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Los trabajadores de un periódico son despedidos casi en su totalidad cuando un rico magnate lo compra. Una avispada periodista publica un montaje en su último artículo en el periódico: una carta donde uno de los empleados despedidos anuncia su suicidio. La carta lleva en su firma el nombre de Juan Nadie. El alcance del artículo es tal, que el periódico se ve en la necesidad de mantener el engaño y crear un Juan Nadie, por lo que encontrarán a un vagabundo que pasará a convertirse en el personaje más popular del momento. La película comienza con unos planos que muestran a los trabajadores de los Estados Unidos de la época: agricultores, mineros, telefonistas…hasta llegar a una sala llena de recién nacidos. Después, los nuevos editores de un periódico promueven un cambio de estilo en la empresa y proceden a despedir a buena parte de sus empleados. Ann Mitchell (Barbara Stanwyck) una sagaz periodista, antes de ser despedida se inventa la carta de protesta de un ciudadano norteamericano en paro desde hace cuatro años, que firma Juan Nadie. Y ante el escándalo y trascendencia, deciden crear a este personaje que se rebelará contra el sistema establecido.
Con guión de Robert Riskin, adaptando la historia de Richard Connell y Robert Presnell Sr, estamos ante otra de las muchas obras que nos dejó el maestro Frank Capra, estrenada en 1941 y con guion de Robert Riskin, Juan Nadie refleja el ambiente de la Depresión en USA. Aquí, como en "Caballero sin espada (1939)", es otro representante del americano medio y de la mayoría silenciosa del país, que se verá obligado a luchar contra el establishment, y el cual, en su fatigoso combate quijotesco, llegará al borde del suicidio y encontrará la redención a través del amor de la protagonista y del sentido común. El mundo de la prensa, de las finanzas y de la política, queda aquí vapuleado con creces, dentro del aire populista de su autor, que a la vez primaba en aquella segunda época roosveltiana.
El duelo interpretativo sentimental entre la ya veterana Barbara Stanwyck y el entonces galán Gary Cooper, que ya había interpretado al Mr. Deeds de "El secreto de vivir" resulta sencillamente encantador y el siempre indispensable Walter Brennan explicando lo que es ser un idiota en los tiempos modernos. En manos de otro director, el final quizá se hubiera resulto de manera distinta, pero Capra apuesta por el final abierto, cruel pero relativamente esperanzador. Resulta una obra muy en la línea Capra, esa línea que se mueve entre la utopía de los sueños y el desencanto de las realidades. Capra nos dejó una serie de maravillosos títulos, fábulas o cuentos morales con un gran poder de atracción y capacidad para que el espectador consiga identificarse con los problemas del héroe, hacer que sean los suyos.
Se trata, pues, de una película modélica, excelentemente fotografiada por George Barnes y con momentos inolvidables, como el discurso que mantiene su interés testimonial de crítica al sistema y a sus estamos, sobre todo a los medios de comunicación y su capacidad de influencia sobre la población y, de bastante actualidad en cuanto a los sensacionalismos se refiere. Una deliciosa propuesta, además llena de connotaciones ideológicas.
Frase para recordar: "Derribad las vallas y terminaréis con muchos odios y prejuicios, tirad todas las vallas del país y así tendréis un verdadero equipo". Título original: Meet John Doe.
Director: Frank Capra.
Intérpretes: Gary Cooper,Barbara Stanwyck,Edward Arnold,Walter Brennan,James Gleason, Ann Doran.
Los trabajadores de un periódico son despedidos casi en su totalidad cuando un rico magnate lo compra. Una avispada periodista publica un montaje en su último artículo en el periódico: una carta donde uno de los empleados despedidos anuncia su suicidio. La carta lleva en su firma el nombre de Juan Nadie. El alcance del artículo es tal, que el periódico se ve en la necesidad de mantener el engaño y crear un Juan Nadie, por lo que encontrarán a un vagabundo que pasará a convertirse en el personaje más popular del momento. La película comienza con unos planos que muestran a los trabajadores de los Estados Unidos de la época: agricultores, mineros, telefonistas…hasta llegar a una sala llena de recién nacidos. Después, los nuevos editores de un periódico promueven un cambio de estilo en la empresa y proceden a despedir a buena parte de sus empleados. Ann Mitchell (Barbara Stanwyck) una sagaz periodista, antes de ser despedida se inventa la carta de protesta de un ciudadano norteamericano en paro desde hace cuatro años, que firma Juan Nadie. Y ante el escándalo y trascendencia, deciden crear a este personaje que se rebelará contra el sistema establecido.
Con guión de Robert Riskin, adaptando la historia de Richard Connell y Robert Presnell Sr, estamos ante otra de las muchas obras que nos dejó el maestro Frank Capra, estrenada en 1941 y con guion de Robert Riskin, Juan Nadie refleja el ambiente de la Depresión en USA. Aquí, como en "Caballero sin espada (1939)", es otro representante del americano medio y de la mayoría silenciosa del país, que se verá obligado a luchar contra el establishment, y el cual, en su fatigoso combate quijotesco, llegará al borde del suicidio y encontrará la redención a través del amor de la protagonista y del sentido común. El mundo de la prensa, de las finanzas y de la política, queda aquí vapuleado con creces, dentro del aire populista de su autor, que a la vez primaba en aquella segunda época roosveltiana.
El duelo interpretativo sentimental entre la ya veterana Barbara Stanwyck y el entonces galán Gary Cooper, que ya había interpretado al Mr. Deeds de "El secreto de vivir" resulta sencillamente encantador y el siempre indispensable Walter Brennan explicando lo que es ser un idiota en los tiempos modernos. En manos de otro director, el final quizá se hubiera resulto de manera distinta, pero Capra apuesta por el final abierto, cruel pero relativamente esperanzador. Resulta una obra muy en la línea Capra, esa línea que se mueve entre la utopía de los sueños y el desencanto de las realidades. Capra nos dejó una serie de maravillosos títulos, fábulas o cuentos morales con un gran poder de atracción y capacidad para que el espectador consiga identificarse con los problemas del héroe, hacer que sean los suyos.
Se trata, pues, de una película modélica, excelentemente fotografiada por George Barnes y con momentos inolvidables, como el discurso que mantiene su interés testimonial de crítica al sistema y a sus estamos, sobre todo a los medios de comunicación y su capacidad de influencia sobre la población y, de bastante actualidad en cuanto a los sensacionalismos se refiere. Una deliciosa propuesta, además llena de connotaciones ideológicas.
Frase para recordar: "Derribad las vallas y terminaréis con muchos odios y prejuicios, tirad todas las vallas del país y así tendréis un verdadero equipo". Título original: Meet John Doe.
Director: Frank Capra.
Intérpretes: Gary Cooper,Barbara Stanwyck,Edward Arnold,Walter Brennan,James Gleason, Ann Doran.
El orgullo de los yanquis es un biopic sobre el legendario jugador profesional de béisbol norteamericano Lou Gehrig. La cinta se centra en la carrera profesional de la estrella del béisbol en el equipo de los Yankess de Nueva York en la época de crisis del crack bursátil del 29.
Con guión de Paul Gallico, adaptado por Herman J. Swerling y J. Mankiewcz, (coguionista de "Ciudadano Kane (1941)") y con la figura de Samuel Goldwin como productor, la cinta nos cuenta como desde la infancia, Gehring, nacido en 1903 en el seno de una familia modesta de inmigrantes alemanes, hijo de una cocinera en una residencia de la Universidad de Columbia, la cual pretende que estudie ingeniería, sueña con convertirse en jugador profesional de béisbol, mientras trabaja como camarero. Juega como defensa y pitcher en el equipo de fútbol y béisbol de la Universidad con muy buenos resultados. Será un seguidor y crítico deportivo, Sam Blake, quien ve en Lou un futuro prometedor como bateador, consiguiéndole una entrevista con el entrenador del mítico equipo.
A pesar de la oposición materna, Lou se iniciará en el deporte, teniendo como maestro a la estrella consagrada del béisbol, Babe Ruth. Lou se convertirá en una estrella y figura mítica en el Club de los Yankees, interviniendo en más de dos mil partidos, hasta que el diagnostico de Esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una enfermedad degenerativa, desconocida en ese momento, lo apartó del campo de juego. El jugador empezó a sentir los síntomas de la enfermedad a la edad de 30 años, pero a medida que la enfermedad iba avanzando, su rendimiento físico disminuyó debido a la debilidad muscular propia de la enfermedad.
El orgullo de los yanquis es un magnífico e intenso film, un drama magníficamente fotografiado por Rudolph Maté. Rodada en plena Segunda Guerra Mundial , la cinta ensalza la figura del héroe patriótico, tan característico del cine de Hollywood de la época, puesto que los EEUU se habían incorporado recientemente a la guerra, en este caso, una figura deportiva y el valor de superación ante la enfermedad que alcanzó fama, gloria y probó las mieles del éxito en vida, y que alcanza su zénit más dramático en el homenaje multitudinario que se le tributó como uno de los mejores jugadores de la historia con el número cuatro en su camiseta, en 1939 en el Yankee Stadium y momento final del film. Gehring, conocido como "el caballero de hierro, teniendo en su haber 2.130 partidos disputados consecutivamente, este ídolo de masas" se retiró en 1938, fue relevado por otro jugador mítico, Joe DiMaggio, el cual continuó llevando al equipo al éxito. Murió en 1941. La cinta se rodó tan solo un año después de su fallecimiento.
Sam Wood, autor de obras como "Una noche en la Ópera (1935)", "Un día en las carreras (1937)" "Adiós, Mister Chips (1939)" o "¿Por quién doblan las campanas? (1943)" y a partir de 1944 detentó la presidencia de la ultraconservadora Alianza Cinematográfica para la Preservación de los Ideales Americanos, dirige en esta notable película, ágil y dramática, pero no exenta de escenas de humor, y con excelente montaje a cargo de de Daniel Mandell ("Los mejores años de nuestra vida, 1946)") a Gary Cooper, el galán prototipo y actor ideal para encarnar el orgullo y valores norteamericanos, es Lou Gehring; le acompañan en el elenco, Teresa Wrigt que encarna a Ellie, la amorosa y entregada esposa de Lou, y Walter Brenan como el periodista deportivo Sam Blake. La película tuvo diez nominaciones a los Óscars, obteniendo el premio al mejor montaje de Daniel Mandell.
Frase para recordar:"Hoy me considero el hombre más afortunado en la faz de la tierra".
Título original: The Pride of the Yankees.
Director: Sam Wood.
Intérpretes: Gary Cooper, Teresa Wright, Babe Ruth, Walter Brennan, Dan Duryea, Elsa Janssen, Ludwig Stössel, Virginia Gilmore.
El orgullo de los yanquis es un biopic sobre el legendario jugador profesional de béisbol norteamericano Lou Gehrig. La cinta se centra en la carrera profesional de la estrella del béisbol en el equipo de los Yankess de Nueva York en la época de crisis del crack bursátil del 29.
Con guión de Paul Gallico, adaptado por Herman J. Swerling y J. Mankiewcz, (coguionista de "Ciudadano Kane (1941)") y con la figura de Samuel Goldwin como productor, la cinta nos cuenta como desde la infancia, Gehring, nacido en 1903 en el seno de una familia modesta de inmigrantes alemanes, hijo de una cocinera en una residencia de la Universidad de Columbia, la cual pretende que estudie ingeniería, sueña con convertirse en jugador profesional de béisbol, mientras trabaja como camarero. Juega como defensa y pitcher en el equipo de fútbol y béisbol de la Universidad con muy buenos resultados. Será un seguidor y crítico deportivo, Sam Blake, quien ve en Lou un futuro prometedor como bateador, consiguiéndole una entrevista con el entrenador del mítico equipo.
A pesar de la oposición materna, Lou se iniciará en el deporte, teniendo como maestro a la estrella consagrada del béisbol, Babe Ruth. Lou se convertirá en una estrella y figura mítica en el Club de los Yankees, interviniendo en más de dos mil partidos, hasta que el diagnostico de Esclerosis lateral amiotrófica (ELA), una enfermedad degenerativa, desconocida en ese momento, lo apartó del campo de juego. El jugador empezó a sentir los síntomas de la enfermedad a la edad de 30 años, pero a medida que la enfermedad iba avanzando, su rendimiento físico disminuyó debido a la debilidad muscular propia de la enfermedad.
El orgullo de los yanquis es un magnífico e intenso film, un drama magníficamente fotografiado por Rudolph Maté. Rodada en plena Segunda Guerra Mundial , la cinta ensalza la figura del héroe patriótico, tan característico del cine de Hollywood de la época, puesto que los EEUU se habían incorporado recientemente a la guerra, en este caso, una figura deportiva y el valor de superación ante la enfermedad que alcanzó fama, gloria y probó las mieles del éxito en vida, y que alcanza su zénit más dramático en el homenaje multitudinario que se le tributó como uno de los mejores jugadores de la historia con el número cuatro en su camiseta, en 1939 en el Yankee Stadium y momento final del film. Gehring, conocido como "el caballero de hierro, teniendo en su haber 2.130 partidos disputados consecutivamente, este ídolo de masas" se retiró en 1938, fue relevado por otro jugador mítico, Joe DiMaggio, el cual continuó llevando al equipo al éxito. Murió en 1941. La cinta se rodó tan solo un año después de su fallecimiento.
Sam Wood, autor de obras como "Una noche en la Ópera (1935)", "Un día en las carreras (1937)" "Adiós, Mister Chips (1939)" o "¿Por quién doblan las campanas? (1943)" y a partir de 1944 detentó la presidencia de la ultraconservadora Alianza Cinematográfica para la Preservación de los Ideales Americanos, dirige en esta notable película, ágil y dramática, pero no exenta de escenas de humor, y con excelente montaje a cargo de de Daniel Mandell ("Los mejores años de nuestra vida, 1946)") a Gary Cooper, el galán prototipo y actor ideal para encarnar el orgullo y valores norteamericanos, es Lou Gehring; le acompañan en el elenco, Teresa Wrigt que encarna a Ellie, la amorosa y entregada esposa de Lou, y Walter Brenan como el periodista deportivo Sam Blake. La película tuvo diez nominaciones a los Óscars, obteniendo el premio al mejor montaje de Daniel Mandell.
Frase para recordar:"Hoy me considero el hombre más afortunado en la faz de la tierra".
Título original: The Pride of the Yankees.
Director: Sam Wood.
Intérpretes: Gary Cooper, Teresa Wright, Babe Ruth, Walter Brennan, Dan Duryea, Elsa Janssen, Ludwig Stössel, Virginia Gilmore.
El sargento York narra la verdadera historia de uno de los héroes nacionales americanos de la Primera Guerra Mundial en el bienio de 1916 a 1918, Alvin C. York. Un modesto granjero de Tennessee, algo bruto, con gran corazón y pacifista convencido y que se declara objetor de conciencia, el cual es obligado a alistarse en 1917. Tras leer la historia de su país, al final siente la necesidad de combatir para defender los ideales de su patria. Sin embargo, cuando regresó como triunfador del frente europeo, ya que fue héroe a pesar suyo, rechazaría los ofrecimientos que le hicieran para enriquecerse, y solo aceptó del Estado un terreno fértil para poderse casar.
Se trata de una película controvertida, debido al tono claramente propagandístico, pero que se entiende por el contexto sociopolítico en que fue realizada, muy poco antes de que los Estados Unidos entrasen en la contienda tras el ataque de Pearl Harbor.
Con un sólido guion, en el que intervinieron John Huston y el propio realizador, entre otros, basado en los diarios y la biografía de Alvin C. York, se reconstruyeron algunas de las principales batallas francesas, de forma realista y espectacular. Asimismo, constituyó la consagración de Gary Cooper como galán, obteniendo su primer Óscar por este trabajo.
Howard Hawks presenta un relato donde desmenuza la evolución de un hombre sencillo y puro, que cree poder hacerlo todo por sí mismo, pero que en el fondo cuenta con la ayuda de Dios para lograrlo, dada la religiosidad de York y su creencia de que no hay que matar a ningún ser humano. Entonces, ¿Cómo conciliarlo con el hecho de ser llamado a filas para ir a combatir contra los alemanes en el frente de Francia? Para ello se recurre a transformar la creencia de York en un discurso sobre la democracia de la mano de un oficial en el cuartel, con la ayuda de la figura de Daniel Boone y un libro sobre la historia de América. Un retrato en esencia muy americano, de ciudadano medio, al que la fe religiosa, por indeterminada que sea, anima para las grandes gestas.
Con una acumulación impecable de elementos técnicos necesarios para rodar las escenas de las batallas y con una interpretación extraordinaria, Howard Hawks consigue realizar un magnífico film de guerra. Así, el Reverendo Rosief Pile es encarnando por el magnífico Walter Brennan, un sólido actor con más de 200 interpretaciones, cincuenta años de carrera y ganador de tres premios Óscar, y que ha brillado con la misma intensidad que los protagonistas a los que acompañó a lo largo de su dilatada carrera.
Alvin York, no daba permiso para rodar la cinta si su personaje no era interpretado por Gary Cooper el cual evoluciona su personaje, desde el granjero inicial, vital, enérgico, algo simple poco ilustrado, hasta el héroe militar en el que se convierte debido a su valor y entrega a la causa, defendiendo, como no puede ser de otra manera, la libertad americana.
Si bien, puede resultar una cinta algo blanda, en su tratamiento hacia el conflicto bélico, puesto que donde más incide es en los valores personales y no en el propio conflicto bélico, El sargento York es una película importante, amén de su resultado, sino como reflejo de la mentalidad de una época, así como un testimonio histórico de lo que pensaban muchos norteamericanos sobre la Gran Guerra o, pensarían después, influidos por esta cinta, rodada precisamente en plena segunda contienda.
Frase para recordar:
"York, ¿qué cree usted que buscaba Daniel Boon al adentrarse en esas tierras desconocidas? ¿buscaría nuevas tierras? ..Buscaba mucho más, algo que un hombre no puede ver con los ojos ni tocar con las manos, algo que algunos hombres no saben lo que vale hasta que lo pierden: la libertad, hermosa palabra, libertad. Yo creo que buscaba eso".
Título original: Sergeant York.
Director: Howard Hawks.
Intérpretes: Gary Cooper, Walter Brennan, George Tobias, Joan Leslie, Ward Bond, Margaret Wycherly, Stanley Ridges, Noah Beery Jr., Pat Flaherty.
El sargento York narra la verdadera historia de uno de los héroes nacionales americanos de la Primera Guerra Mundial en el bienio de 1916 a 1918, Alvin C. York. Un modesto granjero de Tennessee, algo bruto, con gran corazón y pacifista convencido y que se declara objetor de conciencia, el cual es obligado a alistarse en 1917. Tras leer la historia de su país, al final siente la necesidad de combatir para defender los ideales de su patria. Sin embargo, cuando regresó como triunfador del frente europeo, ya que fue héroe a pesar suyo, rechazaría los ofrecimientos que le hicieran para enriquecerse, y solo aceptó del Estado un terreno fértil para poderse casar.
Se trata de una película controvertida, debido al tono claramente propagandístico, pero que se entiende por el contexto sociopolítico en que fue realizada, muy poco antes de que los Estados Unidos entrasen en la contienda tras el ataque de Pearl Harbor.
Con un sólido guion, en el que intervinieron John Huston y el propio realizador, entre otros, basado en los diarios y la biografía de Alvin C. York, se reconstruyeron algunas de las principales batallas francesas, de forma realista y espectacular. Asimismo, constituyó la consagración de Gary Cooper como galán, obteniendo su primer Óscar por este trabajo.
Howard Hawks presenta un relato donde desmenuza la evolución de un hombre sencillo y puro, que cree poder hacerlo todo por sí mismo, pero que en el fondo cuenta con la ayuda de Dios para lograrlo, dada la religiosidad de York y su creencia de que no hay que matar a ningún ser humano. Entonces, ¿Cómo conciliarlo con el hecho de ser llamado a filas para ir a combatir contra los alemanes en el frente de Francia? Para ello se recurre a transformar la creencia de York en un discurso sobre la democracia de la mano de un oficial en el cuartel, con la ayuda de la figura de Daniel Boone y un libro sobre la historia de América. Un retrato en esencia muy americano, de ciudadano medio, al que la fe religiosa, por indeterminada que sea, anima para las grandes gestas.
Con una acumulación impecable de elementos técnicos necesarios para rodar las escenas de las batallas y con una interpretación extraordinaria, Howard Hawks consigue realizar un magnífico film de guerra. Así, el Reverendo Rosief Pile es encarnando por el magnífico Walter Brennan, un sólido actor con más de 200 interpretaciones, cincuenta años de carrera y ganador de tres premios Óscar, y que ha brillado con la misma intensidad que los protagonistas a los que acompañó a lo largo de su dilatada carrera.
Alvin York, no daba permiso para rodar la cinta si su personaje no era interpretado por Gary Cooper el cual evoluciona su personaje, desde el granjero inicial, vital, enérgico, algo simple poco ilustrado, hasta el héroe militar en el que se convierte debido a su valor y entrega a la causa, defendiendo, como no puede ser de otra manera, la libertad americana.
Si bien, puede resultar una cinta algo blanda, en su tratamiento hacia el conflicto bélico, puesto que donde más incide es en los valores personales y no en el propio conflicto bélico, El sargento York es una película importante, amén de su resultado, sino como reflejo de la mentalidad de una época, así como un testimonio histórico de lo que pensaban muchos norteamericanos sobre la Gran Guerra o, pensarían después, influidos por esta cinta, rodada precisamente en plena segunda contienda.
Frase para recordar:
"York, ¿qué cree usted que buscaba Daniel Boon al adentrarse en esas tierras desconocidas? ¿buscaría nuevas tierras? ..Buscaba mucho más, algo que un hombre no puede ver con los ojos ni tocar con las manos, algo que algunos hombres no saben lo que vale hasta que lo pierden: la libertad, hermosa palabra, libertad. Yo creo que buscaba eso".
Título original: Sergeant York.
Director: Howard Hawks.
Intérpretes: Gary Cooper, Walter Brennan, George Tobias, Joan Leslie, Ward Bond, Margaret Wycherly, Stanley Ridges, Noah Beery Jr., Pat Flaherty.
No lo voy a negar, adoro a la famosa "Cuadrilla del parche" que tantas y tan buenas películas nos han dejado como legado. Decantarse por alguno de sus excelsos miembros es una dura decisión, aunque mi "yo actual" lo haga por Fritz Lang mi "yo infantil" es más poderoso y lo hace por Raoul Walsh, respetando a Ford, para mí el gran maestro del cine de acción y aventuras del periodo clásico. Una época en la que el cine era romance e ingenuidad, en el mejor sentido de la expresión. Y no un maestro cualquiera sino el maestro absoluto del cine de aventuras, que es el que mejor le define. Walsh fue poco a poco imprimiendo el sello indeleble de su personalidad en todos sus filmes tocando todos los géneros desde el cine negro, bélico… hasta la comedia o el musical. Pero no queda aquí la cosa, también era un auténtico experto obteniendo una película nueva en la forma pero auténticamente un remake en el fondo. En 1949 reconvirtió la estupenda obra de cine negro "El último refugio (1941)" en un western tan espléndido como sombrío llamado "Juntos hasta la muerte" donde la historia de Burnett alcanza nuevas dimensiones. En 1951 hizo algo muy parecido con una de sus obras maestras "Objetivo: Birmania (1945)" la cual tomo como fuente poco disimulada para Tambores lejanos un atípico western, un southeastern diría yo, ya que este transcurre en los pantanos de Florida durante la segunda Guerra Seminola.
Walsh, como de costumbre, imprime a los ciento y pico minutos de duración de la película un ritmo narrativo vigoroso, trepidante, sin concesiones, amplificado por la grandiosa partitura de Max Steiner y la colorista fotografía de Sid Hickox. La historia y sus personajes es lo de menos, aunque no por ello estén descuidados. El teniente Tufts de la marina estadounidense con voz en off nos narra en forma de flash back como en 1840, en la Península de Florida, el intrépido capitán Quincy Wyatt (Gary Cooper) y su pequeño batallón, tropas especiales en el combate en pantanos tienen la difícil misión de destruir una fortaleza en la que un grupo de contrabandistas guarda fusiles, munición, pólvora y explosivos que suministra a los indígenas. Las explosiones empleadas en la destrucción de dicha fortaleza pone en pie de guerra al jefe Ocala y sus fieros seminolas que hostigaran a nuestro protagonista y sus tropas que verán su marcha ralentizada por la necesidad de llevar consigo un grupo de rehenes rescatados del fuerte hasta tal punto que les es imposible coger el transporte que les debería llevar de vuelta. Solo les queda una única salida, emprender una apresurada huida a través de los temidos manglares y los pantanos de los everglades hacia las líneas norteamericanas.
Llegando a ser una encarnizada lucha de supervivencia en un terreno tan hostil. Walsh presenta una naturaleza tan feroz como cautivadora humanizada simbólicamente en los plumajes, las vestimentas y el sonido remoto de los tambores de los seminolas que son retratados como parte de esa amenaza permanente del entorno natural, como una fuerza más de la naturaleza hostil que se niega al avance civilizador de los blancos. A todo esto a nuestro valiente, buen luchador, guapo, Sr. Cooper cuya vida en la jungla representa la anhelada conjunción con la naturaleza, de una existencia armónica entre el hombre y su entorno le da tiempo en mitad de la vibrante persecución a afeitarse con cuchillo y encandilar a una de las cautivas rescatadas del fuerte, Judy Beckett (Mari Aldon) sin pestañear.
Tambores lejanos lejos de ser una de las mejores obras de Walsh no deja de ser un producto agradable a la vista, vibrante en su construcción pero sobre todo en lo que más destaca es en su originalidad, un western donde no hay caballos (por supuesto tampoco grandes cabalgadas) ni vacas, ni grandes paisajes abiertos en las verdes praderas o en el árido desierto. Al contrario, nos sumergimos rápidamente en el ambiente asfixiante y cerrado de una jungla tropical, con cocodrilos, pájaros multicolores y los indios Seminolas, que no tienen absolutamente nada que ver con el típico apache, sioux, comanche, Cheyenne,…. Aquí los encontramos vestidos de brillantes colores.
Aparte como casi todos los filmes de este gran cineasta, hay un montón de anécdotas que la rodean desde la conocida por todos los cinéfilos de que fue en esta cinta la primera vez que se utilizó el conocido grito Wilhem (por dos veces, a falta de una), hasta que la mayoría de los indios eran semínolas de verdad, y que estos se rebelaron durante el rodaje estando a punto de lastimar a mi adorado Walsh.
Título original: Distant Drums.
Director: Raoul Walsh.
Intérpretes: Gary Cooper, Mari Aldon, Richard Webb, Arthur Hunnicutt, Ray Teal, Robert Barrat, Clancy Cooper.
No lo voy a negar, adoro a la famosa "Cuadrilla del parche" que tantas y tan buenas películas nos han dejado como legado. Decantarse por alguno de sus excelsos miembros es una dura decisión, aunque mi "yo actual" lo haga por Fritz Lang mi "yo infantil" es más poderoso y lo hace por Raoul Walsh, respetando a Ford, para mí el gran maestro del cine de acción y aventuras del periodo clásico. Una época en la que el cine era romance e ingenuidad, en el mejor sentido de la expresión. Y no un maestro cualquiera sino el maestro absoluto del cine de aventuras, que es el que mejor le define. Walsh fue poco a poco imprimiendo el sello indeleble de su personalidad en todos sus filmes tocando todos los géneros desde el cine negro, bélico… hasta la comedia o el musical. Pero no queda aquí la cosa, también era un auténtico experto obteniendo una película nueva en la forma pero auténticamente un remake en el fondo. En 1949 reconvirtió la estupenda obra de cine negro "El último refugio (1941)" en un western tan espléndido como sombrío llamado "Juntos hasta la muerte" donde la historia de Burnett alcanza nuevas dimensiones. En 1951 hizo algo muy parecido con una de sus obras maestras "Objetivo: Birmania (1945)" la cual tomo como fuente poco disimulada para Tambores lejanos un atípico western, un southeastern diría yo, ya que este transcurre en los pantanos de Florida durante la segunda Guerra Seminola.
Walsh, como de costumbre, imprime a los ciento y pico minutos de duración de la película un ritmo narrativo vigoroso, trepidante, sin concesiones, amplificado por la grandiosa partitura de Max Steiner y la colorista fotografía de Sid Hickox. La historia y sus personajes es lo de menos, aunque no por ello estén descuidados. El teniente Tufts de la marina estadounidense con voz en off nos narra en forma de flash back como en 1840, en la Península de Florida, el intrépido capitán Quincy Wyatt (Gary Cooper) y su pequeño batallón, tropas especiales en el combate en pantanos tienen la difícil misión de destruir una fortaleza en la que un grupo de contrabandistas guarda fusiles, munición, pólvora y explosivos que suministra a los indígenas. Las explosiones empleadas en la destrucción de dicha fortaleza pone en pie de guerra al jefe Ocala y sus fieros seminolas que hostigaran a nuestro protagonista y sus tropas que verán su marcha ralentizada por la necesidad de llevar consigo un grupo de rehenes rescatados del fuerte hasta tal punto que les es imposible coger el transporte que les debería llevar de vuelta. Solo les queda una única salida, emprender una apresurada huida a través de los temidos manglares y los pantanos de los everglades hacia las líneas norteamericanas.
Llegando a ser una encarnizada lucha de supervivencia en un terreno tan hostil. Walsh presenta una naturaleza tan feroz como cautivadora humanizada simbólicamente en los plumajes, las vestimentas y el sonido remoto de los tambores de los seminolas que son retratados como parte de esa amenaza permanente del entorno natural, como una fuerza más de la naturaleza hostil que se niega al avance civilizador de los blancos. A todo esto a nuestro valiente, buen luchador, guapo, Sr. Cooper cuya vida en la jungla representa la anhelada conjunción con la naturaleza, de una existencia armónica entre el hombre y su entorno le da tiempo en mitad de la vibrante persecución a afeitarse con cuchillo y encandilar a una de las cautivas rescatadas del fuerte, Judy Beckett (Mari Aldon) sin pestañear.
Tambores lejanos lejos de ser una de las mejores obras de Walsh no deja de ser un producto agradable a la vista, vibrante en su construcción pero sobre todo en lo que más destaca es en su originalidad, un western donde no hay caballos (por supuesto tampoco grandes cabalgadas) ni vacas, ni grandes paisajes abiertos en las verdes praderas o en el árido desierto. Al contrario, nos sumergimos rápidamente en el ambiente asfixiante y cerrado de una jungla tropical, con cocodrilos, pájaros multicolores y los indios Seminolas, que no tienen absolutamente nada que ver con el típico apache, sioux, comanche, Cheyenne,…. Aquí los encontramos vestidos de brillantes colores.
Aparte como casi todos los filmes de este gran cineasta, hay un montón de anécdotas que la rodean desde la conocida por todos los cinéfilos de que fue en esta cinta la primera vez que se utilizó el conocido grito Wilhem (por dos veces, a falta de una), hasta que la mayoría de los indios eran semínolas de verdad, y que estos se rebelaron durante el rodaje estando a punto de lastimar a mi adorado Walsh.
Título original: Distant Drums.
Director: Raoul Walsh.
Intérpretes: Gary Cooper, Mari Aldon, Richard Webb, Arthur Hunnicutt, Ray Teal, Robert Barrat, Clancy Cooper.
Will Kane (Gary Cooper), ha sido
el honrado sheriff durante muchos años de un pequeño pueblo del viejo Oeste
llamado Hadleyville. Pero al contraer matrimonio con una bella joven procedente
del Este, Amy (Grace Kelly), decide apostar por una vida más segura y abandonar
su trabajo para instalarse como comerciante en otros asentamientos más
civilizados y urbanitas. Sin embargo, tras finalizar la
ceremonia de boda y antes de que los enamorados puedan iniciar su propia luna
de miel, llega al pueblo la noticia de que un despiadado criminal, Miller (Ian
MacDonald), atrapado por Kane años atrás y que juró venganza en su juicio,
acaba de salir de prisión. La noticia atemoriza a todo el
pueblo y crea un dilema en nuestro protagonista que debe decidir entre partir
rápidamente con su reciente esposa y huir del peligro dejando al pueblo sin
ninguna figura de autoridad hasta que llegue el nuevo Sheriff al día siguiente. Todos somos testigos del
desembarco en la estación de tren de la antigua banda de pistoleros del
villano, compuesta por tres forajidos, los cuales inician la tensa espera que
pone en alerta a todos los habitantes del pequeño pueblo. Inicialmente, Kane y su esposa
abandonan el pueblo preocupados fundamentalmente por su propia seguridad. Sin
embargo, el sentido del deber y el peso de la responsabilidad inclinará la
balanza y determinará el destino de Will Kane.
Nadie apoya su decisión, la
consideran demasiado arriesgada e inútil. Su propia esposa Amy lo amenazará con
partir en el tren del mediodía, el mismo que llegará al pueblo trayendo al
forajido vengativo. Pese a no contar con ningún apoyo y recibir diferentes presiones,
decepciones y desencuentros con personas que consideraba grandes amigos,
seguirá empecinado en mantener su labor de sheriff hasta el final. Todos le
volverán la espalda, excepto su antigua amante Helen Ramírez (Katy Jurado). Zinnemann dirige esta peculiar
historia de western, con la ayuda del productor Stanley Kramer y del guionista
Carl Foreman, el cual en septiembre de 1951, durante su rodaje tuvo que
presentarse ante el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas. Como
se negó a brindar información, pasó a integrar las listas negras. Por tanto, es
fácil entender que sea una alegoría de la propia situación personal de su
guionista. La situación particular vivida
por el sheriff se va narrando en tiempo real con un planteamiento más propio de
una cinta de suspense que de un western. Zinnemann, consigue mantener la
tensión haciendo que el espectador imagine la violencia que se avecina y para
ello cuenta con objetos simbólicos que transmiten un mensaje aterrador, como el
plano que muestra la silla vacía desde donde el condenado amenazó de muerte a
Kane, la presencia en las vías del tren de tres pistoleros esperando a que el
reloj marque las doce en punto del mediodía y la llegada del tren y,
especialmente simbólico, es la presentación discontinua pero permanente del
reloj marcando las horas, los minutos, los segundos que parecen describir una
muerte anunciada de un hombre. Una figura de autoridad que ha dedicado años en
mantener la ley en un pequeño asentamiento de colonos, los cuales son descritos
como olvidadizos, desagradecidos, y pseudorrazonadores de una cobardía que no
tiene más explicación que el propio egoísmo humano y la falta de solidaridad.
Durante la mayor parte del
metraje, la trama avanza sin tiroteos, sin ninguna escena de acción en espacios
abiertos, algo inusual en los westerns. El relato va describiendo las
diferentes excusas que busca cada individuo para no afrontar sus propios miedos
y miserias. La fuerza dramática de la música
de Dimitri Tiomkin apoya dos elementos fundamentales: al protagonista, dándole
mayor profundidad a la interpretación de Gary Cooper, y al suspense creado
gracias a la colaboración del montador Elmo Williams que supo convertir una
película del oeste en una historia de suspense a contrarreloj. Fue él quien
tuvo la idea de que la película durara exactamente lo mismo que la acción del
film, es decir, 84 minutos. Para indicarlo insertó una serie de planos de un
reloj que iba avanzando en tiempo real y que además provocaba una tensión en
aumento ante la llegada de la hora del ataque. Dimitri Tiomkin era por entonces
uno de los autores más respetados de Hollywood. Había destacado junto al
director Frank Capra en títulos como "Juan Nadie (1941)" o "¡Qué bello es vivir! (1946)" o al
lado de Alfred Hitchcock en "La sombra de una duda (1943)". También había compuesto
música para alguna película del oeste como "Duelo al sol (1946)". Pero Tiomkin tenía
en mente una idea nueva, quería comenzar la película con una balada cantada que
acompañara las primeras imágenes y los títulos de crédito, algo que hasta
entonces no se había hecho nunca. Contrató los servicios del cantante de
country Tex Ritter y se puso a ensayar con la letra de la canción, la cual
avanzaba al espectador la historia que iba a presenciar en la película. Era una
canción melancólica en la que el protagonista rogaba a su esposa que no le
abandonara. Una canción que describía a un hombre roto por el dolor pero firme
en su decisión de enfrentarse a su destino pese a que nadie quisiera
acompañarle en ese trance.
Había sido compuesta para guitarra,
acordeón y novacord, una especie de sintetizador primitivo que simulaba el
trote de un caballo. Pero Tiomkin hizo algo más que adornar los títulos de
crédito con esta canción, la convirtió en el centro mismo de la banda sonora.
Así, la melodía, ya sea de forma cantada o instrumental en diferentes
variaciones, suena repetidas veces a lo largo de toda la película. A diferencia
de muchos westerns anteriores, el subrayado musical es bastante más abundante
en "Solo ante el peligro". La música está presente en 70 de los 84 minutos que
dura el film. En muchas secuencias es el elemento que sostiene toda la acción. La puesta en escena es muy
correcta y sobria gracias a la excelente fotografía de Floyd Crosby, capaz de
transmitir tanto con sus primeros planos de los rostros como en el último tramo
del esperado tiroteo. La ansiada escena de acción final trae grandes sorpresas
bajo la manga y lo hace en parte gracias a unos encuadres fotográficos
excelentes. La actuación de Gary Cooper es
colosal, manteniendo un rostro grave y sereno con una mezcla de pena y
desencanto que resulta ideal para el personaje. En una de las escenas finales
donde se nos muestra la soledad de Kane, comienza con un primer plano del
rostro del protagonista para abrirse posteriormente en un gran plano que
muestra todo el pueblo vacío, polvoriento y silencioso. Su actitud final, casi un icono
del cine, dignifica aún más la defensa de sus principios. Estamos ante un western
diferente, una sólida narración con una única escena final de acción y que
mantiene un ritmo de suspense casi terrorífico gracias a la magistral dirección
de Zinneman, un gran montaje, la banda sonora innovadora de Tiomkin y la
excelente fotografía de Floyd Crosby. Zinneman un año más tarde
firmaría su gran obra "De aquí a la eternidad (1953)" contando con el mismo maestro de
fotografía Floyd Crosby, relatando todo un alegato frente a la violencia dentro
del propio ejército en un soberbio melodrama coral de grandes pasiones humanas.
Título original: High Noon.
Director: Fred
Zinnemann.
Intérpretes: Gary
Cooper, Grace
Kelly, Thomas
Mitchell, Lloyd
Bridges, Katy
Jurado, Lee
Van Cleef, Otto
Kruger, Lon
Chaney Jr.
Will Kane (Gary Cooper), ha sido
el honrado sheriff durante muchos años de un pequeño pueblo del viejo Oeste
llamado Hadleyville. Pero al contraer matrimonio con una bella joven procedente
del Este, Amy (Grace Kelly), decide apostar por una vida más segura y abandonar
su trabajo para instalarse como comerciante en otros asentamientos más
civilizados y urbanitas. Sin embargo, tras finalizar la
ceremonia de boda y antes de que los enamorados puedan iniciar su propia luna
de miel, llega al pueblo la noticia de que un despiadado criminal, Miller (Ian
MacDonald), atrapado por Kane años atrás y que juró venganza en su juicio,
acaba de salir de prisión. La noticia atemoriza a todo el
pueblo y crea un dilema en nuestro protagonista que debe decidir entre partir
rápidamente con su reciente esposa y huir del peligro dejando al pueblo sin
ninguna figura de autoridad hasta que llegue el nuevo Sheriff al día siguiente. Todos somos testigos del
desembarco en la estación de tren de la antigua banda de pistoleros del
villano, compuesta por tres forajidos, los cuales inician la tensa espera que
pone en alerta a todos los habitantes del pequeño pueblo. Inicialmente, Kane y su esposa
abandonan el pueblo preocupados fundamentalmente por su propia seguridad. Sin
embargo, el sentido del deber y el peso de la responsabilidad inclinará la
balanza y determinará el destino de Will Kane.
Nadie apoya su decisión, la
consideran demasiado arriesgada e inútil. Su propia esposa Amy lo amenazará con
partir en el tren del mediodía, el mismo que llegará al pueblo trayendo al
forajido vengativo. Pese a no contar con ningún apoyo y recibir diferentes presiones,
decepciones y desencuentros con personas que consideraba grandes amigos,
seguirá empecinado en mantener su labor de sheriff hasta el final. Todos le
volverán la espalda, excepto su antigua amante Helen Ramírez (Katy Jurado). Zinnemann dirige esta peculiar
historia de western, con la ayuda del productor Stanley Kramer y del guionista
Carl Foreman, el cual en septiembre de 1951, durante su rodaje tuvo que
presentarse ante el Comité Parlamentario sobre Actividades Antiamericanas. Como
se negó a brindar información, pasó a integrar las listas negras. Por tanto, es
fácil entender que sea una alegoría de la propia situación personal de su
guionista. La situación particular vivida
por el sheriff se va narrando en tiempo real con un planteamiento más propio de
una cinta de suspense que de un western. Zinnemann, consigue mantener la
tensión haciendo que el espectador imagine la violencia que se avecina y para
ello cuenta con objetos simbólicos que transmiten un mensaje aterrador, como el
plano que muestra la silla vacía desde donde el condenado amenazó de muerte a
Kane, la presencia en las vías del tren de tres pistoleros esperando a que el
reloj marque las doce en punto del mediodía y la llegada del tren y,
especialmente simbólico, es la presentación discontinua pero permanente del
reloj marcando las horas, los minutos, los segundos que parecen describir una
muerte anunciada de un hombre. Una figura de autoridad que ha dedicado años en
mantener la ley en un pequeño asentamiento de colonos, los cuales son descritos
como olvidadizos, desagradecidos, y pseudorrazonadores de una cobardía que no
tiene más explicación que el propio egoísmo humano y la falta de solidaridad.
Durante la mayor parte del
metraje, la trama avanza sin tiroteos, sin ninguna escena de acción en espacios
abiertos, algo inusual en los westerns. El relato va describiendo las
diferentes excusas que busca cada individuo para no afrontar sus propios miedos
y miserias. La fuerza dramática de la música
de Dimitri Tiomkin apoya dos elementos fundamentales: al protagonista, dándole
mayor profundidad a la interpretación de Gary Cooper, y al suspense creado
gracias a la colaboración del montador Elmo Williams que supo convertir una
película del oeste en una historia de suspense a contrarreloj. Fue él quien
tuvo la idea de que la película durara exactamente lo mismo que la acción del
film, es decir, 84 minutos. Para indicarlo insertó una serie de planos de un
reloj que iba avanzando en tiempo real y que además provocaba una tensión en
aumento ante la llegada de la hora del ataque. Dimitri Tiomkin era por entonces
uno de los autores más respetados de Hollywood. Había destacado junto al
director Frank Capra en títulos como "Juan Nadie (1941)" o "¡Qué bello es vivir! (1946)" o al
lado de Alfred Hitchcock en "La sombra de una duda (1943)". También había compuesto
música para alguna película del oeste como "Duelo al sol (1946)". Pero Tiomkin tenía
en mente una idea nueva, quería comenzar la película con una balada cantada que
acompañara las primeras imágenes y los títulos de crédito, algo que hasta
entonces no se había hecho nunca. Contrató los servicios del cantante de
country Tex Ritter y se puso a ensayar con la letra de la canción, la cual
avanzaba al espectador la historia que iba a presenciar en la película. Era una
canción melancólica en la que el protagonista rogaba a su esposa que no le
abandonara. Una canción que describía a un hombre roto por el dolor pero firme
en su decisión de enfrentarse a su destino pese a que nadie quisiera
acompañarle en ese trance.
Había sido compuesta para guitarra,
acordeón y novacord, una especie de sintetizador primitivo que simulaba el
trote de un caballo. Pero Tiomkin hizo algo más que adornar los títulos de
crédito con esta canción, la convirtió en el centro mismo de la banda sonora.
Así, la melodía, ya sea de forma cantada o instrumental en diferentes
variaciones, suena repetidas veces a lo largo de toda la película. A diferencia
de muchos westerns anteriores, el subrayado musical es bastante más abundante
en "Solo ante el peligro". La música está presente en 70 de los 84 minutos que
dura el film. En muchas secuencias es el elemento que sostiene toda la acción. La puesta en escena es muy
correcta y sobria gracias a la excelente fotografía de Floyd Crosby, capaz de
transmitir tanto con sus primeros planos de los rostros como en el último tramo
del esperado tiroteo. La ansiada escena de acción final trae grandes sorpresas
bajo la manga y lo hace en parte gracias a unos encuadres fotográficos
excelentes. La actuación de Gary Cooper es
colosal, manteniendo un rostro grave y sereno con una mezcla de pena y
desencanto que resulta ideal para el personaje. En una de las escenas finales
donde se nos muestra la soledad de Kane, comienza con un primer plano del
rostro del protagonista para abrirse posteriormente en un gran plano que
muestra todo el pueblo vacío, polvoriento y silencioso. Su actitud final, casi un icono
del cine, dignifica aún más la defensa de sus principios. Estamos ante un western
diferente, una sólida narración con una única escena final de acción y que
mantiene un ritmo de suspense casi terrorífico gracias a la magistral dirección
de Zinneman, un gran montaje, la banda sonora innovadora de Tiomkin y la
excelente fotografía de Floyd Crosby. Zinneman un año más tarde
firmaría su gran obra "De aquí a la eternidad (1953)" contando con el mismo maestro de
fotografía Floyd Crosby, relatando todo un alegato frente a la violencia dentro
del propio ejército en un soberbio melodrama coral de grandes pasiones humanas.
Título original: High Noon.
Director: Fred
Zinnemann.
Intérpretes: Gary
Cooper, Grace
Kelly, Thomas
Mitchell, Lloyd
Bridges, Katy
Jurado, Lee
Van Cleef, Otto
Kruger, Lon
Chaney Jr.
París.
Claude Chavasse (Maurice Chevalier) es un detective privado, viudo, que vive
con su hija Ariane (Audrey Hepburn), una hermosa joven violonchelista que es
demasiado curiosa con los informes de los casos de su padre ya que Chavasse se
ocupa sobre todo de casos de adulterios, infidelidades amorosas y otros engaños
amorosos, lo que atrae la atención de Ariane. Frank Flannagan (Gary Cooper) es
un maduro playboy norteamericano que está pasando unos días en París y que
resulta ser el amante de la esposa de un cliente del padre de Ariane que ha
contratado sus servicios. Ambos planean tenderle una trampa en el hotel en el
que se aloja Flannagan -el famoso hotel Ritz- y pillar a su esposa adúltera in
fraganti. Pero Ariane acude a salvarle y se enamora perdidamente de Frank. El
maduro seductor, para sus conquistas lleva siempre consigo a cuatro músicos
gitanos, como complemento a sus trucos de conquista. Es todo un don Juan. Por
ello, Ariane, que es una joven totalmente inocente e inexperta se hace pasar
por una mujer de mundo y también seductora, para despertar el interés de
Flannagan. Un año después, los amantes vuelven a tener un encuentro en la Ópera
de París. Es entonces cuando ella se inventa una larga lista de amantes, lo que
despierta en Flannagan unos terribles celos que le hacen darse cuenta de que el
don Juan parece haber sido derrotado por la deliciosa Ariane... Inolvidable
comedia del vienés Billy Wilder, con guión adaptado de su inestimable y
habitual colaborador I.A.L. Diamond adaptando la novela de Claude Anet. Audrey
Hepburn volvió a ser la elegida por Wilder después de haberle deslumbrado en
"Sabrina (1954)".
El director siempre decía que "Sólo hacían falta 5
minutos para enamorarse perdidamente de ella". Para el papel de Flannagan
se pensó en Cary Grant, actor con el que Billy Wilder nunca tuvo la suerte de
poder contar en una de sus películas. Pero el actor, debido a sus compromisos
no pudo aceptar el ofrecimiento. Tendría la fortuna de trabajar junto a Audrey
en "Charada (1963)" pero en esa ocasión, a las órdenes de Stanley
Donen. Gary Cooper, que ya empezaba a mostrar signos de su enfermedad, acababa
de triunfar clamorosamente con "La gran Prueba (1956)" a las órdenes
de William Wyler. El popular actor, de los más grandes, nos había regalado joyas
como "La octava mujer de barba Azul" de Ernst Lubitch, natural de
Montana, debutó muy joven, en 1925, en la última etapa del cine mudo. Después
de "Marruecos (1930)" o "Only the brave (1930)", intervino
en la gran película "Adios a las armas (1933)" de Frank Borzage, junto
a Helen Hayes, adaptación de la popular novela de Ernest Hemingway. Después
llegarían importantes películas como "Tres lanceros bengalíes (1935)"
de Henry Hatthaway, "Deseo (1936)", de Frank Borzage, "Bufalo
Bill (1938)" de Cecil B. DeMille o "Beau Geste (1939)" de William
A. Wellmann, especializándose en el género de aventuras. En los años 40 Cooper
intervino en obras maestras como "Policía montada del Canadá (1940)"
de Cecil B. DeMille, "Juan Nadie (1941)" del gran Fran Capra, "El
sargento York (1944)" de Howard Hawks o "¿Por quién doblan las
campanas? (1943)", a las órdenes de Orson Welles. En los años 50 grandes
joyas del western como "Tambores Lejanos (1951)" de Raoul Walsh o
"Sólo ante el Peligro (1952)" de Fred Zinnemann junto a una muy
jovencita Grace Kelly y la popularísima "Veracruz (1954)" de Robert
Aldrich, junto a una joven Sara Montiel y a Burt Lancaster. Posteriormente
llegarían "La gran Prueba (1956)" y la que nos ocupa,
"Ariane (1957)". Posteriormente "El árbol del
ahorcado (1959)" de Delmer Daves.
La adicción al tabaco acabó provocándole
la muerte en 1961 a causa de un cáncer de pulmón y dejando a Hollywood y al
cine mundial algo huérfano, lo mismo que ocurriría con las pérdidas de Humphrey
Bogart y Clark Gable, por aquellos años también. Audrey Hepburn conquistó el
corazón del maduro Cooper, como ya lo haría con el resto de sus compañeros de
reparto a lo largo de su carrera. La actriz, de origen belga, que debía su
extraordinaria delgadez a una desnutrición provocada en los años de la Segunda
Guerra Mundial, Había debutado en Broadway en 1951 con la obra
"Gigi", de Colette, y en el cine, junto a Gregory Peck en
"Vacaciones en Roma (1953)". El año siguiente Billy Wilder quedó
absolutamente conquistado por ella en "Sabrina (1954)", junto a
Humphrey Bogart y William Holden quien estuvo perdidamente enamorado de Hepburn
durante años. Después llegarían sus sonoros éxitos "Una cara conángel (1957)" de Stanley Donen, junto a Fred Astaire, y la gran
superproducción de Dino de Laurentis "Guerra y Paz (1956)", dirigida
por King Vidor, junto a Henry Fonda y el que sería su marido durante años, Mel
Ferrer. Entonces llegó "Ariane", que no tuvo tanto éxito comercial
como "Sabrina", también de Wilder pero que es una comedia encantadora
y con los toques muy cómicos del popular director, especialista en el género.
Después de "Ariane", todavía llegaría lo mejor de la carrera de
Audrey, con la muy dura "La Calumnia (1961)" y la deliciosa
"Desayuno con Diamantes (1961)". Cuando parecía que ya había tocado el
cielo del olimpo, a Audrey le tocó la suerte de protagonizar, a parte de la
popular comedia de Donen "Charada", junto a Cary Grant, la obra
maestra musical de George Cukor "My Fair Lady (1964)", con el sabor
agridulce de ser doblada en las canciones por Marni Nixon a pesar del enorme
éxito de su personaje de la florista Eliza Doolittle. Posteriormente la comedia
"Como robar un millón (1966)" de William Wyler, la maravillosa
"Dos en la carretera (1967)" de Stanley Donen y "Sola en la
oscuridad (1967)" de Terence Young con su soberbia interpretación, en el
papel de una ciega, que le valió una nueva nominación al Óscar.
Por su retiro
durante una década para criar a sus dos hijos, Sean y Luca, parecía que ya no
le quedaba nada por hacer a Hepburn en el mundo del cine, cuando, de la mano
de Richard Lester volvió a emocionar a todos sus fans con la maravillosa
película "Robin y Marian (1976)". Tras años dedicada a las causas
sociales en su labor como embajadora de la Unicef Audrey falleció a los 63 años
a causa de un cáncer de cólon, en 1993. Completa el trío interpretativo el
popular Maurice Chevalier, apunto,un año después, de regalarnos su maravilloso
Honoré Lachaille en "Gigi (1958)" a las órdenes de Vincente Minnelli.
Muy popular actor, rey del Music Hall, Chevalier dominó el género musical. Muy
popular fue su famosa interpretación en "La viuda alegre (1933)", de
Ernst Lubitch. El resto de su filmografía ya se desarrolló extensamente en la
reseña de "Gigi (1958)". El popular director vienés Billy Wilder,
exiliado en los EEUU debido a la expansión de la Alemania nazi, dominó, a parte
de la comedia todos los géneros, buena muestra de ello es la tremenda
"Días sin Huella (1945)" de los estragos del alcoholismo con un
tremendo Ray Milland y una soberbia Jane Wyman. Nos dejó también como legado la
impresionante "El crepúsculo de los dioses (1950)" con Willian Holden
y Gloria Swanson, interpretando a una vieja estrella del cine mudo, Norma
Dersmond, en el ocaso de su carrera. A finales de los años 50 Wilder fue
decantándose más por la comedia, muestras de ello "Sabrina (1954)",
"La tentación vive arriba (1955)" y "Con faldas y a lo loco (1959)", estas dos últimas junto a Marilyn Monroe, a quien el director
consiguió convertir en una enorme actriz, más que una simple modelo como se la
solía tener encasillada. En lo años 60 colaboró con el gran actor Jack Lemmon
en su "joya de la corona", la ganadora de 5 Óscars incluyendo el
relativo a la mejor película, "El apartamento (1960)", junto a Shirley
MacLaine, repitiendo los tres en la deliciosa "Irma La dulce (1963)",
y posteriormente surgió el bombazo de la unión de esa maravillosa pareja
cómica: Lemmon-Matthau, a partir de "En bandeja de plata (1966)",
teniendo tan buena química y una estrecha amistad los tres que repitieron con
"Primera plana (1974)" y "Aquí un amigo (1982)". Wilder ha
sido de los más grandes directores que nos ha dado el séptimo arte, sin lugar a
dudas. La película que nos ocupa, "Ariane", es una historia de amor,
celos y engaños absolutamente deliciosa con la que además, Audrey Hepburn volvió
a demostrar su encanto natural y sus dotes para tener una buena química con un
actor de una generación distinta a la suya como era Gary Cooper.
Frase para recordar: "Querido Señor Flannagan, contestando a su pregunta del número
de hombres en mi vida, le doy la lista detallada de mis amantes: Numero 1 un
profesor de Álgebra pelirrojo, número 2 un muchacho muy dulce que ahora es
misionero en el África ecuatorial francesa, número 3 un maestro de
equitación...un auténtico cosaco...".
París.
Claude Chavasse (Maurice Chevalier) es un detective privado, viudo, que vive
con su hija Ariane (Audrey Hepburn), una hermosa joven violonchelista que es
demasiado curiosa con los informes de los casos de su padre ya que Chavasse se
ocupa sobre todo de casos de adulterios, infidelidades amorosas y otros engaños
amorosos, lo que atrae la atención de Ariane. Frank Flannagan (Gary Cooper) es
un maduro playboy norteamericano que está pasando unos días en París y que
resulta ser el amante de la esposa de un cliente del padre de Ariane que ha
contratado sus servicios. Ambos planean tenderle una trampa en el hotel en el
que se aloja Flannagan -el famoso hotel Ritz- y pillar a su esposa adúltera in
fraganti. Pero Ariane acude a salvarle y se enamora perdidamente de Frank. El
maduro seductor, para sus conquistas lleva siempre consigo a cuatro músicos
gitanos, como complemento a sus trucos de conquista. Es todo un don Juan. Por
ello, Ariane, que es una joven totalmente inocente e inexperta se hace pasar
por una mujer de mundo y también seductora, para despertar el interés de
Flannagan. Un año después, los amantes vuelven a tener un encuentro en la Ópera
de París. Es entonces cuando ella se inventa una larga lista de amantes, lo que
despierta en Flannagan unos terribles celos que le hacen darse cuenta de que el
don Juan parece haber sido derrotado por la deliciosa Ariane... Inolvidable
comedia del vienés Billy Wilder, con guión adaptado de su inestimable y
habitual colaborador I.A.L. Diamond adaptando la novela de Claude Anet. Audrey
Hepburn volvió a ser la elegida por Wilder después de haberle deslumbrado en
"Sabrina (1954)".
El director siempre decía que "Sólo hacían falta 5
minutos para enamorarse perdidamente de ella". Para el papel de Flannagan
se pensó en Cary Grant, actor con el que Billy Wilder nunca tuvo la suerte de
poder contar en una de sus películas. Pero el actor, debido a sus compromisos
no pudo aceptar el ofrecimiento. Tendría la fortuna de trabajar junto a Audrey
en "Charada (1963)" pero en esa ocasión, a las órdenes de Stanley
Donen. Gary Cooper, que ya empezaba a mostrar signos de su enfermedad, acababa
de triunfar clamorosamente con "La gran Prueba (1956)" a las órdenes
de William Wyler. El popular actor, de los más grandes, nos había regalado joyas
como "La octava mujer de barba Azul" de Ernst Lubitch, natural de
Montana, debutó muy joven, en 1925, en la última etapa del cine mudo. Después
de "Marruecos (1930)" o "Only the brave (1930)", intervino
en la gran película "Adios a las armas (1933)" de Frank Borzage, junto
a Helen Hayes, adaptación de la popular novela de Ernest Hemingway. Después
llegarían importantes películas como "Tres lanceros bengalíes (1935)"
de Henry Hatthaway, "Deseo (1936)", de Frank Borzage, "Bufalo
Bill (1938)" de Cecil B. DeMille o "Beau Geste (1939)" de William
A. Wellmann, especializándose en el género de aventuras. En los años 40 Cooper
intervino en obras maestras como "Policía montada del Canadá (1940)"
de Cecil B. DeMille, "Juan Nadie (1941)" del gran Fran Capra, "El
sargento York (1944)" de Howard Hawks o "¿Por quién doblan las
campanas? (1943)", a las órdenes de Orson Welles. En los años 50 grandes
joyas del western como "Tambores Lejanos (1951)" de Raoul Walsh o
"Sólo ante el Peligro (1952)" de Fred Zinnemann junto a una muy
jovencita Grace Kelly y la popularísima "Veracruz (1954)" de Robert
Aldrich, junto a una joven Sara Montiel y a Burt Lancaster. Posteriormente
llegarían "La gran Prueba (1956)" y la que nos ocupa,
"Ariane (1957)". Posteriormente "El árbol del
ahorcado (1959)" de Delmer Daves.
La adicción al tabaco acabó provocándole
la muerte en 1961 a causa de un cáncer de pulmón y dejando a Hollywood y al
cine mundial algo huérfano, lo mismo que ocurriría con las pérdidas de Humphrey
Bogart y Clark Gable, por aquellos años también. Audrey Hepburn conquistó el
corazón del maduro Cooper, como ya lo haría con el resto de sus compañeros de
reparto a lo largo de su carrera. La actriz, de origen belga, que debía su
extraordinaria delgadez a una desnutrición provocada en los años de la Segunda
Guerra Mundial, Había debutado en Broadway en 1951 con la obra
"Gigi", de Colette, y en el cine, junto a Gregory Peck en
"Vacaciones en Roma (1953)". El año siguiente Billy Wilder quedó
absolutamente conquistado por ella en "Sabrina (1954)", junto a
Humphrey Bogart y William Holden quien estuvo perdidamente enamorado de Hepburn
durante años. Después llegarían sus sonoros éxitos "Una cara conángel (1957)" de Stanley Donen, junto a Fred Astaire, y la gran
superproducción de Dino de Laurentis "Guerra y Paz (1956)", dirigida
por King Vidor, junto a Henry Fonda y el que sería su marido durante años, Mel
Ferrer. Entonces llegó "Ariane", que no tuvo tanto éxito comercial
como "Sabrina", también de Wilder pero que es una comedia encantadora
y con los toques muy cómicos del popular director, especialista en el género.
Después de "Ariane", todavía llegaría lo mejor de la carrera de
Audrey, con la muy dura "La Calumnia (1961)" y la deliciosa
"Desayuno con Diamantes (1961)". Cuando parecía que ya había tocado el
cielo del olimpo, a Audrey le tocó la suerte de protagonizar, a parte de la
popular comedia de Donen "Charada", junto a Cary Grant, la obra
maestra musical de George Cukor "My Fair Lady (1964)", con el sabor
agridulce de ser doblada en las canciones por Marni Nixon a pesar del enorme
éxito de su personaje de la florista Eliza Doolittle. Posteriormente la comedia
"Como robar un millón (1966)" de William Wyler, la maravillosa
"Dos en la carretera (1967)" de Stanley Donen y "Sola en la
oscuridad (1967)" de Terence Young con su soberbia interpretación, en el
papel de una ciega, que le valió una nueva nominación al Óscar.
Por su retiro
durante una década para criar a sus dos hijos, Sean y Luca, parecía que ya no
le quedaba nada por hacer a Hepburn en el mundo del cine, cuando, de la mano
de Richard Lester volvió a emocionar a todos sus fans con la maravillosa
película "Robin y Marian (1976)". Tras años dedicada a las causas
sociales en su labor como embajadora de la Unicef Audrey falleció a los 63 años
a causa de un cáncer de cólon, en 1993. Completa el trío interpretativo el
popular Maurice Chevalier, apunto,un año después, de regalarnos su maravilloso
Honoré Lachaille en "Gigi (1958)" a las órdenes de Vincente Minnelli.
Muy popular actor, rey del Music Hall, Chevalier dominó el género musical. Muy
popular fue su famosa interpretación en "La viuda alegre (1933)", de
Ernst Lubitch. El resto de su filmografía ya se desarrolló extensamente en la
reseña de "Gigi (1958)". El popular director vienés Billy Wilder,
exiliado en los EEUU debido a la expansión de la Alemania nazi, dominó, a parte
de la comedia todos los géneros, buena muestra de ello es la tremenda
"Días sin Huella (1945)" de los estragos del alcoholismo con un
tremendo Ray Milland y una soberbia Jane Wyman. Nos dejó también como legado la
impresionante "El crepúsculo de los dioses (1950)" con Willian Holden
y Gloria Swanson, interpretando a una vieja estrella del cine mudo, Norma
Dersmond, en el ocaso de su carrera. A finales de los años 50 Wilder fue
decantándose más por la comedia, muestras de ello "Sabrina (1954)",
"La tentación vive arriba (1955)" y "Con faldas y a lo loco (1959)", estas dos últimas junto a Marilyn Monroe, a quien el director
consiguió convertir en una enorme actriz, más que una simple modelo como se la
solía tener encasillada. En lo años 60 colaboró con el gran actor Jack Lemmon
en su "joya de la corona", la ganadora de 5 Óscars incluyendo el
relativo a la mejor película, "El apartamento (1960)", junto a Shirley
MacLaine, repitiendo los tres en la deliciosa "Irma La dulce (1963)",
y posteriormente surgió el bombazo de la unión de esa maravillosa pareja
cómica: Lemmon-Matthau, a partir de "En bandeja de plata (1966)",
teniendo tan buena química y una estrecha amistad los tres que repitieron con
"Primera plana (1974)" y "Aquí un amigo (1982)". Wilder ha
sido de los más grandes directores que nos ha dado el séptimo arte, sin lugar a
dudas. La película que nos ocupa, "Ariane", es una historia de amor,
celos y engaños absolutamente deliciosa con la que además, Audrey Hepburn volvió
a demostrar su encanto natural y sus dotes para tener una buena química con un
actor de una generación distinta a la suya como era Gary Cooper.
Frase para recordar: "Querido Señor Flannagan, contestando a su pregunta del número
de hombres en mi vida, le doy la lista detallada de mis amantes: Numero 1 un
profesor de Álgebra pelirrojo, número 2 un muchacho muy dulce que ahora es
misionero en el África ecuatorial francesa, número 3 un maestro de
equitación...un auténtico cosaco...".
Un sheriff con alta carga de moralidad y de heroicidad casi suicida se enfrenta a 4 forajidos el mismo día de su boda y en posteriores momentos de dejar su cargo de defensor de la ley, es lo que nos cuenta esta historia dirigida por Fred Zinnemann,donde también destacaría de su filmografía, a parte del título que hago mención, la mítica ("De aquí a la eternidad (1953)" y con un guión de Carl Foreman ( guionista que a pesar de sufrir de la denominada Lista Negra en el periodo del Macarthismo, no le impidió dejar para la historia del cine guiones de la talla de "El puente sobre el río Kwai (1957)"."El ídolo de barro (1949)" o "Cyrano de Bergerac (1950)"). Clásico del género del western donde señalaría la angustia del personaje principal y su lucha de realizar lo correcto a pesar de sufrir el abandono de un pueblo cobarde y desagradecido, todo representado a un tiempo real que llena de tensión la espera de la llegada del villano de la función (pero bajo mi opinión decrece con un final algo apurado). Destacable el papel de Gary Cooper como héroe preocupado, me pareció genial la elección del director de presentar al protagonista con un rostro deteriorado reflejando la intranquidad y angustia que invade al personaje en todo momento. En el reparto podemos ver a Lloyd Bridges (padre del siempre interesante Jeff Bridges) como sheriff celoso que da la espalda al protagonista, a una guapa Grace Kelly como esposa de Gary Cooper y a un debutante y joven Lee Van Cleef en un breve papel de villano (que curiosamente no dice ni una frase en toda la película) , algo que le marcaría durante el resto de su carrera cinematográfica. Como curiosidad, antes de elegir a Gary Cooper para el papel protagonista se pensaron en actores como Charlton Heston, Montgomery Clift, Gregory Peck y Marlon Brando.
Frase para recordar:"Claro que necesito tu ayuda, pero no quiero comprarla, tiene que salir de ti."
Título original: High noon. Director: Fred Zinnemann Intérpretes: Gary Cooper, Grace Kelly, Lloys Bridge, Katy Jurado
Un sheriff con alta carga de moralidad y de heroicidad casi suicida se enfrenta a 4 forajidos el mismo día de su boda y en posteriores momentos de dejar su cargo de defensor de la ley, es lo que nos cuenta esta historia dirigida por Fred Zinnemann,donde también destacaría de su filmografía, a parte del título que hago mención, la mítica ("De aquí a la eternidad (1953)" y con un guión de Carl Foreman ( guionista que a pesar de sufrir de la denominada Lista Negra en el periodo del Macarthismo, no le impidió dejar para la historia del cine guiones de la talla de "El puente sobre el río Kwai (1957)"."El ídolo de barro (1949)" o "Cyrano de Bergerac (1950)"). Clásico del género del western donde señalaría la angustia del personaje principal y su lucha de realizar lo correcto a pesar de sufrir el abandono de un pueblo cobarde y desagradecido, todo representado a un tiempo real que llena de tensión la espera de la llegada del villano de la función (pero bajo mi opinión decrece con un final algo apurado). Destacable el papel de Gary Cooper como héroe preocupado, me pareció genial la elección del director de presentar al protagonista con un rostro deteriorado reflejando la intranquidad y angustia que invade al personaje en todo momento. En el reparto podemos ver a Lloyd Bridges (padre del siempre interesante Jeff Bridges) como sheriff celoso que da la espalda al protagonista, a una guapa Grace Kelly como esposa de Gary Cooper y a un debutante y joven Lee Van Cleef en un breve papel de villano (que curiosamente no dice ni una frase en toda la película) , algo que le marcaría durante el resto de su carrera cinematográfica. Como curiosidad, antes de elegir a Gary Cooper para el papel protagonista se pensaron en actores como Charlton Heston, Montgomery Clift, Gregory Peck y Marlon Brando.
Frase para recordar:"Claro que necesito tu ayuda, pero no quiero comprarla, tiene que salir de ti."
Título original: High noon. Director: Fred Zinnemann Intérpretes: Gary Cooper, Grace Kelly, Lloys Bridge, Katy Jurado
