ALMA EN SUPLICIO (1945). Instinto maternal.

"Alma en suplicio" o "El suplicio de una madre", como se le dio a conocer en Latinoamérica, es un espléndido melodrama que arranca con una impactante escena al más puro estilo del cine negro que presagia la gran película que se va a desarrollar a continuación; en ella Michael Curtiz nos deleita con la retrospectiva de un asesinato narrada voz en off a modo de flashback en dos tiempos, uno más largo para desarrollar la historia de Mildred y que además desemboca en el otro, que desvela poco a poco, dosificando magistralmente el suspense siempre acompañado de esa sensación permanente de fatalidad y manteniendo al espectador en vilo hasta la última escena.

Basada en una novela de James M. Cain, autor de grandes obras del género negro como "Perdición (1944)" de Billy Wilder, "Retorno al pasado (1947)" de Jacques Tourneur o "El cartero siempre llama dos veces", nos cuenta la historia de Mildred Pierce (titulo original) un ama de casa de clase media dedicada en cuerpo y alma a dar un futuro mejor a sus hijas. Su marido Bert está en el paro y critica sus excesivas atenciones a las niñas, estos enfrentamientos derivarán en la ruptura del matrimonio. Mildred sola y sin oficio no escatimará esfuerzos ni sacrificios para conseguir dar a sus hijas todas las oportunidades que ella nunca tuvo. Esta vez el problema del carácter femenino planteado habitualmente en Cain a través de la relación amorosa, viene dado aquí en una relación materno-filial que magistralmente, Michael Curtiz con su realización sobria y multifacética consigue mantener el adecuado equilibrio entre el drama de suspenso que mantiene a la audiencia en vilo y la conmovedora historia de una heroína motivada por el amor a una hija ingrata, con unos resultados tan sólidos como inquietantes. De verdad que es increíble cómo nos introduce en la narración de la película sin apenas esfuerzo. Ya que hablamos de Curtiz me gustaría decir que es uno de esos directores excepcionales que con el paso del tiempo han obtenido un reconocimiento totalmente merecido.

Además del magnífico guión, y una dirección de Curtiz espléndida, la fotografía inquietante y atractiva de Ernest Haller es de lo mejor que he visto en una película en B/N, francamente soberbio, dando una auténtica lección de juego de luces y sombras inconfundibles de la estética visual de carácter expresionista. Antes de entrar en el colofón final, el de las interpretaciones, que no se me olvide mencionar a Max Steiner que con su ambientación musical aporta la magia que aromatiza el cine negro.

Todos y cada uno de los personajes han sido espléndidamente elaborados, beben del fatalismo propio del mejor cine negro y están cargados de matices que los elevan más allá de su mera vis dramática. Hay auténticos momentos estelares entre Joan Crawford y Ann Blyth, como madre e hija. Pero quien se come literalmente la pantalla es nuestra protagonista, Mildred Pierce interpretada por una Joan Crawford que se sale en cada escena gracias al gran acierto de los primeros planos, el tratamiento que se le ha dado al rostro es algo extraordinario, ofreciéndonos una profundidad de la mirada muy pocas veces conseguida, de verdad que es para recrearse una y mil veces.

"Alma en suplicio" es una de las mejores películas del cine sobre mujeres, tratando temas tan escabrosos para la época como la educación de los hijos o la emancipación de la mujer con una profunda carga de conciencia social sobre el "american way of life". Aparte del melodrama, si os gusta el cine negro, bajo un estupendo guión, una soberbia fotografía y unas actuaciones magníficas (en especial Crawford), "Alma en suplicio" no os defraudará.

Título original: Mildred Pierce.

Director: Michael Curtiz.

Intérpretes: Joan Crawford, Jack Carson, Ann Blyth, Zachary Scott, Eve Arden, Bruce Bennett,Veda Ann Borg.

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Reseña escrita por Pepe Mata

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ZOOTRÓPOLIS (2016). La ciudad mamífera de Disney.

Lo que distingue y hace superior una película de animación de estas características es que entretenga y divierta no solo a los peques sino a todos los miembros de la familia y creerme aunque Pixar nos tenga malacostumbrados en estos quehaceres es algo sumamente complicadísimo. Disney desde que reflotara de la mano de su filial en este sentido también va por el buen camino. Zootrópolis es una buena muestra de lo que estoy hablando, cumple sobradamente con el precepto de una gran apuesta de la productora. Byron Howard (Enredados) y Rich Moore (Rompe Ralph, Los Simpsons) aprueban con nota alta en estos quehaceres.

Cimentada en bases seguras pero construida con dosis de originalidad y atrevimiento, Disney vuelve a su antigua tradición de animales parlantes en el que la productora tiene un gran legado y que tantos éxitos le proporciono en el pasado. Podéis creerme cuando digo que aunque hayamos visto millones de películas de animales antropomorfizados, Zootrópolis juega con esta premisa con un ingenio inaudito, mostrándonos una suerte de universo alternativo donde no hay humanos, pero en el cual los animales se han civilizado.

Como ya he comentado, esta cinta de animación nos presenta un mundo habitado únicamente por animales (mamiferos) en el que el astuto zorro Nick Wilde, acusado de un delito que no ha cometido, y la soñadora coneja Judy Hops se unirán para destapar al responsable de una conspiración que busca a toda costa que los dos vayan a la cárcel. La trama en si sería una buddy movie imposible (un zorro y una coneja) con tintes de cine negro, en la que gracias a un guión trabajado con muchos guiños cinéfilos y sobre todo con un buen sentido del humor, mezcla a la perfección varios discursos en una misma línea argumental (desde la consecución de los sueños hasta una sofisticada alegoría social), haciendo las delicias de todo tipo de público que se acerque a ella. Lo más sorprendente es que los giros argumentales no se ven venir desde el minuto cero, lo que es de agradecer. Para los cinéfilos tiene un añadido extra, los guiños, que no son pocos. Yo personalmente me quedo con el de El padrino y Canción triste de Hill Street.

La entrada a la moderna metrópoli mamífera de Zootrópolis es absolutamente espectacular. Un tren de máxima velocidad nos lleva de viaje a través de sus fascinantes distritos con diferentes hábitats como la desértica Sahara Square, la gélida Tundratown o la selvática Rainforest District. Un montaje que desborda imaginación, que con su portentoso diseño nos revela una ciudad prodigiosa llena de vida y adaptada a todo tipo de clase animal.

Cabe recalcar que uno de los puntos fuertes de este film es su magistral sentido del humor, el cual se puede apreciar en numerosas escenas pero si tuviera que resaltar una por encima de todas sería la de los perezosos como funcionarios del estado es simplemente hilarante, para más recochineo el amigo de Nick se llama Flash (relámpago)...brutal y la escena final con el tal Flash, buenísima.

Lo peor, no todo iban a ser cosas buenas… es Shakira metida con calzador como una gacela de anchas caderas promocionando su nuevo single. Lo siento, no la soporto, que se vaya a cantarle al Pique.

Zootrópolis no marcará un antes y un después en el cine de animación y a pesar de estar a cierta distancia de las grandes obras de Pixar, ofrece un buen divertimento a toda la familia, un guión lleno de sorpresas, un auténtico goce visual y una moraleja la mar de fina. Si tenéis la oportunidad de verla, no lo dudéis.

Director: Byron Howard, Rich Moore, Jared Bush.

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B.S.O.:

Reseña escrita por Pepe Mata

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QUE DIOS NOS PERDONE (2016). Asesino de ancianas.

El 2016 sin ninguna duda ha sido el año del thriller policial ibérico, demostrando que España puede codearse sin tapujos con el cine de Hollywood, sumido hasta las trancas en una crisis de ideas y de valentía. Grandes Señores de Hollywood, Arévalo, Sorogoyen y Alberto Rodríguez lo han hecho, os han dado en la cara…pocos medios, pero mucho talento. Porque ese es el ingrediente principal para hacer buen cine, talento. Ahora solo falta que la gran masa de españoles salga de ese bucle colectivo en el que anda sumido y disfrute sin reservas de nuestro cine patrio.

Segundo trabajo de Rodrigo Sorogoyen después de la muy apreciada e hipnótica Stockholm (2013). Un thriller ambientado en Madrid, verano de 2011. Crisis económica, Movimiento 15-M y millón y medio de peregrinos que esperan la llegada del Papa conviven en un Madrid más caluroso, violento y caótico que nunca. En este contexto, una pareja de inspectores de policía Alfaro (Roberto Álamo) y Velarde (Antonio de la Torre) deben encontrar al que parece ser un asesino en serie obsesionado con mujeres de avanzada edad cuanto antes y sin hacer ruido.

El film desde su comienzo consigue que te sumerjas dentro de la historia de tal forma que te sientes participe de la investigación criminal que se nos cuenta y hace que sientas la obligación de resolver el caso al igual que la pareja protagonista. Esto se traduce a estar con el culo apretado en la butaca durante las dos horas que dura la cinta y creerme cuando digo que es algo muy difícil de conseguir. Todo esto lo logra gracias al magnifico pulso con que está realizada, una estupenda producción y un bien construido guion de Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, plagado de diálogos certeros y turbadores. En él no sólo hay acción, también hay una digna construcción de personajes, de la pareja protagonista interpretada por dos actores en estado de gracia. Dos personajes que no distan mucho del asesino al que persiguen, solitarios, carentes de afecto, en permanente conflicto consigo mismos, que cargan con la culpa a cuestas de sus propios pecados, ellos lo saben e intentaran redimir sus demonios en una caza a contrarreloj. Magnífico trabajo de Roberto Álamo en su personaje de pulsión violenta y Antonio de la Torre…de este hombre poco que decir que no se haya dicho ya.

Yo como madrileño que soy y que viví aquel verano en 1ª persona me ha encantado como Sorogoyen retrata la sociedad circundante de aquel año del 2011 llena de supuesta paz y amor alternadas con violencia y saña. También me ha fascinado como describe aquel verano como un auténtico infierno ante la inminente llegada del embajador de Dios en la tierra... ¿violador? ¿qué violador? ¿asesino en serie? que asesino en serie ni que leches, aquí solo se habla de la JMJ del 2011, y de celebrar los triunfos del amor y la convivencia… todo está bien, la vida es así y no se puede cambiar…tenemos que callar la boca y seguir con nuestra vida…perfecta descripción del andamiaje social.

A destacar la escena de Alfaro borracho donde Roberto Álamo se chispó de verdad, conmovedora como pocas… y que no se me olvide, la aparición por comisaria de nuestro compañero Jesús Fariña que me hizo soltar en mitad del cine un ¡Coño!¡El Fariña!

Director: Rodrigo Sorogoyen.

Intérpretes: Antonio de la Torre, Roberto Álamo, Javier Pereira, Luis Zahera, José Luis García Pérez, Mónica López, María Ballesteros.

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TAMBORES LEJANOS (1951). Las aventuras en la Península de Florida de Gary Cooper.

No lo voy a negar, adoro a la famosa "Cuadrilla del parche" que tantas y tan buenas películas nos han dejado como legado. Decantarse por alguno de sus excelsos miembros es una dura decisión, aunque mi "yo actual" lo haga por Fritz Lang mi "yo infantil" es más poderoso y lo hace por Raoul Walsh, respetando a Ford, para mí el gran maestro del cine de acción y aventuras del periodo clásico. Una época en la que el cine era romance e ingenuidad, en el mejor sentido de la expresión. Y no un maestro cualquiera sino el maestro absoluto del cine de aventuras, que es el que mejor le define. Walsh fue poco a poco imprimiendo el sello indeleble de su personalidad en todos sus filmes tocando todos los géneros desde el cine negro, bélico… hasta la comedia o el musical. Pero no queda aquí la cosa, también era un auténtico experto obteniendo una película nueva en la forma pero auténticamente un remake en el fondo. En 1949 reconvirtió la estupenda obra de cine negro "El último refugio (1941)" en un western tan espléndido como sombrío llamado "Juntos hasta la muerte" donde la historia de Burnett alcanza nuevas dimensiones. En 1951 hizo algo muy parecido con una de sus obras maestras "Objetivo: Birmania (1945)" la cual tomo como fuente poco disimulada para Tambores lejanos un atípico western, un southeastern diría yo, ya que este transcurre en los pantanos de Florida durante la segunda Guerra Seminola.

Walsh, como de costumbre, imprime a los ciento y pico minutos de duración de la película un ritmo narrativo vigoroso, trepidante, sin concesiones, amplificado por la grandiosa partitura de Max Steiner y la colorista fotografía de Sid Hickox. La historia y sus personajes es lo de menos, aunque no por ello estén descuidados. El teniente Tufts de la marina estadounidense con voz en off nos narra en forma de flash back como en 1840, en la Península de Florida, el intrépido capitán Quincy Wyatt (Gary Cooper) y su pequeño batallón, tropas especiales en el combate en pantanos tienen la difícil misión de destruir una fortaleza en la que un grupo de contrabandistas guarda fusiles, munición, pólvora y explosivos que suministra a los indígenas. Las explosiones empleadas en la destrucción de dicha fortaleza pone en pie de guerra al jefe Ocala y sus fieros seminolas que hostigaran a nuestro protagonista y sus tropas que verán su marcha ralentizada por la necesidad de llevar consigo un grupo de rehenes rescatados del fuerte hasta tal punto que les es imposible coger el transporte que les debería llevar de vuelta. Solo les queda una única salida, emprender una apresurada huida a través de los temidos manglares y los pantanos de los everglades hacia las líneas norteamericanas.

Llegando a ser una encarnizada lucha de supervivencia en un terreno tan hostil. Walsh presenta una naturaleza tan feroz como cautivadora humanizada simbólicamente en los plumajes, las vestimentas y el sonido remoto de los tambores de los seminolas que son retratados como parte de esa amenaza permanente del entorno natural, como una fuerza más de la naturaleza hostil que se niega al avance civilizador de los blancos. A todo esto a nuestro valiente, buen luchador, guapo, Sr. Cooper cuya vida en la jungla representa la anhelada conjunción con la naturaleza, de una existencia armónica entre el hombre y su entorno le da tiempo en mitad de la vibrante persecución a afeitarse con cuchillo y encandilar a una de las cautivas rescatadas del fuerte, Judy Beckett (Mari Aldon) sin pestañear.

Tambores lejanos lejos de ser una de las mejores obras de Walsh no deja de ser un producto agradable a la vista, vibrante en su construcción pero sobre todo en lo que más destaca es en su originalidad, un western donde no hay caballos (por supuesto tampoco grandes cabalgadas) ni vacas, ni grandes paisajes abiertos en las verdes praderas o en el árido desierto. Al contrario, nos sumergimos rápidamente en el ambiente asfixiante y cerrado de una jungla tropical, con cocodrilos, pájaros multicolores y los indios Seminolas, que no tienen absolutamente nada que ver con el típico apache, sioux, comanche, Cheyenne,…. Aquí los encontramos vestidos de brillantes colores.

Aparte como casi todos los filmes de este gran cineasta, hay un montón de anécdotas que la rodean desde la conocida por todos los cinéfilos de que fue en esta cinta la primera vez que se utilizó el conocido grito Wilhem (por dos veces, a falta de una), hasta que la mayoría de los indios eran semínolas de verdad, y que estos se rebelaron durante el rodaje estando a punto de lastimar a mi adorado Walsh.

Título original: Distant Drums.

Director: Raoul Walsh.

Intérpretes: Gary Cooper, Mari Aldon, Richard Webb, Arthur Hunnicutt, Ray Teal, Robert Barrat, Clancy Cooper.

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B.S.O.:

Reseña escrita por Pepe Mata

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EL CASTILLO DE CAGLIOSTRO (1979). El cine de animación de Hayao Miyazaki.

Hablando de ladrones ¿Quién no recuerda la fantástica serie de dibujos animados de Lupin III? Una serie que llegó a España con las televisiones privadas, para regocijo de los jóvenes espectadores que vibramos con las aventuras de este ladrón de guante blanco, tan meticuloso y audaz como torpe y despistado, que tenía debilidad por las mujeres, sobre todo por Fujiko Mine, otra atractiva ladrona.

El 10 de agosto de 1967 Lupin III vio por primera vez la luz en una famosa revista de manga. Este manga llamado en realidad Monkey Punch fue creado Kazuhiko Kato. Este se basó en el famoso caballero ladrón francés creado por Maurice Leblanc: Arsene Lupin, de hecho, nuestro protagonista es su nieto, de ahí lo de tercero. La historia relata las aventuras de Arsene Lupin III que lidera una banda de ladrones que viaja constantemente por todo el mundo para robar grandes tesoros y escapar de la policía. El éxito fue inmediato y pronto el personaje saltó al anime, protagonizando varias series que superaron los 200 capítulos (y que dieron la vuelta al mundo), 6 películas, varios especiales para la televisión, un musical, varias OVAs, CD de música y múltiples videojuegos.

De esas seis películas hablaré de la segunda de la saga y la más famosa: El castillo de Cagliostro (1979), opera prima de mi adorado Hayao Miyazaki, que aparte co-dirigió un buen número de episodios de la serie en compañía de su colega Isao Takahata. En esta cinta animada, Lupin y Jigen viajan al pequeño ducado europeo de Cagliostro tras robar en el casino de Mónaco y descubrir que el dinero del botín es falso. Siguiendo la pista de este dinero, ya en el condado ayudarán a la bella Clarice, que intenta librarse del temible Conde Cagliostro, e intentarán resolver el misterio de un tesoro oculto que data del siglo XV.

Si bien esta cinta no es de lo mejor de Miyazaki, todavía no había desarrollado todo su potencial, ya apuntaba maneras. Aquí encontramos muchas de las claves que han terminado consagrando al director. Tenemos acción, aventura, mucha comedia, y la fantasía de lo estrambótico. Nos encontramos ya con la obsesión de Hayao por los extraños artefactos voladores (y otras extravagancias  "tecnológicas"). La calidad de su animación, de lo mejorcito de esa época.

Como nota curiosa decir que aunque en su estreno esta cinta no fue muy bien recibida debido a que el Lupin de Miyazaki poco tenía que ver con el Lupin del Manga o de la serie, el tiempo supo ponerla en su sitio tanto que fue votada por los lectores de la revista japonesa Animage como "el mejor anime de la historia" hasta que Nausicaä le arrebató el título. Después de Nausicaä la carrera de este director sería imparable, pero eso es otra historia.

En fin, quizás no tenga la maestría de otras historias como las irrepetibles "El viaje de Chihiro (2001)" o "La princesa Mononoke (1997)" pero te hace pasar un rato realmente divertido y sobre todo entretenido y es esa la principal razón por la que disfrutareis viéndola.

Título original: Rupan sansei: Kariosutoro no shiro (Lupin III: Castle of Cagliostro).

Director: Hayao Miyazaki.

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Reseña escrita por Pepe Mata

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LOS CHICOS (1959). Los adolescentes de Marco Ferreri.

El cine del peculiar director italiano Marco Ferreri que consiguió su consagración internacional con La gran comilona (1973) se podría dividir en tres épocas, yo me voy a centrar en la primera de ellas, impregnada del realismo grotesco en su trilogía de películas producidas en España en tres años, El pisito (1959) que retrata a la juventud treintañera de la época, Los chicos (1959) con retazos de aquella adolescencia de los años 50 y El cochecito (1960) que trata sobre la tercera edad. En esta ocasión me centrare en segundo largometraje, para muchos una obra menor pero para otros en los que me incluyo, una rareza y algo insólito en su cine.

Tras el fracaso de El pisito Ferreri buscó una vía más a tono con el ambiente, el guion deja de lado a Azcona, y propone una mirada entre la ternura y el costumbrismo de las comedias tipo "Calabuig (1956)" de Berlanga. Los Chicos es uno de los primeros intentos de realismo cinematográfico durante el franquismo. La película resulta sorprendentemente fresca y natural. La principal virtud del film es el tono de mediocridad y tristeza con que se aborda la vida cotidiana de los protagonistas.

La película gira alrededor de la historia de cuatro amigos inseparables: Andrés, Carlos, el Chispa y el Negro. Ninguno ha cumplido aún los dieciocho años. Además del porvenir su mayor preocupación es cómo divertirse los pocos ratos que tienen libres. Lo único que desean es divertirse. Sin embargo, la realidad les obliga a enfrentarse con los problemas del mundo de los adultos. Andrés es botones de un hotel, al que acuden famosos toreros, y sueña con llegar a ser algún día una figura del toreo. Carlos tiene dos preocupaciones: sus exámenes del Instituto, que habrán de traerle serios disgustos familiares, y cierta "vedette" de revistas musicales que vive en el último piso de su casa. "El Chispa" trabaja en el quiosco de periódicos, al servicio de un viejo siempre cascarrabias, pero siempre protector. "El Negro", por último, tiene un problema que esconde, pero que le atormenta: las relaciones amorosas de su madre, que le hacen sentir asco y vergüenza. Alrededor de estas vidas se mueven otros personajes jóvenes: las chicas del barrio. Son un grupo de amigas de la misma edad, con quienes los chicos van a la verbena, riñen, discuten, se divierten... y quizá se enamoran.

El quiosco de periódicos situado en el madrileño barrio de Salamanca, será el epicentro del relato. En él se sitúan las historias y descubrimos las tramas de cada uno de los jóvenes, también allí se cruzan acontecimientos secundarios, que muestran la miseria del día a día sin exagerarlas, pero sin edulcorarlas.

En el fondo de la película bulle esa sensación - común a todas las generaciones - de no saber qué hacer con 16 años. No hay que olvidarse que el tema de la juventud abandonada a sí misma es clave en la cultura europea de aquella época. En ese momento, se gestaba el guion de una gran película, "Los golfos (1959)" de Carlos Saura, que nos enseñaba desde otro ángulo la cuestión. Sin concesiones a la comedia cristiana y al sentimentalismo, partiendo de la narrativa del realismo social. Más tarde llegaría la más redonda para mi sobre esta temática de aquellos años, "La Busca (1966)" de Angelino Fons, una gran adaptación de la obra de Pio Baroja. Pero lo insólito de la película de Ferreri es que sus personajes son adolescentes justo antes de la madurez. Las diversas Nuevas Olas, en películas entonces consideradas "duras", narraban historias de veinteañeros de vida sin horizontes. Bueno también es cuanto menos curioso que la película no sigue las reglas comunes de la narración, introducción, nudo y desenlace. El desenlace se lo salta a la torera.

Totalmente recomendable para los curiosos de una época (como en mi caso) o por qué no, para los que quieran recordar su juventud. Ahora conseguirla, es un trabajo arduo, a mi me costo lo suyo.

Director: Marco Ferreri.

Intérpretes: Joaquín Zaro, Alberto Jiménez, José Sierra, Ana María Vidal, Adriano Rimoldi, Félix Dafauce, Charo G. Ortega.

Escena:

Reseña escrita por Pepe Mata

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LOS JUEVES, MILAGRO (1957). La fábula moral de Luis García Berlanga.

Fuentecilla, un pueblo que vivió tiempos de esplendor coincidiendo con el auge de su balneario, sobrevive a duras penas gracias al campo y a un limitadísimo turismo que apenas deja beneficios. Su empobrecimiento es tal que ya ni el tren para en la estación. Don Ramón, el dueño del balneario, harto de su escasa y poco aristocrática clientela, en connivencia con el alcalde, el maestro, el barbero, el dueño del hotel y don José, un acaudalado propietario del lugar, urde un plan: organizar una "aparición mariana", como la de Lourdes, que atraiga al turismo y a los devotos. Tras mucho cavilar, se dan cuenta del extraordinario parecido que hay entre Don José y una vieja talla de San Dimas, el buen ladrón. Así es como la noche de cada jueves tiene lugar la aparición de San Dimás.

Desde ya, digo que esta película no esta a la altura de "El verdugo (1963)", "Bienvenido Mr. Marshall (1952)" o "Placido (1961)", o que se echa de menos la pluma de Rafael Azcona, pero Berlanga es mucho Berlanga y esta película como casi todos sus filmes es un divertimento de primer orden. Sobre todo el tramo inicial realizado con un montaje y una puesta en escena admirable donde deslumbran el gran Pepe Isbert en su performance de San Dimas y un Manuel Alexandre, ojiplático y absolutamente feliz como único espectador de esta. También destacaría el pequeño papel como sacerdote arisco de José Luis López Vázquez, precisamente el cura es el mas incrédulo. Pero a partir de que Isbert abandona el protagonismo, el guión se desliza hacia una muy previsible fábula moral.

Quinto largo de Berlanga cuya idea original surgió de unas supuestas apariciones de la Virgen en un pueblo de la provincia de Castellón llamado Cuevas de Vinromá que realiza una crítica social, crítica religiosa, humor negro, neorrealismo a la ibérica incluso, pero sobre todo, una auténtica burla hacia las fuerzas vivas que hacían funcionar el franquismo en las zonas rurales (el maestro, el alcalde, el boticario o el empresario, entre otros). Los poderosos haciendo beneficio propio de la ingenuidad de los débiles a costa de la fe.

No olvidemos que por retratar un tema considerablemente delicado por aquel entonces como es la fe, las supuestas apariciones de santos y el uso por puro interés monetario de la religión y las creencias de la gente de a pie, muchas fueron las intervenciones de manos ajenas en el desarrollo de la película, entre ellas:

- La fuerte participación en el guion del sacerdote y censor padre Garau, impuesto por los productores y a quien Berlanga pretendía situar en los créditos como verdadero responsable de la historia.

- Las numerosas mutilaciones exigidas por la Junta de Censura del remontaje que los productores hacen a su aire.

- Las secuencias adicionales que rueda Jorge Grau a instancias de los nuevos dueños de la empresa cuando el Opus Dei se hace cargo de ésta.

Tantas fueron estas intervenciones que hizo que tuviera un mensaje lo suficientemente ambiguo como para suscitar críticas entre los sectores más tradicionales y también los más izquierdistas de la sociedad.

Uno de los casos cinematográficos más claros de lo que pudo ser y no fue. Indudablemente y con esta temática Los Jueves, Milagro pudo haber sido la película más grande, crítica y lacerante de Luis García Berlanga… o que mejor que explicado por él mismo:

"Yo siempre decía que la primera mitad de "Los jueves, milagro" era mi mejor realización, donde había armonizado mejor el texto con la imagen y donde me había encontrado más cómodo rodando. Ahora, al volver a verla, he confirmado que es una de mis películas con mayor fluidez narrativa. Pero también estoy convencido de que las imposiciones de censura arruinaron el final de la película."

A pesar de que no tuvo mucho éxito entonces ni el suficiente reconocimiento después o de resultar menguada en su causticidad por la censura de la época en su último tramo, "Los jueves, milagro" es una obra cómica de calado social muy divertida. Poco después un genio de las letras llamado Rafael Azcona se cruzaría en su vida, ambos cambiarían para siempre el cine español.

Director: Luis García Berlanga.

Intérpretes: José Isbert, Richard Basehart, Paolo Stoppa, Alberto Romea, Juan Calvo, José Luis López Vázquez.

Escena:

Reseña escrita por Pepe Mata

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EL DOBLE ASESINATO DE LA CALLE MORGUE (1932). Los experimentos de Bela Lugosi.

"Ante ustedes, ¡el primer hombre!

- ¡Hereje!

- ¿Hereje? ¿Todavía van los herejes a la hoguera? Entonces quémeme, monsieur. ¿Cree que una pobre llama podrá apagar la luz de la verdad? ¿Cree que estas tablas y estos telones son mi única vocación? ¡Son tan sólo una trampa para atrapar el dinero de los tontos! Mi vida está consagrada a un gran experimento. Les aseguro que demostraré la relación del hombre con el mono. ¡La sangre de Erik se mezclará con la del ser humano!"

Para empezar este filme se inspira libremente en el relato escrito en 1841 Los Crímenes de la Calle Morgue por uno de los maestros de la literatura de terror, Edgar Allan Poe. Curiosamente este relato en libro se centra en la figura del carismático Dupin basándose este en las andanzas del primer detective real que existió, Vidocq. Siendo así este relato la semilla que más tarde germinaría en la literatura detectivesca con su máximo representante, Sherlock Holmes. Sin embargo en el filme deciden saltarse todo esto y convertirla en una película de CI-FI con tintes de terror con algún que otro toque de humor y por supuesto, Mad Doctor de manual inclusive, el Dr. Mirakle. Este trabaja en una feria de curiosidades y tiene como principal reclamo a un simio con capacidad para pensar y obedecer órdenes. A esta feria acuden Pierre Dupin con su novia Camille y un compañero de trabajo, lo que estos no saben es que el Dr. Mirakle es un "científico loco" que se dedica a secuestrar a mujeres jóvenes para realizar experimentos que puedan ayudarle a confirmar sus teorías sobre la evolución del mono al hombre. Se darán cuenta cuando la novia de Dupin sea la siguiente víctima.

Hablando del Dr. Mirakle aquí llegamos a otra de las grandes cualidades, como es escoger para su personaje al gran Bela Lugosi en lo más alto de su carrera. No hay que olvidarse que justo un año antes había protagonizado Drácula de Tod Browning. Película por cierto en la que también trabajo Karl Freund como director de fotografía, lo que nos lleva a la siguiente gran cualidad, la fotografía expresionista. Freund, quien ese mismo año dirigiría otro gran clásico "La momia", conocía de primera mano el expresionismo alemán, vital para esta película ya que es innegable lo que le debe esta cinta a esta corriente cinematográfica. Con el gran acierto de no caer en ningún momento en la vulgaridad de mostrar y no sugerir, la fotografía de Freund junto a la dirección de Florey nos ofrecen un magnífico filme de terror que posee una de las atmósferas más refinadamente sugestivas que se haya podido concebir e ideas que influenciarían obras posteriores (sin ir más lejos King Kong de 1933 se basa claramente en alguno de los pasajes de la obra que nos ocupa).

Y como ultima cualidad a destacar, el metraje. Eso se lo debemos a la propia productora, la famosa Universal que metió tijeretazo a la cinta porque por lo visto incluía escenas demasiado impactantes y terroríficas para esa época. Es cierto que a veces te quedas con la sensación de que falta o se escapa algo, pero lo siento, soy un amante empedernido de los metrajes cortos, sobre todo para este tipo de cintas.

En fin una producción menor de la Universal injustamente olvidada si la comparamos con otras obras de aquella maravillosa época cinematográfica que abarcaba la eclosión del cine sonoro hasta la llegada del código Hays. Un film discreto pero que influenció "disimuladamente" a posteriores creaciones.

Título original: Murders in the Rue Morgue.

Director: Robert Florey.

Intérpretes: Bela Lugosi, Sidney Fox, Leon Ames, Bert Roach, Arlene Francis, Noble Johnson, Brandon Hurst.

Trailer:

Reseña escrita por Pepe Mata

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NO PROFANAR EL SUEÑO DE LOS MUERTOS (1974). Los zombis de Jorge Grau.

A finales de los años sesenta y durante la bulliciosa década de los 70, no todo eran películas de destape. Surgió un curioso fenómeno debido a un grupo de cineastas españoles (Amando de Ossorio, Jesús Franco o el mismo Jorge Grau) dispuestos a realizar algo diferente, descubrieron un filón en las películas de terror que se exportaron, con gran éxito, a todo el mundo, creándose incluso un star-system de directores y actores. Y muchas veces desafiando y burlando a la férrea censura de la época. Films rodados con la mayor ilusión que a pesar de contar con un pequeño presupuesto, conseguían brillantes resultados y que hoy en día son objeto de culto en todo el mundo.

"Gritos en la noche (1962)" de Jesús Franco y "La marca del hombre lobo (1968)" serían las precursoras de todo esto y el gran éxito, "La noche de Walpurgis (1970)". Pero dentro de este subgénero yo destacaría tres por encima de todas: "La residencia (1969)" de Chicho Ibáñez Serrador, "Pánico en el Transiberiano (1972)" de Eugenio Martín y "No profanar el sueño de los muertos" de Jorge Grau.

Un servidor, como buen fan del fenómeno zombi os presento esta última, con toda seguridad una de las obras maestras del cine de terror nacional, que encumbró a Jorge Grau a lo más alto en ese pequeño grupo de directores de culto. De visionado ineludible para cualquier aficionado al cine clásico de zombis y es que estamos ante un proyecto de buen hacer cinematográfico que no desmerecería llevar la firma de Hammer o cualquier otra productora de primerísimo nivel.

De coproducción hispano-italiana, "No profanar el sueño de los muertos" cuyo título original es "Non si debe profanare il sonno dei morti", aunque también es conocida bajo el título "The Living Dead at Manchester Morgue" (Reino Unido y EEUU), "Let Sleeping Corpses Lie" (EEUU) fue un encargo que recibió Jorge Grau por parte de un productor italiano de hacer "La noche de los muertos vivientes" pero en color, no hay que olvidarse que Grau estudió en Roma y trabajó para Sergio Leone. El filme fue rodado en 1974, por aquel entonces los italianos que andaban a la zaga para copiar todo lo copiable, empezaron a sacar títulos y títulos de muertos vivientes, dotándolos de aun mayor carga sangrienta y más gore que los clásicos de Romero. La novedad más palpable que plasmó Grau en su película fue la de establecer un motivo válido para la resurrección de los cadáveres en forma de alegato ecológico (contaminación del medio ambiente y la protección de los parajes naturales) y lo que es más importante, totalmente creíble. Una máquina experimental del gobierno que, a través del ultrasonido, acaba con insectos y plagas. El experimento consigue que estos insectos enloquezcan y se devoren unos a otros. Al mismo tiempo, los muertos salen de sus tumbas para vengarse de los vivos. Todo empieza con el viaje vacacional del joven anticuario (Raymond Lovelock) que de camino a la granja de su hermana (Jeannine Mestre) conoce a una joven mujer (Cristina Galbó). En el campo ella es atacada por un extraño vagabundo que supuestamente había muerto hacía una semana. Los cadáveres de una morgue inglesa próxima a una abadía de Manchester vuelven a la vida y lo demás os lo podéis imaginar.

Hay momentos donde la fotografía llevada a cabo por Francisco Sempere se muestra excelente, al magnificar los verdes parajes de Derbyshire y Sheffield a las afueras de Manchester y logra transmitir con claridad, el melancólico ambiente de aquellas tierras. Las zonas de filmación en estos paisajes naturales son fantásticas, aunque la película donde gana más presencia es en los interiores, como el caso de la cripta con una de las atmósferas más asfixiantes y claustrofóbicas de la historia del cine de horror o también la del hospital, simplemente fantástica a la par de tenebrosa. A todo esto ayuda y bastante la banda sonora compuesta por Giulianno Sorgini, un complemento perfecto y eficaz para acompañar los distintos episodios de la trama.

"No profanar el sueño de los muertos" con una ambientación estética deudora de los años 70, enraizada con las preocupaciones sociales de entonces, es sin ninguna duda una de esas películas que merece ser vista por cualquier seguidor del género clásico de los zombis y cuando digo clásico no me refiero a mamarrachadas tipo The walking dead.

Título original: Non si deve profanare il sonno dei morti (Don't Open the Window).

Director: Jorge Grau.

Intérpretes: Arthur Kennedy, Cristina Galbó, Jeannine Mestre, Ray Lovelock, Aldo Massasso, Giorgio Trestini.

Trailer:

Escena:

Reseña escrita por Pepe Mata

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MAD MONSTER PARTY? (1967). Los monstruos "Stop-Motion" de Jules Bass.

A finales de los años 60, durante los 70 y a principios de los 80 toda la animación estaba monopolizada por Walt Disney, ¿toda? No. Una aldea de irreductibles animadores resistió fielmente con una poción mágica que les hizo destacar en su trabajo: La imaginación y la fantasía. Ralph Bakshi y el binomio Bass/Rankin fueron los culpables de la evolución de esta manera de rodar.

Mientras el primero nos enseñó las cualidades técnicas del rotoscopio los segundos hacían lo propio con la Stop-Motion. Años antes de enfrascarse de lleno en las versiones animadas de "El hobbit (1977)" o "El retorno del rey (1980)" o las magníficas "El ultimo unicornio (1982)" y "El vuelo de los dragones (1982)" el dúo Bass/Rankin dirigió "Mad Monster Party? (1967)", una pequeña joya realizada en stop motion que ha quedado bastante olvidada en el tiempo, más aún en nuestro país al no contar con versión doblada. Comedia musical divertida y psicodélica, un plato exquisito para todo buen amante del género, llena de guiños cinematográficos y de los personajes más populares del terror clásico de la Universal. Drácula, El Hombre Lobo, La Momia, el Dr. Jekyll & Mr. Hyde y muchos más se dan cita en un Castillo ubicado en el caribe. Este esta regentado por el Barón Boris Von Frankenstein, interpretado por el maestro Boris Karloff, que decide retirarse como líder del Consorcio de Monstruos, aparte de toda la caterva de monstruos también convoca a su inocente sobrino Felix Flanken a quien quiere nombrar su sucesor y confiarle su última y más mortífera creación, el suero de la destrucción absoluta, capaz de desintegrar la materia bajo una enorme explosión de humo. Esto dispara una serie de eventos muy divertidos, ya que todos lucharan por obtener el puesto, que además incluye conocer el secreto.

Aunque el argumento parezca algo trillado "Hotel Transilvania (2012)", "Frankenweenie (2012)",… y la calidad de la animación en Stop Motion este muy por debajo de "Pesadilla antes de navidad (1993)" hay que tener en cuenta que esta fue la precursora y que está rodada hace casi 50 años de hecho el propio Tim Burton reconoció en los medios que esta genialidad fue la principal influencia de sus trabajos. Es más, el Drácula cuenta-números de Jim Henson para Barrio Sésamo, mucho tiene que ver con el Drácula de esta cinta.

No solo queda ahí la cosa, entre los acreditados en el guión figura Harvey Kurtzman, editor de EC Cómics y de la disparatada revista Mad, uno de los autores de cómic más importante de la historia mientras el diseño de personajes recae en el no menos excelso Jack Davis. En el apartado sonoro destaca el soberbio trabajo de Boris Karloff como el Barón Boris Von Frankenstein y la colaboración de Phyllis Diller, que pone voz a la Novia de Frankenstein. De entre los personajes también me gustaría destacar a Yetch (Swift), una especie de Peter Lorre zombi y Francesca (Gale Garnett), la pelirroja "mala". Por supuesto, sin olvidarnos de que es un musical, con una estupenda banda sonora compuesta por Maury Laws. Mención especial para los títulos de crédito y la aparición estelar de la momia a ritmo de unos esqueletos con pelucas Ramonianas llamados Little Tibia & The Fibulas algo así como Pequeña Tibia y los Perones.

Es cierto que no es ninguna obra maestra, ni siquiera llega a peliculón pero lo que no se la puede negar es que es un homenaje entrañable al cine de terror del estudio Universal y a sus personajes. Muy divertido y que mucha gente desconoce, por eso la quería recomendar, sobre todo para los amantes de la animación o de los mundos de Tim Burton.

Director: Jules Bass.

Trailer:

B.S.O.:

Reseña escrita por Pepe Mata

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