ARTÍCULOS
la vida es bella
El gran momento profesional de Roberto Benigni (famoso monologuista en su país natal (Italia) y autor de interesantes comedias italianas como "Johnny Palillo (1991)" y "El monstruo (1994)") llegaría cuando éste decidió llevar a cabo la adaptación cinematográfica del relato de Rubino Romeo Salmoni ("Al final derroté a Hitler"). La historia ambientada en la época del holocausto nazi de La Segunda Guerra Mundial estaría dividida en dos partes; la primera narraría como un joven judío (Guido) consigue enamorar y formar una familia con la ex-pareja de un oficial fascista (Dora) y la segunda (la más lograda del film) se centraría en la deportación del mencionado Guido junto a su pequeño hijo (Josué) a los campos de exterminio nazi. La obra una perfecta combinación de comedia y drama estaría basada en el sacrificio de un padre por defender a su hijo de los peligros de la guerra, donde el protagonista haciendo uso de todo su ingenio e imaginación haría que la cruel situación sea vista a los ojos del pequeño como un inocente juego para niños. Como es habitual en la filmografía del realizador, él se encargaría de ponerse en la piel del personaje principal, hecho que le permitiría obtener el oscar de mejor actor en los premios de aquel año y de paso entrar en la historia del séptimo arte como el primer interprete italiano masculino en ganar la estatuilla dorada (en la categoría femenina tuvieron el privilegio de dicho galardón las voluptuosas Anna Magnani por "La rosa tatuada (1955)" y Sophia Loren por "Dos mujeres (1961)"). Para completar el reparto principal, Roberto Benigni se decantaría por la elección de la actriz Nicoletta Braschi (su pareja sentimental en la vida real) para representar a Dora y en el precoz Giorgio Cantarini (también visto junto a Russell Crowe en la épica "Gladiator (2000)") como Josué. Entre sus escenas cabría destacar la secuencia de Guido traduciendo las normas de un general alemán frente la atenta mirada de su ingenuo hijo o el emotivo (y lacrimógeno) encuentro de Josué con su madre al termino de la guerra. Sin lugar a dudas, uno de los elementos clave del éxito de la obra recaería en la composición musical de Nicola Piovani realizando una de las bandas sonoras más hermosas que podemos escuchar en la década de los noventa. Como curiosidad del film, el papa Juan Pablo II pidió antes de su estreno un pase privado para la visualización de la mencionada obra.

Frase para recordar: "¡Buenos días, princesa!".

la vida es bellala vida es bella

Título original: La vita è bella.

Director: Roberto Benigni. 

Intérpretes: Roberto Benigni, Giorgio Canttarini, Nicoletta Braschi.

Trailer:


B.S.O.:







Información complementaria:
Rubino Romeo Salmoni

Reseña escrita por Jesús Fariña

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LA VIDA ES BELLA (1998). El holocausto nazi según Benigni

la vida es bella
El gran momento profesional de Roberto Benigni (famoso monologuista en su país natal (Italia) y autor de interesantes comedias italianas como "Johnny Palillo (1991)" y "El monstruo (1994)") llegaría cuando éste decidió llevar a cabo la adaptación cinematográfica del relato de Rubino Romeo Salmoni ("Al final derroté a Hitler"). La historia ambientada en la época del holocausto nazi de La Segunda Guerra Mundial estaría dividida en dos partes; la primera narraría como un joven judío (Guido) consigue enamorar y formar una familia con la ex-pareja de un oficial fascista (Dora) y la segunda (la más lograda del film) se centraría en la deportación del mencionado Guido junto a su pequeño hijo (Josué) a los campos de exterminio nazi. La obra una perfecta combinación de comedia y drama estaría basada en el sacrificio de un padre por defender a su hijo de los peligros de la guerra, donde el protagonista haciendo uso de todo su ingenio e imaginación haría que la cruel situación sea vista a los ojos del pequeño como un inocente juego para niños. Como es habitual en la filmografía del realizador, él se encargaría de ponerse en la piel del personaje principal, hecho que le permitiría obtener el oscar de mejor actor en los premios de aquel año y de paso entrar en la historia del séptimo arte como el primer interprete italiano masculino en ganar la estatuilla dorada (en la categoría femenina tuvieron el privilegio de dicho galardón las voluptuosas Anna Magnani por "La rosa tatuada (1955)" y Sophia Loren por "Dos mujeres (1961)"). Para completar el reparto principal, Roberto Benigni se decantaría por la elección de la actriz Nicoletta Braschi (su pareja sentimental en la vida real) para representar a Dora y en el precoz Giorgio Cantarini (también visto junto a Russell Crowe en la épica "Gladiator (2000)") como Josué. Entre sus escenas cabría destacar la secuencia de Guido traduciendo las normas de un general alemán frente la atenta mirada de su ingenuo hijo o el emotivo (y lacrimógeno) encuentro de Josué con su madre al termino de la guerra. Sin lugar a dudas, uno de los elementos clave del éxito de la obra recaería en la composición musical de Nicola Piovani realizando una de las bandas sonoras más hermosas que podemos escuchar en la década de los noventa. Como curiosidad del film, el papa Juan Pablo II pidió antes de su estreno un pase privado para la visualización de la mencionada obra.

Frase para recordar: "¡Buenos días, princesa!".

la vida es bellala vida es bella

Título original: La vita è bella.

Director: Roberto Benigni. 

Intérpretes: Roberto Benigni, Giorgio Canttarini, Nicoletta Braschi.

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B.S.O.:







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Rubino Romeo Salmoni

Reseña escrita por Jesús Fariña

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irma la dulce
Nuevamente la pareja formada por Jack Lemmon y Shirley MacLaine hicieron uso de su buena química en la gran pantalla para protagonizar esta inteligente y entrañable comedia romántica a cargo del maestro Billy Wilder, demostrando con creces que el éxito  cosechado en su anterior participación conjunta ("El apartamento (1960)") no fue producto de la casualidad. La película que podría considerarse un cuento moralista sobre dos personajes tan solitarios como dispares estaría formada por un guión del propio Billy Wilder (donde también ejercía de productor) con su habitual colaborador, I.A.L. Diamond ("Primera plana (1974)"). El realizador basándose en el musical de Alexandre Breffort nos trasladaría al barrio parisino de "Les Halles" para describirnos la amorosa relación entre una jovial prostituta (Irma "La dulce") y un honrado y tímido gendarme ( Nestor Pastou) y el esfuerzo de éste último para que su amada abandone de una vez por todas el mundo de la calle. Durante el visionado de la obra disfrutaríamos de la presencia de  Lou Jacobi ("El diario de Ana Frank (1959)") representando a uno de los personajes más atrayentes de la obra, el carismático Moustache, el dueño del bar donde regenta los chulos y prostitutas del barrio y que hace de sus apariciones (sifón en mano) un desfile de frases tan ingeniosas como filosóficas. Hago mención dentro de la obra, la colorista fotografía de Joseph LaShelle ("Laura (1944)") que llenan de vitalidad las bellas calles de París y la divertida partitura musical a cargo del compositor alemán André Previn ("Gigi (1958)") el cuál obtendría por este trabajo el cuarto Óscar de su carrera. Entre sus escenas resaltaría la secuencia de Irma inventándose tristes historias sobre su vida a los ingenuos clientes que la visitan para que éstos se dejaran caer con algo más de dinero o la genial transformación de Jack Lemmon en el multimillonario Lord X. En un principio, la actriz elegida para llevar a cabo el papel de Irma era Marilyn Monroe (lo que hubiera supuesto la tercera participación de la famosa rubia con Billy Wilder), hecho que no se llegaría a producir debido a la drástica muerte de este mito cinematográfico antes del rodaje de la obra. Como curiosidad, en este título debutaría James Caan ( a los 23 años), actor conocido por su participación de la mítica "El padrino (1972)" y por encarnar al torturado escritor Paul Sheldon en la genial "Misery (1990)".

Frase para recordar: "Ser honesto es como desplumar a una gallina al viento, te llenas la boca de plumas".


irma la dulce
irma la dulce












Título original: Irma la Douce.

Director: Billy Wilder.

Intérpretes: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Bruce Yarnell, Lou Jacobi.

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Lou Jacobi

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IRMA LA DULCE (1963). Jack Lemmon y Shirley MacLaine en la comedia de Billy Wilder.

irma la dulce
Nuevamente la pareja formada por Jack Lemmon y Shirley MacLaine hicieron uso de su buena química en la gran pantalla para protagonizar esta inteligente y entrañable comedia romántica a cargo del maestro Billy Wilder, demostrando con creces que el éxito  cosechado en su anterior participación conjunta ("El apartamento (1960)") no fue producto de la casualidad. La película que podría considerarse un cuento moralista sobre dos personajes tan solitarios como dispares estaría formada por un guión del propio Billy Wilder (donde también ejercía de productor) con su habitual colaborador, I.A.L. Diamond ("Primera plana (1974)"). El realizador basándose en el musical de Alexandre Breffort nos trasladaría al barrio parisino de "Les Halles" para describirnos la amorosa relación entre una jovial prostituta (Irma "La dulce") y un honrado y tímido gendarme ( Nestor Pastou) y el esfuerzo de éste último para que su amada abandone de una vez por todas el mundo de la calle. Durante el visionado de la obra disfrutaríamos de la presencia de  Lou Jacobi ("El diario de Ana Frank (1959)") representando a uno de los personajes más atrayentes de la obra, el carismático Moustache, el dueño del bar donde regenta los chulos y prostitutas del barrio y que hace de sus apariciones (sifón en mano) un desfile de frases tan ingeniosas como filosóficas. Hago mención dentro de la obra, la colorista fotografía de Joseph LaShelle ("Laura (1944)") que llenan de vitalidad las bellas calles de París y la divertida partitura musical a cargo del compositor alemán André Previn ("Gigi (1958)") el cuál obtendría por este trabajo el cuarto Óscar de su carrera. Entre sus escenas resaltaría la secuencia de Irma inventándose tristes historias sobre su vida a los ingenuos clientes que la visitan para que éstos se dejaran caer con algo más de dinero o la genial transformación de Jack Lemmon en el multimillonario Lord X. En un principio, la actriz elegida para llevar a cabo el papel de Irma era Marilyn Monroe (lo que hubiera supuesto la tercera participación de la famosa rubia con Billy Wilder), hecho que no se llegaría a producir debido a la drástica muerte de este mito cinematográfico antes del rodaje de la obra. Como curiosidad, en este título debutaría James Caan ( a los 23 años), actor conocido por su participación de la mítica "El padrino (1972)" y por encarnar al torturado escritor Paul Sheldon en la genial "Misery (1990)".

Frase para recordar: "Ser honesto es como desplumar a una gallina al viento, te llenas la boca de plumas".


irma la dulce
irma la dulce












Título original: Irma la Douce.

Director: Billy Wilder.

Intérpretes: Jack Lemmon, Shirley MacLaine, Bruce Yarnell, Lou Jacobi.

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Lou Jacobi

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pulp fiction
Tras confeccionar los guiones de "Amor a quemarropa (1993)" y la psicodélica y macarra obra de Oliver Stone "Asesinos natos (1994)", Quentin Tarantino volvería a ponerse detrás de las cámaras (ya nos había dejado muy buen sabor de boca con su sobresaliente debut (oficial) "Reservoir dogs (1992)")) para rodar esta historia de mafiosos, asesinos a sueldos y delincuentes de poca monta cargada de muy mala leche y delirante humor negro. La obra, todo un homenaje a la cultura pulp, es considerada hoy por hoy en uno de los clásicos modernos indiscutibles dentro de la historia del séptimo arte. Con características similares a su film predecesor (desorden en la estructura de la narración, viscerales secuencias e ingeniosos y gamberros diálogos) la película estaría dividida en tres capítulos, todos ellos entrelazados entre sí: "Vincent Vega y la esposa de  Marsellus Wallace", "El reloj de oro" y "La situación con Bonnie". El realizador tan asiduo en el rescate de actores en el olvido o con problemas de estancamiento profesional, escogería para representar al benévolo asesino Vincent Vega a un fondón John Travolta (después de desechar la inicial opción de Daniel Day-Lewis), un actor siempre recordado por sus dotes bailongas en la setentera "Fiebre del sábado noche (1977)". Una vez visto el film nos cuesta destacar una escena en particular, ya que momentos como la jeringuilla clavada en el pecho de Uma Thurman, el mítico baile de ésta con John Travolta, los sermones bíblicos de Samuel L. Jackson o el monologo de Christopher Walken sobre un reloj de oro quedarán siempre en la retina de cualquier cinéfilo que se precie. Bruce Willis ("El sexto sentido (1999)") como el desgraciado boxeador Butch Coolidge, Harvey Keitel ("El teniente corrupto (1992)") como "El Lobo", el misterioso hombre que resuelve cualquier tipo de contratiempo, Ving Rhames ("Amanecer de los muertos (2004)") como el "violado" y peligroso mafioso Marsellus Wallace o el propio Tarantino en uno de sus habituales cameos serían otros de los nombres que intervendrían en el extraordinario reparto coral que forman la obra. Sobresale la minuciosa selección de temas musicales (la mayoría de artistas de los 50 y 60) que desfilan en el trascurso del film, despuntando el tema "Girl you´ll be a woman soon" de la banda estadounidense Urge Overkill. Como curiosidad, Sylvester Stallone y Mickey Rourke fueron las primeras opciones para llevar a cabo el personaje del boxeador Butch Coolidge.

Frases para recordar:

"Tenemos que sacar este coche de la calle, la pasma suele fijarse en los coches que circulan bañados en sangre".
"Estoy a veinte minutos de alli, llegaré en diez".
"El hecho que seas una personalidad no significa que tengas personalidad".
"Me voy a mi casa a tener un ataque al corazón".

pulp fictionpulp fiction

Director: Quentin Tarantino.

Interprétes: John Travolta, Samuel L.Jackson, Uma Thurman, Harvey Keitel.

Trailer: 


Escena: 


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 John Travolta

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PULP FICTION (1994). Obra magna de Quentin Tarantino.

pulp fiction
Tras confeccionar los guiones de "Amor a quemarropa (1993)" y la psicodélica y macarra obra de Oliver Stone "Asesinos natos (1994)", Quentin Tarantino volvería a ponerse detrás de las cámaras (ya nos había dejado muy buen sabor de boca con su sobresaliente debut (oficial) "Reservoir dogs (1992)")) para rodar esta historia de mafiosos, asesinos a sueldos y delincuentes de poca monta cargada de muy mala leche y delirante humor negro. La obra, todo un homenaje a la cultura pulp, es considerada hoy por hoy en uno de los clásicos modernos indiscutibles dentro de la historia del séptimo arte. Con características similares a su film predecesor (desorden en la estructura de la narración, viscerales secuencias e ingeniosos y gamberros diálogos) la película estaría dividida en tres capítulos, todos ellos entrelazados entre sí: "Vincent Vega y la esposa de  Marsellus Wallace", "El reloj de oro" y "La situación con Bonnie". El realizador tan asiduo en el rescate de actores en el olvido o con problemas de estancamiento profesional, escogería para representar al benévolo asesino Vincent Vega a un fondón John Travolta (después de desechar la inicial opción de Daniel Day-Lewis), un actor siempre recordado por sus dotes bailongas en la setentera "Fiebre del sábado noche (1977)". Una vez visto el film nos cuesta destacar una escena en particular, ya que momentos como la jeringuilla clavada en el pecho de Uma Thurman, el mítico baile de ésta con John Travolta, los sermones bíblicos de Samuel L. Jackson o el monologo de Christopher Walken sobre un reloj de oro quedarán siempre en la retina de cualquier cinéfilo que se precie. Bruce Willis ("El sexto sentido (1999)") como el desgraciado boxeador Butch Coolidge, Harvey Keitel ("El teniente corrupto (1992)") como "El Lobo", el misterioso hombre que resuelve cualquier tipo de contratiempo, Ving Rhames ("Amanecer de los muertos (2004)") como el "violado" y peligroso mafioso Marsellus Wallace o el propio Tarantino en uno de sus habituales cameos serían otros de los nombres que intervendrían en el extraordinario reparto coral que forman la obra. Sobresale la minuciosa selección de temas musicales (la mayoría de artistas de los 50 y 60) que desfilan en el trascurso del film, despuntando el tema "Girl you´ll be a woman soon" de la banda estadounidense Urge Overkill. Como curiosidad, Sylvester Stallone y Mickey Rourke fueron las primeras opciones para llevar a cabo el personaje del boxeador Butch Coolidge.

Frases para recordar:

"Tenemos que sacar este coche de la calle, la pasma suele fijarse en los coches que circulan bañados en sangre".
"Estoy a veinte minutos de alli, llegaré en diez".
"El hecho que seas una personalidad no significa que tengas personalidad".
"Me voy a mi casa a tener un ataque al corazón".

pulp fictionpulp fiction

Director: Quentin Tarantino.

Interprétes: John Travolta, Samuel L.Jackson, Uma Thurman, Harvey Keitel.

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 John Travolta

Reseña escrita por Jesús Fariña 
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de aquí a la eternidad
Las vivencias y problemas personales de una serie de soldados momentos previos al famoso bombardeo de Pearl Harbor harían de este drama antimilitarista con tintes románticos una de las películas más relevantes y a la vez más nominadas (13 canditaturas de las cuales obtendría 8 estatuillas, incluida mejor película) dentro de la historia del séptimo arte. Dirigida por Fred Zinnemann ("Solo ante el peligro (1952)") y con un guión de Daniel Taradash ("Morituri (1965)"), el film  tocaría temas tan dispares como la infidelidad, la amistad, el honor y el mundo de la prostitución al mismo tiempo que efectuaba una dura crítica sobre los abusos del ejercito americano hacia sus reclutas. La historia estaría especialmente centrada en la vida de dos personajes: por un lado, la del soldado y ex-boxeador Prewitt (Montgomery Clift), sufridor desde su llegada a la base militar en tierras hawaianas de todo tipo de castigos y humillaciones por parte de sus superiores al éste negarse participar en el equipo pugilístico del ejercito y por otro lado, la del sargento Milton Warden (Burt Lancaster), un militar duro pero justo que mantiene un idilio sentimental con la mujer de su superior, la bella Karen Holmes (Deborah Kerr). Entre sus momentos más destacados hago mención la mítica secuencia del apasionado beso de Burt Lancaster y Deborah Kerr mientras son golpeados por las olas del mar (escena muy críticada por La Asociación Cinematográfica de Estados Unidos al ser considerada de alta carga sexual) o el toque de corneta bajo el amanecer de un desconsolado Prewitt tras la muerte de un amigo. Sin duda, uno de los elementos fundamentales del éxito del film recaería en el espectacular conjunto de estrellas cinematográficas que componen la película (Montgomery Clift, Burt Lancaster, Deborah Kerr, Donna Reed, Frank Sinatra, Ernest Borgnine...), todos ellos realizando sobresalientes interpretaciones. Durante la realización de esta obra llegaron a comentar que Montgomery Clift y Frank Sinatra se cogían unas tremendas borracheras al terminar la jornada laboral, teniendo que rodar en muchas de las ocasiones (especialmente Monty), en ese lamentable estado al no írseles el efecto de embriaguez de la noche anterior. Como curiosidad, la productora se planteó inicialmente los nombres de Walter Mathaus ("La extraña pareja (1968)") y  Ronald Reagan ("Jornada desesperada (1942)") para interpretar al sargento Milton Warden.

Frase para recordar: "Nadie miente cuando habla de su soledad".


de aquí a la eternidad
de aquí a la eternidad











Título original: From here to eternity.

Director: Fred Zinnemann.

Intérpretes: Motgomery Clift, Burt Lancaster, Deborah Kerr, Frank Sinatra.

Trailer:


Escena:




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Fred Zinnemann

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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DE AQUÍ A LA ETERNIDAD (1953). El mítico drama de Fred Zinnemann.

de aquí a la eternidad
Las vivencias y problemas personales de una serie de soldados momentos previos al famoso bombardeo de Pearl Harbor harían de este drama antimilitarista con tintes románticos una de las películas más relevantes y a la vez más nominadas (13 canditaturas de las cuales obtendría 8 estatuillas, incluida mejor película) dentro de la historia del séptimo arte. Dirigida por Fred Zinnemann ("Solo ante el peligro (1952)") y con un guión de Daniel Taradash ("Morituri (1965)"), el film  tocaría temas tan dispares como la infidelidad, la amistad, el honor y el mundo de la prostitución al mismo tiempo que efectuaba una dura crítica sobre los abusos del ejercito americano hacia sus reclutas. La historia estaría especialmente centrada en la vida de dos personajes: por un lado, la del soldado y ex-boxeador Prewitt (Montgomery Clift), sufridor desde su llegada a la base militar en tierras hawaianas de todo tipo de castigos y humillaciones por parte de sus superiores al éste negarse participar en el equipo pugilístico del ejercito y por otro lado, la del sargento Milton Warden (Burt Lancaster), un militar duro pero justo que mantiene un idilio sentimental con la mujer de su superior, la bella Karen Holmes (Deborah Kerr). Entre sus momentos más destacados hago mención la mítica secuencia del apasionado beso de Burt Lancaster y Deborah Kerr mientras son golpeados por las olas del mar (escena muy críticada por La Asociación Cinematográfica de Estados Unidos al ser considerada de alta carga sexual) o el toque de corneta bajo el amanecer de un desconsolado Prewitt tras la muerte de un amigo. Sin duda, uno de los elementos fundamentales del éxito del film recaería en el espectacular conjunto de estrellas cinematográficas que componen la película (Montgomery Clift, Burt Lancaster, Deborah Kerr, Donna Reed, Frank Sinatra, Ernest Borgnine...), todos ellos realizando sobresalientes interpretaciones. Durante la realización de esta obra llegaron a comentar que Montgomery Clift y Frank Sinatra se cogían unas tremendas borracheras al terminar la jornada laboral, teniendo que rodar en muchas de las ocasiones (especialmente Monty), en ese lamentable estado al no írseles el efecto de embriaguez de la noche anterior. Como curiosidad, la productora se planteó inicialmente los nombres de Walter Mathaus ("La extraña pareja (1968)") y  Ronald Reagan ("Jornada desesperada (1942)") para interpretar al sargento Milton Warden.

Frase para recordar: "Nadie miente cuando habla de su soledad".


de aquí a la eternidad
de aquí a la eternidad











Título original: From here to eternity.

Director: Fred Zinnemann.

Intérpretes: Motgomery Clift, Burt Lancaster, Deborah Kerr, Frank Sinatra.

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Fred Zinnemann

Reseña escrita por Jesús Fariña 

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perros de paja
Basándose en la famosa novela de Gordon M. Williams ("The siege of thencher´s farm)" Sam Peckinpah ("Grupo salvaje (1969)") haría uso de este relato para adentrarse en lo más profundo de las entrañas de la violencia humana y hacer un crítico análisis del comportamiento de las personas cuando éstas se encuentra en situaciones límite. Realizada a principios de los setenta la historia nos exponía la hostilidad de un grupo de rudos aldeanos (aparentemente pacíficos) sobre una sofisticada pareja de americanos al éstos trasladarse a un rural pueblo de Inglaterra. El peso interpretativo recaería sobre el "pequeño" Dustin Hofman ("El graduado (1967)") en el papel del tímido matemático David Sunmer, un hombre de carácter débil y esquivo a las confrontaciones obligado a sacar su instinto más primitivo para defenderse del ataque de los violentos lugareños. Dentro del reparto también veríamos a la sensual Susan George ("Mandingo (1975)") como la esposa de David Sunmer, al británico Peter Vaughan ("Brazil (1985)") como Tom Hedden, el lider del peligroso grupo que le hace la vida imposible a la pareja y a David Warner (antes de "perder la cabeza" en "La profecía (1976)") encarnando al retrasado Henry Niles. El film siempre será recordado por las realistas y polémicas escenas de violencia, teniendo como una de sus duras secuencias, la violación y sodomización de Susan George (por aquel entonces la actriz tenía 20 años), todo un hito dentro de la violencia sexual visto en la gran pantalla que no se libraría del castigo de la censura del entorno más puritano (en países como el Reino Unido fue prohibida). La obra no pasaría desapercibida para los nuevos realizadores de  aquella época, especialmente para Wes Craven (reconocido cineasta del cine de terror actual) que le serviría de inspiración para su opera prima: la brutal "La última casa a la izquierda (1972)". Como curiosidad Jack Nicholson y Donald Sutherland fueron inicialmente elegidos para interpretar a David Sunmer del mismo modo las actrices Hellen Mirren y Charlotte Rampling estuvieron a punto de representar a la carnal Amy Sunmer.

Frase para recordar: "El cielo y la tierra son crueles, tratan a todos los seres vivos como perros de paja".

perros de pajaperros de paja

Título original: Straw dogs.

Director: Sam Peckinpah

Intérpretes: Dustin Hoffman, Susan George, David Warner, Peter Vaughan.

Trailer: 



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Sam Peckinpah

Reseña escrita por Jesús Fariña

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PERROS DE PAJA (1971). Un retrato de Sam Peckinpah sobre la violencia humana.

perros de paja
Basándose en la famosa novela de Gordon M. Williams ("The siege of thencher´s farm)" Sam Peckinpah ("Grupo salvaje (1969)") haría uso de este relato para adentrarse en lo más profundo de las entrañas de la violencia humana y hacer un crítico análisis del comportamiento de las personas cuando éstas se encuentra en situaciones límite. Realizada a principios de los setenta la historia nos exponía la hostilidad de un grupo de rudos aldeanos (aparentemente pacíficos) sobre una sofisticada pareja de americanos al éstos trasladarse a un rural pueblo de Inglaterra. El peso interpretativo recaería sobre el "pequeño" Dustin Hofman ("El graduado (1967)") en el papel del tímido matemático David Sunmer, un hombre de carácter débil y esquivo a las confrontaciones obligado a sacar su instinto más primitivo para defenderse del ataque de los violentos lugareños. Dentro del reparto también veríamos a la sensual Susan George ("Mandingo (1975)") como la esposa de David Sunmer, al británico Peter Vaughan ("Brazil (1985)") como Tom Hedden, el lider del peligroso grupo que le hace la vida imposible a la pareja y a David Warner (antes de "perder la cabeza" en "La profecía (1976)") encarnando al retrasado Henry Niles. El film siempre será recordado por las realistas y polémicas escenas de violencia, teniendo como una de sus duras secuencias, la violación y sodomización de Susan George (por aquel entonces la actriz tenía 20 años), todo un hito dentro de la violencia sexual visto en la gran pantalla que no se libraría del castigo de la censura del entorno más puritano (en países como el Reino Unido fue prohibida). La obra no pasaría desapercibida para los nuevos realizadores de  aquella época, especialmente para Wes Craven (reconocido cineasta del cine de terror actual) que le serviría de inspiración para su opera prima: la brutal "La última casa a la izquierda (1972)". Como curiosidad Jack Nicholson y Donald Sutherland fueron inicialmente elegidos para interpretar a David Sunmer del mismo modo las actrices Hellen Mirren y Charlotte Rampling estuvieron a punto de representar a la carnal Amy Sunmer.

Frase para recordar: "El cielo y la tierra son crueles, tratan a todos los seres vivos como perros de paja".

perros de pajaperros de paja

Título original: Straw dogs.

Director: Sam Peckinpah

Intérpretes: Dustin Hoffman, Susan George, David Warner, Peter Vaughan.

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Sam Peckinpah

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la lista de schindler
Cuando a principios de los noventa Steven Spielberg decidía aparcar su cine más comercial y palomitero para representar el horror del holocausto nazi en la gran pantalla, éste sufriría todo tipo de críticas y acosos por parte del Congreso Mundial de Judíos. Dicha situación no frenaría al realizador su afán de llevar a cabo este proyecto, consiguiendo que su película fuese (y sea) considerada una de las mejores obras que han plasmado el sufrimiento judío durante la hegemonía alemana. El film con un guión de Steven Zaillian ("Gangs of New York (2002)") y basándose en el devastador relato del australiano Thomas Keneally nos situaría en plena Segunda Guerra Mundial donde el empresario y héroe casual, Oskar Schindler (papel llevado a cabo magistralmente por Liam Neeson), trataba de salvar a un grupo de judíos de su drástico destino en los campos de concentración de Auschwitz. Un desconocido Ralph Finnes ("El paciente inglés (1996)") sorprendería a propios y a extraños por su espectacular interpretación encarnando al sádico comandante nazi Amón Göth. La excelente y nostálgica fotografía en blanco y negro de Janusz Kaminski ("Munich (2005)") junto la sobresaliente partitura (a base de solos de violín) a cargo de John Williams ("Tiburón (1975)") llenarían de sentimiento y dureza las imagenes que llenan la obra. Entre sus escenas hago mención la emotiva y triste secuencia de una niña con abrigo rojo deambulando bajo el caos de la guerra o como un cruel Amón Göth se dedica a disparar a los judíos que ve desde su terraza. La película producida por Branko Lustig (prisionero y superviviente de la barbarie alemana) ganaría 7 oscar (incluida mejor película) del mismo modo Spielberg obtendría el primero de sus dos estatuillas doradas que tiene en su haber (la otra la conseguiría por "Salvar al soldado Ryan (1998)"). Como curiosidad, Ralph Finnes subiría 13 kilos para llevar a cabo su personaje, dicho logro lo lograría con una dieta cimentada en la "ingesta" de litros y litros de cerveza.

Frase para recordar: "Quién salva una vida, salva al mundo entero".


la lista de schindler
la lista de schindler










Título original: Schindler´s list.

Director: Steven Spielberg.

Intérpretes: Liam Neeson, Ralph Finnes, Ben Kingsley, Caroline Goodall.

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Oskar Schindler

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LA LISTA DE SCHINDLER (1993). El holocausto nazi según Spielberg.

la lista de schindler
Cuando a principios de los noventa Steven Spielberg decidía aparcar su cine más comercial y palomitero para representar el horror del holocausto nazi en la gran pantalla, éste sufriría todo tipo de críticas y acosos por parte del Congreso Mundial de Judíos. Dicha situación no frenaría al realizador su afán de llevar a cabo este proyecto, consiguiendo que su película fuese (y sea) considerada una de las mejores obras que han plasmado el sufrimiento judío durante la hegemonía alemana. El film con un guión de Steven Zaillian ("Gangs of New York (2002)") y basándose en el devastador relato del australiano Thomas Keneally nos situaría en plena Segunda Guerra Mundial donde el empresario y héroe casual, Oskar Schindler (papel llevado a cabo magistralmente por Liam Neeson), trataba de salvar a un grupo de judíos de su drástico destino en los campos de concentración de Auschwitz. Un desconocido Ralph Finnes ("El paciente inglés (1996)") sorprendería a propios y a extraños por su espectacular interpretación encarnando al sádico comandante nazi Amón Göth. La excelente y nostálgica fotografía en blanco y negro de Janusz Kaminski ("Munich (2005)") junto la sobresaliente partitura (a base de solos de violín) a cargo de John Williams ("Tiburón (1975)") llenarían de sentimiento y dureza las imagenes que llenan la obra. Entre sus escenas hago mención la emotiva y triste secuencia de una niña con abrigo rojo deambulando bajo el caos de la guerra o como un cruel Amón Göth se dedica a disparar a los judíos que ve desde su terraza. La película producida por Branko Lustig (prisionero y superviviente de la barbarie alemana) ganaría 7 oscar (incluida mejor película) del mismo modo Spielberg obtendría el primero de sus dos estatuillas doradas que tiene en su haber (la otra la conseguiría por "Salvar al soldado Ryan (1998)"). Como curiosidad, Ralph Finnes subiría 13 kilos para llevar a cabo su personaje, dicho logro lo lograría con una dieta cimentada en la "ingesta" de litros y litros de cerveza.

Frase para recordar: "Quién salva una vida, salva al mundo entero".


la lista de schindler
la lista de schindler










Título original: Schindler´s list.

Director: Steven Spielberg.

Intérpretes: Liam Neeson, Ralph Finnes, Ben Kingsley, Caroline Goodall.

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Oskar Schindler

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La pantera rosa
Después de triunfar con el drama etílico de Jack Lemmon y Lee Remick en "Días de vino y rosas (1962)", el director Blake Edwards cambiaría de tercio para realizar esta elegante comedia de enredos y situaciones picarescas que pondría al despistado y torpe inspector Closeau en busca de los ladrones de un valioso diamante llamado "La pantera rosa". Blake Edwards en el transcurso del rodaje se pondría en contacto con el animador Friz Freleng (el mismo que daría vida a Bugs Bunny) para que éste le desarrollara un personaje animado que presentara los títulos de créditos del film, quién le iba a decir que dicha creación gozaría de tan fuerte repercusión en el desarrollo de la película hasta el punto de que ésta iba a tener su propia serie de dibujos animados de consolidada fama mundial. Otro de los elementos claves que impulsarían la popularidad de dicho film sería la mítica partitura del Henry Mancini (compositor habitual dentro de la filmografía de Blake Edwards, entre ellas, las ganadoras del óscar "Desayuno con diamantes (1961)" y "¿Victor o Victoria? (1982)") y como no, en la divertida y extraordinaria interpretación del británico Peter Sellers ("El guateque (1968)"), fue tal el carisma y simpatía que desprendería su personaje que llegaría a eclipsar al resto de sus compañeros de rodaje en cada una de sus apariciones. El enorme éxito del actor tras la realización de esta película le consagraría de manera definitiva en la industria cinematográfica, llevándole a protagonizar varias secuelas todas ellas realizadas por el propio Blake Edwards. Completarían el reparto David Niven ("Mesas separadas (1958)") como el seductor ladrón de guante blanco Sir Charles Lytton, Robert Wagner ("Lanza rota (1954)") como el sobrino de éste y las bellas Claudia Cardinale ("Hasta que llegó su hora (1968)") como la princesa Dahla y Capucine ("Satiricón (1969)") como la infiel esposa del inspector Closeau. Entre sus escenas más memorables habría que mencionar el enredo en la habitación del hotel o esa loca persecución automovilística alrededor de la fuente de una plaza bajo atenta mirada de un cariacontecido habitante del pueblo. Como curiosidad, el personaje del inspector Closeau fue pensado inicialmente para el actor Peter Ustinov ("Espartaco (1960)").

Frase para recordar: "En momentos como este me gustaría ser un simple campesino".

La pantera rosaLa pantera rosa

Título original: The Pink Panter.

Director: Blake Edwards.

Intérpretes: David Niven, Peter Sellers, Claudia Cardinale, Robert Wagner.


Trailer:



Información complementaria:
Peter Sellers

Reseña escrita por Jesús Fariña 


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LA PANTERA ROSA (1963). Peter Sellers es el patoso inspector Closeau.

La pantera rosa
Después de triunfar con el drama etílico de Jack Lemmon y Lee Remick en "Días de vino y rosas (1962)", el director Blake Edwards cambiaría de tercio para realizar esta elegante comedia de enredos y situaciones picarescas que pondría al despistado y torpe inspector Closeau en busca de los ladrones de un valioso diamante llamado "La pantera rosa". Blake Edwards en el transcurso del rodaje se pondría en contacto con el animador Friz Freleng (el mismo que daría vida a Bugs Bunny) para que éste le desarrollara un personaje animado que presentara los títulos de créditos del film, quién le iba a decir que dicha creación gozaría de tan fuerte repercusión en el desarrollo de la película hasta el punto de que ésta iba a tener su propia serie de dibujos animados de consolidada fama mundial. Otro de los elementos claves que impulsarían la popularidad de dicho film sería la mítica partitura del Henry Mancini (compositor habitual dentro de la filmografía de Blake Edwards, entre ellas, las ganadoras del óscar "Desayuno con diamantes (1961)" y "¿Victor o Victoria? (1982)") y como no, en la divertida y extraordinaria interpretación del británico Peter Sellers ("El guateque (1968)"), fue tal el carisma y simpatía que desprendería su personaje que llegaría a eclipsar al resto de sus compañeros de rodaje en cada una de sus apariciones. El enorme éxito del actor tras la realización de esta película le consagraría de manera definitiva en la industria cinematográfica, llevándole a protagonizar varias secuelas todas ellas realizadas por el propio Blake Edwards. Completarían el reparto David Niven ("Mesas separadas (1958)") como el seductor ladrón de guante blanco Sir Charles Lytton, Robert Wagner ("Lanza rota (1954)") como el sobrino de éste y las bellas Claudia Cardinale ("Hasta que llegó su hora (1968)") como la princesa Dahla y Capucine ("Satiricón (1969)") como la infiel esposa del inspector Closeau. Entre sus escenas más memorables habría que mencionar el enredo en la habitación del hotel o esa loca persecución automovilística alrededor de la fuente de una plaza bajo atenta mirada de un cariacontecido habitante del pueblo. Como curiosidad, el personaje del inspector Closeau fue pensado inicialmente para el actor Peter Ustinov ("Espartaco (1960)").

Frase para recordar: "En momentos como este me gustaría ser un simple campesino".

La pantera rosaLa pantera rosa

Título original: The Pink Panter.

Director: Blake Edwards.

Intérpretes: David Niven, Peter Sellers, Claudia Cardinale, Robert Wagner.


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Peter Sellers

Reseña escrita por Jesús Fariña 


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el gabinete del doctor galigari
Tras la finalización de la Primera Guerra Mundial surgiría con fuerza el denominado movimiento expresionista alemán, entre sus principales precursores se encontrarían Ernst Lubitsch ("Ninotchka (1939)"), Fritz Lang ("Metropolis (1926)"), Murnau ("Nosferatu (1922)" o Robert Wiene, siendo éste último con el título que guardo tributo quién iniciaría esta vertiente del cine mudo y por que no decirlo, uno de los primeros en tocar la temática sobre los asesinos en serie. El film con guión de Carl Mayer ("Amanecer (1927)") y Hans Janowitz (antes de dedicarse al negocio del petróleo) e inspirado en unos asesinatos reales sucedidos en la cuidad de Hamburgo nos narraba la visita de un misterioso Doctor y su extravagante acompañante (un sonámbulo que lleva durmiendo 23 años y que es capaz de descubrir el futuro de las personas) a un pueblo teutón, produciéndose a partir de su llegada una serie de crímenes que desconcertarían a los habitantes de la zona. Dividida en seis actos y con la presencia de flashback que ayudan narrar la historia, la obra se caracterizaría por la presencia de tétricos y distorsionados decorados habitados de extraños personajes cubiertos de maquillaje (puede apreciarse la influencia de este estilo gótico sobre el realizador Tim Burton ("Eduardo Manostijeras (1990)")) que aumentarían esa atmósfera terrorífica y de desasosiego en cada una de los fotogramas que desarrollan el film. Los encargados de representar a la aterradora y peculiar pareja protagonista serían Werner Kraub ("La tierra en llamas (1922)") como el loco "Dr. Caligari" y Conrad Veidt (actor también visto haciendo de nazi en "Casablanca (1942)" y caracterizado por su enorme altura y acentuada delgadez) como el sonámbulo "Cesare". Éstos volverían a coincidir 4 años  después en la también película de terror "El gabinete de las figuras de cera (1924)". Como curiosidad, a pesar de ser considerada una de las grandes películas que se han hecho en la historia de cine, en el momento de su estreno sufrió el abucheó y la crítica del público presente.

Frase para recordar: "No descansaré hasta comprender todas las cosas terribles que ocurren alrededor".

el gabinete del doctor galigariel gabinete del doctor galigari

Título original: Das Kabinett des Dr. Caligari.

Director: Robert Wiene.

Intérpretes: Werner Kraub, Conrad Veidt, Lil, Dagover, Friedrich Feher.

Trailer: 









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Conrad Veidt

Reseña escrita por Jesús Fariña

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EL GABINETE DEL DOCTOR GALIGARI (1920). El terror del expresionismo alemán.

el gabinete del doctor galigari
Tras la finalización de la Primera Guerra Mundial surgiría con fuerza el denominado movimiento expresionista alemán, entre sus principales precursores se encontrarían Ernst Lubitsch ("Ninotchka (1939)"), Fritz Lang ("Metropolis (1926)"), Murnau ("Nosferatu (1922)" o Robert Wiene, siendo éste último con el título que guardo tributo quién iniciaría esta vertiente del cine mudo y por que no decirlo, uno de los primeros en tocar la temática sobre los asesinos en serie. El film con guión de Carl Mayer ("Amanecer (1927)") y Hans Janowitz (antes de dedicarse al negocio del petróleo) e inspirado en unos asesinatos reales sucedidos en la cuidad de Hamburgo nos narraba la visita de un misterioso Doctor y su extravagante acompañante (un sonámbulo que lleva durmiendo 23 años y que es capaz de descubrir el futuro de las personas) a un pueblo teutón, produciéndose a partir de su llegada una serie de crímenes que desconcertarían a los habitantes de la zona. Dividida en seis actos y con la presencia de flashback que ayudan narrar la historia, la obra se caracterizaría por la presencia de tétricos y distorsionados decorados habitados de extraños personajes cubiertos de maquillaje (puede apreciarse la influencia de este estilo gótico sobre el realizador Tim Burton ("Eduardo Manostijeras (1990)")) que aumentarían esa atmósfera terrorífica y de desasosiego en cada una de los fotogramas que desarrollan el film. Los encargados de representar a la aterradora y peculiar pareja protagonista serían Werner Kraub ("La tierra en llamas (1922)") como el loco "Dr. Caligari" y Conrad Veidt (actor también visto haciendo de nazi en "Casablanca (1942)" y caracterizado por su enorme altura y acentuada delgadez) como el sonámbulo "Cesare". Éstos volverían a coincidir 4 años  después en la también película de terror "El gabinete de las figuras de cera (1924)". Como curiosidad, a pesar de ser considerada una de las grandes películas que se han hecho en la historia de cine, en el momento de su estreno sufrió el abucheó y la crítica del público presente.

Frase para recordar: "No descansaré hasta comprender todas las cosas terribles que ocurren alrededor".

el gabinete del doctor galigariel gabinete del doctor galigari

Título original: Das Kabinett des Dr. Caligari.

Director: Robert Wiene.

Intérpretes: Werner Kraub, Conrad Veidt, Lil, Dagover, Friedrich Feher.

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Conrad Veidt

Reseña escrita por Jesús Fariña

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