que tanto se habla desde el comienzo aludiendo a sus fantásticas cualidades. En su lugar, las tres amigas reciben una única carta firmada por la propia Addie donde les indica que se ha fugado con el marido de una de ellas. Cada una de las tres esposas reflexiona sobre su situación marital, intentando analizar la posibilidad de que la traición pudiera suceder en su propio matrimonio. Deborah recuerda sus orígenes humildes y su llegada a la comunidad, donde su marido Brad (Jeffrey Lynn) es un personaje influyente y pudiente que pertenece a una clase social distinguida, algo que a ella le atemoriza e intimida. Brad estuvo comprometido en su juventud con Addie y se decía de ellos que eran la pareja perfecta. Por su parte, Rita piensa en George (Kirk Douglas), un maestro dotado de gran sensibilidad e intelecto, pero que carece de un trabajo bien remunerado como para aportar los ingresos suficientes que requiere un matrimonio con gemelos. De esta ordinaria y vulgar tarea debe ocuparse su esposa, mediante pequeños escritos para la radio. La crispación en la pareja procede de los grandes desprecios que Rita recibe de su esposo que ridiculiza esta importante fuente de ingresos y labor de Rita al considerarlo un trabajo vulgar y con fines mercantilistas. Por último, Lora Mae, la más atractiva y distinguida, recuerda cómo fue el encuentro con su actual marido. 

Ella era una joven de clase trabajadora, sin apenas recursos, dotada de gran belleza y dispuesta a cualquier cosa para obtener un futuro mejor. Empleada en unos Grandes Almacenes, conseguirá su objetivo en la vida al casarse con el dueño y jefe, Porter (Paul Douglas), muchos años mayor que ella. "Carta a tres esposas" es una película  basada en la novela de John Kempner, con un brillante guión adaptado por el propio  Joseph L. Mankiewicz junto con Vera Caspary. Con un manejo del tiempo fílmico artesanal, Mankiewicz es capaz de mantener el suspense girando en torno a un suceso que podría ser pura frivolidad en otras manos. Desde el comienzo, la voz en off siempre presente de la amiga ausente, tan perfecta como envidiada: Addie, domina el relato. El tiempo fílmico es modificado mediante el uso de tres flashback consecutivos y paralelos en tiempo real, cada uno revelador de las intimidades de las tres parejas. El hilo conductor de todas las historias será la sempiterna presencia de la brillante Addie, un espíritu libre, una mujer bella, seductora y exitosa por la que todos los hombres del grupo han mostrado su admiración en algún momento, aún estando presentes sus propias esposas. 

Buscando en el pasado íntimo y personal de cada una de ellas, el ritmo y la tensión se mantienen gracias a las dudas que cada esposa alberga en su interior, recordando episodios de desavenencias conyugales o de celos por la presencia de Addie, la cual con exquisita perfección les recuerda a cada una sus principales miedos  o carencias. Esos banales episodios pasan a transformarse una losa sobre sus cabezas. Uno de los puntos interesantes de esta trama es descubrir la subjetividad de los recuerdos. Cómo cada mujer es capaz, en un momento de incertidumbre, de recordar precisamente lo que más le preocupa de su relación. Sin esa carta, jamás se hubieran permitido analizar o llegar a pensar que pudieran tener conflictos en su idílica vida familiar. La trama, articulada sobre recuerdos y vivencias, es narrada a modo de intriga, con un suspense que se resolverá simplemente dejando pasar el tiempo ya que el fin de la excursión que dura apenas unas horas y la vuelta al hogar resolverán el enigma. Será entonces cuando alguna de ellas descubrirá que sus temores eran ciertos. 

Obviando la simple intriga de la trama en favor de un certero retrato de caracteres y ambientes, J.L. Mankiewicz construye una obra redonda en la que se apuntan las constantes que su director desarrollaría con plenitud en su obra posterior. Una crítica enmascarada, ingeniosa y analítica de los ridículos valores de unos personajes magistralmente definidos, ahogados en la superficialidad de los convencionalismos, de las apariencias sociales, de los bienes materiales o la mediocridad intelectual del "american way of life". Por esa razón no elige como escenario un lugar cosmopolita, sino una pequeña localidad enraizada en los usuales modales y ambiciones del ciudadano medio del lugar. Fue el primer éxito y el primer Oscar que obtuvo Mankiewicz, de lo que sería toda una larga carrera plagada de grandes películas donde su conocimiento y sensibilidad a la hora de tratar y mostrar el mundo interior femenino lo convirtió en un brillante director de relatos humanos.

Frase para recordar: "Me marcho de la ciudad con el marido de una de vosotras".

Título original: A Letter to Three Wives.

Director: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Kirk Douglas, Ann Sothern, Linda Darnell, Paul Douglas, Jeffrey Lynn, Jeanne Crain, Florence Bates, Thelma Ritter,

Trailer:

Escena:

Reseña escrita por Bárbara Valera Bestard

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MUJERES EN VENECIA (1967). Las amantes de Rex Harrison.

Cecil Fox (Rex Harrison) es un excéntrico millonario americano que vuelve a su residencia en Venecia, un palacio. Asiste a una representación privada de la obra "Volpone", la cual interrumpe, desconcertando al equipo de actores."Volpone" o "El zorro" es una obra teatral de 1906 que trata sobre la lujuria y la avaricia. Su sirviente se llama “Mosca”. La película es un homenaje a la obra de teatro. Cecil Fox sería Volpone o "el zorro", el aristócrata protagonista- Fox siginifica “zorro”en inglés- y "Mosca" es McFly (Cliff Robertson), su fiel sirviente, al que Fox contrata para que le ayude a montar una especie de charada o juego macabro al reunir a sus tres ex amantes asegurando que se está muriendo y tiene una gran fortuna- en realidad Fox está completamente arruinado- y que no tiene un heredero. Se presentan en la residencia Merle McGill (Edie Adams), una estrella de cine con importantes deudas fiscales, la princesa Dominique (Capucine), arruinada, y "Estrella Solitaria" Sheridan (Susan Hayward), una millonaria hipocondríaca que viaja junto a su enfermera Sara Watkins (Maggie Smith). Las tres se pelean por quedarse con la supuesta herencia, aunque juega con ventaja "Estrella solitaria" al ser la esposa legal de Fox. En uno de los mejores y geniales momentos de la película en la que se luce sobre todo el genial Rex Harrison, Fox finge un ataque al corazón. Sin embargo, e inesperadamente el guión preparado por Fox y MacFly se rompe al ser encontrada muerta la señora Sheridan y entra en escena el inspector Rizzi (Adolfo Celi). La enfermera Watkins cree saber quien es el asesino/a de "Estrella solitaria" y se lo dice a Fox, teniendo ambos una conversación sobre lo que es el tiempo y el uso que de él hacemos los seres humanos que es quizá lo mejor de la película. Joseph Leo Mankiewicz volvió a contar con uno de sus actores favoritos, Rex Harrison, después de habernos regalado tres joyas con el popular actor inglés como fueron "El fantasma y la Señora Muir (1946)", junto a Gene Tierney y George Sanders, otro de sus actores fetiches, "Escape (1948)", junto a Peggy Cummins, y la super colosal producción "Cleopatra (1963)", junto a Elizabeth Taylor y Richard Burton, en la que Rex Harrison hace de un Julio César ya viejo y epiléptico en la recta final de su vida que es todo un ejemplo de magistral interpretación, y que le valió la nominación al Oscar al mejor actor en 1963.

Mankiewicz, antes que director, fue un importante guionista que escribió para películas como "Million Dollar (1932)" o "El pan nuestro de cada día (1934)". Por "El enemigo público nº 1 (1935)", de S.W. Van Dyke, consiguió en Oscar en el apartado de mejor guión. Como productor las obras maestras "Furia (1936)" de Fritz Lang o "Historias deFiladelfia (1940)", de George Cukor. Su Ópera prima como director fue "El Castillo de DragonWyk (1944)", con la bellísima Gene Tierney, Vincent Price, Jessica Tandy, después continuaría con "El Fantasma y la Sra Muir (1946)" y "Carta a tres esposas (1949)", siendo también el guionista y por la que obtuvo el Oscar al mejor director y al mejor guión original. Kirk Douglas y Linda Darnell interpretaron sus papeles magistralmente. Posteriormente, tras la magnífica "Odio entre hermanos (1949)", con Edward G.Robinson, Richard Conte y Susan Hayward, nos regalaría Mankiewicz una de las mejores obras de arte de la historia del séptimo arte, que trata sobre los entresijos del mundo del teatro dentro del cine, la magnífica película "Eva al Desnudo (1950)", que se llevó seis merecidos Oscars incluyendo los relativos a la mejor película, mejor director y mejor actor de reparto, un genial George Sanders, en el papel del ácido crítico de teatro Addison de Witt. Bette Davis es Margo Channing, la vieja gloria de la escena que ve como la nueva actriz, Eva Harrington (Anne Baxter) irrumpe con las peores artes en su mundo, fingiéndose una admiradora de Margo. Tras la irregular "Murmullos en la ciudad (1951)" con Cary Grant, llega "Operación Cicerón (1952)", inquietante cinta de espionaje con James Mason. Al año siguiente "Julio Cesar (1953)", otra de las grandes del director, con un Marlon Brando, procedente de "The Actor's Studio" que da lo mejor de sí como Marco Antonio, siendo Louis Calhern un magnífico Julio César y James Mason el traidor Bruto, completando el soberbio reparto Greer Garson (Calpurnia), Deborah Kerr (Portia), Edmund O'Brien (Casca), John Gielgud (Casio).

El guión sigue la obra de William Shakespeare. Al año siguiente "La condesa descalza", de la cual ya escribí una reseña en el blog, maravillosa, y Mankiewicz probó en el genero musical con la deliciosa "Ellos y ellas (1955)", con Marlon Brando, Frank Sinatra, Jean Simmons y Vivian Blaine. La tremenda "De repente, el últimoverano (1959)", fue otra de sus mejores películas con un duelo interpretativo entre Katharine Hepburn, Elizabeth Taylor y Montgomery Clift que es toda una gozada. En 1963 Mankiewicz retoma el gran fracaso financiero de la Fox que supuso "Cleopatra", primero en manos de Robert Mamoullian, con Elizabeth Taylor en una de sus mejores interpretaciones, sin lugar a dudas, un correcto Richard Burton y un enorme, enorme y con mayúsculas Rex Harrison en una de sus grandes y más sentidas interpretaciones como el popular personaje histórico Julio César. La cinta obtuvo 4 Oscars quedándose Harrison sin el que justamente la Academia debió otorgarle, a mi juicio, aunque al año siguiente se lo dieron, muy acertadamente, por "My Fair Lady (1964)". Tras la película que nos ocupa, que se puede decir que es todo un ensayo de "La Huella", llegaría precisamente la popular película de 1972, y de la que se acaba de hacer hace pocos años un innecesario y absurdo remake con el propio Caine y Judge Law, y que es todo un juego teatral y un ejercicio de soberbias interpretaciones en la que Mankiewicz desborda todo su enorme talento. Laurence Olivier y Michael Caine bordaron sus personajes y es otra de las películas más importantes del genial director. Reginald Carey (Rex) Harrison (1908-1990), apodado popularmente "Sexy Rexy", es uno de las grandes figuras de la escena británica que el Reino Unido ha aportado a Hollywood. Entre sus grandes películas cabe destacar la muy buena adaptación de la obra de Bernard Shaw "Mayor Barbara (1941)", junto a Wendy Hiller, "Ana y el rey de Siam (1946)", primera adaptación de la popular novela de Margaret Landon, junto a Irene Dunne. En 1946 también nos regalaría su maravilloso personaje del fantasma del capitan Gregg en "El fantasma y la señora Muir" y su genial interpretación en "Un espíritu burlón" de David Lean, un año antes. Tras "Débil es la carne (1946)", "El talismán (1954)", en la que interpreta a Saladino durante las Cruzadas, fue escogido por Moss Hart para el papel del profesor de fonética Henry Higgins en la producción musical de Broadway de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe "My Fair Lady", versión musical de la popular y ácida comedia teatral de George Bernard Shaw "Pigmalión", personaje que marcó la carrera de Rex ya que aportó mucho de su peculiar carácter al personaje y siempre se ha dicho que Rex Harrison tenía mucho de Henry Higgins y que Henry Higgins tenía mucho de Rex Harrison.

Coprotagonizó la obra junto a una muy jovencita Julie Andrews. Compaginó sus más de 2717 representaciones de la popular obra, entre Nueva York y Londres, con su intervención en la flojilla pero deliciosa comedia de Vincente Minnelli "Mamá nos complica la vida (1958)", junto al que fue el gran amor de su vida, Kay kendall y la muy lograda "Un grito en la niebla (1960)", de David Miller, junto a una estupenda Doris Day. Tras "Cleopatra", fue finalmente escogido por Jack L.Warner para repetir su éxito en la escena con el profesor Higgins en la obra maestra de George Cukor "My Fair Lady (1964)", por la que ganó el Oscar al mejor actor y en la que irradia una magia especial junto a la maravillosa Audrey Hepburn. Carol Reed le llamó para interpretar al Papa julio II en "El tormento y el éxtasis (1965)" en la que el actor tiene un magistral duelo interpretativo con Charlton Heston que interpreta al mítico pintor y escultor renacentista Miguel Ángel. Tras la floja comedia coral de Anthony Asquith "El Rolls-royce amarillo (1965)", interviene en la deliciosa "El extravagante Doctor Dolittle (1967)" de Richad Feischer, en la que vuelve a lucirse en una comedia musical diciendo las canciones a su manera tan peculiar, como ya hizo con "My Fair Lady". Posteriormente Mankiewicz vuelve a contar con él para la película que nos ocupa y después volvió a sorprender en un nuevo rol esta vez de homosexual, junto a Richard Burton en la agridulce comedia de Stanley Donen "La escalera". Posteriormente Rex Harrison volvió al cine a formar parte de repartos corales en películas como "El quinto mosquetero" o "El príncipe y el mendigo", además de intervenir en la popular miniserie "Anastasia", con Amy Irving de protagonista. Llegó a volver a interpretar a su personaje favorito, el profesor Higgins, en un nuevo montaje del musical, en Broadway, en 1981. La popularidad de su personaje hizo que se llegara a denominar al sombrero que usaba como el "Higgins" en las más selectas sombrererías de caballeros. La reina Isabel II de Inglaterra le dio el título de Sir a los 80 años. Le dan una buena réplica a Harrison en la película Cliff Robertson, quien ganó un Oscar al mejor actor por "Charly (1968)" e intervino en clásicos como "Picnic (1955)" de Joshua Logan, en la que interpretó a Alan Benson, "La brigada del diablo (1968)", o "Comando en el Mar de China (1970)", siendo más dilatada su carrera en Televisión. Después ha tenido muchos altibajos en una carrera cinematográfica bastante irregular. Más recientemente le hemos podido ver en la saga de Spider-man de 2004. 

Ha tenido una importante presencia como actor de reparto. Además, tenemos a la genial, y aún en activo, Maggie Smith como la enfermera de "Lone Star" Sheridan (Hayward), la muy hábil enfermera que intenta desenmarañar toda la oscura trama, primero con el inesperado asesinato de su señora y después intentando prevenir a Fox, el propio autor del misterioso juego, porque cree que su vida corre peligro también. "Maggie Smith (1934)" es una de las grandes damas del cine británico. Debutó en Oxford playhouse, en el teatro, con la obra "Noche de reyes". Ha tenido una larga y fructífera carrera teatral. En cuanto a la parte cinematográfica, tras breves papeles en la gran pantalla , du primer gran papel le vino con "Otelo (1964)",de Stuart Burge, junto a Laurence Olivier en la que interpretó a Desdemona, siendo su segundo gran papel el de la enfermera Wakins en "Mujeres en Venecia", en la que tiene una magistral y larga conversación con Rex Harrison (Cecil Fox) cuando acude a prevenirle de que alguien quiere matarle. Después interpretó "Los mejores años de Miss Broddie (1969)", con un enorme éxito, y a la Tía Augusta en la comedia de George Cukor "Viajes con mi tía (1972)", en la que tiene una genial escena junto a José Luis López Vázquez, una de las grandes estrellas del cine español. Posteriormente Smith ha sido pieza fundamental para formar parte de repartos corales y de lujo en películas como "Un cadáver a los postres (1976)", "Muerte en el Nilo (1978)", "California Suite (1978)" o "Muerte bajo el sol (1981)". Gran popularidad han tenido también sus intervenciones en las dos películas de "Sister Act", junto a Whoopi Goldberg, en los años 90 y en la saga de Harry Potter, más recientemente. Está a punto de estrenarse su último trabajo, "El nuevo exótico Hotel Marygold". Será un verdadero placer volver a ver a Miss Smith, que siempre es todo un lujo verla actuar. Completan el reparto dos grandes como Susan Hayward, quien ganó el Oscar a la mejor actriz por su desgarradora e impactante actuación en "¡Quiero vivir! (1958)", de Robert Wise, y Capucine, muy popular gracias a la saga de Blake Edwards "La Pantera Rosa". Adolfo Celi está bastante bien como el Inspector. Quizás Edie Addams sea la más flojita de un soberbio reparto, pero también está correcta. Estamos ante una película muy teatral pero que a su vez entretiene bastante. Se nota la dirección del maestro Mankiewicz que una vez más saca lo mejor de sus actores. Desde luego recomiendo volver a verla y a quien aún no haya descubierto esta pequeña joya, asomarse a ella.

Frase para recordar: "La gente valora muy poco el tiempo. La gente vulgar, como en todo elige lo que es mayor, no lo que es mejor...hasta el tiempo...Sólo piden vivir cien largos y miserables años... y se sienten estafados si viven cincuenta maravillosos...Cantidad..¡sí! Calidad...¡no!".

Título original: The honey pot.

Director: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Rex Harrison, Susan Hayward, Maggie Smith, Cliff Robertson, Capucine, Edie Adams, Adolfo Celi.

Escena:

Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

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LA CONDESA DESCALZA (1954). Ava Gardner es la actriz y bailarina María Vargas.

La historia comienza en el funeral de la Condesa Tortato- Favrini. Acude Harry Dawes (Humphrey Bogart), director de cine, quien la recuerda cuando era María Vargas, actriz y bailarina española (Ava Gardner) a la que el productor Kirk Edwards (Warren Stevens) descubre cenando en una sala de fiestas españolas. Impresionado por su arte y belleza la convierte en una estrella de la gran pantalla, siendo su primera película dirigida por Dawes. Tras una vida amorosa tortuosa, a la par que su fama y éxito sube, conoce al conde italiano Vincenzo Torlato-Favrini durante un crucero por la Riviera y decide casarse con él, resulta ser un veterano de La Segunda Guerra Mundial...Guión original de Joseph L. Mankiewicz quien tuvo que pelear con la censura de Hollywood que le obligó a cambiar la homosexualidad del conde italiano por una impotencia sexual causada por una herida de guerra. A pesar de ello, Mankiewicz rueda una interesante drama donde se narra la historia de María desde los diferentes puntos de vista y distintos recuerdos de cada uno de los personajes que acuden a su funeral, y que cuenta el ascenso y ocaso de una estrella y su tortuosa vida sentimental de manera magistral. Mankiewicz consigue volver a atraparnos con su habitual habilidad para mantener al espectador pegado a la butaca durante las más de dos horas que dura la película, sacando lo mejor de cada actor.

Ava Gardner está magnífica con su registro dramático y llena la pantalla con su impresionante belleza, y es que es indiscutible aquello de que era "el animal más bello del mundo". En el rodaje de la película estaba casada con Frank Sinatra. Desde luego su vida sentimental no fue muy diferente de la de su personaje, lamentablemente y siempre nos duele recordar a los aficionados al cine cómo el alcoholismo acabó destrozando la vida de esta gran actriz.Humphrey está soberbio como Dawnes, el amigo fiel de María y una vez más volvió a demostrar que era un grandísimo actor. Rossano Brazzi (Locuras de verano (1955)") está sublime en su papel de hombre atormentado por su problema sexual. El resto de secundarios cumplen sobradamente, como nos tiene acostumbrados el director Mankiewicz en sus películas. Merecen especial atención los interesantes diálogos de los personajes. Mankiewicz en su interesante filmografía nos dejó verdaderas obras de arte como "El fantasma y la Señora Muir (1947)", "Eva al desnudo (1950)", "Julio César (1953)", "De repente, el último verano (1959)", "Cleopatra (1963)", y "La huella (1972)", entre otras muchas.

"La condesa descalza" a diferencia de sus otras películas, es integramente Mankiewicz, pues en esta ocasión no estamos ante una adaptación de una novela sino ante su propio guión original, que es una critica al superficial y elitista mundo de Hollywood. Considerada como una película menor del director por una importante parte de la critica que consideró el film como una especie de variación del cuento de Cenicienta pero con tintes dramáticos y trágicos. Yo pienso que es una gran película, con una puesta en escena donde elegancia, estilización y presentación de cada uno de los personajes es absolutamente magistral. Cabe destacar que se titula "La condesa descalza" porque el conde italiano Vincenzo ordenó construir una escultura de María Vargas bailando descalza, que era como a él le gustaba contemplarla.

Frase para recordar: "Me llamo Harry Dawes, escribo guiones y dirijo películas desde hace más tiempo del que quisiera recordar".



Título original: The Barefoot contessa.

Director: Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Ava Gardner, Humphrey Bogart, Edmond O´Brien, Marious Goring, Rossano Brazzit.

Trailer:

Información complementaria:
Ava Gardner

Reseña escrita por Alfonso Torres Gallego

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EVA AL DESNUDO (1950). Bette Davis en la obra maestra de Joseph L. Mankiewicz.

Retrato oscuro sobre los trapos sucios que se cuecen en el mundo teatral y crítica mordaz sobre el entorno del famoseo y los ascensos profesionales sin escrúpulos de muchas estrellas del espectáculo sería la temática a tratar por Joseph L. Mankiewicz en esta indiscutible obra maestra rodada a principios de la década de los cincuenta. El film basado en una novela de la norteamericana Mary Orr e inspirada en la experiencia personal de la actriz Elisabeth Bergner ("Catalina de Rusia (1934)") nos contaría la relación de amor y odio entre una veterana estrella del mundo del teatro (Margo Channing) y su fiel (y traidora) admiradora (Eva Harrington). Potentes diálogos asociados de magistrales interpretaciones junto la notable fotografía en blanco y negro de Milton Krasner ("Dulce pájaro de juventud (1962)") y el importante trabajo musical de Alfred Newman ("¡Qué verde era mi valle! (1941)") hicieron de este título una película imprescindible para cualquier amante del séptimo arte. Su elección para interpretar a la prepotente y cínica Margo Channing salvaría a Bette Davis de una mala racha tanto personal (venía de divorciarse del pintor William Grant Sherry) como profesional (sus tres anteriores películas no gozaron del éxito que se esperaba) que vivía esta mítica actriz ya que su participación en esta obra no sólo le devolvería a lo más alto del estrellato sino que recuperaría la ilusión en el terreno amoroso al iniciar una relación sentimental con su compañero de reparto Gary Merrill ("Almas en la hoguera (1949)"). La actriz Anne Baxter ("El cuarto mandamiento (1942)") se destacaría interpretando a la oportunista y desalmada Eva Harrington, un trabajo que le llevaría a la lucha del oscar en la categoría de mejor actriz principal en un año ganado por Judy Holliday y su "Nacida ayer (1950)"). Cabe destacar la presencia de una joven Marilyn Monroe interpretando a la superficial y algo tonta Miss Casswells, un breve papel que acompañado de su participación ese mismo año en la obra de John Huston ("La jungla de asfalto (1950)") empezaría a darse a conocer en el mundo del celuloide. Como curiosidad, esta obra junto el "Titanic (1997)" de James Cameron es la película con más nominaciones en la historia de los premios Óscar, obtendría 14 de los cúales ganaría 6 (mejor película, mejor director, mejor actor de reparto, mejor guión adaptado, mejor vestuario y mejor sonido).

Frase para recordar: "Abróchense los cinturones. Esta va a hacer una noche movidita".

Título original: All about eve.

Director:  Joseph L. Mankiewicz.

Intérpretes: Bette Davis, Anne Baxter, Gary Merrill, Hugh Marlowe.

Trailer: 

Información complementaria:
Bette Davis

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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