LA NIEBLA (1980). El terror ochentero de John Carpenter.

A mi parecer la filmografía de John Carpenter comprendida desde mediados de los años setenta coincidiendo con el principio de su carrera hasta principios de los años ochenta goza de una calidad creativa muy superior a todo lo que realizó después. En dicho periodo es donde creo que hizo méritos para ganarse la etiqueta de maestro del terror y el fantástico que ostenta a día de hoy. Con "La noche de Halloween (1978)" recuperó para el público estadounidense influencias del muy en boga por entonces Giallo italiano creando así otro subgénero como es el Slasher, tan explotado posteriormente. Debido a su pasión por el cine de Howard Hawks y en especial sus westerns decide incorporar a sus cintas de acción "Asalto en la comisaría del distrito 13 (1976)" y "1997: Rescate en Nueva York (1981)" elementos del cine del oeste; el primero de ellos es un remake encubierto de "Río Bravo (1959)" de Hawks y el segundo título además de estar ambientado en un futuro post-apocalíptico mantiene todos los elementos reconocibles en un western.Recurriendo a otra de sus influencias como son las películas de ciencia ficción de los 50 afronta el remake de "El enigma de otro mundo (1951)" cuyo resultado es "The Thing (1982)", uno de sus films mas redondos y recordando la niebla que cubría a la criatura del clásico británico de sci-fi "The Trollenberg terror (1958)" surge la idea para el atmosférico film que nos ocupa, "The Fog (1980)".

Magnífico el prólogo del señor Machen (John Houseman) contándole a los niños la historia del hundimiento del Elizabeth Dane junto a una hoguera en la playa con el siniestro fondo musical de los sintetizadores del propio Carpenter, y magníficas las secuencias de la iluminada niebla avanzando por la costa mientras vemos como se desencadenan toda clase de efectos paranormales en las calles  de Antonio Bay: luces y claxons de coches que funcionan solos, mangueras de gasolineras que cobran vida, piedras que se desprenden de la pared de la iglesia donde se encuentra el padre Malone (Hal Holbrook) y en cuyo interior encuentra el diario de su antepasado donde relata la verdad de lo acontecido 100 años atrás cuando no solo dejaron hundirse al navío Elizabeth Dane debido a que su tripulación padecía la lepra sino que además saquearon el oro que transportaba. Seis fueron los conspiradores de tan deplorable acto y seis deben morir a manos de los resucitados tripulantes envueltos en la niebla como acto de justicia y venganza.

Una trama tan fantástica con ecos de la literatura de Edgar Allan Poe (no en vano el film comienza con una cita suya) en una época donde el cine de terror empezaba a demandar mas elementos gore o violentos solo podía funcionar con el buen hacer que imprime Carpenter a la cinta, debido entre otras cosas a su acertada elección de un formato panorámico y anamórfico con gran relación de aspecto que junto a la estupenda iluminación minimalista de su habitual director de fotografía Dean Cundey consiguen la atmósfera perfecta para este tipo de historias.A destacar también las localizaciones en las costas californianas de Point Reyes que se convierten en  un personaje mas, así como su faro,en pie a día de hoy y donde se rodaron las escenas en la estación de radio de la dj local Stevie Wayne, gran interpretación de Adrienne Barbeau, por entonces esposa de Carpenter que con su voz y sus canciones se convierte en protagonista y narradora de la película debido a la situación privilegiada que le ofrece el faro para observar como la niebla avanza a través de Antonio Bay. Memorables las apariciones de los marineros resucitados en busca de sus seis víctimas, tocando en las puertas de las casas con sus garfios o la increíble secuencia final en la iglesia con la niebla envolviendo sus bancos y el padre Malone ofreciéndole una enorme cruz hecha con el oro robado a los resucitados tripulantes del Elisabeth Dane.

Título original: The fog.

Director: John Carpenter.

Intérpretes: Adrienne Barbeau, Tom Atkins, Jamie Lee Curtis, Hal Holbrook, Janet Leigh, Charles Cyphers, Nancy Loomis.

Trailer:

The making of:

B.S.O.:

Reseña escrita por Francisco Javier Arco Pérez

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PSICOSIS (1960). La locura de Anthony Perkins.

El reconocido y orondo genio de Alfred Hitchcock manipuló la psicología del espectador sugestionándola del tal modo que Psicosis de manera prácticamente instantánea se convirtió en un clásico del cine y una de las obras más importantes de su director. La observación metódica de la personalidad de Norman Bates (Anthony Perkins) se inspiró en la real del taxidermista asesino de Ed Gein, un perturbado que asaltaba en su mayoría a mujeres de avanzada edad y que una vez muertas violaba y disecaba incluso despellajando sus cuerpos para hacerse un traje (al igual que Buffalo Bill de "El silencio delos corderos"). Norman Bates de la misma manera que Ed Gein aparentaba ser una inofensiva persona retraída, tímida y marginada, escondiendo el mostruo que latente se manifestaba para matar. Sobre el personaje de Bates, Hitchcock monta una trama en la que Marion Crane (Janet Leigh) es impulsada como secretaria de un banco a robar una elevada suma de dinero huyendo y encontrando refugio en un motel de carretera regentado por un particular casero que asegura vivir con su madre. La inesperada desaparición de Marion levanta la investigación del detective Arbogast (Martin Balsam) y de la hermana (Vera Miles) y pareja sentimental (John Gavin) de Crane para encontrar a la ladrona y el dinero robado. El planteamiento narrativo y visual de Hitchcock busca en todo momento interesar y sorprender (de ahí la marca de clase de Mr. Alfred: El McGuffin), de una manera inesperada con elementos tales como el asesinato de la que parece ser la protagonista, la ocultación en todo momento de la madre de Norman Bates de la que solo puede escucharse su voz.. y las motivaciones de todos los personajes que ponen en movimiento el suspense. 

Por supuesto, la ambientación contribuye con carreteras perdidas y desolados bungalows del motel presididos por un caserón de arquitectura victoriana sombrío, en el que se intuye que habita el mal con un sótano plagado de telarañas que se extienden por las alargadas escaleras surcando habitaciones vacías con sábanas que cubren los muebles y con voces del pasado que resuenan en la cabeza de Norman. Psicosis no sería Psicosis sin la secuencia de la ducha. Secuencia miles de veces repetida, plagiada, copiada, homenajeada e incluso remakeada en la que poco a poco se atisba una amenazante sombra a través de la cortina transparente que va tomando forma mientras Janet Leigh toma una relajante ducha...Hasta que la cortina se corre, provocando un grito seguido de puñaladas con la atronadora y desasosegante música de Bernard Herrmann, todo ello con un montaje con precisión y detenimiento con multitud de planos desde distintos ángulos conformando lo que se convirtió en un mito del cine. 

La película fue pionera en sacar un váter en el cine, y Hitchcock temeroso de que la censura lo eliminase se aseguró de que el retrete fuera parte indispensable en el desarrollo de la película. Datos: La escena de la ducha tardó una semana en montarse tras 78 diferentes planos dirigidos por George Tomasini. Para fingir la sangre en la película Psicosis se utilizó sirope de chocolate. El film de 1960 contiene un pequeño error, debido a que todas las personas fallecidas muestran tener las pupilas dilatadas, hecho que no se refleja en los primeros planos en el rostro de Janet Leigh y que únicamente podían haberse cambiado con efectos especiales o la utilización de lentillas. Una icónica película de suspense y terror en la que me quedo con una frase antológica: -Todos nos volvemos locos alguna vez- Anthony Perkins-. Y además de la recordada ducha mortal me acuerdo de la escena final con la fusión en imágenes del rostro de Bates con el cadáver de su madre mientras la personalidad de ella le habla fingiendo no poder matar ni una mosca...

Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam.

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Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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Janet Leigh

Psicosis (1960). El motel de Norman Bates

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LOS VIKINGOS (1958). Las aventuras vikingas de Tony Curtis y Kirk Douglas.

Dos años antes de coincidir en "Espartaco (1960)", Kirk Douglas y Tony Curtis unieron fuerzas en una joya del cine de aventuras, "LosVikingos (1958)". Una maravilla, toda una hazaña de cine de aventuras en estado puro. Hasta hace bien poco, yo desconocía que este lujo de película tuviera su base literaria en un libro escrito por Edison Marshall. En mi niñez "The Vikings" me hizo aficionarme al cine de aventuras clásicas que rememoro en cuanto escucho de nuevo su fascinante banda sonora compuesta por Mario Nascimbene. Y es que lo habitual cuando se es joven, es ver en los Vikingos a un grupo de animales sin modales, con cascos terminados en cuernos, pero hay mucho más contenido, ya que tuvieron su apogeo en la edad media enfrentándose mediante pequeñas incursiones costeras a los dispersos reinos Británicos antes de que se cumpliera el primer milenio de nuestra era. Aquellos a los que se les etiquetó con sus rudos modales para matar, beber, comer y fornicar, al parecer eran mucho más "complicados" que todo lo que se podía suponer. Esta ruda y supersticiosa etnia creía que la tierra era plana, y que podía visionar su futuro mediante runas, depositando su fe en Odin y su hijo Thor. El gran Kirk Douglas se inspiró con entusiasmo y valor para producirse a sí mismo y protagonizar al viril, engreído, valiente y (¿Romántico?) "Ainar" cuyo papá en la ficción no era otro que el antológico Ernest Borgnine (menuda familia de genios), y que para curiosísima anécdota Borgnine había nacido un año después de Douglas (1917) y ¡¡Aún así pudo interpretar a su padre!!...A la manera de la más clásica tragedia griega, dos hermanos separados Douglas y Curtis que desconocen su condición, lucharán apasionadamente por la bella princesa Janet Leigh, con todos sus encantos delicadamente recogidos en sus vestidos apretados con corpiño. 

¿Qué más se le puede pedir a una película del año 58?..Pues muy poco, porque "Los Vikingos" en las manos del director Richard Fleicher ("20.000 leguas de viaje submarino (1954)" y "Viaje Alucinante (1966)") contiene impactantes secuencias de acción con lanzas, hachas y espadas, inspiradas interpretaciones, bacanales nórdicas con sus goces y sus bestialidades de cordialidad vikinga, abordajes de barcos en la más que digna tradición pirata, un asalto a un castillo que levanta las pasiones y el entusiasmo de todo espectador y todo ello, enfrentando el conflicto tanto ideológico como bélico y religioso de ingleses y vikingos. Para mi desconcierto personal, al parecer todo abordado de manera fidedignamente histórica....Y es que estos "bestias medievales ataviados con cuernos" no hacen más que confirmarme que existe la belleza en la bestialidad, en definitiva: Una gozada de aventuras que sin lugar a dudas es un CLÁSICO...SÍ CON MAYÚSCULAS. Para mi disfrute esta película fue emitida en el programa: Qué grande es el cine en la 2 de TVE, merecidamente proyectada. Personalmente yo le pongo un 10 en mi valoración personal. El film figura como uno de mis favoritos. Recomiendo encarecidamente su visionado para su disfrute más que asegurado. Frase: -"Si no puedo tener tu amor, tendré tu odio"- Kirk Douglas (antihéroe tuerto admirable).

Título original: The vikings.

Director: Richard Fleischer.

Intérpretes: Tony Curtis, Kirk Douglas, Janet Leigh, Ernest Borgnine, James Donald.

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Escena:

B.S.O.:

Reseña escrita por Cristóbal Jiménez

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Tony Curtis

Los vikingos (1958)

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PSICOSIS (1960). El motel de Norman Bates.

Marion Crane es una joven que roba de su trabajo 40.000 dólares. Durante su huida, y en plena noche de lluvia, se detiene en un motel de carretera, para resguardarse del mal tiempo. Un motel donde trabaja el retraído y tímido Norman Bates junto a su posesiva madre. A principios de los años 60, Alfred Hitchcock rodaba "Psicosis" una de las obras más famosas y a su vez más aterradoras dentro de la filmografía del maestro del suspense. La historia del film estaría basada en  la novela de Robert Blonch "Psycho" del año 1.959 donde el guionista Joseph Stefano (escritor y productor de la serie televisiva "The outers limits") sería el encargado de adaptarla al formato cinematográfico. Hay que mencionar que dicha novela fue a su vez  inspirada en las vivencias de Ed Gein también conocido por el apodo del carnicero de Plainfield, un asesino en serie de la década de los años 50 que tenía la extraña afición de coleccionar cadáveres y construir con ellos muebles, objetos de decoración y ropas con sus pieles. Al igual que el personaje de Norman Bates, Ed Gain se caracterizaba por su frágil aspecto físico, por su enorme timidez y por su gran represión sexual a causa de la educación sobreprotectora de su dominante madre, peculiaridades que chocaban con su más salvaje instinto criminal.

Ed Gein no solo sirvió de inspiración para que Alfred Hitchcock confeccionara el personaje de Norman Bates, otros populares asesinos en serie de la historia del cine como Leatherface de "La matanza de Texas (1974)"  o Buffalo Bill de "El silencio de los corderos (1990)" también surgieron a raíz de su persona. Para encarnar a Norman Bates se eligió al poco conocido Anthony Perkins (y es que a pesar de su nominación al Óscar por el drama "La gran prueba (1956)" junto a Gary Cooper no era un actor de mucho peso en Hollywood). un papel que marcaría al actor para siempre en su carrera profesional hasta el extremo de que verlo en la gran pantalla, fuera quien fuera su personaje a interpretar, siempre nos recordaría su rol del asesino en serie Norman Bates. Un hecho que éste aprovecharía en los inicios de los años 80, en pleno declive profesional, para sacar partido de la popularidad de dicho personaje para participar en tres secuelas ("Psicosis II: El regreso de Norman (1983)", "Psicosis III (1986)" y "Psicosis IV: El comienzo (1990)").

Todas ellas de baja calidad y en donde incluso en una de ellas, concretamente la tercera parte, el propio Anthony Perkins también se atrevía a ponerse detrás de las cámaras. Centrándonos en la obra de Hitchcock ésta tiene una de las escenas más famosas de la historia del cine, y es que la secuencia del asesinato de Marion Crane en la ducha, acompañada por la magistral partitura de Bernard Herrmann (compositor habitual en los trabajos de Hitchcock), es uno de esos instantes inolvidables para cualquier cinéfilo que se precie. Una escena compuesta de cincuenta planos y que eliminaría a mitad del metraje a Janet Leigh, la estrella de la película y principal reclamo en el estreno del film. Sin dudas un hecho que sorprendería a propios y a extraños de que su personaje fuera asesinado tratándose de la actriz principal. La interpretación de Janet Leigh le supuso la nominación en los Óscar (en un año ganado por Shirley Jones por su papel en "El fuego y la palabra (1960)") y ser ganadora en los Globos de Oro de aquel año.

Dicha escena tiene innumerables curiosidades, entre ellas hay que mencionar que Anthony Perkins no se encontraba durante el rodaje de la escena ya que éste se hallaba en Nueva York presentando una obra teatral. Al igual hay que destacar de que la sangre que recorre la bañera en el momento del asesinato se trataba de chocolate liquido. En 1998 Gus Vant Sant, se le ocurrió la absurda idea de realizar una nueva versión de la obra de Hitchcock, copiando fotograma a fotograma los planos de la obra precedente, resultando un vergonzoso remake que insultaba el gran trabajo del maestro Hitchcock. Recientemente se ha creado una serie televisiva que cuenta la adolescencia de Norman Bates junto a su posesiva madre (papel intepretado por la guapa Vera Farmiga) en "Bates Motel". Como ocurrió en "Pánico en escena (1950)" o "Extraños en un tren (1951)" Alfred Hitchcock iba a incluir a su hija, Patricia, en la película realizando un pequeño papel, en esta ocasión como la compañera de trabajo de Janet Leigh.

Información adicional:
Más películas de Alfred Hitchcock

Frase para recordar: "Todos nos volvemos locos alguna vez".

Director: Alfred Hitchcock.

Intérpretes: Anthony Perkins, Janet Leigh, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam.

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Anthony Perkins

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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EL MENSAJERO DEL MIEDO (1962). Estados Unidos frente la paranoia comunista.

El conflicto de la guerra fría y la paranoia comunista que había en el pueblo norteamericano durante el periodo del macarthismo también llegaría a la industria hollywoodense, de manera que muchas de sus películas plasmarían (de una manera u otra) la crisis que se vivía en aquella época. Éstas se caracterizarían básicamente por ser un tipo cine con cierto tufillo propagandístico, de remarcado posicionamiento capitalista y donde el comunismo y la Unión Soviética eran siempre considerados los enemigos a batir. Dicha temática aparecería en géneros de diversa índole, desde filmes de cine negro ("Manos peligrosas (1953)"), en el terreno del thriller ("Punto límite (1964)", "Cortina rasgada (1966)"), en comedias de tono sarcástico ("Un dos tres (1961)"), "¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú (1964)") e incluso en el terreno de la ciencia ficción ("Últimátum a la Tierra (1951)", "La invasión de los ladrones de cuerpos (1956)") donde se reflejaba una irónica metáfora sobre la amenaza comunista. En esta ocasión recordaré un título bastante significativo de la década de los 60, "El mensajero del miedo (1962)" (obra que coincidiría con el conflicto que se vivía en Cuba con la crisis de los misiles), un extraño thriller psicológico dirigido por John Frankenheimer ("El hombre de Alcatraz (1961)"). La historia, basándose en la novela de Richard Condon (otro de sus escritos adaptados a la gran pantalla fue la interesante "El honor de los Prizzi (1985)"), se centraría en el intento de conspiración sobre la presidencia de los Estados Unidos por un colectivo de comunistas y en los lavados de cerebros realizados por los soviéticos a un grupo de prisioneros norteamericanos durante el periodo de La Guerra de Corea.

Laurence Harvey ("La gata negra (1962)") como el sargento Raymond Shaw, visto como un héroe nacional a los ojos de los Estados Unidos tras su "valerosa" participación en la guerra pero que realmente sería un hombre manipulado y convertido en una maquina de matar por un grupo de soviéticos, Angela Lansbury (la mítica Jessica Fletcher de la serie televisiva "Se ha escrito un crimen") en la piel de la agente comunista Eleanor Iselin, madre de Shaw (y eso que en la vida real la actriz tan sólo le sacaba 3 años de diferencia al bueno de Laurence Harvey) y que usaría a éste con el objeto de eliminar  cualquier obstáculo que entorpeciera la ascensión de su marido (y a la vez padrastro de Shaw), John Serkes (personaje interpretado por James Gregory), hacia el trono de la presidencia norteamericana. Destacarían también en el reparto de actores Frank Sinatra ("El hombre del brazo de oro (1955)") encargado de dar vida al capitán Bennet Marco, compañero de guerra de Shaw y que intentaría esclarecer el caso de su camarada y Janet Leigh ("Los vikingos (1958)") como Rose Chaney, la pareja sentimental de Bennet.

Entre sus escenas hago mención la impactante secuencia en donde en plena sesión de hipnotismo Shaw es obligado a asesinar a sangre fría a dos de sus compañeros de batalla. En el año 2004, Jonathan Demme ("El silencio de los corderos (1991)" realizaría un correcto remake sobre la obra de Frankenheimer, una película que estaría protagonizada por Denzel Washington y cuya acción iba a llevarse a cabo durante el conflicto de Irak en vez de la Guerra de Corea que reflejaba su predecesora. Como curiosidad, en 1963 la película sería retirada de la circulación (supuestamente, ya que hay muchas hipótesis sobre este tema) después de producirse el asesinato John Fitzgerald Kennedy, debido a que el hecho se asemejaba bastante a lo que ocurría en el film.

Frase para recordar: "Todo lo que se haga en este país debe llevarse a cabo en un sentido estrictamente realista. En cualquier caso, sean cuales fueren las circunstancias de mi mandato, la vida antes que mi libertad."

Título original: The manchurian candidate.

Director: John Frankenheimer.

Intérpretes: Laurence Harvey, Frank Sinatra, Angela Lansbury, James Gregory, Janet Leigh.

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John Frankenheimer.

Reseña escrita por Jesús Fariña

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LOS VIKINGOS (1958). Kirk Doulas y Tony Curtis en el clásico de aventuras de Ricard Fleischer.

Si hablamos de títulos relevantes en la historia del séptimo arte que toquen la temática vikinga, habría que mencionar sin dudas esta entretenida obra de Richard Fleischer, autor también de la bélica "Tora!Tora!Tora! (1970)" o la histórica "Barrabás (1962)". El film, basado en la novela homónima de Edison Marshallun (de sus relatos también saldría el drama romántico "El hijo de la furia (1942)") con Tyrano Power y Gene Tierney), reuniría al mencionado Richard Fleischer con los guionistas Calder Willingham (colaborador de Stanley Kubrick en "Senderos de gloria (1957)" y "Espartaco (1960)") y Dale Wasserman ("El hombre de la Mancha (1972)") para narrar notablemente esta historia de aventuras sobre el enfrentamiento de los bárbaros nórdicos con el pueblo inglés. Tony Curtis (ese mismo año lograría la única nominación al oscar de su carrera por su interpretación en el drama racista de Stanley Kramer: "Fugitivos (1958)") como Eric, un esclavo vikingo nacido de la violación de la reina inglesa Kitala (Eileen Way) por el rey vikingo Ragnar (Ernest Borgnine), Kirk Douglas (el actor repetía con Richard Fleischer después sus aventuras acuáticas en "20.000 leguas de viaje submarino (1954)") como el temible y tuerto Einar y Janet Leigh (por entonces pareja en la vida real de Tony Curtis) como la princesa Morgana formarían el extraordinario reparto de esta superproducción hollywoodiense. La magnifica fotografía a cargo de Jack Cardiff ("La reina de África (1951)") sería fundamental para el desarrollo del film, resaltando escenas tan memorables como escalada de Kirk Douglas por las paredes del castillo inglés, la persecución de los barcos vikingos trás la princesa Morgana bajo la oscuridad de una espesa niebla o la adrenalínica lucha final entre Eric y Einar. Uno de los hechos anecdóticos de este film es que Ernest Borgnine interpreta al padre de Kirk Douglas a pesar de que la diferencia de edad entre ambos actores era de apenas un mes y medio.

Frase para recordar: "Si no puedo tener tu amor me quedo con tu odio".

Título original: The vikings.

Director: Richard Fleischer

Intérpretes: Tony Curtis, Kirk Douglas, Janet Leigh, Ernest Borgnine, James Donald.

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SED DE MAL (1958)

Orson Wells dirige, interpreta y realiza el guión (basada en la novela de Whitt Masterson) de este título de cine negro en estado puro basado en el enfrentamiento de un policía mejicano de buenas intenciones, Mike Vargas, (interpretado por Charlton Heston) y a un policía americano de dudosa reputación, Hank Quinlan, (Orson Wells) en la investigación de la explosión de un coche llevado por un mafioso. De las obras maestras del genial Orson Wells (mi favorita de su filmografía) que aunque está considerada de las mejores del director (y última rodada en tierras estadounidenses) fue en su momento un auténtico fracaso en taquilla que al igual que "Ciudadano Kane (1941)", crítica y taquilla nunca estuvieron de acuerdo. Buena trama de intriga y corrupción policial pensado como vehículo de lucimiento de un Charlton Heston, considerado ya toda una estrella cinematográfica (ese mismo año triunfaba con "Horizontes de grandeza (1958)", sin olvidar que años anteriores, ya era recordado por su Moisés de "Los 10 mandamientos (1956)"), pero que fue eclipsada por la gran interpretación de Orson Wells y su papel de obeso y prepotente policía corrupto. Destacar también las actuaciones de las actrices del film, Janet Leigh (antes de "Psicosis (1960)") con el papel de esposa de Mike Vargas y la breve intervención de Marlene Dietrich como gitana que presagiará el desenlace de Hank Quinlan. Todo un clásico su secuencia inicial que acompañada de la música de Henry Mancini tardó 15 días en realizarse:

Frases para recordar: "Era un buen detective...y un pésimo policía".

Título original: Touch of Evil.

Director: Orson Wells.

Intérpretes: Charlton Heston, Janet Leigh, Orson Wells, Afim Tamiroff.

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Escena: 

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Janet Leigh

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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